El Bufón 2 - Por Juan Pablo Donoso

Aunque superior a la primera, quedó igual de efectista e insustancial.

Un proyecto independiente de bajo presupuesto. Típico de la mayoría de las segundas partes.

El original era un “slasher” sanguinario, básico y poco novedoso.

El problema con aquella es que todos sus personajes eran desagradables. A pesar del horror aquí logran mitigarlos, hacerlos algo más amigables.

Mantiene el ritmo, los golpes inesperados y la tensión constante que los fans del género esperan. Pero igual, casi todo carece de motivaciones.

La trama es endeble, vamos de asesinato en asesinato con poquísimo desarrollo de personajes.

En la noche de Halloween, una joven ilusionista sufre su prueba más letal cuando cruza su camino con El Bufón (Michael Shefield), un mimo asesino que convierte trucos y juegos en trampas mortales. Cada ilusión es un engaño, cada escape una mentira. Para sobrevivir, deberá usar su ingenio y habilidades antes de que el espectáculo termine… y el telón caiga para siempre.

El personaje original del Bufón nació en cortometrajes virales con más de 30 millones de reproducciones

El problema es que parece incapaz de comprometerse plenamente con la brutalidad que un grand-guiñol como este requiere. Para los estándares actuales, se siente casi gentil en su tratamiento del terror y el crimen.

Presenta a una joven que intenta convertirse en maga, una idea interesante en principio. Max, interpretada por Kaitlyn Trentham (El Descenso de un Soldado), cumple su función, aunque poco verosímil como una joven de quince años aspirante a eximia ilusionista.

Ahora el Bufón tiene voz, algo menos convincente, ya que su presencia silenciosa en la primera película hacía que sus crímenes fueran más inexplicables y despiadados.

Esta anécdota parece provenir de otra masacre anterior, que explicaría el origen del Bufón. Mas, como aquí los guionistas le dan poca importancia, la motivación cae en un saco roto.

A quienes les baste el terror de bajo presupuesto, con actuaciones cuestionables, y una producción irregular, aquí lo hallarán.

SERÍA OCIOSO PEDIR LÓGICA. SÓLO IMPORTA SEGUIR ADELANTE CON EL SADISMO GRATUITO … PERO ÁGIL, Y MUY BIEN EDITADO.

Ficha técnica

The Jester 2

2026 Crímenes, terror, ilusionismo EE.UU. - 1,27 hrs. 

Fotografía: Kevin Duggin 

Diseño Prod.: Chelsea Turner 

Actores: Kaitlyn Trentham. Michael Sfeffield, Jessica Ambuehl 

Guionista, editor y director: Colin Krawchuk

CHaO: La Sirena - Por Juan Pablo Donoso

Animación japonesa alegre, novedosa y exuberante en sus imágenes.

Creada durante siete años por el aclamado STUDIO4°C y el veterano animador Yasuhiro Aoki, mezcla humor, peripecias y estética desbordante.

La historia central es simple y clara. El barroquismo lo aportan los dibujos deformados, los fondos pletóricos de colores y pequeños detalles, pero, muy en especial, llama la atención la enorme cantidad de personajes secundarios cuya injerencia en la historia resulta, por decir lo menos, intrigante y casi innecesaria.

Ambientada en un mundo futurista donde humanos y tritones (sirenas(os)) coexisten, por razones comerciales la princesa Chao debe comprometerse con el ingeniero humano Stephen.

A Tritón se le representa con la parte superior del cuerpo de un hombre y la parte inferior del cuerpo de un pez - el equivalente masculino de las sirenas - como el Kulullû (‘hombre-pez’) de la mitología babilónica. En algún momento durante la era griega y romana, tritón se convirtió en un término genérico para un hombre-pez en el arte y la literatura.

Stephen es el ingenuo oficinista de una gran empresa. Su rutina se ve alterada cuando la princesa sirena ChaO se enamora y le propone matrimonio inesperadamente.

En materias de provecho económico capitalista, cualquier vínculo será válido. Y eso lo decide, gesta y estimula el obeso Presidente de la industria.

Un romance por conveniencia - extraño y pintoresco - comenzará a forjarse con dificultades.

Cuento poco convencional sobre la coexistencia y equilibrio entre el amor, la zoología mitológica y la carrera profesional.

Visualmente espectacular y con un estilo enérgico surge como una voz distinta en el animé japonés. Energía desbordada pero precisa. Espléndida animación.

Lo único que genera dudas, son algunas partes que se sienten inconexas, como aleatorias o sacadas de la nada, tal vez poco desarrolladas.

Juguetona, algo obvia, denuncia la pugna entre el capitalismo y el ecologismo sin tomar el tema demasiado en serio.

ANIMACIÓN GIGANTESCA, GRACIOSA, POCO CONVENCIONAL, CON UN TIERNO TRASFONDO.

Ficha técnica

Título Original: チャオ：人魚

2025 Animación, fantasía, romance Japón - 1,30 hrs. 

Fotografía: Takanori Nakashima 

Edición: Kengo Shigemura 

Música: Takatsugu Muramatsu 

Dir. de Arte.: Hiroshi Takiguchi 

Guion: Hanasaki Kino 

Voces: Hiromi Kawakami, Kenta Miyake, Taro Nikuguso - Ouji Suzuka, Anna Yamada 

Director: Yasuhiro Aoki

Premios

Festival de Sitges 2025: Nominada a Mejor largometraje de animación. Festival de Annecy 2025: Premio especial del jurado. 58° Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Cristal: Mejor largometraje - ganadora - Premio especial del jurado.

Habitación 207 - Por Jackie O.

"Luna sangrienta"

La historia transcurre en 1968, en un hotel cuyo dueño insiste en conservar la habitación 207 a pesar de los horrores y terrores que la asolaban. Muchos entraron en la habitación 207, pero solo unos pocos lograron escapar, llevándose consigo recuerdos de lo ocurrido entre sus paredes, recuerdos que ni siquiera se atrevieron a revelar a nadie. El protagonista, Gamal El Sawaf, ignoró las advertencias y desestimó lo que la habitación le deparaba, por lo que no permaneció en su puesto y entró en la habitación, dando un vuelco a su vida; comenzó a desvelar sus secretos, y luego los de su propia vida y su pasado. Con cada revelación, tuvo que pagar un precio.

¿Qué tiene esa habitación? ¿Por qué quienes pasan por ahí mueren o enloquecen ? ¿Por qué su dueño no la clausura sabiendo de sus horrores?
Esta y más preguntas nos haremos a medida que pasan los capítulos.

Gamal postula como recepcionista en el "Hotel Luna". Quiere rehacer su vida, habla tres idiomas, buena apariencia y buen trato. Queda en el trabajo y mantiene muy buena relación con sus compañeros, en especial con la nueva recepcionista, Sarah. El segundo al mando le dice que no debe ofrecer la habitación 207, pero no decirle al dueño.
Gamal comienza a indagar qué oculta esa habitación, porque cada persona que se queda ahí muere o enloquece. El dueño del hotel lo sabe, los empleados saben que algo malo pasa, y nadie habla al respecto. Es un pacto de silencio obligado.

La miniserie tiene una muy buena puesta en escena, muy bien ambientada y nos hace viajar al pasado. Maquillaje, vestuario y peinados muy buenos. Y tiene muy buena premisa, una historia misteriosa por descubrir, pero... su guion al poco andar comienza a ser deficiente. La serie es alargada innecesariamente, porque crees que tendrá un desenlace brutal, pero termina siendo mediocre.

Como es un hotel, vemos muchos pasajeros con sus historias personales, y por supuesto la misma vida de los trabajadores del lugar, donde la soledad del ser humano es latente, el compañerismo se vive, el mantener el trabajo es necesario, el amor es inevitable, y todos tenemos secretos en nuestras vidas.

Disponible en Prime Video y Pluto TV

Ficha técnica

Título original: الغرفة 207 (Room 207)
Basada en la novela homónima de Ahmed Khaled Tawfik
Egipto. 2022
Dirección: Mohammed Bakir
Reparto: Mohamed Farraag, Riham Abdel Ghafour, Nardeen Farag, Kamel El Basha, Mourad Makram, Gihan El Shamashergy, Yassin Youssef.
10 capítulos. Miniserie.
Idioma: árabe e italiano.

El Drama - Por Carlos Correa Acuña

Escrita y dirigida por Kristoffer Borgli, esta película muestra cómo la relación de Emma y Charlie pasa del mágico encantamiento inicial a un deterioro profundo en cuestión de días. Poco antes de su boda, la pareja comienza entra en una espiral de tensiones emocionales que los lleva a cuestionar la esencia de su compromiso tras revelarse algunos secretos del pasado.

¿Hay cosas que no se deben decir? Esta pregunta subyace en el relato, porque la respuesta parece inclinarse con claridad. Emma -Zendaya- y Charlie -Robert Pattinson- conforman una pareja feliz, sin duda, pero un juego que cruza ciertos límites los deja expuestos. Junto a dos amigos se preguntan cosas íntimas, guardadas bajo siete llaves, y la respuesta de Emma los desconcierta a todos. Son pensamientos que alguna vez tuvo, que no fueron acciones pero que respondían a una lógica y a un plan que pudo haberse concretado de no mediar determinadas circunstancias.

La cinta construye su tensión en función de un tema extremadamente difícil y sobre el cual existen diferentes visiones. Conviene no adelantar nada porque es mejor no conocer la temática y enfrentarse a ella con pocos antecedentes. El asunto es que se trata de pensamientos, planes, ideas que nunca se concretaron pero que salen a la luz justo antes de un momento trascendente. ¿Son cuestionables? ¿Dicen algo? ¿Han quedado atrás o son una amenaza? ¿Es necesario ser absolutamente transparente o bien se debe aplicar ciertos filtros, incluso en las relaciones más cercanas?

Sin duda, estamos ante una realidad compleja. En este caso, algo que era idílico se transforma en aterrador. Ambos se llenan de cuestionamientos y dudas. ¿Se conocen realmente o son personas distintas? Las respuestas pueden ser diversas, pues todos cambiamos a lo largo del tiempo. ¿Cuál Emma es la que se va a casar con Charlie? ¿La adolescente irreverente o la actual adulta con varios años más de experiencia y vida? ¿Qué es lo que se juzga, si es que existe derecho a juzgar?

Algunos aspectos en este relato llaman la atención. Primero, la construcción se realiza con pensamientos imaginados, en una descripción gráfica que por momentos se transforma en visiones oníricas. Segundo, el género de la cinta se mueve entre el romance, el drama y la comedia, con momentos clave que provocan puntos de inflexión, sin que ninguno se imponga ante los demás. En tercer término, al usar imágenes en paralelo se produce un juego de temporalidad. En ocasiones debemos calzar las piezas para poder ordenar los hechos, y en otros, simplemente dejarnos llevar. Guardo para el final un aspecto técnico referido a la partitura compuesta por Daniel Pemberton. Un solo de flauta, que enfatiza un intervalo (distancia) llamado “tritono” (tres tonos), suma muchísima tensión. Es, en la armonía clásico-romántica, el intervalo tal vez más disonante y se encuentra siempre asociado al quiebre tonal. En el transcurso de la acción, su utilización como preparación, seguimiento y resultado, resulta coherente, un recurso muy bien empleado que no solo refleja, sino que refuerza el nerviosismo y la incertidumbre.

En las actuaciones, Zendaya y Robert Pattinson están a la altura de sus créditos. La emocionalidad de ella y la contención de él se complementan perfectamente. La montaña rusa de sentimientos se observa desde enfoques muy diferentes, desde la exuberancia y desde la intimidad, creando atmósferas envolventes que se entrelazan con las acciones, los sueños y los pensamientos de cada uno.

“The Drama”, en un poco menos de dos horas, aborda una temática compleja y discutible. Está en juego la honestidad, el amor y el compromiso, como también la intimidad y las certezas, cada vez más escasas en la vida actual. Kristoffer Borgli no teme poner sobre la mesa los temores y dificultades que plantea la sobreexposición actual, y tampoco escatima recursos en poner presión a ese difuso límite que resguarda aquello que debemos conservar en lo más profundo de nuestros pensamientos.

¡Interesante!

Ficha técnica

Título original: The Drama
Año: 2026
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, Square Peg, Live Free or Die Films
Género: Drama. Romance
Música: Daniel Pemberton 
Guion: Kristoffer Borgli
Fotografía: Arseni Khachaturan
Reparto: Zendaya, Robert Pattinson, Mamoudou Athie, Alana Haim, Hailey Gates, Zoë Winters
Dirección: Kristoffer Borgli

Las Catadoras - Por Jackie O.

"El dolor del silencio"

Sinopsis: Otoño de 1943. Mientras su esposo sirve en el frente, Rosa Sauer huye del Berlín devastado por los bombardeos y se refugia con sus suegros en Gross-Partsch, un pueblo del noreste de Polonia. Una mañana, la joven es llevada a la Guarida del Lobo, el cuartel general nazi. Allí se une a seis mujeres más, las cuales son obligadas a probar la comida antes de servirla al Führer para asegurarse de que no esté envenenada. En este ambiente de coacción, y desgarradas entre el miedo a morir y el hambre que las consume, las catadoras forjarán alianzas, amistades y pactos secretos entre ellas.

Película desgarradora, basada en el miedo, la humillación, la incertidumbre y la desesperanza.
Un grupo de jóvenes mujeres a quienes nadie les consulta, son obligadas a realizar una peculiar labor. Solo deben acatar órdenes bajo la amenaza de un arma que, incluso, no es necesaria, ya que el temor es potente. En un comienzo, comer alimentos que nadie tiene alcance de probar es fascinante, incluso se sienten privilegiadas, pero cuando se enteran que son conejillas de india, ningún bocado sabe igual. Ningún alimento es bien digerido, porque una sola cucharada puede acabar con sus vidas.
La tensión es latente para estas mujeres, ya que puede que ese sea su último día.

Muy bien ambientada, cada detalle ha sido cuidadosamente seleccionado, así como el vestuario y maquillaje que nos transportan a la época. Las actuaciones son buenas, empatizamos con el débil y detestamos al poderoso.

Son mujeres que tienen un presente, presente que se ve alterado por la amenaza de ser ese su último minuto de vida, y por ende, no vislumbran un futuro; no, eso les ha sido arrebatado.

Pero llega un momento en que desean recuperar la esperanza de vivir, más allá de ese comedor.
Solo les queda ganar o perder una guerra que nadie pidió y que se ven en medio de un fuego cruzado tormentoso.

Película sobre guerra, guerra que no vemos intrínsicamente, pero que la tensión nos la vuelve real. Sobre un líder, Hitler, que tampoco vemos, pero está tan bien realizada la atmósfera de opresión, que no necesitamos tenerlo a la vista.

Cinta basada en "Le assaggiatrici", de Rosella Postorino, y la vida de Margot Wölk, donde su elegante puesta en escena no necesita de pirotecnia para llevarnos por campos minados.

Ficha técnica

Título original: Le assaggiatrici (The Tasters)
Dirigido por Silvio Soldini
Protagonista: Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma Hasun, Emma Falck, Olga von Luckwald Thea Rasche, Berit Vander, Kriemhild Hamann, Nicolò Pasetti.
Duración 123 min.
2025. Italia.

La posesión de la momia - Por Jackie O.

"Es mejor estar muerto"

Sinopsis: La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años después, la familia rota se sorprende cuando ella regresa con ellos, mientras lo que debería ser una reunión alegre se convierte en una pesadilla viviente.

Una familia feliz vive en el Cairo debido al trabajo de reportero de Charlie. Larissa, embarazada, también aprovecha de trabajar y dejan a sus dos pequeños hijos, Katie de ocho años y Seb de edad similar, en el hogar, turnándose ambos en el cuidado.

Por otro lado, tenemos a un matrimonio del sector que, junto a sus hijos, vienen de un linaje que mantiene un espeluznante secreto. Y este secreto comienza a desatar problemas encontrando pronta solución, solución que implica un alma inocente e involucra a la pequeña Katie, quien bajo engaño desaparece ante la vista de su padre, en una tormenta de arena. 

Ambas familias se ven unidas por la desgracia.

La desesperación de Charlie y Larissa los inunda. Nada saben de su hija, y así pasan ocho años; dejaron esa ciudad atrás, pero no el recuerdo. Ahora están radicados en América, junto a la madre de Larissa y la nueva integrante del hogar, hasta que reciben una llamada del Cairo: es la detective Zaki, quien les señala que su hija ha aparecido, pero no en buen estado, estaba dentro de un sarcófago.
¿Cómo llegó ahí? ¿Desde cuándo ha estado ahí y cómo sobrevivió? Son preguntas que Charlie desea aclarar. Larissa solo está feliz de tenerla de vuelta. Pero no es la misma, y situaciones escalofriantes comienzan a suceder en su entorno.

No solo estamos ante una película de suspenso bien manejado, o de un gore hasta asqueroso (en el buen sentido del sub género) sino que nos encontramos con temas como el duelo, la pena, el remordimiento y el sacrificio.

La cinta maneja bien la historia, incluso utilizando situaciones o diálogos nada novedosos, pero sabe como incorporarlos para captar tu atención, porque juega mucho con la parte visual. Tiene unos efectos visuales y prácticos muy buenos.
Las actuaciones están muy bien construidas, en especial la de los menores que llevan una carga psicológica brutal.

Es una nueva reinvención de "La Momia", con algunos defectos de guion, pero ideal para amantes de las cosas gráficas asquerosillas.

No se aburrirán.

Ficha técnica

Título original: Lee Cronin's The Mummy.
Director: Lee Cronin
Basada enThe Mummy (1932) de Nina Wilcox Putnam, Richard Schayer y John L. Balderston
Fotografía: Dave Garbett
Protagonistas: Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natalie Grace, Verónica Falcón
135 minutos. 2026.

Las Catadoras - Por Carlos Correa Acuña

Otoño de 1943. Un inicio nervioso, filmado con cámara en mano, intensifica la acción. Una mujer llega a una modesta casa, casi al límite de sus fuerzas. ¿La razón? Ha logrado huir del Berlín destruido por los bombardeos para para refugiarse con sus suegros en Gross-Partsch, un pueblo del noreste de Polonia, mientras su joven marido combate en el frente de batalla.

La joven es Rosa Sauer -Elisa Schlott-, y lleva poco tiempo casada. La guerra ha separado a la pareja pero su ilusión sigue intacta. A través de cartas, una luz de esperanza se mantiene encendida, sin embargo, repentinamente, las fuerzas nazis obligan a Rosa a participar en una operación secreta. Se trata de un grupo de mujeres seleccionadas que son llevadas diariamente a la famosa “Guarida del Lobo”, el cuartel general del Führer, para que prueben la comida antes de ser servida al propio Adolf Hitler.

Basada en “Le assaggiatrici”, novela publicada en 2018 por la autora italiana Rosella Postorino, la cinta desarrolla una historia inspirada en Margot Wölk, una secretaria alemana que afirmó haber estado entre las quince jóvenes elegidas para probar los alimentos del líder alemán.

El director Silvio Soldini encabeza una producción cuya mayor fortaleza está en las relaciones personales de sus protagonistas y en una cuidada recreación de los ambientes de la época. A través del paso de las estaciones, observamos el curso del tiempo, mientras la guerra continúa y el temor -tanto interno como externo- aumenta.

El metraje es claro en representar el uso de la fuerza. La figura de la autoridad no se puede discutir bajo ningún punto de vista. La angustia de cada una de estas mujeres, forzadas a realizar una tarea que no han elegido, se acrecienta cada día. El temor es evidente. ¿Y si la comida está envenenada? Por algo son “conejillas de indias”. El encierro y la vigilancia hacen mella; el maltrato es cotidiano; y la consecuencia es un abuso horroroso. Simplemente, son usadas como piezas destinadas a filtrar y contener una posible amenaza.

Soldini decide elaborar un relato fragmentado, episódico, donde los cortes marcan capítulos que avanzan linealmente en el tiempo. Desde un comienzo se aprecia que la relación entre las mujeres no es sencilla. Cada una tiene su propia historia, con diferentes temores, sueños y esperanzas, pero solo se conoce una parte de aquello. Surgen sentimientos de amistad, de protección, de colaboración; incluso el guion explora una vertiente clandestina, un fugaz amorío que amenaza con robarse parte del protagonismo, mientras la guerra avanza hacia un inminente final.

“Las Catadoras” es una película sobre pérdidas y encuentros, sobre la búsqueda de sentido cuando situaciones límite podrían destruir a cualquiera. La resiliencia de Rosa emerge como la principal virtud. Teniendo todo en contra, insiste en mantenerse en pie, en buscar una salida y encontrar la fuerza necesaria para seguir viviendo y avanzar. Es la Segunda Guerra Mundial vista desde otro ángulo, desde una historia particular que refleja la época y describe de manera íntima los efectos de un conflicto que aniquiló a millones de seres humanos.

Ficha técnica

Título original: Le assaggiatrici (The Tasters)
Año: 2025
Duración: 123 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Bélgica-Suiza; Vision Distribution, Lumière & Co., Tarantula Suisse SA, Tellfilm. Distribuidora: Vision Distribution
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Nazismo. Años 40
Guion: Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca. Novela: Rosella Postorino
Fotografía: Renato Berta
Música: Mauro Pagani
Reparto: Elisa Schlott
Max Riemelt
Dirección: Silvio Soldini

El Drama - Por Juan Pablo Donoso

Tremendo “drama” paranoico por algo que nunca existió.

Difícil relato que se hace atractivo gracias a un inteligente director, dinámica edición, y a la presencia de buenas actrices, más talentosas que bellas.

Los perfectos planes de boda de una pareja se convierten en caos cuando un absurdo secreto sale a la luz.

Un frívolo juego de la Verdad entre amigos provoca un conflicto de suposiciones y resquemores que malogra la fiesta días antes de la ceremonia.

De las cuatro personas que jugaron a confesar antiguos pecados verdaderos, la única que solo lo imaginó, pero nunca llegó a cometerlo fue la causante de la tragedia.

Los diálogos tienen un ligero ritmo a lo Woody Allen, pero más oscuro, enfermizo y caótico.

Todo el proceso dramático descansa en la desconfianza patológica que infecta al novio. Cae víctima de una grave “emetofobia”: miedo intenso, irracional y persistente. Con nauseas al imaginar, ver, escuchar a otros vomitar. Se clasifica como una fobia que genera ansiedad extrema.

Por su parte, la novia angustiada - Zendaya (Duna, 2021) - se siente impotente para calmarlo. Su nombre significa “gratitud” en la tribu Shona de África.

En ningún momento la película se estanca. Las secuencias casi oníricas difuminan la realidad.

Admirable hazaña del guionista y director noruego Kristopher Borgli (El Hombre de los Sueños - 2023) para elaborar este extraño caso de manera tan lúdica - incluyendo raccontos y fantasías - en medio del relato cotidiano. Lo mantiene con fluidez y elegancia durante la mayor parte, para luego remacharlo en el último momento con un sospechoso “happy end”.

Habría sido imposible sin la exótica personalidad de Zendaya; del carisma atormentado de Robert Pattinson (Batman - 2022 / Mátate, Amor - 2025/ Tenet - 2020), y de los secundarios Alana Haim (Una Batalla Tras Otra - 2025), el negro Mamoudou Athie (por Jurassic World: Dominio (2022), Hailey Gates (Diamantes en bruto -(2019) y Hannah Gross conocida por su papel en Guasón (2019).

El verdadero “drama” fue solo imaginado. Se sustentó en una obsesión neurótica, con tempestuosas consecuencias.

Irónicamente, luego de todo el tormento psicológico del novio, nos consuelan con un supuesto final feliz.

Conclusión: El amor y las relaciones a menudo toleran mejor las mentiras y la hipocresía que la verdad.

SÁTIRA AGUDA Y A RATOS GRACIOSA DE LA DINÁMICA DE PAREJA Y LOS RITOS NUPCIALES. ÁGIL, PROVOCATIVA Y TRAGICÓMICA.

Ficha técnica

Título Original: The Drama

2026 - Tragicomedia negra, romance, neurosis EE.UU. -1,46 hrs. 

Fotografía: Arseni Khachaturan 

Edición: Kristoffer Borgli, Joshua Raymond Lee 

Música: Daniel Pemberton 

Diseño Prod.: Zosia Mackenzie 

Actores: Robert Pattinson, Zendaya. Alana Haim 

Guionista y Director: Kristoffer Borgli

Las Catadoras - Por Juan Pablo Donoso

Sensible reconstrucción íntima de un caso verdadero de la Segunda Guerra Mundial.

Por su origen novelesco alude más a una dramática circunstancia, y a una serie de incidentes humanitarios, que a un conflicto frontal.

La ausencia de un antagonista poderoso hace que el relato sea lento, minimalista, y sin ascenso progresivo hacia un clímax.

Prusia Oriental, hoy Ketrzyn, Polonia. Otoño de 1943.

Siete mujeres son obligadas a probar la comida de Hitler para detectar posible veneno. Entre ellas surgen relaciones de solidaridad y sospecha en un ambiente de tensión y desconfianza.

Rosa, recién casada, huyendo del Berlín bombardeado, llega a un pueblito cerca de la frontera oriental, donde viven sus suegros. Allí le dijo su marido, que luchaba en el frente, que se refugiara mientras esperaba el fin de la guerra y su retorno a casa.

Pronto descubrirá la joven esposa que junto a ese pueblo, aparentemente tranquilo, se esconde el cuartel general de Hitler - la Guarida del Lobo - en el bosque circundante. El Führer, que ve enemigos por todas partes, se obsesiona con ser envenenado.

Una mañana, al amanecer, Rosa es recogida junto con otras muchachas del pueblo para probar previamente las comidas.

Entre el miedo a morir y el hambre que las consume, las "catadoras" forjarán alianzas, amistades y acuerdos secretos.

Un oficial de las SS, contra toda lógica y desafiando sus propias creencias, reaviva su sentimiento de amor. O simplemente la necesidad de sentirse viva, a pesar del terror que la rodea.

El tono general es tranquilo. Mesurado y contenido.

Tiene bella factura audiovisual en las atmósferas, y en la compasión que nos inspiran esas mujeres.

El director Soldini nos inunda con grises y marrones para reflejar desesperanza y miedo sordo. El ritmo pausado hace creíble la incertidumbre: ¿la próxima comida será la última?

Silvio Soldini (PAN Y TULIPANES, 2000) y la coguionista Doriana Leondeff adaptaron la premiada novela "En la Mesa del Lobo" (2018),de Rosella Postorino, que a su vez se basó en la historia que la superviviente Margot Wolk sobre su experiencia como catadora de comidas para Hitler.

Elisa Schlott interpreta con aplomo su rol de Rosa y Max Riemelt, como el duro teniente de las SS, proyecta la patética dicotomía entre el hombre normal y el monstruo guerrero.

Admirables Esther Gemsch y Jurgen Wink como los ancianos suegros campesinos de Rosa, ya conformados a las dominaciones extranjeras. Sobreviven solo de la resignación (constante cambio de patria) y de intuitivas esperanzas de mejor futuro.

Una historia de supervivencia diferente, que involucra miedo, impotencia y autocontrol; de quienes tienen demasiado poder contra quienes carecen de él en absoluto.

Conclusión: en la guerra nadie triunfa de verdad. Así lo demuestra, sin palabras, la última secuencia del filme.

ATÍPICA PELÍCULA DE GUERRA. HAY POCA ACCIÓN Y MÍNIMA CRUELDAD FÍSICA. EL DOLOR Y LA IMPOTENCIA CORREN SILENCIOSOS POR EL CORAZÓN DE AQUELLAS SENCILLAS MUJERES INDEFENSAS.

Ficha técnica

Título Original: Le Assaggiatorici

2025 - Drama, historia Italia, Bélgica, Suiza - 2,03 hrs. 

Fotografía: Renato Berta 

Edición: Carlotta Cristiani 

Música: Mauro Pagani 

Producción: Federico Parisi Asaro, Stefane Tatibouet 

Guion: Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca 

Actores: Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma Hasun 

Director: Silvio Soldini

El príncipe de Nanawua - Por Jackie O.

"Sueño, esperanzas y decisiones"

Nanawa es una ciudad del Paraguay, situada en la frontera misma con Clorinda, Argentina, siendo el principal paso fronterizo para peatones de la zona entre ambos países, y ahí vive el pequeño Angel.

La directora, Clarisa Navas, se encontraba en el lugar con el fin de realizar un trabajo sobre mujeres del sector, pero se encontró con un lindo y parlanchín pequeño de nueve años llamado Ángel Stegmayer Caballero. Su encanto la cautivó, su personalidad la deslumbró y ahí se quedó con él. Lo entrevistó sobre situaciones cotidianas y también de temas profundos; el muchacho quería expresarse. Así que decidió seguirlo, pero no se quedó ahí. Le entregó una cámara para que grabara su día a día, su entorno, donde la carencia se vive, el tráfico de mercancía es casi normal y donde ver trabajar a los niños es cotidiano. Ahí, Angel vive con su padre de la tercera edad -casi cuarta- quien construyó una nueva familia con Lucía.

 
La vida de este niño transcurre con naturalidad e inocencia ante sus ojos, ojos sin pecado, con sueños.
Pero Clarisa crea un vínculo con este joven y así pasan aproximadamente diez años inmiscuyéndose en su vida, su entorno, donde su inocencia va transformándose en picardía, en que esos sueños de niño de ser veterinario se cambian por dejar la escuela para trabajar. Conoce el amor, se ve envuelto en problemas, en su vida si no está presente la sequía, es la inundación. Es la vida que le tocó y trata, con ese dejo de inocencia que mantiene, de superarse. Pero ese mismo entorno influye para tomar otros caminos.

Trabajos como este son conocidos como los coming-of-age, donde su protagonista tiene una iniciación, crecimiento y desarrollo dentro del largometraje, no solo físico, sino que emocional y moral.
La directora realiza un extenuante y muy humano trabajo, con tomas desde diferentes ángulos, limpias y desordenadas, para mostrarnos la vida como es, en un rincón del mundo.

Divertido en un comienzo y conmovedor a medida que avanza, pues los sueños de un niño se van transformando por las circunstancias que se presentan. Es la vida misma, en un entorno donde todo se mezcla, no solo la división de países o el idioma, sino que las desiciones personales.

Una vida precaria donde no se debe romantizar la pobreza, sino potenciarla, ya que viven muchas almas que buscan avanzar.

Disponible en este momento en cine @ccc funciones en abril los días 16, 23 y 24.

Ficha técnica

Dirección y guion: Clarisa Navas
Duración: 210 minutos (con una pausa a la mitad de 15 minutos en cine)
Idioma: español y guaraní
2025

Buena Suerte, Diviértete, No Mueras - Por Juan Pablo Donoso

Una sátira loca - y exagerada - que plantea tanto elogios como advertencias al progreso cibernético.

Previene peligros de alienación por los avances tecnológicos e Inteligencia Artificial.

En tono de humor negro y aventurero, nos bañan con denuncias sociales y precauciones hacia los avances descontrolados de las tecnologías. Las escupen de adrede, con la esperanza de que alguna nos pegue.

Curiosamente oportuna cuando alude a los atentados escolares - incluyendo matanzas - y la alienación amoral de los adolescentes al ingerir por sus celulares y redes sociales todo lo que les llega.

Caricatura que ilustra bien cómo los jóvenes se transforman en zombis irracionales en nuestros días.

Acusa las “irresponsabilidades descontroladas” ante los valores éticos; unidos al talento informático de algunos genios/monstruos infantiles actuales.

Un vagabundo que afirma venir del futuro llega a un pequeño restaurante en Los Ángeles. Su misión es detener a una inteligencia artificial maligna que se ha rebelado y amenaza la supervivencia de la humanidad. Recluta a un grupo de descontentos para que, en el transcurso de una noche, participen en la batalla redentora.

Las secuencias iniciales se ven más novedosas y mágicas que el desarrollo posterior.

Por recargar el relato y sumergir a sus personajes en tantas aventuras y peripecias, enmaraña la premisa de fondo.

Debió ser más selectiva y coherente en las metáforas que se suceden y acumulan, como lo hizo Kubrick en 2001: Odisea del Espacio o Dr. Insólito.

Va matizando la gesta con las historias paralelas de sus personajes. Más que profundidad emocional los coloca en situaciones extremas, y absurdas, para ver cómo sobreviven.

Aplica la circularidad de los tiempos pasados, presentes y futuros.

Al parecer quiso ir más allá con la violencia, pero nunca decidió entre el loco humor negro o un mensaje trascendente más brutal.

Parece casi un episodio extendido de Black Mirror (2011- serie TV) ambientado en nuestra época actual. En aquella ciencia ficción distópica las grandes innovaciones colisionan contra los oscuros instintos humanos (ganó 6 premios Primetime Emmy, 48 premios más, y 186 nominaciones en total).

Esta vez el realizador Gore Verbinski (La Cura Siniestra - 2016(/ Piratas del Caribe - 2003) y su guionista Matthew Robinson se aventuran en un relato que mezcla futurismo, denuncia, humor negro y aventuras. El resultado es ameno, impredecible, ágil y estrambótico. Cada actor y actriz se entrega al juego y la fantasía. Celebramos la presencia del conocido Sam Rockwell (Tres Anuncios por un Crimen - 2017), como el Vagabundo, en un rol lucidamente protagónico.

Junto con manifestar una baja opinión de los seres humanos y la tecnología, el director Verbisnski prestó su voz al perrito Pug del final de la película.

UNA PROVOCATIVA PARODIA SOBRE NUESTRA ENAJENADA SOCIEDAD. ESPECIAL PARA ESPECTADORES QUE DISFRUTAN CON LOCAS MORALEJAS FUTURISTAS.

Ficha técnica

Título Original: Good Luck, Have Fun, Don´t Die

2025 Humor negro, aventura, ciencia ficción Alemania, EE.UU. - 2,14 hrs. 

Fotografía: James Whitaker 

Edición: Craig Wood 

Música: Geoff Zanelli 

Diseño Prod.: David Brisbin 

Guion: Matthew Robinson 

Actores: Sam Rockwell, Haley Lu Richardson, Michael Peña 

Director: Gore Verbinski

Talla Real - Por Jackie O.

"Cintura imperio, belleza en todas"

Sinopsis: Lenore Miller es una adolescente insegura y de talla grande, cuyo talento para la moda es descubierto por su compañera de clase, Kayla, una chica segura de sí misma. El padre de Lenore, Mark, es su mayor apoyo, pero los temores de su madre, preocupada por su imagen, y las propias inseguridades de Lenore le impiden lucir sus propios diseños.

Estamos ante una cinta predecible, simple, sin grandes pretensiones que solo entretener y dar mensajes positivos.

Lenore es gorda, desaliñada, despreocupada de su imagen y le gusta pasar desapercibida, ya que le afecta su aspecto físico el cual es constantemente monitoreado por su madre, quien está obsesionada por la imagen. Pero Lenore tiene un don que oculta incluso a su familia: es diseñadora de modas. Crea unos vestidos hermosos, pero los mantiene ocultos. Su inseguridad no la puede evitar porque su alrededor es negativo para ella: su madre le controla las comidas, sus compañeros de colegio le hacen bullying de forma constante. No soporta su vida. Hasta que aparece alguien que siempre estuvo cerca, Kayla, una chica aún mas robusta, pero con una seguridad en sí misma deslumbrante. Es su compañera de curso. Ambas se unen de una forma no grata en un comienzo, donde Kayla saca a relucir el talento de Lenore y a enseñarle a confiar en ella misma.

 
Así van apareciendo otras chicas marginadas por la sociedad, objeto de burlas y sin oportunidades, quienes terminan convirtiéndose en las musas de nuevos diseños.

La película no está exenta de situaciones incómodas como el constante bullying que atormenta hasta a la persona mas ruda, ya que no son solo las acciones las molestas, sino que las palabras, el desaire y el abandono.

Como señalé, esta película no busca ganar premios, sino darnos un buen momento para conversar sobre la crítica constante al otro, donde la simpleza de la vida nos haga sentir bien siendo buenas personas, ayudando a quien está abandonado y potenciar los talentos cuando los veamos.

En qué puede fallar, es en esa misma simpleza que no se arriesga a más, y que se caricaturiza demasiado a algunas personas, marcando mucho los estereotipos.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Directora y guionista: Claire Ayoub
1h 34m. EEUU. 2024.
Comedia, Drama
Reparto: Mia Kaplan, Jemima Yevu, Jolene Purdy, Missi Pyle, Rainn Wilson.
Empire Waist.

Si vas para Chile - Por Jackie O.

"Realidad país, realidad mundial"

Largometraje documental que nos habla sobre la crisis migratoria, respecto de hechos ocurridos el año 2021.

Las imágenes son hermosas, amplias tomas áridas con un encanto envolvente y de colores mágicos, pero esa grietas de la naturaleza nos traen algo más. Esos colores ya no son tan mágicos, comienza la historia. Estamos ante una crisis nacional, una crisis mundial: los inmigrantes.

La migración existe y existirá, es un problema de quienes salen, de quienes entran, del extranjero, del local, un problema país.

Y este documental no te trae una solución ni una respuesta. Te trae debate, te trae análisis. Te hace reflexionar, pero no te hace ni mala persona ni mejor persona, porque no puedes tener un bando. Todos tenemos opiniones y posiciones claras, pero hay momentos en que debemos detenernos y empatizar con esa persona que viene por días caminando para buscar un refugio, un lugar mejor, es un extranjero que busca surgir; pero también no olvidar al local, que se ve invadido por extraños, algunos de malas costumbres que no se ganan el cariño, y se siente amenazado. Dos mundos, dos fuerzas que chocan abruptamente y se desata el caos.

Escuchamos a personas de ambos lados. No podemos no sentir sus angustias y hacer valer sus argumentos.

La edición combinada con su guion es conmovedor sin caer en lo lacrimógeno, ya que no pierde el foco del tema principal, que es reflexionar.
Excelente fotografía, dura y sensible, que combina con el relato. Y mantiene una buena dirección.

Disponible en salas independientes del país. Y @miradocchile

Ficha técnica

Dirigida por Amilcar Infante y Sebastián González Méndez
68 minutos

Historia de amor: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette - Por Jackie O.

“En jaula de oro”

American Story es una franquicia de medios de antología estadounidense que consta de varias series de televisión creadas por Ryan Murphy y Brad Falchuk.

Cada serie sigue un género de ficción diferente, y cada temporada individual se concibe como una miniserie autónoma, siguiendo un conjunto diferente de personajes y escenarios, y una historia con su propio "principio, medio y final". Y han sido:

Horror Story (2011-presente)

Crime Story (2016-2021)

Horror Stories (2021-2024)

Sports Story (2024) y

Love Story (2026)

Esta reseña se basa en la última, sobre una pareja que la mayoría desconoce y que fue centro mediático en los 90': el romance entre de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette.

La miniserie comienza advirtiendo que hay hechos y personajes ficticios, ya que en toda, y reitero, en toda serie, miniserie o película basada en un personaje real, hay mucho de ficticio, se inventan situaciones y personajes para rellenar mejor la historia que veremos en la pantalla, pues el espectador a veces tiende a creer que todo es verdad.

La miniserie de nueve capítulos nos cuenta la historia de cómo se conocieron John y Carolyn. Ella, una elegante vendedora que fue descubierta por Calvin Klein y se la llevó a trabajar con él; y John, considerado en el momento el soltero más sexy, de buen linaje y adicto al deporte. En la serie veremos que los presenta Calvin, aunque Kelly Rector señala en una biografía que no fue así. Pero, en fin, sigamos con la historia televisiva.

Veremos a muchos famosos aparecer en esta historia, de cómo intervinieron en la vida de ambos, pero el centro mayor es indiscutiblemente la familia Kennedy. A pesar de que Carolyn fue ícono fashionista, muchas veces retratada en los tabloides, el apellido Kennedy siempre pesa más, hasta llegar a perder su luz siendo opacada por el apellido de su esposo, su familia, la prensa, el mundo.

Una desconocida se empareja con un famoso y su vida cambia abruptamente, teniendo que lidiar con la prensa. De cómo John estaba de novio con Daryl Hannah y la interposición de Carolyn, sin ella querer interferir.

El acoso diario, las dificultades psicológicas, alejarse de familiares y amigos, esconderse; llegó un momento en que Carolyn creyó sobrellevar eso, se casaron, pero ella no pudo lidiar con la fama de su esposo. Los problemas se acrecentaban.

La miniserie está muy bien contada. Nos muestra la historia de cómo pudo haber sucedido todo con alta dosis de exageración, haciéndonos creer que la relación fue muy tóxica. ¿Habrá sido así? ¿Se amaron hasta su último día?

Trata de cómo Caroline Kennedy debió luchar contra lo que se denomina “la maldición Kennedy”, sin mencionarlo explícitamente, un rol importante de ella en la trama, ya que se le muestra como el pilar de la familia después de su madre.

Aparte de buena edición, tiene también una puesta en escena muy elaborada para llevarnos a los 90, con un excelente vestuario, ya que quería ver a Carolyn Bessette como la fashionista minimalista que era. La banda sonora muy acorde y nos hace tararear de vez en cuando algún tema.

Muy buenas actuaciones, con buenos maquillajes que los acerca bastante a los reales. Y aunque creo que la historia fue algo exagerada en ciertas situaciones, es entretenida y necesaria ver por sus personajes.

Una miniserie cuyos protagonistas comienzan con mucha energía, pero a medida que pasa el tiempo, sus vidas van opacándose producto de la exposición a los medios que deben enfrentar. Una pareja que lucha por amarse, pero se va perdiendo.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Género Romance
Basado en Once Upon a Time de Elizabeth Beller
Protagonistas Sarah Pidgeon, Paul Anthony Kelly, Naomi Watts, Grace Gummer, Leila George, Noah Fearnley
EEUU. 2026

Jugada Maestra - Por Juan Pablo Donoso

Nueva adaptación cinematográfica de la novela inglesa de Roy Horniman (1872/1930), que constituyó un clásico en 1949 llamada LOS 8 SENTENCIADOS (Kind Hearts and Coronets).

Un hijo natural, cuya madre se negó a abortar, debió vivir una infancia de pobreza debido a que su adinerada familia lo relegó al último lugar de la herencia. Al crecer, decide vengarse eliminando, uno por uno, a los parientes que lo anteceden.

Al instalar esta sátira - dirigida por John Patton Ford (Emilia la Criminal - 2022) - en nuestros días pierde la flema británica y sutil hipocresía decimonónica de la original.

En aquella, el cínico dandy (Dennis Price), se desliza con elegancia por la sociedad aristocrática de la época victoriana, acechando y planeando, la manera más astuta de eliminar a cada uno de sus parientes ricachones.

Aparte de la exquisita ambientación, del refinamiento sagaz de las mujeres que lo conquistan, lo más espectacular de aquel filme fue cómo el gran Alec Guinness encarnó a todos los “sentenciados”, entre los cuales había desde prepotentes uniformados, pasando por galanes inescrupulosos, sacerdotes, hasta incluir a displicentes veteranas de alta sociedad.

Cada actor y actriz en esa comedia dirigida por Robert Hamer ilustró el retrato social exacto de su rol y, aseguramos, que fue el trampolín más poderoso para lanzar a Guinness al estrellato definitivo de su carrera posterior. Interpretó cada papel mejor que el reparto actual.

Aparte de los cambios de nombre y algunos otros detalles, se trata de una copia recauchada de LOS 8 SENTENCIADOS, pero sin el humor cáustico de aquella, ni tampoco del giro inesperado de la última frase.

En esta versión destacamos el carisma de Glen Powell (Top Gun: Maverick - 2022), sobre quien recae el grueso del protagonismo, quedando muy relegadas sus víctimas quienes - a diferencia de Guiness - solo constituyen esbozos de la riqueza histriónica de cada uno de sus personajes.

Por su parte, si bien las actrices Margaret Qualey (Había una Vez en Hollywood - 2019) y Jessica Henwick (Sangre de Zeus - TV serie 2020/25) intentan desplegar sus talentos, este guion les impide superar a Valerie Hobson y Joan Greenwood de antaño.

Para enriquecer la prominencia actoral, incluyeron a Ed Harris como al anciano patriarca despiadado, pero también sólo se siente como un recurso forzado para justificar el desenlace.

La gran diferencia radica en que esta culminación es más amoral que la versión inglesa.

Hubo un lejano remedo coreano en La Última Opción (2026).

Conclusión: por muy astuto que se crea un hombre, nunca triunfará sobre la venganza de una mujer despechada.

AUNQUE QUEDA CORTA COMPARADA CON EL ENCANTO DE LA ORIGINAL, RESULTARÁ ENTRETENIDA, E INGENIOSA, PARA QUIENES VEAN ESTA SÁTIRA POR PRIMERA VEZ.

Ficha técnica

Título Original: How to Make a Killing

2026 Tragicomedia, sátira, suspenso EE.UU., Francia, Inglaterra - 1,45 hrs. 

Fotografía: Todd Banhazl 

Edición: Harrison Atkins 

Música: Emile Mosseri 

Diseño Prod.: Christian Huband 

Actores: Glen Powell, Margaret Qualley y Ed Harris 

Guionista y Director: John Patton Ford