Mátate, Amor - Por Carlos Correa Acuña

Tal vez se trate de una de las películas de la temporada. Y no es sencilla, se muestra como una apuesta arriesgada incluso desde el propio título, “Die My love” (Muere, mi amor).

El inicio tiene puntos suspensivos. Una cámara de enfoque fijo abarca un largo trecho del interior de una casa vacía, donde se vislumbra el ventanal que la separa del bosque. Afuera se sienten voces. Son las de Grace -Jennifer Lawrence-, y Jackson -Robert Pattinson-, una joven pareja que ha decidido mudarse de Nueva York a la casa natal de los padres de Jackson, en Montana. El cambio es rotundo, lo resienten. La compleja adaptación se hace particularmente difícil; esperan su primer hijo.

La tranquilidad del lugar asombra. La ausencia de música destaca la soledad y el aislamiento del entorno. De pronto, con un pesado rock de fondo, comenzamos a observar dinámicas íntimas de la pareja. El contexto se va aclarando y ciertas obsesiones quedan marcadas. Unas breves escenas se remontan al momento del embarazo. Conocemos algo más de la familia y de la historia de Jackson. Volvemos al presente, Grace sola, mientras Jackson debe viajar largo tiempo por trabajo. Si antes había tranquilidad, esta se ha transformado en ausencia y, muy probablemente, se siente como si se tratara de un abandono.

Lynne Ramsay trabaja esta adaptación de la novela homónima de Ariana Harwicz, publicada en 2012, a partir de un particular tratamiento estético. Por ejemplo, utiliza un formato 4:3 y las imágenes se filtran con clara tonalidad retro, lo que tiñe la cinta de elementos atemporales. La paleta de colores, una combinación de azules y grises, es bastante elocuente para evidenciar lo trascendente, aquello que marcará el alma del relato.

Grace está sola -en su casa y en pantalla- la mayor parte del tiempo. Diríamos que es todo un personaje, incluso antisocial al momento de relacionarse con los demás. ¿Corresponde a su momento actual o es parte de una condición? La respuesta no es clara, pero lo concreto es que dentro de la pareja comienzan recriminaciones y peleas que se incrementan con la llegada de un pequeño e inquieto perro que, en vez de calmar a Grace, la irrita cada día más. La situación se torna insoportable, invivible.

“Die My love” es una cinta para Jennifer Lawrence. Me recordó de inmediato “Silver Linings Playbook”, de 2013, por la que la actriz ganó su primer Óscar. Esta vez, retoma la senda y no sería extraño verla con nuevas nominaciones, pues se trata de una actuación sólida y muy comprometida. Elaborando un personaje complejo, Lawrence da vida a los múltiples estados de ánimo de Grace, destacando el trabajo psicológico expresado en sus miradas y el escaso o nulo control de emociones que observamos a través de sus movimientos. No sabemos bien si hay traumas heredados o la serie de trastornos tienen solo que ver con una explosiva depresión posparto. Lo cierto es que Jennifer Lawrence construye un personaje muy personal, con un arco dramático extenso y flexible que logra, en segundos, pasar de la dulzura más tierna a una hostilidad feroz y agresiva.

Interesante trabajo, aunque difícil de ver y asimilar. ¿A qué me refiero? Esta es de esas películas que son áridas de visualización y que requieren procesos posteriores para entenderlas mejor. Y es un riesgo grande, porque nos podemos quedar afuera y no ingresar nunca al interior de una cinta de este tipo, retenidos por barreras que pueden interrumpir nuestra conexión. Pero también podemos acceder a sus capas con posterioridad, y modificar nuestras percepciones con un análisis más reposado.

“Mátate amor” es distinta y trae de regreso la mejor versión de Jennifer Lawrence, sin por ello dejar de mencionar el rol de Robert Pattinson intentando sostener un huracán con las manos. Solo por eso, vale la pena verla, sin embargo, hay razones mucho más de fondo para ir por ella. Hablamos de la depresión, de la salud mental, de su deterioro, de lo que puede afectar la propia vida y la de otros, y sobre la necesidad de pedir ayuda y, tan importante como eso, dejarse ayudar. Cuando la mente se desfigura, la realidad se confunde con los sueños y todo se torna borroso. ¿Qué es cierto y qué es ensoñación? La película juega con esa incertidumbre gracias a su estética y sus actuaciones, y por lo demás, lo hace muy bien.

Dos horas oscuras, expresivas y desafiantes. Muy recomendable.

Ficha técnica

Título original: Die My Love
Año: 2025
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Black Label Media, Excellent Cadaver, Sikelia Productions. Distribuidora: MUBI
Género: Drama. Thriller. Comedia | Thriller psicológico. Maternidad. Vida rural
Guion: Lynne Ramsay, Enda Walsh, Alice Birch. Libro: Ariana Harwicz
Música: Raife Burchell, Lynne Ramsay, George Vjestica
Fotografía: Seamus McGarvey
Reparto: Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, LaKeith Stanfield, Nick Nolte, Sissy Spacek
Dirección: Lynne Ramsay

Quart, el hombre de Roma - Por Jackie O.

"La maldad en todas partes"

Sinopsis: Se narra la historia de Lorenzo Quart, un sacerdote que el Vaticano envía a Sevilla luego de que recibiera una enigmática denuncia.

Desaparece una valiosa cruz y hay gente muerta en una iglesia. Es lo que encuentra Quart en su ida a Sevilla, algo extra porque su misión es otra, seguir de cerca las maquinaciones del no menos siniestro Monseñor Aguirre, perteneciente a una especie de secta dentro de la propia Iglesia que desea recuperar el esplendor de la misma en la Edad Media: "Iter ad Deum".

Miniserie española con un sacerdote con dones extraordinarias para la pelea y el uso de armas. En cada capítulo es un nuevo caso que él, como asesor de la policía, colabora, ya que situaciones religiosas están involucradas. Cuenta con la colaboración de un joven estudiante del seminario, un policía y una especialista en obras de arte religiosas. Juntos logran descifrar cada crimen, sin, por supuesto, dejar de lado la misión principal de Quart: desenmascarar al peligroso Monseñor Aguirre y sus secuaces.

Es muy interesante el tema religioso con crímenes asociados, en especial con esa misteriosa y falsa buena voluntad de ayuda de muchos, que cínicamente algunos pregonan. Pero esta serie no está bien realizada del todo en su guion, edición y actuaciones, en especial la forzada tensión romántica que muestran, aunque entretiene, porque los casos son buenos, pero en el fondo no convence su ejecución.

Esta historia está basada en los personajes de la novela "La piel del tambor", de Arturo Pérez-Reverte, y no siguió con una nueva temporada porque la fanaticada del libro no quedó conforme debido a muchos cambios para la TV.

Se hizo una película sobre el libro llamado "La piel del tambor" el año 2022.

Disponible en Pluto TV.

Ficha técnica

Dirigida por Jacobo Rispa, Joaquín Llamas, Santiago Pumarola y Alberto Ruiz Rojo
Protagonistas: Roberto Enríquez, Ana Álvarez, José María Pou, Manuel de Blas, Biel Durán, María Almudéver, Mingo Ráfols, Daniel Grao, Martijn Kuiper
Drama. España. 2007
Miniserie. 6 capítulos

Mátate, Amor - Por Juan Pablo Donoso

Poético y tortuoso relato para exponer una grave depresión post parto.

Una joven madre intenta mantener la cordura mientras lucha contra la psicosis y las alucinaciones.

Combina elementos de suspenso, erotismo desquiciado, y hasta algo de realismo mágico.

La fotografía de Seamus McGarvey, y una dislocada edición de Biskupski y Froschhammer, nos envuelven en gradual claustrofobia.

Grace, una escritora, esposa y reciente madre, se va sumiendo poco a poco en la demencia. Encerrada en una vieja casa rural de Montana, aunque ama y es amada por su marido, se torna cada vez más agitada y errática.

Confunde la realidad con delirios, hasta perder por momentos el pleno control de sí misma y de sus impulsos sexuales.

Drama desaforado donde lo irracional y la lógica se mezclan, creando un estado de permanente expectación.

Llega un momento en que ni la protagonista, ni nosotros, sabemos qué es verdad y qué es locura.

Deseo de pertenecer, ansias de libertad mientras se siente atrapada, añorando la vida familiar pero con ganas de quemar la casa entera.

Extraordinaria Jennifer Lawrence (co-guionista y productora). Nos deslumbra con su brutal personaje angustiado. Es imposible entenderla, ni poco ni mucho. Lo aferra con las dos manos y va con él hasta el fondo. Temible, amorosa, sexualmente obsesiva, majadera, siempre al borde del caos.

Mientras Jackson (Robert Pattinson) - marido incapaz de manejar la crisis hogareña lucha por salvarla, sus padres, Sissy Spacek y Nick Nolte, cumplen como referencia impotente de conexión a tierra, a pesar de estar ancianos.

Drama de histérica sensualidad, cocido a fuego lento, consciente del frágil marco en el que se mueve. Intensidad oscilante de paradojas: masturbándose en un momento, lamiendo la ventana después, y enarbolando un cuchillo asesino, en otro.

La narración se vuelve a veces repetitiva y confusa camino al desenlace, el cual termina - deliberadamente - en la incertidumbre total.

Nunca supimos con certeza si logró sanarse: porque cuando ya parecía estabilizada optó por sumergirse en un lago… o soñar con el tremendo incendio de un bosque…

La directora, música y guionista Lynne Ramsay reitera su inclinación por aspectos oscuros y perturbadores de los seres humanos. Sin embargo, aquí se reafirma como una realizadora valiente en la búsqueda de un lenguaje personal.

Nominada a la Palma de Oro como Mejor Película en el Festival de Cannes 2025

GRADUAL PROCESO DE DESQUICIO VISTO, Y SENTIDO, DESDE LA PERSPECTIVA DE UNA MUJER TRASTORNADA. TRAGEDIA PARA SER MÁS OBSERVADA Y COMPADECIDA, QUE COMPRENDIDA CON LA RAZÓN.

Ficha técnica

Título Original: Die My Love

2025 Tragicomedia negra, drama psicológico Reino Unido, EE.UU., Canadá - 1,58 hrs. 

Fotografía: Seamus McGarvey 

Edición: Adam Biskupski, Toni Froschhammer 

Música: Raife Burchell, Lynne Ramsay,George Vjestica 

Diseño Prod.: Tim Grimes 

Guion: Enda Walsh, Lynne Ramsay, Alice Birch 

Actores: Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Sissy Spaceck 

Dirección: Lynne Ramsay

Un Buen Ladrón - Por Carlos Correa Acuña

Al estar basada en hechos reales surge de inmediato la pregunta de cuán reales son estos hechos. Acá se trata de un ladrón, con todas sus letras, pero uno que es amable, gentil y preocupado. Hasta buena persona, podríamos decir. Su nombre, Jeffrey Manchester, y su prontuario es haber asaltado más de cuarenta locales de McDonald's ingresando por el techo. De ahí su apodo de “Roofman”, que, por lo demás, es el título original de esta película.

Channing Tatum es el protagonista de una historia que avanza rápido en sus primeros minutos. Comienza con un asalto “tipo”, en el que Jeffrey trata muy bien a sus víctimas, e incluso le pasa su propio abrigo al encargado de la tienda antes de encerrarlos a todos en el congelador. Por cierto, este “hombre del techo” pronto es capturado y condenado a un largo tiempo en prisión. Pero Jeffrey no quiere estar encerrado, quiere ver a sus hijos, y se las ingenia para escapar. Nuestro protagonista es astuto y tiene una brillante capacidad de observación, la que pone en práctica en todo momento.

Hasta este punto no han pasado ni treinta minutos y el guion se da tal como se muestra en la sinopsis, porque Jeffrey, sin poder ir a ningún lado, consigue ocultarse a plena vista en medio de una concurrida juguetería llamada Toys "R" Us. Y emerge otra pregunta: ¿cómo se sostendrá el resto de la cinta si ya ha pasado de todo y el final -su recaptura- podría ser bastante predecible?

El guion, escrito por Derek Cianfrance junto al director Kirt Gunn, avanza lentamente desde el momento en que comienza la vida de Jeffrey en la tienda de juguetes. Aparecen algunos personajes secundarios, más como caricaturas que como verdaderos apoyos narrativos, como una forma de preparar el terreno a la persona que verdaderamente capturará la atención del ladrón: Leigh Wainscott -Kirsten Dunst-, madre soltera y empleada ejemplar de Toys "R" Us. Con los elementos ya combinados -ingenio, astucia e interés amoroso-, la historia cobra otro ritmo y fluye inexorablemente hacia el terreno de las emociones.

Channing Tatum es muy simpático en la caracterización de Jeffrey Manchester. Suponemos que el verdadero debe haber sido encantador, sin duda. De hecho, esa es su mayor virtud, porque tal vez sin quererlo, empatizamos con él y con las desventuras que debe pasar para sobrevivir en la clandestinidad. Manchester es incapaz de despertar sospechas, incluso en momentos complicados y con explicaciones que resultan a todas luces descabelladas, como la de decir que es un agente encubierto del gobierno. A pesar de eso, nadie duda. Al contrario, lo apoyan y le entregan un voto de confianza, como la comunidad religiosa a la que Leigh asiste.

Sin embargo, en una vida basada en mentiras pronto aparecen grietas. Además, la urgencia de escapar hacia un lugar apartado donde nadie lo recuerde, le hace cometer errores. Todo esto, sumado a su indecisión y falta de rumbo, genera la tormenta perfecta para un desafortunado aprendiz de estafador.

“Roofman” funciona si se tienen pocas expectativas. La simpatía de Channing Tatum y el contrapeso emotivo de Kirsten Dunst no brillan con su química, pero logran sortear el desafío de dar vida a una historia entretenida que, eso sí, podría haber sido un poco menos extensa. Ya lo dijimos, Jeffrey, en el fondo, es buena persona, pero todo lo que hace es un engaño. ¿Se puede construir algo verdadero basado en mentiras? Aun cuando empaticemos, lo real es que no es posible, y tarde o temprano la verdad saldrá a la luz. Ante una disyuntiva, las decisiones son cruciales, y Jeffrey Manchester no sabe muy bien qué hacer. Esas dudas terminan siendo la causa de todas sus penurias.

Ficha técnica

Título original: Roofman
Año: 2025
Duración: 126 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 51 Entertainment, Hunting Lane Films, Limelight. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Drama. Thriller | Basado en hechos reales. Crimen
Guion: Derek Cianfrance, Kirt Gunn
Fotografía: Andrij Parekh
Reparto: Channing Tatum, Kirsten Dunst, Ben Mendelsohn, LaKeith Stanfield, Juno Temple, Melonie Diaz, Uzo Aduba, Lily Collias, Jimmy O. Yang, Peter Dinklage
Dirección: Derek Cianfrance

Dollhouse: Muñeca Maldita - Por Jackie O.

“Madres e hijas”

Sinopsis: La trama sigue a una mujer que, tras la muerte de su hija, encuentra consuelo en una muñeca parecida a la menor, pero la situación se vuelve aterradora cuando empiezan a ocurrir sucesos extraños en la casa.

Vuelve al cine el J-Horror, el terror diferente llevado de manera psicológica, usando en esta oportunidad un objeto: una muñeca.

Pero de muñecos ya hemos tenido muchos, por ejemplo, desde Billy, Chucky, Tiffany Valentine, el niño Brahms, Slappy, hasta las últimas Annabelle o M3gan; y así seguiremos teniendo más historias de esta índole, por lo que ¿qué de nuevo nos trae este director?

La trama gira en torno a Yoshie, una madre que lidia con el devastador dolor por la pérdida de su hija pequeña. En la búsqueda de algún tipo de consuelo, ve en un mercado de antigüedades una enigmática muñeca que guarda un inquietante parecido con su hija fallecida, por lo que la compra. Pronto, la muñeca (Aya) se convierte en una obsesión para Yoshie, vistiéndola con la ropa de su fallecida hija. Tadahiko su marido, consulta a profesionales quienes le indican que son normales, en casos de duelo, los actos que su esposa está manteniendo, por lo que su marido se lo permite. Pero comienza a generar un vínculo perturbador que se siente tan opresivo como si una fuerza oscura se aferrara a ella. Al poco tiempo, Yoshie queda embarazada, y cuando nace su pequeña, la muñeca queda de lado, olvidándola en un armario. Hasta que la pequeña Mai, a la edad de cinco años, la encuentra y la convierte en su mejor amiga. Hecho catastrófico, ya que comienzan situaciones muy extrañas que afectan a la familia.

La cinta comienza lento, y eso puede que a muchos los comience a inquietar por la costumbre del susto rápido, pero paciencia, poco a poco nos introduce en la historia de esta familia y los problemas que se derivan del duelo, en especial la salud mental que esto conlleva. También vamos conociendo la cultura respecto a la muerte, cómo se maneja en el oriente esto, y en especial sobre los rituales ante determinados objetos. Acá no estamos ante la película típica de terror, con monstruos o saltos repentinos para aterrorizarnos. Todo se trata de psicología con más de un giro en la trama.

La película profundiza en los temas del duelo y en la vulnerabilidad emocional. También trata sobre el maltrato a menores de edad, versus quienes harían cualquier cosa por salvar a sus hijos, todo contado con una carga de tensión psicológica, propia de las cintas japonesas.

Ficha técnica

Título original. ドールハウス
Dirección y guion: Shinobu Yaguchi
Reparto: Masami Nagasawa, Aoi Ikemura, Totoka Honda, Ken Yasuda, Jun Fubuki
2025. 1h 50min Japón

Lo que no se dijo - Por Carlos Correa Acuña

Escasa música, formato 4:3 y mucha nitidez en cada toma son características que el director Ricardo Valenzuela imprime en esta cinta desde un comienzo. Lo minimalista está siempre presente porque los elementos son pocos, pero no quiere decir que el trabajo no mire más allá.

La historia remite a dos vendedores de celulares, una tecnología que se abre puertas en Chile a mediados de la década de los noventa, prometiendo conectividad avanzada de última generación. Ambientada en el año 1994 en Puerto Montt, el filme sigue a Margarita -Patricia Cuyul-, una madre soltera carismática que se destaca como ejecutiva de ventas junto a su compañero Cucho -Héctor Morales-, recorriendo apartadas zonas rurales buscando clientes y exponiéndose a situaciones, por decir lo menos, extrañas..

Valenzuela, autor también del guion, expone sin rodeos el difícil mundo de la venta y la resistencia de los potenciales clientes. Mucho trabajo y gran cantidad de tiempos “invertidos” para generar una tasa de conversión mínima y aceptable, sobre todo para un producto que no se conoce y que además genera rechazo de buenas a primeras.

Los parajes maravillosos del sur de Chile, que son visitados por los dos colegas, contrastan con la ciudad de Puerto Montt y el barrio donde ambos viven. Una vecina cuida a la pequeña hija de Margarita mientras ella trabaja todo el día. Su madre, la abuela de la niña, está enferma y no puede expresar nada con palabras. Su vida quedó anclada en la visita que el Santo Padre Juan Pablo II realizó a Puerto Montt en abril de 1987 y desde allí no ha logrado salir. Un VHS con la grabación y una serie de objetos religiosos e imágenes dan cuenta de esta suspensión en el tiempo.

Vemos la pobreza material pero también el vacío de estas almas solitarias. Las relaciones son mínimas, funcionales y apenas efectivas. No van más allá. Las visitas a los potenciales clientes son cada vez más desagradables e incluso peligrosas. En cada situación parece que algo va a pasar, pero nada sucede hasta que sucede.

Cuesta definir las intenciones del realizador con esta película. ¿Cuál es la idea? ¿Cuál es el mensaje? Entiendo que quiere ser simbólica, representar una realidad, pero ¿es suficiente? Los diálogos, muchas veces inconducentes, son formateados y no resultan naturales. Las bellas tomas exteriores carecen de líneas argumentales claras, salvo mostrar en terreno a la pareja que hace el mayor esfuerzo por conquistar a sus clientes, ya sea con una sonrisa impostada o con un preciso discurso comercial.

El ritmo impreso por Valenzuela tampoco ayuda mucho. La cinta se mueve lenta y reflexiva pero no sabemos hacia dónde se dirige ese movimiento. Es cierto que en muchos momentos refleja claramente sentimientos: pena, angustia, crisis, malas condiciones de trabajo y frustración, mucha frustración. Es algo así como dos caras de la misma moneda: un aparente éxito exterior y una constante frustración interior.

Tres escenarios, en paralelo, tienen la misión de concluir la historia. “Lo que no se dijo” no es solo un conjunto de palabras o una frase. Parece ser todo aquello que guardan en el interior sus protagonistas y que nunca llegan a expresar externamente. Así es como este título, evocador pero a la vez concreto, resulta acertado, porque pesa mucho más lo que no es explícito, a riesgo de que cada espectador interprete de manera distinta lo que ve en pantalla.

Ficha técnica

Título original: Lo que no se dijo
Duración: 77 minutos
Asistente de dirección: Sofía Bascuñán Svendsen
Dirección de fotografía: Pablo Valenzuela
Dirección de arte: Juana Lizaso
Sonido directo: Carlo Sánchez
Compositor: Oscar Lapó
Montaje: Ricardo Valenzuela Pinilla y Benjamín Miranda McLeod
Consultora de montaje: Danielle Fillios
Elenco: Patricia Cuyul, Héctor Morales, Mariana Loyola Ruz, Judith Chávez, Antonia Méndez
Director: Ricardo Valenzuela

Depredador: Tierras Salvajes - Por Jackie O.

“Un Lobo en tierras extrañas”

Los Yautjas, a mi parecer, están dentro de los personajes cinematográficos relevantes de la historia del cine. Su forma amenazante, estilo casi mitológico, despiadados cazadores que viven para demostrar su fuerza con el adversario, valientes y depredadores guerreros, es para realizar muchas historias con su gen de jerarquía cazadora. Gracias hermanos Jim y John Thomas, y al genial Stan Winston.

Ahora nos encontramos con un estilo diferente (estilo Disney y necesidad imperiosa de encajar en generaciones actuales, más que en un todo), lo que puede jugar a favor o en contra con la real naturaleza de lo que conocemos como Yautjas. Revisemos.

Estamos en el planeta de los Yautjas, conocemos al rey que tiene dos hijos, el valiente Kwei y a Dek. A este último, su padre no le tiene aprecio por encontrarlo inservible. Para los de su raza es un enano sin valor, por lo que Dek le demostrará su valía trayéndole un trofeo del planeta llamado Genna (Planeta de la muerte), partiendo a la fuerza de su hogar, porque volverá también a cobrar venganza. En esta travesía, en un mundo diferente tanto en flora y fauna, conoce a una "sintético" llamada Thia, a quien, en contra de su voluntad, la lleva consigo para ayudarse mutuamente en la aventura de encontrar el “trofeo” de Dek y “los miembros” de Thia. Mientras, deambulan por el planeta, conocen a otro ser que los ayuda, a quien llaman Bud, naciendo un nuevo clan entre ellos debiendo afrontar diversos peligros.

Es la tercera película de este director sobre Depredador, tres historias diferentes, donde nos indica que se puede reinventar un personaje. Esta vez nos trae a un depredador más humanizado, con sentimientos y empatía. Perdemos, en momentos, su naturaleza de brutalidad metódica, su confrontación salvaje y que atemorizaba. También vemos a “sintéticos” (recuerdos de Aliens), algunos mecanizados y otros humanizados. Todos se mezclan en esta aventura llena de acción, efectos visuales, pero también con momentos reflexivos.

Sin dejar de lado que nuevamente nos encontramos con el conglomerado Weyland-Yutani, quien en pos de un “supuesto avance tecnológico” de expansión humana en el espacio, se caracteriza principalmente por su búsqueda de beneficios, a menudo sacrificando la moral y la seguridad humana, para explotar organismos extraterrestres, especialmente el xenomorfo, como arma biológica, transformándose en otro enemigo.

Estéticamente la historia da un giro, como ya dije, de lo que conocemos. Pero me pareció bueno este giro de tuerca (aunque perdemos la tensión de lo que conocíamos de antaño). La historia de Dek, su valía, su conciencia, así como la de Thia y Bud. Nuestros protagonistas mantienen un crecimiento, una transformación, a medida que avanzan en esta peligrosa aventura, versus los deseos de poder sin importar nada de otros. En momentos se incorporan chistes, pocos y bien incluidos, lo que se agradece que no abusaran de ello.

Los efectos visuales en su mayoría buenos. La fotografía, casi toda digital, nos lleva a un mundo muy real. El vestuario y maquillaje están bien, así como los efectos de sonido que se sienten muy buenos. Las acrobacias bien ejecutadas ya que hay muchas escenas de peleas.

Interesante para mí, aparte de su guion, es que con pocos integrantes se puede efectuar algo que llame la atención.

Sé que a muchos no les gustará esta nueva historia donde nos saca un poco de la esencia Yautjas, pero no se pierde tanto su fondo, es otra visión a la que hay que dar la oportunidad.

No mantiene escena post crédito, pero si da luces de que se viene una segunda parte.

Tenemos mucha acción, también hay venganza, familia, y las nuevas familias que se crean en la vida.

Ficha técnica

Dirección: Dan Trachtenberg
Protagonistas: Elle Fanning, Dimitrius Schuster-Koloamatangi
Cinematógrafo: Jeff Cutter
2025. 1 hora 45 minutos

Ensayos y errores - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Ignacio es un joven cineasta que quiere hacer una película. Como está sin trabajo, su extravagante madre le ofrece un puesto como vendedor en la boutique familiar, ubicada en un acomodado balneario llamado Reñaca. Su lista de trabajo en la tienda es extensa: atender a las clientas, realizar un video publicitario y hacer fotografías de moda; pero nada de ello le sale bien. Entre vestidos, modelos, disparos y una posible historia de amor, encontrará la posibilidad de hacer su primera película.

Este documental es un verdadero diario de vida. La sinopsis describe muy bien cada paso, porque su base corresponde a videos que el mismo director fue registrando progresivamente sin un objetivo claro ni una ruta concebida. El resultado, entonces, es una historia sobre lo cotidiano, un trabajo experimental al que cuesta encontrarle un único sentido.

Debo reconocer que, independientemente de las imágenes, lo primero que me llamó la atención fue el estilo de la narración “en off”. Corresponde al mismo Ignacio Rojas e imagino que fue realizada al momento de la edición. Sin matices y algo plana, denota ausencia de emoción, tal vez en un esfuerzo por objetivar un trabajo que, al fin y al cabo, es claramente personal.

La presencia de la madre de Ignacio es más que protagónica. De hecho, en una parte de la película el director lo explica: la filmación de lo que ocurre al interior de la Boutique es posible porque la estrella debe ser ella, por lo que él intenta darle gusto en todo.

Algunos detalles más. A veces no sabemos si quienes resultan filmados saben de la existencia de la cámara o no. Pareciera que no, pero surge la duda de cuán naturales o guionizadas están algunas de sus escenas. Por otro lado, vemos que, a pesar de transcurrir bastante tiempo, ciertas vestimentas se repiten. ¿Continuidad o coincidencia? Algunas deficiencias en el audio y extraños cortes de escenas pueden ser parte de un trabajo tal vez artesanal; sin embargo, son puntos a tomar en cuenta, al menos desde el punto de vista técnico, al decidir su publicación.

A pesar de diluirse hacia el final, el metraje se torna interesante desde que Celina se incorpora al relato. Contratada por Paula para realizar una sesión profesional de fotos, esta joven actriz argentina despierta en Ignacio un motivo para componer la película. De ahí en más, todo gira alrededor de ella y es, claramente, un nudo por dilucidar.

Cuando observamos imágenes y hechos del llamado “estallido social” del año 2019, podemos contextualizar los tiempos de desarrollo de este trabajo. Resulta interesante este registro documental, sobre todo porque expone el punto de vista del propio cineasta que, desde las bellas playas de Reñaca, intenta encontrar su camino personal y laboral.

Ficha técnica

Guión y Dirección: Ignacio Rojas Vallejo
Producción General: Sebastián Cartajena Alvarado
Producción Ejecutiva: Alexis Sánchez Baeza
Montaje: María Teresa Viera-Gallo, Ignacio Rojas Vallejo
Con la participación de: Ignacio Rojas Vallejo, Paula Vallejo Reyes y Celina Rozenwurcel
Casa Productora: Ciudad Cultural Producciones
País: Chile
Año: 2024
Duración: 70 minutos

Lo que No se Dijo - Por Juan Pablo Donoso

La anuncian como “comedia”. Es lo que menos tiene.

Nunca supimos qué fue “lo que no se dijo”.

Un filme - ambientado en Pto. Montt - 1994 - donde la factura audiovisual denota sensibilidad y oficio, pero cuyo argumento nunca logra informarnos del propósito central de la obra.

Creyeron que bastaba mostrar los problemas de varias personas para entregarnos un relato sin premisa global ni madurez dramática.

De la mano de una pareja de vendedores de celulares nos pasean por una galería de personajes rurales y pesqueros de la zona.

A su vez, Margarita Oyarzún ( Mariana Loyola), tiene a su anciana madre enferma, postrada desde hace años, silente, y con 2 dramáticas fijaciones: la visita del Papa Juan Pablo II en 1987, y su nostalgia por cantar versos a lo humano y lo divino con su guitarra.

Al parecer, habría un conflicto cultural entre los que ofrecen una nueva y mejor tecnología telefónica, versus la porfía de muchos habitantes locales…aunque otros, curiosamente los pacientes más ancianos de un consultorio, se interesan y matriculan de inmediato en la adquisición (¡!).

Son varias estampas paralelas que nos permiten conocer los pequeños dramas íntimos narrados con tratamiento ultra naturalista, como si fueran personajes de una compleja teleserie nacional.

Los actores, en general, demuestran honestidad en sus retratos.

El guion solo llega hasta exponer diversos dramas cotidianos de aquellos pobladores. Pero cuando la película termina, es inevitable preguntarse ¿qué nos quisieron demostrar, estimular, o denunciar, a fin de cuentas?

Si es una protesta contra el avance de la telefonía celular para zonas apartadas, el mensaje, además de absurdo, ya fue superado hace tiempo.

Si quisieron denunciar el machismo primitivo contra mujeres de pueblo indefensas, aquello se sublima con poéticas rebeldías por parte de ellas.

En síntesis, buen nivel de artesanía audiovisual, actores transmitiendo con empatía las emociones de sus humildes personajes, escenas de violencia propias del desquicio mental de seres muy primitivos, buena fotografía e iluminación de interiores con elocuentes planos de detalles caseros, para terminar con una imagen bucólica, en que dos muchachas van chuteando celulares por la hierba, con bellas flores en primer plano y la vasta playa solitaria al fondo.

GRATA FACTURA AUDIOVISUAL, ACTUACIONES SINCERAS, MÚLTIPLES DRAMAS ÍNTIMOS CHAPOTEANDO EN UN GUION SIN CUESCO, QUE NUNCA ENCONTRÓ SU MÉDULA DRAMÁTICA.

Ficha técnica

2025 - Panorama costumbrista Chile - 1,17 hrs. 

Fotografía: Pablo Valenzuela 

Edición: Ricardo Valenzuela Pinilla y Benjamín Miranda McLeod 

Música: Oscar Lapó 

Dir. De Arte: Juana Lizaló 

Guion: Alejandro Moreno 

Actores: Patricia Cuyul, Héctor Morales, Mariana Loyola 

Dirección : Ricardo Valenzuela Pinilla

Ensayos y Errores - Por Jackie O.

Sinopsis: Ignacio es un joven cineasta que quiere hacer una película. Como está sin trabajo, su madre le ofrece un puesto como vendedor en la boutique familiar, ubicada en un sector acomodado de Reñaca. Su lista de trabajo en la tienda es diversa, como atender a las clientas, realizar un video publicitario, ordenar y hacer fotografías de moda; pero nada de ello le sale bien. Entre vestidos, modelos, fotos y una posible historia de amor, encontrará la posibilidad de hacer su primera película.

El sueño de toda persona que egresa o se titula de una carrera, es encontrar el trabajo de sus sueños. Ignacio, ya egresado de cineasta, quiere hacer su película, pero no tiene ideas ni dinero para ello. Su carácter algo tímido, tampoco ayuda a abrir puertas, por lo que comienza a trabajar en la boutique de su madre, una mujer muy chic y bastante directa para decir las cosas. Tan directa, que le saca en cara su carrera cuando le pide que haga fotografías de la boutique, para quedar luego disconforme del trabajo. Ante eso, ella contrata a una fotógrafa profesional, donde Ignacio, a pesar de la decepción del hecho, su corazón se alumbra con esta joven que lo puede guiar a su fin.

Ignacio Rojas, como director y guionista, realizó el cortometraje “De la vida de ciertas estatuas” (2017), pero este es su primer largometraje, un documental de sí mismo, que demoró aproximadamente cinco años en realizarlo. Sin ideas ni un foco claro, comenzó a grabar este nuevo trabajo, siendo empleado de su madre, de todo lo que era su día a día, algunas situaciones totalmente naturales. Pero desde que le indicó a su madre si podía grabarla para un trabajo, las grabaciones fueron un poquito más producidas, ya que ella quería ser la protagonista, sin lugar a duda.

Así se fue armando esta historia, con sus altos y bajos, de cómo un cineasta frustrado en una tienda de ropa, encontró el foco.

El resultado, un trabajo que resultó grato ya que se ve espontáneo, y eso lo hace, en momentos, gracioso, donde varios podrían sentirse identificados con esta torpeza de no saber qué hacer, de verse solo sin dirección, de ponerle empeño pero resultan las cosas mal, porque vemos malas tomas y mala iluminación, pero todo va dentro de un contexto en una historia que hace que se vea auténtico, cercano.

El trabajo muestra cómo la frustración de un novato, pero con las ganas de salir adelante con mucho empeño, se pueden lograr los objetivos sin, por supuesto, dejar de lado que era apoyado para sus fines.

Un trabajo liviano en su forma, honesto en su fondo y agradable de ver.

Ficha técnica

Dirigido por: Ignacio Rojas Vallejo
Producido por: Sebastián Cartajena Alvarado y Alexis Sánchez Baeza
Chile. 2024
74 minutos

Cuando el Cielo se Equivoca - Por Carlos Correa Acuña

Películas con intercambios de vida hay varias. Parece ser un sueño recurrente o una aspiración, pero indudablemente funciona en un solo sentido. Quien tiene una vida de sacrificios y compleja quisiera la vida del que, a su vista, no los tiene. A la inversa, claro, no se da. Sin embargo, para cambiar roles es indispensable que cada parte asuma el rol del otro y eso no siempre sucede.

En esta película pasa algo similar. Arj -Aziz Ansari-, una persona que sobrevive apenas y con mucho apuro, está a punto de tirar todo por la borda cuando un bondadoso ángel -Keanu Reeves-, que quiere hacer mucho más de lo que le es permitido, se propone salvar a Arj. Como no se le ocurre nada mejor, y a la vez quiere demostrarle que el dinero no hace la felicidad, mágicamente intercambia su vida con la de Jeff -Seth Rogen-, un acaudalado inversor de capital riesgo, quien lo acaba de despedir tras haberlo contratado como su asistente.

Aziz Ansari escribe, actúa y filma esta película. Es su debut en largometrajes, y gracias a su amistad con Seth Rogen, el proyecto se potencia. Lamentablemente, el problema radica en que en todo momento sabemos lo que vendrá después de una introducción que abarca casi un tercio de la cinta.

Es cierto, esta película, luego del intercambio de roles, da un giro y la imposibilidad de revertir el cambio enfoca el metraje hacia otro tipo de desarrollo, sin embargo esta construcción se diluye por una evidente falta de tensión.

La premisa de la historia es interesante porque Ansari quiere exponer una radiografía de temas actuales, donde la precaria situación económica de algunos trabajadores choca de frente con la riqueza ampulosa de empresarios e inversores. Claro, la diferencia es abismal y el guion no escatima esfuerzos en amplificarlo como si fuera una caja de resonancia. A la vista de quien no lo tiene, las comodidades y el lujo son solo una ilusión; en la otra vereda, las vidas esforzadas y sin mucha perspectiva son una realidad tan ajena y distante que parecen no existir. Dos mundos que no convergen, que no se tocan, salvo por situaciones como las que expone esta película y que las enfoca a modo de denuncia.

Si bien la historia proporciona un buen material inicial, algo sucede con el desarrollo. Son tantos temas que al final se deshojan. Algo falla a pesar de la simpatía de los personajes y el atractivo que representan los nombres de Rogen y Reeves. La película se siente limitada y un poco plana debido, quizá, a la presencia de múltiples conflictos y la falta de un nudo principal.

Poco más de una hora y media para un filme con pretensiones pero que se queda en el camino. Tiene buenos momentos que despiertan risas, sí, pero se esfuman rápido en un metraje que no levanta el vuelo y resulta bastante flojo.

Como distracción para un viaje o una tarde de streaming, está bien, pero tal vez no más que eso.

Ficha técnica

Título original: Good Fortune
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lionsgate, Oh Brudder Productions. Productor: Aziz Ansari. Distribuidora: Lionsgate
Género: Comedia. Fantástico
Guion: Aziz Ansari
Música: Carter Burwell
Fotografía: Adam Newport-Berra
Reparto: Seth Rogen, Aziz Ansari, Keke Palmer, Sandra Oh, Keanu Reeves
Dirección: Aziz Ansari

Cuando el Cielo se Equivoca - Por Juan Pablo Donoso

A partir del refrán “el pasto del vecino parece siempre más verde que el nuestro”, nos llega esta comedia en apariencia liviana, con algunos diálogos graciosos, que para algunos espectadores aportará un consejo constructivo.

Arj (Ansari) es un tipo con mala suerte que hace mil trabajos diferentes. Su amigo Jeff (Seth Rogen), ricachón de Hollywood, le propone un intercambio de roles para superar la monotonía de sus vidas. Será un Ángel del Valle (Keanu Reeves) quien realice el milagro sin que la sociedad note la diferencia.

Pero, como la especialidad del Ángel es socorrer a la gente común de peligros cotidianos ahora, por inmiscuirse en tareas distintas a las suyas lo castigan, le quitan las alas, y deberá experimentar vivencias humanas ajenas a su naturaleza seráfica.

Según este filme hasta los ángeles deben educarse para seguir mejorando en prudencia y sabiduría.

Evidente protesta contra las desigualdades en este mundo - y en el otro - y se agradece la falta de moralina.

El comediante, guionista y director Aziz Ansari (de origen indio) tiene carisma y estilo humorístico, Pero el guion y la edición pudieron ser más mordaces para denunciar un tema social como este.

Fue grato reencontrarse con Sandra Oh, - de ascendencia surcoreana - actriz de la antigua serie televisiva ER.

Fórmula clásica de comedia romántica que - ¡por suerte! - evita ser rancia o vulgar. Nos deja de buen ánimo sin mayores impactos emocionales.

¿Quiénes son en verdad los afortunados? (Good Fortune, título en inglés).

PARA DISFRUTARLA EN UN VIAJE AÉREO O TERRESTRE.

Ficha técnica

Título Original: Good Fortune

2025 Comedia, ciencia ficción EE.UU. - 1,38 hrs. 

Fotografía: Adam Newport-Berra 

Edición: Daniel Haworth 

Música: Carter Burwell 

Diseño Prod.: Kay Lee 

Actores: Aziz Ansari, Keanu Reeves, Seth Rogen, Sandra Oh 

Guionista y Director: Aziz Ansari

Springsteen: Música de ninguna parte - Por Jackie O.

“Un rockero gótico”

No estamos ante un musical, ni tampoco sobre toda la vida del artista Bruce Springsteen.

Esta cinta nos muestra un momento de la vida de Bruce, cuando era un treintañero y estaba deleitando su éxito con “The River”, aunque aún no era el legendario músico que se conoce ahora. Pero su pasado tormentoso lo sigue y vemos algunos flashbacks para poder así entender su presente, ese presente que se debate entre la depresión y la presión de un nuevo trabajo.

Con una depresión que va creciendo por una infancia triste que no olvida, vive su día a día. Su amigo y manager Jon Landau lo nota y no sabe cómo ayudarlo, pero se mantiene cerca. Además, se le exige un nuevo éxito, por lo que tiene presión emocional por todos lados.
Eso hace que Bruce se vaya un tiempo a su antigua ciudad, esa donde vivió buenos momentos, pero también los peores de su vida con su padre. Pero dentro de ese tormento crea arte.

Estéticamente, la película es de ritmo lento al contarnos la historia, nos lleva al mundo triste de Bruce, a ese letargo, un guion que nos embarca en la necesidad que tiene de estar solo para conectarse o desconectarse, pero también para crear desde otra perspectiva. Un hombre roto, que necesita desde su interior buscarse, y en lo posible, sanarse.

Y en una casa a solas comienza a divagar, pero una película (Badlands) que ve en TV, enciende la mecha de creatividad, ya que lo que ve lo lleva aún más a su oscuridad pasada, a sus tormentos de los que no ha podido sanar.

En esos momentos y sin intenciones, conoce a Faye Romano, una joven madre que lo cautiva. Pero a sabiendas que su relación no iría a ninguna parte, igual se embarcan en una aventura fugaz, pero intensa, que los marca a ambos. (Entiéndase que ella es un personaje ficticio, que nunca existió en la vida de Bruce, sino que es una representación de lo que fue su vida amorosa)

Su peculiar forma de efectuar este nuevo trabajo, sin las personas adecuadas, lo lleva a un estado de exigencia hacia él y el resto de su equipo, creando estrés, tensión, pero de diferentes formas. Para él, este es su legado y forma parte de su vida, para la empresa es algo comercial y que debe generar ingresos.

Las actuaciones son buenas, la puesta en escena es mejor aún, así como la banda sonora. Peinado, maquillajes y efectos de sonido muy buenos, además de la fotografía (hermosas escenas en blanco y negro), son momentos que supieron captar para llevarnos al silencio, la soledad y la tristeza.

 
Es un trabajo bueno, que nos mantiene atentos, pero no es suficiente para ser excelente. Aunque no me extrañaría que pasara a formar parte de la lista de nominados en los próximos festivales en diferentes categorías.

¿Por qué no excelente según mi apreciación? El director nos lleva a conocer a un hombre con un drama personal que tiene analepsias y que trata de confrontar en el presente. Y aún más al creador, que debe tener un nuevo disco. Esto último, tema central de la película: el cómo creó Nebraska. En ambas historias no logra del todo completar la formula para conectarnos al cien por ciento con las dos líneas narrativas. Un tema, creo, de montaje.

Aun así, interesante trabajo para un público que guste de un película “reposada”, pero principalmente hecha para fans de Springsteen.

Ficha técnica

Guion y dirección: Scott Cooper
Basado en el libro "Líbrame de la nada", de Warren Zanes
Protagonizada por Jeremy Allen White, Jeremy Strong, Paul Walter Hauser, Esteban Graham, Odessa Young
Cinematografía: Masanobu Takayanagi
Música: Jeremías Fraites
2025. 119 minutos

Bajo la ley divina - Por Jackie O.

"Entre la justicia de dios y del hombre"

Sinopsis: La capitana Elli Taleb, una agente de policía con una vida privada muy ocupada (ya que está criando a sus tres hermanas) y, sobre todo, completamente atea e impermeable a los hechos religiosos, se une a Clément, un futuro monje cisterciense de la abadía de Valmagne.

Miniserie que comenzó el año 2019 y terminó el 2023, donde cada capítulo es una película de una hora y media. En su primer capítulo nos centra en nuestros protagonistas: la capitana Elli trabaja con su mejor amigo el Teniente Frank en la unidad de homicidios, en el departamento francés de Hérault. Y deben concurrir a la Abadía de Valmagne, ya que un monje fue asesinado. Así aparece nuestro segundo protagonista, Clement, un novicio con estudios en psicología criminal (on line, ya que no ha salido del monasterio) que también pasa por sospechoso en algún momento, siendo para Ellie, tensionalmente negativa la presencia del novicio en el caso. Hasta que se resuelve el crimen, y desde el capítulo dos, Clement se transforma en consultor de la policía, ya que varios de los casos siguientes tienen, las muertes, relación a alguna iglesia o templo, o hay muchos simbolismos religiosos que se pueden pasar por alto y este novicio ayuda en ello. Por ejemplo, la diferencia entre una Biblia abierta o cerrada en determinado sitio, o simplemente llegar a los corazones de las personas para poder declarar.

Y por su puesto, mientras pasa el tiempo, la relación de esta atea policía y este noble novicio va transformándolos a ambos, y a sus respectivas familias.

Una buena miniserie que lamentablemente no tuvo continuación, tal vez por la distante creación de los tres últimos capítulos desde que comenzaron.

Un trabajo que no mantiene persecuciones adrenalínicas, pero sí momentos de reflexión. Que siempre hay un muerto involucrado, pero nada visto morbosamente. Donde también vamos conociendo la intimidad de nuestros protagonistas, y cómo les afectan, en su día a día, ciertas problemáticas. Cómo van creciendo como personas, donde también se equivocan, teniendo una red de apoyo justa para no caer al vacío. En cómo chocan las leyes versus los escritos de la Biblia.

Interesante temática.

¿En qué puede fallar? En querer insinuar algo romántico en uno de nuestros protagonistas, innecesario y nada creíble.

Disponible en Pluto TV y YouTube.

Ficha técnica

Título original: Prière d'enquêter
Guionistas: María Deshaires y Catherine Touzet
Directora: Laurence Katrian.
Protagonista: Mathieu Spinosi, Sabrina Ouazani, Jerôme Robart, Christian Rauth.

Amores Materialistas - Por Carlos Correa Acuña

Ella trabaja en una agencia de citas que promete encontrar la pareja ideal. Él es un galán millonario que asiste al matrimonio de su hermano, un reciente caso de éxito de la agencia. Ella ha conseguido nueve enlaces durante sus años en Adore; él aún está soltero. Lucy conoce a Harry; Harry conoce a Lucy. Una vez más, el clásico “chica conoce chico”. Sin embargo, hay un elemento particular: John, el exnovio de Lucy, es parte del staff de servicio del matrimonio y ambos se encuentran en el evento. Resurgen la historia y las razones de su quiebre. ¿Cómo terminará este triángulo amoroso que se desarrolla en bellos parajes de la Gran Manzana?

La directora Celine Song escribe y dirige su segundo largometraje tras el reconocido “Vidas Pasadas”. Siguiendo un estilo similar, que mezcla intimidad y reflexión, Song se introduce en el mercado de las citas, un ámbito cubierto por un sinnúmero de aplicaciones, pero que también tiene espacio para exclusivas y personalizadas atenciones.

El encuadre funciona muy bien, porque entre el dinero y el lujo se mueve gran parte de la clientela que Lucy debe atender. La fiesta de matrimonio del comienzo es un ejemplo concreto y además un excelente escenario para mostrar la influencia que pueden tener las expectativas en el éxito o fracaso de una relación amorosa.

Unas breves imágenes de Lucy y John como novios, que evidencian sus diferencias y aspiraciones, entregan un barniz sobre las razones que quebraron su relación. Pero no solo eso, también marcan claramente el presente de ambos: ella, soltera y sin ánimo de emparejarse; él, aún sosteniendo, con muchas dificultades económicas, su sueño de ser actor.

En el presente, el interés de Harry por Lucy parece genuino. Qué mejor partido para ella, con dinero suficiente, un departamento soñado de seis millones de dólares en un exclusivo sector de Manhattan y dispuesto a complacerla en lo que ella siempre ha soñado. ¿Match perfecto o solo ensoñación?

Avanza el metraje y Celine Song incorpora otros elementos. En ella surgen dudas laborales debido a un incidente con una clienta y la pareja contactada, en contraste con la oportunidad amorosa que está iniciando. Emerge un conflicto interno en Lucy, lleno de tensiones complejas. ¿Qué razón de ser tiene su trabajo? Claramente no se encuentra en su mejor momento. Sus colegas consiguen éxitos y ahora es ella la que tiene un difícil periodo laboral. El problema de Sophie, su clienta, es bastante serio y aquello la desestabiliza desnudando totalmente sus vulnerabilidades. Pero con Harry todo parece ir viento en popa. ¿O no?

La película se sacude la modorra y avanza hacia lo esencial. Retoma el rumbo y plantea preguntas cruciales: ¿matrimonio por amor o solo negocio? Dudas importantes, porque en rigor el casarse es un contrato entre dos partes, muchas veces independiente de las razones que involucre interna y externamente. La reflexión de fondo se esboza lo suficiente para no cerrar la discusión y dejar abierto el debate, sin olvidar que esta es una comedia romántica y no un ensayo sobre las emociones.

El guion de la realizadora está bien arropado por sus capas estéticas que esconden, en su interior, valores fundamentales. En rigor, “Materialistas”, su título original, es una historia que habla de soledad, de expectativas, de protección y de confianzas. Song deja pronto al descubierto la intimidad de sus protagonistas, rasgos que cobran importancia con actuaciones naturales y convincentes del trío principal. Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal se complementan y cada uno tiene un espacio reservado sin competir por destacar ni opacar al otro. Todo fluye en un metraje cuya conclusión puede inclinarse hacia cualquiera de las opciones que ofrece la trama.

¿Cómo se resuelve la historia? ¿Qué sucederá con Lucy, John y Harry? Aún, a diez minutos del final podemos sospecharlo pero no asegurarlo, y aquello es, en gran parte, mérito de la dirección.

“Amores Materialistas”: casi dos horas para un romance que posee más fondo de lo que aparenta. La anterior, “Vidas Pasadas”, dejó la vara alta, pero a esta nueva propuesta bien vale la pena darle una oportunidad.

Ficha técnica

Título original: Materialists
Año: 2025
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, Killer Films, 2AM. Distribuidora: A24
Género: Romance. Drama. Comedia | Drama romántico. Comedia romántica
Guion: Celine Song
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Shabier Kirchner
Reparto: Dakota Johnson, Chris Evans, Pedro Pascal
Dirección: Celine Song