Vértigo 2: Punto muerto - Por Jackie O.

“Un riesgoso homenaje”

Una secuela de Vértigo, la exitosa película del año 2022, que provocó en la audiencia que la vio en el cine un real vértigo. Les dejo mi comentario.

Esta es una secuela, por lo que ¿es imprescindible ver la primera? En este caso, y curiosamente lo dice alguien que se toma muy en serio las secuelas, continuaciones y todo aquello, no es necesario, ya que ahora hay personajes nuevos y al comienzo de la película se hace un mini resumen de la película anterior.

Ahora nos concentramos en Jax, quien está poniendo en venta las cosas de su hermana fallecida, Hunter. Pero se cansó de los fans locos y deja de vender, apareciendo una de sus amigas, Luce, desconocida por Jax. Al conversar ambas sobre Hunter, además de temas relacionados con la vida y muerte, Luce le propone a Jax que continúen con las peripecias de Hunter, debido a que encontraron un cuaderno con las cosas que tenía pensado hacer. Continuaba una arriesgada aventura en Tailandia, pero Jax no quiere porque ella es más temerosa que temeraria; no está acostumbrada a esos deportes. Pero Luce la convence y ambas viajan a Tailandia a esa arriesgada aventura, contratando a un guía de forma ilegal. Desde ahí, por supuesto, comienza la adrenalina sobre las alturas, dando un giro al finalizar la historia, que cambia el destino de estos tres personajes que están en la cima.

Estéticamente, este tipo de películas se deben ver en pantalla gigante para sentir la adrenalina correspondiente, la que sí provoca, a veces. Pero lamentablemente está por debajo de su predecesora. Las actuaciones son más o menos, los secundarios buenos, aunque sin destacar; pero la protagonista, Jax, no logra ejercer empatía, debido a que parte mal, aceptando un riesgo para el cual ella no está preparada físicamente, menos emocionalmente, que hace que el telespectador termine más molesto con ella que acercándose, pues hace que por momentos se transforme en una molestia que hay que cuidar, que sentirla como la heroína del cuento.

La fotografía es bellísima, nos lleva a Tailandia con vistas hermosas. Los movimientos de cámaras para darnos vértigo están bien. Lo logra, pero en pocos momentos, y pudieron estar mejor.

Y por lo que se puede apreciar, da la impresión de que podría venir una parte tres. Así como, “Vértigo la venganza”.

Esta cinta, más que pensar en la película misma, nos da para pensar en hechos de la vida. Por ejemplo, no arriesgarse innecesariamente, menos cuando no se tiene la preparación para situaciones de riesgo. Avisar siempre a amigos y familiares dónde se va de vacaciones. Nunca realizar actos ilegales, ya que eso hace que las autoridades no sepan tu destino o incluso puedes ser detenido. No relacionarte con personas de dudosa reputación. Esto va de la mano con lo de no realizar actos ilegales.

Película que entretiene por el rato, pero queda debajo de su predecesora.

Ficha técnica

Fall 2: Deadpoint
Dirección: Peter Spierig, Michael Spierig
Fotografía Andrew Strahorn
Protagonistas: Harriet Slater, Arsema Thomas, Tom Brittney, Virginia Gardner
95 minutos. 2026

Hangar Rojo - Por Carlos Correa Acuña

Esta película comienza unas pocas horas antes del golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973. Precisamente la noche anterior. El capitán Jorge Silva, ex paracaidista y jefe de Inteligencia de la Fuerza Aérea, prepara la rutina del día siguiente junto a un joven recién llegado del sur. Sus indicaciones son claras; las órdenes son exactas. Nada hace sospechar que, esa madrugada, un levantamiento militar cambiaría para siempre la historia del país.

La Academia de la Fuerza Aérea, donde se entrenan jóvenes cadetes, es una institución destinada a la formación. Sin embargo, todo se modifica la mañana del 11. Pese a no estar involucrados directamente en lo operativo, con la llegada de un nuevo jefe, el coronel Jahn, se ordena disponer de un lugar para trasladar personas, espacio que pasa a llamarse “Hangar Rojo” y que se convierte en un centro de detención y torturas.

Ante este escenario, el capitán Silva, brillantemente interpretado por Nicolás Zárate, se debate ante un dilema vital: obedecer sin cuestionar las órdenes superiores o seguir su conciencia moral.

El director Juan Pablo Sallato filma un excelente guion de Luis Emilio Guzmán. El texto es íntimo, impresionista, un ejercicio de contención y suspenso psicológico que expresa de manera convincente la angustia y la tensión de esas horas clave.

El manejo cinematográfico sobresale por su capacidad de inmersión. Algunos planos cerrados son realmente intensos. Más que observarlos, los sentimos: traspasan la pantalla. Por otra parte, aquellos planos abiertos, junto con largas tomas, provocan un marcado contraste. La decisión de filmar en blanco y negro constituye también un aporte sustantivo. Todo esto, sumado al seguimiento de la acción con cámara en mano, genera una sensación de inestabilidad permanente, un formato perfecto para dar cuenta de un momento incierto cuyo resultado aún es imprevisible.

Otros aspectos técnicos en los que esta cinta destaca son el sonido y la iluminación. Hay detalles muy logrados y otros que podemos interpretar de varias formas, como ese sonido abombado que va más allá de ser solo un efecto. En la partitura de Alberto Michelli y Matteo Marrella sobresalen los solos de cello, una profundidad que se consigue aplicando motivos sencillos que calan hondo.

El ritmo cadencioso de la cinta nunca pierde tensión estructural. Es más, el suspenso es permanente, pues no sabemos qué curso tomarán los hechos. MMucho menos podemos sospechar el camino que Silva tomará. Es todo incertidumbre, duda, cautela y emociones contenidas.

La actuación protagónica de Nicolás Zárate es excelente. Su interpretación no solo es creíble, sino que parece habitar realmente a su personaje. Solo con su gestualidad transmite sus contradicciones internas. La tensión que denota durante las horas previas permite vislumbrar que algo sabe sobre lo que sucederá, pero aún así no queda claro. Su vida familiar está supeditada a su rol militar; sin embargo, poco a poco cobra mayor importancia. La presencia del joven sargento que viene del sur es más trascendente de lo que en un comienzo parece. ¿Será un recuerdo de su propia vida, de sus motivaciones iniciales, de sus ilusiones y sueños al ingresar a la Fuerza Aérea?

El trabajo con los roles secundarios es otro punto alto de la dirección. Tanto Marcial Tagle como Boris Quercia desarrollan sus papeles con notable convicción. Sus personajes se comprenden y se recuerdan por los detalles; complementan el escenario e inciden fuertemente en las acciones del protagonista.

La representación de la represión resulta muy real. Los presos, los abusos y las torturas entregan sentido de realidad. Los interrogatorios y principalmente aquello que se siente, aunque no se ve, configuran un panorama desolador en medio de una oscuridad que amenaza con ser permanente.

Jorge Silva se encuentra entre las órdenes de sus superiores y sus contradicciones internas. ¿Acepta o se rebela?Es una decisión personal en la que entran en juego la lealtad y la rectitud, pero que recae directamente en su conciencia. Cuando reciba una instrucción brutal se enfrentará a un calvario. ¿Qué predominará? ¿La obediencia jerárquica o sus principios morales?

“Hangar rojo”, basada en el libro "Disparen a la bandada" (2002), de Fernando Villagrán, es una película valiente y honesta, una mirada íntima al interior de lo sucedido con posterioridad al golpe de Estado. Con gran contención, pero a la vez con mucha intriga, este thriller se posiciona como un trabajo sólido, una cinta que aporta una mirada distinta sobre un momento que dividió a Chile y cuyas secuelas se mantienen hasta nuestros días.

Ficha técnica

Título original: Hangar rojo
Año: 2026
Duración: 81 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Argentina-Italia; Villano Producciones, Brava Cine, Rain Dogs, Berta Film, Caravan
Género: Drama. Intriga | Dictadura chilena. Años 70. Ejército. Política
Guion: Luis Emilio Guzman
Música: Alberto Michelli, Matteo Marrella
Fotografía: Diego Pequeño
Reparto: Nicolás Zárate, Boris Quercia, Marcial Tagle, Camila Stuardo, Aarón Hernández, Juan Cano
Dirección: Juan Pablo Sallato

Digger - Por Carlos Correa Acuña

Cuesta esbozar algunas líneas sobre esta película por varias razones. La primera, estimo, es que resulta inclasificable; es de aquellos trabajos que transitan de un género a otro y de un estado a otro con una libertad incontenible.Una segunda, tal vez, es que quienes amamos el cine esperamos encontrarnos, cada cierto tiempo, con algo nuevo, diferente, que nos dé la sensación de no haberlo visto antes. Y una tercera, para sintetizar, proviene de su capacidad disruptiva, es decir, de su poder de incomodar y de remover capas que incluso estaban dormidas. Todo esto, y más, se encuentra en las entrañas de Digger, la última película del realizador mexicano Alejandro G. Iñárritu.

Una primera aproximación a lo que significa esta cinta es que resulta tan difícil de comprender en su contexto que es aún más difícil hacer spoiler o simplemente contar de qué se trata. Aunque quisiéramos, nos daríamos varias vueltas para hacer una sinopsis o dar cuenta, con honestidad, de su trama. Es por eso que remitirse a la información básica oficial que acompaña su difusión es más que suficiente. Este adelanto contiene una premisa con solo tres elementos: un empresario, Digger Rockwell, magnate excéntrico y omnipotente, tal vez el más poderoso del mundo; un accidente petrolero en una base de extracción en Groenlandia que desencadena una catástrofe ambiental global; y el gobierno que presiona -a través del presidente- para que Digger encuentre la solución a un problema que él mismo ha provocado. Simple y directo; pero hay muchísimas más aristas en esta obra que no es conveniente adelantar.

Son múltiples las capas que se encuentran presentes en Digger y no se puede privilegiar ninguna por sobre otra. Además, analizar una experiencia -porque esta cinta es absolutamente eso- resulta mucho más complejo, porque de inmediato pasamos de aquello que consideramos objetivo al terreno subjetivo de las emociones y sensaciones que nos provoca su visionado. A continuación, intentaré destrabar algunos aspectos, corriendo el riesgo de ser reduccionista e injusto, tal vez por dejar fuera de foco detalles que para algunas personas podrían resultar importantes.

Lo primero que quiero señalar es tal vez lo más evidente: esta película se trata del poder, del ego, de la crisis climática y de la construcción de la figura de un atípico “salvador”. Estos temas, que fielmente dan cuenta del estado del mundo en la actualidad, ponen de manifiesto el peligro inminente que significa que unas pocas personas sean las que concentren en sus manos -o en sus empresas- el poder global. Y aquí no es que haya una simple coincidencia, porque el mismo G. Iñárritu lo expresa sin rodeos: “Digger habla del deseo incontrolable que muchas personas tienen de controlarlo todo”.

Si ya tenemos dibujado el fondo, emerge la forma. He seguido el cine del director mexicano desde su ópera prima de 2000, “Amores perros”, y reconozco que me produce admiración. Veo en G. Iñárritu una búsqueda incansable por proponer narrativas diferentes y encontrar diversos puntos de quiebre. Esta condición remite de inmediato a los formatos, tanto estructurales como visuales, y el resultado es un amplio abanico creativo. En esta ocasión, el realizador opta por plasmar su idea a través de una sátira -¡qué difícil apuesta!-, donde el cruce entre comedia negra y drama está en permanente conflicto.

El mundo que propone G. Iñárritu es reconocible, aunque absolutamente exagerado e incómodo. Acá hay una capa que podría ser una barrera de entrada a esta película, pero el director se cubre señalando que su película es básicamente “una observación sobre la propia naturaleza humana”, es decir, la exageración elegida termina por revelar certezas que muchas veces no vemos o no queremos ver.

No quiero extenderme, pero el elenco merece un párrafo aparte, lo mismo que la producción, la fotografía y la música. La elección de Tom Cruise para dar vida a Digger es un enorme acierto. Ver al actor de “Misión Imposible” o “Top Gun” envejecido, con canas, arrugas, barriga, un acento irlandés marcado y sin paciencia, es de las caracterizaciones más sorprendentes del último tiempo. Irreconocible -cuando vi el primer tráiler no me di cuenta de que era él-, Cruise despliega todos sus dotes en un papel que, sin duda, le traerá reconocimientos, no solo por las transformaciones físicas, sino también por la construcción de un arco dramático que nunca pierde pasión ni tensión. Le acompañan varios consagrados, como John Goodman, Sandra Hüller, Jesse Plemons y Riz Ahmed, con roles tan bien pensados y ejecutados que ninguna de sus intervenciones es baladí, lo que da cuenta de un delicado trabajo de dirección que es capaz de cuidar tanto los grandes escenarios como las reacciones más íntimas de sus actores.

En resumen, “Digger” es provocativa e incisiva. No solo es recomendable verla; es imprescindible, aunque no creo que llegue a una audiencia tan amplia como otras producciones. Y agrego: es una película necesaria porque rompe moldes y es capaz de incomodar brutalmente. En palabras de Tom Cruise, es “tan salvaje como divertida”, y como señala su creador, se trata de un trabajo “profundo, muy absurdo, muy simpático, muy urgente y muy humano, dedicado especialmente a las nuevas generaciones”.

Ficha técnica

Título original: Digger
Año: 2026
Duración: 128 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Legendary Pictures, Warner Bros, M Productions, TC Productions. Productor: Alejandro González Iñárritu, Tom Cruise. Distribuidora: Warner Bros
Género: Comedia. Drama
Guion: Alejandro González Iñárritu, Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone, Sabina Berman
Música: Cosmo Sheldrake
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Reparto: Tom Cruise, Riz Ahmed, John Goodman, Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons
Dirección: Alejandro González Iñárritu

Vértigo 2 - Por Carlos Correa Acuña

La historia enlaza directamente con la entrega original. La protagonista, ahora, es Jax, quien ha quedado devastada tras perder a su hermana Shiloh. Tratando de desprenderse de recuerdos que la atormentan, recibe la visita de Luce, una vieja amiga de su hermana, quien le propone hacer una excursión para honrarla. Aunque se resiste, ambas jóvenes emprenden un viaje a Tailandia, específicamente al monte Kwan, el que se puede escalar y cuya cumbre se encuentra a más de mil metros de altura. Apenas sostenidas por endebles tablones, desprendimientos rocosos destruyen el precario sendero y las dejan casi sin poder moverse. Buscar una solución resulta imperativo, sin embargo, las condiciones son extremas. ¿Lograrán sobrevivir o caerán -literalmente- en el intento?

Como esta es una secuela que se queda sin combustible a poco andar, voy a cambiar de estrategia y comenzaré primero con todo aquello que esta película hace bien, que no es poco.

Por ejemplo, llaman la atención las tomas de los fierros instalados en la roca. Se ven perfectos, y sumados a las cadenas oxidadas, a los pernos sueltos y a las tablas apenas sujetas, cumplen muy bien. Por supuesto, nos preguntamos quién los habrá puesto y cuándo se van a soltar o se van a caer. También es elogiable el esfuerzo por retratar la montaña y su majestuosidad con tomas amplias. Los paisajes sobresalen y la fotografía ayuda mucho, al punto de asimilarse bastante a un reportaje documental sobre la zona.

Otros aspectos a destacar son los cortes y la edición de las tomas en cada una de las secuencias de acción.Los efectos de la altura, con miradas desde arriba, desde el lado o desde abajo, entregan muy bien el concepto de profundidad. Si a eso le agregamos piedras cayendo, resbalones y heridas, junto con una banda sonora ad hoc, el objetivo de trasladar esa tensión a nuestros asientos se cumple bastante bien, aunque en bastante menor medida que en la primera versión.

Dicho lo anterior, me enfoco ahora en lo que no funciona. El inicio es verdaderamente básico. La introducción es tan obvia que pareciera que no se sabe qué contar o qué decir. Y no es poco tiempo, porque recién a los 30 minutos llegamos a la montaña, que es lo que vinimos a ver. Una vez allí, a la cinta le cuesta mucho sostener la tensión. El mecanismo para distender y volver a tensar es bastante flojo, y apelar a la historia pasada puede unir los hechos, pero aun así resulta insuficiente.

Es al analizar lo que sucede en altura en esta película dirigida por Michael Spierig y Peter Spierig cuando surgen más reparos. Las imágenes parecen acabarse, hay mucha repetición de los mismos encuadres y básicamente vemos lo mismo, dado que las tomas son bastante similares. No me refiero a las secuencias de acción, sino a las intermedias, cuando los planos abiertos de paisajes y entornos son muy hermosos, pero aportan poco al desarrollo del relato. Y agrego un antecedente derivado de mi temor a las alturas: de noche, y con altos grados de oscuridad, todo se nota menos y produce menos miedo que un vacío descampado a luz del día.

Un detalle: reconozco que ver este tipo de películas me cuesta mucho por el miedo descrito antes. La primera entrega me afectó muchísimo y estuve todo el tiempo agarrotado en el asiento. Esta vez fue diferente, la resistí mejor, o tal vez no me provocó la angustia que me transmitió la primera. Esto es absolutamente subjetivo, pero es mi percepción.

“Fall 2: Deadpoint” alcanza sus mejores secuencias a falta de 15 minutos para el final. Paciencia entonces con la hora y cuarto anterior, porque en este epílogo habrá más de alguna sorpresa que, aunque no modifique el balance general, vale la pena esperar.

Ficha técnica

Título original: Fall 2: Deadpoint
Año: 2026
Duración: 97 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Capstone Studios, Flawless. Distribuidora: Lionsgate
Género: Thriller. Drama | Alpinismo / Escalada. Supervivencia. Secuela
Guion: Jonathan Frank, Scott Mann
Fotografía: Andrew Strahorn
Reparto: Harriet Slater, Arsema Thomas, Tom Brittney, Virginia Gardner
Dirección: Michael Spierig, Peter Spierig, The Spierig Brothers

Digger - Por Juan Pablo Donoso

Una ambiciosa superproducción - 125 millones de dólares - que intenta decir demasiado - a veces innecesario y de manera poco clara - mezclando distintos tipos de sátira.

El laureado director mexicano Alejandro Iñárritu, de películas sombrías, pero de gran emotividad, recordemos entre otras Babel (2006) - Revenant: el Renacido (2015) - Amores Perros (2000), a nuestro parecer aquí se metió en un “zapato chino” del que nunca pudo salir.

Le faltó selección y una médula dramática más precisa para ser efectiva.

Cuando el hombre más poderoso del mundo - Digger Rockwell (Tom Cruise), excéntrico magnate petrolero - se entera de que una de sus perforaciones en Groenlandia provocará una catástrofe ambiental en todo el planeta, se embarca en una loca misión para demostrar que puede salvar a la humanidad.

Es teatro dentro del cine, y cine dentro de una realidad futurista. Combina sátira, comedia negra, y elementos apocalípticos. Una atmósfera de apariencia muy trascendente, con giros inesperados y transformaciones escenográficas que, al final, nos deja la impresión de solo estar chapoteando en un “gran cajón de abuela”.

La combinación espuria de los problemas familiares del actor (Tom Cruise) con los de su personaje de Digger (reminiscencia con Rosebud de El Ciudadano Kane en relación a su gatito enfermo) - y las ramificaciones gratuitas con las dolencias proctológicas del Pdte. de EE.UU. (John Goodman), intentan en vano relacionarse con el desastre global por el deshielo del Ártico (¡!).

Iñárritu a veces se engolosina; por eso cae en excesos que parecen importantes, sin serlo. Sobran personajes y secuencias. Hay puntos que jamás conectan. Debió optar con más lucidez hacia la denuncia y la sátira que buscaba.

Aplaudimos la actuación de Cruise. Está “dándolo todo”. Interpreta a Digger bajo un elaborado maquillaje y prótesis. Se aleja de los típicos héroes de acción de su filmografía reciente. Una de sus propuestas más novedosas, junto con Ojos Bien Cerrados.

A veces, para entender una premisa compleja debemos remitirnos a la conclusión. Aquí solo asistimos a un “parto de los montes”: el mismo conflicto que se estaba exponiendo en la exitosa obra teatral, ya está instalado, y aún peor, en la realidad de las calles y las ciudades.

Con buena voluntad podríamos “suponer” lo que Iñárritu y Cruise (co-productor) pretendían comunicar con la historia.

¡Poco nos extrañaría que la candidatearan al Oscar!

UN FILME DIFÍCIL DE DEFINIR. Y MÁS AÚN SI, AL PARECER, NI SIQUIERA EL DIRECTOR TENÍA CLARO EL OBJETIVO CENTRAL DE LA OBRA. UNA POMPOSA “MAJAMAMA”.

Ficha técnica

2026 - Tragicomedia negra, política y ecología Reino Unido, México, EE. UU. - 2,08 hrs. 

Fotografía: Emmanuel Lubezki 

Edición: Stephen Mirrione, Conor O'Neill 

Música: Cosmo Sheldrake 

Diseño Prod.: Dennis Gassner 

Guionistas: Sabina Berman, Jez Butterworth, Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone, Alejandro Iñárritu

Actores: Tom Cruise, Riz Ahmed, John Goodman, Sandra Hüller 

Director: Alejandro G. Iñárritu

Hangar Rojo - Por Juan Pablo Donoso

Docudrama chileno-argentino que plantea un dilema entre el deber y la conciencia en el golpe de Estado de las fuerzas armadas y de Orden en Chile.

Reconstruye la historia del capitán de la Fuerza Aérea chilena Jorge Silva durante y poco después del golpe militar de 1973.

Un paracaidista, antiguo oficial de inteligencia y a cargo de la logística de la Escuela de Especialidades de la Fach, recibe la orden de instalar un centro de detención y tortura en el recinto donde trabaja,(Hangar Rojo), y participar en el interrogatorio de algunos de los detenidos.

El Capitán Silva (Nicolás Zárate) como buen oficial, deberá someterse a la “obediencia debida” a sus superiores en momentos de caos, terrorismo y guerra civil.

Llegado el momento, sufrirá la tensión entre sus convicciones personales y las consecuencias de obedecer una orden criminal descriteriada.

En una estructura de disciplina, vigilancia y silencio, tendrá que decidir hasta dónde está dispuesto a obedecer.

Teme por su integridad y por la seguridad de su cónyuge, Rosa, una profesora universitaria con ideas de izquierda.

Encrucijada sobre conciencia moral, obediencia, y las peligrosas consecuencias de una decisión personal.

Devastadora mirada a la guerra interior de un solo hombre que quisiera evitar las torturas y fusilamientos a sangre fría que imperaron en aquellas horas cruentas.

Considerado como un Oskar Schindler chileno, finalmente tomó una decisión que cambió su vida y lo convirtió en víctima de sus propios compañeros de armas.

Enfrentó y pagó las repercusiones de un acto misericordioso.

Un eterno dilema universal: conflicto entre el deber y la obediencia ciega frente a la explosión inevitable de una guerra que venía preparándose.

Al igual que El Conde (CINEMA3.CL - 9 de octubre - 2023) se filmó en blanco y negro, con dramáticos contrastes de iluminación, para reflejar el trágico momento que vivían tanto vencedores como vencidos. Loable labor del director de fotografía Diego Pequeño.

Filmada en Mendoza revela fallas de vestuario. En vez de tenidas de campaña para todos los contingentes - de altos oficiales a soldados - se los ve con uniformes de oficina. Otro tanto ocurrió con las gorras: correspondían a uniformados argentinos.

“No veo a Jorge Silva como héroe clásico, pero en el contexto histórico donde se sitúa, lo que él hace sí tiene un valor enorme: poner su conciencia, su ética y su moral por sobre la institución, por sobre el deber ser. Ese fue el corazón que siempre me movió de la película”, afirma el director Juan Pablo Sallato.

Ayudaron al relato algunos sobrevivientes y el mismo Silva, quien falleció en Londres, en agosto de 2024, dos meses antes de comenzar el rodaje.

Narrativa clara, intensa y poderosa. Un alerta fundamental sobre los extremos irracionales a que pueden conducir las utopías políticas.

19 premios internacionales en diversos certámenes de cine.

UNA OBRA REFINADA SOBRE EL TORMENTO MORAL Y LA GUERRA. CASO PERSONAL MUY ACOTADO EN UN MOMENTO HISTÓRICO DE CRISIS POLÍTICA Y SOCIAL EN EL CHILE DE AQUELLOS TIEMPOS.

Ficha técnica

Título Original: The Red Hangar

2026 Drama, historia, suspenso Chile, Argentina, Italia - 1,23 hrs. 

Fotografía: Diego Pequeño 

Edición: Sebastián Brahm, Valeria Hernández 

Música: Matteo Marrella, Alberto Micheli 

Diseño Prod.: Nicolás Grum 

Guion: Luis Emilio Guzmán, Fernando Villagrán 

Actores: Nicolás Zárate, Boris Quercia, Catalina Stuardo 

Director: Juan Pablo Sallato

Vértigo 2: Punto Muerto - Por Juan Pablo Donoso

Vértigo N°1(2022) sigue siendo superior. Logró mucha tensión con solo dos muchachas atrapadas en una torre inmensa sin escalera para bajar. Y con antecedentes personales más emotivos.

Abrumada por la muerte de su hermana, esta secuela sigue a la hermana menor de la chica que cayó de la torre en la primera entrega. Incluye “flashbacks” para informarnos que tenían problemas entre ellas. Impulsada por Luce, una negrita que la convence bajo el lema de “para vencer al miedo y la culpa debes enfrentarlos”, deciden viajar a Tailandia y escalar el monte Kwan.

Si logran la cumbre, llegarán donde el Dragón tallado que suprime los temores neuróticos.

A cientos de metros de altura, sin escapatoria y en condiciones impredecibles, lucharán contra el miedo, el mal tiempo y sus propias limitaciones para sobrevivir.

Aunque era difícil continuar la franquicia tras la primera película, los hermanos alemanes Michael y Peter Spierig (Predestination - 2014) se ingeniaron para recrear, al menos, la tensión.

Las escenas previas al ascenso son pedestres. Los diálogos - para dar relajo a los momentos de suspenso - también se sienten forzados al emular a Vértigo N°1.

¿Quién había construido previamente ese tan riesgoso camino de tablones podridos para llegar al famoso Dragón tallado que suprime los miedos? Y más aún: ¿quiénes y cómo pudieron clavar en el acantilado de piedra dura todos esos fierros mohosos que sujetaban los tablones?

La mayoría de los elementos, y giros argumentales, se sienten manipulados para mantener activo este miedo en las alturas.

Casi siempre son los negros - y/o los malvados - los que fallecen en estas historias de acción y zozobra comerciales.

Para darle más peligro al relato, justo mientras las muchachas avanzan por los estrechos más difíciles, sobreviene un terremoto… porque hasta ahora … y durante décadas, nunca había temblado (¡!).

Al igual que en la primera película, las heroínas se meten en problemas por hacer tonterías. La diferencia es que aquí cometen aún mayores imprudencias.

“Enfrenta tus miedos”… ¡aunque por estupidez puedas perder la vida!

Y habrá un Vértigo 3 a juzgar por el cierre. Total, para el propósito taquillero de la empresa esto convendría.

SIENDO INFERIOR A LA PRIMERA, GUSTARÁ A QUIENES DISFRUTAN SUFRIENDO VÉRTIGO - PERO SIN RIESGO - SENTADOS EN LA BUTACA DEL CINE.

Ficha técnica

Título Original: Fall 2: Deadpoint

2026 Suspenso y supervivencia EE.UU., Tailandia, Reino Unido - 1,38 hrs. 

Fotografía: Andrew Strahorn 

Edición: Tommy Aagaard, Scott Gray 

Música: Tim Despic 

Diseño Prod.: Jacinta Leong 

Guion: Jonathan Frank, Scott Mann 

Actores: Harriet Slater, Arsema Thomas, Tom Brittney 

Directores: Michael Spierig, Peter Spierig

Sangre Azul - Por Jackie O.

"El deber llama"

Tom Selleck protagoniza a Frank Reagan, el jefe de la policía en Nueva York (Comisionado), quien vive junto a su padre, el octogenario y también ex comisionado, Henry Reagen (Len Cariou). El hijo mayor de Frank es Danny (Donnie Wahlberg), un detective experimentado y veterano de la Guerra de Irak que, ocasionalmente, utiliza tácticas poco convencionales para resolver los casos; es el policía rudo. Su hija Erin (Bridget Moynahan), la única mujer, abogada, es asistente del fiscal del distrito. El hijo menor, Jamie (Will Estes), se graduó de Harvard como abogado, pero abandona su futuro lucrativo para continuar con la tradición familiar del trabajo policiaco. Sin dejar de lado a Sean Reagan, otro de los hijos de Frank, que fue asesinado en servicio y siempre lo recuerdan.

La serie de 14 temporadas, y que solo comentaré la primera que vi, comienza con la graduación de Jamie como policía, quien debe comenzar desde abajo junto a un sargento que le enseña todo lo que debe saber en las calles. Jamie es tranquilo y justo, tratando siempre de buscar soluciones con las personas. Su padre, el Comisionado, no les da privilegios a ninguno de sus hijos. Al contrario, los pone de ejemplo, y para estos tres hijos es una carga más pesada ante el público: deben demostrar honor y deber.
Es una familia que todos los domingos se reúne a comer, y, a veces en la semana, a cenar. Se incluye la esposa e hijos de algunos, donde nosotros somos un comensal más para opinar de los diversos temas sobre los que tratan, de lo que es justo versus lo que se debe hacer o lo que se hace.

Como cualquier serie policial, conocemos la vida de ellos y sus cercanos para ver la dinámica de cómo se manejan los temas, tanto judiciales como policíacos. Pero los conocemos más como seres humanos, ya que el público no ve a abogados y policías, ve a robots, como si no pudieran descansar ni sentir.
Cada capítulo es un tema diferente, un delito distinto que perseguir, para involucrarnos. Están ejecutados de buena forma, pero no se arriesga y eso le puede jugar en contra.

Hay un tema especifico, una subtrama en esta temporada, que debió arriesgar más en su desarrollo y que se resuelve al finalizar la temporada: es cómo murió realmente Sean, lo cual, insisto, no debió haber sido tan simple en desarrollo.
Buen elenco. Mantiene una buena puesta en escena y fotografía.

Aun así, es entretenida, dinámica, con personajes carismáticos, donde no solo vemos a rufianes cometiendo delitos, sino que vemos humanidad.

Gratis en Pluto TV y en Mercado Play.

Ficha técnica

Blue Bloods.
Primera Temporada: 22 capítulos
Septiembre 2010 a mayo 2011.

Monstruo: la historia de Lizzie Borden - Por Jackie O.

"Mujeres quebradas"

El 4 de agosto de 1892, Andrew (Charlie Hunnam) y Abby Borden (Rebecca Hall) fueron encontrados brutalmente asesinados a hachazos en su casa en Massachusetts. Su hija, Lizzie (Ella Beatty Bening), se convirtió en la principal sospechosa de los asesinatos.

Cuarta temporada de la serie antológica criminal, creada por Ian Brennan y producida por Ryan Murphy, sobre otro personaje macabro de la historia criminal, con la diferencia, esta vez, de que nunca se pudo comprobar si Lizzie realizó o no esos actos criminales. Pero quedó en la cultura popular, como si lo hubiera ejecutado.

 
La serie nos muestra, con muchas libertades narrativas, cómo pudo haber sido esta familia, y cómo pudo afectar la "emocionalidad" de Lizzie para haber ejecutado, tal vez, estos hechos.
A la par, vemos a Aileen Wuornos, como una fan de Lizzie que va camino a su casa para pasar la noche con su novia, donde hay pinceladas de su triste y delictual vida. Una historia dentro de otra historia.
Y a pesar de que Sarah Paulson como Aileen Wuornos, hace un excelente rol, esta es la temporada más débil, estéticamente, de toda la saga.

Sí destacó mucho el vestuario y peinados. En cuanto al maquillaje, le dio lo que al fanático del gore espera: exceso de sangre, que llega un punto en que se pierde la seriedad del relato. El guion decae, extendiendo innecesariamente; dos capítulos menos y se cuenta lo mismo, sobre mujeres que han debido sobrevivir, como sea, ante abusos.
Pero sin ser grave en ello, mantiene una buena puesta en escena y cuenta con un gran elenco, haciendo de ella una entretención de fin de semana.

Historia de criminales llaman mucho la atención, y como ya había señalado en las temporadas anteriores, nos inmiscuyen en su trágica vida para poder justificar los actos realizados. Pero, en este caso, la duda quedará, ya que a Lizzie no la pudieron condenar, menos sacarle una confesión.

¿Qué pasó ese día? Nunca lo sabremos.

Disponible en Netflix.

8 capítulos
Año 2026.

Monstruo: la historia de Ed Gein - Por Jackie O.

"Perfume de mujer"

Es la tercera temporada de la serie de drama policial biográfico: "Monstruo" , historias diferentes sobre criminales sin relación entre si, y las dos anteriores fueron comentadas en este enlace.

Han existido en el mundo personajes que dejaron buenas huellas y otros horribles. Pero existieron y son los que se recrean en esta serie, con bastantes libertades creativas por supuesto, para captar la atención del público.

Una viuda fanática religiosa con sus dos hijos adultos que le ayudan en la granja. El mayor se desaparece con frecuencia, y el menor, Ed, tiene cierta discapacidad cognitiva con algunos fetiches. Pero las situaciones se escapan de control para ED: muere su familia y de ahí la escala de muerte rodea su mundo.

Con una vida llena de restricciones, maltrato psicológico, abandono afectivo, catastróficas amenazas y cero apoyo médico, así es la vida de Ed. Y, ¿eso es factor para ser criminal?
Esta serie nos cuenta la historia de criminales, con bastantes toques humanitarios, con el fin de empatizar con ellos. ¿Saber su devastada historia, hará que el público justifique los crímenes?

Volviendo a la serie, está bien desarrollada; buena edición para mezclarlo con otros personajes e historias: una psicópata nazi, un Alfred Hitchcock con su "Psicosis", el joven Tobe Hooper, con su éxito mas reconocido. Estos directores mencionados los vemos bien personificados. También pinceladas de "El silencio de los inocentes", ya que para sus exitosas películas y vidas, Ed, fue su inspiración. Lo que hace un buen montaje.

 
Porque Ed "hablaba" y mantenía cerca a su madre muerta. Se hizo un original traje de mujer; y así suman y siguen locuras, sus delirios, su pasividad que lo llevó a la muerte.

 
La dirección se desarrolla bien, llevando a los actores a buenas actuaciones. Excelente ambientación con decorados, vestuario y maquillaje.

 
Contada en 8 capítulos que se sienten justos. Ni más ni menos.

Disponible en Netflix.

Ficha Técnica

Monster: The Ed Gein Story
Creada por Ian Brennan
Protagonistas: Charlie Hunnam, Suzanna Son, Vicky Krieps, Laurie Metcalf
2025.

Resident Evil: Noche Cero - Por Jackie O.

"Reinicio de Umbrella..."

Bryan, es un mensajero de suministros médicos y, a última hora de una noche de invierno, acepta llevar un paquete urgente al Hospital General de Raccoon City. Durante el trayecto, Bryan va discutiendo al fono con su novia, y sin darse cuenta atropella accidentalmente a una desconocida. Sin saber qué hacer, y bajo la desesperación y siendo su destino el hospital, sube a la mujer herida, y en estado catatónico, a su vehículo, siendo ese momento el comienzo de una serie de situaciones torpes y catastróficas para él.

Resident Evil es una saga de seis películas (2002, 2004, 2007, 2010, 2012 y 2017), o conocida como la saga "Alice". Nacida de un video juego famoso, que creó un mundo visual impactante, de buena o mala forma, las películas fueron aceptadas por el público siendo un referente en la industria. Por lo que, ¿ qué nos trae esta nueva historia?
Sí, nueva historia, porque de ella puedes sacar spin off de diferentes personajes, incluso crear uno nuevo sin perder su esencia, como es en este caso. Ambientada durante un brote en Raccoon City, que toma elementos visuales de los juegos clásicos y las películas, funciona como una historia original, con un personaje principal nuevo y muy interesante.

Bryan es un sujeto simple como cualquier persona, no es un soldado, no tiene superpoderes, ni se transforma de un segundo a otro en un gran luchador. Comete errores, no sabe defenderse y busca soluciones del momento, creando buenos momentos en la trama.

 
La película estéticamente se maneja bien. El director, quien nos ha regalado buenos trabajos, sabe jugar entre el suspenso y el terror con algo de humor. Pero el guion, esta vez peca de mucho humor (negro) que no es malo, pero en momentos en que debe ser serio, se pasa un poco. El reparto, donde Austin Abrams carga el peso mayor, sabe desenvolverse con mucha fluidez en lo caótico. La fotografía nos lleva al viejo mundo Raccoon, con sus grotescos monstruos, con calles oscuras y sucias, con estupendos movimientos de cámaras.

Si te gustan los monstruos sangrientos, vamos por ella, porque de seguro viene más.

Ficha técnica

Dirección: Zach Cregger
Basada en Resident Evil de Shinji Mikami y Tokuro Fujiwara
Fotografía: Dariusz Wolski
Protagonistas: Austin Abrams, Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser
95 minutos. 2026

Mayday - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV.

Refrescante película, graciosa y con guiños actuales.

La trama se remonta a fines de la Guerra Fría, un par de años antes de la caída del Muro de Berlín, cuando al teniente de la Marina estadounidense Troy Kelly -Ryan Reynolds- lo envían a una misión que contempla sobrevolar territorio ruso. La operación secreta fracasa al ser descubierta por líneas enemigas; el moderno avión de combate es atacado y a Troy no le queda otra opción que eyectarse para salvar su vida. Una vez en tierra -más bien sobre capas de hielo-, lo encuentra Nikolai Ustinov -Kenneth Branagh-, un ex agente de la KGB con cara de pocos amigos. Sin embargo, lo que podría haber sido el fin para Troy, cambia sustancialmente: Nikolai no solo es una buena persona, sino que también es fanático de la cultura EE.UU. y lo único que desea es poder vivir en dicho país.

Escrita y dirigida por John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein, esta cinta nos devuelve a los años ochenta mezclando hábilmente la comedia, el thriller y la acción. La nostalgia inunda la pantalla, sobre todo por los gustos de Nikolai, pero eso no es todo. El entorno de la Guerra Fría, las operaciones encubiertas y el ultra nacionalismo, riman bastante con lo que sucede hoy en día en muchas latitudes, con los mismos protagonistas.

Ryan Reynolds ya es un habitual en este tipo de roles. Los asume con naturalidad y prestancia, parecidos, pero con una gracia que los distingue y les permite llegar siempre a buen puerto. La sorpresa aquí es ver a Kenneth Branagh actuando un personaje que se roba la película. El director de “Belfast" logra construir un estereotipo atípico, un ruso amante de Estados Unidos que probablemente no pega ni junta con nada. No obstante y poco a poco, algo que se ve como imposible va ganando espacio, sobre todo cuando entran en escena otros dos personajes clave: Alexander Volkov -Marcin Dorociński-, el jefe de guardia encargado de encontrar a Troy, y Anna -Maria Bakalova-, la hija de Nikolai.

Con una apropiada duración -una hora y cuarenta y cinco minutos-, “Mayday” fluye sin mayores contratiempos. Con un intenso uso de drones, acción vibrante y llamativas locaciones, la película se abre paso para capturar naturalmente nuestra atención. Sabemos de qué se trata y las locuras no se sienten tan forzadas. Tampoco los efectos especiales -que habría sido mejor verlos en pantalla grande, por cierto-, porque la fotografía de Barry Peterson constituye uno de los puntos altos de la producción.

En síntesis, entretención garantizada. Con confianza; puede darle una oportunidad y no se va a arrepentir.

Ficha técnica

Título original: Mayday
Año: 2026
Duración: 110 minutos
País: Canadá
Compañías: Apple Original Films, Skydance Productions, Maximum Effort, Apple Studios. Distribuidora: Apple TV
Género: Comedia. Acción. Thriller | Comedia de acción. Guerra Fría. Espionaje. Amistad. Años 80
Guion: John Francis Daley, Jonathan M. Goldstein
Música: Colin Stetson
Fotografía: Barry Peterson
Reparto: Ryan Reynolds, Kenneth Branagh, Marcin Dorociński, Maria Bakalova, David Morse
Dirección: John Francis Daley, Jonathan M. Goldstein

El Último Gran Golpe - Por Carlos Correa Acuña

Tal vez lo más interesante de esta película sea su trama. Y no conviene adelantar mucho para no arruinar la sorpresa, pero es inevitable decir que aquello representa un problema. ¿Por qué? Básicamente, porque una buena trama no es suficiente para sostener una película. Vamos por partes.

Marco Kapak -Russell Crowe- es dueño de un reputado club nocturno. Le va bien; hace dinero limpio, pero también del sucio. Está cansado y su salud se está resintiendo. Un infarto lo pone contra las cuerdas. ¿Será que retirarse es lo mejor? Más que mal, la vida con su novia Sunny -Teresa Palmer- promete felicidad. Entonces, ¿dónde estaría el problema?

El asunto es que para Kapak el negocio real no es el del club, bien lo sabemos. Sus ingresos proceden del lavado de dinero de Rodríguez -Danny Zovatto-, por lo que salirse del oficio no es una opción. Pero Kapak insiste. Quiere vender el club y tiene posibilidades. Este es el verdadero punto de inflexión y hasta aquí dejo la sinopsis argumental.

Para que la ejecución de un relato sea efectiva necesita varios elementos, pero principalmente un ritmo adecuado. Derrick Borte, director y guionista, junto a Daniel Forte, adapta la novela de Thomas Perry y queda a medio camino porque no consigue dar con la tecla para plasmar la historia en una película que, al menos, consiga una dinámica adecuada. ¿A qué me refiero con esto? La irregularidad del desarrollo atenta contra la tensión, porque el ritmo sube y baja sin objetivos claros, se siente forzado y no logra conectar del todo sus diferentes aristas.

Dicho lo anterior, contar con Russell Crowe, Luke Evans, Teresa Palmer, Danny Zovatto, Josh McConville y Aaron Paul en el reparto, y no aprovecharlos al máximo, es un desperdicio. Esto sí que no tiene excusa, porque a pesar del talento del elenco y, en especial, del gran carisma de Crowe -haciendo cualquier papel-, la película tampoco encuentra sustento en un reparto del que se esperaría muchísimo más.

Es una lástima que “The Get Out” desaproveche una oportunidad. Para una trama tan enrevesada podría haber tenido más sustancia en la elaboración de sus personajes, incluso manteniendo el tono de comedia que declara permanentemente. Tal vez esa indefinición de género podría ser otro punto a considerar, porque, hablemos con claridad: lo que recordaremos -si algo queda- será la vaguedad de un Crowe simpático y poquito más.

Afortunadamente es solo una hora y media, aunque tengamos la sensación de que dura mucho más. Y no es ningún pecado esperar al streaming porque, salvo dos o tres secuencias de acción, el resto del metraje es perfecto para una pantalla de TV.

Opción para una tarde de domingo, si no tiene en mente un mejor panorama.

Ficha técnica

Título original: The Get Out
Año: 2026
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Australia; A Higher Standard, Gramercy Park Media, Head Gear Films, Latigo Films, Life & Soul Productions, Nickel City Pictures, Screen Australia, Vacancy Films.
Distribuidora: Eagle Films, Noori Pictures, Vertical Entertainment
Guion: Derrick Borte, Daniel Forte. Novela: Thomas Perry
Género: Thriller. Acción
Música: Bryan Senti
Fotografía: Brendan Galvin
Reparto: Russell Crowe, Luke Evans, Teresa Palmer, Danny Zovatto, Josh McConville, Nina Dobrev, Aaron Paul
Dirección: Derrick Borte

El Último Gran Golpe - Por Juan Pablo Donoso

El tema central de esta tragicomedia es la corrupción en cadena, y lo difícil que es zafarse de ella.

El título original en inglés lo adelanta con claridad; The Get Out = la salida, el escape.

Un poderoso dueño de club nocturno (Russell Crowe), luego de sufrir un infarto, decide vender su negocio y retirarse del mundo delictual. Con el dinero ganado bien merece vivir sus últimos años en una isla lejana, junto a su atractiva mujer.

Pero la red de maleantes que lo rodea le complica el anhelo. Cada facineroso tiene sus propios antecedentes, motivos y ambiciones. Entre ellos hay incluso un policía, buen marido y padre de familia, pero igualmente necesitado de plata.

Habrá quienes lo asalten, quienes lo extorsionen, y hasta quienes deseen comprarle la exitosa propiedad a un precio demasiado bajo.

Su intento por salir del juego se transforma en una lucha de sobrevivencia. Rodeado de enemigos, alianzas frágiles y decisiones imposibles, descubrirá que en este negocio… el último golpe nunca es realmente el último.

Más que la acción, robos y matanzas, es aquella variedad de personajes lo que hace entretenida la película.

Russell Crowe (inolvidable en Gladiador - 2000; Javert en Los Miserables -2012, y recién como Göring en Nuremberg: el Juicio del Siglo - 2025) sigue siendo carismático como el empresario vuelto sensato en medio de una intriga cada vez más intensa.

Si bien tiene disparos, crímenes, asaltantes enmascarados y mujeres aburridas que hacen cualquier locura con tal de activar adrenalina, el filme queda en una zona intermedia entre un abanico de personajes patéticos y un relato seudo-policial. Por ello resulta lenta para despegar.

El gran crescendo, en el que todo debiera enlazarse y colisionar, se siente tibio aunque incluya un feliz giro inesperado al final.

UNA GALERÍA DE MALHECHORES CORRUPTOS DE LA CUAL EL PROTAGONISTA INTENTARÁ LIBERARSE DESPUÉS DE VARIOS INTENTOS FALLIDOS. AMENA, INVEROSÍMIL Y OLVIDABLE.

Ficha técnica

Título Original: The Get Out

2026 Acción, delincuencia y mafia EE.UU. - 1,51 hrs.

Fotografía: Brendan Galvin 

Edición: Mike Warner 

Música: Bryan Senti 

Diseño Prod.: Freddy Waff 

Guion: Derrick Borte, Daniel Forte, Thomas Perry (novela)

Actores: Russell Crowe, Teresa Palmer, Aaron Paul 

Director: Derrick Borte

Los Creyentes - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Ruth -Stéphanie Magnin- debe regresar a su natal España. Su madre ha muerto en extrañas circunstancias mientras su padre Martín -José Coronado- apenas logra explicar lo sucedido como un infortunado accidente doméstico en la ducha. Extrañas circunstancias para una historia que transcurre en un apacible pueblo del norte que vive días convulsionados debido a la desaparición de un menor.

Un par de elementos se suman al relato. Un inicio confuso, en el que la madre llama a Ruth insistentemente sin que ella le conteste y el errático comportamiento de Martín, siempre ofuscado, algo agresivo y obsesionado con una teoría de conspiración que involucra a una empresa farmacéutica que se ha instalado en las cercanías.

La premisa de esta cinta, dirigida por Roger Gual y escrita por Darío Madrona y Carlos Montero, resulta muy interesante. Aborda, al menos, dos aspectos muy actuales. El primero, la fe casi religiosa en teorías paranoicas que se difunden en redes y que pretenden explicar diversos fenómenos desde el engaño, la duda y el poder del dinero. El segundo, que nunca deja de ser actual, se refiere a las relaciones familiares, al cariño, a la confianza y a la pérdida progresiva de conocimiento que genera la distancia.

En este caso, por desgracia, la fuerte idea central antes descrita se diluye demasiado rápido. No estoy seguro de si es por las expectativas que provoca o por su débil ejecución. Desde un comienzo, la forma de plantear el contexto de los hechos resulta extraña. Se siente cortada y forzada, como si algunas decisiones sobre la edición hubiesen dejado fuera material importante. Además, ciertos baches en la narración -pistas demasiado evidentes y cortes abruptos- tampoco ayudan a mantener un ritmo uniforme que lleve el relato hacia estados de mayor tensión. A pesar de tener hermosas locaciones y una buena fotografía, tal vez el haber elegido el formato de película le haya jugado en contra. Quizá, si se hubiese planteado como una serie, varios de estos puntos podrían haber sido desarrollados de mejor manera sin tener que hacer una síntesis obligada.

Mostrar un comportamiento extraño para reflejar paranoia no es suficiente. José Coronado es un protagonista sólido, tenga el papel que tenga, pero en esta ocasión se lo han puesto más que difícil. El actor español realiza su mejor esfuerzo para asumir la responsabilidad de sostener la trama, pero aquí carece de un elenco que lo acompañe para lograr ese propósito. El desequilibrio es manifiesto. Stéphanie Magnin no logra configurar su personaje, tampoco se produce ninguna química padre-hija, y su caracterización se va desdibujando rápidamente a medida que avanza el metraje. Del resto de los personajes hay muy poco o casi nada que decir. Están ausentes tanto en acción como en descripción, desaprovechados y marginados, sin una razón clara de ser. Basta un ejemplo: Arón. ¿Podemos recordar algo de la caracterización de Alberto Olmo? Prácticamente nada.

Algo no cuadra en “Los Creyentes”, incluso desde la elección de su título. Ya vimos elementos de la premisa, del relato, de la construcción y de la ejecución. Por eso dejo para el final la parte subjetiva, es decir, lo que la historia provoca y aquello que queda para recordarla. En este sentido, el resultado queda aún más al debe, porque si no hubiera escrito rápido estas líneas, corría el riesgo de olvidarlas rápidamente. Y eso es una lástima, porque José Coronado merece mejores producciones, aunque siempre constituya un agrado verlo actuar.

Ficha técnica

Título original: Los creyentes
Año: 2026
Duración: 106 minutos
País: España
Compañías: El Desorden Crea, Netflix. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Intriga. Drama | Thriller psicológico
Guion: Darío Madrona, Carlos Montero
Música: Nico Casal
Fotografía: Juana Jiménez
Reparto: José Coronado, Stéphanie Magnin, Fanny Gautier, Alberto Olmo
Dirección: Roger Gual