Pinocho - Por Juan Pablo Donoso

Nueva versión rusa del clásico Pinocho. Contada de una manera distinta, y con hermosa tecnología visual.

Mezcla actores con animaciones y títeres en perfecta armonía.

La fábula original de Carlo Collodi - 1883 - es una de las obras más traducidas y adaptadas de la literatura universal.

El personaje aquí corresponde a la versión eslava del Conde Aleksey Nikolayevich Tolstoy quien, en 1936, escribió la novela infantil soviética titulada La Llave de Oro, o las Aventuras de Buratino. Fue una adaptación del clásico Pinocho, pero con giros alusivos al alma rusa. A diferencia del original, Buratino nunca se convierte en un niño de verdad. Seguirá siendo una marioneta de madera, aceptando su naturaleza, su libertad y quién es realmente.

Alekséi Nikoláievich Tolstói (1883 - 1945), alias Camarada Conde, fue un autor de muchos géneros y novelas históricas. Además, uno de los pioneros de la ciencia ficción soviética.

La acción se traslada a una Italia estilizada de los siglos 18 y 19, creando una atmósfera oscura, casi gótica.

Aborda con delicadeza cuestiones contemporáneas como ver al otro desde una perspectiva distinta - respetando sus creencias y conocimientos - versus la propia identidad.

Es una mezcla posmoderna, inspirada en "Pinocho" de Guillermo del Toro, Disney, y la estética clásica de fantasía onírica.

La ejecución técnica es magistral y de las mejores entre sus pares. El vestuario y la escenografía están repletos de detalles; merecen atención minuciosa. La banda sonora es grata y delicada. Y la música de Alexey Rybnikov se adapta con fluidez al tono gentil de esta obra. Las canciones y los bailes son cómicos, contagiosos, y elegantes.

Esta nueva variante alude al espíritu ansioso de pertenecer, de ser aceptado, de encontrar el propio lugar. Ni le crece la nariz cuando miente, y en vez de Pepito Grillo lo aconsejan tres alegres cucarachas.

Carece de las estridentes secuencias siniestras de algunas anteriores.

Como el tema - en fondo y forma - sugiere varios tratamientos, recordemos la de Disney (1940) - una de sus cumbres. Las de Roberto Benigni (2002) - en una débil caracterización; Robert Zemeckis (Regreso al Futuro y Roger Rabbit) -2022 - con Tom Hanks, marionetas y actores: poca magia, dispareja y con final confuso; Matteo Garone - 2019 - excelente, donde aquí Benigni entrega un entrañable Gepetto; Alejandro Malowicki (1986), hermosa versión musical argentina, y, la de Guillermo del Toro (2022) - poesía impactante, animación “stop motion”, que combina humor negro con temas de amor y pérdida. Ambientada en la Italia fascista, explorando temas complejos como el duelo y la guerra.

Hubo también una emotiva serie de TV coreana (2014-15) - donde los dilemas de Pinocho eran solo metáforas para un romance juvenil.

Por su gentil humor y menos estrépitos, será grata para todo tipo de espectadores.

UN CLÁSICO PARA TODAS LAS EDADES. ENCANTADORA Y REFINADA. MANTIENE ALTA LA VARA DE FUTURAS VERSIONES.

Ficha técnica

Título Original: Буратино

2026 Cuento infantil, aventuras Rusia - 1,30 hrs. 

Fotografía: Maxim Zhukov 

Música: Aleksey Rybnikov 

Diseño Prod.: Irina Belova, Vladislav Ogay 

Guion: Aksinya Borisova, Alina Tyazhlova, Andrey Zolotarev 

Actores: Vitaliya Kornienko, Aleksandr Yatsenko, Fedor Bondarchuk 

Director: Igor Voloshin

Turbulencia: pánico en el aire - Por Juan Pablo Donoso

Tremendo suspenso por la conjunción de dos conflictos simultáneos en el pequeño canastillo de un globo aerostático en altura.

Solo tiene cuatro personajes - y medio - porque este último se suicida al comienzo de la película.

El joven ejecutivo Zach (Jeremy Irvine) y su esposa Emmy (Hera Hilmar) - que recién ha sufrido un aborto - deciden hacer un viaje en globo por los Dolomitas italianos para consolar su depresión.

El experto piloto de la nave será el veterano Harry (grata reaparición de Kelsey Grammer, el recordado Frasier de la premiada serie televisiva).

Lo que en un comienzo sería una maravilloso viaje de 5000 pies de altura por sobre las abruptas montañas rocosas, se ve tripulado, a último momento, por una pasajera adicional - Julia (Olga Kurylenko) - al principio supuestamente desconocida para todos.

Una vez en aire, y ya sobre los escarpados picachos, empieza a revelarse la identidad de esta Olga: una resentida mujer que comienza a chantajear a Zack, amenazándolo con informar a su esposa que la noche anterior habían tenido un fogoso encuentro sexual.

A esa altura, y en un espacio tan reducido, la intuición de Emmy los obliga a sincerar la verdad, con las evidentes consecuencias de furia y agresiones físicas.

Por más que el piloto Harry intenta calmar los ánimos para evitar un accidente, un pugilato semejante solo consiguió provocar un incendio, romper parte del suelo del canasto, y precipitar al piloto al abismo quedando los tres inexpertos a la deriva de los vientos y la lluvia.

Todo lo que sigue serán las peripecias, el asesinato de la chantajista, y los inverosímiles esfuerzos por conducir la nave, parchar las roturas del globo, y mantenernos al borde de la butaca esperando que logren salvarse tanto al aterrizar, como después afrontar las ruinas de un matrimonio destrozado.

Bellísimas tomas aéreas sobre las Dolomitas, macizos montañosos en los Alpes orientales italianos, en las regiones del Veneto, Trentino-Alto Adige y Friul-Venecia Julia, con una pequeña parte también en Austria.

Muchas de las escenas a bordo del globo notamos que se filmaron en estudio con fondo de croma-key para crear la ilusión de que estaban en el aire.

Al igual que en Vértigo (2022) el suspenso se juega a dos bandas: sufrimos el vahído constante de la altura, y, en este caso, asistimos al dilema de un matrimonio que se destruye sin remedio.

Afortunadamente, la tragedia culmina con un giro imprevisto, donde el guionista, en vez de un barato “happy end”, nos consuela con una cínica resolución.

CONFLICTO MATRIMONIAL BIEN URDIDO, Y FORZADO A RESOLVERSE EN UN GLOBO AEROSTÁTICO A 5000 PIES DE ALTURA. LOGRA EL SUSPENSO INVEROSÍMIL QUE PERSIGUE.

Ficha técnica

Título Original: Turbulence

2025 Suspenso, acción EE.UU. - 1, 31 hrs. 

Fotografía: Jaime Reynoso 

Edición: Tamsin Jeffrey 

Música: Marcus Trumpp 

Diseño de Prod.: Felix Coles 

Guion: Andy Mayuson 

Actores: Hera Hilmar, Jeremy Irving, Kelsey Grammer 

Director: Claudio Fäh

Pinocho - Por Carlos Correa Acuña

Esta versión de “Pinocho” propone un enfoque distinto. Esta vez, el trabajo viene de Rusia y mezcla muy bien a los actores reales con la animación.

La historia cambia, pero la esencia se mantiene. Papá Carlo -Aleksandr Yatsenko- tiene el deseo de tener un hijo. Su sueño se cumple de forma mágica luego de tallar un tronco que cobra vida inesperadamente. El resultado es un niño de madera, simpático, vivaz y tremendamente inquieto.

Desde su primer día de clases, Pinocho se mete en problemas debido a su inocencia. Para él, nada es malo o tiene otro sentido. Esa forma de ver las cosas lo lleva, incluso, a interrumpir una obra de teatro pensando que lo que ocurría allí era real. Pese a la resistencia de su padre, Pinocho es obligado a unirse a la compañía de teatro de títeres de Karabas Barabas -Fyodor Bondarchuk-, un empresario que trata muy mal a sus colaboradores.

En las presentaciones del grupo, Pinocho pasa a ser la atracción principal. Hay un claro aprovechamiento, el que se intensifica luego de una gran gira mundial, en el que logran transmitir mensajes positivos pese al mal ambiente laboral. Al regresar, el conflicto estalla rápidamente. Los actores se rebelan y abandonan a Barabas, dejándolo únicamente con su asistente.

Pinocho no tiene miedo y explora otros caminos, pero se topa con dos farsantes, unos ladrones de ilusiones que no tienen ningún reparo ético para ejecutar sus engaños. Mientras el teatro de Barabas trata de sobrevivir, todos buscan a Pinocho, quien, finalmente, logra salir de ese círculo para regresar al pueblo y reencontrarse con su padre.

Por supuesto, ocurren muchos otros eventos en esta película que aborda de manera lúdica la inocencia, las relaciones humanas y los duros aprendizajes de un niño que va construyendo su propio camino. Pinocho no tiene prejuicios, simplemente actúa aunque su conciencia -representada por las tres cucarachas- intente orientarlo o incluso detenerlo.

“Buratino”, su título original, corresponde a una adaptación de la novela infantil soviética “La llave de oro”, de Alexéi Nikolayevich Tolstói, que a su vez se basa en la inolvidable novela italiana de 1883 “Las aventuras de Pinocho”, escrita por Carlo Collodi. En esta oportunidad, dirigida por Ígor Voloshin, el carácter musical y la certera mezcla realidad-animación, permiten modernizar la película de Leonid Nechayev del año 1975, llamada “Las aventuras de Buratino”.

Con un gran cuidado por los escenarios -se construyó, en el Parque Cinematográfico MosKino, un estudio de más de 7.000 metros cuadrados para recrear una gran ciudad italiana de fines del siglo XIX-, esta cinta contiene una preciosa recreación de decorados, un sinnúmero de detalles y amplia participación de extras para cada una de sus escenas exteriores.

“Pinocho”, con algo más de una hora y media de metraje, funciona como una moraleja. Ante la confrontación de valores y antivalores, emergen lecciones y aprendizajes. El mundo es cambiante y todos somos distintos. Aceptar lo que somos, valorar la diversidad y asumir su importancia, se transforma en el camino de enseñanza. Pinocho lo sigue demostrando, cada día, a través de sus diferentes historias y versiones, con un mensaje didáctico, simpático y que mantiene plena vigencia.

Ficha técnica

Título original: Buratino (Pinocchio)
Año: 2026
Duración: 102 minutos
País: Rusia
Compañías: Art Pictures Studio, NMG Studio, Studio Plus, Vodorod
Género: Fantástico. Aventuras | Cuentos
Guion: Aksinya Borisova, Alina Tyazhlova, Andrey Zolotarev
Música: Aleksei Rybnikov
Fotografía: Maxim Zhukov
Reparto: Vitaliya Korniyenko, Aleksandr Yatsenko, Anastasiya Talyzina, Mark Eydelshteyn, Stepan Belozyorov, Ruzil Minekaev, Fyodor Bondarchuk, Lev Zulkarnaev, Viktoriya Isakova, Alexander Petrov, Svetlana Nemolyaeva
Dirección: Igor Voloshin

Boda Sangrienta - Por Jackie O.

“Hasta que la muerte nos separe”

Durante la noche de su boda, una mujer recibe una invitación por parte de la rica y excéntrica familia de su marido, para participar en una tradición ancestral que se convierte en un juego letal de supervivencia.

Grace está muy contenta, es el día de su boda, la que se realizará en los hermosos jardines de la mansión Le Domas, familia de su esposo Alex. Luego de un año y medio de relación y sin haber conocido a su familia antes, Grace se enfrenta a ellos. Algunos simpáticos, otros excéntricos; un sinfín de personas. Todo bien hasta que llega la cena, y en ese momento se entera que hay una “tradición familiar”: todo quien llega a formar parte de la familia debe jugar. Son juegos de salón le dicen, nada complicado, pero se ve el nerviosismo en Alex. Grace encuentra raro el asunto, sin que se le haya advertido antes por su novio de esto, pero lo toma para bien. Es un juego, ¿qué malo podría pasar?

Hasta que descubre, de muy mala forma, de qué trata este juego, y que se transforma en algo mortal.

La cinta es una comedia negra de terror, que sabe jugar, valga la redundancia, con su humor negro con litros de sangre a su alrededor. No se toma en serio algunas situaciones para exagerarlas, pero deja una bruma de crítica social sobre los millonarios excéntricos. Esto último, visto en otras películas, como por ejemplo, “Hostal”.

La protagonista, de chica audaz, algo ingenua y de buenas intenciones, pasa a transformarse, a la mala, en una guerrera sin piedad. Más que mal, debe salir como sea de esta situación, encerrada en una gran mansión llena de laberintos y, principalmente, gente loca.

La famosa productora Radio Silence, trae buenos materiales para espantarnos de horror o risa, pero la cuota sangrienta no la deja de lado.

La película va directo al grano, no se da vuelta en historias de relleno. Solo muestra lo que quiere el espectador: muerte y sangre. Y la dosis es bien exagerada, incluida la caricaturización de personajes que funcionan bastante bien. Su protagonista adopta muy bien su rol de mujer tranquila en un comienzo, para ser, posteriormente, una salvaje que domina la nueva posición de vida que tiene.

Su guion, aunque predecible, es bastante inteligente, por muy torpe que pueda verse en algún momento por la exageración y caricaturización repentina de slapstick -gore, entre los protagonistas, sin olvidar de incluir el tema de las diferencias sociales que, como indiqué, ya vimos en “Hostal”, o en la misma “Purga”. También, agrega materiales sobrenaturales para justificar las acciones.

La propuesta visual está bien construida, con espacios cerrados donde predomina el rojo, obvio, y colores neutros para resaltar aquel. Las cámaras acompañan bien la persecución y las tomas generales. Con una buena banda sonora y elenco.

Cinta rápida que busca entretener; no espera más análisis en el espectador.

Atentos que en marzo de 2025, se estrena Boda Sangrienta 2.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Título original: Ready or Not
Dirección: Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett
Guion Guy Busick y R. Christopher Murphy
Música Brian Tyler
Protagonistas: Samara Weaving, Andie MacDowell, Adam Brody, Mark O'Brien, Henry Czerny, Elyse Levesque
2019. 95 minutos.

Iron Lung - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Película basada en el juego del mismo nombre, ambientada en un futuro posapocalíptico en el que un suceso conocido como “El rapto silencioso” provocó la desaparición de todas las estrellas y planetas habitables conocidos. Un convicto es enviado a investigar un océano de sangre descubierto en una luna desolada, utilizando un pequeño submarino apodado “Pulmón de Hierro”, la única esperanza que queda.

Simon -“Markiplier”-, es un convicto que debe sumergirse en el océano de sangre que cubre una luna para explorar qué hay allí. Su único refugio es un destartalado submarino, un SM-13. Está completamente encerrado y apenas mantiene contacto con la tripulación que se encuentra en la superficie. Hay algo vivo en el fondo y le piden que tome una muestra. Pero “eso” aparece y desaparece. ¿De qué se trata?

La película no avanza. La trama se siente inocua y vacía. Vemos siempre lo mismo. Tras quince minutos, seguimos en el mismo punto. Una hora después, sigue sin avanzar. Pasamos la mitad y nada; solo algunas situaciones mínimas que son amplificadas y estiradas al máximo.

La historia sigue a un solo personaje, el guionista y director Mark "Markiplier" Fischbach, quien interpreta a Simon, además de una voz, Eva -Caroline Kaplan-, que le entrega algunas indicaciones. Hay otros personajes pero apenas los vemos cuando el submarino retorna brevemente a la superficie.

“Iron Lung” es tediosa. Se da una y mil vueltas sobre sí misma y me produce la sensación de estar atrapado en la sala de cine tal como el protagonista en su cápsula. ¿Cuál es la trama? ¿Qué objetivo tiene lo que vemos? ¿Cuáles son las definiciones que moldean el argumento? ¿Qué nos quieren decir?

Reconozco la dificultad de adaptar un videojuego. Hay trabajo, inversión, recursos y creatividad. Incluso, el mismo autor del juego, David Szymanski, participa de la producción, pero se trata de lenguajes diferentes. El jugador lleva el timón, descubre zonas, supera situaciones y se sobrepone para lograr uno o varios objetivos. Las decisiones están en sus manos, en los caminos que siga. Pero en una película, los espectadores somos pasivos, no accionamos; solo vemos lo que se decide mostrar.

Dentro de la producción destacan los sonidos electrónicos de una banda sonora que aporta ambientación, una oscuridad casi permanente en el interior del submarino y un juego irregular de luces tenues que dan la idea de que en cualquier momento todo va a desaparecer.

La condena de Simon parece más una ejecución que una posibilidad real de obtener su libertad. No se entiende el objetivo final. ¿Es salvarse, o redimirse? ¿Salvar a otros, a la poca humanidad que va quedando?

“Iron Lung” probablemente la disfrutarán los fans del juego. Yo sufrí, porque no resultó ser una película de mi agrado y creo que, pese a todos los esfuerzos de su realizador, no llega a madurar ni a tomar forma. Si para entenderla es preciso conocer detalles del juego y la película no se explica a sí misma, aquello se transforma en una desventaja importante. Como acá sucede exactamente esto, la cinta naufraga en su propio mar de sangre.

Ficha técnica

Título original: Iron Lung
Año: 2026
Duración: 124 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Markiplier Studios
Género: Terror. Ciencia ficción | Futuro postapocalíptico. Submarinos. Videojuego. Cine independiente USA
Guion: Mark Fischbach, David Szymanski
Música: Andrew Hulshult
Fotografía: Philip Roy
Reparto: Mark "Markiplier" Fischbach, Carolina Kaplan, Troy Baker, Elsie Lovelock, Elle LaMont, Mick Lauer, Seán McLoughlin, Isaac McKee
Dirección: Mark Fischbach

Una batalla tras otra - Por Jackie O.

"Corre, Leo, corre"

Bob, un revolucionario fracasado, adicto y paranoico, sobrevive desconectado de la realidad con su hija, Willa. Un día, Willa desaparece y el exradical hará todo por encontrarla mientras lidia con las consecuencias de su pasado.

Bob toma una postura política radical: involucrarse con un grupo revolucionario que va contra el gobierno, provocando diferentes desmanes para levantar sus consignas, sus gritos, sus protestas. Ahí conoce a Perfidia, sexy morenaza, sin miedo y muy aventurera, revolucionaria total. Ambos destruyen lo que creen va contra sus ideales, ayudan a inmigrantes, realizan lo que sirva "de lección" al gobierno para que entiendan sus demandas sociales. Su visión de libertad y justicia. Lidian, en una batalla tras otra, cada día de sus vidas. Pero, por el otro lado está quien representa al gobierno, el Coronel Steven J. Lockjaw, quien los sigue incansablemente, pero se enamora de Perfidia. Es como un castigo, pero su vida es "la patria", amor y deber. Bob y Steven luchan contra sus ideales y el amor de una mujer.
Pasan los años, Perfidia queda embarazada y deja su hija con Bob. Debe esconderse, ella desaparece, la persiguen y la paranoia de Bob hace que deba proteger a su hija escondiéndose también. 16 años después, el coronel da con ellos y comienza la cacería nuevamente; él no descansará hasta apresar a los líderes de esa antigua organización llamada "Los 75 franceses".

La cinta es una locura, sátira social, humor negro, drama, acción, con un guión envolvente que, dentro de esa locura, habla mucho de demandas sociales. Las actuaciones son formidables. Destaco enormemente a Leonardo y Sean, que se merecen todos los premios existentes.
La dirección es grandiosa. La deuda de Paul, quien ha sido el único (hasta lo que recuerdo, corríjanme si me equivoco) que ha ganado el Bafta, León de Venecia, Oso de Oro, Cannes , y solo le falta "el Oscar" para completar los grandes premios. Sería una completa hazaña cinematográfica.

La cinematografía es grandiosa, llevándonos por diferentes parajes, exteriores e interiores, y dos épocas diferentes.
La música, a cargo de su amigo y colaborador de varias de sus películas, Jonny Greenwood, guitarrista de RadioHeard, (ganador de varios premios, incluidos el Oscar en "El poder del Perro") nos lleva en esta trepidante historia.

 
El guión no te lleva solo por batallas externas, sino que también por conflictos internos de sus partícipes a través de los años. Justicia social, estallido político, Paul no teme en poner temas contingentes sobre la mesa, y con un humor hilarante sin dejar de ser serio.

Justicia, revolución, abandono, unión, droga, familia, compañerismo, deber, y diversos temas para que vayas descubriendo mientras peleas tus propias batallas tras otras.

Dentro de lo mejor del año 2025, que es imperdible.
Con varios premios y nominaciones a su haber.

Disponible HBO y Claro TV.

Ficha técnica

Dirección y guion: Paul Thomas Anderson
Basada enVineland de Thomas Pynchon
Protagonistas: Leonardo DiCaprio, Regina Hall, Sean Penn, Benicio del Toro, Alana Haim, Teyana Taylor, Chase Infiniti, Wood Harris
160 minutos. 2025.

Sueños de trenes - Por Jackie O.

"¿Por qué y para qué estoy aquí?"

Basada en la novela corta homónima de 2011, de Denis Johnson.

La película narra la vida de Robert Grainier (Edgerton) a lo largo de 80 años, en las cercanías de Bonners Ferry, Idaho. Tras llegar a la zona en el ferrocarril Great Northern, siendo un niño huérfano, Robert abandona la escuela y pasa su juventud sin rumbo ni propósito, hasta que conoce a Gladys Olding (Jones)

Conocemos la historia de Robert. Una voz en off nos narra, desde la infancia hasta la vejez, su vida sacrificada, feliz, triste, solitaria, con esperanza y desesperanza.

Robert trabaja en la construcción de rieles para trenes, un trabajo sacrificado; cortar árboles con hachas es duro, y ver la discriminación hacia los inmigrantes es brutal. Él prefería mantenerse al margen, su carácter era pasivo, solo quería vivir en paz. Hasta que conoce a Gladys. Ella se acerca y le habla. Robert no habría hecho nada por sí solo. Su acercamiento los hizo inseparables, fueron uno solo. Vivieron la tranquilidad, el amor y las carencias, lo que lo obligó a buscar trabajos lejos, alejándose largamente de su amada familia. Hasta que un día llegó y ya no había nada.

 
La miseria lo abordó, la soledad ya no fue agradable. Era tormentosa, escuchaba el susurros de sus amadas en el bosque, las sentía cerca. Creía que se volvía loco, pero no, tuvo que aceptar su soledad.
Ya su barba era gris, sus recuerdos no se desvanecían; estaba solo, debía seguir adelante o morir.
Durante su vida conoció a muchas personas buenas y malas, muchos recuerdos.
Un hombre callado, que se conectó al final con un todo.

Estamos ante una cinta pausada, de reflexión, sobre la vida de un sujeto simple.
Las actuaciones son buenas, tanto de principales como secundarios. Joel Edgerton, nos conmueve. Su pasividad, timidez, humildad la sabe llevar, pero su soledad y dolor la sentimos. Gran actor.

La puesta en escena está bien lograda. Un bosque de esperanza que se transforma con esa misma belleza, en dolor. Bella fotografía, que se supo captar la luz natural del verde del bosque y el azul del cielo. Vestuario y maquillaje bien.

Un guión adaptado correcto, sabe involucrarnos. La dirección está muy bien ejecutada, ya que nos lleva a la soledad, a la alegría, y cómo sobrellevar una miseria interna sin caer en la ruindad.

Si buscas acción y adrenalina, acá no la encontrarás. Solo es reflexión y sobrellevar una pena. Es un western sin tiroteos. Su ritmo pausado nos sumerge en la introspección de una vida, sin ser empalagosa.

De cómo el paso del tiempo, a todos nos traer alegría y dolor. Porque todos tenemos algo que contar. Todos tenemos sueños, pero no debemos olvidar saber disfrutar el presente.

Dentro de lo mejor del año 2025.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Train Dreams
102 minutos Año 2025.
Dirección: Clint Bentley
Música: Bryce Dessner
Fotografía: Adolpho Veloso
Narrador: Will Patton
Protagonistas: Joel Edgerton, Felicity Jones, Clifton Collins Jr., Kerry Condon, William H. Macy

El Guardián - Por Carlos Correa Acuña

Un hombre solitario habita una isla frente a la costa de Escocia. Un faro abandonado y su fiel perro son su única compañía. No es un náufrago. Vive allí con lo mínimo, juega ajedrez, escucha el informe radial del tiempo y bebe. Una vez a la semana recibe provisiones, lo que resulta suficiente para una existencia que lleva años y que parece perpetuarse en el tiempo.

Hasta que llega una tormenta, y la joven que le entrega provisiones sufre un accidente. Mason -Jason Statham- la rescata, la cuida, y abandona su aislamiento para ir a la ciudad a buscar medicamentos. Y… ¡Click! Un sistema de cámaras de vigilancia dispuestas por doquier en el área urbana alerta su presencia. Desde ese momento, los hechos se desencadenan vertiginosamente, porque Mason -un ex Black Kites de la fuerza de élite del MI6- arrastra varias cuentas pendientes.

Ric Roman Waugh dirige un guion de Ward Parry en una cinta bastante clásica de Jason Statham -quien, además, es productor ejecutivo-, que agrega algunos elementos interesantes.

Primero, la introducción es hermosa, con bellos paisajes y un relato que entrega muy pocos antecedentes acerca de la historia. Las piezas están ocultas y se mantienen así por bastante tiempo.

Segundo, la trama. Aunque sencilla, es más elaborada de lo habitual para películas de este género. Se nota preocupación por no mostrar solo acción, que siempre es el recurso más buscado y seguro en este tipo de casos. Ayuda mucho a lograr este objetivo la actuación de Bill Nighy, como el superior del MI6, aportando un rol que le viene como anillo al dedo.

En tercer lugar, la frescura de Bodhi Rae Breathnach para encarnar a la joven, entrega aire renovado. No se tata de un interés amoroso, como en otras películas de Statham, sino que ahora se trata de la necesidad de proteger y resguardar, un instinto paternal que emerge desde el interior profundo de su personaje.

Como cuarto y último punto, adquiere relieve la banda sonora a cargo de David Buckley. Con una composición que por momentos rememora algunos motivos de la música de Krzysztof Penderecki, la partitura juega con diferentes registros, acompaña la acción y prepara el desarrollo de cada una de las secciones de manera muy adecuada.

Entre enredos políticos, programas secretos e intrigas, Jason Statham se las arregla para volver siempre a su terreno más conocido: los enfrentamientos y la lucha cuerpo a cuerpo. La acción, las peleas y el cruce de balas son parte de todo eso, pero esta vez en dosis algo más calculadas, tal vez contenidas, porque la película deja espacio para los sentimientos y la incipiente construcción de una relación padre-hija.

“Shelter”, su título original, aunque pierde algo de fuerza antes de su final vibrante, fluye sin mayores inconvenientes. Statham, intratable e incombustible, sigue diciendo presente, y esta nueva aventura deja un leve sabor a “continuará…” Si se da o no, dependerá de la taquilla, que ya no solo se enfoca en las salas de cine, sino que, incluso, podría pesar más su posterior distribución en streaming. Veremos.

Ficha técnica

Título original: Shelter
Año: 2026
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Black Bear International, RVK Studios, CineMachine Media Works, Punch Palace Productions, Stampede Ventures. Distribuidora: Black Bear International
Género: Acción. Thriller | Supervivencia
Guion: Ward Parry
Música: David Buckley
Fotografía: Martin Ahlgren
Reparto: Jason Statham, Bodhi Rae Breathnach, Naomi Ackie, Daniel Mays, Harriet Walter, Bill Nighy
Dirección: Ric Roman Waugh

Frankenstein - Por Carlos Correa Acuña

Una expedición, con rumbo al Polo Norte, descubre a Victor Frankenstein gravemente herido. Es el preludio, pues al subirlo a bordo, la tripulación es atacada por una criatura que exige su entrega. No hay manera de hacerle frente y solo consiguen una tregua cuando el capitán logra hundirlo al quebrar el hielo que rodea el barco.

Víctor -Oscar Isaac- agoniza. Aún así le cuenta al capitán su historia, desde su compleja y estricta niñez, hasta los avanzados estudios que lo convirtieron en un brillante cirujano, obsesionado con "curar" la muerte mediante la ciencia. Fruto de sus experimentos, fue capaz de crear un ser con partes de cadáveres y es ese ser quien ahora lo persigue. Cuando la criatura logra salir del agua se hace presente para contar la historia, pero ahora desde su propio punto de vista. Dos perspectivas que desembocarán en un final inesperado.

La versión que Guillermo del Toro hace del libro de Mary Shelley contiene indudablemente su sello. La narración, en primera persona, el color y, fundamentalmente, la estética, son elementos que el director maneja a la perfección. Ingresamos en su mundo, nos sumergimos en un ambiente donde la realidad se confunde con una imaginación que nos invita a soltar y dejarnos llevar. Las referencias al “El laberinto del fauno”, y principalmente a “La forma del agua”, surgen al instante. Y no es que el realizador repita la fórmula, sino que es parte de su esencia, un estilo que lo ha distinguido desde hace ya muchos años.

El relato resulta muy claro en este trabajo. Contar la historia de forma secuencial y desde las dos principales visiones (creador, creado) nos permite seguir de forma didáctica el desarrollo de los hechos. De esa forma, al momento de la recapitulación y cierre, nada resulta ajeno. Ya tenemos todos los elementos y podemos concentrarnos en lo principal: la relación entre Víctor y su criatura; la responsabilidad moral y los sentimientos de culpa del creador, por una parte, y el largo camino de marginación y aprendizaje de un ser que necesita confrontar a quien le dio vida.

Muchos temas están presentes en esta particular visión de Guillermo del Toro. En la primera parte, vemos la educación estricta impuesta por un padre autoritario, algo que condiciona a Víctor desde pequeño. Por otro lado, la ambición de jugar a ser “Dios”, resulta extremadamente peligrosa, sobre todo cuando las cosas se salen de control y, con dinero ilimitado, Henrich Harlander -Christoph Waltz- amenaza con apropiarse del experimento. En la segunda parte, ingresamos en otra dinámica. Los temas cambian. Ahora se trata de lo que sucede con la criatura, la vida familiar y cercana que llega a conocer, y del aprendizaje desde lo más sencillo e importante: el cariño, la amistad y el amor.

Como ya es habitual en los trabajos de Guillermo del Toro, Alexandre Desplat es el encargado de la banda sonora, una composición rica en matices y que, además, logra plasmar en células musicales, muchos de los elementos visuales que del Toro presenta en pantalla. La diferencia de estilo entre la primera y la segunda parte resulta muy marcada y aquello prepara sutilmente el expresivo lirismo que acompañará las secuencias finales de la cinta.

Desde el punto de vista de las actuaciones, Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth y Christoph Waltz, se muestran sólidos en sus roles. Isaac algo contenido y Elordi con mayor expresividad, conforman una dupla que armoniza muy bien los puntos fuertes y las vulnerabilidades de sus personajes. Por otra parte, Mia Goth entrega emoción al personaje femenino que logra generar empatía especialmente con la criatura, mientras Christoph Waltz transmite precisión y carácter al ambicioso financista.

En resumen, “Frankenstein”, producida, escrita y dirigida por Guillermo del Toro, es una película estéticamente preciosa, ágil en su narrativa y profunda en sus sentimientos. Retomar el mito, darle nueva forma y nuevos bríos conlleva un mérito notable, coronando años de esfuerzo de un gran director que explícitamente ha declarado que este siempre fue el sueño de toda su vida. Pues bien, desde este momento, se ha transformado en realidad.

Ficha técnica

Título original: Frankenstein
Año: 2025
Duración: 149 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-México; Double Dare You, Demilo Films, Bluegrass Films. Distribuidora: Netflix
Género: Fantástico. Ciencia ficción. Terror. Drama | Siglo XIX. Monstruos
Guion: Guillermo del Toro. Libro: Mary Shelley. Historia: Guillermo del Toro
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Dan Laustsen
Reparto: Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth, Christoph Waltz
Dirección: Guillermo del Toro

La Novia - Por Jackie O.

“Ya no es un símbolo silencioso”

La película se inspira en la película de James Whale de 1935, "La novia de Frankenstein", adaptada a su vez de la novela "Frankenstein" de Mary Shelley, o "El Prometeo moderno" (1818).

El comienzo de la cinta puede ser algo desconcertante, y eso juega a favor y en contra a la vez, pero paciencia.

Tenemos una mirada diferente de una historia y época, una reinvención de su directora de un ser y un mundo fantástico. Desde las entrañas de una supuesta subconciencia de Shelley, un Chicago de los años 30, donde ella ya no será una secundaria, no es solo una creación. Ahora quiere ser un ser con identidad propia. Es Mary, es Ida, es Penélope… tres nombres, un cuerpo, un sueño o una realidad.

Frankenstein va donde la doctora Euphoronius porque la soledad lo consume. Lleva vagando por años y ya no aguanta más, necesita una compañera. La doctora a regañadientes lo ayuda y de un cuerpo, hace poco enterrado, aparece ella, una nueva mujer, pero que mantiene una conciencia confundida por una personalidad presente y una pasada. Es rebelde, astuta,y frágil a la vez, donde nace un extraño y revoltoso romance entre ambos que no pasa desapercibido. Es ahí donde aparecen en escena dos detectives que van tras sus pasos caóticos, ya que dejan muchas huellas sangrientas imposibles de no ver.

En 1935, la novia apareció por primera vez en la pantalla,y por solo apenas unos minutos, pero eso fue suficiente para quedarse como ícono de la cinematografía. Fue creada como acompañante sin personalidad, solo un cuerpo. Pero ahora, su creadora, la directora, le da voz y aunque la ambienta casi cién años atrás, le da un toque muy contemporáneo, con consignas sociales fuertes.

Pero sigue la esencia de la historia de monstruos que buscan un lugar en el mundo.

Su narrativa puede confundir. Se pierde a veces en el fondo de lo que quiere contar. Su guion no es tan fuerte manteniendo subtramas poco desarrolladas, pero su puesta en escena es cautivadora, extravagante, desenfrenada, con guiños a otras películas bien intercaladas, con géneros y subgéneros de todo tipo como gótico, gánster, terror, drama, cómic, etc. Y a pesar de tener algunos bailes, no es un musical; tiene una buena banda sonora y actuaciones impecables. Peinado y maquillajes excelentes, ya que presenta una nueva propuesta, con buenos encuadres y gran fotografía.

Pero al final de todo, ¿quién es La Novia? Una historia de identidad, voz feminista que grita por sus derechos, de autonomía, ya que no solo está para satisfacer a un compañero sino para satisfacer sus propios impulsos. Pero al fin y al cabo, el personaje se termina comiendo al símbolo que representa.

Una película que dará mucho que hablar en los futuros festivales. Interesante propuesta.

Ficha técnica

The Bride!
Dirección y guion: Maggie Gyllenhaal
Música Hildur Guðnadóttir
Fotografía Lawrence Sher
Protagonistas Christian Bale, Jessie Buckley, Peter Sarsgaard, Annette Bening, Penélope Cruz, Jake Gyllenhaal

El Guardián: último Refugio - Por Juan Pablo Donoso

Nueva epopeya de acción y violencia protagonizada por el anti-héroe británico Jason Statham (Rápidos y Furiosos, Blitz). Pero esta vez enriquecida por la presencia de la joven actriz Bodhi Rae Breathnach (Suzanne en Hamnet - 2025).

En una isla remota, donde Michael Mason (J, Statham), un ex -soldado prófugo vive oculto en un faro solitario, rescata a una niña en medio de una feroz tormenta marina. Esto desencadena una persecución gubernamental que lo obliga a abandonar su refugio y enfrentar enemigos del pasado. Él y la niña deberán sobrevivir en una persecución internacionalmente peligrosa.

Se repite el recurso de El Perfecto Asesino (Luc Besson - 1994) donde un implacable asesino (Jean Reno) protege a una inocente Natalie Portman de 12 años, incorporando a su vida el elemento redentor de la ternura paterna.

Aquí también le dieron una compañera infantil. Alguien a quien cuidar, querer y con quien dialogar, en lugar de simplemente ser una máquina asesina durante 107 minutos.

Es un paria fugitivo, lo persigue la Fuerza Armada Secreta del gobierno británico por haberle perdonado la vida a un terrorista musulmán llamado Kamal. Y como paradoja, será ese mismo terrorista quien salve la vida de la niña huérfana acogida por Mason.

El organismo secreto británico, encabezado por el enjuto y flemático actor Bill Nighy (Cuestión de Tiempo - 2013) ordena la ejecución inclemente de Mason. Pero como Stratham es un guerrero invencible se defenderá con sus ya conocidos poderes marciales.

Los antagonistas están representados por Nighy y un tenaz asesino gubernamental ferozmente entrenado. Las peleas con él son tensas y bien coreografiadas. Ni siquiera dialoga con Statham, solo combaten a muerte.

La música incidental, inquietante en sus pulsos, esconde con inteligencia las concesiones inverosímiles que traen casi siempre estos filmes de acción y matanzas. Sin ella la gesta perdería un tercio de su tensión.

El factor vulnerable y humanitario lo aporta la niña Jessie.

Statham pertenece a la línea de anti-héroes “feos” como Danny Trejos (Machete) y del legendario Charles Bronson, entre otros.

Aunque predecible aporta algunos ángulos novedosos.

Cuando termina nos sugieren que aquella relación de amor paternal “continuará” en una próxima película.

ACCIÓN, VIOLENCIA Y TERNURA GARANTIZADAS POR UNA PROLIJA REALIZACIÓN (USD 50,000.000 ), Y POR EL CARISMA DE UNA NUEVA ACTRIZ INFANTIL.

Ficha técnica

Título Original: Shelter - 2026 Espionaje, acción EE.UU., Reino Unido, Canadá - 1,47 hrs. 

Fotografía: Martin Ahlgren 

Edición: Matthew Newman 

Música: David Buckley 

Diseño Prod.: Tim Blake Guion: Ward Parry 

Actores: Jason Statham, Bodhi Rae Breathnach, Bill Nighy 

Director: Ric Roman Waugh

Iron Lung - Por Juan Pablo Donoso

Agotadora, eterna y claustrofóbica tortura de un convicto que va enloqueciendo en el interior de un submarino llamado Pulmón de Hierro (Iron Lung).

Versión cinematográfica de un video-juego homónimo.

Cuando todas las estrellas y planetas del universo han desaparecido en un Fin Silencioso, nuestro único protagonista Simón se sumerge en el océano de pura sangre de una última luna en busca de un monstruo desconocido.

Desafortunadamente, a la película le cuesta construir su historia, mantener el ritmo y, en última instancia, resulta demasiado repetitiva.

Un esfuerzo valiente que, por cansancio, falla en mantener nuestro interés y atención.

Una cosa es un video-juego, donde al jugador se le dan múltiples opciones de movimiento y solución, y otra es un filme completo - solo basado en un juego - donde el protagonista tiene el destino prefijado, y solo le resta someterse a cumplirlo. Por lo tanto, en este filme nadie está jugando. El guion ya está escrito y determinado.

Es por ello que - desde los tiempos de la Poética de Aristóteles - al abordar un guion dramático, debe someterse a las leyes universales de la dramaturgia. Ya desde ahí podría experimentar con variables novedosas o reveladoras - pero teniendo en cuenta la inteligencia y sensibilidad del espectador (¡incluyendo las narrativas del “absurdo”, cuando se plantean en el ámbito del arte dramático).

Aquí - lo que más nos intrigó fue preguntarnos: ¿QUÉ NOS QUISIERON DECIR CON ESTA TRAGEDIA? Y la respuesta es NADA, ya que se trata de un video- juego aleatorio, completamente ajeno en su naturaleza a un discurso dramático unitario, concebido previamente de comienzo a fin.

Es por ello que solo admiramos la prolijidad de detalles del rodaje - del presupuesto conseguido para este fin - y la paciencia del grueso público para aguantar esta pesadilla hasta el final… que para peor, niega toda esperanza de salvación.

En síntesis, un placer sado-masoquista - lleno de parafernalias, sin más objetivo que aplicar tecnología de punta, y lucir a su guionista, editor, único actor y director Mark Fischbach.

IDEAL PARA LOS QUE DISFRUTAN SUFRIENDO Y PASANDO UN MAL RATO EN EL CINE.

Ficha técnica

2026 - Ciencia ficción, horror corporal EE.UU. 2,07 hrs. 

Fotografía: Philip Roy 

Edición: Mark Fischbach, Marc Schneider 

Música: Andrew Hulshult 

Diseño Prod.: Iman Cormani 

Guion: Mark Fischbach, David Szymanski (video-juego) 

Actores: Mark Fischbach, Carolina Kaplan, Troy Baker (voces) 

Director: Mark Fischbach

El Agente Secreto - Por Carlos Correa Acuña

Tal vez sea bueno saber poco de esta película antes de verla para entenderla mejor. Parece contradictorio, pero quizá podría ser parte del aura que el guionista y director Kleber Mendonça Filho imprime a este trabajo. Por eso, intentaré mencionar algunos puntos clave de la historia y luego trataré de descubrir las características que hacen de “El Agente Secreto” una cinta especial y el porqué de su nominación al Óscar como mejor película.

Sobre la historia, muy breve. Marcelo -Wagner Moura-, está en tránsito. Su destino es Recife y estamos en el año 1977. La escena inicial nos da el contexto en solo cinco minutos. En una gasolinera, prácticamente desierta, en medio de la nada, yace un hombre muerto en pleno carnaval brasileño. El protagonista debe cargar bencina, no tiene otra opción. Llega la policía, pero no a encargarse del cuerpo. ¿A qué van entonces? Marcelo, del que no sabemos nada, ni su origen ni su rumbo, queda a merced de lo que ocurra. ¿Escapa de algo, de alguien? ¿Está en peligro? ¿Quién es este personaje?

Lo anterior solo fue una introducción, pues la película se descompone en tres partes. La primera, “La pesadilla del chico”, la segunda “Instituto de Identificación”, y la última, “Transfusión de Sangre”. Desde un primer momento, sentimos que estamos en una mesa y nos tiran piezas de un rompecabezas por los cuatro costados. Vemos llegar a Marcelo a un lugar de acogida, y seguimos sin saber quién es y qué hace allí. Luego lo vemos incorporarse al trabajo de una oficina que maneja registros de personas, algo así como nuestro Registro Civil, e interactuar brevemente con sus suegros y su pequeño hijo.

La cinta sigue, y en paralelo se desarrolla otra historia, de un par de asesinos contratados por un hombre poderoso. Surgen algunas pistas, se abren más aristas. En una hora de metraje, la apertura de temas y personas es enorme. Las piezas siguen dispersas pero ya comenzamos a ver puntos de encaje, manteniendo el misterio, el suspenso y un estado de alerta permanente.

En la parte central comenzamos a encajar las piezas y vaya cómo calzan. Descubrimos al protagonista mediante una entrevista, accedemos a parte de su pasado, comprendemos algunos de sus temores y visualizamos las amenazas que se ciernen sobre él. La cinta sigue avanzando, lenta y sostenidamente, hacia un tercio final que resulta vibrante en intensidad activa y emocional.

Como cuesta desprenderse de la trama al escribir, la dejaré descansar para mencionar a algunos de los personajes que encontramos en el recorrido. Doña Sebastiana, la encargada de la casa de acogida; Euclides, el jefe de policía; Alexandre, el suegro de Marcelo; y Ghirotti, el oscuro y poderoso controlador en las sombras. Hay muchos más como Elza, Fátima, Hans y Claudia, pero profundizar en todos ellos significaría describir su papel y participación en la historia con mucho más detalle.

¿Qué es lo especial que tiene esta cinta?

Primero, la narración. En un estilo particular, el director no devela nunca todas las cartas. A través de situaciones y personajes secundarios muy bien compuestos, nos va sumergiendo en la época, en esos años finales de la dictadura en Brasil. La opresión se siente y la inseguridad cotidiana se vive; la sociedad, rota internamente, trata de salir adelante, a veces sin mirar hacia el lado. La desconfianza es total. Cada paso debe darse con cuidado, ya que cada esquina puede representar un peligro mortal.

En segundo término, la estética elegida para la filmación tiñe muy bien cada escena. Parece todo muy real, incluso cuando la temporalidad juega un papel fundamental en el engranaje argumental.

En tercer lugar, el ritmo que mantiene el metraje es siempre persistente. Se trata de una película larga, de más de dos horas y media, pero que logra avanzar sin valles intermedios que amenacen la tensión.

Finalmente, sobresale un gran sentido de humanidad. En la adversidad es cuando se conoce la realidad. Afloran allí los mejores sentimientos: esa fraternidad, ese cariño y esa preocupación visible en los pequeños gestos, esas miradas cómplices, esos abrazos furtivos y esas conversaciones breves e intensas que se guardan para siempre.

“El Agente Secreto”, seleccionada por Brasil para competir en los premios Óscar, se separa de su categoría de película internacional para integrar la lista de las principales cintas en competencia. Y lo hace por méritos propios, por ser una cinta diferente sobre un tema del que hemos visto muchas versiones y porque se trata de un trabajo íntimo, en el que se expresa con gestos e imágenes mucho más de lo que se logra decir con palabras. Esa dinámica de tensión social permanente está muy bien representada por todo el elenco, y su protagonista, Wagner Moura, destaca por su capacidad de transmitir emociones sin necesidad de grandes esfuerzos, de manera natural, construyendo un personaje del que costará desprenderse.

Un viaje de 158 minutos, a veces desgarrador, a veces jocoso, con anécdotas y mitos, con personajes entrañables y otros cuestionables. Un viaje profundo al interior de un tiempo de represión, no solo dictatorial sino también en otros ámbitos sociales, donde el poder, el dinero y la corrupción abundan y afectan lo más sagrado del ser humano.

Ficha técnica

Título original: O Agente Secreto
Año: 2025
Duración: 158 minutos
País: Brasil
Compañías: Coproducción Brasil-Francia-Alemania-Países Bajos (Holanda); CinemaScópio Produções, Itapoan, MK2 Films, Lemming Film, ONE TWO Films, arte France Cinéma
Género: Thriller. Drama. Intriga | Años 70. Dictadura militar de Brasil. Política. Paternidad
Guion: Kleber Mendonça Filho
Música: Mateus Alves, Tomaz Alves de Souza
Fotografía: Evgenia Alexandrova
Reparto: Wagner Moura, Carlos Francisco, Tânia Maria, Robério Diógenes, Alice Carvalho, Gabriel Leone, Maria Fernanda Cândido, Udo Kier
Dirección: Kleber Mendonça Filho

Revista People Investiga: crimen y moda - Por Jackie O.

"El peso de la fama"

Esta serie explora los perfiles y las historias únicas, donde se encuentran el glamour con los impulsos humanos más oscuros.

Tres historias, tres capítulos sobre conocidos en la industrias de la moda.

Capítulo Uno: El asesinato de Maurizio Gucci.
La marca reconocida mundialmente es signo de elegancia y status; un hombre convirtió este imperio y pasó de legado en legado hasta que Maurizio se hizo cargo. Su esposa ambicionó más y se separaron. Muchos deben saber la historia con la película "Gucci" que, aunque con varios desaciertos, igual nos guía en su desenlace: la muerte.
Se entrevista a quienes estaban cerca de Maurizio, inclusive a Patrizia Reggiani, la misma viuda negra.
Tenemos la ambición desmedida por el dinero que arrastra a las persona a demostrar lo peor de su ser.

Capítulo dos: Asesinato de Linda Sobek.
Ser bello para muchos es una bendición, pues les abre muchas puertas. Avanzan, ya que son vistos, mantienen la atención y las oportunidades se extienden.
Linda Sobek nació hermosa y se convirtió en modelo, su agenda estaba llena de trabajo, su carisma era envolvente. Muy querida por todos, aunque sus relaciones amorosas no eran de lo mejor, ella avanzaba. Hasta que conoció al fotógrafo Charles Rathbun, era un nuevo trabajo y ella confió en él. Pero su salvajismo embobado por esta bella mujer, a quien deseaba, lo enloqueció y la eliminó cruelmente.
El deseo desmedido por poseer a otra persona lleva al ser humano a convertirse en un salvaje.

Capitulo Tres: El asesinato de Gianni Versace.
Otra marca de lujo, otro nombre sobresaliente. Dos hermanos crearon este imperio de la moda. Lujo, belleza, dinero.
Existe una miniserie del año 2016, muy buena, que nos acerca a lo que fue este asesinato, con actuaciones notables y muchos premios a su haber.
Un hombre desconocido, homosexual reprimido, pobre, sin educación ni oportunidades, buscaba encajar en el mundo de la opulencia, y Gianni estaba ahí, ¿en el lugar y momento equivocado ? Quién sabe. Pero su vida se fue en segundos, un día soleado.
Nadie tiene comprada la vida, nadie sabe quién terminará contigo. Nadie sabe la existencia de personas que envidien tu éxito.

Tres historias sobre belleza, dinero y poder. Talentos muertos en manos de terceros inescrupulosos, asesinos que solo querían poseer lo que sus víctimas tenían, a la fuerza.

Se entrevistan a diferentes familiares, amigos y profesionales de diversas áreas. También hay pequeñas recreaciones que aportan para contarnos la historia, una historia de personas que triunfaron y que, personas perturbadas, les arrebataron la vida.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

People Magazine Investigates: Crimes of Fashion
1h 30 min. 2024
Director: Stuart Gillard
Géneros: Documental, Crimen, Drama, Película biográfica, Policial

¡La Novia! - Por Carlos Correa Acuña

Chicago, años 30. Frankenstein recurre a la Dra. Euphronius pues ya no puede más con su soledad. Necesita compañía. En realidad desea una compañera, una relación para dejar de sentirse excluido, tener una razón de vida y, finalmente, ser querido. La oportunidad que se presenta es de oro. Una mujer recién asesinada es devuelta a la vida y pasa a ser “la novia”, como vimos hace muchísimos años en “La novia de Frankenstein".

La introducción es potente. Un blanco y negro que retrata a la autora de la novela original, Mary Shelley -encerrada en el cuerpo de Ida, interpretada por Jessie Buckley, en una lucha entre posesión y libertad-, da paso al asesinato que inicia la historia.

Frankenstein -Christian Bale-, deambula, perdido, pero con un objetivo claro. Es por ello que cuando la Dra. Euphronius -Annette Bening- lo acoge y se abre a su requerimiento, algo se modifica en él. Desde la recuperación del cuerpo hasta el incidente que los pone en primera línea, la cinta luego pasa de Chicago a Nueva York, después a las Cataratas del Niágara, para finalmente regresar al interior de Estados Unidos. Las aventuras de la pareja, con marcadas referencias a “Bonnie and Clyde”, se suceden sin pausa en una espiral ascendente que pareciera no tener fin.

Maggie Gyllenhaal dirige este filme escrito por ella misma. Destacan sus cámaras, con movimientos bruscos y también sutiles, filmando planos muy cerrados y cercanos, que no se separan y entregan urgencia a cada toma. El manejo de la luz y los ángulos elegidos crean un ambiente ideal para contar la historia, porque estamos allí, en medio de los protagonistas, insertos en su espacio y cohabitando su mundo.

¡Qué decir del maquillaje! Espléndido, totalmente necesario y justificado, ya que es capaz de crear una estética que es aprovechada a cada momento por los protagonistas. Este aspecto, que funciona casi como un personaje más, se combina con unas coreografías muy bien desarrolladas en las que destaca el hermano de la directora, Jake Gyllenhaal, interpretando a un famoso actor de cine, bailarín y cantante, del que Frank es su mayor fan.

El tratamiento escénico también resulta muy entretenido. El hecho de que el cine funcione como terapia para Frankenstein, alcanza su punto más alto cuando aparecen intercambios de roles, entre sueños y realidad, lo que aporta una gota de glamour a un metraje vivaz y de ritmo trepidante.

En cuanto a las actuaciones, hace muy poco hemos visto el peso dramático de Jessie Buckley en “Hamnet”. En esta cinta se mueve con soltura en otro extremo, mucho más cercano a personajes complejos de múltiples personalidades, dando cuenta de una cantidad de recursos expresivos notables, aunque también un poco abrumadores, siempre al servicio de la narración. Christian Bale, por su parte, construye un Frankenstein diferente, más contenido y tal vez más íntimo, siempre burdo, pero con un corazón que busca complemento. La presencia de Peter Sarsgaard y Penélope Cruz, como los detectives que siguen a la pareja, completa un elenco fuerte y bien aprovechado, que aporta matices y profundidad a una película que fluye sin inconvenientes.

“The Bride!” es una buena sorpresa en la cartelera. Entretenida de comienzo a fin, presenta una variante interesante y retoma una trama que tal vez aún tiene cosas que decir, porque Frankenstein perdura hasta nuestros días como uno de los grandes íconos del cine de terror fantástico.

Ficha técnica

Título original: The Bride!
Año: 2026
Duración: 126 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Terror. Fantástico. Drama | Remake. Años 30
Guion: Maggie Gyllenhaal. Personajes: Mary Shelley
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Lawrence Sher
Reparto: Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Annette Bening, Jake Gyllenhaal, Penélope Cruz
Dirección: Maggie Gyllenhaal