Las Catadoras - Por Carlos Correa Acuña

Otoño de 1943. Un inicio nervioso, filmado con cámara en mano, intensifica la acción. Una mujer llega a una modesta casa, casi al límite de sus fuerzas. ¿La razón? Ha logrado huir del Berlín destruido por los bombardeos para para refugiarse con sus suegros en Gross-Partsch, un pueblo del noreste de Polonia, mientras su joven marido combate en el frente de batalla.

La joven es Rosa Sauer -Elisa Schlott-, y lleva poco tiempo casada. La guerra ha separado a la pareja pero su ilusión sigue intacta. A través de cartas, una luz de esperanza se mantiene encendida, sin embargo, repentinamente, las fuerzas nazis obligan a Rosa a participar en una operación secreta. Se trata de un grupo de mujeres seleccionadas que son llevadas diariamente a la famosa “Guarida del Lobo”, el cuartel general del Führer, para que prueben la comida antes de ser servida al propio Adolf Hitler.

Basada en “Le assaggiatrici”, novela publicada en 2018 por la autora italiana Rosella Postorino, la cinta desarrolla una historia inspirada en Margot Wölk, una secretaria alemana que afirmó haber estado entre las quince jóvenes elegidas para probar los alimentos del líder alemán.

El director Silvio Soldini encabeza una producción cuya mayor fortaleza está en las relaciones personales de sus protagonistas y en una cuidada recreación de los ambientes de la época. A través del paso de las estaciones, observamos el curso del tiempo, mientras la guerra continúa y el temor -tanto interno como externo- aumenta.

El metraje es claro en representar el uso de la fuerza. La figura de la autoridad no se puede discutir bajo ningún punto de vista. La angustia de cada una de estas mujeres, forzadas a realizar una tarea que no han elegido, se acrecienta cada día. El temor es evidente. ¿Y si la comida está envenenada? Por algo son “conejillas de indias”. El encierro y la vigilancia hacen mella; el maltrato es cotidiano; y la consecuencia es un abuso horroroso. Simplemente, son usadas como piezas destinadas a filtrar y contener una posible amenaza.

Soldini decide elaborar un relato fragmentado, episódico, donde los cortes marcan capítulos que avanzan linealmente en el tiempo. Desde un comienzo se aprecia que la relación entre las mujeres no es sencilla. Cada una tiene su propia historia, con diferentes temores, sueños y esperanzas, pero solo se conoce una parte de aquello. Surgen sentimientos de amistad, de protección, de colaboración; incluso el guion explora una vertiente clandestina, un fugaz amorío que amenaza con robarse parte del protagonismo, mientras la guerra avanza hacia un inminente final.

“Las Catadoras” es una película sobre pérdidas y encuentros, sobre la búsqueda de sentido cuando situaciones límite podrían destruir a cualquiera. La resiliencia de Rosa emerge como la principal virtud. Teniendo todo en contra, insiste en mantenerse en pie, en buscar una salida y encontrar la fuerza necesaria para seguir viviendo y avanzar. Es la Segunda Guerra Mundial vista desde otro ángulo, desde una historia particular que refleja la época y describe de manera íntima los efectos de un conflicto que aniquiló a millones de seres humanos.

Ficha técnica

Título original: Le assaggiatrici (The Tasters)
Año: 2025
Duración: 123 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Bélgica-Suiza; Vision Distribution, Lumière & Co., Tarantula Suisse SA, Tellfilm. Distribuidora: Vision Distribution
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Nazismo. Años 40
Guion: Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca. Novela: Rosella Postorino
Fotografía: Renato Berta
Música: Mauro Pagani
Reparto: Elisa Schlott
Max Riemelt
Dirección: Silvio Soldini

El Drama - Por Juan Pablo Donoso

Tremendo “drama” paranoico por algo que nunca existió.

Difícil relato que se hace atractivo gracias a un inteligente director, dinámica edición, y a la presencia de buenas actrices, más talentosas que bellas.

Los perfectos planes de boda de una pareja se convierten en caos cuando un absurdo secreto sale a la luz.

Un frívolo juego de la Verdad entre amigos provoca un conflicto de suposiciones y resquemores que malogra la fiesta días antes de la ceremonia.

De las cuatro personas que jugaron a confesar antiguos pecados verdaderos, la única que solo lo imaginó, pero nunca llegó a cometerlo fue la causante de la tragedia.

Los diálogos tienen un ligero ritmo a lo Woody Allen, pero más oscuro, enfermizo y caótico.

Todo el proceso dramático descansa en la desconfianza patológica que infecta al novio. Cae víctima de una grave “emetofobia”: miedo intenso, irracional y persistente. Con nauseas al imaginar, ver, escuchar a otros vomitar. Se clasifica como una fobia que genera ansiedad extrema.

Por su parte, la novia angustiada - Zendaya (Duna, 2021) - se siente impotente para calmarlo. Su nombre significa “gratitud” en la tribu Shona de África.

En ningún momento la película se estanca. Las secuencias casi oníricas difuminan la realidad.

Admirable hazaña del guionista y director noruego Kristopher Borgli (El Hombre de los Sueños - 2023) para elaborar este extraño caso de manera tan lúdica - incluyendo raccontos y fantasías - en medio del relato cotidiano. Lo mantiene con fluidez y elegancia durante la mayor parte, para luego remacharlo en el último momento con un sospechoso “happy end”.

Habría sido imposible sin la exótica personalidad de Zendaya; del carisma atormentado de Robert Pattinson (Batman - 2022 / Mátate, Amor - 2025/ Tenet - 2020), y de los secundarios Alana Haim (Una Batalla Tras Otra - 2025), el negro Mamoudou Athie (por Jurassic World: Dominio (2022), Hailey Gates (Diamantes en bruto -(2019) y Hannah Gross conocida por su papel en Guasón (2019).

El verdadero “drama” fue solo imaginado. Se sustentó en una obsesión neurótica, con tempestuosas consecuencias.

Irónicamente, luego de todo el tormento psicológico del novio, nos consuelan con un supuesto final feliz.

Conclusión: El amor y las relaciones a menudo toleran mejor las mentiras y la hipocresía que la verdad.

SÁTIRA AGUDA Y A RATOS GRACIOSA DE LA DINÁMICA DE PAREJA Y LOS RITOS NUPCIALES. ÁGIL, PROVOCATIVA Y TRAGICÓMICA.

Ficha técnica

Título Original: The Drama

2026 - Tragicomedia negra, romance, neurosis EE.UU. -1,46 hrs. 

Fotografía: Arseni Khachaturan 

Edición: Kristoffer Borgli, Joshua Raymond Lee 

Música: Daniel Pemberton 

Diseño Prod.: Zosia Mackenzie 

Actores: Robert Pattinson, Zendaya. Alana Haim 

Guionista y Director: Kristoffer Borgli

Las Catadoras - Por Juan Pablo Donoso

Sensible reconstrucción íntima de un caso verdadero de la Segunda Guerra Mundial.

Por su origen novelesco alude más a una dramática circunstancia, y a una serie de incidentes humanitarios, que a un conflicto frontal.

La ausencia de un antagonista poderoso hace que el relato sea lento, minimalista, y sin ascenso progresivo hacia un clímax.

Prusia Oriental, hoy Ketrzyn, Polonia. Otoño de 1943.

Siete mujeres son obligadas a probar la comida de Hitler para detectar posible veneno. Entre ellas surgen relaciones de solidaridad y sospecha en un ambiente de tensión y desconfianza.

Rosa, recién casada, huyendo del Berlín bombardeado, llega a un pueblito cerca de la frontera oriental, donde viven sus suegros. Allí le dijo su marido, que luchaba en el frente, que se refugiara mientras esperaba el fin de la guerra y su retorno a casa.

Pronto descubrirá la joven esposa que junto a ese pueblo, aparentemente tranquilo, se esconde el cuartel general de Hitler - la Guarida del Lobo - en el bosque circundante. El Führer, que ve enemigos por todas partes, se obsesiona con ser envenenado.

Una mañana, al amanecer, Rosa es recogida junto con otras muchachas del pueblo para probar previamente las comidas.

Entre el miedo a morir y el hambre que las consume, las "catadoras" forjarán alianzas, amistades y acuerdos secretos.

Un oficial de las SS, contra toda lógica y desafiando sus propias creencias, reaviva su sentimiento de amor. O simplemente la necesidad de sentirse viva, a pesar del terror que la rodea.

El tono general es tranquilo. Mesurado y contenido.

Tiene bella factura audiovisual en las atmósferas, y en la compasión que nos inspiran esas mujeres.

El director Soldini nos inunda con grises y marrones para reflejar desesperanza y miedo sordo. El ritmo pausado hace creíble la incertidumbre: ¿la próxima comida será la última?

Silvio Soldini (PAN Y TULIPANES, 2000) y la coguionista Doriana Leondeff adaptaron la premiada novela "En la Mesa del Lobo" (2018),de Rosella Postorino, que a su vez se basó en la historia que la superviviente Margot Wolk sobre su experiencia como catadora de comidas para Hitler.

Elisa Schlott interpreta con aplomo su rol de Rosa y Max Riemelt, como el duro teniente de las SS, proyecta la patética dicotomía entre el hombre normal y el monstruo guerrero.

Admirables Esther Gemsch y Jurgen Wink como los ancianos suegros campesinos de Rosa, ya conformados a las dominaciones extranjeras. Sobreviven solo de la resignación (constante cambio de patria) y de intuitivas esperanzas de mejor futuro.

Una historia de supervivencia diferente, que involucra miedo, impotencia y autocontrol; de quienes tienen demasiado poder contra quienes carecen de él en absoluto.

Conclusión: en la guerra nadie triunfa de verdad. Así lo demuestra, sin palabras, la última secuencia del filme.

ATÍPICA PELÍCULA DE GUERRA. HAY POCA ACCIÓN Y MÍNIMA CRUELDAD FÍSICA. EL DOLOR Y LA IMPOTENCIA CORREN SILENCIOSOS POR EL CORAZÓN DE AQUELLAS SENCILLAS MUJERES INDEFENSAS.

Ficha técnica

Título Original: Le Assaggiatorici

2025 - Drama, historia Italia, Bélgica, Suiza - 2,03 hrs. 

Fotografía: Renato Berta 

Edición: Carlotta Cristiani 

Música: Mauro Pagani 

Producción: Federico Parisi Asaro, Stefane Tatibouet 

Guion: Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca 

Actores: Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma Hasun 

Director: Silvio Soldini

El príncipe de Nanawua - Por Jackie O.

"Sueño, esperanzas y decisiones"

Nanawa es una ciudad del Paraguay, situada en la frontera misma con Clorinda, Argentina, siendo el principal paso fronterizo para peatones de la zona entre ambos países, y ahí vive el pequeño Angel.

La directora, Clarisa Navas, se encontraba en el lugar con el fin de realizar un trabajo sobre mujeres del sector, pero se encontró con un lindo y parlanchín pequeño de nueve años llamado Ángel Stegmayer Caballero. Su encanto la cautivó, su personalidad la deslumbró y ahí se quedó con él. Lo entrevistó sobre situaciones cotidianas y también de temas profundos; el muchacho quería expresarse. Así que decidió seguirlo, pero no se quedó ahí. Le entregó una cámara para que grabara su día a día, su entorno, donde la carencia se vive, el tráfico de mercancía es casi normal y donde ver trabajar a los niños es cotidiano. Ahí, Angel vive con su padre de la tercera edad -casi cuarta- quien construyó una nueva familia con Lucía.

 
La vida de este niño transcurre con naturalidad e inocencia ante sus ojos, ojos sin pecado, con sueños.
Pero Clarisa crea un vínculo con este joven y así pasan aproximadamente diez años inmiscuyéndose en su vida, su entorno, donde su inocencia va transformándose en picardía, en que esos sueños de niño de ser veterinario se cambian por dejar la escuela para trabajar. Conoce el amor, se ve envuelto en problemas, en su vida si no está presente la sequía, es la inundación. Es la vida que le tocó y trata, con ese dejo de inocencia que mantiene, de superarse. Pero ese mismo entorno influye para tomar otros caminos.

Trabajos como este son conocidos como los coming-of-age, donde su protagonista tiene una iniciación, crecimiento y desarrollo dentro del largometraje, no solo físico, sino que emocional y moral.
La directora realiza un extenuante y muy humano trabajo, con tomas desde diferentes ángulos, limpias y desordenadas, para mostrarnos la vida como es, en un rincón del mundo.

Divertido en un comienzo y conmovedor a medida que avanza, pues los sueños de un niño se van transformando por las circunstancias que se presentan. Es la vida misma, en un entorno donde todo se mezcla, no solo la división de países o el idioma, sino que las desiciones personales.

Una vida precaria donde no se debe romantizar la pobreza, sino potenciarla, ya que viven muchas almas que buscan avanzar.

Disponible en este momento en cine @ccc funciones en abril los días 16, 23 y 24.

Ficha técnica

Dirección y guion: Clarisa Navas
Duración: 210 minutos (con una pausa a la mitad de 15 minutos en cine)
Idioma: español y guaraní
2025

Buena Suerte, Diviértete, No Mueras - Por Juan Pablo Donoso

Una sátira loca - y exagerada - que plantea tanto elogios como advertencias al progreso cibernético.

Previene peligros de alienación por los avances tecnológicos e Inteligencia Artificial.

En tono de humor negro y aventurero, nos bañan con denuncias sociales y precauciones hacia los avances descontrolados de las tecnologías. Las escupen de adrede, con la esperanza de que alguna nos pegue.

Curiosamente oportuna cuando alude a los atentados escolares - incluyendo matanzas - y la alienación amoral de los adolescentes al ingerir por sus celulares y redes sociales todo lo que les llega.

Caricatura que ilustra bien cómo los jóvenes se transforman en zombis irracionales en nuestros días.

Acusa las “irresponsabilidades descontroladas” ante los valores éticos; unidos al talento informático de algunos genios/monstruos infantiles actuales.

Un vagabundo que afirma venir del futuro llega a un pequeño restaurante en Los Ángeles. Su misión es detener a una inteligencia artificial maligna que se ha rebelado y amenaza la supervivencia de la humanidad. Recluta a un grupo de descontentos para que, en el transcurso de una noche, participen en la batalla redentora.

Las secuencias iniciales se ven más novedosas y mágicas que el desarrollo posterior.

Por recargar el relato y sumergir a sus personajes en tantas aventuras y peripecias, enmaraña la premisa de fondo.

Debió ser más selectiva y coherente en las metáforas que se suceden y acumulan, como lo hizo Kubrick en 2001: Odisea del Espacio o Dr. Insólito.

Va matizando la gesta con las historias paralelas de sus personajes. Más que profundidad emocional los coloca en situaciones extremas, y absurdas, para ver cómo sobreviven.

Aplica la circularidad de los tiempos pasados, presentes y futuros.

Al parecer quiso ir más allá con la violencia, pero nunca decidió entre el loco humor negro o un mensaje trascendente más brutal.

Parece casi un episodio extendido de Black Mirror (2011- serie TV) ambientado en nuestra época actual. En aquella ciencia ficción distópica las grandes innovaciones colisionan contra los oscuros instintos humanos (ganó 6 premios Primetime Emmy, 48 premios más, y 186 nominaciones en total).

Esta vez el realizador Gore Verbinski (La Cura Siniestra - 2016(/ Piratas del Caribe - 2003) y su guionista Matthew Robinson se aventuran en un relato que mezcla futurismo, denuncia, humor negro y aventuras. El resultado es ameno, impredecible, ágil y estrambótico. Cada actor y actriz se entrega al juego y la fantasía. Celebramos la presencia del conocido Sam Rockwell (Tres Anuncios por un Crimen - 2017), como el Vagabundo, en un rol lucidamente protagónico.

Junto con manifestar una baja opinión de los seres humanos y la tecnología, el director Verbisnski prestó su voz al perrito Pug del final de la película.

UNA PROVOCATIVA PARODIA SOBRE NUESTRA ENAJENADA SOCIEDAD. ESPECIAL PARA ESPECTADORES QUE DISFRUTAN CON LOCAS MORALEJAS FUTURISTAS.

Ficha técnica

Título Original: Good Luck, Have Fun, Don´t Die

2025 Humor negro, aventura, ciencia ficción Alemania, EE.UU. - 2,14 hrs. 

Fotografía: James Whitaker 

Edición: Craig Wood 

Música: Geoff Zanelli 

Diseño Prod.: David Brisbin 

Guion: Matthew Robinson 

Actores: Sam Rockwell, Haley Lu Richardson, Michael Peña 

Director: Gore Verbinski

Talla Real - Por Jackie O.

"Cintura imperio, belleza en todas"

Sinopsis: Lenore Miller es una adolescente insegura y de talla grande, cuyo talento para la moda es descubierto por su compañera de clase, Kayla, una chica segura de sí misma. El padre de Lenore, Mark, es su mayor apoyo, pero los temores de su madre, preocupada por su imagen, y las propias inseguridades de Lenore le impiden lucir sus propios diseños.

Estamos ante una cinta predecible, simple, sin grandes pretensiones que solo entretener y dar mensajes positivos.

Lenore es gorda, desaliñada, despreocupada de su imagen y le gusta pasar desapercibida, ya que le afecta su aspecto físico el cual es constantemente monitoreado por su madre, quien está obsesionada por la imagen. Pero Lenore tiene un don que oculta incluso a su familia: es diseñadora de modas. Crea unos vestidos hermosos, pero los mantiene ocultos. Su inseguridad no la puede evitar porque su alrededor es negativo para ella: su madre le controla las comidas, sus compañeros de colegio le hacen bullying de forma constante. No soporta su vida. Hasta que aparece alguien que siempre estuvo cerca, Kayla, una chica aún mas robusta, pero con una seguridad en sí misma deslumbrante. Es su compañera de curso. Ambas se unen de una forma no grata en un comienzo, donde Kayla saca a relucir el talento de Lenore y a enseñarle a confiar en ella misma.

 
Así van apareciendo otras chicas marginadas por la sociedad, objeto de burlas y sin oportunidades, quienes terminan convirtiéndose en las musas de nuevos diseños.

La película no está exenta de situaciones incómodas como el constante bullying que atormenta hasta a la persona mas ruda, ya que no son solo las acciones las molestas, sino que las palabras, el desaire y el abandono.

Como señalé, esta película no busca ganar premios, sino darnos un buen momento para conversar sobre la crítica constante al otro, donde la simpleza de la vida nos haga sentir bien siendo buenas personas, ayudando a quien está abandonado y potenciar los talentos cuando los veamos.

En qué puede fallar, es en esa misma simpleza que no se arriesga a más, y que se caricaturiza demasiado a algunas personas, marcando mucho los estereotipos.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Directora y guionista: Claire Ayoub
1h 34m. EEUU. 2024.
Comedia, Drama
Reparto: Mia Kaplan, Jemima Yevu, Jolene Purdy, Missi Pyle, Rainn Wilson.
Empire Waist.

Si vas para Chile - Por Jackie O.

"Realidad país, realidad mundial"

Largometraje documental que nos habla sobre la crisis migratoria, respecto de hechos ocurridos el año 2021.

Las imágenes son hermosas, amplias tomas áridas con un encanto envolvente y de colores mágicos, pero esa grietas de la naturaleza nos traen algo más. Esos colores ya no son tan mágicos, comienza la historia. Estamos ante una crisis nacional, una crisis mundial: los inmigrantes.

La migración existe y existirá, es un problema de quienes salen, de quienes entran, del extranjero, del local, un problema país.

Y este documental no te trae una solución ni una respuesta. Te trae debate, te trae análisis. Te hace reflexionar, pero no te hace ni mala persona ni mejor persona, porque no puedes tener un bando. Todos tenemos opiniones y posiciones claras, pero hay momentos en que debemos detenernos y empatizar con esa persona que viene por días caminando para buscar un refugio, un lugar mejor, es un extranjero que busca surgir; pero también no olvidar al local, que se ve invadido por extraños, algunos de malas costumbres que no se ganan el cariño, y se siente amenazado. Dos mundos, dos fuerzas que chocan abruptamente y se desata el caos.

Escuchamos a personas de ambos lados. No podemos no sentir sus angustias y hacer valer sus argumentos.

La edición combinada con su guion es conmovedor sin caer en lo lacrimógeno, ya que no pierde el foco del tema principal, que es reflexionar.
Excelente fotografía, dura y sensible, que combina con el relato. Y mantiene una buena dirección.

Disponible en salas independientes del país. Y @miradocchile

Ficha técnica

Dirigida por Amilcar Infante y Sebastián González Méndez
68 minutos

Historia de amor: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette - Por Jackie O.

“En jaula de oro”

American Story es una franquicia de medios de antología estadounidense que consta de varias series de televisión creadas por Ryan Murphy y Brad Falchuk.

Cada serie sigue un género de ficción diferente, y cada temporada individual se concibe como una miniserie autónoma, siguiendo un conjunto diferente de personajes y escenarios, y una historia con su propio "principio, medio y final". Y han sido:

Horror Story (2011-presente)

Crime Story (2016-2021)

Horror Stories (2021-2024)

Sports Story (2024) y

Love Story (2026)

Esta reseña se basa en la última, sobre una pareja que la mayoría desconoce y que fue centro mediático en los 90': el romance entre de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette.

La miniserie comienza advirtiendo que hay hechos y personajes ficticios, ya que en toda, y reitero, en toda serie, miniserie o película basada en un personaje real, hay mucho de ficticio, se inventan situaciones y personajes para rellenar mejor la historia que veremos en la pantalla, pues el espectador a veces tiende a creer que todo es verdad.

La miniserie de nueve capítulos nos cuenta la historia de cómo se conocieron John y Carolyn. Ella, una elegante vendedora que fue descubierta por Calvin Klein y se la llevó a trabajar con él; y John, considerado en el momento el soltero más sexy, de buen linaje y adicto al deporte. En la serie veremos que los presenta Calvin, aunque Kelly Rector señala en una biografía que no fue así. Pero, en fin, sigamos con la historia televisiva.

Veremos a muchos famosos aparecer en esta historia, de cómo intervinieron en la vida de ambos, pero el centro mayor es indiscutiblemente la familia Kennedy. A pesar de que Carolyn fue ícono fashionista, muchas veces retratada en los tabloides, el apellido Kennedy siempre pesa más, hasta llegar a perder su luz siendo opacada por el apellido de su esposo, su familia, la prensa, el mundo.

Una desconocida se empareja con un famoso y su vida cambia abruptamente, teniendo que lidiar con la prensa. De cómo John estaba de novio con Daryl Hannah y la interposición de Carolyn, sin ella querer interferir.

El acoso diario, las dificultades psicológicas, alejarse de familiares y amigos, esconderse; llegó un momento en que Carolyn creyó sobrellevar eso, se casaron, pero ella no pudo lidiar con la fama de su esposo. Los problemas se acrecentaban.

La miniserie está muy bien contada. Nos muestra la historia de cómo pudo haber sucedido todo con alta dosis de exageración, haciéndonos creer que la relación fue muy tóxica. ¿Habrá sido así? ¿Se amaron hasta su último día?

Trata de cómo Caroline Kennedy debió luchar contra lo que se denomina “la maldición Kennedy”, sin mencionarlo explícitamente, un rol importante de ella en la trama, ya que se le muestra como el pilar de la familia después de su madre.

Aparte de buena edición, tiene también una puesta en escena muy elaborada para llevarnos a los 90, con un excelente vestuario, ya que quería ver a Carolyn Bessette como la fashionista minimalista que era. La banda sonora muy acorde y nos hace tararear de vez en cuando algún tema.

Muy buenas actuaciones, con buenos maquillajes que los acerca bastante a los reales. Y aunque creo que la historia fue algo exagerada en ciertas situaciones, es entretenida y necesaria ver por sus personajes.

Una miniserie cuyos protagonistas comienzan con mucha energía, pero a medida que pasa el tiempo, sus vidas van opacándose producto de la exposición a los medios que deben enfrentar. Una pareja que lucha por amarse, pero se va perdiendo.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Género Romance
Basado en Once Upon a Time de Elizabeth Beller
Protagonistas Sarah Pidgeon, Paul Anthony Kelly, Naomi Watts, Grace Gummer, Leila George, Noah Fearnley
EEUU. 2026

Jugada Maestra - Por Juan Pablo Donoso

Nueva adaptación cinematográfica de la novela inglesa de Roy Horniman (1872/1930), que constituyó un clásico en 1949 llamada LOS 8 SENTENCIADOS (Kind Hearts and Coronets).

Un hijo natural, cuya madre se negó a abortar, debió vivir una infancia de pobreza debido a que su adinerada familia lo relegó al último lugar de la herencia. Al crecer, decide vengarse eliminando, uno por uno, a los parientes que lo anteceden.

Al instalar esta sátira - dirigida por John Patton Ford (Emilia la Criminal - 2022) - en nuestros días pierde la flema británica y sutil hipocresía decimonónica de la original.

En aquella, el cínico dandy (Dennis Price), se desliza con elegancia por la sociedad aristocrática de la época victoriana, acechando y planeando, la manera más astuta de eliminar a cada uno de sus parientes ricachones.

Aparte de la exquisita ambientación, del refinamiento sagaz de las mujeres que lo conquistan, lo más espectacular de aquel filme fue cómo el gran Alec Guinness encarnó a todos los “sentenciados”, entre los cuales había desde prepotentes uniformados, pasando por galanes inescrupulosos, sacerdotes, hasta incluir a displicentes veteranas de alta sociedad.

Cada actor y actriz en esa comedia dirigida por Robert Hamer ilustró el retrato social exacto de su rol y, aseguramos, que fue el trampolín más poderoso para lanzar a Guinness al estrellato definitivo de su carrera posterior. Interpretó cada papel mejor que el reparto actual.

Aparte de los cambios de nombre y algunos otros detalles, se trata de una copia recauchada de LOS 8 SENTENCIADOS, pero sin el humor cáustico de aquella, ni tampoco del giro inesperado de la última frase.

En esta versión destacamos el carisma de Glen Powell (Top Gun: Maverick - 2022), sobre quien recae el grueso del protagonismo, quedando muy relegadas sus víctimas quienes - a diferencia de Guiness - solo constituyen esbozos de la riqueza histriónica de cada uno de sus personajes.

Por su parte, si bien las actrices Margaret Qualey (Había una Vez en Hollywood - 2019) y Jessica Henwick (Sangre de Zeus - TV serie 2020/25) intentan desplegar sus talentos, este guion les impide superar a Valerie Hobson y Joan Greenwood de antaño.

Para enriquecer la prominencia actoral, incluyeron a Ed Harris como al anciano patriarca despiadado, pero también sólo se siente como un recurso forzado para justificar el desenlace.

La gran diferencia radica en que esta culminación es más amoral que la versión inglesa.

Hubo un lejano remedo coreano en La Última Opción (2026).

Conclusión: por muy astuto que se crea un hombre, nunca triunfará sobre la venganza de una mujer despechada.

AUNQUE QUEDA CORTA COMPARADA CON EL ENCANTO DE LA ORIGINAL, RESULTARÁ ENTRETENIDA, E INGENIOSA, PARA QUIENES VEAN ESTA SÁTIRA POR PRIMERA VEZ.

Ficha técnica

Título Original: How to Make a Killing

2026 Tragicomedia, sátira, suspenso EE.UU., Francia, Inglaterra - 1,45 hrs. 

Fotografía: Todd Banhazl 

Edición: Harrison Atkins 

Música: Emile Mosseri 

Diseño Prod.: Christian Huband 

Actores: Glen Powell, Margaret Qualley y Ed Harris 

Guionista y Director: John Patton Ford

Te van a matar - Por Carlos Correa Acuña

El título ya es significativo. Un anuncio claro de lo que está por venir, porque es mucho lo que oculta ese misterioso hotel de Nueva York donde Asia Reaves -Zazie Beetz- llega buscando trabajo. Ella es exconvicta y tiene poderosas razones para internarse en aquel mundo desconocido, pues lleva tiempo buscando incansablemente a su hermana María y una pista clara la ha conducido a ese lugar. ¿Qué encontrará en la comunidad que habita allí? ¿Logrará dar con su hermana? ¿Podrá evitar que la maten, como sugiere el título?

Esta película, escrita y dirigida por Kirill Sokolov, tiene un muy buen trabajo en el diseño de los escenarios. Los efectos especiales representan una parte importante del trabajo de producción y postproducción, y resultan vitales para dotar al relato de aquellos elementos visuales cuya función es provocar impacto. Otro punto destacado es la narrativa escogida. A pesar de ser lineal, logra separarla según la perspectiva de los personajes, dividiéndose en capítulos según cada uno, para luego unir las piezas como si se tratara de un buen rompecabezas.

Destaca la actuación de Zazie Beetz. Totalmente compenetrada en su rol, la actriz realiza acrobacias dignas de elogio. En algunas tomas, las escenas resultan muy reales, luchando cuerpo a cuerpo, logrando un punto alto en una película que desde las primeras escenas pretende capturar la atención del espectador.

Dicho esto, aún no logro conectar con este género; me produce cierto rechazo. Primero, no le encuentro sentido, porque la ejecución -no la premisa- no tiene ni pies ni cabeza (literal). Segundo, rápidamente solo se centra en matanzas y sangre, mucha sangre, y el guion se torna tan absurdo que ni siquiera algunos temas de fondo, como los abusos de los ricos a los pobres, adquieren visibilidad, pues quedan debajo de capas pirotécnicas que impiden ver la luz.

Tengo claro que esta cinta es de acción, sin embargo resulta demasiado estridente para mi gusto. ¿Provoca adrenalina? Puede ser, pero solo hasta que la caricatura de las situaciones logran traspasar barreras y ya solo reímos o sonreímos con cada una de las cruentas secuencias. Haciendo un paralelo, sucede con lo visual lo que a mí me pasa cuando la música está tan fuerte que no deja espacio a nada más. Uno se nubla, se confunde y finalmente termina mareado y atontado.

“They Will Kill You”, en poco más de una hora y media, pasa rápido. No vuela pero corre bastante. Ciertamente para fans de este tipo de películas funcionará, porque las peleas, los desmembramientos y todo todo ese tipo de excesos está asegurado, algo que a mí me resulta tedioso y agotador.

¡Atención! Está el camino despejado para una secuela del tipo “Te van a matar 2” o “Igual te van a matar”. Ya veremos.

Ficha técnica

Título original: They Will Kill You
Año: 2026
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Film Afrika Entertainment, New Line Cinema, Skydance Productions. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Terror. Acción | Comedia de terror. Satanismo. Trabajo/empleo
Guion: Kirill Sokolov, Alex Litvak
Música: Carlos Rafael Rivera
Fotografía: Isaac Bauman
Reparto: Zazie Beetz, Myha'la, Paterson Joseph, Tom Felton, Heather Graham, Patricia Arquette
Dirección: Kirill Sokolov

Análisis de la realidad: Cómo funciona America's Next Top Model - Por Jackie O.

“Sudor y lágrimas”

La serie documental incluye entrevistas con Tyra Banks, Jay Manuel, J. Alexander, Nigel Barker, testimonios de exconcursantes y otros participantes del “reality”, donde se exponen humillaciones, estándares de belleza tóxicos, presiones extremas y la explotación de vulnerabilidades personales de las modelos.

Recuerdo este reality de súper modelos que duró muchos años, 2003 al 2018, siendo un gran éxito mundial. A Chile llegaron, a un canal de televisión abierta, solo las primeras temporadas años después, y confieso que fui una fanática de ellas; no me perdía capítulo, por lo que al ver este documental, las caras de la mayoría de las concursantes que se prestan a participar dando su testimonio de cómo fue su paso por dicho reality, me eran muy familiares. Su caras ya no son de alegría.

Hoy en día, los realitys son parte de la parrilla programática de todo país, al parecer. Vemos de todo tipo, donde se encierran personas conocidas y desconocidas a compartir y competir por algo. La tónica es seguirlos 24 horas al día. Pero, por supuesto, la llegada a Chile de este reality estaba totalmente editada.

Tyra Banks, reconocida súper modelo a quien por su color de piel le fue difícil escalar en la década del 90, logró posicionarse y ser respetada. Un día se le ocurrió hacer este reality, de cómo ayudar a chicas que no tienen muchas posibilidades de surgir para poder tener una profesión de modelo, enseñándoles cómo ser reconocidas en la industria. Le costó contar con el apoyo financiero y principalmente un canal que apoyará, pero gracias a su tenacidad, y el apoyo de sus amigos quienes serían parte del proceso, Jay Manuel, J. Alexander, lo logró. La primera temporada fue una locura, excelente rating, se contrató más personal y los auspiciadores llovían, subían cada temporada.

Pero, se escondían tras bambalinas algunos excesos de parte de la producción, los estándares de belleza, antes eran peor que ahora. Hoy existe algo más de conciencia sobre la opinión del cuerpo ajeno. Antes no, las modelos debían ser muy delgadas, talla 2 a lo más 4 (que corresponde a una 34 o 36 o XS - S). Eso era una exigencia que les costaba la salud, no solo física sino que mental. Las largas horas de sesiones y la exposición a realizar sesiones contra su voluntad, era la tónica, según lo que algunas exconcursantes relatan. Incluso, se recuerda un caso de connotación sexual que marcó de por vida a una concursante y el poco tino en tratarlo.

Muchas chicas de 18 a veintitantos años, de escasos recursos, vieron en esta oportunidad su presente y futuro, de cómo sacar adelante a su familia. Muchas, ignorantes de todo, aceptaban lo que se les impusiera; querían triunfar.

Tyra es la mala de la película para todos. Ella se defiende, pero también hace su mea culpa por ser la creadora y una de las productoras ejecutivas.

Los años pasaron, y más o menos en la temporada 17, obligaron a Tyrand a despedir a sus amigos, un dolor muy grande que los alejó para siempre. Pero le dijeron que “aquí no hay vacas sagradas” y al poco tiempo fue despedida ella, comenzando por las siguientes temporadas otro grupo, hasta que el programa como tal desapareció definitivamente en la temporada 24.

Hoy en día en un reality no se aceptarían humillaciones de este tipo, aunque se ven igual en menos grado, ya que se caracterizan mucho en peleas de los participantes. Es el fuerte, pareciera, más que aprender algo positivo.

El documental cumple con presentarnos material de conversación de diversos temas, que son totalmente contingentes. Vale la pena verlo, está bien dirigido y editado.

¿Qué estarías dispuesto a hacer por dinero, o por salir adelante hacia un supuesto futuro mejor? O ¿hasta dónde eres capaz de llegar para que el programa alcance el rating que necesitas?

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Reality Check: Inside America's Next Top Model
Dirigido por Mor Loushy y Daniel Sivan
3 capítulos. 2026.

Belleza perfecta - Por Jackie O.

"Para ser bella, ¿hay que ver estrellas?"

Sinopsis: Un tratamiento conocido como «the Beauty» se propaga rápidamente, otorgando atractivo físico a sus usuarios mientras oculta efectos secundarios letales. A medida que aumentan las muertes y el pánico público, una investigación del FBI y diversos intereses convergen en las fuerzas detrás de la droga y la epidemia que provoca.

Belleza y juventud, dos palabras que van de la mano para muchos. La ansían, porque abre puertas mucho más rápido qué mostrar habilidades intelectuales. Y eso es lo que creó Byron Forst, un hombre de la tercera edad, multimillonario tecnológico, que veía que su vida se estaba extinguiendo y creo la droga Beauty. La probó y se convirtió en un sexy joven sin perder su frialdad e inteligencia. Pero su mujer lo odia, y jamás probará esa droga, vive su paso de la edad con orgullo.

Pero muchos desconocidos sí la quieren y pagarán lo que sea para tenerla. Y sí, la pagan, lo que tiene un costo elevadísimo. Pero hay efectos secundarios: el sexo; quien tiene la dosis no puede intercambiar fluidos, porque traspasa la droga de una forma alterada y provoca violencia y muerte.

Es así que comienzan a morir muchas personas bellas alrededor del mundo y dos detectives del FBI se encargarán de averiguar el origen de todo esto, hasta que se inmiscuyen más de lo debido. Pero cada vez que se acercan a descubrir algo, Byron manda a su sicario Antonio para la limpieza.
Pero Beauty se sigue expandiendo, la tentación es poderosa, porque no solo es belleza y juventud, también cura enfermedades y se codicia más hasta matar por ella o adquirirla ilegalmente, de ser necesario.

Una serie que prepara su segunda temporada, ya que su final quedó muy abierto, que habla sobre la vanidad, las excentricidades de los más ricos, el aprovechamiento ante el desesperado, el bullying, el odio a si mismo.
Un guión que usa mucho el humor negro y la exageración para tocar un tema latente: la apariencia física. Pero que en momentos se cae al alargarlo innecesariamente, dos capítulos menos y se cuenta lo mismo.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Creado por: Ryan Murphy y Matthew Hodgson
Basado en: The Beauty de Jeremy Haun y Jason A. Hurley
Protagonistas: Evan Peters, Anthony Ramos, Jeremy Pope, Rebecca Hall, Ashton Kutcher, Isabella Rossellini.
Ciencia ficción y horror corporal
2026. Serie.
11 capítulos

Te van a matar - Por Jackie O.

“Inmortalidad sangrienta”

Sinopsis: Una mujer responde a un anuncio de empleo para trabajar como empleada doméstica en un misterioso hotel de la ciudad de Nueva York, el Virgil, sin darse cuenta de que está entrando en una comunidad que ha sido testigo de numerosas desapariciones a lo largo de los años.

Sentimos que algo raro pasa en el comienzo; la lluvia es fuerte y Asia llega a un gran y lujoso hotel a trabajar de mucama. Se nota nerviosa y el lugar es fuertemente custodiado con grandes cerraduras.

Como lo ha hecho con otras películas, el director cuenta esta historia en capítulos, donde algunos personajes cuentan su versión de los hechos y cómo llegaron a donde están.

Así comenzamos con hechos ocurridos hace diez años atrás. Cuando adolescentes, Asia y la pequeña María, han huido de su abusivo padre quien las encuentra, pero un hecho fatídico hace que Asia huya dejando a su hermana, y es apresada para pasar nueve años en la cárcel, pero siempre con la intención de buscar a su hermana menor, al punto de contratar a un investigador privado.

Lo que Asia no sabía era que en su primera noche en dicho hotel, las cosas comenzarían a ser caóticas. Ella no estaba preparada para lo que encontraría ahí, y los residentes encabezados por Lily, una especie de ama de llaves, junto a los mejores inquilinos, no sabían lo que les esperaba con Asia. Esta mujer es un arma letal. Se transforma en el juego del gato y el ratón, donde los residentes, quienes hacen cultos satánicos, necesitan su sacrificio humano, el que les ha salido bastante escurridizo y de temer.

Las peleas no dan respiro desde los primeros minutos. La exageración que caracteriza al director, que nos cuenta una historia con mucha ironía, humor negro y litros de sangre, habla de esos ricos que llevan sus excentricidades al punto más alto, que el poder hace que situaciones sobrenaturales se tomen todo, que el deseo de vivir hace que las personas cometan actos irracionales, a veces, para llevarnos a esta exageración que no para en ningún momento.

Pero nos encontramos en esta oportunidad con un guion débil, ya que tiende a ser repetitivo, no evoluciona, con un final algo torpe. Pero todo es compensado con la acción que se transforma en un crudo entretenimiento, con grotescos momentos y situaciones imposibles de salir con vida.

Las coreografías son espectaculares, y su protagonista es nuestra nueva heroína (como olvidar a la gran Dominó) quien, junto a Patricia Arquette, como la anfitriona, se llevan los aplausos, con unos secundarios que apoyan bien y a quienes se les debió haber exprimido (ups! literal) más su potencial.

La puesta en escena estuvo muy buena, ya que la mayor parte de la película es dentro de un hotel y sus diferentes recovecos.

Los movimientos de cámara son muy buenos, en primeros y amplios planos.

En más de una entrevista, este joven director ha dicho que para sus cintas, y principalmente para esta, su inspiración proviene de la mezcla de diversos directores, en este caso el terror sangriento tipo Evil Dead 2 de Sam Raimi; el estilo narrativo y violento de Quentin Tarantino; el Infierno de Dante y obras al estilo de Oldboy de Park Chan-wook.

Critica social y racial encontramos en cuanto a temas. Nos distrae su buena acción, pero no olvidamos la inconsistencia de su guion.

Esta cinta se caracteriza por una violencia estilizada, humor negro y la acción práctica, por lo que se sugiere sea para mayores de edad.

Ficha técnica

Título original: They Will Kill You
Dirección: Kirill Sokolov
Guion: Kirill Sokolov y Alex Litvak
Música: Carlos Rafael Rivera
Fotografía: Isaac Bauman
Protagonistas: Zazie Beetz, Myha'la, Tom Felton, Heather Graham, Patricia Arquette
Comedia de terror, acción
2026. 1 hora 30 minutos

Jugada Maestra - Por Carlos Correa Acuña

Con el magnetismo de Glen Powell a lo largo de sus 105 minutos, “How to Make a Killing” nos envuelve en una historia poco previsible.

Becket Redfellow -Powell- está a punto de ser ejecutado. Solo faltan cuatro horas y recibe la visita de un sacerdote para que lo acompañe en sus últimos momentos. Está demasiado tranquilo para las circunstancias, pero no sabemos si se trata de una apariencia o existen razones fundadas que le permiten esa calma inusual.

En una especie de confesión, Becket entra en detalles. Conocemos su origen y entendemos gran parte de su comportamiento. Su madre soltera, dejada de lado por los Redfellow, no tuvo más remedio que arreglárselas sola con su hijo, lo que forjó su carácter bajo la premisa de luchar por conseguir el tipo correcto de vida, es decir, aquella vida que él merece.

Becket adopta ese leitmotiv a lo largo de su vida. Enamorado desde pequeño de Julia Steinway -Margaret Qualley-, el protagonista va creciendo bajo el rigor del trabajo. Cuando se reencuentra con su amor platónico, ya casada y viviendo una vida lujosa, Becket no duda en idear un plan para heredar la cuantiosa fortuna familiar. El único inconveniente es que él es el octavo en la línea de sucesión, por lo que, para avanzar, solo tiene una opción: eliminar a todos los demás.

Escrita y dirigida por John Patton Ford, “Jugada Maestra” se sostiene en los hombros de su actor principal. La idea es más que interesante, sin embargo, el guion tiende a perder un poco el equilibrio en su ruta hacia la máxima tensión. Como la cinta trata sobre los lujos y la ambición por acercarse a ellos, no es sencillo darle sentido a la propuesta. El carácter aspiracional de Becket choca de frente con la acomodada vida de Julia, pero eso no basta para justificar sus acciones. Es necesario dar un rodeo, almidonar la historia y articular un relato que, poco a poco, permita que las piezas se desordenen y y se dispersen.

Glen Powell es el eje de la película. Construye un personaje simpático, canchero, que se las sabe todas y que es capaz de salir airoso de las situaciones más inverosímiles. Margaret Qualley, por su parte, hace un buen contrapunto, una mujer misteriosa y ambiciosa de la que sabemos poco, aunque siempre tensiona el relato con su presencia.

Sin hacer demasiado spoiler, cuando Becket debe enfrentarse a su abuelo -Ed Harris-, vemos uno de los momentos más logrados de la cinta. Partiendo por la música de Emile Mosseri, la secuencia en la mansión destaca por el brío de los protagonistas en un punto clave, ya cerca del final.

En síntesis, “Jugada Maestra” es entretenida. A pesar de perder consistencia por momentos, logra llevarnos paso a paso a un final que no esperamos, al menos para el espectador que no conoce su inspiración: la película británica de 1949 “Kind Hearts and Coronets” de Robert Hamer y John Dighton.

Ficha técnica

Título original: How to Make a Killing
Año: 2026
Duración: 105 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Francia; Blueprint Pictures, Studiocanal. Distribuidora: A24
Género: Drama. Comedia. Intriga | Comedia negra. Crimen. Familia
Guion: John Patton Ford
Música: Emile Mosseri
Fotografía: Todd Banhazl
Reparto: Glen Powell, Margaret Qualley, Jessica Henwick, Bill Camp, Zach Woods, Topher Grace, Ed Harris
Dirección: John Patton Ford

Boda Sangrienta 2 - Por Carlos Correa Acuña

Estamos ante una continuación exacta de la primera parte. Sin tiempo para reponerse, Grace MacCaullay -Samara Weaving- despierta en el hospital, tremendamente magullada. Cuando aparece Faith -Kathryn Newton-, su hermana menor, Grace se da cuenta de que ambas corren peligro. Deben escapar. En efecto, se ha puesto en movimiento un gran operativo por parte de las familias más poderosas de la Tierra, pues no pueden arriesgarse a perder sus fortunas. Para eliminar los cabos sueltos, deben tomarlas prisioneras y matarlas en un nuevo juego. ¿Conseguirán su objetivo o las hermanas podrán sortear las dificultades y salir con vida?

Al igual que su predecesora, esta cinta, dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, funciona como un verdadero videojuego. Por una parte, es tan improbable e inverosímil que nada puede tomarse en serio. En segundo término, la cantidad de balas y sangre mantiene su nivel de abundancia y los golpes sangrientos, esas explosiones de cuerpos, resultan impactantes, pero no por la sorpresa o por el hecho mismo, sino por lo burdo de su ejecución. En fin, se trata de un juego, algo falso desde el comienzo, cuyo objetivo es solo pasar un rato de distracción.

A pesar de la delgada ambición de esta película, esta secuela profundiza su crítica en conceptos clave. La relevancia del poder y del dinero es ubicada en la parte alta de la pirámide, haciendo una caricatura de familias ricas que no tienen nada mejor que hacer que pasar el tiempo sometiendo cruelmente a otras personas. Quizá lo más terrible es que es solo por diversión, haciendo la salvedad de que no existe ningún argumento ni fundamento para hacerlo bajo ninguna circunstancia.

Otro punto que la cinta pone en relieve es la ignorancia y estupidez de estos ricachones. El desfile de personajes con diversas disfunciones es simplemente aterrador. No se salva ninguno, ni siquiera algunos menores, quienes siguen fielmente las enseñanzas y el ejemplo de sus mayores. Todo es absurdo, tirado de las mechas, sin embargo, esto último podría terminar siendo su mayor virtud: la cinta declara abiertamente el triunfo mundial de la banalidad pues el pensamiento ya no sería algo necesario.

“Ready or Not 2: Here I Come” es sangrienta, una película vertiginosa que, sin las escenas de acción, tiende a decaer, aunque consigue recuperarse a mitad de camino. Es una secuela típica, que amplifica lo mostrado en la primera entrega y que intenta no bajar el nivel de tensión. Por momentos, lo consigue, sin embargo, sigue siendo un filme de nicho, de esos que los fans del slasher siguen con devoción. Se trata de una película no apta para pieles más sensibles o aquellas que necesitan mantener una prudente distancia.

Ficha técnica

Título original: Ready or Not 2: Here I Come
Año: 2026
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Searchlight Pictures, Vinson Films, Radio Silence, Mythology Entertainment. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Thriller. Terror. Intriga. Comedia | Secuela. Comedia negra. Slasher
Guion: Guy Busick, R. Christopher Murphy
Música: Sven Faulconer
Fotografía: Brett Jutkiewicz
Reparto: Samara Weaving, Kathryn Newton, Kevin Durand, David Cronenberg, Sarah Michelle Gellar, Elijah Wood
Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett