Engendro - Por Juan Pablo Donoso

Una mezcla de mitología finlandesa y terror cronenbergiano. Historia tensa e inquietante, en que los bebés realmente pueden ser pequeños monstruos.

El elemento folclórico - base de la tragedia central - solo se nos revela al final. Es por ello que durante el desarrollo de la trama oscilamos entre una madre que sufre un posible trauma psicológico de postparto (Mátate, querida mía - CINEMA3.CL - 8/11/25), y el extraño comportamiento del recién nacido - del que deliberadamente nos impiden ver el rostro - para ir generando un conflicto matrimonial difícil de resolver.

En cuanto nace su bebé, a pesar de las palabras tranquilizadoras de quienes la rodean, Saga (Seidi Haarla) intuye que algo anda muy mal. Mientras su matrimonio se resquebraja, solo ella sospecha que la causa reside en su hijo recién nacido.

El crío parece tener una naturaleza salvaje y extraña, emparentada de alguna forma con el bosque y los mitos que le rodean. Después de todo, lo fecundaron en pleno bosque, y bajo el árbol más viejo y siniestro.

La naturaleza del lugar pareciera querer absorberlos, o expulsarlos invadiéndoles el hogar con plantas y raíces.

En términos dramatúrgicos, si deseaban denunciar una maldición folclórica, debieron irnos dando claves previas, progresivas, más evidentes para justificar el desenlace.

A diferencia de El Bebé de Rosemary, y también de Cría Siniestra (de esta misma realizadora), aquí el relato nunca nos preparó para aceptar la verosimilitud de la resolución. Se siente insertada a la fuerza, a diferencia de Cría Siniestra (Hatching - 2022), donde las reglas del juego - por insólitas que fueran - se iban concatenando durante el desarrollo.

Hay una recurrencia temática en la directora Hanna Bergholm con respecto a la maternidad, y a las extrañas criaturas que el instinto materno se ve atávicamente obligado a amamantar.

Aunque los hay, faltaron antecedentes más sólidos en la vida de Saga - la madre - para aceptar el final.

Difícil y sutil desafío dramatúrgico para la realizadora quien, esta vez, falló en darle claridad de fondo a un relato atormentado y esotérico.

Solo después de verla y reflexionar - detenidamente - sobre su contenido, se nos aclara lo que nos quisieron comunicar.

Agradecemos la reaparición de Rupert Grint, como el marido y padre del bebé (Ron Weasley en Harry Potter) donde demuestra una vez más su mesurada presencia.

2026: Festival de Berlín: Nominada a Oso de Oro - Mejor película.

LOS DEMONIOS DEL BOSQUE RECLAMAN A SUS HIJOS.

Ficha técnica

Título Original: Yön Lapsi (Hijo de la Noche)

2025 Misterio psicológico, folclore, suspenso Finlandia, UK, Lituania, Francia - 1,32 hrs. 

Fotografía: Pietari Peltola 

Edición: Jussi Rautaniemi 

Música: Eicca Toppinen 

Diseño Prod.: Kari Kankaanpää 

Actores: Pamela Tola, Rupert Grint, Seidi Haarla 

Guionista y directora: Hanna Bergholm

La Odisea - Por Carlos Correa Acuña

¡Monumental!

El director Christopher Nolan regresa para sorprendernos con una especial versión del antiguo poema épico griego de Homero, “La Odisea”. La dificultad manifiesta de llevar a la pantalla grande un clásico de la literatura universal es sorteada por Nolan de manera brillante, no solo por la elaboración de una atractiva narrativa, sino también por su refinado gusto estético y su amplia comprensión del lenguaje cinematográfico. Vamos por partes.

Sintetizando una historia extensa y con muchos detalles, “La Odisea” trata del viaje de regreso del rey Odiseo a Ítaca, luego de veinte años de ausencia. Durante ese tiempo transcurre la guerra de Troya y, posteriormente, una serie de aventuras que llevan a Odiseo a enfrentarse con dioses hostiles y criaturas mitológicas que amenazan su vida y le impiden cumplir su propósito. Con audacia, ingenio y valentía, Odiseo debe superar cada una de las pruebas para regresar a su reino.

Hay un aspecto en el cine de Christopher Nolan en el que vale la pena profundizar y es el que se refiere al tiempo. En varias de sus películas anteriores, ese tiempo y su medición son fundamentales. Aquí, en “La Odisea”, también se encuentra presente, sin embargo, adquiere otra dimensión. Sin ser obsesivo como en “Dunkerque” o “Interestelar”, este factor se expresa en los años transcurridos y su milimétrica condensación en un relato de un poco menos de tres horas. Nolan, además, construye los personajes a partir de esa base, pues los configura mediante analepsis que, cada vez que aparecen, profundizan y agregan nuevas capas.

El elenco elegido es otro de los puntos fuertes de “La Odisea”. La elección de Matt Damon para representar a Odiseo no puede ser más acertada. Damon consigue cabalmente esa combinación de fortaleza y delgadez, para la que debió someterse a una dieta estricta y rigurosa, y logra separarse en forma clara de otros roles al asumir un papel diferente a lo habitual. En otras palabras, enfrenta un enorme desafío y obtiene un éxito rotundo que, seguramente, le traerá abundantes nominaciones y premios. Anne Hathaway, frecuente colaboradora del director, también vuela alto. Encarnando a Penélope, la actriz comparte su carisma para dotar a la reina de un aire melancólico y, a la vez, esperanzado que traspasa la historia y es, a su vez, el imán alrededor del cual gira la historia en Ítaca. Tom Holland, quien al comienzo no convence del todo como Telémaco, el príncipe heredero, supera una fase inicial algo débil para imponerse en el tercio final, con un carácter y una convicción que logran dejar atrás cualquier atisbo juvenil. Robert Pattinson, en la piel de Antinous, uno de los pretendientes de Penélope, construye a un antagonista de manual, un personaje oscuro y sórdido que intenta aprovechar cualquier vulnerabilidad, pero sin exponerse abiertamente. Otra parte importante del elenco, tan extenso como sólido, se encuentra conformado por Lupita Nyong’o, Samantha Morton, Zendaya y Charlize Theron, quienes, con decididas intervenciones, entregan caracterizaciones destacadas en momentos clave, mostrando una diversidad propia de los tiempos actuales.

“La Odisea” es Christopher Nolan en estado puro. La filmación es impresionante. La decisión de rodar en cámaras IMAX de 70mm, sumada a la búsqueda de locaciones reales amplias y hermosas, aportan al filme una naturalidad de la que es difícil sustraerse. Parece necesario apelar a lo verdadero en un mundo cada vez más devorado por lo artificial. Este rescate prioritario de la esencia del cine, donde no solo se trata de contar bien una historia, sino también de realizarla tomando en cuenta todos los elementos audiovisuales que implica este arte, es probablemente lo más valioso de este trabajo. Cada mínimo detalle está pensado: cada ángulo, cada toma. Desde las épicas batallas hasta la escena más íntima, todo está calculado y desarrollado con una precisión de relojería. Hay un gran trabajo de edición y montaje, acompañado por una banda sonora, compuesta por Ludwig Göransson, que no se escabulle, sino que acompaña cada cuadro y cada secuencia del metraje.

En síntesis, “La Odisea”, ya está transformándose en un hito. Fuera de su éxito en la taquilla, ha despertado una gran curiosidad por volver a la fuente, al poema original, tanto a su lectura como a su análisis. También ha generado polémica, cómo no, en torno a la fidelidad a tal o cual traducción o versión. En todo caso, sorprende constatar que aún existen muchísimas personas dispuestas a vivir la experiencia del cine. No es menor. Son casi tres horas de un contenido largo, muy largo y sin pausa, lo que en tiempos actuales va totalmente a contra corriente de aquellos “reels” de 30 segundos que pasan y pasan mientras desplazamos la pantalla de nuestros teléfonos.

¡Maravilloso! Esto es el cine: experiencia y vivencia, algo que solo una buena sala de cine puede entregar a la altura de un artista como Christopher Nolan, quien ya es, en sí mismo, una leyenda.

Ficha técnica

Título original: The Odyssey
Año: 2026
Duración: 172 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Syncopy Production, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Aventuras. Fantástico | Antigua Grecia. Mitología. Aventuras marinas. Cine épico
Guion: Christopher Nolan. Obra: Homero
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Hoyte van Hoytema
Reparto: Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Samantha Morton, Zendaya, Charlize Theron
Dirección: Christopher Nolan

Verano del 36 - Por Jackie O.

"El verano que cambió vidas"

Durante el verano de 1936, por primera vez en sus vidas, los empleados aprovechando sus vacaciones pagadas, llegaron a la Riviera francesa y se mezclaron con la burguesía. En medio de este ambiente, cuatro mujeres de distintos orígenes se vieron vinculadas a un asesinato ocurrido en un lujoso hotel de la Riviera.

La historia comienza con el asesinato del Fiscal en la habitación del hotel De La Rivera. Lo conocemos previamente, así como a los sospechosos, ya que varios tenían razones para verlo muerto y ahí comienza todo. Un oficial, y la asignación de una asistente muy entrometida pero con buenas ideas investigativas, indagan. Todos se hospedan en el mismo hotel. Todos tienen secretos, hasta que ocurre otra muerte, ahora la del administrador del hotel. ¿Qué relación tienen ambas muertes?

Serie de época muy bien ambientada, y con buenas actuaciones. Nos muestra la vivencias de la época, las formas de convivencia, de investigar y de trabajo en general.
En cuanto a su guion, en términos generales se maneja bien con sus intrigas, pero mantiene varias subtramas que pudieron tener términos mejores, y con algunos cliché típicos evitables. Su formato visual tiene una marcada y clara fotografía, pero con ciertos detalles de película a la antigua, que se ve bastante bien.

Interesante verla pues toca una variada gama de temas, como la diferencia en las clases sociales, ya que vemos un evento histórico entre empleados y empleadores. Temas de deudas millonarias, paternidades escondidas, acusados injustamente, amor entre diferentes clases sociales y raciales, machismo, etc. Temas actuales, pero debemos tener presente que esta miniserie está ambientada en los años 30', por lo que es diferentes y demanda cierta curiosidad.

Por su puesta en escena, vestuario, maquillaje, peinados, fotografía, actuaciones, y por su diversidad en temas, vale la pena verla.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: L'Été 36

Dirigida por Fred Garson

Guion de Marie Deshaires y Catherine Touzet

Actrices: Julie de Bona, Sofia Essaïdi, Nolwenn Leroy, Constance Gay

2026. Francia

6 capítulos

La influencer de Soho - Por Jackie O.

"Mundo de brillos"

Anna se hizo mundialmente conocida gracias a Netflix y su miniserie; puedes leer mi comentario en este enlace.

En febrero del 2021 sale de cárcel con libertad vigilada por estafas millonarias y, por supuesto, es buscada por los medios. Es la famosa Anna y es objeto de un episodio de la serie de noticias 20/20 en octubre de 2021. En el programa, Anna es entrevistada por Deborah Roberts mientras aún está bajo custodia. De primera fuente escuchamos la versión de Anna, la de su amiga Rachel, de su abogado del juicio, de algunos periodistas y de su abogada actual, quien está presente en esta entrevista para determinar qué debe contestar Anna y qué no.

Anna, nació en Rusia y siendo pequeña se fue con sus padres a Alemania, a un pueblito que era muy aburrido para ella. A los 13 nació su hermano. Pasada su mayoría de edad se cambió el apellido y se fue a París donde trabajó en una revista de modas. Cómo ingreso ahí, nadie sabe, pero era parte del plan de vida lujosa que ansiaba y que tenía ya construido en su mente. Luego, a los veinte y algo, se fue a EEUU y ahí comenzó la historia que la hizo mundialmente "famosa".

Como señalé, escuchamos a la que fue su mejor amiga, y engañada; a periodistas que nos muestran cómo de fácil se puede hacer famoso a cualquier persona; el escándalo, la ruina, el engaño, la humillación... todo sirve para el periodismo serio y el periodismo barato.

Y por supuesto, escuchamos y vemos a Anna, elegante y hermosa, tranquila, fría y sin remordimiento alguno. Señala que ella no engañó a esas personas, entidades bancarias y empresas; ellos quisieron ser engañados.

Bien editado, ya que nos muestra fotos y videos de la época mezclados, y la entrevista actual con una buena periodista.

¿Fue una estafadora? O, ¿a la gente le gusta ser estafada al creer y seguir la fantasía de otros?

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Título original:20/20: The Sinfluencer of Soho
2021. 40 minutos.

El Gran Viaje - Por Juan Pablo Donoso

Un viaje épico animado, sin diálogos, sin seres humanos, que flota con maravillosa creatividad.

Trata de sobrevivencia y solidaridad, incluso entre las criaturas más extrañas y peligrosas.

Cuatro aquenios de diente de león - Dendelion, Baraban, Léonto y Taraxa - subsisten a una explosión nuclear que devastó la Tierra. Son propulsados al cosmos. Aterrizan en un planeta desconocido, e inician una exuberante odisea en busca de un suelo propicio para la conservación de su especie. Forman una hermandad. Cada uno depende de los otros. Podrían ser arrastrados por el viento, devorados, intoxicados o separados en cuestión de segundos. Permanecer unidos es la única defensa contra el azar.

Enfrentarán fenómenos extremos y animales sorprendentes. La diferencia está en la escala. Para una semilla, una corriente de aire puede ser un huracán; una gota de líquido, un océano; una babosa, una criatura gigantesca; y una pequeña extensión de tierra fértil, la promesa de una vida entera.

Mezcla de animación digital y fotografía real en “time-lapse” (técnica de video que captura procesos lentos, como el movimiento de las nubes o la apertura de una flor).

La música de Quentin Sirjacq y el diseño sonoro de Nicolas Becker (ganador de un Oscar por Sound of Metal) ocupan el espacio de las palabras.

La misión de las semillas es desplazarse, sobrevivir y procrear. Eliminando la voz, evitaron convertirlas en humanos disfrazados de plantas.

El sonido del agua, el roce de los filamentos y el susurro de las criaturas es tan importante como mirar.

Mientras los ruiditos seminales comunican alegría, alarma o cansancio, la partitura acompaña la aventura con respeto y armonía.

Así como hasta la forma de vida más pequeña puede convertirse en el símbolo más poderoso del futuro, cada elemento del entorno puede convertirse en amenaza: el viento, la sequía, un veneno, o un animal que simplemente sigue su instinto.

Testimonio trascendente de supervivencia biológica y Fe en la vida eterna, manifestada con brillantes burbujitas liberadas en el cosmos infinito.

La resolución nos revela que sembrar significa algo más que completar un proceso biológico. Atravesar el espacio y sobrevivir en un planeta desconocido, encontrar tierra fértil, equivale a encontrar pertenencia.

Después de verla, resulta difícil observar una semilla flotando en el aire sin pensar que quizá está comenzando su propio viaje hacia un lugar donde, por fin, pueda echar raíces.

Su realizadora - Momoko Seto (1980 - Tokio, Japón)- llegó a Francia a los 19 años. En 2021 recibió el Cristal del CNRS, la más alta distinción como realizadora científica. Realizó la serie PLANET, entre ellos PLANET ∑, premiado en la Berlinale en 2015.

“Quise contar una historia sobre el desarraigo, la errancia y la necesidad de encontrar un lugar donde echar raíces. Quería mostrar la complejidad de la naturaleza, no hacer una representación estilizada o artificial, sino invitar al espectador a descubrir ese universo secreto y maravilloso que existe a nuestro alrededor”.

Seto sabe que la naturaleza puede ser aterradora y cómica dentro de la misma secuencia.

HIPNÓTICA, PROVOCATIVA Y DISTINTA.

Ficha técnica

Título Original: Planetes (Dandelion´s Odyssey)

2025 - Animación, fantasía - Francia, Bélgica -1,15 hrs. 

Fotografía: Elie Levé 

Edición: Michel Klochendler 

Música: Quentin Sirjacq, Nicolas Becker 

Guion: Momoko Seto, Alain Layrac 

Directora: Momoko Seto

Premios en Cannes 2025, Paul Grimault en Annecy y Fipresci en la Semana de la Crítica = “Una de las propuestas animadas más originales e innovadoras de los últimos años”.

Así Aprenderás - Por Jackie O.

“Escolares en la mira”

Miniserie que sigue a unos inspectores escolares que son designados para atender casos de bullying, deserción escolar y corrupción en las escuelas. Aunque sus métodos son muy cuestionables, los inspectores tienen como misión proteger los derechos de alumnos y maestros, así como ayudarlos a continuar con sus estudios y aprender de sus errores.

Trabajo muy controversial, que da para muchos debates, el cual nació de un webtoon (historieta digital) escrito por Chae Yong-taek e ilustrado por Han Ga-ram, muy criticado por sus niveles de violencia.

En Corea, los niveles de violencia y deserción escolar están muy altos, por lo que el Ministro de Justicia crea la ODPE (Oficina de Protección de los Derechos Educativos) a cargo de un inspector, el capitán de fuerzas especiales, director Na Hwa-jin. Solo es él, hasta que debe efectuar una intervención en un liceo femenino. Ahí deberá contar con la ayuda de la sargento Im Han-rim y del joven graduado de la KAIST (Instituto Avanzado de Ciencia y Tecnología de Corea) subdirector Bong Geun-dae. Los tres, bajo la dirección del Ministro de Justicia, deben velar por la buena conducta dentro de los colegios.

Cada capítulo es una historia diferente, de maltrato a profesores por parte de alumnos, maltrato de profesores a alumnos, entre alumnos, y de padres a sus hijos en relación a temas de estudios. No es una miniserie sobre la educación propiamente tal, es más sobre qué pasa en la adolescencia y sus problemas (drogas, apuestas, pandillas, bullying, acoso, presión familiar, etc.). Y los inspectores tienen la libertad para impartir justicia contra los victimarios y darles calma a las víctimas.

También, y como en todo orden de cosas, está el tema de la política involucrado, los detractores de este método y los fines personales que algunos buscan para alcanzar el éxito sin importar el costo, que es una trama que está en toda la temporada y que sí, tiene un final concluyente.

Está tan bien estructurado el trabajo en cuanto a guion, actuaciones, puesta en escena, maquillaje y temas tratados, que la hace adictiva, nos involucra y empatizamos con todos los casos. Difícil resulta escuchar en toda la trama frases muy dolorosas. En especial, "cuando los profesores les temen a los estudiantes, no los pueden educar", nos golpea literalmente, en hechos que no son ajenos en ningún lugar, y la impotencia de no saber cómo actuar para mejorarlo, por lo que mirar hacia otro lado resulta más fácil para algunos.

No es perfecta, ya que tiene esa tónica coreana de involucrar peleas muy poco realistas y un humor un tanto absurdo de vez en cuando, pero al final se agradece, ya que de lo contrario estaríamos ante un trabajo aún más dramático de lo que es.

Miniserie para conversarla en familia, ya que hay que poner atención, porque podría haber una víctima, o peor aún, un victimario en el hogar.

Debido al éxito que ha tenido, posiblemente tengamos una segunda temporada, aunque nada está confirmado.

Solo nos queda preguntarnos: ¿crees que debe crearse en el país una agencia tipo ODPE para intervenir los colegios?

(En Corea del Sur, un partido político de centro izquierda lo está proponiendo, por lo que tan descabellado no lo es para algunos)

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirigido por Hong Jong-chan
Protagonistas Kim Mu-yeol, Lee Sung-min, Jin Ki-joo, Pyo Ji-hoon
2026. 10 capítulos.

La Magia del Chocolate - Por Juan Pablo Donoso

Relato de un hecho verdadero. Escrito y actuado con dedicación y amor.

Drama de una familia libanesa que, tras el bombardeo de la fábrica de chocolates del padre, debe emigrar a Antigonish, un lejano pueblito en Nueva Escocia, Canadá.

Más que un conflicto frontal, es una epopeya, llena de obstáculos cotidianos, que va trepando hacia una cumbre de solidaridad, talento, sacrificio y fe.

El proceso tiene dos protagonistas, cuyos distintos anhelos se van alternando - y entretejiendo - hasta alcanzar una meta inesperada de amor y sabiduría.

El primero que llega al pueblo es el joven Tareq Hadhad (Ayham Abou Ammar). Dejó inconclusos sus estudios de medicina con la esperanza de culminarlos en América. Puede hablar inglés con cierta facilidad.

Luego llegan sus padres, sin dominio del idioma, ni trabajo al cual dedicarse para sobrevivir.

Cuando el jefe de familia, Issam (Hatem Ali), prueba por curiosidad los chocolates de la pastelería local, y reniega de su sabor, descubre que los suyos serían muy superiores, y emprende su fabricación artesanal en la humilde cocina del hogar.

El éxito gradual de su nuevo producto - más la desconfianza inicial de la comunidad hacia estos inmigrantes - serán los obstáculos a superar día a día.

Por otra parte, el hijo libra la doble batalla de apoyar la venta de los novedosos chocolates para la subsistencia de la familia y, a la vez, postular sin éxito a la Escuela de Medicina de Halifax.

El conflicto central es que el padre necesita del hijo para promulgar su empresa, y éste anhela con fervor dedicarse al estudio de su vocación.

El mérito del filme radica en cómo nos interna en la bondad de aquellos musulmanes, en su dificultad para adaptarse tanto al frío climático, como para conquistar la confianza de los vecinos.

Es una obra íntima, cálida, llena de sentimientos naturales que nos hacen empatizar con cada uno de sus miembros, amigos y colaboradores. Y desearles el éxito, y la acogida, que merecen.

Las actrices - madre, hija y nietecita - proyectan con ternura el temple discreto de la mujer aguerrida y fiel.

Al margen de los muy verosímiles secundarios, sobre los hombros del joven músico y actor Ayham Abou Ammar - como Tareq - recae la tarea de proyectar la lucha entre su inclinación médica y el deber hacia la prosperidad familiar.

Admirable trabajo actoral de Hatem Ali - como el padre - nacido en Golan Heights, Israel, fallecido en 2020, y a quien se le rinde homenaje póstumo con esta película. Su sola mirada trasluce los subtextos más profundos.

Al final se nos muestran los verdaderos personajes de esta historia.

Visible en YouTube.

UN NOBLE EJEMPLO DE RESILIENCIA. ILUMINA POR SU PUREZA Y ALTRUISMO.

Título Original: Peace by Chocolate - 2021 

Tragicomedia biográfica. Canadá - 1,36 hrs. 

Fotografía: Benoit Beaulieu 

Edición: Mathieu Bélanger, Jonathan Keijser 

Música: David Bertok 

Diseño Prod.: David Blanchard 

Guion: Jonathan Keijser, Abdul Malik 

Actores: Hatem Ali, Ayham Abou Ammar, Yara Sabri, Mark Camacho 

Director: Johnathan Keijser (What would Beethoven Do? - 2016)

Minions y Monstruos - Por Carlos Correa Acuña

Esta nueva historia de estos carismáticos personajes nos invita a explorar un pasado totalmente desconocido, pues los Minions han estado presentes desde tiempos remotos. Esta entrega se sitúa en el Hollywood de la época dorada, lugar al que los pequeños llegan tras un largo periplo al servicio de múltiples villanos.

James, Henry y Ed son los protagonistas de esta aventura. Unidos por sus gustos artísticos y una amistad estrecha, su vínculo es tan sólido como su ambición: de la noche a la mañana, el proyecto de filmar una película de monstruos los mete en grandes problemas.

Esta cinta, la séptima de la franquicia de “Mi villano favorito” y la tercera de los Minions en solitario, mantiene la esencia de estas tiernas criaturas. Con un repaso a cintas clásicas, como “Casablanca”, la llegada de los Minions a Hollywood es un verdadero deleite. Arriban por casualidad pero pronto se convierten en estrellas del cine mudo, íconos de una época, con una fama que nadie habría anticipado.

Pero llega la crisis con la transición al cine sonoro. El lenguaje de los Minions, ininteligible por naturaleza, los hace caer en desgracia: pierden todo lo conseguido y son rápidamente despedidos. Allí surge el proyecto de la película y la idea de dar vida a monstruos que puedan ser puntos de atracción.

En ese momento, la película dirigida por Pierre Coffin se divide en dos frentes narrativos: uno con los Minions y el extraterrestre Dort, y otro con los Minions dedicados a los monstruos y a su película. Es cierto que el metraje baja bastante en ritmo e interés porque la tensión y la atención decaen, pero logra sobreponerse hacia el último cuarto, con un final audaz y vertiginoso que recompensa la espera.

“Minions & Monsters” es una delicia para chicos y grandes, una película para ver en familia, llena de guiños para los adultos y de locas secuencias para los más pequeños. Los Minions parecen incombustibles. Al representar una amplia variedad de personalidades, encajan en cualquier tiempo o lugar.

Larga vida a los Minions. Y a Gru, que tarde o temprano tendrá que volver.

Ficha técnica

Título original: Minions & Monsters

Año: 2026
Duración: 90 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Illumination, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Animación. Comedia. Aventuras | Cine dentro del cine. Secuela. Cine familiar
Guion: Brian Lynch
Música: Heitor Pereira, John Powell
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Pierre Coffin

La Chica Enmascarada - Por Jackie O.

“Mi sueño es convertirme en alguien amada por todos”

Sigue la historia de Kim Mo-mi, una oficinista acomplejada por su apariencia física, y se lo hacen notar, pero por las noches cumple su sueño de ser la artista que nunca pudo ser, convirtiéndose en una popular streamer enmascarada. Su doble vida da un giro oscuro cuando comete un asesinato accidental y se ve obligada a huir.

Kim Mo-Mi, siendo muy pequeña, participaba en todos los concursos de talentos existentes, era una agraciada y talentosa niña, llena de energía y carisma, su madre estaba orgullosa de ella y ya la veía triunfar en el mundo del espectáculo. Pero comenzó a crecer y la adolescencia no fue buena con ella, ya no era bonita, su aspecto fue cambiando y su madre le enrostraba su fealdad, así como amigos, compañeros de colegio, de trabajo; todo el mundo. Eso hizo que estudiara una carrera para trabajar en la invisibilidad de una oficina. Ahí cuenta con una gran amiga, y lamentablemente está enamorada de su narcisista jefe casado.

Es una treintañera que en la soledad de las noches cumple su sueño. Se las ingenió para ser la número uno en las plataformas con bailes sensuales (con ropa sexy, ya que posee un lindo cuerpo, tipo OnlyFans) conversa con sus miles de fans, donde monetiza con esto usando una máscara, ya que no es agraciada de rostro. Se hace llamar Mask Girl.

Y cuando alguien se torna famoso, comienzan los acosadores que están enamorados de ella, y quienes quieren saber su identidad, se preguntan, ¿es fea o bonita? Esto, con el fin de subir dicha información a sus redes y captar esos tan ansiados “likes”.

Pero un trágico hecho hace que un sujeto muera, sin ella saber qué hacer. Ahí comienza su calvario.

La miniserie mantiene un guion muy interesante contado en un orden no lineal; cada episodio se centra en la visión de un personaje distinto de la trama, revelando secretos y motivaciones ocultas que se conectan con la protagonista. Su tono oscuro ensambla muy bien con otros géneros y subgéneros como drama, comedia negra y suspenso. Su guion resulta muy interesante, pero hay momentos muy poco creíbles en su ejecución. Además, creo, faltó un cierre en determinado tema.

Es un carrusel de emociones y situaciones que va de la alegría a la tristeza y de la locura a más locura, con giros inesperados a medida que avanza.

Las actuaciones son buenas, algunas sobreactuadas, pero es parte de la cultura coreana y no se ve mal. Para el papel principal de Kim Mo-Mi actuaron tres mujeres diferentes debido a los cambios de imagen que esta mantenía. (Lee Han-byeol, Nana y Go Hyun-jung)

Una historia que, a pesar de tener temas visuales fuertes como golpes y muertes, toca otros temas profundamente brutales como los estándares de belleza que nacen muchos del hogar, crean una baja autoestima en el menor que los lleva a una vida de inseguridades y tal vez peores situaciones en la vida adulta. El buylling -lo vemos principalmente en dos personajes, tanto en la protagonista como en su admirador Joo Oh-Nam, personificado por Ahn Jae-Hong- donde la misma sociedad participa, dicen “no se habla del cuerpo ajeno”, y las discriminaciones por ello están cada día.

También, la cruda discriminación por ser el hijo de. Critica a la sociedad en la que nos desenvolvemos, sobre las redes sociales, la obsesión que nace con quien la crea y quienes la siguen, el abandono y la soledad. Asimismo, aborda la venganza, esa línea que se marca en casi toda la trama, encabezada por la fanática religiosa Kim Kyung-Ja (Yeom Hye-ran)

Miniserie oscura y tormentosa que vale la pena ver.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Basado en Mask Girl, webtoon de Mae Mi
Dirigido por Kim Young-hoon
7 episodios.

Tabú: una historia de los Mares del Sur - Por Juan Pablo Donoso

Obra maestra del cine mudo de culto.

Un Romeo y Julieta de los Mares del Sur. Prodigiosa fotografía. Inspiración para Gregg Toland (Ciudadano Kane) y Gabriel Figueroa (La Perla).

El amor de una joven pareja se ve amenazado cuando el jefe tribal decide que la niña virgen es sagrada, enfrentándolos a ritos y tabúes de las islas del Pacífico Sur. Leyenda polinésica, rodada en Tahití y Bora-Bora.

Cumbre técnica y artística del cine mudo justo durante la transición global hacia el cine sonoro.

Gracias al poder de la imagen, la historia se entiende sin necesidad de intertítulos. Se estrenó con una banda sonora musical y ruidos sincronizados.

Oscar mejor fotografía por el espectacular blanco y negro de Floyd Crosby. Venció a grandes producciones de Hollywood de la época.

Combinación perfecta entre el Expresionismo alemán y el aporte etnográfico del famoso documentalista Robert J. Flaherty (La Historia de Louisiana).

Fue la última película de F.W. Murnau (Nosferatu – 1922), quien falleció a los 42 años en un accidente automovilístico, una semana antes del estreno oficial. Se arriesgó a trabajar con actores nativos voluntarios. Ello dotó a las escenas de un realismo novedoso para los años 30.

La trama se divide en dos capítulos: "Paraíso" y "Paraíso Perdido". La primera mitad muestra la pureza natural y la armonía comunitaria. La segunda introduce la corrupta civilización moderna, el dinero y la tragedia de las tradiciones milenarias.

Emplea contraste de luces y sombras (claroscuro expresionista) para crear estados de ánimo y augurar el destino fatal de los amantes.

Aunque enteramente en blanco y negro, la plasticidad evoca las pinturas de Gauguin sobre Tahití.

La mano etnográfica de Flaherty se nota cuando capta ceremonias, danzas y formas de vida bucólicas de Bora Bora que estaban por desaparecer.

Murnau, uno de los máximos pioneros del cine alemán, desde los 12 años fue influenciado por Schopenhauer, Nietzsche, Shakespeare e Ibsen, y amigo del innovador teatral Max Reinhardt.

En 1926 emigró a Hollywood donde hizo tres películas: Amanecer (1927), 4 Diablos (1928) y City Girl (1930). La primera es considerada como una de las mejores jamás realizadas. En 1931 viajó a Bora Bora para hacer Tabú con el insigne documentalista Robert J. Flaherty, quien lo abandonó por disputas artísticas, dejándolo terminar la película por su cuenta. Una semana antes del estreno murió en un hospital por lesiones del accidente automovilístico ocurrido al sureste de Santa Bárbara. Sólo 11 personas asistieron a su funeral. Entre ellos estaban Robert J. Flaherty, Emil Jannings, Greta Garbo y Fritz Lang, quienes pronunciaron el elogio.

De altura imponente -1,93 - famosa fue su orden a los actores: “No actúes - ¡piensa!”.

Tabú figura entre las Mejores Obras de Cine Mudo de la Asociación de Críticos Norteamericanos por su valor histórico cultural.

Visible en YouTube.

NINGÚN ESTUDIOSO DEL CINE DEBERÍA PERDERSE ESTA JOYA, RESCATADA MILAGROSAMENTE CUANDO SE CREÍAN TODAS LAS COPIAS PERDIDAS. “UN POEMA VISUAL” (The New York Times).

Ficha técnica

Título Original: Tabu: a story of the South Seas

1931 Tragedia, romance, tradición ancestral EE.UU. - 1,28 hrs. 

Fotografía: Floyd Crosby 

Edición: Arthur A. Brooks 

Música: Hugo Riesenfeld, Violeta Dinescu (1995) 

Diseño Prod.: Edgar G. Ulmer 

Guion: F.W. Murnau, Robert J. Flaherty, Edgar G. Ulmer 

Actores: Anne Chevalier, Matahi, Hitu 

Directores: F.W. Murnau y Robert J. Flaherty

The Pitt, Segunda Temporada - Por Jackie O.

"El trabajo no para"

La exitosa serie de médicos que se ganó la audiencia en su primera temporada, la que puedes leer en este enlace vuelve, y no baja su rendimiento.

Recuerdo que cuando dieron aviso de esta nueva temporada, en su final creí que veríamos el turno de noche, pero no; nuevamente el turno de día con unos momentos del turno nocturno. Porque ya conocemos a nuestros doctores y residentes, se ganaron nuestro corazón y para qué arriesgarse con personajes nuevos si la formula funcionó.

En esta segunda temporada vemos lo mismo que en la primera: tenemos a los doctores a cargo, encabezados por Roddy, el jefe del turno; a los residentes, que algunos se convirtieron en doctores siguiendo en el caótico "foso de Pitt" porque quieren estar ahí, otros aún siguen siendo estudiantes de sus últimos años, otros se fueron y llegaron nuevos residentes. El estrés los abruma, los desalienta o los llena de energía y felicidad. Pero lo que un trabajo estresante hace, por mucha ayuda que se brinde y amor a su entrega, es la salud mental. Nadie repara en ello; los externos ven una obligación y no les interesa cómo se sienten. Están 15 horas, exceden el turno que les corresponde. Porque hay trabajos en que no se para el ritmo. Y hay personas que no están hechas para eso, y no es malo, es saber donde encajas mejor.

La historia, aparte de centrarse en las diversas lesiones que llegan, y que son tratadas por los expertos, tiene un guion, edición, dirección y actuaciones geniales, sin dejar de mencionar el maquillaje y los protésicos muy reales. Transcurre 10 meses después de los hechos anteriores y nuestro doc Robby va a tomarse vacaciones, cosa que no hace por años. Serán 3 meses de permiso, pero tiene dudas de hacerlo. Sus amigos están cerca y él tiene su mente lejos. Llega un reemplazo que trabaja con él, en ese último turno.

Así como en esta y en la temporada anterior, nos dan momentos con el turno de noche debido a que nuestros amigos exceden sus horas, y tal vez con el propósito de conocer a ese turno, ya que en algún momento puede que la temporada solo sea de noche para comenzar desde ya a acercarnos. Y ya queremos al jefe del turno nocturno, el doctor Dr. Jack Abbot, interpretado por el actor Shawn Hatosy, un exmédico de combate y veterano de guerra, conocido por sus métodos poco convencionales pero altamente efectivos, y mejor amigo de Robby.

Lo que es ahora, seguimos disfrutando de esta caótica vida de médicos, con sus vidas personales que las van perdiendo, de cómo separaran lo laboral de lo personal, de las emociones que los acercan con sus pacientes, de la frialdad que deben tener... Un dilema tras otro. Pero seguimos esperando la tercera temporada que se estrena el 2027.

Imperdible.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Creado por R. Scott Gemmill
Protagonistas: Noah Wyle, Patrick Ball, Katherine LaNasa, Supriya Ganesh, Fiona Dourif, Taylor Dearden, Isa Briones, Gerran Howell, Shabana Azeez, Sepideh Moafi
2026. 15 capítulos.

Moana - Por Jackie O.

“Y… de nada”

El año 2016 llegó a la pantalla la película animada Moana, donde una joven junto a un corpulento semidios se robaron los corazones de muchos. De ahí, en el año 2024 sale Moana 2, y ahora aparece la versión Live Action, ya que Disney tiene la necesidad de hacer que todos los dibujos animados tengan su personaje real. A veces funciona, y en otras definitivamente no. Veamos que sucede en esta cinta.

Moana desde pequeña escucha las historias fascinantes de su abuela, sobre el semidios Maui, monstruos en el océano, y las aventuras que más allá del arrecife pueda encontrar. Hasta que un día el mar la escoge para devolverle el corazón a la diosa de la naturaleza, ya que su pueblo de a poco comienza a sufrir los estragos de la hambruna. Pero su padre le prohíbe, como jefe de la tribu, salir al océano, pero Moana ya no escucha razones; solo debe salvar a su pueblo y no puede evitar el llamado de la naturaleza por lo que va en busca del semidios Maui y emprenden un viaje con el objetivo de restaurar el bienestar de la comunidad.

Como ven, la historia es la misma que la animada, por lo que esta versión con humanos, conocida como live action, debe manejarse bajo esos conceptos, lo cual se agradece. No queremos, como publico, experimentos raros, ni ocurrencias extrañas a su equipo de producción. Se agradece que, como los personajes de la película animada son indígenas polinesios, sean ahora en su mayoría australianos y hawaianos, pero del mismo grupo étnico. El hecho de respetar los orígenes como los trajes tradicionales para cantar, bailar y mostrar su cultura, en general, se ve muy bien. Tenemos, además, las canciones conocidas y nuevos arreglos.

Sobre las actuaciones solo cumplieron. Lamento que Dwayne Johnson como Maui, sabiendo que él dio la voz a la animada, acá se siente que no es él. Es muy simpático como actor, pero no refleja en carne y hueso al Maui de los dibujos, quien tiene un carisma muy diferente. Hubo momentos en que no supo representar el rol y los protésicos con la peluca se le veían mal. Catherine Lagaʻaia como Moana, dio todo de sí para entregar un buen rol; aun así quedó algo corta.

Mucho CGI pero no molestan, están bien incorporados; la fotografía se puede destacar.

Pero quien se roba la pantalla, a mi parecer, es el gallo HeiHei y el mini Maui, quienes le dan los toques de humor y atención, más que los mismos protagonistas debieran.

Lo otro lamentable es que no tuvo la escena post créditos como en la película animada.

Una cinta para el público general, que sirve de entretención familiar, pero no cumple con todos los detalles técnicos que debe tener una super producción con tan alto costo. Si hay tanto dinero invertido, deben dar algo de alta calidad.

Por último, la película toca muchos valores como la identidad, los orígenes, el respeto a las tradiciones, el amor a la familia, la amistad y la unión.

Ficha técnica

Dirección Thomas Kail
Basada en Moana de Ron Clements y John Musker
2026. 115 minutos

Te encontraré - Por Jackie O.

"Todo por un hijo"

David Burroughs ( Sam Worthington ) es encarcelado injustamente por el asesinato de su hijo, Matthew (Jasper Rainn Lawrence). Cinco años después, David recibe información de su ex cuñada, Rachel ( Britt Lower ), de que Matthew podría seguir vivo.

David cumple la peor condena que un padre puede sufrir, y él lo dice: "le fallé a mi hijo, no lo protegí y murió". Hace 5 años, todas las pruebas apuntaban de que él lo había matado brutalmente; él dice que no lo hizo. Está solo, no quiere recibir visitas, pero un día su ex cuñada aparece y le muestra una foto: Matthew podría estar vivo. Desde ese día, David está en peligro, la cárcel ya deja de ser tranquila para él. ¿Por qué?

Con ayuda, logra escapar y comienza una persecución para salvarse, porque comenzará a buscar a su hijo y probar su inocencia. Pero a la vez debe cuidarse, su vida corre peligro y también quienes le ayudan.

¿Está vivo el niño? ¿Qué pasó esa noche? ¿De quién es el cuerpo encontrado? ¿El objetivo era Matthew o David? O, ¿lo están volviendo a engañar? Todas esas preguntas, y más, queremos descubrir. Porque desde el primer capítulo, esta miniserie se vuelve adictiva.

Un trabajo que habla de variados temas, principalmente de lo que un padre está dispuesto a hacer por su hijo. De la unión o desunión familiar, las confianzas, del perdón, de la reconciliación. Y también se ve corrupción, ambición y deslealtades.

 
Con buenas actuaciones que nos involucran, donde tomamos partido y empatizamos.
Con una buena dirección y ambientación, nos sumergidos en una desesperada búsqueda de alguien, que no sabemos si podría ser verdad que viva, y de quién está tras todo este drama.

Espero, mínimo, tenga muchas nominaciones a futuros festivales.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Género: Drama policíaco
Creado por  Robert Hull
Basado en "Te encontraré", de Harlan Coben
8 capítulos. 2026.

La Invitación - Por Carlos Correa Acuña

¿Quién no ha escuchado ruidos provenientes de un departamento superior? Excluyendo a los habitantes de una casa o de un último piso, probablemente todos hemos estado más o menos expuestos a una situación que, sobre todo a altas horas de la noche, puede ser al menos incómoda.

Esta es solo una parte de la premisa de esta película protagonizada por Olivia Wilde y Seth Rogen, una pareja que invita a cenar a sus vecinos de arriba. Joe -Rogen-, es profesor de música y arrastra años de frustraciones. De hecho, la cinta abre con él dirigiendo un ensayo de la banda del colegio en el que ignora las imperfecciones y se limita a decir “buen trabajo”, “repitan”, para luego dejarlos solos. La rutina y el desgano con que Joe enfrenta la vida aumenta en su incómodo retorno a casa -primero en metro y luego en bicicleta- en la única secuencia de la película filmada en exteriores y que da contexto a los créditos iniciales.

En casa, Angela -Wilde- le dice a Joe que tienen invitados. Se trata de los habitantes del piso superior, un encuentro largamente postergado. Joe se niega, no quiere, está cansado y abrumado. Ángela insiste. Discuten acaloradamente pero no hay vuelta atrás. Suena el timbre y llegan Pina -Penelope Cruz- y Hawk -Edward Norton-, dispuestos a pasar una velada que no solo tendrá sorpresas, sino que pondrá en tela de juicio las complejas relaciones de pareja de hoy en día.

Basada en la exitosa obra de teatro “Los Vecinos de arriba”, escrita por Cesc Gay a mediados de la década de 2010, “La Invitación” es un remake de “Sentimental”, una versión llevada al cine por el propio director el año 2020. En esta oportunidad, es Olivia Wilde quien se hace cargo de dirigir y actuar una cinta que no se aparta nunca de su esencia al transcurrir casi en su totalidad en un espacio cerrado. Con textos inteligentes y una música trepidante compuesta por Devonte Hynes, en la que un violoncello lleva la voz cantante, el filme resulta incisivo gracias a una buena dosis de audacia provista por mordaces diálogos que escalan en una espiral que por momentos parece perder el control.

Solo cuatro actores dentro de una habitación logran construir y deconstruir el mundo de las relaciones de pareja en muy pocos minutos. Por momentos es intimidad pura, con movimientos y gestos sutiles; otros responden a dinámicas particulares, individuales, donde cada uno expresa su profunda personalidad; y en gran parte del metraje, la película encuentra su base en un juego de duplas, en aquella identidad de pareja que no es solo la suma de sus partes.

Cuando el tono de la discusión sube y la temperatura aumenta, la sexualidad pasa a ser el centro. Efusiva -motivo de los ruidos- y prácticamente perdida -la realidad de Angela y Joe-, la temática no deja a nadie indiferente cuando la pareja invitada coloca sobre la mesa un posible intercambio. Allí es cuando surgen las complicidades, los cuestionamientos y aquellos puntos de fricción que llevan al filme hacia su ebullición, tal como una olla a presión a punto de explotar.

La acertada elección del elenco no pasa inadvertida. Seth Rogen se ve tan natural en el rol de Joe que es difícil saber si está sujeto al guion o bien improvisa varios de sus pasajes. Lo cierto es que su actuación logra algo muy difícil, esa mezcla de drama y comedia que involucra a la audiencia. Olivia Wilde se separa de su labor de directora al dar vida a Ángela, un personaje complejo de construir pues es quien sostiene las piezas del relato. Edward Norton, como Hawk, resulta inescrutable, y esa faceta -muy bien encarnada por el actor- resulta fundamental para generar un contrapunto que no se advierte sino hasta los minutos finales. En último término, la inclusión de Penélope Cruz, interpretando a Pina, entrega una gran dosis de sensualidad gracias a ese toque hispano latino que contribuye a subir la temperatura de la caldera.

En poco menos de dos horas, “La Invitación” no deja dudas. Cuando hay un guion potente y actores sólidos, el resultado no puede ser mejor en una película que no esconde los problemas. Al contrario, los pone sobre la mesa, los desarrolla y literalmente los desnuda para provocar una discusión sin pretender ser la palabra final o entregar un veredicto circunstancial. Un poco a contracorriente, esta película tal vez no sea para todo público. Su conflicto se desarrolla más en el plano de las ideas que en el de la acción física, algo que en estos días tiende a sucumbir ante la inmediatez y la carencia de una genuina atención.

Ficha técnica

Título original: The Invite
Año: 2026
País: Estados Unidos
Duración: 108 minutos
Compañías: Filmnation Entertainment, Annapurna Pictures, Permut Productions
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Remake. Cine independiente USA
Guion: Rashida Jones, Will McCormack. Obra: Cesc Gay
Música: Devonte Hynes
Fotografía: Adam Newport-Berra
Reparto: Seth Rogen, Olivia Wilde, Penélope Cruz, Edward Norton
Dirección: Olivia Wilde

DTF St. Louis - Por Jackie O.

"Deja entrar el sol”

Tres personas de la mediana edad se ven envueltos en un triángulo amoroso que termina en una catástrofe, por lo que dos detectives investigan y descubren que el crimen está relacionado con una aplicación de citas llamada "DTF St. Louis”.

Una premisa oscura y dramática, con un crimen que nos anteponen para prepararnos a desentrañar un misterio. Así comienza el primer capítulo de esta miniserie, para luego ir retrocediendo y poder entender cómo se desarrolló todo y terminar en el desenlace que ya sabemos.

¿Cómo? ¿Por qué? y ¿Quién? Estas son las preguntas que queremos que tengan respuesta.

Clark (Jason Bateman) es un famoso meteorólogo, casado, con dos hijas, un sujeto tranquilo, amable, que entabla amistad con Floyd (David Harbour), un sujeto amable, de buenas intenciones, quien llega, a veces, a ser un poco torpe, especializado en lenguaje de señas y casado con Carol (Linda Cardellini), una viuda con un hijo al cual Floyd quiere como si fuera suyo. Sus vidas dan un giro cuando se conocen casualmente; lo que nunca pensaron hacer o decir lo sienten y lo hacen. Personas que están dentro del parámetro que diríamos “normales”, bien catalogados socialmente, con problemas cotidianos, salvo Carol, que le pesa mucho el hecho que económicamente no están estables, y eso la mantiene en un constante mal humor, ya que como generalmente sucede en los hogares, las mujeres deben preocuparse prácticamente de todo, no solo de ellas sino de organizar lo de otros. Y cansa ver su casa, su hijo, su marido, el trabajo de su marido, buscar de alguna forma los ingresos extra, etc., y se nota lo abrumada que está.

Pero cuando se encuentra el cadáver de uno de estos protagonistas, aparecen en escena dos detectives que se pelean la escena del crimen, y es el primer roce que deben sortear para luego trabajar juntos. Me refiero al veterano detective Donoghue Homer (Richard Jenkins ), de la vieja escuela clásica, muy conservador; y la oficial de crímenes especiales Jodie Plumb (Joy Sunday), más joven y abierta de mente. Ambos, muy observadores y analíticos, unen sus destrezas para poder desentrañar este misterio, con sospechosos que los confunden, ya que el guion da giros a veces inesperados.

¿Por qué el ser humano hace lo que hace? Somos un misterio.

Estéticamente la miniserie está muy bien armada. Mantiene un guion de mucha conversación que sirve para conocer a los participantes de este trabajo y adecuado para entender por qué se llega a su desenlace, cuáles son las motivaciones de vida de cada uno y de quienes los rodean. Es un drama que se mezcla con humor negro que en momento nos descoloca un poco, pero se siente parte de la vida misma. Se tratan muchos temas emocionales que involucran no solo a la mediana edad, que se esconden para no afrontarlos abiertamente, que no se hablan por temor, en especial los hombres que deben aparentar fortaleza, ya que la debilidad se mal interpreta. Expresar sentimientos se ve mal para ellos.

También da a conocer que existen estilos de vida que algunas personas mantienen y que ya son parte de la sociedad, donde a veces podemos sentirnos identificados con el detective Homer (“¿esto existe”?)

Diálogos para adultos, que no son para nada fuera de tono o mal incorporados, y hay imágenes de desnudos. El nombre escogido en este trabajo “DFT” es un acrónimo que significa "Down To Fuck".

Para algunas personas puede ser un tanto lento este trabajo, pero es muy interesante escuchar, observar las pausas y silencios. No siempre se necesita adrenalina en su máxima potencia. Y la historia es contada no de manera lineal, funciona muy bien su forma.

En cuanto a las actuaciones, son realmente buenas.

La fotografía nos lleva por diversos lugares de la ciudad, mucho espacio vacío y en silencio como la vida de nuestros protagonistas.

La banda sonora buena, en especial su introducción, donde el tema central tiene mucho que ver con la trama.

Miniserie que de seguro tendrá muchas nominaciones al Emmy y otros festivales, y ganará algo.

Disponible en HBO.

Creado por Steven Conrad
7 capítulos. 2026.