Mixtape La Pampa - Por Juan Pablo Donoso

Documental nostálgico de bellas imágenes, sensible y paciente. Mezcla aleatoria (mixtape) de muchos temas y épocas de la Pampa y la Patagonia argentina.

Combina la crónica con la memoria y lo onírico.

Un largo viaje por la estepa, siguiendo la huella biográfica de Guillermo Enrique Hudson, alias William Henry Hudson (1841-1922); figura enigmática, llena de contradicciones; gaucho naturalista argentino que se convirtió en escritor inglés.

Cuando joven combatió en el ejército contra los “salvajes” (indios locales, últimos representantes de un mundo en extinción) pero también los defendió. Migró transformándose en un escritor inglés, jamás volviendo a su tierra, pero dedicando toda su vida a escribir sobre ella. Y de manera preferencial sobre su fauna autóctona.

Fue autor de diversos temas, algunos incluso traducidos al chino. Más, sus libros de aves fueron fundacionales en la ornitología argentina.

Vivió dos vidas: en la Pampa y en Londres. En su honor se nombró con su apellido la localidad de los 25 Ombúes - Partido de Quilmes, a unos ocho km al noreste de la casa natal de Hudson.

El periodista y director de cine Andrés Di Tella (Ficción Privada - 2019, Montoneros, una Historia-1998), intrigado con la personalidad de este compatriota, se embarcó en rastrear sus orígenes, visitando sus llanuras y pantanos, recorriendo sus caminos de tierra, y captando la vida diaria de aquellos ancianos lugareños.

Filmó todo lo que pudo, en un desorden de tiempos, viejos archivos y testimonios, pero intentando captar lo más importante: las resonancias que aún perduran de un mundo que cambió.

Con viejas canciones del repertorio argentino, junto a científicos e investigadores plasmó una especulación poética, una memoria personal latente... y sueños, muchos sueños.

Quiso rescatar también la memoria pasada de un territorio solemne, vivo, enorme y sensible.

Nos cuenta que Hudson quería ser UNO con la naturaleza. Que al dibujar sus trinos se preguntó: ¿cómo sueñan los pájaros?

¿Cuál es la frontera entre la civilización y la barbarie?

Para concluir que la Pampa de Hudson es un mundo que se extinguió, al igual que las estrellas cuya luz nos sigue llegando.

MEMORANZA VARIADA DE LA HISTORIA, LA FLORA Y FAUNA DE LA PAMPA ARGENTINA TENIENDO COMO REFERENCIA LA JUVENTUD DEL LEGENDARIO ESCRITOR Y NATURALISTA GMO.E.HUDSON. POÉTICA E ILUSTRATIVA.

Ficha técnica

2023 - Documental Argentina - Chile: 1,41 hrs. 

Fotografía: Darío Schwarzstein 

Edición: Valeria Racioppi 

Música: José Manuel Gatica 

Guionista y director: Andrés Di Tella

Outcome - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV.

Expectación. Keanu Reeves y Cameron Diaz protagonizan una nueva comedia. ¿Qué tal la experiencia? Lamento decir que la palabra es inequívoca: decepcionante. Veamos por qué.

Reef Hawk -Reeves- lleva sobrio cinco años. El actor se ha tomado un descanso para construir un nuevo hogar y su vida comienza poco a poco a mejorar. Sin embargo, cuando recibe una llamada de su abogado Ira Slitz -Jonah Hill-, quien le revela que lo están chantajeando con un vídeo comprometedor, todo se pone patas arriba. A regañadientes, Reef se ve obligado a planear cómo hacer las paces con aquellos a los que ha ofendido o hecho daño en el pasado, mientras intenta descubrir quién lo está extorsionando.

A partir de un guion de su autoría, el actor y director Jonah Hill elabora una historia que nunca decide qué rumbo tomar. Aunque la premisa resulta interesante -una introspección de vida, los daños ocasionados en el camino, la culpa y el perdón-, la ejecución queda en deuda porque pierde completa coherencia. Keanu Reeves luce incómodo, forzado, como si llevara una camisa apretada que nunca se logra sacar. Cameron Diaz y Matt Bomer, quienes interpretan a los mejores amigos de Reef, deambulan por la intrascendencia, meras figuras decorativas cuyo aporte es mínimo y ni siquiera califican como personajes secundarios.

Quien sí destaca, como florero y centro de mesa, es el propio director, Jonah Hill. Parece que la película es sobre él, ese personaje omnipresente, abogado de crisis y quién sabe de cuántas cosas más, un asesor de celebridades que salta de una situación a otra como pez en el agua, aunque por momentos el agua solo sea una ilusión.

¿Algo rescatable en una cinta sin objetivos? Afortunadamente un par de cosas. La primera, su duración: solo 83 minutos. Realmente se agradece, porque no estoy seguro de haber podido terminar un metraje más extenso. Y lo segundo, un inesperado alivio: Martín Scorsese interpretando a un ex agente del protagonista. No sé cómo aceptó ni por qué se sumó a este proyecto, pero lo que sí está claro es que sus instantes con Reeves son los mejores, aunque aún así no logre salvar la estantería.

En síntesis, “Outcome” es totalmente prescindible. Ahora bien, si igual le inquieta un poco, basta y sobra con ver el tráiler.

Ficha técnica

Título original: Outcome
Año: 2026
Duración: 83 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple Original Films, Apple Studios, Strong Baby. Distribuidora: Apple TV
Género: Comedia. Drama
Guion: Jonah Hill, Ezra Woods
Fotografía: Benoît Debie
Reparto: Keanu Reeves, Jonah Hill, Matt Bomer, Cameron Diaz
Dirección: Jonah Hill

Sueños de Trenes - Por Carlos Correa Acuña

Basada en la novela de Denis Johnson, “Train Dreams”, es una película íntima que narra la vida de Robert Grainier -Joel Edgerton- en los alrededores de Bonners Ferry, Idaho. La historia se remonta a su llegada al lugar. Huérfano y, después de una adolescencia desorientada, conoce a Gladys Olding -Felicity Jones-, con quien se casa y juntos construye una austera cabaña cercana al río Moyie para criar a la hija de ambos, Kate.

Robert trabaja como leñador. Su oficio le obliga a pasar largas temporadas fuera de su hogar para conseguir el sustento. La tala de árboles, necesaria para construir las líneas del ferrocarril, pasa a ser su principal tarea. Estos trabajos, siempre en diferentes lugares, hacen que Robert mantenga distancia en el trato con los demás. Algo tímido y de muy pocas palabras, Robert trata de no entrar en conflicto, sin embargo, a lo largo de los años le toca presenciar hechos y tragedias que van forjando su carácter.

Luego de un largo periodo, al regresar a casa con planes de dejar esa rutina y crear su propio aserradero, se enfrenta a un incidente que cambia su vida para siempre. Desde ese momento, Robert ya no podrá ser el mismo; su futuro se transformará en una suma de añoranzas y sueños que volverán, una y otra vez, sobre lo que ha sido la mayor ilusión de su existencia.

Clint Bentley, quien, junto a Greg Kwedar, adapta la novela original de Denis Johnson, ofrece un trabajo que se centra en crear atmósferas. Los delicados paisajes, con una fotografía que deslumbra por sus colores y profundidad, configuran un escenario perfecto para provocar un contraste con la intimidad de su protagonista. El metraje transcurre con mucha calma, con largos espacios de reflexión y con foco en lo que Robert siente en lo más profundo de su corazón.

A medida que pasan los años, la vida del protagonista se vuelve cada vez más difícil. A contracorriente y en solitario, aunque aún conserva la esperanza, trata de adaptarse al paso del tiempo y seguir avanzando a pesar de estar emocionalmente al límite de sus capacidades. Joel Edgerton transmite muy bien la tristeza de Robert, en una actuación que, más que palabras, contiene movimientos y miradas profundamente sinceras.

“Sueños de Trenes” emociona, trae calma y plantea, quizá, una de las preguntas más difíciles de responder. ¿Se puede continuar luego de una tragedia que arrebata lo más preciado en la vida de una persona? ¿Es posible seguir adelante y sobreponerse a la adversidad? La cinta no entrega las respuestas, solo deja la semilla plantada, una semilla que germinará si somos capaces de ponernos en el lugar de Robert y analizar todo desde nuestro propio recorrido. Seguramente encontraremos más de un punto en común con esta película que, sin grandes conflictos externos y sin demasiadas pretensiones, traspasa la pantalla para impregnarse en el alma.

Ficha técnica

Título original: Train Dreams
Año: 2025
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Black Bear, Kamala Films. Distribuidora: Netflix
Género: Drama. Romance | Años 1900 (circa). Vida rural (Norteamérica). Naturaleza
Guion: Clint Bentley, Greg Kwedar. Novela: Denis Johnson
Música: Bryce Dessner
Fotografía: Adolpho Veloso
Reparto: Joel Edgerton, Felicity Jones, Nathaniel Arcand, Clifton Collins Jr., Juan Diehl, Paul Schneider, Kerry Condon, William H. Macy
Dirección: Clint Bentley

ChaO, la sirena - Por Jackie O.

“Las diferencias nos unen”

Sinopsis: En una sociedad futura en la que coexisten humanos y sirenas, Stephan, un oficinista de una empresa de construcción naval, recibe de repente la propuesta de casarse con la princesa del reino de las sirenas, ChaO. Y sus vidas se transforman.

En un futuro bien futurista, conviven humanos con criaturas del mar, y otros humanos bien particulares o peculiares en su imagen, viviendo todos en armonía o cierta normalidad. Ahí está Stephan, un ingeniero naval algo torpe, que no es muy tomado en cuenta por su jefe, pero es un ingeniero inteligente que está creando una máquina que ayuda a los navíos, pero principalmente para no entorpecer la vida en el mar. Y un día sufre un accidente acuático y despierta en el hospital sin saber que pasó, solo que la princesa de las sirenas lo salvó. Es ChiaO, una tierna pececita que le dice que ya está listo el matrimonio entre ambos. Su padre Neptuno, no está tan de acuerdo, pero ve a su hija feliz y acepta. Stephan no entiende nada, su ambicioso jefe “ahora lo admira”, la prensa lo acosa, la ciudad lo engrandece. Pero él sigue su vida sencilla con sus verdaderos amigos y pensando qué hacer con este matrimonio para él forzado.

Lo que no sabe, o no recuerda, es que no es forzado. Pero ahí está el hermoso detalle de esta historia.

Estamos ante una, tal vez, reinvención de La Sirenita, vista desde otra perspectiva, con personajes raros y un guion que nos habla de muchos temas, no solo del amor de pareja, pero lamentablemente no los redondea del todo.

Vemos una ciudad caótica, ruidosa, rutinaria, a veces vacía en espíritu. Con un joven de baja autoestima y que conoce a una pececita que ama su torpeza, que es alegre y trata de llenar ese vacío en él, el que por supuesto, en un comienzo, él no acepta. Su vida es caótica, llena de altos y bajos, trata de sobrevivir. Stephan debe rendir en su trabajo pero más por su jefe, que lo molesta bastante.

ChaO y Stephan son dos jóvenes de mundos diferentes que, aunque coexistan en este universos, son muy diferentes y deberán sobrevivir o morir en el intento.

Como señalé, la historia no solo trata de una pareja diferente que se une con lo obvio que sabemos, que se terminarán enamorando, porque es algo obvio en la cinta, sino que de la convivencia entre personas de mundos diferentes, de cómo equilibrar el amor con el trabajo, que mucha veces consume, de agradecer los detalles que nos brinda la pareja, de la necesidad de conversar para evitar malos entendidos, de la confianza, de la amistad, de atreverse a realizar cosas, de nuestros recuerdos del pasado que afectan nuestro presente. Y por sobre todo, que la imagen, muchas veces, pase a segundo plano y valoremos los sentimientos, ya que el valor de un alma puede iluminar tanto que fulminará una belleza inigualable.

Además, toca el tema de la ecología con el capitalismo, aunque no lo profundiza.

También, la historia es sexista, furia para la feministas extremas, pero contradictoriamente inclusiva en este mundo colorido.

Personajes simpáticos, alocados, mucho colorido y brillo, y una historia simpática que deja muchos mensajes.

Ficha técnica

Dirigido por Yasuhiro Aoki
Escrito por Hanasaki-Kino
Cinematografía: Takanori Nakashima
Productora Estudio 4°C
2025. 90 minutos.
Japón.

Elenco de voces
Personaje Japonés
Stefan Ouji Suzuka
CaO Anna Yamada
Roberta Yūichirō Umehara
Maibei Kavka Shishido
Presidente Shi Ryota Yamasato
Rey Neptuno Kenta Miyake
Juno Shunsei Ota

El Bufón 2 - Por Juan Pablo Donoso

Aunque superior a la primera, quedó igual de efectista e insustancial.

Un proyecto independiente de bajo presupuesto. Típico de la mayoría de las segundas partes.

El original era un “slasher” sanguinario, básico y poco novedoso.

El problema con aquella es que todos sus personajes eran desagradables. A pesar del horror aquí logran mitigarlos, hacerlos algo más amigables.

Mantiene el ritmo, los golpes inesperados y la tensión constante que los fans del género esperan. Pero igual, casi todo carece de motivaciones.

La trama es endeble, vamos de asesinato en asesinato con poquísimo desarrollo de personajes.

En la noche de Halloween, una joven ilusionista sufre su prueba más letal cuando cruza su camino con El Bufón (Michael Shefield), un mimo asesino que convierte trucos y juegos en trampas mortales. Cada ilusión es un engaño, cada escape una mentira. Para sobrevivir, deberá usar su ingenio y habilidades antes de que el espectáculo termine… y el telón caiga para siempre.

El personaje original del Bufón nació en cortometrajes virales con más de 30 millones de reproducciones

El problema es que parece incapaz de comprometerse plenamente con la brutalidad que un grand-guiñol como este requiere. Para los estándares actuales, se siente casi gentil en su tratamiento del terror y el crimen.

Presenta a una joven que intenta convertirse en maga, una idea interesante en principio. Max, interpretada por Kaitlyn Trentham (El Descenso de un Soldado), cumple su función, aunque poco verosímil como una joven de quince años aspirante a eximia ilusionista.

Ahora el Bufón tiene voz, algo menos convincente, ya que su presencia silenciosa en la primera película hacía que sus crímenes fueran más inexplicables y despiadados.

Esta anécdota parece provenir de otra masacre anterior, que explicaría el origen del Bufón. Mas, como aquí los guionistas le dan poca importancia, la motivación cae en un saco roto.

A quienes les baste el terror de bajo presupuesto, con actuaciones cuestionables, y una producción irregular, aquí lo hallarán.

SERÍA OCIOSO PEDIR LÓGICA. SÓLO IMPORTA SEGUIR ADELANTE CON EL SADISMO GRATUITO … PERO ÁGIL, Y MUY BIEN EDITADO.

Ficha técnica

The Jester 2

2026 Crímenes, terror, ilusionismo EE.UU. - 1,27 hrs. 

Fotografía: Kevin Duggin 

Diseño Prod.: Chelsea Turner 

Actores: Kaitlyn Trentham. Michael Sfeffield, Jessica Ambuehl 

Guionista, editor y director: Colin Krawchuk

CHaO: La Sirena - Por Juan Pablo Donoso

Animación japonesa alegre, novedosa y exuberante en sus imágenes.

Creada durante siete años por el aclamado STUDIO4°C y el veterano animador Yasuhiro Aoki, mezcla humor, peripecias y estética desbordante.

La historia central es simple y clara. El barroquismo lo aportan los dibujos deformados, los fondos pletóricos de colores y pequeños detalles, pero, muy en especial, llama la atención la enorme cantidad de personajes secundarios cuya injerencia en la historia resulta, por decir lo menos, intrigante y casi innecesaria.

Ambientada en un mundo futurista donde humanos y tritones (sirenas(os)) coexisten, por razones comerciales la princesa Chao debe comprometerse con el ingeniero humano Stephen.

A Tritón se le representa con la parte superior del cuerpo de un hombre y la parte inferior del cuerpo de un pez - el equivalente masculino de las sirenas - como el Kulullû (‘hombre-pez’) de la mitología babilónica. En algún momento durante la era griega y romana, tritón se convirtió en un término genérico para un hombre-pez en el arte y la literatura.

Stephen es el ingenuo oficinista de una gran empresa. Su rutina se ve alterada cuando la princesa sirena ChaO se enamora y le propone matrimonio inesperadamente.

En materias de provecho económico capitalista, cualquier vínculo será válido. Y eso lo decide, gesta y estimula el obeso Presidente de la industria.

Un romance por conveniencia - extraño y pintoresco - comenzará a forjarse con dificultades.

Cuento poco convencional sobre la coexistencia y equilibrio entre el amor, la zoología mitológica y la carrera profesional.

Visualmente espectacular y con un estilo enérgico surge como una voz distinta en el animé japonés. Energía desbordada pero precisa. Espléndida animación.

Lo único que genera dudas, son algunas partes que se sienten inconexas, como aleatorias o sacadas de la nada, tal vez poco desarrolladas.

Juguetona, algo obvia, denuncia la pugna entre el capitalismo y el ecologismo sin tomar el tema demasiado en serio.

ANIMACIÓN GIGANTESCA, GRACIOSA, POCO CONVENCIONAL, CON UN TIERNO TRASFONDO.

Ficha técnica

Título Original: チャオ：人魚

2025 Animación, fantasía, romance Japón - 1,30 hrs. 

Fotografía: Takanori Nakashima 

Edición: Kengo Shigemura 

Música: Takatsugu Muramatsu 

Dir. de Arte.: Hiroshi Takiguchi 

Guion: Hanasaki Kino 

Voces: Hiromi Kawakami, Kenta Miyake, Taro Nikuguso - Ouji Suzuka, Anna Yamada 

Director: Yasuhiro Aoki

Premios

Festival de Sitges 2025: Nominada a Mejor largometraje de animación. Festival de Annecy 2025: Premio especial del jurado. 58° Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Cristal: Mejor largometraje - ganadora - Premio especial del jurado.

Habitación 207 - Por Jackie O.

"Luna sangrienta"

La historia transcurre en 1968, en un hotel cuyo dueño insiste en conservar la habitación 207 a pesar de los horrores y terrores que la asolaban. Muchos entraron en la habitación 207, pero solo unos pocos lograron escapar, llevándose consigo recuerdos de lo ocurrido entre sus paredes, recuerdos que ni siquiera se atrevieron a revelar a nadie. El protagonista, Gamal El Sawaf, ignoró las advertencias y desestimó lo que la habitación le deparaba, por lo que no permaneció en su puesto y entró en la habitación, dando un vuelco a su vida; comenzó a desvelar sus secretos, y luego los de su propia vida y su pasado. Con cada revelación, tuvo que pagar un precio.

¿Qué tiene esa habitación? ¿Por qué quienes pasan por ahí mueren o enloquecen ? ¿Por qué su dueño no la clausura sabiendo de sus horrores?
Esta y más preguntas nos haremos a medida que pasan los capítulos.

Gamal postula como recepcionista en el "Hotel Luna". Quiere rehacer su vida, habla tres idiomas, buena apariencia y buen trato. Queda en el trabajo y mantiene muy buena relación con sus compañeros, en especial con la nueva recepcionista, Sarah. El segundo al mando le dice que no debe ofrecer la habitación 207, pero no decirle al dueño.
Gamal comienza a indagar qué oculta esa habitación, porque cada persona que se queda ahí muere o enloquece. El dueño del hotel lo sabe, los empleados saben que algo malo pasa, y nadie habla al respecto. Es un pacto de silencio obligado.

La miniserie tiene una muy buena puesta en escena, muy bien ambientada y nos hace viajar al pasado. Maquillaje, vestuario y peinados muy buenos. Y tiene muy buena premisa, una historia misteriosa por descubrir, pero... su guion al poco andar comienza a ser deficiente. La serie es alargada innecesariamente, porque crees que tendrá un desenlace brutal, pero termina siendo mediocre.

Como es un hotel, vemos muchos pasajeros con sus historias personales, y por supuesto la misma vida de los trabajadores del lugar, donde la soledad del ser humano es latente, el compañerismo se vive, el mantener el trabajo es necesario, el amor es inevitable, y todos tenemos secretos en nuestras vidas.

Disponible en Prime Video y Pluto TV

Ficha técnica

Título original: الغرفة 207 (Room 207)
Basada en la novela homónima de Ahmed Khaled Tawfik
Egipto. 2022
Dirección: Mohammed Bakir
Reparto: Mohamed Farraag, Riham Abdel Ghafour, Nardeen Farag, Kamel El Basha, Mourad Makram, Gihan El Shamashergy, Yassin Youssef.
10 capítulos. Miniserie.
Idioma: árabe e italiano.

El Drama - Por Carlos Correa Acuña

Escrita y dirigida por Kristoffer Borgli, esta película muestra cómo la relación de Emma y Charlie pasa del mágico encantamiento inicial a un deterioro profundo en cuestión de días. Poco antes de su boda, la pareja comienza entra en una espiral de tensiones emocionales que los lleva a cuestionar la esencia de su compromiso tras revelarse algunos secretos del pasado.

¿Hay cosas que no se deben decir? Esta pregunta subyace en el relato, porque la respuesta parece inclinarse con claridad. Emma -Zendaya- y Charlie -Robert Pattinson- conforman una pareja feliz, sin duda, pero un juego que cruza ciertos límites los deja expuestos. Junto a dos amigos se preguntan cosas íntimas, guardadas bajo siete llaves, y la respuesta de Emma los desconcierta a todos. Son pensamientos que alguna vez tuvo, que no fueron acciones pero que respondían a una lógica y a un plan que pudo haberse concretado de no mediar determinadas circunstancias.

La cinta construye su tensión en función de un tema extremadamente difícil y sobre el cual existen diferentes visiones. Conviene no adelantar nada porque es mejor no conocer la temática y enfrentarse a ella con pocos antecedentes. El asunto es que se trata de pensamientos, planes, ideas que nunca se concretaron pero que salen a la luz justo antes de un momento trascendente. ¿Son cuestionables? ¿Dicen algo? ¿Han quedado atrás o son una amenaza? ¿Es necesario ser absolutamente transparente o bien se debe aplicar ciertos filtros, incluso en las relaciones más cercanas?

Sin duda, estamos ante una realidad compleja. En este caso, algo que era idílico se transforma en aterrador. Ambos se llenan de cuestionamientos y dudas. ¿Se conocen realmente o son personas distintas? Las respuestas pueden ser diversas, pues todos cambiamos a lo largo del tiempo. ¿Cuál Emma es la que se va a casar con Charlie? ¿La adolescente irreverente o la actual adulta con varios años más de experiencia y vida? ¿Qué es lo que se juzga, si es que existe derecho a juzgar?

Algunos aspectos en este relato llaman la atención. Primero, la construcción se realiza con pensamientos imaginados, en una descripción gráfica que por momentos se transforma en visiones oníricas. Segundo, el género de la cinta se mueve entre el romance, el drama y la comedia, con momentos clave que provocan puntos de inflexión, sin que ninguno se imponga ante los demás. En tercer término, al usar imágenes en paralelo se produce un juego de temporalidad. En ocasiones debemos calzar las piezas para poder ordenar los hechos, y en otros, simplemente dejarnos llevar. Guardo para el final un aspecto técnico referido a la partitura compuesta por Daniel Pemberton. Un solo de flauta, que enfatiza un intervalo (distancia) llamado “tritono” (tres tonos), suma muchísima tensión. Es, en la armonía clásico-romántica, el intervalo tal vez más disonante y se encuentra siempre asociado al quiebre tonal. En el transcurso de la acción, su utilización como preparación, seguimiento y resultado, resulta coherente, un recurso muy bien empleado que no solo refleja, sino que refuerza el nerviosismo y la incertidumbre.

En las actuaciones, Zendaya y Robert Pattinson están a la altura de sus créditos. La emocionalidad de ella y la contención de él se complementan perfectamente. La montaña rusa de sentimientos se observa desde enfoques muy diferentes, desde la exuberancia y desde la intimidad, creando atmósferas envolventes que se entrelazan con las acciones, los sueños y los pensamientos de cada uno.

“The Drama”, en un poco menos de dos horas, aborda una temática compleja y discutible. Está en juego la honestidad, el amor y el compromiso, como también la intimidad y las certezas, cada vez más escasas en la vida actual. Kristoffer Borgli no teme poner sobre la mesa los temores y dificultades que plantea la sobreexposición actual, y tampoco escatima recursos en poner presión a ese difuso límite que resguarda aquello que debemos conservar en lo más profundo de nuestros pensamientos.

¡Interesante!

Ficha técnica

Título original: The Drama
Año: 2026
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, Square Peg, Live Free or Die Films
Género: Drama. Romance
Música: Daniel Pemberton 
Guion: Kristoffer Borgli
Fotografía: Arseni Khachaturan
Reparto: Zendaya, Robert Pattinson, Mamoudou Athie, Alana Haim, Hailey Gates, Zoë Winters
Dirección: Kristoffer Borgli

Las Catadoras - Por Jackie O.

"El dolor del silencio"

Sinopsis: Otoño de 1943. Mientras su esposo sirve en el frente, Rosa Sauer huye del Berlín devastado por los bombardeos y se refugia con sus suegros en Gross-Partsch, un pueblo del noreste de Polonia. Una mañana, la joven es llevada a la Guarida del Lobo, el cuartel general nazi. Allí se une a seis mujeres más, las cuales son obligadas a probar la comida antes de servirla al Führer para asegurarse de que no esté envenenada. En este ambiente de coacción, y desgarradas entre el miedo a morir y el hambre que las consume, las catadoras forjarán alianzas, amistades y pactos secretos entre ellas.

Película desgarradora, basada en el miedo, la humillación, la incertidumbre y la desesperanza.
Un grupo de jóvenes mujeres a quienes nadie les consulta, son obligadas a realizar una peculiar labor. Solo deben acatar órdenes bajo la amenaza de un arma que, incluso, no es necesaria, ya que el temor es potente. En un comienzo, comer alimentos que nadie tiene alcance de probar es fascinante, incluso se sienten privilegiadas, pero cuando se enteran que son conejillas de india, ningún bocado sabe igual. Ningún alimento es bien digerido, porque una sola cucharada puede acabar con sus vidas.
La tensión es latente para estas mujeres, ya que puede que ese sea su último día.

Muy bien ambientada, cada detalle ha sido cuidadosamente seleccionado, así como el vestuario y maquillaje que nos transportan a la época. Las actuaciones son buenas, empatizamos con el débil y detestamos al poderoso.

Son mujeres que tienen un presente, presente que se ve alterado por la amenaza de ser ese su último minuto de vida, y por ende, no vislumbran un futuro; no, eso les ha sido arrebatado.

Pero llega un momento en que desean recuperar la esperanza de vivir, más allá de ese comedor.
Solo les queda ganar o perder una guerra que nadie pidió y que se ven en medio de un fuego cruzado tormentoso.

Película sobre guerra, guerra que no vemos intrínsicamente, pero que la tensión nos la vuelve real. Sobre un líder, Hitler, que tampoco vemos, pero está tan bien realizada la atmósfera de opresión, que no necesitamos tenerlo a la vista.

Cinta basada en "Le assaggiatrici", de Rosella Postorino, y la vida de Margot Wölk, donde su elegante puesta en escena no necesita de pirotecnia para llevarnos por campos minados.

Ficha técnica

Título original: Le assaggiatrici (The Tasters)
Dirigido por Silvio Soldini
Protagonista: Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma Hasun, Emma Falck, Olga von Luckwald Thea Rasche, Berit Vander, Kriemhild Hamann, Nicolò Pasetti.
Duración 123 min.
2025. Italia.

La posesión de la momia - Por Jackie O.

"Es mejor estar muerto"

Sinopsis: La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años después, la familia rota se sorprende cuando ella regresa con ellos, mientras lo que debería ser una reunión alegre se convierte en una pesadilla viviente.

Una familia feliz vive en el Cairo debido al trabajo de reportero de Charlie. Larissa, embarazada, también aprovecha de trabajar y dejan a sus dos pequeños hijos, Katie de ocho años y Seb de edad similar, en el hogar, turnándose ambos en el cuidado.

Por otro lado, tenemos a un matrimonio del sector que, junto a sus hijos, vienen de un linaje que mantiene un espeluznante secreto. Y este secreto comienza a desatar problemas encontrando pronta solución, solución que implica un alma inocente e involucra a la pequeña Katie, quien bajo engaño desaparece ante la vista de su padre, en una tormenta de arena. 

Ambas familias se ven unidas por la desgracia.

La desesperación de Charlie y Larissa los inunda. Nada saben de su hija, y así pasan ocho años; dejaron esa ciudad atrás, pero no el recuerdo. Ahora están radicados en América, junto a la madre de Larissa y la nueva integrante del hogar, hasta que reciben una llamada del Cairo: es la detective Zaki, quien les señala que su hija ha aparecido, pero no en buen estado, estaba dentro de un sarcófago.
¿Cómo llegó ahí? ¿Desde cuándo ha estado ahí y cómo sobrevivió? Son preguntas que Charlie desea aclarar. Larissa solo está feliz de tenerla de vuelta. Pero no es la misma, y situaciones escalofriantes comienzan a suceder en su entorno.

No solo estamos ante una película de suspenso bien manejado, o de un gore hasta asqueroso (en el buen sentido del sub género) sino que nos encontramos con temas como el duelo, la pena, el remordimiento y el sacrificio.

La cinta maneja bien la historia, incluso utilizando situaciones o diálogos nada novedosos, pero sabe como incorporarlos para captar tu atención, porque juega mucho con la parte visual. Tiene unos efectos visuales y prácticos muy buenos.
Las actuaciones están muy bien construidas, en especial la de los menores que llevan una carga psicológica brutal.

Es una nueva reinvención de "La Momia", con algunos defectos de guion, pero ideal para amantes de las cosas gráficas asquerosillas.

No se aburrirán.

Ficha técnica

Título original: Lee Cronin's The Mummy.
Director: Lee Cronin
Basada enThe Mummy (1932) de Nina Wilcox Putnam, Richard Schayer y John L. Balderston
Fotografía: Dave Garbett
Protagonistas: Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natalie Grace, Verónica Falcón
135 minutos. 2026.

Las Catadoras - Por Carlos Correa Acuña

Otoño de 1943. Un inicio nervioso, filmado con cámara en mano, intensifica la acción. Una mujer llega a una modesta casa, casi al límite de sus fuerzas. ¿La razón? Ha logrado huir del Berlín destruido por los bombardeos para para refugiarse con sus suegros en Gross-Partsch, un pueblo del noreste de Polonia, mientras su joven marido combate en el frente de batalla.

La joven es Rosa Sauer -Elisa Schlott-, y lleva poco tiempo casada. La guerra ha separado a la pareja pero su ilusión sigue intacta. A través de cartas, una luz de esperanza se mantiene encendida, sin embargo, repentinamente, las fuerzas nazis obligan a Rosa a participar en una operación secreta. Se trata de un grupo de mujeres seleccionadas que son llevadas diariamente a la famosa “Guarida del Lobo”, el cuartel general del Führer, para que prueben la comida antes de ser servida al propio Adolf Hitler.

Basada en “Le assaggiatrici”, novela publicada en 2018 por la autora italiana Rosella Postorino, la cinta desarrolla una historia inspirada en Margot Wölk, una secretaria alemana que afirmó haber estado entre las quince jóvenes elegidas para probar los alimentos del líder alemán.

El director Silvio Soldini encabeza una producción cuya mayor fortaleza está en las relaciones personales de sus protagonistas y en una cuidada recreación de los ambientes de la época. A través del paso de las estaciones, observamos el curso del tiempo, mientras la guerra continúa y el temor -tanto interno como externo- aumenta.

El metraje es claro en representar el uso de la fuerza. La figura de la autoridad no se puede discutir bajo ningún punto de vista. La angustia de cada una de estas mujeres, forzadas a realizar una tarea que no han elegido, se acrecienta cada día. El temor es evidente. ¿Y si la comida está envenenada? Por algo son “conejillas de indias”. El encierro y la vigilancia hacen mella; el maltrato es cotidiano; y la consecuencia es un abuso horroroso. Simplemente, son usadas como piezas destinadas a filtrar y contener una posible amenaza.

Soldini decide elaborar un relato fragmentado, episódico, donde los cortes marcan capítulos que avanzan linealmente en el tiempo. Desde un comienzo se aprecia que la relación entre las mujeres no es sencilla. Cada una tiene su propia historia, con diferentes temores, sueños y esperanzas, pero solo se conoce una parte de aquello. Surgen sentimientos de amistad, de protección, de colaboración; incluso el guion explora una vertiente clandestina, un fugaz amorío que amenaza con robarse parte del protagonismo, mientras la guerra avanza hacia un inminente final.

“Las Catadoras” es una película sobre pérdidas y encuentros, sobre la búsqueda de sentido cuando situaciones límite podrían destruir a cualquiera. La resiliencia de Rosa emerge como la principal virtud. Teniendo todo en contra, insiste en mantenerse en pie, en buscar una salida y encontrar la fuerza necesaria para seguir viviendo y avanzar. Es la Segunda Guerra Mundial vista desde otro ángulo, desde una historia particular que refleja la época y describe de manera íntima los efectos de un conflicto que aniquiló a millones de seres humanos.

Ficha técnica

Título original: Le assaggiatrici (The Tasters)
Año: 2025
Duración: 123 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Bélgica-Suiza; Vision Distribution, Lumière & Co., Tarantula Suisse SA, Tellfilm. Distribuidora: Vision Distribution
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Nazismo. Años 40
Guion: Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca. Novela: Rosella Postorino
Fotografía: Renato Berta
Música: Mauro Pagani
Reparto: Elisa Schlott
Max Riemelt
Dirección: Silvio Soldini

El Drama - Por Juan Pablo Donoso

Tremendo “drama” paranoico por algo que nunca existió.

Difícil relato que se hace atractivo gracias a un inteligente director, dinámica edición, y a la presencia de buenas actrices, más talentosas que bellas.

Los perfectos planes de boda de una pareja se convierten en caos cuando un absurdo secreto sale a la luz.

Un frívolo juego de la Verdad entre amigos provoca un conflicto de suposiciones y resquemores que malogra la fiesta días antes de la ceremonia.

De las cuatro personas que jugaron a confesar antiguos pecados verdaderos, la única que solo lo imaginó, pero nunca llegó a cometerlo fue la causante de la tragedia.

Los diálogos tienen un ligero ritmo a lo Woody Allen, pero más oscuro, enfermizo y caótico.

Todo el proceso dramático descansa en la desconfianza patológica que infecta al novio. Cae víctima de una grave “emetofobia”: miedo intenso, irracional y persistente. Con nauseas al imaginar, ver, escuchar a otros vomitar. Se clasifica como una fobia que genera ansiedad extrema.

Por su parte, la novia angustiada - Zendaya (Duna, 2021) - se siente impotente para calmarlo. Su nombre significa “gratitud” en la tribu Shona de África.

En ningún momento la película se estanca. Las secuencias casi oníricas difuminan la realidad.

Admirable hazaña del guionista y director noruego Kristopher Borgli (El Hombre de los Sueños - 2023) para elaborar este extraño caso de manera tan lúdica - incluyendo raccontos y fantasías - en medio del relato cotidiano. Lo mantiene con fluidez y elegancia durante la mayor parte, para luego remacharlo en el último momento con un sospechoso “happy end”.

Habría sido imposible sin la exótica personalidad de Zendaya; del carisma atormentado de Robert Pattinson (Batman - 2022 / Mátate, Amor - 2025/ Tenet - 2020), y de los secundarios Alana Haim (Una Batalla Tras Otra - 2025), el negro Mamoudou Athie (por Jurassic World: Dominio (2022), Hailey Gates (Diamantes en bruto -(2019) y Hannah Gross conocida por su papel en Guasón (2019).

El verdadero “drama” fue solo imaginado. Se sustentó en una obsesión neurótica, con tempestuosas consecuencias.

Irónicamente, luego de todo el tormento psicológico del novio, nos consuelan con un supuesto final feliz.

Conclusión: El amor y las relaciones a menudo toleran mejor las mentiras y la hipocresía que la verdad.

SÁTIRA AGUDA Y A RATOS GRACIOSA DE LA DINÁMICA DE PAREJA Y LOS RITOS NUPCIALES. ÁGIL, PROVOCATIVA Y TRAGICÓMICA.

Ficha técnica

Título Original: The Drama

2026 - Tragicomedia negra, romance, neurosis EE.UU. -1,46 hrs. 

Fotografía: Arseni Khachaturan 

Edición: Kristoffer Borgli, Joshua Raymond Lee 

Música: Daniel Pemberton 

Diseño Prod.: Zosia Mackenzie 

Actores: Robert Pattinson, Zendaya. Alana Haim 

Guionista y Director: Kristoffer Borgli

Las Catadoras - Por Juan Pablo Donoso

Sensible reconstrucción íntima de un caso verdadero de la Segunda Guerra Mundial.

Por su origen novelesco alude más a una dramática circunstancia, y a una serie de incidentes humanitarios, que a un conflicto frontal.

La ausencia de un antagonista poderoso hace que el relato sea lento, minimalista, y sin ascenso progresivo hacia un clímax.

Prusia Oriental, hoy Ketrzyn, Polonia. Otoño de 1943.

Siete mujeres son obligadas a probar la comida de Hitler para detectar posible veneno. Entre ellas surgen relaciones de solidaridad y sospecha en un ambiente de tensión y desconfianza.

Rosa, recién casada, huyendo del Berlín bombardeado, llega a un pueblito cerca de la frontera oriental, donde viven sus suegros. Allí le dijo su marido, que luchaba en el frente, que se refugiara mientras esperaba el fin de la guerra y su retorno a casa.

Pronto descubrirá la joven esposa que junto a ese pueblo, aparentemente tranquilo, se esconde el cuartel general de Hitler - la Guarida del Lobo - en el bosque circundante. El Führer, que ve enemigos por todas partes, se obsesiona con ser envenenado.

Una mañana, al amanecer, Rosa es recogida junto con otras muchachas del pueblo para probar previamente las comidas.

Entre el miedo a morir y el hambre que las consume, las "catadoras" forjarán alianzas, amistades y acuerdos secretos.

Un oficial de las SS, contra toda lógica y desafiando sus propias creencias, reaviva su sentimiento de amor. O simplemente la necesidad de sentirse viva, a pesar del terror que la rodea.

El tono general es tranquilo. Mesurado y contenido.

Tiene bella factura audiovisual en las atmósferas, y en la compasión que nos inspiran esas mujeres.

El director Soldini nos inunda con grises y marrones para reflejar desesperanza y miedo sordo. El ritmo pausado hace creíble la incertidumbre: ¿la próxima comida será la última?

Silvio Soldini (PAN Y TULIPANES, 2000) y la coguionista Doriana Leondeff adaptaron la premiada novela "En la Mesa del Lobo" (2018),de Rosella Postorino, que a su vez se basó en la historia que la superviviente Margot Wolk sobre su experiencia como catadora de comidas para Hitler.

Elisa Schlott interpreta con aplomo su rol de Rosa y Max Riemelt, como el duro teniente de las SS, proyecta la patética dicotomía entre el hombre normal y el monstruo guerrero.

Admirables Esther Gemsch y Jurgen Wink como los ancianos suegros campesinos de Rosa, ya conformados a las dominaciones extranjeras. Sobreviven solo de la resignación (constante cambio de patria) y de intuitivas esperanzas de mejor futuro.

Una historia de supervivencia diferente, que involucra miedo, impotencia y autocontrol; de quienes tienen demasiado poder contra quienes carecen de él en absoluto.

Conclusión: en la guerra nadie triunfa de verdad. Así lo demuestra, sin palabras, la última secuencia del filme.

ATÍPICA PELÍCULA DE GUERRA. HAY POCA ACCIÓN Y MÍNIMA CRUELDAD FÍSICA. EL DOLOR Y LA IMPOTENCIA CORREN SILENCIOSOS POR EL CORAZÓN DE AQUELLAS SENCILLAS MUJERES INDEFENSAS.

Ficha técnica

Título Original: Le Assaggiatorici

2025 - Drama, historia Italia, Bélgica, Suiza - 2,03 hrs. 

Fotografía: Renato Berta 

Edición: Carlotta Cristiani 

Música: Mauro Pagani 

Producción: Federico Parisi Asaro, Stefane Tatibouet 

Guion: Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca 

Actores: Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma Hasun 

Director: Silvio Soldini

El príncipe de Nanawua - Por Jackie O.

"Sueño, esperanzas y decisiones"

Nanawa es una ciudad del Paraguay, situada en la frontera misma con Clorinda, Argentina, siendo el principal paso fronterizo para peatones de la zona entre ambos países, y ahí vive el pequeño Angel.

La directora, Clarisa Navas, se encontraba en el lugar con el fin de realizar un trabajo sobre mujeres del sector, pero se encontró con un lindo y parlanchín pequeño de nueve años llamado Ángel Stegmayer Caballero. Su encanto la cautivó, su personalidad la deslumbró y ahí se quedó con él. Lo entrevistó sobre situaciones cotidianas y también de temas profundos; el muchacho quería expresarse. Así que decidió seguirlo, pero no se quedó ahí. Le entregó una cámara para que grabara su día a día, su entorno, donde la carencia se vive, el tráfico de mercancía es casi normal y donde ver trabajar a los niños es cotidiano. Ahí, Angel vive con su padre de la tercera edad -casi cuarta- quien construyó una nueva familia con Lucía.

 
La vida de este niño transcurre con naturalidad e inocencia ante sus ojos, ojos sin pecado, con sueños.
Pero Clarisa crea un vínculo con este joven y así pasan aproximadamente diez años inmiscuyéndose en su vida, su entorno, donde su inocencia va transformándose en picardía, en que esos sueños de niño de ser veterinario se cambian por dejar la escuela para trabajar. Conoce el amor, se ve envuelto en problemas, en su vida si no está presente la sequía, es la inundación. Es la vida que le tocó y trata, con ese dejo de inocencia que mantiene, de superarse. Pero ese mismo entorno influye para tomar otros caminos.

Trabajos como este son conocidos como los coming-of-age, donde su protagonista tiene una iniciación, crecimiento y desarrollo dentro del largometraje, no solo físico, sino que emocional y moral.
La directora realiza un extenuante y muy humano trabajo, con tomas desde diferentes ángulos, limpias y desordenadas, para mostrarnos la vida como es, en un rincón del mundo.

Divertido en un comienzo y conmovedor a medida que avanza, pues los sueños de un niño se van transformando por las circunstancias que se presentan. Es la vida misma, en un entorno donde todo se mezcla, no solo la división de países o el idioma, sino que las desiciones personales.

Una vida precaria donde no se debe romantizar la pobreza, sino potenciarla, ya que viven muchas almas que buscan avanzar.

Disponible en este momento en cine @ccc funciones en abril los días 16, 23 y 24.

Ficha técnica

Dirección y guion: Clarisa Navas
Duración: 210 minutos (con una pausa a la mitad de 15 minutos en cine)
Idioma: español y guaraní
2025

Buena Suerte, Diviértete, No Mueras - Por Juan Pablo Donoso

Una sátira loca - y exagerada - que plantea tanto elogios como advertencias al progreso cibernético.

Previene peligros de alienación por los avances tecnológicos e Inteligencia Artificial.

En tono de humor negro y aventurero, nos bañan con denuncias sociales y precauciones hacia los avances descontrolados de las tecnologías. Las escupen de adrede, con la esperanza de que alguna nos pegue.

Curiosamente oportuna cuando alude a los atentados escolares - incluyendo matanzas - y la alienación amoral de los adolescentes al ingerir por sus celulares y redes sociales todo lo que les llega.

Caricatura que ilustra bien cómo los jóvenes se transforman en zombis irracionales en nuestros días.

Acusa las “irresponsabilidades descontroladas” ante los valores éticos; unidos al talento informático de algunos genios/monstruos infantiles actuales.

Un vagabundo que afirma venir del futuro llega a un pequeño restaurante en Los Ángeles. Su misión es detener a una inteligencia artificial maligna que se ha rebelado y amenaza la supervivencia de la humanidad. Recluta a un grupo de descontentos para que, en el transcurso de una noche, participen en la batalla redentora.

Las secuencias iniciales se ven más novedosas y mágicas que el desarrollo posterior.

Por recargar el relato y sumergir a sus personajes en tantas aventuras y peripecias, enmaraña la premisa de fondo.

Debió ser más selectiva y coherente en las metáforas que se suceden y acumulan, como lo hizo Kubrick en 2001: Odisea del Espacio o Dr. Insólito.

Va matizando la gesta con las historias paralelas de sus personajes. Más que profundidad emocional los coloca en situaciones extremas, y absurdas, para ver cómo sobreviven.

Aplica la circularidad de los tiempos pasados, presentes y futuros.

Al parecer quiso ir más allá con la violencia, pero nunca decidió entre el loco humor negro o un mensaje trascendente más brutal.

Parece casi un episodio extendido de Black Mirror (2011- serie TV) ambientado en nuestra época actual. En aquella ciencia ficción distópica las grandes innovaciones colisionan contra los oscuros instintos humanos (ganó 6 premios Primetime Emmy, 48 premios más, y 186 nominaciones en total).

Esta vez el realizador Gore Verbinski (La Cura Siniestra - 2016(/ Piratas del Caribe - 2003) y su guionista Matthew Robinson se aventuran en un relato que mezcla futurismo, denuncia, humor negro y aventuras. El resultado es ameno, impredecible, ágil y estrambótico. Cada actor y actriz se entrega al juego y la fantasía. Celebramos la presencia del conocido Sam Rockwell (Tres Anuncios por un Crimen - 2017), como el Vagabundo, en un rol lucidamente protagónico.

Junto con manifestar una baja opinión de los seres humanos y la tecnología, el director Verbisnski prestó su voz al perrito Pug del final de la película.

UNA PROVOCATIVA PARODIA SOBRE NUESTRA ENAJENADA SOCIEDAD. ESPECIAL PARA ESPECTADORES QUE DISFRUTAN CON LOCAS MORALEJAS FUTURISTAS.

Ficha técnica

Título Original: Good Luck, Have Fun, Don´t Die

2025 Humor negro, aventura, ciencia ficción Alemania, EE.UU. - 2,14 hrs. 

Fotografía: James Whitaker 

Edición: Craig Wood 

Música: Geoff Zanelli 

Diseño Prod.: David Brisbin 

Guion: Matthew Robinson 

Actores: Sam Rockwell, Haley Lu Richardson, Michael Peña 

Director: Gore Verbinski