Zootopia 2 - Por Jackie O.

“Diversidad, aceptación y reparación”

Nick y Judy ya consolidados policías de Zootopia, tienen una nueva misión que es perseguir a una serpiente fugitiva llamada Gary. Sin embargo, obstáculos inesperados les esperan.

Judy, la coneja que busca justicia y hacer el bien para la comunidad Zootopiana, sigue trabajando con su gran amigo Nick, ese zorro pícaro que se volvió un servidor público para hacer el bien, pero siempre fiel a su estilo. Ambos tienen algo en común que enfurece a los superiores: no escuchan instrucciones; cuando algo se les mete en la cabeza son tozudos en perseguir y resolver (más en Judy) y eso les ocasiona problemas. Esto, ahora sucede cuando quieren desarticular una banda de contrabando y encuentran pistas de algo más. Luego de ello, y con las reprimendas de un jefe que igual los estima, ambos comienzan a indagar las pistas encontradas sobre un reptil, ser que no debería estar en la ciudad ya que la leyenda dice que son personajes que fueron expulsados por su maldad. Pero los rastros señalan que han vuelto, y Judy está dispuesta a averiguarlo, obvio que junto a su amigo zorro, inmiscuyéndose en una fiesta, donde son inculpados de un delito por los malvados Lynxley, una poderosa y respetada familia de Linces.

Así, Judy, Nick y la serpiente Gary, deben huir para salvar sus vidas, pero también deben salvar su honra. Porque hay un secreto oculto por parte de los reptiles, que la famosa familia de Linces no quiere que salga a luz y estos últimos harán lo que sea para que no se sepa.

Secuela de la película del año 2016, pasaron nueve años para volver a ver a estos entrañables personajes que siguen con esa gran simpatía que nos alegra. Ahora se suman nuevos personajes igual de agradables, con una estética visual muy colorida, música acorde, guion que nos lleva a reflexionar sobre muchos temas, como la integración en un mundo multicultural, donde diferentes personajes pueden convivir en un mismo hábitat cuando hay respeto; dejar de lado estereotipos, como que ciertos personajes son malos por su apariencia (en este caso las serpientes); sobre la fuerza de la confianza y la lealtad, además de la familia, el deber y la perseverancia en el trabajo duro cuando otros no creen en tus habilidades.

Judy refleja la honradez y perseverancia, y Nick es el apoyo indiscutible de la amistad. Aún no siendo perfectos, asumen sus errores, porque juntos han crecido emocionalmente y han sabido comunicarse, porque hablar de las situaciones con nuestros cercanos es necesario para que la convivencia sea mejor. Gary es la ambigüedad que a la sociedad no le gusta. Su apariencia es de rechazo y no admite una cercanía, no da cabida para conocerlo, lo que nos dice que las apariencias engañan. Esto va de la mano con lo que proyecta la familia de Linces.

Esta película animada hace referencias muy graciosas de películas y series tales como "48 horas", "El resplandor", fugazmente a "Ratatouille", "Succession", "El padrino", y otras que puedas visualizar con tu agudo ojo. Así como temas donde la ciudad se ve de una forma cuando en sus grietas se ocultan secretos injustos y crueles, tema que se ha visto en cintas de adultos como “Los Angeles al desnudo” y muchas más.

Salimos del humor ligero a adentrarnos más a una especie de películas estilo noir y de las Buddy Cop, que es muy grato de ver. Los adultos veremos todas esas referencias que señalo y más, y las disfrutaremos. En cambio, los niños solo verán a carismáticos personajes, por lo que los adultos debemos centrarnos con ellos en los valores que se representan, que son la fuerza de trabajar en equipo, integrar a los que son diferentes, que con respeto se puede convivir, perdonar y reconstruir un pasado en base a la empatía y la amistad.

Una cinta divertida que no alcanza el éxito indiscutible de la primera entrega, ganadora del Óscar, porque ya no tiene esa gran aventura del salvajismo de sus protagonistas; o lo molesto para mí,  de insistir con guiños de posible romance.

Tiene una escena post créditos que nos augura una nueva entrega, la cual espero no se demore tantos años en aparecer.

Ficha técnica

Dirección y guion: Jared Bush
1 hora 48 min. 2025.
Personaje | Voz original | Doblaje
Judy Hopps | Ginnifer Goodwin | Romina Marroquín Payró
Nick Wilde | Jason Bateman | René García
Gary Ke | Huy Quan | Jerry Velázquez
Nibbles Maplestick | Fortune Feimster | Michelle Rodríguez
Jefe Bogo | Idris Elba | Octavio Rojas
Jesús el Lagarto | Danny Trejo | Marco "El Gallo" Viloria
Russ David | VanTuyle | Rodrigo Salinas
Pawbert Linceley | Andy Samberg | Edson Matus
Kitty Linceley | Brenda Song | Denisse Aragón
Cattrick Linceley | Macaulay Culkin | Leonardo de Lozanne
Denny Howlett | Mario Lopez | Alex Pelao
Michael J., el zorro | Michael J. Fox | Pepe Toño Macía

No Alimentes a los Niños - Por Juan Pablo Donoso

Tema inicial apocalíptico - provocativo - pero arruinado por un guion errático y por una dirección inexperta y pretenciosa.

Nos ilusiona como un posible relato de terror, que apenas se concreta.

Una pandemia mata a la mayoría de los adultos del mundo. En el “mejor” de los casos los transforma en zombies. Como el virus lo contagian los niños y adolescentes, la policía debe exterminarlos (¡!).

Un grupo de jóvenes y muchachas forajidos - luego de asaltar un almacén - roban un auto y escapan hacia la frontera. En el camino irrumpen en una casa de campo que creían desocupada. Pero los acoge una mujer solitaria (Michelle Dockery) quien los atiende con bondad y les da de comer.

¡Hábil treta para drogarlos y mantenerlos prisioneros, sin ropa, encerrados en la buhardilla! ¿Para qué? Solo muy al final nos enteramos. Pero ya es demasiado tarde para justificar la película.

El grueso de la historia es cómo fracasan en sus intentos de escapar, mientras van desapareciendo, uno por uno.

Los actores trataron de rendir lo mejor posible, pero los sonsos diálogos y la gelatinosa dirección logran que ninguno de los personajes llegue a importarnos.

Las acciones van de tumbo en tumbo y, a cada rato, solo nosotros vemos las posibles escapatorias.

Constante cámara en mano, en lugares estrechos, con toda la molestia y cansancio que ello ocasiona al espectador. Manchas de barro en el rostro de la niñita principal (Zoe Colletti - Plan en Familia -2023) que cambian sin razón entre una toma y otra.

Después de cliché tras cliché de suspenso forzado, nos preguntamos: ¿adónde conduce toda esta majamama?

¿Qué nos quisieron comunicar con este relato patuleco, sentencioso, y fallidamente sensacionalista? El título solo se justificaría con el descabellado secreto que se nos revela al final.

Es el primer largometraje de la directora Destry Allyn Spielberg, hija del gran Steven Spielberg y de la actriz Kate Capshaw (Indiana Jones -1984). Si somos mal pensados, diríamos que solo por el prestigio de sus padres consiguió el presupuesto para financiar este proyecto.

Hasta Michelle Dockery - admirable por su interpretación de Lady Mary Crawley en Downtown Abbey (2010-19), aquí se nota incómoda, desorientada, echando mano sólo a su talentosa experiencia anterior. ¡Desperdiciada!

¡UNA LÁSTIMA! CON ESOS ANTECEDENTES FAMILIARES DEBIÓ ASESORARSE.

Ficha técnica

Título Original: Please don´t feed the Children

2024 Gore y sadomasoquismo EE.UU. - 1,34 hrs 

Fotografía: Shane Sigler 

Edición: Todd Sandler 

Música: Cornel Wilczek 

Diseño Prod.: Kai Boydell 

Guion: Paul Bertino 

Actores: Michelle Dockery, Zoe Colletti, Giancarlo Esposito 

Dirección: Destry Allyn Spielberg

Dos mejor que uno - Por Jackie O.

"Donde te sientas bien, es"

Ben y Alice son unos treinteañero que se conocen desde la universidad, hace 12 años, son mejores amigos, hablan de todo, no tienen secretos y se animan en los malos momentos. Pero estan pasando por una situación compleja.

Ben y Alice son desinhibidos, alegres, guapos e inteligentes, pero pasan por una mala racha. Alice fue abandonada por su novio y está con depresión, y a Ben le está costando conquistar chicas, por más que Alice lo ayude. Ademas, están pasando un verano de muchas bodas, donde sus amigos se están casando y eso les hace cuestionar su presente. Lo peor: también se casa la hermana de Alice y es el tercer matrimonio del padre de Ben. Amor por todos lados y escurridizo para ellos.

¿Qué es el amor? ¿Qué es el compromiso? ¿Cómo se mantiene una relación para que sea duradera? ¿Una mujer y un hombre pueden solo ser amigos?

La cinta no nos muestra nada nuevo que no hayamos visto en otras películas de mejores amigos, sobre si descubren que son almas gemelas o solo serán amigos por siempre. Pero es una historia contada con frescura y con protagonistas carismáticos. Hay muchos momentos de comedia con situaciones divertidas, y otros de reflexión sobre la vida, la amistad, de conocernos y ser honestos. De la búsqueda del amor.

Muchas veces el enamoramiento no es solo mariposas en el estómago, es más que eso. ¿Y como saberlo?

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Título original: Plus One
98 minutos. 2019.
Escrita, dirigida y producida por Jeff Chan y Andrew Rhymer
Protagonistas: Maya Erskine, Jack Quaid Ryan, Beck Bennett, Rosalind Chao, Perrey Reeves, Ed Begley Jr.

Terror en Shelby Oaks - Por Carlos Correa Acuña

Una cámara fija, imágenes que parecen reales. Una mujer al interior de una cabaña observa una puerta. La abre, ingresa; se corta la grabación. Buen inicio, sombrío y sugerente, pero…

Esta película, escrita y dirigida por Chris Stuckmann, sigue a una mujer, Mia Brennan-Walker -Camille Sullivan-, que está decidida a encontrar a su hermana Riley -Sloane Burkett-, desaparecida hace años en la misteriosa ciudad abandonada de Shelby Oaks mientras se ocupaba de un caso en compañía de un grupo investigador llamado “Paranormal Paranoids”. Con el paso del tiempo, se encontraron los cuerpos de todos menos el de Riley, sin embargo, lo que sí se logró recuperar fue una de sus dos cámaras, aquella que contenía imágenes que muestran a la joven aterrorizada.

La trama se desarrolla doce años después de estos sucesos. Mia, entrevistada para un documental sobre la desaparición de su hermana, afirma que Riley todavía está viva, y cuenta que a menudo experimentaba terrores nocturnos cuando era niña, al creer que algo la estaba observando. Algo le dice que eso continúa y que el demonio imaginario de la infancia podría haber sido real. Por eso quiere encontrarla, dilucidar el misterio y así cerrar el caso.

Stuckmann compone esta película como si se tratara de un documental. Se llega a sentir real, como si fuera un trabajo periodístico, con un buen inicio potenciado por música aleatoria, notas graves largas (pedales), movimientos lentos de cámara y sonidos intrigantes. Las imágenes parecen artesanales, en algunos casos incluso descuidadas, entregando la perspectiva de una cámara en mano que se cruza siempre con más de alguna sorpresa.

Todo corre bien por unos 30 o 40 minutos, pero luego la cinta empieza a deccaer. La lentitud del relato pasa a ser la tónica y sentimos que ya no vamos a ninguna parte. Es como dar vueltas en círculo, una y otra vez, sin conducir hacia algún punto disonante. Este suspenso, que resulta demasiado obvio, se rompe más o menos a la hora de metraje, momento en que Mia decide emprender un viaje a Shelby Oaks. Lo que promete un cambio de escenario, pronto pasa a ser más de lo mismo, para solo agregar típicos elementos del género: imágenes nocturnas, oscuras, terror en una prisión abandonada, y una búsqueda en la espesura de un bosque que termina con el descubrimiento de una cabaña vacía y desolada.

“Shelby Oaks”, título original que sin la palabra “terror”, añadida en estas latitudes, resulta ser una interesante premisa que falla, producto de un flojo desarrollo. Tal vez, con menos minutos podría haber concentrado mejor el material y evitado los baches narrativos de su parte central, pero eso no sucedió. Entonces, lo que tenemos es un filme de un poco más de una hora y media, con moderado suspenso y un par de gotas de angustia que no alcanzan a producir adrenalina.

Ficha técnica

Título original: Shelby Oaks
Año: 2024
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Paper Street Pictures, Intrepid Pictures, Title Media. Productor: Mike Flanagan
Género: Terror. Intriga | Secuestros / Desapariciones. Familia. Cine independiente USA
Guion: Chris Stuckmann. Historia: Sam Liz, Chris Stuckmann
Música: Aaron J. Morton
Fotografía: Andrew Scott Baird
Reparto: Camille Sullivan, Brendan Sexton III, Keith David, Sarah Durn, Derek Mears, Emily Bennett, Charlie Talbert, Robin Bartlett, Michael Beach
Dirección: Chris Stuckmann

Las guerreras K-pop - Por Jackie O.

"Aceptarse y confiar"

Sinopsis: Cuando no están llenando estadios, las superestrellas del k-pop Rumi, Mira y Zoey usan sus superpoderes secretos para proteger a sus fans de amenazas sobrenaturales.

Tres amigas, cantantes, casi hermanas, ya que son muy unidas, recorren el mundo entregando lo mejor de ellas al mundo, a sus fans. Su música es electrizante, sus bailes pegadísimos y un carisma envolvente. Sus voces son un arma poderosa, ya que les ayudan a proteger el mundo. Crean una barrera invisible que impide que demonios tomen las almas de las personas. Ellas son guerreras y deben estar alerta ante cualquier demonio que va apareciendo.

 
Pero el máximo demonio envía un arma secreta, un grupo de demonios disfrazados de grupo musical, llamado "los saja boys", que en un comienzo se transforman en una dura competencia musical. Pero Rumy se enamora del vocalista principal del grupo, ya que ambos tienen algo en común.
Las guerreras no solo lucharán con demonios de otras dimensiones, sino que, también, con sus propios demonios internos.

 
¿En quién confiar?

Esta cinta ha sido una locura, éxito total para grandes y chicos. Mantiene una estética muy bien construida, con música pegajosa que te anima y letras muy simples, hasta con un profundo significado que queda.
La luminosidad de sus colores, las simpatía de sus personajes y el atractivo general, ha conquistado a la audiencia.

Su guion nos lleva a la amistad, el amor, lidiar con un pasado complejo, las diferencias y de cómo enfrentarla.

 
Se conjugan el folclore coreano antiguo con una actualidad de bandas KPop. Mezcla perfectamente equilibrada, con unas simpáticas y hermosas heroínas que comen carbohidratos sin preocuparse de las dietas, con voces de cantantes desconocidas que se atrevieron a dar este impulso, de trabajar tras bambalinas a ser las primeras de los ranking musicales.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

HUNTR/X. Kpop Demon Hunters
Dirección:Maggie Kangy Chris Appelhans
Dirección artística: Celine DaHyeun Kim
Guion: Danya Jimenez, Hannah McMechan, Maggie Kang y Chris Appelhans
Música: Marcelo Zarvos
2025. 1 hr 35 minutos.

Personaje | Actor de voz original | Actor de doblaje

Rumi | Arden  Cho | Azul Bötticher

Canciones: Ejae

Mira | May Hong | Karin Zavala

Canciones: Audrey Nuna

Zoey | Ji-Young Yoo | Tatul Bernodat

Canciones: Rei Ami

Jinu | Ahn Hyo Seop | Juan Balvín

Canciones: Andrew Choi

Gwi-MaLee | |Byung-Hun | Carlo Vázquez Díaz

Bobby | Ken Jeong | Alejandro Bono 

Los Ilusionistas 3 - Por Carlos Correa Acuña

En los tiempos actuales, una era en la que podemos ver fotos trucadas y hasta imágenes de video generadas por inteligencia artificial que pueden parecer reales, una película como esta viene bien. ¿Por qué se preguntarán? Veamos.

Cuando tanto imágenes como videos pueden resultar falsos -y nadie es inmune a sufrir un engaño-, la realidad física se transforma, tal vez, en lo único concreto a tomar en cuenta. Bueno, ¿y si ni siquiera eso fuera cierto? Esa es la idea detrás de la magia y de la ilusión, hacernos creer algo que se comporta de una manera pero que en verdad, podría resultar todo lo contrario.

La película comienza con el anunciado regreso de los famosos “Cuatro Jinetes”. Hace 10 años que están fuera de las pistas, por lo que se prevé un espectáculo concurrido y vistoso, un truco que, además funciona como introducción para tres nuevos personajes que se suman a la saga: los jóvenes magos Charlie -Justice Smith-, Bosco Leroy -Dominic Sessa-, y June McClure -Ariana Greenblatt-.

Después del espectáculo, se acerca inesperadamente a ellos J. Daniel Atlas -Jesse Eisenberg-, uno de los jinetes fundadores, con la misión de reclutarlos. Los necesita porque ha recibido el encargo de “The Eye”, la sociedad mágica secreta, para robar "The Heart", el diamante más grande del mundo que está en posesión de Veronika Vanderberg -Rosamund Pike-, jefa de una empresa de diamantes sudafricana iniciada por su padre, un exnazi que utiliza el negocio para lavar dinero para delincuentes. El reencuentro de los ex compañeros no tarda en producirse y el grupo, ahora ampliado, debe emprender su nuevo desafío.

Ruben Fleischer dirige esta historia utilizando la misma fórmula de siempre. Es curioso cómo a pesar de ser un formato conocido, funciona y logra fácilmente su propósito. Claro, no solo se trata de repetir, sino también agregar algunos elementos que logren continuidad con las anteriores entregas y que, al mismo tiempo, generen novedad e interés. Uno de ellos es reunir a los famosos Jinetes, porque en diez años han pasado muchas cosas; el otro, la aparición de nuevas generaciones, surgidas al alero de la admiración de figuras reconocidas, pero con deseos de cultivar su propia identidad. Es algo así como una transición, un traspaso generacional que abre puertas y que permite ramificar historias.

Un tercer elemento es un objetivo común. Cuando son reclutados por “El Ojo”, la misión está clara. El cómo se desarrolla podrá tener variantes, pero están todos de acuerdo en el fin a cumplir. La parte central de la cinta decae un poco en ritmo, justamente en el instante en el que deben planificar los siguientes pasos y enlazar con el último tercio de la cinta, el que sí resulta vertiginoso.

Los trucos son básicamente juegos, desafíos de ingenio que integran la experiencia de unos con la juventud de otros. Pero atención con la arrogancia, mal consejera para cualquiera, sobre todo en casos como este, en que todo puede ser cambiado. El refuerzo del trabajo en equipo por sobre cualquier individualidad es, probablemente, otro tema clave que este filme pone de relieve en forma constante. No es posible conseguir resultados sin unidad. Por más experticia que cada una de las partes tenga, deben trabajar juntas y en forma coordinada.

Muy bien los protagonistas, en general, un team que cumple a pesar de ser bastante numeroso. En lo particular, creo que son demasiados y eso diluye los papeles; sin embargo, y por otra parte, eso es lo que permite el lucimiento de quien brilla y se roba la película cada vez que está en pantalla: Rosamund Pike dando vida a una villana perfecta.

“Los Ilusionistas 3”, un apropiado título en español que no es opacado por el original en inglés, aunque este último sea mejor: “Ahora me ves, ahora no”. Tal vez es solo semántico y con fines comerciales, pero ambos resumen lo mismo: lo que se ve, puede ser o no ser. Sin buscar demasiada profundidad, este filme entretiene y deja todo preparado para su continuación. ¿Dónde veremos a los Jinetes ampliados la próxima vez? Pronto se dilucidará, tal vez, o tal vez no…

Ficha técnica

Título original: Now You See Me: Now You Don't
Año: 2025
Duración: 112 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lionsgate, Summit Entertainment, Epic Films, Reese Wernick Productions, The Fusion Media. Distribuidora: Lionsgate
Género: Intriga | Crimen. Secuela
Guion: Seth Grahame-Smith, Gavin James, Michael Lesslie, Eric Singer, ver 7 más
Música: Brian Tyler
Fotografía: George Richmond
Reparto: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Dave Franco, Isla Fisher, Justice Smith, Dominic Sessa, Ariana Greenblatt, Rosamund Pike, Morgan Freeman
Dirección: Ruben Fleischer

Los Ilusionistas 3 - Por Jackie O.

“La huella del tarot… un truco que se esfumó”

Doce años después del robo original de esta saga, un trío de jóvenes magos, Charlie, Bosco Leroy y June McClure, organizan un falso espectáculo de magia de los Cuatro Jinetes mediante deepfakes y hologramas. En él, vacían la cuenta del corrupto dueño de una casa de cambio de criptomonedas y distribuyen el dinero robado entre los asistentes. Tras el espectáculo, J. Daniel Atlas, uno de los Jinetes originales, los aborda inesperadamente para una misión.

Tres jóvenes que se cuidan entre sí, buscan dinero fácil con sus habilidades de magia, no siguen reglas, no tienen jefatura y les gusta ayudar a otros. Esa es la vida de Charlie, Bosco y June, hasta que Atlas los aborda. Todo por las famosas cartas de tarot que van encontrando los originales jinetes, y que los llevan a estos jóvenes. La razón de juntar la generación antigua con esta nueva es que “El Ojo” así lo ha dispuesto, para desenmascarar a nuestra villana que tiene un legado de sangre.

Con “tiras y afloja” ambas generaciones unen sus conocimientos y habilidades para llegar a la villana, con situaciones algo graciosas, trucos reales más otros con mucha tecnología CGI, con el fin de lograr su objetivo, dejando eso sí, penas en el camino.

Estéticamente el guion es algo flojo, aunque la historia de una villana que busca poder y dinero a costa de otros, con un legado de muerte a su paso, es muy interesante, ya que estos Jinetes se dedican a desenmascarar a este tipo de malvados y devolver el dinero a la ciudadanía, pero se siente algo flojo en su forma de contárnosla. Pero no decae en cuanto a que el ritmo ayuda, esto es, la dinámica de los trucos que realizan, “la visualidad de lo que hacen ayuda más que lo que hablan”, porque los trucos que realizan nos mantienen atentos, ya que como espectadores queremos saber “cuál es la cartita bajo la manga”. Aunque hay un truco en particular dentro de la trama que comienza bien, pero termina aburriendo, ya que todos quieren participar de él y cansa. Esto es porque hay mucha gente de protagonista, donde todos quieren figurar, no pudiendo su director hacer que lo logre. Porque hemos visto películas con muchos protagonistas que sí los vemos y disfrutamos de todos, pero acá no es el caso.

Aunque debo decir que lo único que me sorprendió y que llamó mi atención fue el “truco final”, ya que fue bueno, pero no logra un todo, quedando la cinta en general algo decepcionante para toda la propaganda hecha y el tiempo esperado entre una cinta y otra.

En cuanto al vestuario, peinado y maquillaje, muy buenos. Efectos visuales y banda sonora buenos, así como la puesta en escena.

No tiene escena post crédito, pero sí da chance para una cuarta entrega, por que “la posta” hay que entregarla.

Película entretenida visualmente, pero no es de las que llegan a materializarse en el tiempo. La vemos y se evapora como acto de magia.

Ficha técnica

Dirección: Ruben Fleischer
Protagonistas Jesse Eisenberg, Mark Ruffalo, Woody Harrelson, Dave Franco, Isla Fisher, Lizzy Caplan, Ariana Greenblatt, Justice Smith, Dominic Sessa, Rosamund Pike, Morgan Freeman
2025. 1 hr 50 minutos.

Los Ilusionistas 3 - Por Juan Pablo Donoso

Con magia, humor, aventuras inverosímiles, actores famosos, mucho ritmo y elegancia nos brindan este tercer capítulo de la saga que comenzó en 2013.

La primera fue la mejor. Tal vez por la novedad del tema y la frescura de su tratamiento.

En ella, un equipo de ilusionistas - Los Cuatro Jinetes - roban a bancos durante sus actuaciones y recompensan a su público con el botín. La extravagante manera de hacer caridad, obliga a un agente del FBI y un detective de Interpol a seguirles la pista.

Y como se trata de una farsa grotesca, los juegos de ilusión se multiplican revelando la genialidad de los embaucadores para engañar a la policía y divertirnos a nosotros.

Para continuar con la fórmula y su éxito comercial, en este filme una nueva generación de ilusionistas jóvenes se une a los antiguos Jinetes.

Ahora se trata de rescatar un exclusivo diamante que una banda de ladrones internacionales desea robar, e intercambiar por uno falso, sin que el mundo se dé cuenta.

A la cabeza de la perversa organización está doña Veronika Vanderberg - interpretada por Rosamund Pike quien esta vez intenta con poco éxito imitar el inglés de los sudafricanos - pero que igual se impone por presencia y distinción.

Los nuevos magos son la joven June (Ariana Greensblatt (Barbie)), Charlie (Justice Smith), y Bosco (Dominic Sessa - (Los que se Quedan)).

Estas películas siempre son divertidas. El recurso lúdico sigue intacto. Se centran en la magia y las ilusiones, y los realizadores se empeñan en sorprendernos con giros inesperados y espectaculares.

Con la inclusión de nuevos personajes hacen progresar la nueva generación, junto con la antigua, y descubren nuevas barrabasadas mágicas para mantener activa la diversión. Sería ocioso pedirles alguna intención más trascendente.

Los actores antiguos Morgan Freeman. Jesse Eisenberg y Woody Harrelson aportan simpatía y también público a la taquilla.

GRAN PRESUPUESTO PARA ESPECTADORES QUE, SIMPLEMENTE, QUIEREN DESCONECTARSE DE LOS PROBLEMAS DIARIOS Y PASAR UN RATO AGRADABLE.

Ficha técnica

Título Original: Now You See Me, Now You Don´t

2025 Comedia, suspenso, acción EE.UU. 1,52 hrs. 

Fotografía: George Richmond 

Edición: Stacey Schroeder 

Música: Brian Tyler 

Diseño Prod.: David Scheunemann 

Guion: Seth Grahame-Smith, Michael Lesslie, Rhett Reese 

Actores: Woody Harrelson, Rosamund Pike, Morgan Freeman 

Director: Ruben Fleischer

La Ola - Por Ana Josefa Silva

Una película rupturista, arriesgada y asombrosa

Sebastián Lelio y su magnífico equipo nos regalan una experiencia enriquecedora, de momentos gloriosos.

Una historia colectiva, que pisa fuerte, pero que a la vez instala dudas incómodas más que certezas.

Libremente inspirada en las tomas feministas de las universidades chilenas en 2018, como anuncia al inicio, este filme de Sebastián Lelio (Oscar por Una Mujer Fantástica) no se parece a nada que hayamos visto. Así de jugada, arriesgada y asombrosa.

Lelio construye un filme que aprovecha a destajo y de manera muy original todo lo que se le puede estrujar al lenguaje cinematográfico: encuadre, montaje (¡Soledad Salfate!), iluminación, travelling, color, sonido… Y encima, “inventa” aquello que no está en nuestra tradición: el musical. Porque este no es el musical “gringo” (de lo que hay mucho que alabar), ni europeo, ni el de La India (de vasta tradición): la construcción de La Ola está decididamente más cerca de la ópera brechtiana, pero desde un estilo propio, único. Y en esto la música de Matthew Herbert (más composiciones de Javiera Parra, Anita Tijoux, Camila Moreno, entre otras) y las potentes, intensas, subyugantes coreografías de Ryan Heffington llevan esta creación a momentos gloriosos.

Si lo colectivo es lo que ronda la historia, también es lo que está fuera de la pantalla. Los tumultuosos castings, las más de 500 personas delante y detrás de las cámaras.

Si bien hay una protagonista, Julia (Daniela López), estudiante de Música, con ella figuran casi a la par Luna (Avril Aurora), Rafa (Lola Bravo) y Tamara (Paulina Cortés).

Y sí, también hay muchos rostros reconocibles.

Esta ola se inicia con una acusación que no es escuchada, en una facultad de artes de una universidad ficticia, y una joven que no está del todo segura de lo que ha ocurrido.

La duda se instala también para el espectador porque la película, si bien es una construcción empática con los movimientos feministas (porque no hay una sola corriente) y con sus protagonistas, se abre a un escenario de preguntas y dudas, donde se habla de “funa” desde la ambigüedad que encierra este acto.

La misma Julia indaga en su subconsciente, intentando precisar lo que está difuso en su memoria, en escenas oníricas.

Incluso los grupos interpelan a la cámara en un juego de meta cine.

Tiene memorables secuencias de humor sutil y sarcástico.

Filmada en el Barrio Lastarria, el GAM, el Archivo Nacional, Ceina, edificio La Bolsa, MAC, Parque Forestal, entre otros.

Estrenada en Cannes.

Disponible en Netflix.

LA OLA

Dirección: Sebastián Lelio
Guion: Josefina Fernández, Manuela Infante, Sebastián Lelio, Paloma Salas.
Chile, 2025
Duración: 129 min.

Cuando Olivia Coleman y Benedict Cumberbatch son LOS ROSES - Por Ana Josefa Silva

(En Disney Plus desde el jueves 20)

Los Roses no es solo una grandiosa comedia negra, es una muy descarnada mirada a los conflictos de pareja en edad mediana, que se despliegan no solo entre los protagonistas sino entre las amistades que conforman su círculo.

La primera secuencia es elocuente: Theo (Benedict Cumberbatch) e Ivy (Olivia Colman) están frente a una terapeuta de parejas y su (cómica) reacción ante su lapidario diagnóstico los delata de cuerpo entero.

Es la mitad de la historia: un racconto nos ubica en Londres, cuando se conocieron: Theo, un gran arquitecto, e Ivy, una chef talentosa. Por ofertas de trabajo para él, se trasladan a California, a un bello sector junto al mar. Allí hacen amistades y tienen dos hijos. Han pasado diez años. Theo ha desarrollado una carrera exitosa e Ivy se ha dedicado a la casa. Una súbita tormenta da un giro copernicano a las carreras de ambos: Theo pasa a cuidar a los niños y se dedica a las tareas domésticas mientras Ivy se encumbra como una reputada chef y abre una cadena de restoranes.

Los personajes secundarios —amistades, el personal del restorán, los hijos, los abogados— no tienen desperdicio, así como cada línea del guion.

Una comedia negra exquisita, aguda, plagada de ironía, capaz de ser “elegante” incluso en situaciones y diálogos de contenido procaz. Los actores ingleses se involucraron también en la producción de este filme, cuyo guion juega con mucha gracia con el contraste entre las formas de ser británicas y norteamericanas.

Y sí: esas conductas elusivas (“nos enseñaron a reprimir los sentimientos”) han llevado a esta pareja a reprimir una crisis que crece ahí larvada, en un resentimiento mutuo, que es imposible que no estalle.

Sin menoscabar a Michael Douglas y Kathleen Turner (que están ¡grandiosos! en la última temporada de El Método Kominsky, en Netflix), esta reversión está muy por encima de La Guerra de los Roses, película que ellos protagonizaron dirigidos por Danny De Vito (1989).

Más bien, habría que decir que es una nueva adaptación de la novela de Warren Adler (“The War of the Roses”).

DATO: El guionista es el dramaturgo australiano Tony McNamara que está tras las películas Pobres Criaturas y La Favorita, de Yorgos Lanthimos.

THE ROSES

Dirección: Jay Roach
Guion: Tony McNamara
Reino Unido, 2025
Duración: 121 min.

Cuando las Nubes esconden la Sombra - Por Juan Pablo Donoso

Grata, hermosa e íntima co-producción - Chile, Argentina y Corea del Sur - filmada íntegramente en Puerto Williams, la ciudad más austral del mundo. Gran trabajo de conjunto.

Distinguida con el Premio a Mejor Largometraje en la 6ª edición del Festival de Cine Villa Crespo.

María, una actriz argentina (María Aliché) llega al remoto Puerto Williams para protagonizar una película. Pero una tormenta retrasa la llegada del resto del equipo obligándola a permanecer sola en un pueblito desconocido y tan lejano de su gran Buenos Aires.

En medio de un paisaje bellísimo, frío y de clima variable, sólo le resta socializar con los pocos, y acogedores, habitantes del lugar.

La generosidad con que los lugareños - en su mayoría femeninos - le confidencian sus sentimientos e historias, la inducen, en la quietud y silencio del lugar, a evaluar su propia vida como mujer, madre y actriz.

Las gruesas nubes, siempre cambiantes, que a menudo ocultan fugaces rayos del sol, le irán abriendo la mente y el corazón, permitiéndole observar una nueva imagen de sí misma. Las sinceras confidencias de las otras habitantes agitarán las sombras que yacían ocultas en su vida, haciéndolas emerger sin que pueda evitarlo.

Su permanencia solitaria, y a la vez tan amorosamente acogida por los otros, será como un espejo inevitable puesto frente a su alma para asumir un nuevo ciclo de maduración personal.

El guionista, director y montajista chileno José Luis Torres Leiva supo tratar con delicadeza un tema femenino tan sutil, casi evanescente, con un virtuoso equilibrio entre la ficción y el documental.

Virtuosa fotografía de Cristián Soto, rítmica y armónica edición, envueltas en una música incidental de Diego Noguera que trasmite sin estridencia los pasos del despertar emotivo de la protagonista.

Loable decisión de contratar a la actriz María Aliché quien, sin maquillaje ni ostentación histriónica, nos permite con su sola presencia, empatizar con los dolores de su cuerpo y con los velos de su corazón.

El título del filme ilustra magistralmente la metáfora del proceso somático y espiritual que comienza a experimentar esa mujer.

TESTIMONIO DE UN VIAJE TRANSFORMADOR EN UN REMOTO Y CATÁRTICO RINCÓN DE LA PATAGONIA. BELLO, AUTÉNTICO Y DEPURADO. ESTÉTICA CONTEMPLATIVA.

Ficha técnica

Experiencia testimonial

2024 Chile, Argentina, Corea del Sur - 1,10 hrs. 

Fotografía: Cristián Soto 

Edición: Andrea Chignoli, José Luis Torres Leiva 

Música: Diego Noguera 

Guion: Alejandra Moffat y José Luis Torres Leiva Actores: María Alché y lugareños 

Dirección: José Luis Torres Leiva

Amor Fuera de Tiempo - Por Carlos Correa Acuña

Una sencilla historia de amor de secundaria que esconde algunos temas más profundos. ¿De qué se trata “Amor fuera de tiempo”?

Se dice que los polos opuestos se atraen. Algo parecido pasa en este filme que se concentra en la vida de dos jóvenes que cursan su último año escolar antes de postular a la universidad. Drayton Lahey -Noah Beck-, es un deportista destacado. Galán reconocido y estrella de su equipo, como certero “quarterback”, Drayton se propone seguir la tradición familiar para ingresar a un prestigioso centro de estudios. Por su parte, Dallas Bryan -Siena Agudong-, una talentosa bailarina, está empeñada en lograr una beca e ingresar a una afamada escuela artística. Opuestos, claro que sí, pero el deporte los reúne. Él, como líder en el campo de juego; ella, siendo líder de la barra del equipo.

Tan distintos como dos caras de una misma moneda, parecen distantes como el agua y el aceite. Sin embargo, algunas coincidencias los van uniendo a pesar de sus miedos y resistencias iniciales. Adolescentes en plena ebullición y con las hormonas a tope, poco tardan en ceder, pues los desacuerdos y peleas pronto dan paso al romance. Era lo previsto, y nos complacen pronto, por lo que el nudo a dilucidar será lo que pasará con la pareja al definir su futuro.

Basada en el libro de Tay Marley, el guion de Mary Gulino y Crystal Ferreiro se siente fluido, pero un poco básico. Los estereotipos sobreabundan y la tensión nunca logra encontrar un tono adecuado. Es cierto que la química de los dos protagonistas es el alma del filme, sin embargo, nos deja con la duda de si resulta suficiente.

Hasta acá, novedad ninguna. Pero no todo es negativo, aunque haya que hurgar con más decisión (y también bondad). Sin poner un foco expreso, la película igual aborda temas complicados. Primero, hay tragedias familiares que los jóvenes arrastran desde siempre, asuntos no resueltos que amenazan con pasarles la cuenta tarde o temprano. Segundo, pone de relieve la necesidad del esfuerzo para lograr metas, y cómo sin quererlo, las personas nos saboteamos constantemente. Tercero, las acciones y sus consecuencias, son un tema importante y que no siempre tiene visibilidad o presencia relevante. Cuarto, las presiones, propias y de las familias, sea por aspiraciones o caminos ya trazados, que ponen en riesgo el encuentro de la propia identidad. Como se ve, hay complejidades varias, pero siempre supeditadas a la medida del género del filme: un romance adolescente.

“Sidelined: The QB and Me”, título original y algo enredado (Sidelined significa marginada), es una cinta liviana y que no tiene grandes expectativas. No obstante eso, se las arregla para dejar un buen sabor, tanto por la natural actuación de Siena Agudong, quien, por lo demás, demuestra expresamente sus dotes de bailarina y es capaz de dotar a su personaje de momentos íntimos creíbles, como por la prestancia de Noah Beck, representando fortaleza y vulnerabilidad, en un papel más encasillado, pero que saca adelante en forma correcta.

En resumen, casi dos horas que pasan rápido y que resultan agradables. Un panorama divertido para una tarde sin complicaciones ni urgencias, para llevar la mente a otro lugar y así olvidarse por un momento del siempre afanoso día a día.

Ficha técnica

Título original: Sidelined: The QB and Me
Año: 2024
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Creator+, Wattpad Webtoon Studios, Marshall Arts, Great Pacific Media. Distribuidora: Tubi TV, Blue Fox Entertainment
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica. Comedia juvenil. Colegios & Universidad. Adolescencia. Fútbol americano. Baile
Guion: Mary Gulino, Crystal Ferreiro. Libro: Tay Marley
Música: Nikhil Seetharam
Fotografía: Mark Chow
Reparto: Siena Agudong, Noah Beck
Dirección: Justin Wu

Ana y el Rey - Por Jackie O.

“No entendía cómo una sola mujer podía ser suficiente, hasta ahora”

Libro basado en las memorias de la escritora y profesora Anna Leonowens, el que ha tenido varias adaptaciones.

En esta versión nos encontramos en 1862, con una maestra inglesa viuda que, con su hijo menor de edad, recurre a un trabajo en Siam, donde debe dar clases a casi 60 niños, que son los hijos del Rey, más a una esposa y una concubina, de las tantas que tiene.

Una joven, bella y de carácter fuerte, la maestra debe ponerse al día con costumbres muy extrañas, crueles y raras para ella, donde a veces choca con este Rey que le tiene bastante paciencia, hasta que llega a momentos en que esa paciencia se acaba y muestra al Rey que es. Pasan los días y vamos conociendo cómo se relacionan los esclavos con nuestros protagonistas, siendo parte de sus historias que nos conmueven, y algunos también nos hace rechazarlos. Pero llega un momento en que hay que decidir qué rumbo seguir, porque esta maestra debe velar no solo por su trabajo, sino que por el futuro de su hijo.

Fuera de esta historia de respeto y amor que nace entre el Rey y la maestra, la cual no estuvo exenta de choques en un comienzo, pero en base a la admiración que nace entre ellos, los hace recapacitar en muchos de sus pensamientos inculcados.

También, esta película nos muestra temas muy relevantes que suceden en el siglo XIX y en Oriente, como el choque religioso, político y cultural en todos los aspectos. Y a veces somos Ana al no entender, y a veces no aceptar, hechos tales como la bigamia, la esclavitud, la falta de justicia, entre otras situaciones que vamos viendo.

Pero nos hace preguntarnos, ¿hemos cambiado en pleno siglo XXI? O por lo menos, ¿algún avance?

El egoísmo, la traición, la falta de valores, el poder, el amor, el respeto, el conocimiento, cosas que son parte del ser humano, nos lo muestran en esta cinta que nos hará discutir.

Lo que podría encontrar débil en esta cinta fue la parte política, que no fue tan bien tratada, siendo relevante.

Tiene una gran puesta en escena, buena banda sonora y actuaciones. Vestuario y maquillaje perfectos. Y aunque su guion resalta el género romántico, no deja atrás temas muy controversiales. Como ven, encuentro todo muy bien en esta película, pero aunque no lo crean, la versión de 1956 es mucho mejor, musical y todo, es mejor.

Como dato extra, esta película en su momento fue prohibida en Tailandia, porque no se ajustaba a la realidad de sus costumbres, y los “insultaba” de cierta forma, más cuando se sugería un romance que nunca existió, según lo que se dice.

Cinta que fue nominada a dos premios Óscar: Mejor Dirección de Arte y Mejor Diseño de Vestuario, y otras nominaciones en otros Festivales.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Anna and the King
Director: Andy Tennant
Historia de: Anna Leonowens, de Margaret Landon.
Duración: 2h 28minutos

EEUU. 1999.
Guion: Steve Meerson y Peter Krikes
Fotografía: Caleb Deschanel
Vestuario: Jenny Beavan
Protagonistas: Chow Yun-Fat, Jodie Foster, Bai Ling, Tom Felton, Randall Duk Kim

Mátate, Amor - Por Carlos Correa Acuña

Tal vez se trate de una de las películas de la temporada. Y no es sencilla, se muestra como una apuesta arriesgada incluso desde el propio título, “Die My love” (Muere, mi amor).

El inicio tiene puntos suspensivos. Una cámara de enfoque fijo abarca un largo trecho del interior de una casa vacía, donde se vislumbra el ventanal que la separa del bosque. Afuera se sienten voces. Son las de Grace -Jennifer Lawrence-, y Jackson -Robert Pattinson-, una joven pareja que ha decidido mudarse de Nueva York a la casa natal de los padres de Jackson, en Montana. El cambio es rotundo, lo resienten. La compleja adaptación se hace particularmente difícil; esperan su primer hijo.

La tranquilidad del lugar asombra. La ausencia de música destaca la soledad y el aislamiento del entorno. De pronto, con un pesado rock de fondo, comenzamos a observar dinámicas íntimas de la pareja. El contexto se va aclarando y ciertas obsesiones quedan marcadas. Unas breves escenas se remontan al momento del embarazo. Conocemos algo más de la familia y de la historia de Jackson. Volvemos al presente, Grace sola, mientras Jackson debe viajar largo tiempo por trabajo. Si antes había tranquilidad, esta se ha transformado en ausencia y, muy probablemente, se siente como si se tratara de un abandono.

Lynne Ramsay trabaja esta adaptación de la novela homónima de Ariana Harwicz, publicada en 2012, a partir de un particular tratamiento estético. Por ejemplo, utiliza un formato 4:3 y las imágenes se filtran con clara tonalidad retro, lo que tiñe la cinta de elementos atemporales. La paleta de colores, una combinación de azules y grises, es bastante elocuente para evidenciar lo trascendente, aquello que marcará el alma del relato.

Grace está sola -en su casa y en pantalla- la mayor parte del tiempo. Diríamos que es todo un personaje, incluso antisocial al momento de relacionarse con los demás. ¿Corresponde a su momento actual o es parte de una condición? La respuesta no es clara, pero lo concreto es que dentro de la pareja comienzan recriminaciones y peleas que se incrementan con la llegada de un pequeño e inquieto perro que, en vez de calmar a Grace, la irrita cada día más. La situación se torna insoportable, invivible.

“Die My love” es una cinta para Jennifer Lawrence. Me recordó de inmediato “Silver Linings Playbook”, de 2013, por la que la actriz ganó su primer Óscar. Esta vez, retoma la senda y no sería extraño verla con nuevas nominaciones, pues se trata de una actuación sólida y muy comprometida. Elaborando un personaje complejo, Lawrence da vida a los múltiples estados de ánimo de Grace, destacando el trabajo psicológico expresado en sus miradas y el escaso o nulo control de emociones que observamos a través de sus movimientos. No sabemos bien si hay traumas heredados o la serie de trastornos tienen solo que ver con una explosiva depresión posparto. Lo cierto es que Jennifer Lawrence construye un personaje muy personal, con un arco dramático extenso y flexible que logra, en segundos, pasar de la dulzura más tierna a una hostilidad feroz y agresiva.

Interesante trabajo, aunque difícil de ver y asimilar. ¿A qué me refiero? Esta es de esas películas que son áridas de visualización y que requieren procesos posteriores para entenderlas mejor. Y es un riesgo grande, porque nos podemos quedar afuera y no ingresar nunca al interior de una cinta de este tipo, retenidos por barreras que pueden interrumpir nuestra conexión. Pero también podemos acceder a sus capas con posterioridad, y modificar nuestras percepciones con un análisis más reposado.

“Mátate amor” es distinta y trae de regreso la mejor versión de Jennifer Lawrence, sin por ello dejar de mencionar el rol de Robert Pattinson intentando sostener un huracán con las manos. Solo por eso, vale la pena verla, sin embargo, hay razones mucho más de fondo para ir por ella. Hablamos de la depresión, de la salud mental, de su deterioro, de lo que puede afectar la propia vida y la de otros, y sobre la necesidad de pedir ayuda y, tan importante como eso, dejarse ayudar. Cuando la mente se desfigura, la realidad se confunde con los sueños y todo se torna borroso. ¿Qué es cierto y qué es ensoñación? La película juega con esa incertidumbre gracias a su estética y sus actuaciones, y por lo demás, lo hace muy bien.

Dos horas oscuras, expresivas y desafiantes. Muy recomendable.

Ficha técnica

Título original: Die My Love
Año: 2025
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Black Label Media, Excellent Cadaver, Sikelia Productions. Distribuidora: MUBI
Género: Drama. Thriller. Comedia | Thriller psicológico. Maternidad. Vida rural
Guion: Lynne Ramsay, Enda Walsh, Alice Birch. Libro: Ariana Harwicz
Música: Raife Burchell, Lynne Ramsay, George Vjestica
Fotografía: Seamus McGarvey
Reparto: Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, LaKeith Stanfield, Nick Nolte, Sissy Spacek
Dirección: Lynne Ramsay

Quart, el hombre de Roma - Por Jackie O.

"La maldad en todas partes"

Sinopsis: Se narra la historia de Lorenzo Quart, un sacerdote que el Vaticano envía a Sevilla luego de que recibiera una enigmática denuncia.

Desaparece una valiosa cruz y hay gente muerta en una iglesia. Es lo que encuentra Quart en su ida a Sevilla, algo extra porque su misión es otra, seguir de cerca las maquinaciones del no menos siniestro Monseñor Aguirre, perteneciente a una especie de secta dentro de la propia Iglesia que desea recuperar el esplendor de la misma en la Edad Media: "Iter ad Deum".

Miniserie española con un sacerdote con dones extraordinarias para la pelea y el uso de armas. En cada capítulo es un nuevo caso que él, como asesor de la policía, colabora, ya que situaciones religiosas están involucradas. Cuenta con la colaboración de un joven estudiante del seminario, un policía y una especialista en obras de arte religiosas. Juntos logran descifrar cada crimen, sin, por supuesto, dejar de lado la misión principal de Quart: desenmascarar al peligroso Monseñor Aguirre y sus secuaces.

Es muy interesante el tema religioso con crímenes asociados, en especial con esa misteriosa y falsa buena voluntad de ayuda de muchos, que cínicamente algunos pregonan. Pero esta serie no está bien realizada del todo en su guion, edición y actuaciones, en especial la forzada tensión romántica que muestran, aunque entretiene, porque los casos son buenos, pero en el fondo no convence su ejecución.

Esta historia está basada en los personajes de la novela "La piel del tambor", de Arturo Pérez-Reverte, y no siguió con una nueva temporada porque la fanaticada del libro no quedó conforme debido a muchos cambios para la TV.

Se hizo una película sobre el libro llamado "La piel del tambor" el año 2022.

Disponible en Pluto TV.

Ficha técnica

Dirigida por Jacobo Rispa, Joaquín Llamas, Santiago Pumarola y Alberto Ruiz Rojo
Protagonistas: Roberto Enríquez, Ana Álvarez, José María Pou, Manuel de Blas, Biel Durán, María Almudéver, Mingo Ráfols, Daniel Grao, Martijn Kuiper
Drama. España. 2007
Miniserie. 6 capítulos

Mátate, Amor - Por Juan Pablo Donoso

Poético y tortuoso relato para exponer una grave depresión post parto.

Una joven madre intenta mantener la cordura mientras lucha contra la psicosis y las alucinaciones.

Combina elementos de suspenso, erotismo desquiciado, y hasta algo de realismo mágico.

La fotografía de Seamus McGarvey, y una dislocada edición de Biskupski y Froschhammer, nos envuelven en gradual claustrofobia.

Grace, una escritora, esposa y reciente madre, se va sumiendo poco a poco en la demencia. Encerrada en una vieja casa rural de Montana, aunque ama y es amada por su marido, se torna cada vez más agitada y errática.

Confunde la realidad con delirios, hasta perder por momentos el pleno control de sí misma y de sus impulsos sexuales.

Drama desaforado donde lo irracional y la lógica se mezclan, creando un estado de permanente expectación.

Llega un momento en que ni la protagonista, ni nosotros, sabemos qué es verdad y qué es locura.

Deseo de pertenecer, ansias de libertad mientras se siente atrapada, añorando la vida familiar pero con ganas de quemar la casa entera.

Extraordinaria Jennifer Lawrence (co-guionista y productora). Nos deslumbra con su brutal personaje angustiado. Es imposible entenderla, ni poco ni mucho. Lo aferra con las dos manos y va con él hasta el fondo. Temible, amorosa, sexualmente obsesiva, majadera, siempre al borde del caos.

Mientras Jackson (Robert Pattinson) - marido incapaz de manejar la crisis hogareña lucha por salvarla, sus padres, Sissy Spacek y Nick Nolte, cumplen como referencia impotente de conexión a tierra, a pesar de estar ancianos.

Drama de histérica sensualidad, cocido a fuego lento, consciente del frágil marco en el que se mueve. Intensidad oscilante de paradojas: masturbándose en un momento, lamiendo la ventana después, y enarbolando un cuchillo asesino, en otro.

La narración se vuelve a veces repetitiva y confusa camino al desenlace, el cual termina - deliberadamente - en la incertidumbre total.

Nunca supimos con certeza si logró sanarse: porque cuando ya parecía estabilizada optó por sumergirse en un lago… o soñar con el tremendo incendio de un bosque…

La directora, música y guionista Lynne Ramsay reitera su inclinación por aspectos oscuros y perturbadores de los seres humanos. Sin embargo, aquí se reafirma como una realizadora valiente en la búsqueda de un lenguaje personal.

Nominada a la Palma de Oro como Mejor Película en el Festival de Cannes 2025

GRADUAL PROCESO DE DESQUICIO VISTO, Y SENTIDO, DESDE LA PERSPECTIVA DE UNA MUJER TRASTORNADA. TRAGEDIA PARA SER MÁS OBSERVADA Y COMPADECIDA, QUE COMPRENDIDA CON LA RAZÓN.

Ficha técnica

Título Original: Die My Love

2025 Tragicomedia negra, drama psicológico Reino Unido, EE.UU., Canadá - 1,58 hrs. 

Fotografía: Seamus McGarvey 

Edición: Adam Biskupski, Toni Froschhammer 

Música: Raife Burchell, Lynne Ramsay,George Vjestica 

Diseño Prod.: Tim Grimes 

Guion: Enda Walsh, Lynne Ramsay, Alice Birch 

Actores: Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Sissy Spaceck 

Dirección: Lynne Ramsay

Un Buen Ladrón - Por Carlos Correa Acuña

Al estar basada en hechos reales surge de inmediato la pregunta de cuán reales son estos hechos. Acá se trata de un ladrón, con todas sus letras, pero uno que es amable, gentil y preocupado. Hasta buena persona, podríamos decir. Su nombre, Jeffrey Manchester, y su prontuario es haber asaltado más de cuarenta locales de McDonald's ingresando por el techo. De ahí su apodo de “Roofman”, que, por lo demás, es el título original de esta película.

Channing Tatum es el protagonista de una historia que avanza rápido en sus primeros minutos. Comienza con un asalto “tipo”, en el que Jeffrey trata muy bien a sus víctimas, e incluso le pasa su propio abrigo al encargado de la tienda antes de encerrarlos a todos en el congelador. Por cierto, este “hombre del techo” pronto es capturado y condenado a un largo tiempo en prisión. Pero Jeffrey no quiere estar encerrado, quiere ver a sus hijos, y se las ingenia para escapar. Nuestro protagonista es astuto y tiene una brillante capacidad de observación, la que pone en práctica en todo momento.

Hasta este punto no han pasado ni treinta minutos y el guion se da tal como se muestra en la sinopsis, porque Jeffrey, sin poder ir a ningún lado, consigue ocultarse a plena vista en medio de una concurrida juguetería llamada Toys "R" Us. Y emerge otra pregunta: ¿cómo se sostendrá el resto de la cinta si ya ha pasado de todo y el final -su recaptura- podría ser bastante predecible?

El guion, escrito por Derek Cianfrance junto al director Kirt Gunn, avanza lentamente desde el momento en que comienza la vida de Jeffrey en la tienda de juguetes. Aparecen algunos personajes secundarios, más como caricaturas que como verdaderos apoyos narrativos, como una forma de preparar el terreno a la persona que verdaderamente capturará la atención del ladrón: Leigh Wainscott -Kirsten Dunst-, madre soltera y empleada ejemplar de Toys "R" Us. Con los elementos ya combinados -ingenio, astucia e interés amoroso-, la historia cobra otro ritmo y fluye inexorablemente hacia el terreno de las emociones.

Channing Tatum es muy simpático en la caracterización de Jeffrey Manchester. Suponemos que el verdadero debe haber sido encantador, sin duda. De hecho, esa es su mayor virtud, porque tal vez sin quererlo, empatizamos con él y con las desventuras que debe pasar para sobrevivir en la clandestinidad. Manchester es incapaz de despertar sospechas, incluso en momentos complicados y con explicaciones que resultan a todas luces descabelladas, como la de decir que es un agente encubierto del gobierno. A pesar de eso, nadie duda. Al contrario, lo apoyan y le entregan un voto de confianza, como la comunidad religiosa a la que Leigh asiste.

Sin embargo, en una vida basada en mentiras pronto aparecen grietas. Además, la urgencia de escapar hacia un lugar apartado donde nadie lo recuerde, le hace cometer errores. Todo esto, sumado a su indecisión y falta de rumbo, genera la tormenta perfecta para un desafortunado aprendiz de estafador.

“Roofman” funciona si se tienen pocas expectativas. La simpatía de Channing Tatum y el contrapeso emotivo de Kirsten Dunst no brillan con su química, pero logran sortear el desafío de dar vida a una historia entretenida que, eso sí, podría haber sido un poco menos extensa. Ya lo dijimos, Jeffrey, en el fondo, es buena persona, pero todo lo que hace es un engaño. ¿Se puede construir algo verdadero basado en mentiras? Aun cuando empaticemos, lo real es que no es posible, y tarde o temprano la verdad saldrá a la luz. Ante una disyuntiva, las decisiones son cruciales, y Jeffrey Manchester no sabe muy bien qué hacer. Esas dudas terminan siendo la causa de todas sus penurias.

Ficha técnica

Título original: Roofman
Año: 2025
Duración: 126 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 51 Entertainment, Hunting Lane Films, Limelight. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Drama. Thriller | Basado en hechos reales. Crimen
Guion: Derek Cianfrance, Kirt Gunn
Fotografía: Andrij Parekh
Reparto: Channing Tatum, Kirsten Dunst, Ben Mendelsohn, LaKeith Stanfield, Juno Temple, Melonie Diaz, Uzo Aduba, Lily Collias, Jimmy O. Yang, Peter Dinklage
Dirección: Derek Cianfrance

Dollhouse: Muñeca Maldita - Por Jackie O.

“Madres e hijas”

Sinopsis: La trama sigue a una mujer que, tras la muerte de su hija, encuentra consuelo en una muñeca parecida a la menor, pero la situación se vuelve aterradora cuando empiezan a ocurrir sucesos extraños en la casa.

Vuelve al cine el J-Horror, el terror diferente llevado de manera psicológica, usando en esta oportunidad un objeto: una muñeca.

Pero de muñecos ya hemos tenido muchos, por ejemplo, desde Billy, Chucky, Tiffany Valentine, el niño Brahms, Slappy, hasta las últimas Annabelle o M3gan; y así seguiremos teniendo más historias de esta índole, por lo que ¿qué de nuevo nos trae este director?

La trama gira en torno a Yoshie, una madre que lidia con el devastador dolor por la pérdida de su hija pequeña. En la búsqueda de algún tipo de consuelo, ve en un mercado de antigüedades una enigmática muñeca que guarda un inquietante parecido con su hija fallecida, por lo que la compra. Pronto, la muñeca (Aya) se convierte en una obsesión para Yoshie, vistiéndola con la ropa de su fallecida hija. Tadahiko su marido, consulta a profesionales quienes le indican que son normales, en casos de duelo, los actos que su esposa está manteniendo, por lo que su marido se lo permite. Pero comienza a generar un vínculo perturbador que se siente tan opresivo como si una fuerza oscura se aferrara a ella. Al poco tiempo, Yoshie queda embarazada, y cuando nace su pequeña, la muñeca queda de lado, olvidándola en un armario. Hasta que la pequeña Mai, a la edad de cinco años, la encuentra y la convierte en su mejor amiga. Hecho catastrófico, ya que comienzan situaciones muy extrañas que afectan a la familia.

La cinta comienza lento, y eso puede que a muchos los comience a inquietar por la costumbre del susto rápido, pero paciencia, poco a poco nos introduce en la historia de esta familia y los problemas que se derivan del duelo, en especial la salud mental que esto conlleva. También vamos conociendo la cultura respecto a la muerte, cómo se maneja en el oriente esto, y en especial sobre los rituales ante determinados objetos. Acá no estamos ante la película típica de terror, con monstruos o saltos repentinos para aterrorizarnos. Todo se trata de psicología con más de un giro en la trama.

La película profundiza en los temas del duelo y en la vulnerabilidad emocional. También trata sobre el maltrato a menores de edad, versus quienes harían cualquier cosa por salvar a sus hijos, todo contado con una carga de tensión psicológica, propia de las cintas japonesas.

Ficha técnica

Título original. ドールハウス
Dirección y guion: Shinobu Yaguchi
Reparto: Masami Nagasawa, Aoi Ikemura, Totoka Honda, Ken Yasuda, Jun Fubuki
2025. 1h 50min Japón

Lo que no se dijo - Por Carlos Correa Acuña

Escasa música, formato 4:3 y mucha nitidez en cada toma son características que el director Ricardo Valenzuela imprime en esta cinta desde un comienzo. Lo minimalista está siempre presente porque los elementos son pocos, pero no quiere decir que el trabajo no mire más allá.

La historia remite a dos vendedores de celulares, una tecnología que se abre puertas en Chile a mediados de la década de los noventa, prometiendo conectividad avanzada de última generación. Ambientada en el año 1994 en Puerto Montt, el filme sigue a Margarita -Patricia Cuyul-, una madre soltera carismática que se destaca como ejecutiva de ventas junto a su compañero Cucho -Héctor Morales-, recorriendo apartadas zonas rurales buscando clientes y exponiéndose a situaciones, por decir lo menos, extrañas..

Valenzuela, autor también del guion, expone sin rodeos el difícil mundo de la venta y la resistencia de los potenciales clientes. Mucho trabajo y gran cantidad de tiempos “invertidos” para generar una tasa de conversión mínima y aceptable, sobre todo para un producto que no se conoce y que además genera rechazo de buenas a primeras.

Los parajes maravillosos del sur de Chile, que son visitados por los dos colegas, contrastan con la ciudad de Puerto Montt y el barrio donde ambos viven. Una vecina cuida a la pequeña hija de Margarita mientras ella trabaja todo el día. Su madre, la abuela de la niña, está enferma y no puede expresar nada con palabras. Su vida quedó anclada en la visita que el Santo Padre Juan Pablo II realizó a Puerto Montt en abril de 1987 y desde allí no ha logrado salir. Un VHS con la grabación y una serie de objetos religiosos e imágenes dan cuenta de esta suspensión en el tiempo.

Vemos la pobreza material pero también el vacío de estas almas solitarias. Las relaciones son mínimas, funcionales y apenas efectivas. No van más allá. Las visitas a los potenciales clientes son cada vez más desagradables e incluso peligrosas. En cada situación parece que algo va a pasar, pero nada sucede hasta que sucede.

Cuesta definir las intenciones del realizador con esta película. ¿Cuál es la idea? ¿Cuál es el mensaje? Entiendo que quiere ser simbólica, representar una realidad, pero ¿es suficiente? Los diálogos, muchas veces inconducentes, son formateados y no resultan naturales. Las bellas tomas exteriores carecen de líneas argumentales claras, salvo mostrar en terreno a la pareja que hace el mayor esfuerzo por conquistar a sus clientes, ya sea con una sonrisa impostada o con un preciso discurso comercial.

El ritmo impreso por Valenzuela tampoco ayuda mucho. La cinta se mueve lenta y reflexiva pero no sabemos hacia dónde se dirige ese movimiento. Es cierto que en muchos momentos refleja claramente sentimientos: pena, angustia, crisis, malas condiciones de trabajo y frustración, mucha frustración. Es algo así como dos caras de la misma moneda: un aparente éxito exterior y una constante frustración interior.

Tres escenarios, en paralelo, tienen la misión de concluir la historia. “Lo que no se dijo” no es solo un conjunto de palabras o una frase. Parece ser todo aquello que guardan en el interior sus protagonistas y que nunca llegan a expresar externamente. Así es como este título, evocador pero a la vez concreto, resulta acertado, porque pesa mucho más lo que no es explícito, a riesgo de que cada espectador interprete de manera distinta lo que ve en pantalla.

Ficha técnica

Título original: Lo que no se dijo
Duración: 77 minutos
Asistente de dirección: Sofía Bascuñán Svendsen
Dirección de fotografía: Pablo Valenzuela
Dirección de arte: Juana Lizaso
Sonido directo: Carlo Sánchez
Compositor: Oscar Lapó
Montaje: Ricardo Valenzuela Pinilla y Benjamín Miranda McLeod
Consultora de montaje: Danielle Fillios
Elenco: Patricia Cuyul, Héctor Morales, Mariana Loyola Ruz, Judith Chávez, Antonia Méndez
Director: Ricardo Valenzuela

Depredador: Tierras Salvajes - Por Jackie O.

“Un Lobo en tierras extrañas”

Los Yautjas, a mi parecer, están dentro de los personajes cinematográficos relevantes de la historia del cine. Su forma amenazante, estilo casi mitológico, despiadados cazadores que viven para demostrar su fuerza con el adversario, valientes y depredadores guerreros, es para realizar muchas historias con su gen de jerarquía cazadora. Gracias hermanos Jim y John Thomas, y al genial Stan Winston.

Ahora nos encontramos con un estilo diferente (estilo Disney y necesidad imperiosa de encajar en generaciones actuales, más que en un todo), lo que puede jugar a favor o en contra con la real naturaleza de lo que conocemos como Yautjas. Revisemos.

Estamos en el planeta de los Yautjas, conocemos al rey que tiene dos hijos, el valiente Kwei y a Dek. A este último, su padre no le tiene aprecio por encontrarlo inservible. Para los de su raza es un enano sin valor, por lo que Dek le demostrará su valía trayéndole un trofeo del planeta llamado Genna (Planeta de la muerte), partiendo a la fuerza de su hogar, porque volverá también a cobrar venganza. En esta travesía, en un mundo diferente tanto en flora y fauna, conoce a una "sintético" llamada Thia, a quien, en contra de su voluntad, la lleva consigo para ayudarse mutuamente en la aventura de encontrar el “trofeo” de Dek y “los miembros” de Thia. Mientras, deambulan por el planeta, conocen a otro ser que los ayuda, a quien llaman Bud, naciendo un nuevo clan entre ellos debiendo afrontar diversos peligros.

Es la tercera película de este director sobre Depredador, tres historias diferentes, donde nos indica que se puede reinventar un personaje. Esta vez nos trae a un depredador más humanizado, con sentimientos y empatía. Perdemos, en momentos, su naturaleza de brutalidad metódica, su confrontación salvaje y que atemorizaba. También vemos a “sintéticos” (recuerdos de Aliens), algunos mecanizados y otros humanizados. Todos se mezclan en esta aventura llena de acción, efectos visuales, pero también con momentos reflexivos.

Sin dejar de lado que nuevamente nos encontramos con el conglomerado Weyland-Yutani, quien en pos de un “supuesto avance tecnológico” de expansión humana en el espacio, se caracteriza principalmente por su búsqueda de beneficios, a menudo sacrificando la moral y la seguridad humana, para explotar organismos extraterrestres, especialmente el xenomorfo, como arma biológica, transformándose en otro enemigo.

Estéticamente la historia da un giro, como ya dije, de lo que conocemos. Pero me pareció bueno este giro de tuerca (aunque perdemos la tensión de lo que conocíamos de antaño). La historia de Dek, su valía, su conciencia, así como la de Thia y Bud. Nuestros protagonistas mantienen un crecimiento, una transformación, a medida que avanzan en esta peligrosa aventura, versus los deseos de poder sin importar nada de otros. En momentos se incorporan chistes, pocos y bien incluidos, lo que se agradece que no abusaran de ello.

Los efectos visuales en su mayoría buenos. La fotografía, casi toda digital, nos lleva a un mundo muy real. El vestuario y maquillaje están bien, así como los efectos de sonido que se sienten muy buenos. Las acrobacias bien ejecutadas ya que hay muchas escenas de peleas.

Interesante para mí, aparte de su guion, es que con pocos integrantes se puede efectuar algo que llame la atención.

Sé que a muchos no les gustará esta nueva historia donde nos saca un poco de la esencia Yautjas, pero no se pierde tanto su fondo, es otra visión a la que hay que dar la oportunidad.

No mantiene escena post crédito, pero si da luces de que se viene una segunda parte.

Tenemos mucha acción, también hay venganza, familia, y las nuevas familias que se crean en la vida.

Ficha técnica

Dirección: Dan Trachtenberg
Protagonistas: Elle Fanning, Dimitrius Schuster-Koloamatangi
Cinematógrafo: Jeff Cutter
2025. 1 hora 45 minutos

Ensayos y errores - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Ignacio es un joven cineasta que quiere hacer una película. Como está sin trabajo, su extravagante madre le ofrece un puesto como vendedor en la boutique familiar, ubicada en un acomodado balneario llamado Reñaca. Su lista de trabajo en la tienda es extensa: atender a las clientas, realizar un video publicitario y hacer fotografías de moda; pero nada de ello le sale bien. Entre vestidos, modelos, disparos y una posible historia de amor, encontrará la posibilidad de hacer su primera película.

Este documental es un verdadero diario de vida. La sinopsis describe muy bien cada paso, porque su base corresponde a videos que el mismo director fue registrando progresivamente sin un objetivo claro ni una ruta concebida. El resultado, entonces, es una historia sobre lo cotidiano, un trabajo experimental al que cuesta encontrarle un único sentido.

Debo reconocer que, independientemente de las imágenes, lo primero que me llamó la atención fue el estilo de la narración “en off”. Corresponde al mismo Ignacio Rojas e imagino que fue realizada al momento de la edición. Sin matices y algo plana, denota ausencia de emoción, tal vez en un esfuerzo por objetivar un trabajo que, al fin y al cabo, es claramente personal.

La presencia de la madre de Ignacio es más que protagónica. De hecho, en una parte de la película el director lo explica: la filmación de lo que ocurre al interior de la Boutique es posible porque la estrella debe ser ella, por lo que él intenta darle gusto en todo.

Algunos detalles más. A veces no sabemos si quienes resultan filmados saben de la existencia de la cámara o no. Pareciera que no, pero surge la duda de cuán naturales o guionizadas están algunas de sus escenas. Por otro lado, vemos que, a pesar de transcurrir bastante tiempo, ciertas vestimentas se repiten. ¿Continuidad o coincidencia? Algunas deficiencias en el audio y extraños cortes de escenas pueden ser parte de un trabajo tal vez artesanal; sin embargo, son puntos a tomar en cuenta, al menos desde el punto de vista técnico, al decidir su publicación.

A pesar de diluirse hacia el final, el metraje se torna interesante desde que Celina se incorpora al relato. Contratada por Paula para realizar una sesión profesional de fotos, esta joven actriz argentina despierta en Ignacio un motivo para componer la película. De ahí en más, todo gira alrededor de ella y es, claramente, un nudo por dilucidar.

Cuando observamos imágenes y hechos del llamado “estallido social” del año 2019, podemos contextualizar los tiempos de desarrollo de este trabajo. Resulta interesante este registro documental, sobre todo porque expone el punto de vista del propio cineasta que, desde las bellas playas de Reñaca, intenta encontrar su camino personal y laboral.

Ficha técnica

Guión y Dirección: Ignacio Rojas Vallejo
Producción General: Sebastián Cartajena Alvarado
Producción Ejecutiva: Alexis Sánchez Baeza
Montaje: María Teresa Viera-Gallo, Ignacio Rojas Vallejo
Con la participación de: Ignacio Rojas Vallejo, Paula Vallejo Reyes y Celina Rozenwurcel
Casa Productora: Ciudad Cultural Producciones
País: Chile
Año: 2024
Duración: 70 minutos

Lo que No se Dijo - Por Juan Pablo Donoso

La anuncian como “comedia”. Es lo que menos tiene.

Nunca supimos qué fue “lo que no se dijo”.

Un filme - ambientado en Pto. Montt - 1994 - donde la factura audiovisual denota sensibilidad y oficio, pero cuyo argumento nunca logra informarnos del propósito central de la obra.

Creyeron que bastaba mostrar los problemas de varias personas para entregarnos un relato sin premisa global ni madurez dramática.

De la mano de una pareja de vendedores de celulares nos pasean por una galería de personajes rurales y pesqueros de la zona.

A su vez, Margarita Oyarzún ( Mariana Loyola), tiene a su anciana madre enferma, postrada desde hace años, silente, y con 2 dramáticas fijaciones: la visita del Papa Juan Pablo II en 1987, y su nostalgia por cantar versos a lo humano y lo divino con su guitarra.

Al parecer, habría un conflicto cultural entre los que ofrecen una nueva y mejor tecnología telefónica, versus la porfía de muchos habitantes locales…aunque otros, curiosamente los pacientes más ancianos de un consultorio, se interesan y matriculan de inmediato en la adquisición (¡!).

Son varias estampas paralelas que nos permiten conocer los pequeños dramas íntimos narrados con tratamiento ultra naturalista, como si fueran personajes de una compleja teleserie nacional.

Los actores, en general, demuestran honestidad en sus retratos.

El guion solo llega hasta exponer diversos dramas cotidianos de aquellos pobladores. Pero cuando la película termina, es inevitable preguntarse ¿qué nos quisieron demostrar, estimular, o denunciar, a fin de cuentas?

Si es una protesta contra el avance de la telefonía celular para zonas apartadas, el mensaje, además de absurdo, ya fue superado hace tiempo.

Si quisieron denunciar el machismo primitivo contra mujeres de pueblo indefensas, aquello se sublima con poéticas rebeldías por parte de ellas.

En síntesis, buen nivel de artesanía audiovisual, actores transmitiendo con empatía las emociones de sus humildes personajes, escenas de violencia propias del desquicio mental de seres muy primitivos, buena fotografía e iluminación de interiores con elocuentes planos de detalles caseros, para terminar con una imagen bucólica, en que dos muchachas van chuteando celulares por la hierba, con bellas flores en primer plano y la vasta playa solitaria al fondo.

GRATA FACTURA AUDIOVISUAL, ACTUACIONES SINCERAS, MÚLTIPLES DRAMAS ÍNTIMOS CHAPOTEANDO EN UN GUION SIN CUESCO, QUE NUNCA ENCONTRÓ SU MÉDULA DRAMÁTICA.

Ficha técnica

2025 - Panorama costumbrista Chile - 1,17 hrs. 

Fotografía: Pablo Valenzuela 

Edición: Ricardo Valenzuela Pinilla y Benjamín Miranda McLeod 

Música: Oscar Lapó 

Dir. De Arte: Juana Lizaló 

Guion: Alejandro Moreno 

Actores: Patricia Cuyul, Héctor Morales, Mariana Loyola 

Dirección : Ricardo Valenzuela Pinilla

Ensayos y Errores - Por Jackie O.

Sinopsis: Ignacio es un joven cineasta que quiere hacer una película. Como está sin trabajo, su madre le ofrece un puesto como vendedor en la boutique familiar, ubicada en un sector acomodado de Reñaca. Su lista de trabajo en la tienda es diversa, como atender a las clientas, realizar un video publicitario, ordenar y hacer fotografías de moda; pero nada de ello le sale bien. Entre vestidos, modelos, fotos y una posible historia de amor, encontrará la posibilidad de hacer su primera película.

El sueño de toda persona que egresa o se titula de una carrera, es encontrar el trabajo de sus sueños. Ignacio, ya egresado de cineasta, quiere hacer su película, pero no tiene ideas ni dinero para ello. Su carácter algo tímido, tampoco ayuda a abrir puertas, por lo que comienza a trabajar en la boutique de su madre, una mujer muy chic y bastante directa para decir las cosas. Tan directa, que le saca en cara su carrera cuando le pide que haga fotografías de la boutique, para quedar luego disconforme del trabajo. Ante eso, ella contrata a una fotógrafa profesional, donde Ignacio, a pesar de la decepción del hecho, su corazón se alumbra con esta joven que lo puede guiar a su fin.

Ignacio Rojas, como director y guionista, realizó el cortometraje “De la vida de ciertas estatuas” (2017), pero este es su primer largometraje, un documental de sí mismo, que demoró aproximadamente cinco años en realizarlo. Sin ideas ni un foco claro, comenzó a grabar este nuevo trabajo, siendo empleado de su madre, de todo lo que era su día a día, algunas situaciones totalmente naturales. Pero desde que le indicó a su madre si podía grabarla para un trabajo, las grabaciones fueron un poquito más producidas, ya que ella quería ser la protagonista, sin lugar a duda.

Así se fue armando esta historia, con sus altos y bajos, de cómo un cineasta frustrado en una tienda de ropa, encontró el foco.

El resultado, un trabajo que resultó grato ya que se ve espontáneo, y eso lo hace, en momentos, gracioso, donde varios podrían sentirse identificados con esta torpeza de no saber qué hacer, de verse solo sin dirección, de ponerle empeño pero resultan las cosas mal, porque vemos malas tomas y mala iluminación, pero todo va dentro de un contexto en una historia que hace que se vea auténtico, cercano.

El trabajo muestra cómo la frustración de un novato, pero con las ganas de salir adelante con mucho empeño, se pueden lograr los objetivos sin, por supuesto, dejar de lado que era apoyado para sus fines.

Un trabajo liviano en su forma, honesto en su fondo y agradable de ver.

Ficha técnica

Dirigido por: Ignacio Rojas Vallejo
Producido por: Sebastián Cartajena Alvarado y Alexis Sánchez Baeza
Chile. 2024
74 minutos