sábado, 31 de agosto de 2024

Capitán Avispa - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: La historia se desarrolla en Avispatrópolis y el Reino de la Miel los cuales viven en armonía en el panal protegidos por el Héroe de ambos, el Capitán Avispa, pero su archi-enemigo Avispón Jaques Poison y sus secuaces planean acabar con esa paz y apoderarse de ambas colonias. Está en las manos de este insecto defender a los suyos a toda costa, como siempre, con nobleza, justicia e inocencia.


"Qué bueno es, a veces, lo esencial", es lo que uno piensa al sumergirse en "Avispatrópolis: El Capitán Avispa y el Reino de la Miel", una película que, sin grandes pretensiones, se despliega ante a nuestros ojos como un animado cuento de abejas con corazón. Con un estilo que nos envuelve en la nostalgia de aquellas historias que nos contaban nuestros padres, esta pieza nos recuerda la importancia de los valores más simples: la nobleza, la justicia, y esa ternura infantil que tanto nos hace falta hoy día. El Capitán Avispa, un héroe que parece sacado de un libro mágico olvidado, lleva sobre sus pequeñas alas la responsabilidad de proteger a su gente, y lo hace con una inocencia difícil de encontrar. Es una película para todos, una propuesta cinematográfica que nos recuerda que papás, hijos, y hasta abuelos, pueden disfrutar juntos, transversalmente y sin complicaciones.

Los villanos, encabezados por el carismático Avispón Jaques Poison, añaden el contraste necesario para que la historia agarre vuelo. La trama, muy sencilla, nos introduce en el plan concebido por este malulo y que desestabiliza la paz del Reino de la Miel. Las persecuciones y las escaramuzas que se suceden son lo suficientemente entretenidas para mantenernos alertas, especialmente cuando la batalla se libra no solo por el control del panal, sino por el futuro de todos los habitantes del lugar. Aunque el conflicto es importante, la película no pierde esa ligereza que la hace agradable, tal como si se tratara de un vuelo suave en un tranquilo día de verano.

Ahora, hablemos de la música, porque aquí la cosa se pone interesante. Las canciones de fondo -todas de Juan Luis Guerra, quien también es productor-, en las escenas de acción son, por decir lo menos, una apuesta bastante arriesgada y no siempre encajan. Es como si se contrapusieran con el vértigo de la propia historia; raro, no cuadran. Sin embargo, cuando esos pegajosos ritmos y acordes suenan en los bailes y en los momentos de celebración, ahí sí que funcionan. ¡Bien por la bachata! El ambiente se siente muy cómodo, como en casa, y todo cobra sentido.

En la batalla final, muy clásica en su forma, vemos al Capitán Avispa enfrentarse no solo a sus enemigos, sino también a sus propias dudas. Aquí es donde la película culmina en alza al valorar la transmisión de un legado, poniendo en relieve siempre la verdad y la bondad. “Capitán Avispa”, se transforma en una película que, con su simpleza, le habla al niño que llevamos dentro, nos deja con una sonrisa, y con la certeza que, a veces, lo más valioso es también lo más sencillo.

Ficha técnica

Título original: Capitán Avispa
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: República Dominicana
Compañías: Guerra Films, Guerra Toons. Productor: Juan Luis Guerra. Distribuidora: Caribbean Films Distribution, Spanglish Movies
Género: Animación. Aventuras. Acción | Superhéroes. Insectos
Guion: Gustavo Lopez, Miguel Yarull. Idea: Juan Luis Guerra
Música: Juan Luis Guerra
Fotografía: Animación
Reparto: Voces de Luis Fonsi, Joy Huerta, Juanes, Juan Luis Guerra
Dirección: Jean Gabriel Guerra, Jonnathan Melendez

viernes, 30 de agosto de 2024

Exhuma: la Tumba del Diablo - Por Juan Pablo Donoso

Compleja, larga y prolija obra de terror coreana. Cargada de ritos folclóricos para combatir maldiciones.

Queriendo vender una parcela en la montaña, hallan la tumba de un anciano sepultado por un monje asesino japonés.

Al abrir el ataúd en la morgue, un espectro malévolo salió volando. Ahora visita a sus descendientes primogénitos causándoles dolor y muerte.

Una pareja de jóvenes chamanes orientales, contratados para exorcizar demonios, serán víctimas de los mismos leviatanes que combaten.

Dividida en varios capítulos, cada uno culmina con un mini clímax. Tiene el mérito de crear terror atmosférico sin abusar de efectismos comerciales.

Con muchas escenas nocturnas aumentan el ámbito siniestro. Mas, se acumulan tantos incidentes fatales que a ratos cuesta diferenciar a muchos personajes secundarios.

El filme pareciera tener dos partes. La primera más realista y cotidiana. La segunda, más dantesca y con demonios multiplicándose hasta convertirse en bolas de fuego. Sin duda, una obra de horror bien elaborada, y con actores solventes de distintas edades.

¿Adónde conduce tan extensa epopeya tenebrosa? Tal vez a dejar a los muertos en paz.

RECARGADA PESADILLA MORTUORIA - LLENA DE SÍMBOLOS - DONDE HASTA LOS DEMONIOS DE LA GUERRA REGRESAN A TOMAR VENGANZA.

Ficha técnica

Título Original: Pamyo
2024 Terror, misterio, historia bélica Corea del Sur - 2, 14 hrs. 
Fotografía: Lee Mo-gae 
Música: Kim Tae-seong 
Actores: Choi Min-sik. Lee Do-hyun, Kim Go-eun 
Guionista y Director: Jang Jae-hyun

Exhuma - Por Jackie O.

"Estacas de hierro... cultura y folclore mortal"


Estamos ante la historia de la joven chamana Hwa-rim y su gran amigo y colaborador Bong-gil, quienes acuden a una llamada de ayuda procedente de Estados Unidos, donde el primogénito de la millonaria familia Park padece una enfermedad desconocida y también su recién nacido hijo, así como su padre; el trabajo está bien pagado, por lo que lo aceptan, y perciben que el origen del mal está en un antepasado de dicha familia, para lo cual vuelven a Corea y buscan a un geomantista experto en feng shui, Kim Sang-deok, y un sepulturero amigo. Entonces, comienzan a averiguar donde está ese antepasado enterrado, revisan la zona con minuciosidad con el fin de exhumar la tumba en el norte de la provincia de Gangwon-do.
 
La tumba no tiene nombre, está en un cerro alejado, y estos expertos no entienden por qué, sospechan que algo no anda bien. La familia dice no tener datos al respecto, y permiten que exhumen el cuerpo pero con la clara indicación de que no le realicen las típicas ceremonias que su costumbre indica cuando se exhuma un cuerpo antes de cremarlo o cambiarlo de sepultura. Solo pide el "cliente" que su bisabuelo sea cremado sin abrir el fino ataúd.

Pero un escrupuloso empleado de la morgue, y al saber que los difuntos se entierran con riquezas, intenta abrir el ataúd liberando a una entidad desconocida, y maligna.

Estamos ante una historia que se cuece lentamente, contada en corto capítulos para ir conociendo a los partícipes, y sus costumbres orientales que son muy interesantes, incluso podemos encontrarlas raras, pero ellos las siguen y respetan sagradamente. Eso hace que nos vamos interesando en la historia que nos van contando.
De cómo tradiciones antiguas aún se mantienen, de cómo se respeta la muerte así como la vida de las personas.

Una cinta que no tiene esos saltos (jump scare) que se esperan o abundan en las películas, muchas veces a la fuerza, con ruidos o imágenes. Acá no es necesario. El suspenso es presentado de forma más ceremonial y el terror de manera ambiental.
Genera tensión más que sobresalto, pues tiene un ritmo muy bien controlado.
Buenas actuaciones de todos ya que son grandes actores, en especial el legendario Choi Min-sik. La ambientación está muy bien detallada, así como la música ambiental. Los efectos visuales funcionan bien, sin ser muy destacados. Con una gran paleta de colores que hace una buena fotografía.

Vida y muerte, el descanso de los vivos dependiendo del descanso de los muertos. Creencias ancestrales. Espíritus y vida eterna, posesiones espirituales. Y la Historia de Corea con la ocupación japonesa, se puede obtener a lo largo de la película.

Ficha técnica

Dirección y guion: Jang Jae-hyun
Jang Jae-hyun
Música: Kim Tae-seong
Fotografía: Lee Mo-gae
Montaje: Jung Byung-jin
Protagonistas: Choi Min-sik, Kim Go-eun, Yoo Hae-jin, Lee Do-hyun
Corea del Sur - 2024
134 minutos

jueves, 29 de agosto de 2024

El ladrón de perros - Por Jackie O.

"Desesperanza infantil"


Estamos ante la historia de un estudiante preadolescente, llamado Martin, quien es huérfano y está al cuidado de una mujer que trabaja como asesora de hogar puertas adentro, y sobrevive trabajando como lustrabotas en la ciudad de La Paz, enfrentando día a día la discriminación y bullying de sus compañeros de colegio y la pobreza que lo afecta.

Hasta que conoce a un sastre del sector, es un sujeto adulto y solitario, y Martín comienza a hacer lo posible por acercarse cada vez más a él, ya que cree que es su padre. Ese acercamiento hace que este sastre conocido como Novoa, comience a aceptar su amistad. Pero Martín planea el secuestro del hermoso perro de Novoa para pedir rescate y ganar dinero, cosa cruel, por la tristeza de este animalito que se ve al extrañar a su amo, y del mismo Novoa.
¿Martín hace esto por venganza y que sufra Novoa? O ¿Es la forma de conseguir dinero con un rescate, y así llevar una vida mejor?

Mediante la falta de este perro en Novoa, comienza más el acercamiento con Martín, y eso a este joven le gusta. Es la atención que siempre quiso, por lo que en la confusa cabeza de este preadolescente, no sabe si devolver el perro o seguir siendo "visible" para Novoa.

La película esta ambientado en los contrastes de una ciudad marcada por la desigualdad, con planos generales, donde ayudan también los efectos de sonido con música alegre o disparos de fondo en algún momento. También captura los gestos de los actores en buenos primeros planos, donde vemos a este joven con un rostro endurecido por el trabajo callejero y la tristeza.
Pero tiene guion poco atractivo, que mantenga la intensidad del relato. Sí, nos muestra una desigualdad social, y la falta de la paternidad en un huérfano, relato que pudo haber sido mucho más atractivo si se hubiera arriesgado para obtener un buen clímax en algún momento, el que nunca llega.

Solo nos quedamos con una cinta que nos hace ver realidades: desigualdad social, bullying, temas de adopción, abandono y otros, que nos hace pensar de qué forma contribuimos en esta sociedad para hacerla mejor, Y qué hace el Estado para mejorar esas temáticas.

Ficha técnica

The Dog Thief
2024. Bolivia
Duración: 90 min.
Dirección: Vinko Tomičić
Reparto: Alfredo Castro, Franklin Aro, Teresa Ruiz, María Luque, Julio César Altamirano, Ninón Dávalos.

miércoles, 28 de agosto de 2024

El ladrón de perros - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Martín, un joven lustrabotas de 14 años que trabaja en las calles de La Paz, decide robar el perro de su mejor cliente, Novoa, un solitario sastre a quien Martín ha comenzado a imaginar como su padre.


Gracias a la hermosa fotografía a cargo de Sergio Armstrong, esta pieza escrita y dirigida por Vinko Tomičić toma fuerza en la medida que avanza en metraje. Encuadres especiales y un sonido de excelente calidad, suman bonos a un tratamiento cinematográfico que da cuenta de un transito, un seguimiento ágil y profundo a un adolescente que comienza a descubrir el mundo con sus propios ojos.

Martin -Franklin Aro-, tiene la autoestima en el suelo. Menospreciado y víctima de buylling en el colegio, su escapatoria es trabajar limpiando zapatos en el centro de la ciudad. Se tapa la cara con un pasamontañas, no por frío ni por otras razones, solo se quiere ocultar del mundo que lo acosa.

Su deseo de surgir y salir adelante encuentra una veta con un instrumento musical, la trompeta, y con la posibilidad de integrar la banda del colegio. Martin tiene voluntad, pero no tiene herramientas para desarrollarla. Eso lo lleva a deambular, a buscar y recorrer, a tratar de encontrar una oportunidad a la que poder aferrarse.

La ciudad y su entorno nocturno es otro personaje que se encuentra al acecho. Ruidos de fondo se logran percibir como amenaza. ¿Un evento social en ciernes? ¿La ciudad provoca temor, o Martin le tiene temor a la ciudad? El contraste es desgarrador, preciosas vistas versus otras en las que aflora la pobreza extrema de cada rincón visitado por la cámara. Conviven estados y estratos muy diversos, un mapa amplio, cultural y político de La Paz actual, con altos y modernos edificios y un sinnúmero de construcciones precarias entre sus cerros.

La relación con Novoa -Alfredo Castro-, se va construyendo gradualmente. De solo lustrar sus zapatos, avanza al punto de ir a su casa por un plato de comida y algo más, pero allí surge la idea de aprovecharse también, porque el precioso perro del sastre puede otorgar una oportunidad de ganar dinero al robarlo, secuestrarlo y esperar una recompensa por encontrarlo. No suena mal, se debe implementar el plan y ejecutarlo a la perfección, sin descuidos, con atención al más mínimo detalle. Y se lleva a cabo, y resulta, al menos la primera etapa del robo.

En medio de la desolación del patrón, Martin resulta ser una compañía impensada. Es más, pide ayudarle, y pronto surge el interés por aprender el oficio. Avanza más la relación, hay más que compañía, existe complicidad e incluso un poco de cariño. Martín quiere la vida de Novoa, la imita tal vez, la anhela, aprende de sus gustos, parece genuino aunque algo forzado por una sospecha que cada vez se torna más posible. ¿Y si Novoa es su padre, el hombre que abandonó a su madre a la suerte de la calle cuando ella se embarazó inesperadamente?

Interesante propuesta de Vinko Tomičić para mostrar una realidad diferente, con pocos elementos pero muy bien detallados y rodados. “El ladrón de perros” es una película de grandes contrastes, como por ejemplo intercalar Rachmaninoff en medio de una secuencia importante de transferencia cultural y social entre los protagonistas. También toca temas de fondo como el cuidado de los menores, la adopción, el trabajo infantil y los abusos, en el descubrimiento de una personalidad que va de la sorpresa a la emoción, del agradecimiento al aprovechamiento, y de la dualidad extrema que producen, por igual, la culpa y el amor.

Ficha técnica

Título original: El ladrón de perros
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: Bolivia
Compañías: Coproducción Bolivia-Chile-Francia-México-Ecuador-Italia; Calamar Cine, Color Monster, Easy Riders Films, Jirafa, Machete Producciones, Zafiro Cinema
Género: Drama | Perros/Lobos. Robos & Atracos
Guion: Vinko Tomičić
Música: Wissam Hojeij
Fotografía: Sergio Armstrong
Reparto: Franklin Aro, Alfredo Castro, Teresa Ruiz, María Luque, Julio César Altamirano, Ninón Dávalos
Dirección: Vinko Tomičić

martes, 27 de agosto de 2024

No son 30 pesos - Por Carlos Correa Acuña

Documental argentino dirigido por Fernando Krichmar que explora la historia del Frente Patriótico Manuel Rodríguez (FPMR), una organización de resistencia armada que nació en los años 80 durante la dictadura de Augusto Pinochet en Chile. A través de una mezcla de elementos documentales y de recreaciones, la película busca conectar los eventos del pasado con las protestas sociales surgidas en Chile hace casi cinco años. El título hace referencia a la consigna popular "No son 30 pesos, son 30 años", que engloba la demanda del denominado “estallido social” del 18 de octubre del 2019.

El documental utiliza una combinación de testimonios con ficción desarrollada por actores jóvenes, lo que posibilita un diálogo intergeneracional que intenta poner en perspectiva la persistencia de las luchas sociales a lo largo del tiempo. En este sentido, este trabajo no solo revisita al grupo armado que luchó contra la dictadura chilena, sino que también reflexiona sobre la relevancia histórica del FPMR en el contexto político actual, alzando como hipótesis la continuidad de las demandas sociales en el momento presente.

La dirección de Fernando Krichmar combina elementos en una estructura que, aunque ambiciosa, presenta un ritmo desigual y una división arbitraria entre sus distintos enfoques. Las partes documentales, basadas en testimonios y material de archivo, logran captar la crudeza de los eventos históricos, mientras que las secuencias ficcionales intentan agregar un valor más emocional y simbólico a los mismos hechos. Sin embargo, aquellas transiciones a menudo van en sentido contrario, creando una experiencia visual que oscila entre momentos de intensidad y otros que provocan desconexión.

El guion de Ximena González y del propio director, logra conectar pasado y presente a través de un desarrollo temático que resulta, a veces, irregular, donde las actuaciones resultan convincentes pero los testimonios reales son los que aportan la necesaria autenticidad. La relevancia social es clara, refleja las luchas ejercidas en Chile y también, en voz de sus protagonistas, el legado, aun presente, de la dictadura.

"No son 30 pesos" es mucho más que un documental; es una declaración de principios con todas las letras, un tributo a la lucha contra Pinochet y las batallas sociales que, según sus autores, aún siguen vigentes en Chile. Krichmar, literalmente, no le quita el cuerpo a las balas. La película se planta firme en lo ideológico, inclinándose sin tapujos hacia el panfleto. Este enfoque deja claro que no se trata solo de narrar los hechos, sino de influir en la percepción del espectador sobre lo que es justo y lo que no. Así, lo que empieza como un conjunto de testimonios se transforma en un llamado colectivo, una invitación a la reflexión y, por qué no, también a la acción.

Ficha técnica

Título original: No son 30 pesos
Año: 2023
Duración: 147 minutos
País: Argentina
Guion: Fernando Krichmar, Ximena González
Música: Karen Higgs, Federico Pritsch
Fotografía: Álvaro de la Barra
Género: Documental | Dictadura chilena
Reparto: Documental
Dirección: Fernando Krichmar

Sin Glasear - Por Jackie O.

"Dicen que el desayuno es lo más importante"


La película está basada, muy libremente, en la historia real de la creación de los pasteles tostados Pop-Tarts.

Estamos ante una película ambientada en los años 60', que puede ser absurda, con exceso de caricaturismo en todos los aspectos, donde sus actores no le tienen miedo al ridículo, con un guión agudo, y ojo, que hacen referencias a otras películas o series que te causarán gracias, y también vemos situaciones que suceden mundialmente o que se vivirán, lanzándose como chistes irónicos ridículamente actuadas; pero te quedas viéndola igual.

Kellogg's y Post, enemigos acérrimos en el sector de los cereales, compiten por crear un producto que cambie para siempre los desayunos. Sus directores se odian (y otros sentimientos ocultos) y buscan la forma de derrotarse, y humillar al otro como sea, es así que ocultan sus recetas, contratan espías, buscan alianzas estratégicas aunque peligrosas, contratan seudo expertos en algún área, hacen lo que tengan en su poder para ser los reyes del desayuno.
 
Eso hace que veamos una serie de situaciones muy ridículas, en las que incluso puedes reírte o tomarte de la cabeza y gritar ¡qué es esto! Mascotas en huelga, entierro de cereal, niños expertos en basura, etc.
El guión es sutil y directo para hacer referencias de todo tipo. Las actuaciones están buenas pero nada que destacar, y nos cuentan una historia real, pero muy adaptada por supuesto, llevándola a una comedia con exceso de parodias y situaciones con diversos personajes que, aunque se visualicen por poco, tiene su historia y no pasan desapercibidos

En resumen, estamos ante una comedia sobre un relato de ambición, traiciones, que por muy azucarado que sea, hasta los lecheros que son mala leche.

Y aunque no lo crean, esta nominada a los Emmy en categoría Mejor película.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Unfrosted
Dirigido por Jerry Seinfeld
Escrito por Jerry Seinfeld, Spike Feresten, Andy Robin y Barry Marder
Protagonizada por Jerry Seinfeld, Melissa McCarthy, Jim Gaffigan, Max Greenfield, Hugh Grant, Amy Schumer
Duración: 93 minutos
Año: 2024

lunes, 26 de agosto de 2024

El Cuervo - Por Carlos Correa Acuña

Estamos ante una película que perfectamente podría provocar reacciones divididas. La fotografía, oscura y cargada de símbolos, se entrelaza con el guion para mantener la esencia del original al tiempo que se atreve a explorar nuevos caminos. No obstante lo anterior, este filme tambalea un poco al intentar mantener un equilibrio, transformando la experiencia en algo que puede ser tanto cautivador como desorientador.

La dirección de la película está a cargo de Rupert Sanders, un director que ha demostrado su capacidad para crear ambientes densos y envolventes en películas como "Snow White and the Huntsman” y “Ghost in the Shell”. En "El Cuervo", Sanders se ve dentro de su zona de confort, abordando una temática familiar: la lucha entre la luz y la oscuridad, tanto en sentido literal como metafórico. A pesar de su talento para el manejo de los ritmos, en esta ocasión, su estilo parece verse limitado por las expectativas que rodean esta nueva versión. Rupert Sanders intenta, tal vez, homenajear al original con elementos contemporáneos, pero en ocasiones, estos esfuerzos generan una desconexión entre lo que se presenta en pantalla y lo que el público espera captar emocionalmente.

La trama de "El Cuervo" sigue la historia de Eric Draven, un músico que regresa de la muerte para vengar su asesinato y el de su novia. La base original de la historia -de la que esta es una segunda adaptación, según los autores-, proviene de la novela gráfica homónima de James O'Barr, un relato que combina elementos de tragedia, amor y violencia en un mundo gótico. Esta vez, la historia se expande, incluye nuevos personajes con subtramas que intentan profundizar en la psicología de Draven y en los antagonistas que enfrenta.

Las actuaciones tienen de todo un poco. El protagonista, interpretado por Bill Skarsgård, un actor joven con gran talento emergente, logra capturar la esencia atormentada de Eric Draven, aunque su interpretación se sienta un poco más contenida que la de Brandon Lee en la versión de los 90. FKA Twigs, por su parte, se va al extremo opuesto, hacia un desarrollo más íntimo y sobrio que provoca un natural contraste con su contraparte. La química entre ambos es muy buena, por cierto, sin embargo, es superada por Danny Huston, el principal villano, quien destaca por un carisma que lo lleva, tal vez, a ser uno de los puntos fuertes de la película.

La comparación con la versión anterior de "El Cuervo" es inevitable. Aquella película, dirigida por Alex Proyas y protagonizada por el ya mencionado Lee, se ha convertido, a esta altura, en un clásico de culto, en gran parte debido a la trágica muerte del actor durante el rodaje. Esta versión de 2024 si bien mantiene elementos estéticos y temáticos de la original, se distancia al introducir opciones más modernas y un actualizado enfoque visual.

"El Cuervo”, del año 2024, es una película que, a pesar de sus debilidades argumentales y narrativas, merece una oportunidad por tener ambición visual y por ser audaz en su desarrollo. No es una experiencia cinematográfica para quedar indiferente debido, principalmente, a la densa atmósfera que propone junto a la oscuridad emocional de sus protagonistas.

En frente tenemos un filme en extremo violento, con mucha sangre por milímetro cuadrado, explícitamente crudo y muy visceral. Si tiene reparos en alguno de estos aspectos, es mejor contenerse, porque podría ser una barrera insalvable para ingresar a esta inmersión cinematográfica. Si, por el contrario, ya vio la primera y siente curiosidad por esta nueva adaptación, esta película es para usted. Vaya, siéntese, disfrute, y trate que nada de lo que sucede en pantalla le salpique.

Ficha técnica

Título original: The Crow
Año: 2024
Duración: 111 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Francia; The Electric Shadow Company, Edward R. Pressman Film, Davis Films, Hassell Free Productions, Edward R. Pressman Film
Género: Thriller. Fantástico | Venganza. Cómic
Guion: Zach Baylin, William Schneider. Cómic: James O'Barr
Música: Volker Bertelmann
Fotografía: Steve Annis
Reparto: Bill Skarsgård, FKA Twigs, Danny Huston
Dirección: Rupert Sanders

sábado, 24 de agosto de 2024

El Reino de Kensuke - Por Carlos Correa Acuña

Esta cinta es una bella animación que adapta la novela infantil de Michael Morpurgo. La historia sigue a Michael, un niño que, durante un viaje en velero con su familia, es arrastrado por una tormenta y acaba naufragando en una isla desierta en el Pacífico. Allí, Michael descubre que no está solo. Kensuke, un veterano japonés de la Segunda Guerra Mundial, ha vivido en la isla durante años. A medida que Michael y Kensuke se van conociendo, va surgiendo entre ellos una relación llena de desafíos y descubrimientos, donde ambos aprenden a superar sus diferencias y a apoyarse mutuamente para sobrevivir.

Lo que hace especial a esta película no es solo su historia, sino cómo cada elemento se combina para llevarnos por un viaje profundamente emocional. Desde el principio, la música nos envuelve, marcando el tono de la soledad que rodea a Michael en su aventura. Aunque la trama avanza lentamente al inicio, esos primeros veinte minutos son cruciales para prepararnos, sumergiéndonos en la sensación de abandono y aislamiento que Michael siente al quedar varado en la isla. Aquí, la soledad que experimenta no es solo física, sino también emocional, y la música se convierte en el latido que mantiene viva la tensión, recordándonos lo frágil de su situación.

Cuando Michael se da cuenta de que no está completamente solo, cuando le llega comida como “por arte de magia”, se abre la puerta a un encuentro inesperado. Kensuke, un hombre que ha vivido en soledad por años, se atreve a establecer un contacto silencioso y cauteloso con él. Este encuentro se convierte en un desafío lleno de miedo y curiosidad, pues los límites que Kensuke establece son constantemente desafiados por la naturaleza rebelde e infantil de Michael. Pero este proceso no es en vano; es parte del crecimiento de Michael, donde su inmadurez va dando paso a una comprensión más profunda de respeto y cooperación. La soledad se convierte así en una lección, y Kensuke en el maestro que enseña el valor de la paciencia y la sabiduría.

La relación que se forja entre Michael y Kensuke es un bello testimonio de cómo dos mundos opuestos pueden encontrarse en un punto común. A pesar de las grandes diferencias culturales y generacionales, ambos personajes descubren que comparten mucho más de lo que imaginaban. Sin embargo, como toda buena historia, la paz que encuentran es breve. La llegada de unos cazadores amenaza con destruir todo lo que han construido juntos. Es en estos momentos de peligro cuando la verdadera naturaleza de la amistad se revela, mostrando que los lazos creados en la adversidad son los más fuertes.

"El Reino de Kensuke" es más que una historia de supervivencia; es un viaje hacia la madurez, tanto para Michael como para nosotros como espectadores. Michael aprende a valorar la vida, las conexiones humanas y los sacrificios que hacemos por quienes amamos. A través de su relación con Kensuke, este joven descubre el verdadero significado de la amistad, el cariño y la familia. Aunque las pérdidas sean inevitables, la película nos deja con un mensaje de esperanza: incluso en los momentos más oscuros, la bondad, el amor y los valores compartidos pueden ayudarnos a encontrar la luz al final del tunel.

Ficha técnica

Título original: Kensuke's Kingdom
Año: 2023
Duración: 74 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Luxemburgo-Francia; Bankside Films, Align, British Film Institute, Bumpybox, Ffilm Cymru Wales. Distribuidora: Front Row Filmed Entertainment
Género: Animación. Aventuras | Supervivencia
Guion: Frank Cottrell Boyce. Novela: Michael Morpurgo
Música: Stuart Hancock
Fotografía: Animación
Dirección: Neil Boyle, Kirk Hendry

viernes, 23 de agosto de 2024

Longlegs: coleccionista de almas - Por Carlos Correa Acuña

Más que interesante resulta esta película escrita y dirigida por Oz Perkins. Desde la introducción, un viaje lento con un efecto visual de cambio de colores que concluye una secuencia con un “cluster”, y que entrega misterio y suspenso a una composición audiovisual que promete sorpresas. Dividido en tres partes, este filme denota un excelente nivel de producción, gracias a una nitidez de sonido que resulta envolvente, y una calidad de filmación que destaca por sobre otras películas de su género.

¿Qué dice la sinopsis de esta historia? A Lee Harker, una nueva y talentosa agente del FBI, le han asignado un caso sin resolver de un asesino en serie. A medida que la investigación se complica y se descubren pruebas ocultas, Harker se da cuenta que existe un vínculo personal con el despiadado asesino y debe actuar con rapidez para evitar otro asesinato.

¿Cuáles son los puntos que se anota “Longlegs”? Varios, por cierto. Primero, el desarrollo del suspenso. Simple, directo, sin apuro, muy lento. No es fácil sostener la tensión cuando la historia avanzan cansinamente, pero acá el director lo consigue ampliamente. Segundo, la sencillez de la trama denota que hay mucho trabajo detrás, para que sea coherente y no se produzcan vacíos narrativos. Acá, si bien es poco lo que sucede en la mayoría de las secuencias, la ambientación lo es todo. Y con todo, me refiero a los escenarios, pero principalmente a las capas de sonido que entrega la partitura de Zilgi, seudónimo de Elvis Perkins, hermano del director de la película.

Siguiendo con el análisis de los aspectos centrales, la obra se va armando como un pequeño rompecabezas, donde las pistas son las piezas que se deben unir con trabajo y una buena cuota de talento e intuición. Cuando vamos conociendo la personalidad de Lee Harker -muy bien interpretada por Maika Monroe-, comprendemos que hay traumas producto de una historia pasada, y vienen los contrastes entregados por la soledad, la casa, el silencio y en ocasiones el viento, todas metáforas de una construcción quebrada en el tiempo y con una necesidad imperiosa de ser reparada.

Cuando la cinta ingresa a su sección central, más pistas entregan patrones. Sospechamos de cultos que tal ves están cubiertos por símbolos u otros elementos que nos hacen dudar desde dónde viene y hacia dónde va la historia. Imágenes van y vienen, flash backs recurrentes, extrañas relaciones, obligaciones incomprensibles y un caso particular que parece robarse el relato.

Párrafo aparte para Nicolas Cage interpretando a Longles, el histriónico y esquivo asesino en serie cuyo nombre real es Dale Cobble. Notable el actor para dar vida a un personaje complejo, que fácilmente puede caer en la caricatura pero que debe jugar al límite para ser creíble y respetado como tal.

El epílogo no es más que una confirmación de un estado de las cosas donde no veremos muchos avances, sino más bien descubriremos finalmente las relaciones que existen entre cada una de las variantes que el guion puso delante de nuestros ojos. Por eso, “Longlegs” es más una película de sensaciones que de acción, de revelaciones más que de efectos especiales, y mucho más de personalidades que de un convencional thriller de suspenso. En ese sentido, es el aspecto psicológico el que juega el papel fundamental, porque ya han jugado con nosotros, nos han hecho dudar y mostrar nuestras cartas, nos han hecho tomar partido y tener una opinión sobre la conclusión de la historia. ¿Qué tan cerca estuvimos o estaremos? Pregunta planteada para que usted, querida lectora, querido lector, pueda emitir su respuesta.

Ficha técnica

Título original: Longlegs
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: C2 Motion Picture Group, Saturn Films, Neon, Range Media Partners
Género: Thriller. Terror | Thriller psicológico. Asesinos en serie. Policíaco
Guion: Oz Perkins
Fotografía: Andrés Arochi
Reparto: Maika Monroe, Nicolas Cage, Blair Underwood, Alicia Witt, Michelle Choi-Lee, Dakota Daulby, Kiernan Shipka
Dirección: Oz Perkins

El Reino de Kensuke - Por Jackie O.

"Lazos de respeto"


Película basada en la novela infantil homónima del escritor Michael Morpurgo.

El preadolescente Michael es de los niños "porfiados", no sigue las reglas, y eso hace que se meta en problemas, o peor aún, mete en problemas a otros. Y en un viaje programado por sus padres y su hermana adolescente, se embarcarán a una aventura por un buen tiempo en un bote alrededor del mundo.
Pero Michael extraña a su perrita, y por el bien de ella fue dejada donde un pariente en su casa, un bote no es para un animal. Pero Michael no siguió la regla y la introdujo a escondidas en el bote, eso generó un caos, más en una tormenta donde Michael nuevamente no obedece una orden dada por sus padres, y eso hace que desaparezca en el mar junto a su perrita, ante la desesperación de su familia por no poder ayudar.

Michael y su perrita acaban en una isla remota. Desesperados pasan el tiempo con hambre y sed sin saber qué hacer, pero un día encuentra comida y agua, alguien la dejo ahí, pero no sabe quién; así sucede un par de días. Hasta que descubre quién es el misterioso residente de dicha Isla. Es un anciano japonés que ha vivido en la isla desde la Segunda Guerra Mundial, y vamos conociendo su historia.
Ninguno entiende el idioma del otro, además de desconfiar, pero llega el día en que se comienza a compartir, se entienden y ayudan, pues no sabemos cuanto tiempo Michael estará ahí.
Pronto deben unir más fuerzas, cuando invasores amenazan ese frágil paraíso, donde la flora y fauna está en grave peligro.

Estamos ante una cinta que no es para pequeños, pues prima mucho el silencio más que los diálogos, y serían inentendibles para ellos, pues en ese silencio radica la comprensión, la amistad, la pena, la alegría, los recuerdos y la lucha.

Los dibujos están muy bien realizados con una animación en 2D y elementos 3D usados levemente, que se ve una estructura simple pero muy realista.
El guión dice mucho, pero me habría gustado más riesgo al contar la historia.

Aún así, es una bella historia de amor a la familia, de la amistad, de cuidar el planeta, y no solo respetar a las personas, sino que a los animales y la naturaleza misma.

Ficha técnica

Título original: Kensuke's Kingdom
2023 / Reino Unido
Duración: 74 minutos
Guion: Frank Cottrell Boyce
Música: Stuart Hancock
Dirección: Neil Boyle y Kirk Hendry

jueves, 22 de agosto de 2024

Parpadea dos veces - Por Carlos Correa Acuña

En su primera incursión al frente de un filme, la directora Zoë Kravitz nos regala un thriller psicológico que se aventura a caminar por la delgada cornisa que separa el suspenso clásico de la comedia negra. La trama nos lleva a conocer a Frida, una camarera que, al aceptar una invitación del magnate tecnológico Slater King para pasar unos días de vacaciones en una isla privada, se sumerge en una cadena de eventos que convierten lo que prometía ser un paraíso en una auténtica pesadilla. Kravitz intenta desmenuzar las dinámicas de poder junto a las complejidades de las relaciones contemporáneas, sin embargo la película, por momentos, presenta ciertas indefiniciones que repercuten en su coherencia y ponen en riesgo el resultado final.

Las actuaciones resultan fundamentales en esta propuesta. Naomi Ackie, con su rol de Frida, logra plasmar la evolución emocional del personaje al reflejar tanto su fragilidad como su temple en un entorno que se hace cada vez más intimidante. Channing Tatum, por otra parte, asume un papel mucho más parco y sombrío de lo que nos tiene acostumbrados, para encarnar a un magnate con muchas aristas, interpretación que cumple su objetivo pese a la ausencia de elementos necesarias para mostrar la complejidad moral de su personaje. Con un elenco muy atractivo, donde además destacan nombres como Christian Slater y Geena Davis, la película exhibe gran talento aún cuando varios de sus personajes secundarios no alcanzan el desarrollo necesario para dejar un recuerdo importante.

El trabajo de Kravitz, visualmente atractivo, deja entrever los desafíos propios de quien debuta en la silla de director. Kravitz maneja con destreza las escenas de tensión, en especial la construcción del largo preámbulo inicial, secuencias en las que tenemos permanentemente la sensación de que algo va a ocurrir en algún momento y lo esperamos con verdaderas ansias. Las decisiones estilísticas para lograr la atmósfera apropiada del lugar son muy acertadas, sin embargo, la narrativa se percibe un poco saturada con temas que no llegan a profundizarse completamente, dejándonos con la impresión que el filme tal vez ha querido abarcar demasiado. Declarados chispazos de humor negro, en su mayoría ingeniosos, por momentos interrumpen la buena generación del suspenso, añadiendo a la película una capa ambigua respecto a su real motivación.

"Parpadea dos veces" deja claro que Zoë Kravitz tiene una visión clara y definida y también el potencial para ser una gran directora. Posicionamiento de cámaras, filtros y una edición más que interesante, tienen un correlato en la mezcla de géneros y estilos -uno de los méritos destacados de esta producción-, aunque no siempre consiga llevar a cabo todas las ideas, lo que se hace visible sobre todo al final, cuando comprime una conclusión que debió tener más espacio de desarrollo para evidenciar consecuencias de manera más fluida y coherente.

En síntesis, para quienes disfrutan de un cine que se atreve a jugar más con expectativas que con situaciones concretas, "Blink Twice" puede ser una experiencia que valga la pena explorar.

Ficha técnica

Título original: Blink Twice
Año: 2024
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Free Association, Bruce Cohen Productions, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Redrum. Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género: Intriga. Thriller | Thriller psicológico
Guion: E.T. Feigenbaum, Zöe Kravitz
Música: Chanda Dancy, Gabriel Garzón-Montano
Reparto: Naomi Ackie, Channing Tatum, Christian Slater, Simon Rex, Adria Arjona, Haley Joel Osment, Kyle MacLachlan, Geena Davis, and Alia Shawkat
Dirección: Zöe Kravitz

Parpadea dos veces - Por Juan Pablo Donoso

Misterio, elegancia e intriga. Exuberante parafernalia en su forma y contenido. Narra, en realidad, un hecho bastante simple cuya premisa solo se nos revela al final.

Es evidente que quieren destacar la figura de la actriz inglesa de color Naomi Ackie (Lady Macbeth, Star Wars, Whitney Houston). Y la muchachita responde a la oportunidad aplicando con creces su talento.

Actores conocidos de antaño interactuando con nuevas figuras.

Muy ágil y provocativa edición.

Ambientes fastuosos con mujeres frívolas. Atmósfera de “dolce vita” a destajo.

Una acumulación - tal vez excesiva - de claves enigmáticas para mantenernos tratando de comprender el secreto subterráneo de todo lo que va sucediendo.

Para acentuar la sofisticación del lenguaje visual hay una recóndita reiteración de encendedores para cigarrillos, y una deliberada exhibición de pies desnudos, en especial femeninos.

Veladas resonancias de grandes filmes antiguos como, por ejemplo, La Naranja Mecánica de Kubrick (en sus escenas más erótico/violentas).

Prolija realización escrita y dirigida por la primeriza Zöe Kravitz, que incluye muchas otras mujeres en su equipo de trabajo y actorales.

Nos quieren demostrar - sin eufemismos - que por más dinero, fatuidad y prepotencia física que tengan los hombres, será siempre la astucia femenina la que termina imponiéndose, a pesar de su sentimentalismo y fragilidad.

Discurso salpicado de “flash backs” que solo hacen más críptico el súperobjetivo del relato.

GLAMOROSA EXPERIENCIA DE MISTERIO, PLAGADA DE CLAVES SINIESTRAS. GALERÍA DE ACTORES ANTIGUOS Y ACTUALES QUE APORTAN A LA SOFISTICACIÓN DEL AMBIENTE SÁDICO/MACABRO. PUZZLE FEMINISTA ÁGIL E INTRIGANTE.

Ficha técnica

Título Original: Blink Twice
2024 Misterio, suspenso, sadismo México, EE.UU. - 1,42 hrs. 
Fotografía: Adam Newport-Berra 
Edición: Kathryn J. Schubert 
Música: Chanda Dancy 
Diseño Prod.: Roberto Bonelli Guion:Zoë Kravitz, E.T. Feigenbaum 
Actores: Naomi Ackie, Channing Tatum, Christian Slater 
Directora: Zoë Kravitz

Parpadea dos veces - Por Jackie O.

"Si estás en peligro..."


Frida y Jess son grandes amigas que trabajan de camareras, y Frida admira al millonario magnate de la tecnología, Slater King, y una noche le toca trabajar en una de sus fiestas. Luego, ambas chicas, al terminar el turno se arreglan hermosas y se mezclan en la fiesta, pues Frida quiere acercarse a Slater, y lo consigue. La noche se transforma en su sueño hecho realidad, ella ya no es invisible. Ambas chicas están codeándose con "la gente linda", los importantes, y eso las hace estar en la gloria. La fiesta llega a su fin, pero su aventura recién comienza cuando Slater las invita a su isla privada junto a sus amigos.
Llegan en Jet privado a una isla de ensueño. Solo un grupo exclusivo de personas que se la pasan en fiestas, cócteles al sol, droga, vestuario bello, comida gourmet; la vida que siempre quisieron.
Hasta que Frida comienza a notar que algo pasa, que extraña algo, o más bien a alguien.

Tenemos la primera película como directora de la conocida actriz Zoë Kravitz, y creo que está muy bien encaminada, porque la dirección estuvo correcta. El problema radica en el guion y su ritmo, escrito por ella misma.
La película tiene una buena premisa, y estamos atentos a "ese parpadeo", pero que nunca llega. La cinta se extiende 45 minutos de nada, o más bien de ese preámbulo, pero que llega a ser muy repetitivo que aburre, y cuando crees que algo va a suceder, no sucede, y esperas otros 10 minutos para que la acción se tome la pantalla, o sea esperamos más de la mitad de la cinta para comenzar a ver su desarrollo crucial. De comenzar a descubrir ese secreto macabro que se escondía en dicha Isla, que llevaban desde el continente y por bastante tiempo.

La película toma buenos elementos para desarrollar esa última parte, en especial el último tercio, recordamos algunas referencias a otras cintas, y nos demuestran buenas actuaciones, pero es el último tercio, antes de ello, incluso, se torna, en algunos momentos, aburrida.
Esperamos casi toda la película para encontrar el clímax, la tensión, descubrir el misterio, ver buenas actuaciones, y un giro inesperado.

No es una cinta donde se diga que "aquí hay poder femenino" o "mujeres al poder", no, aunque la protagonista y el elenco relevante lo sea. Es una historia de una escabrosa situación, que no me extrañaría que se use en la actualidad, o a algún psicópata se le ocurra hacer ahora. El abuso hacia otros de forma despiadada.

Muchas veces espero que el título me diga algo, que me dé señales a lo que voy, pero este título no significó nada dentro del contexto de la película, y vaya que sí se pudo haber usado como referencia en algún momento para haberla hecho más tensional.

Película de tono oscuro, con buenas tomas en primeros planos, donde la triada "Ackie, Channing y Arjona" está muy bien, y con secundarios, muy reconocidos también, que complementan esta historia de crimen y suspenso psicológico donde Kravitz está bien encaminada como directora en potencia.

Puedes señalar que todo lo que pasó en gran parte de la cinta era necesario para el último acto, y sí, estás en lo correcto, pero el tono en que se desarrolló hizo que su ritmo no estuviera bien, pero lo mejor para muchos, es que lo bueno llega al final, y es con ese final con lo que se queda la mayoría.

Como moraleja, cuídate de las invitaciones aunque se vean muy buenas, avisa a tus cercanos dónde y con quién estarás.

Ficha técnica

Blink Twice.
Dirección: Zoë Kravitz
Guion: Zoë Kravitz
Música: Chanda Dancy
Protagonistas: Naomi Ackie, Channing Tatum, Simon Rex, Adria Arjona, Haley Joel Osment, Christian Slater, Geena Davis, Kyle MacLachlan, Alia Shawkat, María Elena Olivares
EEUU, México
2024. 1 hora 40 minutos.

miércoles, 21 de agosto de 2024

Lo mejor está por venir - Por Carlos Correa Acuña

Desde la escena introductoria, que incluye los créditos iniciales, se observa que estamos ante una película diferente. Giovanni -Nanni Moretti-, un director altamente comprometido con la realización de su nuevo trabajo, enfrenta problemas en varios frentes. En su casa, su hija no le hace caso; en el set, las dificultades arrecian ya que su esposa Paola -Margherita Buy-, no oficia como su productora; y en la vida, su crisis es tan grande como lo que busca representar en la filmación. Raya para la suma: frustración y desesperanza extrema.

Una vez más tenemos cine dentro del cine, una fórmula recurrente que se encarga de aportar una cuota interesante respecto a la mirada que los cineastas tienen sobre la industria y sobre sí mismos. En este caso, Moretti no abusa. Por el contrario, es cauto a la hora de tejer e hilvanar los conflictos que traslada a la pantalla grande como si se tratara de un espejo de su vida real y concreta.

Si muchas veces hablamos de las capas presentes en los relatos, en esta oportunidad todas son claras y muy visibles. Por un lado tenemos la más personal, que se refiere a la vida familiar del protagonista. Pequeña familia, grandes problemas: su hija tratando de ser independiente, su mujer explorando salir de su campo de acción como productora de otra película, y un problema mayor, quizá imperceptible para él, una viga que está a punto de caer sobre su vida: el quiebre matrimonial.

En el set está la segunda capa, la que a su vez tiene otras aristas particulares, pues la historia es política y da cuenta de la reacción de una sección local del Partido Comunista Italiano respecto a la revolución húngara de 1956. La intervención armada soviética, de hecho, ha puesto al PCI en una posición incómoda, lo que en esta ficción es representada por Ennio -Ennio Mastrogiovanni-, secretario de un círculo romano del PCI y editor de “l'Unità”, y por Vera, su esposa comunista, interpretada por Barbora Bobuľová, quien solidariza inmediatamente con la causa húngara mientras su marido espera que el partido tome una posición oficial.

Pero los problemas abundan, y ante la falta de dinero por la insolvencia de Pierre -Mathieu Amalric-, el productor asociado, es urgente buscar nuevas fuentes de financiamiento. Aparece allí una nueva dimensión, mucho más actual, representada por una hilarante reunión con un grupo ejecutivo de Netflix, en la que las partes parecen bandos separados por abismos insondables. La solución final al problema económico proviene de la asociación con un grupo de productores coreanos que, aunque tampoco se entienden mucho, al menos le permiten a Moretti concluir su trabajo relativamente en paz.

Ya les he contado mucho del argumento, y me disculpo por ello, sin embargo abordar esta película sin mencionar sus pilares centrales resulta difícil, más aún tomando en cuenta que se trata de la autofilmación de un director que tiene bastante historia en el cine italiano. “Sogni d'oro”, “Bianca”, y “Palombella rossa”, emergen con sus citas, todas películas de los años 80, y también el cine del maestro Fellini, con una secuencia de “La dolce vita”, y algo de “8 y 1/2”. Y la verdad es que son más que citas, homenajes tal vez, de un cineasta que quiere volver a ser considerado luego de un tiempo en el que no ha podido enhebrar certeramente la aguja.

El giro final presente en “Il sol dell'avvenire” no solo confirma una necesidad, sino que hace patente algo que resulta obvio a todas luces. Hay cierta complacencia, cómo no, pero tratada con una mirada sutilmente irónica. Nanni Moretti no se lamenta. Al contrario, se ríe de sí mismo y transforma esa benevolencia personal en un desafío particular. Hay que leer entre líneas para poder ver el drama en una comedia cuyo ropaje fácilmente nos puede distraer. La abundancia de elementos y la constante dispersión, son trampas para ocultar lo que verdaderamente trasunta esta película: arte en estado completo, producto de los sueños y anhelos, pero también de la miseria y la frustración personal, un retrato vívido de los esfuerzos de un creador por permanecer vigente, apelando al pasado, sobreviviendo al presente, y con sus ojos siempre puestos en la ilusión de un futuro mejor.

Ficha técnica

Título original: Il sol dell'avvenire
Año: 2023
Duración: 91 minutos
País: Italia
Compañías: Sacher Film Rome, Fandango Produzione, RAI Cinema
Género: Comedia. Drama | Circo. Años 50. Años 60. Años 70. Cine dentro del cine
Guion: Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella
Música: Franco Piersanti
Fotografía: Michele D'Attanasio
Reparto: Nanni Moretti, Margherita Buy, Silvio Orlando, Ennio Mastrogiovanni, Barbora Bobuľová, Mathieu Amalric, Jerzy Stuhr, Teco Celio, Valentina Romani
Dirección: Nanni Moretti

lunes, 19 de agosto de 2024

Nada que perder - Por Carlos Correa Acuña

Dirigida por Delphine Deloget, esta cinta muestra la vida de Sylvie, una madre soltera que vive en Brest, Francia, con sus dos hijos, Sofiane y Jean-Jacques. Una noche, mientras ella trabaja, Sofiane sufre quemaduras graves estando solo en el departamento. Debido al incidente, el pequeño es internado en un hogar de acogida, lo que desencadena una batalla legal y administrativa de Sylvie para recuperarlo y mantener a su familia unida al tiempo que intenta demostrar que es capaz de cuidar a sus hijos.

¡Qué trascendente nudo de conflicto presenta esta película! El tema es sensible y delicado, pues apunta a lo más profundo que una madre puede sentir respecto a un hijo, y que tiene que ver, esencialmente, con su bienestar, es decir, su cuidado tanto físico como sicológico y emocional. Sylvie debe trabajar para sostener a su familia, y su trabajo nocturno no le permite estar siempre presente. Jean-Jacques, el hijo mayor, es quien debe asumir el cuidado de su inquieto hermano menor, algo que no le corresponde, por cierto, pero no hay otra solución. Un descuido, un accidente grave, la angustia consiguiente, configuran un escenario que se agudiza aun más cuando el servicio social debe tomar cartas en el asunto con el fin de salvaguardar y proteger al menor de edad

Sylvie es cuidadosa, mantiene a raya sus relaciones en el trabajo, e intenta llevar una vida normal, pero se encuentra siempre bajo una gran presión. Presión económica, presión como madre, presión como mujer, presión social, y tal vez la más agobiante, una autoexigencia que está a punto de inmovilizarle. Las dudas son pan de cada día, y el qué hacer no tiene respuesta. Luego del accidente lo intenta todo, incluso un cambio de trabajo, pero nada resulta, todo parece estar en contra, la condiciones no mejoran, muy por el contrario, empeoran. ¿Hay salida?

Delphine Deloget, también autor del guion, explora las reacciones. Este es el fuerte de la cinta gracias a una sólida actuación de Virginie Efira quien se lleva el peso de estar casi siempre en escena. Sus gestos y silencios, junto a sus airadas respuestas, demuestran desesperación e impotencia, una rabia incontenible producto de una tristeza inimaginable. ¿Quién puede soportar una carga así? Que le separen de lo más preciado, su hijo menor, al que solo ella entiende y contiene. ¿Un infortunio puede determinar el resto del futuro? La película plantea una disyuntiva feroz entre la maternidad y un sistema legal que, aún reconociendo sus buenas intenciones, se muestra rígido, inhumano, y carente de cualquier tipo de empatía.

“Rien à Perdre” es un drama que logra conmover. Está en juego la vida de un menor, pero ¿quién puede determinar lo que es mejor para él? ¿Un sistema de protección de menores o su propia madre? El dilema es fundamental y tal vez no tiene una respuesta unívoca. La película se encarga de hacer aún más difusa la línea al destacar la fortaleza y determinación de una madre en circunstancias difíciles, pero también considerar la protección de menores cuando sus condiciones de vida ponen en peligro su integridad. No obstante, y y tomando una posición, este trabajo se inclina claramente hacia el amor maternal, la lucha contra el sistema y la resiliencia extrema. El centro del relato es Sofiane, o Sylvie, dependiendo la lectura que podamos hacer, aunque también resulta claro que el valor primordial que se destaca es la lucha y la perseverancia de una madre por recuperar a su hijo, contra viento y marea, contra todo obstáculo y adversidad.

Ficha técnica

Título original: Rien à Perdre
Año: 2023
Duración: 112 minutos
País: Francia
Compañías: Curiosa Films, Unité de production
Género: Drama
Guion: Pierre Chosson, Delphine Deloget, Julia Kowalski
Fotografía: Guillaume Schiffman
Reparto: Virginie Efira, Félix Lefebvre, Arieh Worthalter, Mathieu Demy, India Hair
Dirección: Delphine Deloget

Los Inseparables - Por Juan Pablo Donoso

Encantador largometraje animado de nWave Studios de origen belga, ahora con oficina en Los Ángeles, California.

Bellos dibujos y colores, mucho humor, personajes simpáticos y bien motivados, con un argumento que fluye ágil y entretiene en todo momento.

Destacamos también la selección musical, concisa y oportuna, donde resalta la canción «Where Is My Mind» creada e interpretada por Puggy, exitosa banda inglesa de refinado estilo pop y rock acústico.

Todo acontece de noche y en el Parque Central de Nueva York. Las marionetas de un teatrito de Off-Broadway están aburridas de interpretar siempre los mismos personajes desde que falleció su anciano creador original.

Don, el bufo del elenco, desearía también encarnar al héroe de las historias. Por ello se autoproclama Don Quijote de la Mancha, se escapa, e interna en el vasto escenario del Parque Central. Su Sancho será un obeso perrito mecánico abandonado por una pareja de ladrones.

Harán amistad con animalitos silvestres e, incluso, lucharán contra el Gigante Perverso encarnado en el molino de viento de un patio de diversiones infantiles.

Mediante sus aventuras quijotescas, recorreremos las principales avenidas de Times Square, profusamente iluminadas, las alcantarillas de la Gran Manzana, para culminar con éxito su gesta heroica logrando, incluso, renovar el monótono espectáculo de marionetas con nuevos integrantes.

Inspirados en la frase de John Lennon: “Si sueñas solo, tendrás sólo un sueño. Pero si sueñas acompañado, tu sueño se hará realidad”.

Nos enseña que para convertir nuestros sueños en realidad, jamás debemos rendirnos, y siempre tratar de concretarlos.

Que ¡incluso los personajes más pequeños en la vida,pueden desempeñar grandes roles!

UN HERMOSO DIBUJO ANIMADO QUE DIVERTIRÁ - Y ESTMULARÁ - A GRANDES Y PEQUEÑOS. RECOMENDALBLE

Ficha técnica

Título Original: The Inseparables
2023 Animación, aventuras, familiar Bélgica, España, Francia - 1,23 hrs. 
Música: Puggy 
Diseño: Charlotte Boisson, Patrick Reyntens, Jean-Michel Trauscht 
Guion: Joel Cohen, Alec Sokolow, Bob Barlen, Cal Brunker 
Voces: Monica Young, Danny Fehsenfeld, Olivier Paris 
Director: Jérémie Degruson

Jackpot. Lotería Mortal - Por Jackie O.

"Vivir a lo grande o morir en el intento"


Sinopsis: En un futuro muy próximo, se ha establecido una nueva "Gran Lotería" en California, el truco: matar al ganador antes del anochecer para reclamar legalmente su premio mayor de miles de millones de dólares.

Vimos en "la Purga" que el gobierno daba un día para que se desatara la delincuencia, por razones determinadas. En esta comedia negra, Jackpot, nos presenta algo relativamente similar, o sea, que solo en California se desata la locura un día cada cierto tiempo, que provoca caos y muerte. Específicamente, se lanza una lotería multimillonaria, y casi todos compran boletos por la abultada cifra que ese Estado regala, pero el problema radica en que quien gana, está expuesto a la muerte. Esto es, el que gana, se da a conocer a todos en la ciudad, dando su ubicación unos drones cada 15 minutos, por lo que es perseguido por todo el que quiera matarlo, y quien logre matar al ganador en esas determinadas horas, se queda con su dinero y es intocable, y así comienza esta loca película, donde vemos, al iniciar, a un genial Seann William Scott, correr por su vida.

Nuestra protagonista, Katie, llega a Los Angeles en búsqueda de la tan ansiada oportunidad de ser actriz, su madre recién murió, está sola y arrienda una pieza en casa de una aspirante actriz que vive con su novio, una pareja muy rara. Pero Katie es humilde y de poca personalidad. Y justo el día de su audición, se percata que toda su ropa se ensucia por el desastre de lugar donde vive, pidiéndole a su casera que le preste ropa, cosa que hace, entregándole una dorada tenida que parece un semáforo que todos ven a lo lejos. Así, en esta audición y sin querer, al meter su mano al pantalón de su casera, toma el boleto de lotería de ella que accidentalmente activa con su pulgar, y... ¿adivinen qué?
Obvio, es el boleto ganador!
Y su rostro aparece en todas las marquesinas y los drones comienzan a seguirla, y por ende, mucha gente premunida de armas de todo tipo.

Ahí aparece nuestro super héroe Noel, quien tiene una pequeña agencia de protección, solicitándole que solo por el 10% de su premio, él la protegerá de todos. Ante tanta multitud que está sobre ella, Katie acepta y ambos se embarcan en esta desenfrenada y loca aventura de esconderse de la muerte.
El problema es: ¿Katie debe confiar el Noel o es otro que quiere el dinero? ¿Logrará salir con vida Katie? ¿Quién se quedará con el premio?

Estamos ante una película absurda, que es tan absurda que llega a ser divertida. Su duo de protagonistas para mí son grandes comediantes y tienen mucha quimica para interactuar. La película tiene una serie de errores estéticos que, creo, los hicieron a propósito, se notan los dobles, a veces el maquillaje no está tan bien, diálogos torpes, actuaciones de secundarios para la risa, etc. Pero aún así, es para salir de la rutina y olvidarte de todo.

Una película que nos muestra la ambición desmedida, un estado despreocupado por el bienestar de la comunidad, la muy desigual vida económica y la falta de moral de las personas.

Disponible en Prime Video.

Ficha técnica

Dirección: Paul Feig
Música: Theodore Shapiro
2024. EEUU
Género: Acción, comedia
Elenco: John Cena, Awkwafina, Simu Liu como, Ayden Mayeri

sábado, 17 de agosto de 2024

Alien: Romulus - Por Jackie O.

"Nadie puede oír tus gritos"


Cinta que tiene lugar entre los eventos de Alien de 1979 y la secuela Aliens el regreso de 1986. Ambas excelentes películas, para mí, las mejores de la saga.

Esta nueva historia trata sobre un grupo de jóvenes colonos espaciales que, mientras hurgan en una estación espacial abandonada, se encuentran cara a cara con la forma de vida más aterradora de su universo.

Hasta el momento hay 9 películas (1979, 1986, 1992, 1997, 2004, 2007, 2012, 2017 y 2024) y viene una serie que dicen se estrenaría el próximo año; además de varios cortometrajes, juegos, novelas, etc. Al final del comentario les entregaré la cronología de cada película.

Nos encontramos en una colonia determinada que es una de las tantas colonias que mantiene Weyland Yutani y un grupo de jóvenes que intenta desesperadamente huir de ahí ya que no tienen ningún futuro, y su presente es desastroso. La clave para salir de ahí es un androide llamado Andy, hermano adoptivo de nuestra protagonista, Rain Carradine, ya que Tyler y sus amigos descubren una estación espacial abandonada que tiene los implementos que necesitan para poder dejar esa colonia e irse a otra que hará que puedan llevar una vida mejor. Es así que van a dicha nave espacial estos cinco jovenes, más Andy como pieza clave. Para llegar a dicha estación es muy rápido, y para entrar a ella no hubo problemas, Andy es la llave que necesitan. Tres ingresan con él para buscar lo que requieren, entrar y salir, así de fácil, pero en una de las salas Andy ya no tiene los protocolos correspondientes para ayudar, encontrándose con esa amenaza que ya conocemos y que esperamos ver. Comienza el ataque de estas criaturas, todos los que están dentro de la estación más los que se quedaron en la nave están en peligro. Comienza esa carrera vertiginosa de escapar de ahí, con o sin los materiales que necesitan, solo quieren estar con vida. ¿Quién podrá escapar de esta amenaza?

La historia toma momentos y personajes de antiguas versiones para que caigamos en la nostalgia, eso ayuda a que desviemos la atención de un guion que no es consistente, tiene altos y bajos que hacen que se sienta que algo más contundente falte, como, por ejemplo, algún diálogo que sea memorable, o la misma banda sonora que pegue en nuestra mente y no salga de ahí, pero logra tapar esos "hoyos" con la ambientación, la cual es muy buena, nos muestra un espacio claustrofóbico y un silencio tensional. Las criaturas, hechas algunas con efectos prácticos, representan un ser infernal pero no suficientemente aterrador. El elenco joven, sin una larga filmografía, logra tener buena química, y aunque todos cumplieron su rol podría solo destacar a Rain, nuestra protagonista, quien es muy creíble en los actos.

En resumen, Alien es un personaje épico e inagotable para explorarlo y explotarlo.

Esta película cumple con entretener, vaya que sí, se siente la parte tensional que hace que estemos intrigados en todo momento, pero, como dije, el guion sea hablado o en silencio tuvo cierta falla, más bien fue débil.

Buena ambientación, buen tiempo de duración de la cinta, buenos momentos de tensión, buen momento para revivir la saga.

Y cómo sería el orden cronológico de los eventos que hemos visto hasta ahora:

- Alien vs Depredador, transcurren los hechos en el año 2004.
- Mismo año 2004, transcurre la historia de Alien versus Depredador: Requiem.
- Alien: Earth, será nombre de la serie que transcurrirán los hechos en el año 2090 o 2093
- Prometheus, transcurren los hechos en el año 2093.
- Alien: Covenant, transcurre en el 2104.
- Alien el octavo pasaje, transcurren los hechos el año 2122.
- Alien: Romulus, transcurre en el año 2142.
- Aliens El regreso, transcurren los hechos en el año 2179.
- Alien 3, transcurre también en el año 2179.
- Alien: Resurrección, transcurre en el año 2379 o 2381 (no recuerdo bien)

Y ojo, que no agregué los cortometrajes o comic o juegos que van entre estas películas, es una locura lo extensa de esta franquicia.

Ficha técnica

Dirección: Fede Álvarez
Guion: Federico Álvarez y Rodo Sayagues
Montaje: Jake Roberts
Protagonistas: Cailee Spaeny, Isabela Merced, David Jonsson, Archie Renaux, Spike Fearn
2024. EEUU
Género: Ciencia ficción, Terror
Duración: 119 minutos

viernes, 16 de agosto de 2024

Nada que Perder - Por Juan Pablo Donoso

Solo la sensibilidad e inteligencia de una realizadora como Delphine Deloget podría conmovernos tanto con el drama familiar de otra mujer contemporánea.

Pudo ser un melodrama fatalista. Lo salvó la sobriedad y exquisita delicadeza femenina de esta galardonada documentalista francesa (L'Amour à l'Oeuvre- serie documental - 2018).

Sylvie es madre soltera de dos hijos: Jean-Jacaques, adolescente, y Sofiane todavía un infante. Mujer de clase media que, para mantener a su familia trabaja como “barwoman” en una discoteca nocturna.

Cuando su hijito pequeño, estando solo en el departamento, sufre un accidente en la cocina, se inicia una investigación que culmina con la internación por parte del Estado del niño en un Hogar de Menores.

El resto de la trama nos permitirá acompañar a esta madre en su afán por recuperar a su hijo; a los trastornos de conducta del niño por hallarse lejos del hogar; y a las innumerables etapas burocráticas - y psicológicas - que sufre esta mujer debiendo también afrontar las inestabilidades de Jean-Jacques, su otro hijo, propias de su adolescencia.

La relativa solidaridad de los dos hermanos adultos de Sylvie contribuyen a su odisea con factores de dulce y de agraz.

Nada en este relato se siente falso ni forzado. Todo fluye con la naturalidad propia de los hechos. Nadie es perverso. Por el contrario, vemos como todos, incluso los funcionarios oficiales comprenden la angustia e intentan colaborar. Pero la estructura legal los aplasta y deja impotentes.

La estupenda actuación de Virginie Efire (Elle - 2017), como Sylvie, nos demuestra, una vez más, el talento de esta actriz belga para transmitir, sin alardes, los más finos matices del alma atribulada de una madre. La dirección de Deloget logra que todos los personajes, incluidos los niños, transmitan sus emociones sin esfuerzo. Casi sin darse cuenta. Un prodigio de sutileza frente a la inexorable realidad.

La tragedia central es la IMPOTENCIA. Cabe entonces preguntarse ¿cuál será la solución? Y seremos testigos de cómo - intuitivamente - el título de la película - NADA QUE PERDER - ilumina la salvación de nuestra protagonista.

La gradual emoción del proceso nos demuestra que cuando ya se ha perdido todo, sólo queda el Amor Familiar y la Tolerancia.

Destacamos la tenue música incidental. Aumenta la intimidad. Nos acerca a la respiración y los latidos del corazón de los personajes. Lo mismo ocurre con los tonos susurrantes entre la madre y su hijito pequeño.

ANTE UNA REALIDAD DISFUNCIONAL E INCONTROLABLE, SÓLO SOBREVIVE - ¡OJALÁ! - EL AMOR FAMILIAR. UNA VIVENCIA LOGRADA Y ENTRAÑABLE. MUY BUENA.

Ficha técnica

Título Original: Rien à perdre - 2023 
Drama maternal Francia - 1,52 hrs. 
Fotografía: Guillaume Schiffman 
Música: Rebecca Delannet 
Diseño Prod.: Nicolas Trabaud 
Guion: Delphine Deloget, Olivier Demangel, Camille Fontaine 
Actores: Virginie Efira, Félix Lefebvre, Arieh Worthalter 
Directora: Delphine Deloget 

3 Premios, 3 Nominaciones

Escapando del Culto Nxivm - Por Jackie O.

"Atraídas por el mal"


Esta historia está basada en un hecho verídico, y producto de un libro co-escrito por Catherine Oxenberg: "Cautiva. La cruzada de una madre para rescatar a su hija de una terrorífica secta", donde esta cinta está narrada en un comienzo y al finalizar por la propia Catherine.
De ella podemos decir mucho, ascendiente de zares, emperadores rusos y de reyes daneses. Además, hija de la princesa de Yugoslavia, y una larga lista de parentela real, pero prefirió ser actriz que llevar las costumbres de la realeza, personificó en dos oportunidades a Lady D, pero lo que la llevó a la fama fue su papel de Amanda Carrington en la serie Dinastía.

Acá no se habla de eso, pero ya es una persona conocida, solo la vemos con un divorcio que está en curso (con el actor Casper Van Dier) con quien tuvo dos hijas. Pero también se ve a su hija mayor llamada India, una chica de 19 años; o sea estamos en una casa de chicas, donde estas cuatro mujeres son muy unidas. Incluso vemos a la abuela, la princesa.
Hasta que un día, un amigo de la familia invita a Catherine a una charla de empoderamiento empresarial, y Catherine lleva, además, a su hija India quien pasa por un momento de confusión en cuanto a qué hacer con su vida, ya que no le ha ido bien en su emprendimiento. E India queda maravillada con dicha charla, por lo que convence a su madre en seguir, y pagan un curso de cinco clases que les ofrecieron. Pero en esas charlas Catherine siente que algo no anda bien, pero ve que India está entusiasmada y no quiere arruinar nada. Pero es demasiado tarde, India cae rendida ante estos mentores alejándola de su familia. Vemos como una de las mentoras principales, Allison Mack (sí, la conocida actriz), y pareja del líder de esta "agrupación", Keith Raniere, comienza a acercarse mucho a India hasta hacerla caer en su "seducción".

Estamos ante una sexta de esclavas sexuales y extorsión, ya que fue tanta la manipulación mental que no solo lo hicieron con India, sino que con muchas mujeres a las que lavaban sus cerebro sacándoles sus secretos para luego amenazarlas con ello. También se apropiaron de su dinero y propiedades que entregaban, en un comienzo, voluntariamente.

La historia es sumamente interesante, pueden hasta googlearla para saber qué pasó con esta red, y de la existencia de muchas sectas similares que se han descubriendo y que lamentablemente siguen existiendo.
Una historia triste sobre la manipulación de gente que aparentaba querer ayudar, y que solo abusaba en todos los aspectos de gente débil o desorientada. Pero también vemos la fortaleza de una madre que no se detuvo, y usó su fama para sacar esto a la luz y salvar a su hija.

En cuanto a la construcción estética del filme, lamentablemente está mal contada esta historia.
La película carece de intriga, no hay emoción, nada de tensión, los antagonista no son carismáticos, y se supone que estamos ante sujetos que engañan y engatusan, pero no empatizas con nadie, ni siquiera con las víctimas, el cast no fue bien escogido. Un guión débil, una dirección defectuosa.

Solo nos sirve para conocer una historia triste de manipulación, que el dinero no te hace estar exento de problemas o debilidades, pero, por sobre todo, de la perseverancia y amor de una familia.

Disponible en Paramount.

Ficha técnica

Escaping the Nxivm cult: A Mother's Figth To Save Her Daughter.
2019. 87 minutos. EEUU.
Crimen, drama.
Dirección: Lisa Robinson.
Guión: Adam Mazen.
Protagonistas: Andrea Roth, Jasper Polish, Sara Fletcher, Peter Facinelli.

miércoles, 14 de agosto de 2024

Los Inseparables - Por Carlos Correa Acuña

Concebida por los mismos creativos detrás de la exitosa "Toy Story" -Joel Cohen y Alec Sokolow -, esta película aborda variados temas como la amistad, la perseverancia y el coraje de una manera sencilla y que también resulta tierna y conmovedora.

Cuando se apagan las luces en un antiguo teatro al interior del Central Park, las marionetas cobran vida. Dos amigos, poco comunes y bastante improbables, Don, un bufón inspirado en Don Quijote, y DJ Doggie Dog, un peluche de perro abandonado que sueña con convertirse en una estrella de rap, se reúnen en una épica aventura a través de la ciudad de Nueva York para convertir sus sueños en realidad, incursionando en un mundo nuevo donde buscan un hogar y también un lugar al que pertenecer. A lo largo de esta entretenida aventura, deberán enfrentar desafíos que pondrán a prueba su lealtad y la fuerza de su vínculo, al tiempo que descubrirán la importancia de las segundas oportunidades, y el valor de mantenerse unidos a pesar de las adversidades.

La trama, aunque predecible en algunos puntos, logra que conectemos gracias a personajes entrañables y una historia que celebra tanto la diversidad como la importancia de soñar. La dirección, a cargo de Jérémie Degruson, muestra un manejo sólido de la animación, con secuencias visualmente preciosas y un diseño de personajes que resulta encantador, aunque, en ocasiones, se perciba cierta falta de originalidad en el relato al apoyarse en fórmulas ya establecidas en el género. Los diálogos son sencillos y directos, adecuados para el público al que va dirigido, y la banda sonora, a cargo de Puggy, aporta una energía vibrante y emotiva que acompaña muy bien las aventuras de los protagonistas.

"Los inseparables”, que comienza con una frase de John Lennon, “un sueño que sueñas solo es sólo un
sueño. Un sueño que sueñas junto a otros es realidad”
, es entretenida y tiene un mensaje que puede conquistar no solo a los más pequeños. “Al principio, Don utiliza su imaginación para escapar de su realidad, para reinventarse. No obstante, poco a poco, también aprende a utilizar su imaginación para ayudar a los demás”, señala el director Jeremy Degruson. “Es una historia de aventuras y amistad, una oda a la imaginación que nos invita a salir de nuestra zona de confort en busca de la magia”

Si bien no inventa la rueda en términos de animación o narrativa, este filme animado cumple perfectamente el objetivo de ofrecer una experiencia cinematográfica cercana, llena de valores positivos, e ideal para disfrutar ampliamente en un ambiente familiar.

Ficha técnica

Título original: Les Inséparables
Año: 2023
Duración: 85 minutos
País: Francia
Compañías: Coproducción Francia-España-Bélgica; nWave Pictures, A Contracorriente Films, Octopolis
Género: Animación. Comedia. Aventuras
Guion: Bob Barlen, Cal Brunker. Historia: Joel Cohen, Alec Sokolow
Reparto: Animación
Música: Puggy
Fotografía: Animación
Dirección: Jérémie Degruson

Los Inseparables - Por Jackie O.

"Los sueños pueden hacerse realidad"


Sinopsis: Una marioneta con una imaginación desbordante y un peluche abandonado, se cruzan en un parque de la ciudad de Nueva York. Pero a pesar de sus diferencias, unirán sus fuerzas para vivir una aventura épica que transformará sus vidas.

Un grupo de marionetas sigue realizando funciones, a pesar de que su dueño falleció, ellos cobran vida en solitario y los espectadores no se dan cuenta de que nadie los está manejando, y a pesar de que las historias que trabajan son diferentes, los roles son los mismos, y DON está cansado de ser el bufón, y DEE ya no quiere ser la damisela en peligro. Pero nadie los escucha y deben aceptar lo que ALFONSO, un títere que tiene el mando y los papeles de héroe, decide.
Es por ello que DON ya no aguanta más y decide salir a recorrer el mundo a buscar el castillo en las nubes, lo que a DEE le preocupa, ya que la imaginación de Don es tan grande que la lleva al extremo, desviándose de la realidad, algo que lo "envalentona" en sus aventuras. DEE no lo acompaña, a pesar de estar aburrida de su vida, pero no apta aún de buscar aventuras fuera de su hogar, por lo que DON sale al mundo solo.
Así, en esta aventura, conoce a un perro de peluche que fue abandonado, que es temeroso a la aventura y solo quiere una familia, por lo que ambos se embarcan en sus andanzas y se encuentran con animales y aves que requieren ayuda, donde por supuesto Don, quien en su apariencia personifica a Don Quijote de La Mancha, se toma las cosas muy en serio, donde su imaginación vuela a lo grande, pues es el héroe que siempre ha querido ser, y llega el momento de demostrado cuando debe rescatar a sus amigos de unos ladronzuelos.

Estamos ante una historia simple y familiar, donde visualmente es hermosa, ya que mantiene dos técnicas de animación, una en 3D para contarnos los hechos propios de la cinta, y otra diseñada en 2D para los alocados sueños de Don Quijote.

Una cinta para ver en familia, que nos muestra la perseverancia de perseguir los sueños, el valor de la amistad y la unión.

Por que el mundo es grande, pleno y bello, cuando luchas por tus sueños, acompañado con la familia que escogiste en tu vida.

Ficha técnica

Título original: Les Inséparables
2023 / Francia. 85 minutos
Guion: Bob Barlen, Cal Brunker y Joel Cohen
Historia: Alec Sokolow
Música: Puggy
nWave Studios
Personaje. Actor de voz original. - Actor de doblaje
Don. Dakota West. - Alfonso Obregón
DJ Doggy Dog. Jordan Baird. - Alan Fernando Velázquez
Dee. Monica Young. - Alicia Barragán
Alfonso. Donte Paris. - Andrés García

martes, 13 de agosto de 2024

Borderlands - Por Juan Pablo Donoso

Superproducción - con actores - del famoso videojuego homónimo. Violencia, humor y aventuras insólitas.

Lo mejor es la reconstrucción de un mundo galáctico futurista, el ritmo, las secuencias de acción, los efectos especiales, los vestuarios y utilería.

Del juego original quedó poco. Tal vez para llegar a una mayor cantidad de público mitigaron los baños de sangre con chistes escatológicos (con recatados subtítulos en español). Por lo mismo contrataron también a dos excelentes actrices - Cate Blanchette y Jamie Lee Curtis - para integrarlas a las peripecias desenfrenadas. Por desgracia sus diálogos son de una ramplonería abismante. Cosa obvia si, por tratarse de un pasatiempo electrónico masivo, todos los personajes son unidimensionales.

La trayectoria de este director y guionista - Eli Roth - ha sido dispareja. Demostró su talento en el guion de LOS BASTARDOS (2009) y como realizador en el magnífico documental FIN (2021) junto a EL JUSTICIERO (Death Wish - 2018) y otras previas de acción y fantasía.

Esta vez quiso darle carne y huesos a un fenómeno virtual cuyo objetivo son las heroínas invencibles, las armas, la velocidad, los combates, y la ciencia ficción. Hasta integra a un juguetón robotito llamado CL4P TP cuyo encanto quedó lejos de aquel clásico “Arturito” (R2D2) de la Guerra de las Galaxias (1977).

Sin embargo, en medio de tanto talento actoral puesto al servicio de criaturas clichés, destacamos la presencia de Gina Gershon (Lazos Ardientes - 1996) como Moxxi, quien logra transmitir una sensualidad más humana y madura.

El oficio narrativo del director, más el alto presupuesto, mantendrán entretenidos, ¡y abrumados!, a quienes tengan pocos elementos de comparación con otras epopeyas semejantes.

APARTE DE LO RECARGADA, SERÁ UNA DECEPCIÓN PARA LOS SEGUIDORES DEL VERDADERO VIDEOJUEGO. A DIFERENCIA DE KILL BILL, AQUÍ HUBO DESPERDICIO DE MUY BUENOS ACTORES.

Ficha técnica   

2024 - Acción, aventuras, comedia, ciencia ficción EE.UU. - 1,42 hrs. 
Fotografía: Rogier Stoffers 
Edición: Julian Clarke, Evan Henke 
Música: Steve Jablonsky 
Diseño Prod.: Andrew Menzies 
Guion: Eli Roth, Joe Crombie 
Actores: Cate Blanchett, Jamie Lee Curtis, Gina Gershon 
Director: Eli Roth

lunes, 12 de agosto de 2024

Borderlands - Por Carlos Correa Acuña

“Borderlands” es una nueva apuesta para llevar un videojuego popular a la pantalla grande, y vaya que es difícil este desafío. La historia nos traslada a Pandora, un planeta donde todo se trata de la supervivencia, y los cazadores de la Cámara, un grupo de inadaptados con habilidades únicas, buscan una bóveda legendaria supuestamente repleta de riquezas y secretos. Lilith -Cate Blanchett-, una mujer con extraordinarios poderes, lidera un extravagante equipo que en el camino suma a Roland -Kevin Hart-, un ex soldado con un inquebrantable sentido del deber, y a Claptrap, un robot sarcástico, hilarante, chispeante e ingenioso, pero poco útil.

La película sigue de cerca la trama del videojuego, manteniendo la búsqueda de la misteriosa Cámara como eje central, pero agrega algunos giros que intentan profundizar en los orígenes de los personajes. Aunque la esencia del juego -con humor desenfrenado y caos constante-, está presente, según los entendidos, la película se toma algunas licencias, también según los que saben, lo que podría no ser del gusto de todos los gamers. Sin embargo, y también por lo que he leído en otras reseñas y comentarios, al parecer se las arregla bastante bien para capturar la particular energía que hace de Pandora un lugar intrigante.

En cuanto al elenco, Cate Blanchett brilla por sobre todos, sin lugar a dudas. Luego de ser la magistral “Tar”, el giro que realiza para interpretar a Lilith es notable. Al combinar dureza con momentos de vulnerabilidad, hace que el personaje sea mucho más que solo una heroína de acción. ¡Bravo por Cate! Por su parte, Kevin Hart, reconocido por sus dotes de comediante, sorprende con un Roland algo serio, mostrando que también puede manejar correctamente los papeles dramáticos. Jack Black, poniendo la voz a Claptrap, es otro acierto, pues logra que el personaje mantenga un tono sarcástico y divertido, aunque por momentos agote o se siente un poco “fuera de tiesto”. Jamie Lee Curtis está muy bien como la excéntrica doctora Tannis, un secundario a su altura, tanto en su forma, como en todo el espectro del personaje.

El director Eli Roth, conocido por su trabajo en el género de terror con películas como “Hostel”, imprime un estilo característico a “Borderlands”. Aunque, por sus trabajos previos podría parecer extraño, Roth logra conjugar en la narrativa la acción intensa y el humor oscuro de la historia. Su enfoque en la violencia y el caos funciona la mayoría de las veces, aunque en algunos puntos es demasiado intenso, lo que podría no encajar con todos los públicos. Es un riesgo, por cierto, pero su experiencia en crear atmósferas tensas añade toques distintivos a la película.

Donde esta ficción realmente sobresale es en su diseño de producción y en los efectos especiales. Pandora se ve increíblemente detallada, con paisajes que parecen sacados directamente de las pantallas del juego, lo que se hace evidente, aún sin conocer el mundo original. Las escenas de acción son acrobáticas y espectaculares, aunque con una edición que puede ser un poco abrumadora, confusa y cansadora, con varias secuencias difíciles de seguir. El ritmo es muy rápido, demasiado tal vez, por lo que algunas transiciones entre escenas pueden sentirse bruscas, y sus diálogos, en su mayoría entretenidos, muy pasados por encima y bastante manidos.

“Borderlands”, aunque no logre convencer a todos, indudablemente tiene varios puntos a favor. Las críticas han sido mixtas, y hay quienes han dicho que la película no captura del todo el espíritu del juego. Bueno, sin conocerlo es difícil opinar en forma más profunda, sin embargo lo que no podemos negar es que visualmente estamos ante una danza espectacular. La fotografía y los efectos especiales son de lo mejor en este filme, un lujo para ver en pantalla grande, aunque el guion flaquee por doquier. Tal vez puede que a uno le guste más o menos, que se entretenga más o menos, y también puede ser que no estemos ante un desarrollo brillante, pero aun así, tomando todo en cuenta, y raya para la suma, aunque solo sea por Cate Blanchett, “Borderlands” claramente tiene lo suyo.

Ficha técnica

Título original: Borderlands
Año: 2024
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Arad Productions, Picturestart, Gearbox Studios, Lions Gate Films, Media Capital Technologies. Distribuidora: Lions Gate Films
Género: Ciencia ficción. Acción. Comedia | Comedia negra. Futuro postapocalíptico. Videojuego
Guion: Eli Roth, Joe Crombie. Historia: Eli Roth
Música: Steve Jablonsky
Fotografía: Rogier Stoffers
Reparto: Cate Blanchett, Kevin Hart, Jack Black, Edgar Ramírez, Ariana Greenblatt, Florian Munteanu, Gina Gershon, Jamie Lee Curtis
Dirección: Eli Roth