Invasión: el fin de los tiempos - Por Carlos Correa

Esta película de ciencia ficción no es típica. Primero que nada, es Rusa y segundo, es la secuela de la entrega de 2017 llamada “Invasión: la guerra ha comenzado” que narra el derribo por parte del ejército ruso de un objeto no identificado, posiblemente de origen extraterrestre, sobre Moscú. Este hecho y sus consecuencias cambia la vida de Julya -Irina Starshenbaum- y por cierto con ello la visión que tenemos del universo. Ahora, en esta continuación de la historia tres años más tarde, el Coronel Lebedev -Oleg Menshikov- protege a su hija, salvada de morir con la ayuda de la tecnología extraterrestre y ahora con habilidades especiales, de posibles reacciones y ataques.

Julya es objeto de investigación en un laboratorio secreto del Ministerio de Defensa pues su nueva condición no solo atrae a personas en la Tierra, sino también la atención de los alienígenas. Es por ello que el Coronel Lebedev debe modificar sus planes ante una nueva amenaza exterior y la aparición de Khariton -Rinal Mukhametov- quien regresa para proteger a la protagonista.

Para quienes no vimos la primera película -atención con la introducción que la resume someramente- la confusión del argumento en el primer tercio ayuda a ponernos en alerta. Se entiende la trama en la medida que avanza, sin embargo hay varios enlaces que quedan inconclusos y que ameritan conocimiento previo para comprenderlos a cabalidad.

Fedor Bondarchuk, su director, imprime fuerza al relato con muy buenos efectos visuales. Ya en la introducción marca un sello que se reafirma con el correr de los minutos. Resulta muy interesante la descripción de la tecnología utilizada, el control de todos los sistemas a distancia y el hackeo de redes digitales para incorporar contenido falso. Surge allí la necesidad de un apagón, de desconectar todo y volver a lo analógico, a lo antiguo. Teléfonos convencionales y máquinas de escribir se roban algunas escenas para regocijo de quienes vivimos en aquella “prehistoria”.

Como sucede en muchas cintas de este género, el comienzo sorprende pero luego va decayendo en intensidad. Es difícil mantener la novedad, crear un giro inesperado y sostener la tensión. Esta película lo consigue intermitentemente pero en su último tercio baja notoriamente, dando paso a elementos que son en extremo predecibles. De todas formas, este filme elabora correctamente varios de sus elementos y aunque está dentro del promedio, destaca su filmación en Imax por lo que vale la pena verla en la gran pantalla para apreciar cabalmente todos sus efectivos y sólidos efectos visuales.

Ficha técnica

Título original: Prityazhenie 2
Año: 2020
Duración: 134 minutos
País: Rusia
Guion: Oleg Malovichko, Andrey Zolotarev
Fotografía: Vladislav Opelyants
Reparto: Alexander Petrov, Irina Starshenbaum, Rinal Mukhametov, Oleg Menshikov, Yuriy Borisov, Sergey Garmash
Productora: Art Pictures Studio / Vodorod 2011
Género: Ciencia ficción | Extraterrestres. Secuela
Dirección: Fedor Bondarchuk

Buscando Justicia - Por Carlos Correa

Basada en hechos reales, “Buscando Justicia” narra la historia del joven abogado Bryan Stevenson -Michael B. Jordan- quien, recién egresado de Harvard, funda en Alabama un centro jurídico para defender a reclusos condenados a muerte. El foco del abogado es ayudar a quienes han sido condenados por error o que carecen de recursos para tener una representación legal adecuada. Su trabajo lo realiza con el apoyo de la activista local Eva Ansley -Brie Larson- con quien comparte el idealismo y la búsqueda de igual Justicia para todos.

El caso principal que presenta la cinta es el de Walter "Johnny D." McMillian -Jamie Foxx- un afroamericano acusado en 1987 del asesinato de Ronda Morrison, una joven blanca de 18 años. Revisando su expediente, Bryan se percata de lo débil de la acusación y de la falta de pruebas. El caso construido por la fiscalía solo se basa en la declaración de un convicto, Ralph Myers -Tim Blake Nelson- quien declara contra McMillian para aliviar su propio castigo.

La película relata en primera persona -está basada en el libro que el propio Stevenson escribió como homenaje a McMillian- las infinitas maniobras legales que el joven abogado debe realizar para defender a su cliente. Con todo en contra, sin colaboración de las autoridades, con humillaciones y presiones indebidas producto de un solapado aunque evidente poder racista, Bryan debe sacar todo su coraje para sobreponerse a ello y no darse por vencido.

En mi caso personal, las películas que refieren a esta temática legal me encantan y la historia que presenta ésta en particular es, además, conmovedora. La realidad del llamado “corredor de la muerte” o “death row” en inglés, es desoladora. Allí los reclusos esperan su hora, elevan sus plegarias en busca de un milagro, de un aplazamiento o algún recurso de último minuto que retrase su sentencia a muerte. De nueve condenados a la pena máxima, uno es liberado sin cargos, señala una estadística que es tan brutal como incomprensible. Por ello, este relato es principalmente un grito contra la pena de muerte y un épico llamado a que cada persona, por más culpable que parezca o pueda ser, reciba la mejor, la más oportuna y la más diligente defensa.

El guion de Destin Cretton con la colaboración de Andrew Lanham deja muchas cosas en claro. Habla de un idealismo que nos reflota nuestras convicciones y nos entrega esperanza. El luchar por la gente que más ayuda requiere es su principal bandera sobre todo en un estado -Alabama, en el sur de Estados Unidos- donde algunas personas son vistas como culpables desde el mismo momento en que nacen, donde los prejuicios y el racismo va en contra de todo derecho humano de todo quien no es de textura blanca.

También observamos muchísima humanidad a lo largo del metraje. Los gestos del abogado hacia la familia de su defendido y también el trato que le da a otros clientes en similares condiciones es un signo a destacar. Donde algunos ni siquiera llaman, Bryan concurre personalmente, se da el tiempo de hablar con todos y aquello sin duda es un impulso para no darse por vencido a pesar de que todo se ve cuesta arriba.

“Just Mercy” su título en inglés es elocuente. Solo misericordia, es lo que resalta una cinta que independiente de su epílogo, escarba en las injusticias de un sistema penal que no resulta infalible. El poder abusa, hace la vida difícil a quienes lo desafían con hostigamientos, presiones ilegales y que también pasa por encima de la verdad en muchas oportunidades. Sin embargo, esta historia releva lo importante que es pelear por las convicciones. Nunca es tarde para la Justicia y aunque no se pueda asegurar o conseguir en todos los casos, la defensa de la verdad es algo que nadie nos puede quitar jamás.

Ficha técnica

Título original: Just Mercy
Año: 2019
Duración: 136 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. / Endeavor Content / Participant Media / MACRO / Netter Productions. Distribuida por Warner Bros.
Género: Drama | Biográfico. Basado en hechos reales. Drama judicial. Racismo. Años 80. Años 90
Guion: Destin Cretton, Andrew Lanham (Novela: Bryan Stevenson)
Música: Joel P. West
Fotografía: Brett Pawlak
Reparto: Michael B. Jordan, Brie Larson, Jamie Foxx, O'Shea Jackson Jr., Tim Blake Nelson, Rob Morgan, Lindsay Ayliffe, Ron Clinton Smith, Mary Kraft, Drew Scheid, David Michael-Smith, Denitra Isler, Rhoda Griffis, Steve Coulter, Elizabeth Becka, Dominic Bogart, Terence Rosemore, Jay DeVon Johnson, Kirk Bovill
Dirección: Destin Cretton

Frankie - Por Carlos Correa

En la preciosa localidad de Sintra, Portugal, se desarrolla esta historia cuyo centro es Frankie -Isabelle Huppert-, una famosa y renombrada actriz que reúne a toda su familia un día de vacaciones. Es mucho más que una reunión de descanso, involucra su vida, sus amores y a todos quienes, en su círculo más íntimo, le rodean.

Esta cinta de Ira Sachs tiene muchas vertientes. La principal es la protagonista, sin embargo es capaz de delinear a cada uno de sus personajes de tal forma que cada historia es una rama vital e interesante. Estas vidas paralelas -su hijo solitario que pronto se va a vivir a Nueva York, su hija en severos problemas de pareja, su nieta en plena adolescencia, su actual marido a la par con su exmarido y hasta una amiga maquilladora que viaja con su compañero- están cargadas de humanidad y pueden tener aun más protagonismo si se lo proponen.

Temas fundamentales como el amor, el desamor, el destino incierto, la elección de caminos de vida, disputas y herencias, están presentes en una extensión que siempre fluye pese a un ritmo lento y cadencioso. Los parajes del lugar, jardines, casas, cerros y bosques de ensueño, entregan un marco de belleza que acentúa lo transcendente del relato; la cercanía de la muerte, la necesidad de ordenar sentimientos y también las cosas materiales y prácticas.

Huppert está magnífica y sus acompañantes también, gracias a una filmación cercana que combina planos cerrados junto con aperturas que dan cuenta de preciosos rincones de la localidad. La cámara de la directora es cercana y la fotografía de Rui Poças tiene numerosos aciertos a lo largo de un metraje que, si bien dura solo 98 minutos, por momentos se siente más extenso de lo que realmente es.

“Frankie” es una suma de elementos vitales. Muy profunda en su fondo y sencilla en su forma, aborda lo más importante que tenemos los seres humanos: nuestra vida y por supuesto la familia. Tal vez Ira Sachs pone demasiado foco en la forma con la que construye el relato, sin embargo lo compensa con la manera en que compone y desarrolla a sus protagonistas. Logra que nos sintamos cercanos, que comprendamos sus problemas y que nos involucremos. Aun sin lograr demasiada empatía ni emoción en su recorrido total, la escena final -sin diálogos y observada desde lejos- es un perfecto cierre minimalista para una bella historia.

Ficha técnica

Título original: Frankie
Año: 2019
Duración: 98 minutos
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-Portugal; Beluga Tree / O Som e a Fúria / SBS Productions
Género: Drama
Guion: Ira Sachs, Mauricio Zacharias
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Rui Poças
Reparto: Isabelle Huppert, Brendan Gleeson, Greg Kinnear, Marisa Tomei, Jérémie Rénier, Pascal Greggory, Carloto Cotta, Vinette Robinson, Ariyon Bakare
Dirección: Ira Sachs

Qué dirá la gente - Por Juan Pablo Donoso

Anacrónico drama sobre lazos familiares, comunitarios y ancestrales.

Yuxtapone la compleja relación entre un padre y su hija, una joven que necesita encontrar su propio camino en la vida occidental.

Denuncia muy bien lograda del choque de culturas en un mundo globalizado.

Un inmigrante pakistaní llegó pobre a Noruega. Debió forjarse un duro camino hasta ser el próspero dueño de un almacén, muy querido y respetado por sus paisanos en Oslo.

El malentendido con su hija, creyéndola libertina, trae merma a su negocio y al prestigio familiar.

Decide enviarla – casi raptada - a vivir con la familia de su hermano en Pakistán.

Nisha sufre mucho al comienzo, y cuando ya comienza a adaptarse a ese modo de vida tan diferente, por besarse con su primo en la calle es sorprendida por policías quienes sobornan a su tío a cambio de silencio.

Su padre, socialmente humillado, debe llevarla de vuelta a Noruega deseándole incluso la muerte.

Para subsanar el oprobio la obligan a concertar un matrimonio a distancia con un joven médico pakistaní musulmán radicado en Canadá. En ella hay un constante dilema entre el cariño por sus padres y hermanos y las conductas tan arcaicas e indignas que le imponen. En el colmo de su angustia, decide escapar del hogar paterno y refugiarse en el Servicio Social noruego.

Los personajes son todos buenas personas, y sus sentimientos y tradiciones son respetables, pero el mundo ha cambiado y se manifiesta dolorosamente en la realidad existencial de la muchacha.

Filme realizado con delicadeza, buen oficio, actores muy verosímiles y queribles, destacando la bella María Mozhdah como Nisha. Escrito y dirigido por una joven realizadora también de origen pakistaní.

TRÁGICO DILEMA DE LOS HIJOS DE INMIGRANTES MUSULMANES ATRAPADOS ENTRE DOS CULTURAS TAN OPUESTAS. HONESTA Y EMOTIVA.

Ficha técnica

Título Original: Hva vil folk si o El Viaje de Nisha

Drama cultural Noruega, Suecia, Dinamarca, Alemania - 1,46 hrs. 

Fotografía: Nadim Carlsen 

Edición: Janus Billeskov, Anne Osterud 

Música: Lorenz Dangel, Martin Pedersen 

Diseño Prod.: Vinteel Bansa, Abhishek Benarjee 

Actores: Maria Mozhdah, Adil Hussain, Rohit Saraf 

Guionista y Directora: Iram Haq
Ciclo Nuevo Cine Noruego – Bs.As. - Argentina

La Gomera - Por Juan Pablo Donoso

Intriga policial rumana con bastante suspenso, sarcasmo y claras alusiones a los clásicos del cine-negro (film-noir) estadounidenses.

Si el guionista/director Cornelius Poromboiu, con la misma experticia, mantiene esta combinación de crueldad gansteril con guiños satíricos, estaría iniciando un nuevo estilo agridulce de humor rumano.

Durante casi todo el desarrollo nos mantiene tratando de distinguir entre quiénes son los buenos y los malos. Y cuáles mujeres son espías, prostitutas o comisarias de la policía. Ni siquiera sabemos si el supuesto protagonista está a favor o en contra de los mafiosos narcotraficantes.

Cristi (Vlad Ivanov - 4 meses, 3 semanas, 2 días – 2007) es un policía rumano que viaja a La Gomera (Islas Canarias) para aprender el típico “silbido gomero”, un folclórico lenguaje local. Los isleños, imitando el canto de ciertos pájaros – especie de código telegráfico - se comunican mensajes a grandes distancias entre las montañas. Los traficantes de drogas, y forajidos, lo aprovechan para sus operaciones.

Se supone que el policía se infiltra en la mafia canaria para descubrir dónde tienen escondido un botín de 30 millones de dólares. Para ello debe aprender, con gran esfuerzo, el lenguaje de chiflidos.

Serán muchos los vericuetos y contactos, con hombres y mujeres, para descubrir el secreto. Mientras tanto, las autoridades rumanas sospechan de la honestidad de Vlad, y lo siguen con una red de cámaras secretas.

Si bien casi todos los personajes son unidimensionales, están bien definidos en sus roles. Así la película marca el ritmo de acción y, a la vez, mantiene al espectador tratando de discernir quién es malo, quien es bueno, y cuál de las mujeres es digna de confianza – incluida la madre de Vlad.

Muy buena realización. Estupenda la actriz Catrinel Marlon como Gilda. Y una banda sonora amenizada con bellísimos trozos de óperas… tal vez para contrastarlos con el canto de los pájaros.

COMPLEJA INTRIGA RUMANA DE ESPIONAJE Y NARCOTRÁFICO. SEDUCE POR SU SARCÁSTICA AMBIGüEDAD. MUY ENTRETENIDA.

Ficha técnica

Título Original: Fluierãtorii 

Tragicomedia policial Rumania, Francia, Alemania, Suecia – 1,37 hrs. 

Fotografía: Tudor Mircea 

Edición: Roxama Szel 

Diseño Prod.: Simona Paduretu 

Actores: Vlad Ivanov, Catrinel Marlon, Rodica Lazar 

Guionista y Director: Cornelius Poromboiu
Cine-Arte Cosmos, Bs.As. - Argentina

Los sonámbulos - Por Juan Pablo Donoso

Historia minimalista más pretenciosa que interesante.

Como tema es casi banal. Se apoya, primordialmente, en el virtuosismo del trabajo de cámara, y en el exceso de dramatismo de los actores tratando de insuflarle mayor sustancia al relato.

Dos hermanos – argentinos o uruguayos (¿?) - se reúnen con sus familias durante unos días para celebrar el Año Nuevo en la casona de campo donde vive la abuela (Marilú Marini).

Luisa (Érica Rivas) escritora, y su marido Emilio (Luis Ziembrowski) tienen una hija adolescente (Ornella D´Elía) de 15 años que sufre de sonambulismo.

La otra pareja tiene varios hijos varones de distintas edades, incluyendo una guagua llorona aún lactante. El hijo mayor es Sergio (Daniel Hendler) ya post-adolescente y algo vago. Estos padres – Alejo (Rafael Federman) e Inés (Valeria Lois) – están viviendo una soterrada crisis matrimonial.

La mayoría de las escenas fueron filmadas con cámara en mano; se mantienen muy cerca del rostro de los personajes, con planos muy cerrados de sus expresiones. Más, todo se reduce a las conversaciones habituales de estos parientes, entre cuyos temas recurrentes está la discusión sobre vender la finca de la abuela. Pero ella se resiste por ser un lugar lleno de recuerdos, donde estos mismo hijos, ahora adultos, crecieron. Tiene bosques, una lagunita donde se bañan y juegan los niños, además de una bella piscina en el jardín de la casa. Entre asados y viajes al pueblo vamos conociendo las actividades profesionales de los adultos, momentos de intimidad matrimonial, y un clima veraniego con calor húmedo y moscas.

Se supone que el núcleo dramático lo pone la joven Ana, que recién empieza a menstruar, y deambula por la casa y el bosque siempre enojada y confundida con sus propios, inexplicables, y variantes estados de genio.

Hay algo relacionado con su tendencia al sonambulismo – al parecer heredado de la abuela – que nada aporta a la historia, salvo un pequeño percance que ocurre una noche – cerca del final – en un camping de los jóvenes primos, que desata una reacción desorbitada de sus padres, con ribetes hecatómbicos de tragedia griega.

ARGUMENTO PRETENCIOSAMENTE ATORMENTADO. PROLIJO MINIMALISMO AUDIOVISUAL. DEMASIADO RUIDO PARA TAN POCAS NUECES.

Ficha técnica

Drama familiar Argentina, Uruguay – 1,47 hrs. 

Fotografía: Iván Gierasinchuk 

Edición: Rosario Suárez 

Música: Pedro Onetto 

Diseño Prod.:Aili Chen 

Actores: Ornella D´Ellia, Rafael Federman, Daniel Hendler. 

Guionista y Directora: Paula Hernández Cine-Arte Cosmos Bs.As. - Argentina

Una guerra brillante - Por Carlos Correa

Desde 1880, Thomas Edison -Benedict Cumberbatch- y George Westinghouse -Michael Shannon- libran una competencia decisiva para el futuro del uso y distribución de la energía eléctrica. Edison, inquieto inventor y dueño de muchísimas patentes opta por la corriente continua, que sin embargo es costosa y de alcance limitado. Westinghouse, por su parte, apuesta por la corriente alterna, la que puede funcionar a mayores distancias y con un costo significativamente menor. Ambas, con muchos pro y contra, ofrecen dar un salto respecto al uso del gas y con ello un notable y significativo progreso.

La cinta del director Alfonso Gomez-Rejon no ha estado exenta de polémica. Originalmente supervisada por Harvey Weinstein -coproductor del filme y responsable de su distribución- la cinta obtuvo una mala recepción en el Festival de Toronto. Luego de la disolución de “The Weinstein Company” producto de las acusaciones en contra de su dueño, Gomez-Rejon rehizo partes de la cinta, acortó su duración y modificó la banda sonora para su estreno comercial el año 2019.

Gracias a la inspiración en hechos reales, el sustento de la historia es muy interesante. Aun cuando abusa de algunos tecnicismos respecto a la electricidad, la película no abandona la confusión como sello narrativo. El guion de Michael Mitnick no logra claridad -no la busca en ningún momento- y no profundiza en sus personajes. La inclusión de un tercer referente, el inventor Nikola Tesla -Nicholas Hoult- tampoco logra impregnar al metraje de un mejor desarrollo, dejando la tensión solo en manos de los dos grandes adversarios.

“The Current War”, su título original que da cuenta de “actual” y no “brillante”, es una película que se siente desconectada. Pese al interés que despierta la temática y a un sólido elenco, la cinta se diluye rápidamente y cae en un bache que no logra superar. La banda sonora -que más bien parece tomada de otra cinta- no se condice con las escenas ni tampoco con el ritmo de la filmación. Si bien la recreación de la época es un punto a favor, no alcanza para entregarle mayor dinamismo e interés a la historia.

En síntesis, “Una guerra brillante” no entrega lo que promete porque no corre riesgos, no configura mayormente a sus personajes y no profundiza en algunos elementos que sí están a su alcance. Es posible que el conflicto del director con la producción original y la labor de enmendar lo realizado sea el centro del problema, sin embargo la desconexión que muestra es evidente lo que resta méritos a lo fundamental, la llamada “guerra de las corrientes”, sus resultados y su legado.

Ficha técnica

Título original: The Current War
Año: 2017
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Bazelevs Production / Film Rites / Fourth Floor Productions / The Weinstein Company / Lantern Entertainment. Distribuida por 101 Studios [USA]. Productor: Martin Scorsese, Timur Bekmambetov
Género: Drama | Siglo XIX. Biográfico
Guion: Michael Mitnick
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Benedict Cumberbatch, Michael Shannon, Nicholas Hoult, Katherine Waterston, Tom Holland, Tuppence Middleton, Matthew Macfadyen, Celyn Jones, Tom Sweet, Damien Molony, Louis Serkis, Simon Kunz, Craig Conway, Amy Marston, Emma Davies, Woody Norman, Colin Stinton, Tom Bell, John Schwab, Abigail Johns, Conor MacNeill
Dirección: Alfonso Gomez-Rejon

Una guerra brillante - Por Jackie O.

“Que se haga la luz” 

La guerra de las corrientes (o batalla de las corrientes) fue una serie de eventos de una pugna motivada por la introducción de los sistemas de transmisión de energía eléctrica en los EEUU, librada entre finales de la década de 1880 y el comienzo de la década de 1890. Desencadenando un debate público sobre la seguridad eléctrica, acompañado de campañas de propaganda en los medios de comunicación.

Los sistemas de corriente continua (CC) de la Compañía Edison y de corriente alterna (CA) de la Westinghouse Electric, con sus respectivas ventajas e inconvenientes, se convirtieron en los protagonistas del enfrentamiento entre empresas.

Así como el episodio donde se enfrentó a Westinghouse, Edison y Tesla en una lucha por conseguir las licitaciones e iluminar el territorio de Estados Unidos.

Su director Alfonso Gomez-Rejon tiene más experiencia en series de televisión que en películas, por lo que para ser novato en el cine, y de los conocidos problemas que el Director tuvo que enfrentar para poder lanzar esta película rehaciendo escenas, montando otras, etc. se puede decir que es satisfactorio este trabajo.

(Harvey Weinstein estuvo en la producción al comienzo y hubo que eliminar su huella).

Esta cinta está bien ambientada, donde vemos enfrentarse en una dura disputa a Thomas Alva Edison (interpretado por Benedic Cumberbatch) y George Westinghouse (interpretado por Michael Shannon). Mostrándonos a un Edison egocéntrico, arrogante, padre y esposo algo alejado, y aun Westinghouse a quien no le molestaba mostrar su poder adquisitivo, y ser más humano que su contrincante.

Aparte de los actores nombrados la película cuenta con un destacado elenco, quienes se preocupan de dar todo para que la cinta vaya desarrollando esta problemática de luces.

Se destaca lo extraordinario de su música compuesta por Dustin O'Halloran y Hauschka, quienes nos trasporta a la época y los momentos vividos. Muy acorde.

La fotografía de Chung Chung-Hoon es maravillosa, pasando de la oscuridad a la luz y viceversa, tanto en electricidad como en los pasajes de sus vidas.

El vestuario es acorde a la época y se luce muy bien.

Pero el guion resulta en algunos momentos tedioso, algo desigual en su ritmo narrativo.

Aun así, el tema es muy interesante ya que nos muestra algo más de la historia que debemos saber.

Ficha técnica

Nombre original: The Current War
Duración: 107 minutos
Director: Alfonso Gomez-Rejon
Producción: Timur Bekmambetov y Basil Iwanyk
Guion: Michael Mitnick
Montaje: David Trachtenberg y Justin Krohn
Protagonistas: Benedict Cumberbatch, Michael Shannon, Nicholas Hoult, Katherine Waterston, Tom Holland, Tuppence Middleton, Matthew Macfadyen, Damien Molony, otros.

Prometo Volver - Por Carlos Correa

Esta película de Alice Winocour narra la historia de Sarah -Eva Green-, una astronauta francesa que entrena para una importante misión. Se trata de un viaje al espacio como preparación para el exigente objetivo de llegar a Marte. Tanto la fase previa en tierra como el viaje propiamente tal, ocupan extensos períodos de tiempo. Para Sarah la exigencia es enorme, tanto físicamente como emocionalmente. Ella vive sola con su hija Stella, de 7 años e indudablemente las decisiones de Sarah impactan en la vida de ambas y tensionan la relación madre-hija.

El guion de Jean-Stéphane Bron y Alice Winocour describe muy bien los sentimientos que tiene la protagonista. Siente culpa al optar por su trabajo postergando con ello a su hija. También siente el orgullo de ser la única mujer en una tripulación masculina y en un entorno evidentemente machista. Su deseo de estar a la par se enfrenta con la vulnerabilidad de su situación de vida. La responsabilidad de cuidar a su hija pequeña es una carga que no consigue alivio. Incluso el compromiso y ayuda de su ex pareja parece insuficiente a la luz de las altísimas exigencias que tiene Sarah como madre.

“Proxima”, su titulo original, muestra el vínculo familiar de una madre con su hija. La reflexión surge espontáneamente porque es difícil ponerse en el lugar de Sarah. La cinta logra visualizar el conflicto aunque con dificultades pues, a pesar que el dilema está presente, la opción de la protagonista es clara desde un comienzo.

La cinta también funciona un homenaje a muchas mujeres astronautas, describiendo los sacrificios que deben hacer, mostrando los programas de entrenamiento que llevan al límite sus capacidades y sobre todo poniendo en relieve la relación con sus familias y seres queridos. Este último punto es el que la cinta observa con mayor atención pues, independiente de las enormes exigencias físicas que la protagonista debe superar, lo más importante y trascendente sin duda es el vínculo familiar, emocional y afectivo con Stella.

Ficha técnica

Título original: Proxima
Año: 2019
Duración: 107 minutos
País: Francia
Productora: Dharamsala / Pandora Film
Género: Drama. Acción | Aventura espacial. Familia
Guion: Jean-Stéphane Bron, Alice Winocour
Fotografía: Georges Lechaptois
Reparto: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Nancy Tate, Marc Fischer, Zélie Boulant, Alexey Fateev, Vitaly Jay, Birger Frehse
Dirección: Alice Winocour

Una vida oculta - Por Carlos Correa

Franz Jägerstätter -August Diehl- vive con esposa Franziska -Valerie Pachner- y sus tres hijas en una granja en las montañas de Sankt Radegund, Austria. Su rutina es ardua y la vez encantadora. El cuidado de sus animales, la siembra, la cosecha, los juegos y reuniones en el pueblo, son parte de las actividades de esta abnegada familia campesina. Corre el año 1938 y las tropas de Hitler entran en Austria y todo gira en 180 grados. Se respira el nazismo y el reclutamiento para la confrontación es inminente. Pero Franz se niega a prestar juramento a Hitler. Es un objetor de conciencia que rechaza combatir para la alemania nazi por lo que es encarcelado en Linz y después en Berlín.

El director Terrence Malick filma un guion de su autoría de una manera muy particular. Construye un sensible homenaje a la consecuencia, a los valores y a la familia en base a la firme convicción de su protagonista. El relato es extenso y Malick se toma bastante tiempo para componerlo. Los paisajes son preciosos, la fotografía de Jörg Widmer es de gran belleza y la cámara del director pone acento en ello con lentes de gran ángulo que entregan una perspectiva amplia y magnífica. La banda sonora y las composiciones de James Newton Howard coronan un trabajo estético de primer nivel que resulta fuertemente conmovedor.

La tensión en la historia es un hilo interno que la recorre de forma permanente. Sabemos que esa vida apacible en esos parajes no es para siempre. Percibimos algo de lo que vendrá, lo suponemos, lo imaginamos. Malick se encarga de entregarnos elementos que se reiteran una y otra vez. Por eso es que las secuencias se sienten repetidas y en ocasiones parecen aportar poco al desarrollo del metraje.

El tiempo que el director decide entregar al desarrollo de la historia es extenso, son 180 minutos que se sienten. Pueden parecer excesivos tomando en cuenta que muchas secuencias podrían abreviarse para entregar mayor profundidad a otros personajes y también en beneficio de duración del filme. Malick justifica la extensión por la calidad de la filmación, sin embargo no debemos olvidar que el foco del relato es la vida y el acto objetor de Franz Jägerstätter y no un precioso documental de la vida campesina en la alta montaña.

El testimonio de Jägerstätter es ejemplar y está lleno de una vitalidad interior indescriptible. Estamos hablando de decisiones que tienen un componente moral y ético que es tremendamente complejo y que en este caso no solo lo involucra a él sino que a toda su familia. El inconmensurable amor de su esposa junto con su temple y su enorme fe cristiana, es probablemente lo que permite a Franz mantener su decisión a pesar de todas las salidas y opciones propuestas.

“Una vida oculta” es una historia potente, un drama que exuda humanidad, valentía, fe y esperanza. Malick nos relata valores y nos entrega elementos para la discusión, rodeado de entornos significativos que no nos dejan indiferentes. Solo debemos cuidar tener tiempo para verla sin apuro y permitir sorprendernos a pesar de las reiteraciones. La historia de Franz Jägerstätter, nos permite contemplar un sentido tributo a un hombre que, sin medir consecuencias, se mantuvo siempre firme en sus convicciones.

Ficha técnica

Título original: A Hidden Life
Año: 2019
Duración: 180 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Studio Babelsberg / Medienboard Berlin-Brandenburg
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Biográfico. Nazismo. Años 30. Años 40
Guion: Terrence Malick
Música: James Newton Howard
Fotografía: Jörg Widmer
Reparto: August Diehl, Matthias Schoenaerts, Valerie Pachner, Michael Nyqvist, Jürgen Prochnow, Bruno Ganz, Martin Wuttke, Karl Markovics, Franz Rogowski, Tobias Moretti, Florian Schwienbacher
Dirección: Terrence Malick

Venezia - Por Juan Pablo Donoso

Bella forma de narrar una tragedia inevitable.

Sofía y Carlos, pareja argentina, llegan en luna de miel a un hotel de Venecia. Cuando ella sale del baño encuentra a su esposo muerto en la cama por un ataque al corazón. Deberá esperar 48 horas legales antes de regresar a su país con el cadáver. En su desazón, comienza a vagar por Venecia durante el día y toda la noche.

¿Qué siente, y qué puede hacer una mujer recién viuda, sola, en un país del cual desconoce el idioma, esperando que le entreguen el cuerpo de su marido? Mientras la acompañamos, nos transmite – sólo con el rostro – sus emociones, sentimientos e ideas confusas sobre su condición. Paula Lussi acomete el desafío con grata mesura, sin exagerar. Antes sólo había actuado en cortos argentinos. Con este trabajo se revela como nuevo talento cinematográfico.

Estupendo trabajo de todo el equipo: director de fotografía Gustavo Tejeda, y del guionista y director Rodrigo Guerrero. Casi siempre con cámara en mano acompañamos a esta viuda joven, adolorida y desconcertada por las calles, puentes, canales, plazas y callejones de esa legendaria ciudad italiana tan llena de belleza y sorprendentes rincones. Una Venecia nocturna, llena de turistas y transeúntes ajenos al dolor de Sofía, los amaneceres, y la generosidad de personas, en especial mujeres, que cobijan a nuestra víctima como si fuese una antigua familiar. En los cafés y bares tampoco estará libre del asedio de hombres también solitarios en busca de alguna aventura fugaz. El discurso narrativo lleva un ritmo pausado donde las principales sorpresas son los recovecos y paisajes de la ciudad.

Y cuando ya se acerca el momento en que Sofía debe abordar el avión junto al ataúd de su marido, sobreviene un giro inesperado y valiente para culminar este doloroso trayecto emocional.

HERMOSO FILME, REALIZADO CON INTELIGENCIA Y COMPASIÓN. MUY RECOMENDABLE

Ficha técnica

Drama Argentina, Francia, Italia – 1,10 hrs. 

Fotografía: Gustavo Tejeda 

Actores: Paula Lussi, Margheritta Mannino 

Guionista y Director: Rodrigo Guerrero 

Cine-Arte Gaumont – Buenos Aires

Hogar - Por Juan Pablo Donoso

Este relato, tan visceralmente femenino, tiene dos títulos oficiales: Hogar y/o Maternal. Y ambos expresan el tema de la historia.

Ocurre en un Hogar de acogida argentino para madres solteras, regido por una congregación de monjas.

Allí, las jóvenes internas realizan trabajos manuales, y a la vez pueden criar a sus hijos pequeños.

Durante la primera mitad pareciera que nada importante ocurre. Sólo interacciones cotidianas de mujeres que, para obtener los beneficios, deben permanecer internas y obedecer las reglas básicas de convivencia.

Poco antes de jurar sus votos perpetuos, llega desde Italia una joven novicia -Sor Paula - a radicarse y colaborar con los quehaceres de la institución benéfica.

Con el correr de los días se irá familiarizando con las madres y, especialmente, con los niños.

Para Luciana, una de las internas, el encierro resulta insoportable. Aunque tiene una hijita de 5 años llamada Nina, sus instintos de rebeldía y libertinaje la impulsan a escapar varias veces del Hogar. Durante sus ausencias, y rabietas, la pequeña encuentra consuelo en la calidez acogedora de la joven novicia. Se crea entre ambas un poderoso vínculo afectivo.

Cuando llega el momento en que Sor Paula debe oficializar sus votos monacales, surge en ella el dilema entre su vocación religiosa y sus instintos maternales hacia la pequeñita cuya madre pareciera haberla abandonado.

Serán las circunstancias, las leyes y las convenciones sociales las que zanjen el destino de la monja, de la madre díscola, y el futuro de la pequeña Nina.

ESCRITA Y REALIZADA CON EL CORAZÓN, EL ÚTERO, Y UNA EXQUISITA SENSIBILIDAD ARTÍSTICA.

Ficha técnica

Drama, maternidad 

Italia, Argentina – 1, 31 hrs. 

Fotografía: Soledad Rodríguez 

Edición: Ilaria Fraioli, Luca Mattei 

Diseño Prod.: Yamila Fontan 

Actrices: Liiya Liberman, Denise Carrizo, Agustina Malale 

Guionista y Directora: Maura Delpero
Cine-Arte Gaumont, Buenos Aires

Nueva York sin salida - Por Carlos Correa

Medianoche en Manhattan. Un robo sale mal. El enfrentamiento entre los dos jóvenes asaltantes y la policía arroja un saldo de ocho oficiales muertos. El escape es complejo y el operativo que se monta, implacable. El tiempo apremia. En contra de los fugitivos y también en contra de quienes los persiguen.

Andre Davis -Chadwick Boseman- es quien lidera el procedimiento. Davis es hijo de un policía asesinado en acto de servicio por lo que conoce muy bien las reacciones cuando mueren uniformados. Como detective debe sobreponerse y hacer lo posible para atrapar vivos a los responsables. Pero el reloj corre. Se decreta el cierre de los 21 accesos que tiene la isla de Manhattan -“21 Bridges” es el título original de la película- para cercar a los fugitivos. Se conocen detalles del robo, las identidades de los prófugos y también suceden situaciones confunden todo. Andre Davis debe apurarse, el tiempo avanza. Todo es vértigo, adrenalina y suspenso.

Con una trama previsible pero entretenida, el guion de Matthew Carnahan y Adam Mervis funciona bien. Con un tour nocturno por un oscuro Manhattan como telón de fondo, la cinta gira en torno al robo y a la persecución policial sin dejar de lado el aspecto humano del detective y la actitud de los oficiales desplegados por toda la ciudad. Por cierto es un robo de droga y donde la hay, también se encuentra la corrupción, que aparece como un ingrediente adicional y altamente fundamental para el desarrollo de la historia.

Me gustan las películas así. Cuando tienen las dosis justas de acción más una trama entretenida que incluye giros, estas cintas aunque sean “de manual”, funcionan cuando están bien hechas. Y no se pide más. Que cumplan con lo que prometen, que entretengan y que por obvias que sean, dejen algún gusto a sorpresa. Brian Kirk y su equipo lo logran gracias a actuaciones convincentes y a un excelente trabajo de fotografía de Paul Cameron. Si puede verla en el cine, mejor. Si no, podrá ser un buen panorama para una tarde de otoño-invierno frente a la TV.

Ficha técnica

Título original: 21 Bridges
Año: 2019
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: AGBO. Distribuida por Film & TV House / GEM Entertainment / STX Entertainment
Género: Thriller. Drama. Acción | Crimen. Policíaco
Guion: Matthew Carnahan, Adam Mervis
Música: Alex Belcher, Henry Jackman
Fotografía: Paul Cameron
Reparto: Chadwick Boseman, Sienna Miller, Taylor Kitsch, J.K. Simmons, Stephan James, Keith David, Victoria Cartagena, Gary Carr, Shayna Ryan, Toby Hemingway, Dale Pavinski, Louis Cancelmi, Christian Isaiah, Morocco Omari, Katie McClellan, Jamaal Burcher, Adam Desautels, Lucky Harmon, Kevin D. Benton, Suzette Gunn, Wesley Green, Gina Destra, Jamie Neumann
Dirección: Brian Kirk

Sonic - Por Carlos Correa

Lo reconozco. No tenía expectativas para esta película y la verdad es que la cinta resulta simpática y agradable. Basada en el erizo azul de los videojuegos de SEGA, las aventuras de Sonic involucran mucha acción y movimiento. La criatura ha encontrado un lugar en la tierra luego de huir de su mundo al ser perseguido por quienes quieren sus superpoderes. Y el lugar es Green Hills, donde vive el Sheriff Tom Wachowski -James Marsden- junto a su esposa Maddie. Todo se complica cuando “Sonic”, frustrado y solo, provoca un corte de energía global que es investigado por el gobierno. Allí aparece en acción un oscuro personaje, el Dr. Robotnik -Jim Carrey- un ambicioso y mal intencionado científico que descubre a Sonic y quiere atraparlo con dudosos fines.

Me quedo con la simpatía del protagonista animado y su relación con Tom. James Marsden hace un excelente trabajo pues su contraparte es digital. Sus diálogos e interacciones resultan totalmente naturales y los efectos especiales están siempre al servicio del relato. El resto de los personajes son decorativos y caricaturas, que podrían perfectamente no estar lo que no afectaría el resultado de la historia.

Punto aparte para Jim Carrey. Histriónico como siempre y por cierto sobreactuado, su papel se hace pesado y tosco. Es cierto, es el villano, pero no me convence esta vez. Hay escenas que no tienen que ver necesariamente con la trama y que parecen hechas solo para que Carrey juegue, haga morisquetas o baile. Claro, es su salsa y seguramente se siente cómodo, pero no aporta nada al argumento. Solo obtiene algunas pocas sonrisas extra que a mi gusto están de más.

“Sonic the Hedgehog” funciona como extensión del videojuego y es entretenida. Deja abierta la puerta para futuras entregas porque el material y los personajes están. Ojalá, eso si, que los próximos villanos sean más interesantes que el Dr. Robotnik. Seguramente él va a estar, pero idealmente en un plano menor que permita el surgimiento de otros. De esta forma, las nuevas situaciones que se presenten podrán realzar a “Sonic” en sus aventuras y desventuras.

Ficha técnica

Título original: Sonic the Hedgehog
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá-Japón; Blur Studio / Original Film / Marza Animation Planet / Sony Pictures Animation / Sony
Género: Fantástico. Comedia. Aventuras. Animación | Videojuego
Guion: Patrick Casey, Josh Miller, Oren Uziel (Personajes: Yuji Naka, Naoto Ohshima, Hirokazu Yasuhara. Historia: Van Robichaux, Evan Susser)
Música: Junkie XL
Fotografía: Animation, Stephen F. Windon
Reparto: Animation, James Marsden, Jim Carrey, Neal McDonough, Adam Pally, Leanne Lapp, Shannon Chan-Kent, Debs Howard, Bailey Skodje, Frank C. Turner, Dean Petriw, Tika Sumpter, Natasha Rothwell, Elfina Luk, Emma Oliver, Breanna Watkins, Lee Majdoub, John Specogna, Nicholas Dohy, Melody Nosipho Niemann, Jeanie Cloutier, Jeff Sanca
Dirección: Jeff Fowler

Parásitos - Por Carlos Correa

Esta película del director Bong Joon-ho es una joya. Posee un guion alucinante con un ritmo perfecto. Se suma a ello una fotografía, una edición y variadas perspectivas que están al servicio de un relato que sorprende y que incluye conflicto social, política, y un contexto tremendamente humano.

Los Kim, Ki-taek -Song Kang Ho- su esposa Chung-sook -Chang Hyae Jin- y sus hijos Ki-woo -Choi Woo Shik- y Ki-jung -Park So Dam-, viven en un subterráneo miserable de Seul. En realidad, subsisten apenas, realizan trabajos esporádicos y muy mal remunerados. Ante esta precariedad, la oportunidad que surge para que Ki-woo pueda hacer clases particulares de inglés a una joven colegiala de la clase alta de la ciudad es una ventana inesperada y se transforma en un salvavidas familiar. Poco a poco, con bastante imaginación y también con indudable frescura y afán aprovechador, el clan comienza a formar parte de la vida de los Park, Dong-ik -Lee Sun Kyun-, un gerente de altos ingresos, su esposa Yeon-kyo -Cho Yeo Jeong- y sus dos hijos.

Uno de los detalles que más llama la atención de esta estupenda y elogiada cinta es que sus personajes están perfectamente delineados. Todos, hasta los que tienen una mínima participación como pueden ser los repartidores de pizza o las personas en situación de calle, tienen perfectamente claro su rol en la historia. El grado extremo de miseria y riqueza reflejado por estas dos familias espejo -dos padres y dos hijos cada una- impacta. Es un blanco y negro marcado y agobiante, sin matices. Bong Joon-ho subraya la soledad y marginalidad de ambas familias que se encuentran en extremos opuestos en tanto sus condiciones económicas y que sin embargo comparten características que son totalmente transversales.

El guion es tan asertivo y provocador que, con su estilo en tono comedia negra, profundiza en problemáticas densas y particulares que a la vez son del todo universales. Es muy difícil no conmoverse con el amor filial y con la protección familiar. Asimismo, es complejo ocultar el actuar sinvergüenza que los lleva a relajarse, bajar la guardia y enfrentarse a la amenaza de un porvenir aparentemente exitoso y libre de mayores riesgos que engañosamente están construyendo.

Bong Joon-ho, en un acierto que es una genialidad, establece una línea de flotación física y también imaginaria. Los Kim están bajo esa linea y los Park sobre ella. ¿Pero, es tan así, o puede ser al revés? Las diferencias son notorias y extremas, sin embargo ambas familias tienen mucho más en común de lo que pudiera imaginarse. Sus condiciones son obviamente diferentes en lo material, pero es su vulnerabilidad lo que les hace similares, independiente del lado de la línea en el que se encuentren.

Luego de ganar la Palma de Oro en Cannes y varios otros premios, “Parásitos” se ha convertido en la revelación del año al lograr un hecho inédito hasta ahora: ser la primera película de habla no inglesa en ganar el Óscar a la Mejor Película. Los méritos los tiene y por supuesto de sobra, porque es de esas películas redondas, que marcan, que generan reacciones, que provocan y que por ello se recuerdan. La fuerza del relato, la convicción de sus actuaciones, el poder de su forma y las constantes sorpresas de sus giros, la transforman en una cinta imprescindible. Y ojo, no es fácil de ver. Incluso puede provocar algún rechazo en varias secuencias que son bastante crudas y que están dotadas de un realismo convenientemente acentuado.

“Parásitos” engloba tantos elementos de cine que es muy difícil analizarlos por separado. Aquello es tal vez su gran riqueza. Cumple las expectativas cuando esperamos algo que no sea obvio. También cumple al provocar incomodidad y no dejar que los asientos nos adormezcan. Y principalmente cumple al reflejar, en una cultura y en una historia particular, la mayor universalidad de todas, aquella que da cuenta de las relaciones humanas, sus acciones y reacciones, llevadas a un nivel de máxima tensión, a un punto disruptivo y genuinamente perturbador.

Ficha técnica

Título original: Gisaengchung
Año: 2019
Duración: 132 minutos
País: Corea del Sur
Productora: Barunson / CJ Entertainment / TMS Comics / Tokyo Movie Shinsha (TMS) / CJ E&M Film Financing & Investment Entertainment & Comics
Género: Intriga. Comedia. Drama. Thriller | Comedia negra. Drama social. Familia
Guion: Bong Joon-ho, Jin Won Han
Música: Jaeil Jung
Fotografía: Kyung-Pyo Hong
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park Keun-rok, Hyun Seung-Min, Andreas Fronk, Park Myeong-hoon, Jung Hyun-jun, Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Jeong Esuz, Ik-han Jung, Seong-Bong Ahn, Dong-yong Lee, Hyo-shin Pak
Dirección: Bong Joon-ho

Parásitos - Por Jackie O.

Los “home invasions”.

En la historia de los Oscars, está es la octava vez que una película está nominada en las categorías de “mejor película” y “mejor película de habla no inglesa”.

Que tenemos acá:

No hay clase media, es el extremo caricaturizado de pobres y ricos.

Y su director visualmente hace que se note la diferencia social.

Una familia pobre que viven hacinados, trabajan en lo que pueden, no hay dinero para estudios, etc. Y tienen una capacidad intelectual brillante, la cual aprovechan muy bien para sobrevivir. Ya están cansados de vivir de sobras, y si se puede tener algo fácil y rápido hacen lo posible para tomarlo.

Al otro extremo tenemos a la familia rica, de buenas intenciones a su modo, la que vive en su burbuja, el único contacto con el resto de los mortales es a través de sus trabajadores, pero que de igual forma no se involucran mucho. Disfrutan su mundo, su estilo y sus amistades de la misma clase.

Con diferentes anécdotas, la familia pobre se infiltra en la casa de la otra familia, donde cada uno va tejiendo sus engaños y crédulamente caen los pudientes.

Todo es risa y chascarros para ellos y nosotros.

Hasta que todo da un giro, un giro tan bien armado que ni te das cuenta que puede pasar al minuto siguiente.

Más, cuando descubrimos al fantasma que atormenta al hijo menor de los ricos.

¿Esto terminará de esta forma? ¿No, de esta otra? No lo sabes hasta que termina.

Está inteligentemente bien montada, una buena puesta en escena (fíjense en los espacios tras las paredes y ese estante iluminado con la escalera en medio), historias entrelazadas, que no quieres pestañear para no perderte ningún movimiento ni dialogo muy bien construido.

¿Cómo podrán mantener esta farsa?

¿Cómo personas tranquilas que viven el día a día, llegan a explotar?

Es un thriller cargado de emoción. Todos hablan solo del humor negro, pero no es solo eso, nos da mensajes claros de críticas sociales.

Los pobres muy inteligentes, que producto a su pobreza y mala suerte no pueden crecer y por eso se aprovechan del que más tiene sin importar la forma, solo necesitan sobrevivir.

Los ricos son buenas personas, pero son inconscientes ante la necesidad de los otros. Que los recriminan hasta por su olor.

Los invisibles, que viven a costa del otro por no tener una oportunidad.

¿Quién es el real parásito? ¿Todos?

Con un final que crea cierta ilusión (no olvidemos que el protagonista está con daño cerebral). Pero siempre podemos soñar despiertos.

¿Qué malo puede tener esta obra? creo que sus últimos minutos comienza a decaer, ya que hay unos fallos de guion.

Recomiendo mucho la vean, y observen esta propuesta graciosa, conmovedora e hiriente.

Ficha técnica

Parasite

Año: 2019
País: Corea del Sur
Director: Bong Joon-ho
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, ...
Género: Intriga. Comedia. Drama. Thriller | Comedia negra. Drama social. Familia

Aves de Presa (y la Fantabulosa emancipación de Harley Quinn) - Por Jackie O.

“Cuando se juntan mujeres que tienen malas experiencias con hombres: mejor huyan”.-

Fui de las personas que no la disfrutó al 100%, sí abuchéenme.

Pero calma, trataré de explicarme.

Me encantan las películas de superhéroes, comics y todo eso.

Esta película es de aquellas en las que no tienes que pensar en nada, solo mirar y divertirte, por que sí es divertida. Te llenará de colores y acción para dejar pasar todo mal detalle.

Pero no hay duda alguna que Margot fue hecha para ese personaje, cuando la vi en Escuadrón Suicida quedé maravillada con su interpretación.

Esta película muestra que pasó con Harley después de la película Escuadrón Suicida, pero aún algo más terrible: El Guasón la dejó!!!

Ahora está sola con su corazón roto y hay una fila enorme de personas que quieren vengarse, ya que antes era intocable, solo esperan su turno para atacarla por los agravios infringidos.

La película sí funciona en su onda comics, e insisto que la interpretación de Margot la lleva. Sabe cómo dar esa actitud maniaca, depresiva, insoportable, niña/adulta y alocada.

El montaje está bien armado, salta de un espacio a otro sin razón, del presente al pasado en un abrir y cerrar de ojos, funciona.

La mayoría de las escenas de acción bien coreografiadas.

Los decorados extravagantes y muy brillosos se ven muy locos, femeninos y descabelladamente bellos.

La banda sonora acorde a cada escena.

En que falla, en sus chistes no tan chistes (que son la mayoría), la sobreactuación y poco carisma de la mayoría de estas “Avecitas”. Tal vez debieron haber escogido a otras actrices o haberlas dirigido mejor.

Ewan como villano estuvo aceptable.

La película solo cumplió, ya que cuando decaía se lanzaba alguna broma o patada que hacía retomar el ritmo frenético y así olvidar sus fallas, y centrarnos embobados en los fuegos artificiales.

Y qué decir de la pelee final, la que todos esperábamos…. Heeee, esperaré para la próxima.

Aunque se pudo haber aprovechado mejor a estas féminas, las que producto de esos machos malvados que las dañaron de diferentes formas, hicieran que tomaran las riendas de sus vidas y unidas acabar con el mal desde adentro. Se quedó solo en buenas intenciones.

Es una película de corte adolecente que entretiene. Mucho mejor que Escuadrón Suicida, pero a pesar de querer parecerse y algunos compararla con Deadpool, no por favor, éste la sobrepasa con creces.

Se pudo haber aprovechado más y mejor a Harley.

Pero aún tengo esperanzas, será para la próxima.

Para pasar un rato loco, pero no saldrás frenético.

Ficha técnica

Birds of Prey
Año: 2020
País: Estados Unidos
Directora: Cathy Yan
Reparto: Margot Robbie, Ewan McGregor, Jurnee Smollett-Bell, Rosie Pérez, Chris Messina, Mary Elizabeth Winstead, otros
Género: Acción. Aventuras. Cómic. DC Comics

El Aro: Capítulo Final - Por Jackie O.

“Dejen descansar a Sadako”.- 

Cuando el terror norteamericano agotaba ya todos los recursos conocidos, aparece a finales de los 90 el J-Horror. Una propuesta interesante hasta el día de hoy, acaparando la atención el director Hideo Nakata quien dirige la primera de una vasta lista de secuelas, remakes, etc. de la tan famosa “RINGU” y todo lo que se parezca.

En lo personal puedo señalar que las películas japonesas de terror logran generalmente el objetivo de terror psicológico, aunque a veces puedan ser muy sobreactuados lo logran y si no, la propuesta presentada es original y atrevida.

Esta película trata de la joven Mayu, una psicóloga que debe atender a una niña que sufre amnesia, y que a su alrededor suceden cosas muy extrañas por que un ente la posee.

Por otro lado tenemos a Kazuma que es el hermano de Mayu, un youtuber que en búsqueda de fama hace cualquier torpeza para tener popularidad, así que decide buscar historias de terror. Grabando un video aterrador al entrar a un edificio que sufrió un incendio donde murieron varias personas, edificio donde vivía la niña que es atendida por su hermana.

Con estos antecedentes Kazuma desaparece, siguen sucediendo cosas sobrenaturales y Mayu sale a buscar a su hermano.

Sin olvidar que de vez en cuando tenemos las apariciones de Sadako.

Pero qué pasa con este ARO, que se dice capítulo final.

La verdad es que EL ARO, ya está muy desgastado sea versión Japonesa o Norteamericana.

Ya basta, dejen a Sadako (o Samara gringa) descansar. Que su alma atormentada busque paz.

Lo bueno de esta película, sí tiene algo bueno, es que es tan simple que no quiere meterte ese saltito forzado, o para los bilingües jump scare.

Con Hideo a la cabeza creímos que lograría algo excepcional. Pero no. No hay nada nuevo que explotar, lo conocido se torna lamentablemente aburrido.

Ni la música, ni fotografía, ni las actuaciones son destacables.

La historia empieza relativamente bien, pero va decayendo tornándola tediosa.

Los elementos ya están agotados, la capacidad de asombro destruida.

Pero aun así véanla cuando salga en TV. Por un tema de curiosidad.

Esperemos que ahora sí duerma Sadako y Samara.

Pero intuyo que lamentablemente no lo hará.

Ficha técnica

El aro: capítulo final
Año 2019
Director: Hideo Nakata
Productor: Reiko Imayasu
Saga: The Ring
Adaptaciones de: Ringu
Reparto: Elaiza Ikeda, Hiroya Shimizu, Hiroya Shimizu, otros
Terror.- 1h 39m

Un buen día en el vecindario - Por Carlos Correa

La sensación que provoca esta película es bien especial. El retrato de Fred Rogers interpretado con encanto y ternura por Tom Hanks, seduce desde el comienzo porque la figura de este presentador de televisión para niños, creador de “Mister Rogers' Neighborhood” en pantalla desde 1968 al 2001, es a la vez fascinante e intrigante.

La historia se basa en la experiencia personal de Lloyd Vogel -Matthew Rhys-, un crítico periodista quien debe escribir un artículo en “Esquire” sobre este ícono de la televisión norteamericana. Vogel, inspirado en Tom Junod que escribió dicho artículo el año 1998, va cambiando su perspectiva luego de los múltiples encuentros con Roger y su entorno. Escéptico en un comienzo e incrédulo hasta el final, observa que Rogers es alguien demasiado bueno para ser real. Esto, por cierto, le despierta sospechas y además lo hace cuestionar su propia vida y su propio actuar. ¿Es genuino? ¿Es Rogers un Santo, o un héroe?

Tom Hanks dota a su personaje de una amabilidad que cautiva. Claro, su programa es para niños, sin embargo su temática es profunda y transversal. Su foco son las emociones, su manejo, su expresión y la capacidad de reconocerlas y de hablar sobre ellas. Plantea diversas formas positivas de lidiar con los sentimientos, algo que no estamos acostumbrados a hacer. Vogel acaba de ser padre, su esposa debe asumir el cuidado del bebé mientras él viaja para los encuentros y la relación de Lloyd con su familia (su padre y su hermana) es conflictiva y distante.

Esta fábula, además de contener grandes dosis de dulzura, nos deja enseñanzas y también desafíos. “A veces necesitamos pedir ayuda y eso está bien”, señala Rogers, afirmando que “lo que mejor podemos hacer es hacerle saber a la gente que cada uno de ellos es precioso”. Quizá este es el punto más visible de la cinta; la atención genuina y sincera que Fred le presta a Lloyd y a su familia. Si aplicáramos una parte de sus enseñanzas sin duda que nuestro vecindario, es decir nuestra sociedad, nuestra ciudad, nuestro país, sería sin duda, un lugar mucho mejor y mucho más agradable.

Ficha técnica

Título original: A Beautiful Day in the Neighborhood
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-China; Big Beach. Distribuida por TriStar Pictures
Género: Drama | Biográfico. Amistad. Familia. Televisión
Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster (Artículo: Tom Junod)
Música: Nate Heller
Fotografía: Jody Lee Lipes
Reparto: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Noah Harpster, Tammy Blanchard, Wendy Makkena, Enrico Colantoni, Sakina Jaffrey, Maddie Corman, Crystal Lonneberg, Maryann Plunkett, Michael Masini
Dirección: Marielle HellerSinopsis

Parásitos - Por Juan Pablo Donoso

Muy bien ganado el Globo de Oro como Mejor Película Extranjera y el Screen Actors Awards (SAG) 2019, más 6 nominaciones al Oscar.

Tragicomedia de suspenso surcoreana que nos atrapa con humor, y miedo, durante dos horas y cuarto.

Después de reír y sufrir con esta loca aventura familiar, se nos despejan en la memoria las metáforas, las ironías, las denuncias sociales, y el absurdo destino de la sociedad contemporánea en su conjunto.

Y ello es posible gracias al acabado retrato de cada personaje, a la absurda naturalidad (¡!) de los diálogos, al manejo del ritmo creciente, a la ambientación y, obviamente, al impecable desempeño actoral.

Los miembros de una familia muy pobre, por medio de falsas recomendaciones, se van empleando en la mansión de otra familia muy acomodada. Lo hacen aprovechándose de la ingenuidad de la dueña de casa y de la inmadurez hormonal de la hija adolescente.

Cuando todo marcha sobre ruedas, ganan salarios y profitan de las comodidades de la residencia, emerge una realidad social aún más miserable escondida en el subterráneo.

A medida que se van revelando las verdades, la película entra en una vorágine de desquicio y horror asesino.

La resolución amarra el comienzo y el final en un bello delirio bucólico, lleno de ilusiones, del muchacho protagónico que narra la historia.

En todos sus filmes el director Bong Joon Ho combina con agudeza la crítica social y política, zambullendo a sus personajes en humor negro. (Okja 2017 - Madre 2009).

UNA OBRA DE ARTE TAN INTELIGENTE QUE LOGRA LA MEZCLA PERFECTA ENTRE LA SÁTIRA, LA CRITICA SOCIAL Y LA FATAL INDEFENCIÓN DE TODOS LOS SERES HUMANOS. EXTRAORDINARIA Y MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Título Original: Gisaengchung 

Tragicomedia negra, suspenso Corea del Sur - 2,12 hrs. Warner Bros. Chile 

Fotografía: Kyung-pyo Hong 

Edición: Jinmo Yang 

Música: Jaeil Jung 

Diseño Prod.: Ha-jun Lee 

Guion: Han Jin Won, Bong Joon Ho

Actores: Kang-ho Song, Sun-kyun Lee, Yeo-jeong Jo 

Director: Bong Joon Ho

Un Buen Día en el Vecindario - Por Juan Pablo Donoso

Un bello caso de redención psicológica y espiritual.

Algunos tuvimos la suerte de ver, cuando más jóvenes, uno que otro capítulo del programa “Neighborhood” = Vecindario. Su creador y animador era Fred Rogers, un pastor evangélico y psicólogo infantil.

La serie duró exitosos 30 años. Y Rogers fue amado por niños y adultos de todo EE.UU. Nos recibía cordialmente en su hogar, y luego de ponerse cómodo, nos invitaba a conversar con algunos títeres de guante fabricados por él mismo, y cantar sus canciones.

Al programa asistían a veces niños con problemas de diversos tipos. Al comunicarse con los títeres, estos les hacían preguntas, y según la respuesta, los muñecos les manifestaban amor y los inducían a encontrar ellos mismos sus caminos.

Hubo quienes crecieron viendo el programa. Y los títeres de Rogers contribuyeron a su enriquecimiento como personas capaces de pensar y sentir la vida con valores elevados.

Esta película se centra, primordialmente, en el caso de un tal Lloyd Vogel, quien en realidad se llamaba Tom Junod. Era un prestigioso, y muy temido, periodista de la revista Esquire. Su talento era extraer los aspectos más oscuros y negativos de sus entrevistados.

Cuando en la década de los 50 lo enviaron a hacer una breve reseña del famoso Sr. Rogers, Vogel se propuso desenmascarar a este angelical animador que tanto inspiraba a las masas de televidentes.

Más, al enfrentarlo, y recibir su calidad acogida, sus aguijones empezaron a confundirse para, finalmente, rebelarse ante el carisma del entrevistado.

Mientras más se empecinaba en hallarle falsedades, más se iba debilitando él, bajando la guardia, y obsesionando con su carisma.

Fue Mr. Rogers quien, por medio de gentiles preguntas, llegó a los puntos más dolorosos del alma del periodista. Por medio de la amistad que surgió entre ellos, le ayudó a espantar sus demonios, y a cambiar su actitud ante el mundo, su familia y la humanidad.

Las actuaciones de Tom Hanks, como Rogers, y de Matthew Rhys, como Vogel, revelan profunda compenetración y cariño por sus personajes. Y otro tanto destacamos en Chris Cooper, como el atrabiliario padre anciano de Vogel, y las respectivas esposas.

Ya conocemos la delicadeza de Tom Hanks al abordar personajes poco comunes y vulnerables (Forrest Gump 1994 y Filadelfia 1993). En este caso su caracterización de Rogers fue muy minuciosa; sin embargo, con esa mezcla de suavidad y gentileza del original le resultó imposible, a la vez, proyectar la vitalidad y templanza espiritual del animador.

De todas formas la historia se basa en un hecho real, escrito, dirigido e interpretado con la honestidad suficiente para transmitirnos el mensaje de fondo: cada ser humano - niño o adulto - es ÚNICO, y merece ser visto y escuchado como si fuera la persona más importante del mundo.

UN CASO CONMOVEDOR POR LA PUREZA DE SU MENSAJE Y POR EL RESPETO HACIA LOS SENTIMIENTOS DE TODAS LAS CRIATURAS.

Ficha técnica

Título Original: A Beautiful Day in the Neighborhood 

Biografía, drama familiar China, EE.UU. - 1,49 hrs - Sony 

Fotografía: Jody Lee Lipes 

Edición: Anne McCabe 

Música: Nate Heller 

Diseño Prod.: Jade Healy 

Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster 

Actores: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper 

Directora: Marielle Heller

Aves de Presa (y la Fantabulosa emancipación de una Harley Quinn) - Por Juan Pablo Donoso

Quienes gusten de cómics llevados al cine con actores, disfrutarán con esta desquiciada secuela de Escuadrón Suicida 2016.

Este 2° capítulo tiene coherencia propia; sólo da una leve reseña del anterior, pero necesaria para comprender a nuestra villana/heroína Harley Quinn.

Ella pertenece al equipo de campeones y malvados de la antigua editorial DC (Detective Comics) creada en 1934, y que incluye entre muchos a Superman, Batman, Mujer Maravilla, Flash y Shazam, etc.

La motivación de esta comedia es el abandono que el Guasón hizo de su novia Hurley Quinn. Al quedar sola, la excéntrica luchadora se las batirá por sí misma para defenderse de los malvados de Ciudad Gótica.

Pero el villano ahora es Roman Sionis (Ewan McGregor), un sádico ambicioso que junto a su adlater Szasz cometerán las crueldades más grandes para obtener un valioso diamante Bertinelli. Para su desgracia, una ladronzuela china llamada Cassandra se lo tragó.

Nuestra loca Hurley, para evitar que Sionis la mate, deberá atrapar a la chinita y esperar que el diamante vuelva a ver la luz.

Como es una tarea muy difícil se le unen otras “titanas”, cada cual con destreza individual, incluida una sagaz detective expulsada de la Policía (Rosie Pérez) quien se une al equipo de las 4 féminas feroces para cazar pronto a la chinita.

Con un presupuesto de US$ 100.000.000 lograron un argumento admirablemente bien tramado, complejo y sin dejar cabos sueltos.

El dinamismo y los movimientos son congruentes con el estilo lúdico de la historieta clásica. Un vertiginoso conjunto de mujeres resentidas dispuestas a desquitarse del abuso machista de hombres tontos y presumidos.

Cada personaje está diferenciado con claridad y sus acciones bien motivadas según los antecedentes de sus vidas. Y todos aplican la justa síntesis expresiva que requiere el género.

De nuevo se luce Magot Robbie (Las Dos Reinas 2018 - Yo soy Tonya 2017 - Escándalo 2019) con enorme gama de matizaces y descocado histrionismo.

Acertada dirección de Cathy Yan para que el complejo guion de Christina Hodson se mantenga claro e informativo de los antecedentes de todas esas chaladas y amorales heroínas/villanas/heroínas.

Las canciones de la banda sonora y coreografías van en consonancia con la frivolidad, el humor y el ritmo del montaje.

La chispa de este episodio augura nuevas aventuras en la legendaria Ciudad Gótica. La veta sigue fértil.

UNA CHISPEANTE HISTORIETA, BIEN REALIZADA, MUY DINÁMICA, Y CON LA INSOLENCIA ORAL Y GESTUAL DEL BUEN HUMOR FEMINISTA.

Ficha técnica

Título Original: Birds of Prey 

Acción, aventuras, crimen - New Century Films EE.UU. - 1,49 hrs. 

Fotografía: Matthew Libatique 

Edición: Jay Cassidy, Evan Schiff 

Música: Daniel Pemberton 

Diseño Prod.: K.K. Barrett 

Guion: Christina Hodson 

Actores: Margot Robbie, Mary Elizabeth Winstead, Jurnee Smollett-Bell, Ewan McGregor 

Director: Cathy Yan

El Aro: capítulo final - Por Juan Pablo Donoso

Las 9 secuelas de El Aro japonesas son mejores que cualquiera de las réplicas hechas en Occidente.

Dicho esto, igual pensamos que ya es hora de cerrar la serie y dejar que la tenebrosa Sadako se tome un descanso definitivo.

Este último capítulo lo dirigió Hideo Nakata, el mismo de las dos excelentes primeras versiones. Gracias a ello el relato y los actores reflejan una mano experta. Pero ya el argumento se agota.

Durante la primera mitad el manejo del ritmo, los encuadres, el misterio y el suspenso nos hacen creer que vamos por buen camino. Más, a partir de la 2ª parte las circunstancias se ramifican tanto que el clímax se nota forzado. Hasta los personajes pierden interés.

Una bella psicóloga (Ikeda Elaiza) intenta ayudar a una niñita traumatizada y con amnesia total (Himejima Himeka). A su vez, Kazuma el hermano de Mayu, la psicóloga, tiene un espacio muy popular en la red, destinado a mostrar cosas insólitas. Y necesita hallar cada vez más eventos impactantes.

Si bien la pequeña catatónica expresa algún cariño por Mayu, poco a poco va demostrando poderes superiores de destrucción y odio. Será esta la facultad que traerá de vuelta a la espeluznante Sadako, un antiguo fantasma de pelo negro que nunca muestra la cara, que habita en un pozo negro, y que seguirá cobrando venganzas desde las secuelas anteriores.

La mezcla del hermano que desea indagar morbosidades, con el odio criminal reprimido de la pequeña, y las incursiones de la insaciable Sadako, van enredando el discurso terrorífico para culminar en una apoteosis de horror en una cueva maldita.

Si se trata de niñitas con tanta furia y sed de venganza, se nos viene a la memoria aquella CARRIE (1976) de Brian de Palma, donde las fuerzas paranormales de Sissy Spacek desbordaban terror por su posible verosimilitud.

UN TEMA QUE SE AGOTA A PESAR DEL ESFUERZO POR SEGUIR EXPLOTANDO LA VETA.

Ficha técnica

Título Original: Sadako 

Horror

BFDistribution 

Japón - 1,39 hrs. 

Guion: Noriaki Sugihara, Kôji Suzuki (novelista) 

Actores: Himeka Himejima, Elaiza Ikeda, Ren Kiriyama 

Director: Hideo Nakata

Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn) - Por Carlos Correa

Esta octava cinta del Universo extendido de DC (DCEU), spin-off de Escuadrón Suicida (2016) y dirigida por Cathy Yan, presenta una nueva aventura cuya protagonista es Harley Quinn, caracterizada por Margot Robbie. Resulta que Harley ha terminado su relación con el Joker y por ello decide comenzar de nuevo. Pero no puede, porque hay muchas cuentas pendientes y varios agravios de por medio que solo se mantenían contenidos gracias a la protección del Guasón. No obstante las serias amenazas y también venganzas en curso, Quinn se entera que la joven Cassandra Cain -Ella Jay Basco- se ha robado un diamante que pertenece al jefe del crimen de Ciudad Gótica, el malvado Black Mask -Ewan McGregor-, por lo que junto a Black Canary -Jurnee Smollett-Bell -, Huntress -Mary Elizabeth Winstead- y a la detective Renée Montoya -Rosie Perez- intentan protegerla

La película tiene una dinámica propia y bastante especial. La narrativa es fiel al estilo cómic con algunas idas y vueltas temporales que resultan muy divertidas. Su tono hilarante es permanente y para ello Robbie se desenvuelve de forma estupenda, sobrellevando el peso del relato durante todo el metraje. Cada personaje tiene su historia, a veces más y a veces menos desarrollada, que une puntos del pasado para entender el lugar que cada uno ocupa en la actualidad.

Lo más interesante de esta extravagante fantasía visual es la forma de encarar el tema de los superhéroes pues se hace desde otra perspectiva. La ausencia del Joker y las alusiones a Batman y a una Ciudad Gótica en ebullición, solo son piezas de contexto. Se trata, ahora, del poder femenino y por ello el título agrega como subtítulo la “Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn”. Claro, Harley no es superhéroe o supervillana. Es una mujer normal con una gran personalidad -la influencia de Joker se nota-, que también domina el arte del combate y se desenvuelve perfecto en las luchas cuerpo a cuerpo. A esto se suman las habilidades de las otras compañeras de escena que, cada una con su propia especialidad, dan cuenta de diversas características que les permiten enfrentar y sortear las dificultades.

“Aves de Presa” entretiene en su estilo, se mueve dentro de los códigos de sus personajes y despliega muchísima acción, efectos visuales y guiños de todo tipo. Ideal para fans, resulta más difícil para quienes no lo somos porque solo observamos y disfrutamos una capa más externa de la historia, por cierto admirando la versatilidad de Margot Robbie quien no deja de sorprender con sus caracterizaciones.

Ficha técnica

Título original: Birds of Prey (And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn)
Año: 2020
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Productora: DC Entertainment / Clubhouse Pictures / Kroll & Co. Entertainment / LuckyChap Entertainment. Distribuida por Warner Bros.. Productor: Margot Robbie
Género: Acción. Aventuras | Crimen. Cómic. DC Comics
Guion: Chuck Dixon, Jordan B. Gorfinkel, Christina Hodson (Cómic: Greg Land)
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Margot Robbie, Mary Elizabeth Winstead, Ewan McGregor, Jurnee Smollett-Bell, Rosie Pérez, Chris Messina, Derek Wilson, Steven Williams, Ali Wong, Matthew Willig, Charlene Amoia, François Chau, Greice Santo, Eric Michael Cole, Nico Greetham, Judy Kain, Eddie J. Fernandez, Robert Catrini, Dana Lee, Anthony Molinari, Ego Mikitas, Michael Masini, Gerald Downey, David Bianchi, Sara Montez, Mike Ferguson, Lenora May, Dominic Pace, David Anthony Buglione, Jeff Lipary, Joe Bucaro III, Eddie Alfano, Ryan Wicks, Pramod Kumar, Paul Lasa, William Guirola, Bruno Oliver, Karen Teliha, Zack Whyel, Julian Garcia, Nick Phillips, Bojana Novakovic, Jenelle McKee, Luis Richard Gomez, Ryan Watson, David Ury, Shad Gaspard, Adinett Nsabimana, Jason Catron, Jack Dourakos, Diezel Ramos
Dirección: Cathy Yan

Hra (The Play) - Por Carlos Correa

En una pequeña ciudad de la República Checa se desarrolla la historia de “Hra”, el nuevo trabajo del director chileno Alejandro Fernández Almendras. Petr -Jirí Mádl-, es un joven director de teatro que se apresta a estrenar su nueva creación, una adaptación de “Fedra” de Eurípides, basada en una versión de Miguel de Unamuno, con una visión personal sobre la corrupción naciente post caída del muro. A pocas semanas de la primera presentación pierde a sus dos actores principales, el municipio de la ciudad le hostiga exigiendo formalismos y su matrimonio está en crisis.

La cinta, con un marcado tratamiento teatral, se desarrolla en cinco actos más un prólogo y un epílogo. En cada uno de ellos, Fernández Almendras desarrolla las facetas más íntimas de sus personajes. Karolina -Elizaveta Maximová-, la mujer de Petr, es una joven impulsiva y enfocada en su trabajo. El cuidado de su pequeño hijo entorpece sus sueños profesionales y resiente la poca atención que su marido le presta a ambos producto de la absorbente preparación del estreno de la obra. Katerina -Marika Soposká-, llega a escena como la actriz reemplazante para el rol principal y con su magnetismo y soltura lo perturba todo. Petr, abrumado y confundido, se deja llevar y el romance entre ambos surge explosivo y natural.

Alejandro Fernández Almendras filma su propio guion, un drama que tiene varios elementos y puntos de vista para analizar y comprender. La crisis de la mediana edad, problemas matrimoniales, aspiraciones profesionales, problemas económicos y exigencias administrativas se mezclan con sentimientos profundos y cuestionamientos trascendentes que requieren decisiones fundamentales. Se trata de una deconstrucción y una construcción simultánea, un drama ultra existencial que habla de la pérdida de rumbo, la soledad y la búsqueda de caminos. Una pregunta concluye el primer tercio de la narración a propósito de la temática y dificultad de la obra: ¿hay algo más complejo que el amor y la pasión? Aquella frase parece encerrar, en un simple cuestionamiento, una magnitud que abarca la esencia misma de la existencia.

Párrafo aparte para destacar la fotografía en blanco y negro a cargo de Inti Briones. Su trabajo de excelencia dota al relato de una fuerza narrativa que pone énfasis en la profundidad, en los gradientes de la escala de grises, con planos abiertos -especialmente los nocturnos- que evocan importantes divagaciones, junto a otros cerrados que resultan íntimos y conmovedores. Del mismo modo la banda sonora a cargo de Pablo Vergara, entrega una fuerza especial a cada una de las escenas con obras de Shostakovich, Ravel, Schubert, Brahms, Mozart y otras piezas compuestas por el mismo Vergara, donde destacan sus arreglos para Cuarteto de Cuerdas y piano, en especial el de la Tercera Sinfonía de Brahms.

“Hra” -juego en checo- es una película muy interesante y que cautiva durante sus 93 minutos. Alejandro Fernández Almendras logra plasmar con su estilo una cinta rodada en otro idioma, reflejando otra cultura pero manteniendo el foco en la universal humanidad del relato. Tal vez esto es lo más importante para el director de Huacho, Sentados frente al fuego, Matar a un hombre y Aquí no ha pasado nada; se trata de la consolidación de su línea estilística, una característica que florece y provoca con su movimiento y constante reflexión.

Ficha técnica 

Título original: Hra (The Play)
Año: 2018
Duración: 93 minutos
País: Chile
Productora: Coproducción Chile-República Checa-Francia-Corea del Sur; Arizona Productions / Arizona Productions / Film & Roll / Jirafa. Distribuida por Pilot Film [Czech Republic]
Género: Comedia. Drama. Romance
Guion: Alejandro Fernández Almendras
Música: Pablo Vergara
Fotografía: Inti Briones (B&W)
Reparto: Vladimíra Benoni, Sarah Havacova, Sarah Hlavácová, Danica Jurcová, Ondrej Malý, Elizaveta Maximová, Jirí Mádl, Darina Nicová, Marika Soposká, Jirí Strébl, Adam Vacula, Jana Zenáhlíková
Dirección: Alejandro Fernández Almendras

Gretel y Hansel - Por Carlos Correa

Esta adaptación del cuento clásico “Hansel & Gretel” de los hermanos Grimm, dirigida por Oz Perkins, se sitúa en la Baviera del Siglo XIV. Los hermanos Gretel -Sophia Lillis - y Hansel -Sam Leakey-, de 13 y 12 años, están desesperanzados. A la muerte de su padre, hace algunos años, se suma que su madre está casada con un hombre malévolo. Al verse en la absoluta miseria y desamparo, los niños deciden irse de su hogar, dejar el pueblo en busca de una mejor vida y nuevas oportunidades.

En su camino atraviesan un bosque que esconde personas que desean aprovecharse de ambos. Cuando creen haber sorteado los peligros encuentran una casa al interior que es la cabaña de Holda -Alice Krige-, una mujer que los acoge con comida y atención pero, como las apariencias engañan, deben escapar para salvar sus vidas.

La cinta se centra en ambos jóvenes y no es casual la inversión en el clásico título pues el peso de la aventura lo lleva justamente Gretel. El tratamiento del guion de Rob Hayes que realiza Oz Perkins es por momentos confuso. Por una parte, mérito por cierto, se decide por una opción de generación de suspenso que no es la usual. En esta apuesta, algunos recursos quedan sin el desarrollo suficiente para generar la tensión necesaria e incluso tampoco producen temor.

En líneas generales el relato se sostiene gracias a la hermosa fotografía provista por Galo Olivares y a la banda sonora compuesta por Robin Coudert que entrega un contexto misterioso y especial a la historia. Perkins tampoco profundiza en los personajes, los aleja y los observa a la distancia. Sobre el último tercio, aun pudiendo hacer algo más, desdibuja las acciones en busca de efectos, sin empatizar con ellos en la cadencia final.

“Gretel & Hansel” genera más expectativas que las que efectivamente es capaz de cumplir. A pesar de su acotada duración, por momentos se hace pesada, no fluye como se espera y transita hacia soluciones obvias y repetidas. Tal vez es una primera aproximación del director y su equipo en una búsqueda diferente en un género en el que cada vez se hace más complejo crear e innovar. Y está bien, si no se experimenta no se llega a nuevos resultados y tal vez esta película es un paso hacia aquel objetivo. Esperamos que sea así.

Ficha técnica

Título original: Gretel & Hansel
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Género: Terror. Fantástico | Cuentos
Productora: Automatik Entertainment / Orion Pictures / Bron Studios / Wild Atlantic Pictures / Creative Wealth Media Finance. Distribuida por GEM Entertainment
Guion: Rob Hayes (Cuento: Wilhelm Grimm, Jacob Grimm)
Música: Robin Coudert
Fotografía: Galo Olivares
Reparto: Sophia Lillis, Ian Kenny, Charles Babalola, Alice Krige, Abdul Alshareef, Jessica De Gouw, Samuel Leakey, Loreece Harrison, Beatrix Perkins, Manuel Pombo Angulo
Dirección: Oz Perkins