En la Zona Gris - Por Carlos Correa Acuña

El ritmo vertiginoso y la acción constante son las características que dominan esta nueva entrega del director británico Guy Ritchie. La historia, escrita por el propio Ritchie, presenta a un equipo de agentes cuya misión es recuperar mil millones de dólares recientemente robados.

Lidera la operación Rachel Wild -Eiza González-, una abogada experta que, según ella misma explica, no tiene problemas en actuar por vías legales o ilegales. Hábil negociando -lo constatamos desde su primer diálogo con Rosamund Pike, en el rol de su mandante-, Rachel sabe que tiene respaldo de sobra para actuar. Esta confianza proviene de contar con un par de hombres entrenados en condiciones extremas: Sid -Henry Cavill- y Bronco -Jake Gyllenhaal-, dos agentes de élite y líderes de un equipo altamente preparado que posee recursos prácticamente ilimitados.

¿Cuál es la misión? Lograr que Manny Salazar -Carlos Bardem-, un reconocido narcotraficante, devuelva lo que ha robado. Parece sencillo, pero no lo es, porque Salazar se refugia en una isla que controla a su antojo, protegido por decenas de personas y por un sistema corrupto que involucra incluso a la policía local. El escenario queda definido; la premisa es clara y desde ese momento comienza la acción.

El estilo de Guy Ritchie brilla en este filme que avanza de manera implacable. Con mucho diálogo para explicar diferentes aspectos de una trama que, por momentos, parece más compleja de lo que realmente es, el trabajo se va construyendo en torno a la planificación de los diferentes escenarios que el equipo debe prever. Como el objetivo apunta a una reunión presencial entre Salazar y Wild, se deben considerar todas las posibles rutas de extracción, es decir, anticipar todo como si se tratara de un intenso duelo de ajedrez, salvo que esta vez es entre dos equipos rivales letales.

La química entre los protagonistas es innegable. Eiza González, con carisma y autoridad, resulta creíble como cerebro operacional. Combinando fuerza y delicadeza, no dudamos de que ella está a cargo de todo, aunque por momentos se vea tan vulnerable como una princesa que debe ser rescatada por un príncipe azul. Por otra parte, tanto Henry Cavill como Jake Gyllenhaal deciden ubicarse un poco más atrás para liderar las operaciones en terreno, creando una dinámica particular difícil de describir, pero que resulta bastante funcional para el relato.

Esta película resulta ágil, entretenida y sin margen para pestañear, porque no solo se trata del riesgo de perderse algún detalle o de no entender el volumen de información que maneja. Hay algo más que atrapa en esta cinta y que es necesario destacar: la edición. El ritmo que imprime Martin Walsh al metraje es impresionante. La continuidad entre tomas, la utilización de drones al servicio de la historia y los enlaces de las secuencias resultan gratamente sorprendentes. Solo un ejemplo: cuando una motocicleta salta al vacío, lleva cierta velocidad de desplazamiento. Cuando la escena pasa al plano contrario, mantener esa misma velocidad no es algo frecuente, pero aquí funciona perfectamente. Está bien, es un detalle, pero en esta producción existe el cuidado técnico y el resultado se nota.

“In the Grey”, funciona perfectamente como un espectáculo que nos lleva al borde del asiento aunque sus giros no sean tan bruscos o podamos anticipar ciertas cosas. No importa. Lo que buscamos es sumergirnos en la historia y disfrutar de un espectáculo que capture los sentidos. Guy Ritchie lo consigue con esta película en solo 100 minutos, sin innovar demasiado pero manteniendo su sello característico con eficacia.

Ficha técnica

Título original: In the Grey
Año: 2026
País: Reino Unido
Compañías: Black Bear, Yellow Camel Studios
Género: Thriller. Acción. Drama | Espionaje. Ejército. Robos & Atracos
Guion: Guy Ritchie, Paul Tamasy, Eric Johnson
Música: Christopher Benstead
Reparto: Henry Cavill, Jake Gyllenhaal, Eiza González, Kristofer Hivju, Fisher Stevens, Rosamund Pike
Edición: Martin Walsh
Dirección: Guy Ritchie

Salida 8 - Por Jackie O.

“Sigue las reglas, avanza o regresa, y no pases ninguna anomalía”

Película japonesa basada en el videojuego de 2023 "The Exit 8", desarrollado por Kotake Create. Video juego desconocido para mí, por lo que no podré hacer aquellas odiosas comparaciones.

La premisa es muy simple: un hombre queda atrasado en la estación del Metro, específicamente en el pasillo. Parece una idea simple en lo conceptual, pero eso la hace compleja en su ejecución para que sea agradable a la vista y entendible en su idea.

Está protagonizada por un hombre sin nombre, que luego de una inquietante llamada de teléfono queda atrapado en dicho pasillo del Metro, en “un bucle” infinito, y debe encontrar anomalías en el lugar para poder escapar, transformando cada minuto en una pesadilla de terror psicológico.

Lo común es que las personas asocien el terror con un monstruo, pero el terror u horror también son sensaciones. Y esta película cumple con lo último, ya que trabaja los detalles que pueden ser aburridos para muchos, porque no encontrarán "ese" monstruo, o el gore que le haga cerrar los ojos, pero cada minuto que pasa se va transformando en una agonía de avanzar a ningún lado por parte de nuestro protagonista, de encontrarse con personas o ruidos, e incluso nosotros buscamos anomalías para ayudarlo a salir de ese bucle (o conocido por otros como loop), y comienza a ser claustrofóbico, más cuando es acompañado de una música que “empeora “ (en el buen sentido) las sensaciones.

La cinta no será del gusto de todo público, ya que hay que verla con detención y paciencia porque en la pausa es la angustia, son situaciones que se transforman en desesperación al querer hacer algo, en cambiar una rutina y/o volver a lo mismo cuando creías que todo estaba bien.

Las actuaciones creíbles, aunque sobreactuadas (mucha gesticulación propia de la zona, pareciera). Con planos secuencias muy bien tratados, fotografía luminosa y con pocos elementos, logra su objetivo de ser ingeniosa, gritándonos que debemos observar nuestro alrededor, de no escapar a los problemas (en este caso la masculinidad contenida o la paternidad – niño/joven/adulto), sino que aprender a enfrentarlos, en tener empatía, sacar el piloto automático y así poder salir de los túneles mentales.

Interesante propuesta, suspenso bien logrado.

Ficha técnica

Exit 8 ( en japonés : 8番出口, Hepburn : Hachiban Deguchi )
Dirigido por Genki Kawamura
Guion de Kentaro Hirase y Genki Kawamura
Cinematografía Keisuke Imamura
Protagonizada por Kazunari Ninomiya, Yamato Kochi, Naru Asanuma, Hanase Kotone, Nana Komatsu.
2025. Japón. 95 minutos

Volcán: Fuego bajo Tierra - Por Carlos Correa Acuña

Recuerdos marcan el comienzo de esta cinta. Una niña y su padre, un paisaje geológico diverso, rocas calientes que comienzan a emitir ruidos y a moverse. La música acompaña con un especial efecto: la masa sonora asciende medio tono para luego descender; misteriosa, sugerente, premonitoria.

Pasamos a la acción. Un fuerte sismo -más bien, un terremoto- despierta a Anna -Vigdís Hrefna Pálsdóttir-, una reconocida experta volcánica que trabaja en el consejo de la ciudad. Los movimientos tectónicos son comunes en la zona, sin embargo, se han intensificado en el último tiempo.

Anna vive con su marido Kristinn -Joi Johannsson- y su pequeña hija Salka -Steinunn Kaldal Jakobsdóttir-, pero su mayor conexión no es la familia, sino el trabajo. No descansa, no se desconecta, está siempre pendiente; al primer aviso, se pone en camino a su oficina, o bien, está dispuesta a salir a terreno. Esta explosión ocurrió en el mar y se debe sobrevolar el sector para evaluar la magnitud y posibles consecuencias. Un viaje en helicóptero, imágenes impactantes y vuelve la música. Solo hay un elemento adicional: les acompaña Thomas -Pilou Asbæk-, un experto fotógrafo, un artista visual, quien comienza a cubrir los sucesos.

Basada en la novela de Sigríður Hagalín Björnsdóttir, la directora Ugla Hauksdóttir describe el problema y centra la atención en la forma de enfrentarlo. En el lugar existe una cultura, una dinámica de cómo hacer las cosas, y Anna es la principal protagonista debido a su experiencia. Hija de un importante científico, ha heredado su pasión por entender los fenómenos volcánicos. De pocas palabras e incluso algo mal genio, Anna cree que las señales actuales son inequívocas: todas anticipan un desastre.

La aparición de Thomas altera la dinámica. Al principio, su presencia le molesta, interfiere en sus planes y no puede perder su norte. Sin embargo, algo sucede: las miradas van un poco más allá. Una concurrida exposición de fotos y una visita al estudio personal del fotógrafo corroboran algo que ya resulta evidente.

Esta cinta tiene tres vertientes estructurales. La primera es el trabajo científico de Anna; la segunda su familia y la aparición de Thomas; y la tercera, el evento volcánico que amenaza con destruir la ciudad. Quizá el problema es que el metraje no se decide por ninguna. Al contrario, las tres avanzan a ritmo similar, dividiendo la atención del relato en una decisión que es muy válida, pero que resta fuerza al desarrollo. En otras palabras, estamos siempre a la espera aunque en todo momento sabemos lo que esperamos.

Las aristas de la trama merecen un párrafo aparte. Primero, una de corte científico, que tiene que ver con la prevención y la seguridad. Allí vemos debates respecto a los niveles de alarma, la preocupación por la población y acciones concretas que se deben tomar ante la aproximación de un evento que puede ser catastrófico. Junto con esto, aparece una temática nueva: el turismo. Erupciones activas llaman la atención de cientos; evitar aquello parece ser una misión imposible.

La segunda arista aborda la vida personal de la protagonista. Con una familia bien constituida, la aparición de un tercero rompe el eje de equilibrio. Ya no se trata de un simple gusto, algo pasajero o efímero, sino que es algo que cruza la moral: es el deber ser enfrentado al peso de la realidad.

La tercera arista, y tal vez la menos desarrollada, es la social, es decir, cómo una comunidad enfrenta una condición inherente a la tierra que habita. Los profesionales a cargo son los responsables y en ellos está confiada la rutina diaria. Ver sus debates y decisiones desde dentro entrega una perspectiva diferente, tal vez un poco alejada de lo que esperamos, pero más real.

“The Fires”, logra su cometido de entretener pero queda al debe en la construcción de la historia. Cuando las crisis aparecen por todos lados y no se decide por dónde ir, la trama tiende a diluirse. Es cierto, la analogía resulta evidente: la protagonista está entre un importante terremoto físico y también emocional. Pero al final, ¿ante qué película estamos? ¿Una de desastres físicos, de acción y heroísmo, o ante una cinta íntima, en la que un quiebre sentimental fractura una familia? Son preguntas que quedan en el aire y que tal vez le quitan algunos puntos a esta interesante producción islandesa.

Ficha técnica

Título original: The Fires
Año: 2025
Duración: 105 minutos
País: Islandia
Compañías: Netop Films, Madants. Distribuidora: Front Row Filmed Entertainment
Género: Thriller | Volcanes
Guion: Markus Englmair, Ugla Hauksdóttir. Novela: Sigríður Hagalín Björnsdóttir
Música: Herdís Stefánsdóttir
Fotografía: Ollie Downey
Reparto: Elín Hall, Ingvar Sigurðsson, Pilou Asbæk, Vigdís Hrefna Pálsdóttir
Dirección: Ugla Hauksdóttir

Volcán: Fuego bajo Tierra - Por Juan Pablo Donoso

Película islandesa que mezcla catástrofes naturales con un conflicto amoroso y familiar.

Presenta un evidente desequilibrio en su guion. Todas las secuencias de erupciones volcánicas son impactantes y - ¡paradojalmente! - muy hermosas por su magnificencia.

Sin embargo, el conflicto matrimonial se siente esquemático y casi innecesario.

El personaje central es Anna (Vigdís Hrefna Pálsdóttir), una prestigiosa académica vulcanóloga que teme, y pronostica, el advenimiento de una cadena de erupciones volcánicas prontas a estallar.

Las autoridades minimizan las alarmas por la eventual disminución de turistas.

El correr de los días confirma los augurios de Anna, ya que aumentan los temblores cada vez más intensos y frecuentes.

Ella tiene un hogar bien constituido, un cariñoso marido (Joi Johannsson), y Salka, una hijita pre-adolescente (Steinunn Kaldal Jakobsdóttir ).

Durante los estudios volcánicos en terreno, Anna conoce a Thomas (Pilou Asbæk), un fotógrafo danés que cubre la región como corresponsal de varios medios europeos.

Gradualmente, y a pesar de la resistencia de Anna, se iniciará entre ellos un romance extra-matrimonial.

La evolución paralela de ambos dramas - el telúrico y el erótico - marcan el desarrollo del drama hasta su trágico desenlace.

Si bien el argumento proviene de una novela de Sigríður Hagalín Björnsdóttir, y que su guionista y directora es la galardonada Ugla Hauksdóttir ( Universidad de Columbia y primera directora islandesa en llegar a ser miembro del Gremio de Directores de América), llama la atención el evidente desequilibrio del relato.

Hay escasa relación dramática entre la catástrofe volcánica y el amorío extraconyugal de la protagonista. Parece solo un hecho fortuito para alargar la trama. Si hilamos fino diríamos que había en el corazón de ella - felizmente casada y madre de familia - un magma retenido por largo tiempo, que necesitaba brotar en algún momento. Pero nos dan mínimas justificaciones para pensar eso.

Aparte de la bella fotografía y cómodos encuadres para escenas íntimas (filmadas en Polonia), ignoramos lo que la película nos quiso decir, demostrar o advertir a fin de cuentas. Salvo relatar un hecho verídico, de personas reales, en aquella peligrosa zona del mundo, expuesta a volcanes latentes y ríos de lava.

Destacamos el carisma de Joi Johannsson, como el marido engañado, quien experimenta con sobria empatía el progresivo derrumbe de su armonía matrimonial.

BELLÍSIMAS SECUENCIAS DE MAGMA VOLCÁNICO SECUNDADO POR UN ROMANCE POCO NOVEDOSO. UNA EXPERTA DIRECCIÓN DE ACTORES PARA UN GUION IRREGULAR.

Ficha técnica  

Título Original: Eldarnir (The Fires)

2025 Suspenso, desastre natural Islandia - 1,45 hrs. 

Fotografía: Ollie Downey 

Edición: Kristján Loðmfjörð 

Música: Herdís Stefánsdóttir 

Diseño Prod.: Heimir Sverrisson 

Guion: Markus Englmair, Ugla Hauksdóttir 

Actores: Vigdís Hrefna Pálsdóttir, Joi Johannsson, Pilou Asbæk 

Directora: Ugla Hauksdóttir

Los misterios de Praga - Por Jackie O.

"Buscando la verdad"

La serie se desarrolla en 1922. Luego de la Primera Guerra Mundial y tras el colapso del Imperio Austrohúngaro, nace la República de Checoslovaquia. Es en ese lugar, y en tiempos convulsionados por la política, donde transcurre esta serie que sigue los pasos de un Inspector de Policía que tiene a su cargo los suburbios de Praga y los crímenes que allí ocurren.

Hynek Budík es ascendido como Inspector en jefe de la Policía, pero debe cambiar de distrito. Ahora verá los suburbios, el sector más campesino. Se le asignan dos compañeros: el experimentado Inspector de distrito Rudolf Havlík, y un novato y jovencito agente de policía, Martin Nováček. Budík esta casado con una "noble" (a quien por temas políticos de la época se le quita el título nobiliario) que tenía ya una hija, y ambos tuvieron a otra. Ya crecidas, la mayor es rebelde y problemática y la menor romántica e inocente. Cada caso es una nueva aventura en la que deben lidiar con gente humilde, trabajadora y religiosa.

En cada capítulo deben resolver algo relacionado con dinero, celos, religión y otros temas del sector rural, donde la salud mental también fluye. Esto hace que veamos las diferencias sociales, ya que en un comienzo nuestro Inspector no acepta muy contento su cargo en sectores de bajo estrato social. Pero eso le sirve para ver la realidad humana, saber las carencias y donde apuntar la ayuda. El guión es interesante en ese aspecto. Vemos la forma de resolver crímenes con los escasos métodos de pericias. Nos inmiscuimos, además, en la vida personal de este trío de policías.

Aunque en un comienzo, las actuaciones no son lo fuerte, de a poco repuntan con mejores interpretaciones y nos hacemos parte de sus vidas.

Lo mejor es la puesta en escena, no descuidaron ningún detalle. Nos transportan a los años 20 europeos. Vestuario, maquillaje y peinados muy buenos y los detalles de escenografía son geniales, cámaras, diarios, formas de cuidado personal, etc. Cada rincón es historia.

Una miniserie interesante, entretenida para maratonear.

Disponible gratis en Mercado Play y Pluto TV. También en Amazon Prime Video.

Ficha técnica

Título original: Zločiny Velké Prahy ( Los crímenes de la Gran Praga )
Escrita por Petr Zikmund, Jan Drbohlav, Zdeněk Zapletal y Ivan Hejna
Dirigida por Jaroslav Brabec
Protagonizada por Jaroslav Plesl, Jiří Langmajer y Denis Šafařík
República Checa. 2021
1 temporada. 10 capítulos

Sin Piedad - Por Carlos Correa Acuña

Pese a las críticas, en su mayoría negativas, la trama de esta película me llamó la atención como para darle una oportunidad. La historia se desarrolla en un futuro no tan lejano, en el que el detective Chris Raven -Chris Pratt- es acusado de asesinar a su esposa. En un juicio express, el otrora destacado oficial de la policía de Los Ángeles tiene solo 90 minutos para demostrar su inocencia ante la jueza Maddox -Rebecca Ferguson-, una IA avanzada que forma parte de un programa denominado Mercy.

¿Verdad que la premisa es interesante? Claro, sobre todo hoy que estamos rodeados de noticias sobre los avances de la Inteligencia Artificial y cómo el mundo está cambiando sus costumbres y procesos. Imaginemos nuestro mundo actual, inundado de delitos, una criminalidad en aumento, procedimientos engorrosos para capturar y juzgar a los delincuentes, etc. Y de pronto llega una solución tecnológica que promete agilidad, respeto de los derechos, basarse únicamente en hechos comprobables, infalibilidad y un valor que resulta esencial: la imparcialidad.

Da para pensar, sin duda, pero, ¿qué pasa entonces con el acusado? En este ejemplo, se trata de un policía pionero en el nuevo sistema llamado Mercy -que da el título a la película y significa misericordia-, y que ha sido parte de los primeros procesos llevados a cabo. Pero ahora tiene todo en su contra y se encuentra ubicado justo al otro lado del tablero. Su angustia es extrema. No recuerda nada, los actos lo incriminan, no sabe cómo defenderse y en solo 90 minutos su caso será historia. Con un índice de culpabilidad superior al 97 %, como figura el suyo, solo si reduce ese porcentaje al 92 % y si logra aportar evidencia objetiva, podría salvarse de la ejecución. No es sencillo hacerlo, sin embargo, no todo es negativo. Producto de los protocolos, Raven tiene acceso a la misma información que la jueza ha revisado para determinar su condición. Pero ¿por dónde comienza, cómo usa todo ese caudal de datos para poder exculparse?

Poco a poco aparecen algunas pistas: un segundo teléfono perteneciente a su esposa está extraviado, hay datos sobre una relación paralela, un evento en casa con sus compañeros de trabajo… nada muy claro, pero, al menos, pequeñas pistas que permiten iniciar una investigación que pueda dilucidar lo que realmente sucedió. El tiempo corre; el tic-tac es implacable.

El director Timur Bekmambetov se las arregla para presentar en pantalla un mundo inquietantemente familiar, en el que drones, teléfonos y cámaras ubicadas en todas partes, registran permanentemente nuestros movimientos. Si bien la ejecución resulta parecida a otras cintas de su género, esta producción logra generar tensión entre un escenario único -el lugar donde está encerrado el protagonista- y el mundo exterior, gracias a varias imágenes, rápidas y breves, que van configurando cada una de las vertientes de la historia. Lo anterior implica un gran esfuerzo de producción y un plan bien ejecutado que se sostenga con una edición prolija y dinámica.

Chris Pratt y Rebecca Ferguson logran bastante química en pantalla. Por otra parte, los personajes fuera del recinto, Jaq Diallo -Kali Reis-, la compañera de Chris y Rob Nelson -Chris Sullivan-, el compañero de trabajo de la mujer asesinada, evitan que la historia quede encerrada en una caja y lo amplían hacia un mundo más abierto que incluye múltiples posibilidades.

“Mercy” vuela en sus 100 minutos de duración y, además con entretener, deja un par de sensaciones. ¿Puede la IA tener actos de humanidad? ¿Son los hechos más importantes que conocer la verdad? Parece un asunto en blanco y negro, sin embargo, está lleno de zonas grises, tal vez de aquella materia gris que todavía podemos llamar inteligencia natural.

Ficha técnica

Título original: Mercy
Año: 2026
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Atlas Entertainment, Amazon MGM Studios, Bazelevs Production, Big Indie Pictures. Distribuidora: Amazon MGM Studios
Género: Ciencia ficción. Thriller. Acción | Crimen. Distopía. Inteligencia artificial
Guion: Marco van Belle
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Khalid Mohtaseb
Reparto: Chris Pratt, Rebecca Ferguson, Kali Reis, Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers
Dirección: Timur Bekmambetov

La vida que vendrá - Por Carlos Correa Acuña

Tres decisiones de la directora Karin Cuyul marcan este trabajo documental. La primera, mostrar imágenes en color de una época asociada al blanco y negro. La segunda, componer el metraje con imágenes poco conocidas, la mayoría registradas de manera casera. Y la tercera, no hacer una película triste, elección que apunta hacia el futuro.

Este es un recorrido muy personal de la autora y comienza con el funeral oficial del presidente Salvador Allende, realizado el 4 de septiembre de 1990, apenas recuperada la democracia en Chile. Karin Cuyul deja claros sus sentimientos de pesadumbre y desesperanza debido a las muchas expectativas existentes ante un futuro que se ha va quedando atrás, subsumido por un presente que, finalmente, resulta ser eterno. La búsqueda de paz y tranquilidad queda a medio camino. ¿Existen otras opciones, otros caminos, otros rumbos?

Pronto pasamos al plebiscito del Sí y el No del año 1988. Ante la derrota de la dictadura en las urnas, la elección presidencial lleva a que, en 1990, Patricio Aylwin asuma el mando de la nación mientras el General Augusto Pinochet se queda como Comandante en Jefe del Ejército y luego como Senador vitalicio. El cuestionamiento surge espontáneo en uno de los testimonios: “tenemos un No ganador pero un Sí mandador”. La esperanza comienza a transformarse en resignación; la resistencia es vital para poder seguir creyendo en algo. Los sentimientos cambian, derivan en pesimismo y tristeza.

Si el eje principal de esta cinta es la figura de Salvador Allende, Karin Cuyul sitúa a Pinochet en la vereda opuesta. Se detiene en el proceso judicial desarrollado en el extranjero, su detención en Londres, su defensa por parte del Estado, su regreso a Chile y su muerte el 10 de diciembre de 2006, sin que en el país se concretara una sentencia judicial.

Más adelante, la directora conecta con el denominado “estallido social”, ocurrido el 18 octubre 2019 y la expectativa que provocó en muchas personas: la posibilidad concreta de impulsar cambios profundos y redactar una nueva Constitución. Todo aquello se desmorona el 4 de septiembre de 2022, cuando, en el plebiscito de salida, la opción Rechazo alcanza un 62% contra un 38% del Apruebo. La resignación se transforma en aceptación, algo similar a un “statu quo” que se torna permanente.

“La vida que vendrá” tiene una línea editorial coherente y clara. Archivos amateurs e imágenes desconocidas agregan gran valor a un trabajo sobre una etapa política del país. Karin Cuyul logra generar un relato que se transforma en un testimonio personal e intenso, una voz que, en palabras de la propia directora, da cuenta de un país que no fue.

Ficha técnica

Año: 2025
País: Chile, Colombia
Duración: 92 minutos
Producción: Joséphine Schroeder (Chile)
Co-producción: Jerónimo Atehortúa (Colombia)
Guión: Karin Cuyul
Producción ejecutiva: Joséphine Schroeder, Miguel Yilales, Jerónimo Atehortúa, Juan Sebastián Mora Baquero, María José Alarcón Ardila
Compañías productoras: Pequén Producciones (Chile), Invasión Cine (Colombia)
Sonido: Diana Martínez Muñoz
Montaje: Federico Atehortúa
Postproducción de sonido: Guateque Cine
Post de color: Darío Órdenes (Albatros Post – Chile)
Diseño sonoro: Diana Martínez Muñoz, José Delgadillo Gaviria
Dirección: Karin Cuyul

Hokum - Por Carlos Correa Acuña

En un amplio plano del desierto, aparece un hombre ataviado con una armadura acompañado de un niño pequeño. El paisaje es desolador, seco, caluroso y agobiante. Sin más detalles, solo observamos la acción. Es el final del viaje; no hay salida posible.

Mientras esas imágenes se asientan, encontramos al escritor Ohm Bauman -Adam Scott- en medio de un dilema. No sabe cómo concluir su libro y debe saldar deudas emocionales pendientes. Sus padres han muerto y aún conserva sus cenizas, por lo que es el momento de cerrar esa parte de su historia. Viene a su mente el Hotel Bilberry Woods, en Irlanda, donde sus padres pasaron su luna de miel. ¿Acaso llevar sus restos hasta ese lugar le permitiría cerrar el duelo?

Ohm es un escritor de historias de terror, de muy pocas palabras, hosco, de mal carácter y retraído, un personaje bastante antisocial, casi un ermitaño. El viaje lo saca de su zona de confort, porque se enfrenta a experiencias completamente nuevas. La búsqueda de un lugar para dejar las cenizas de sus padres lo lleva a un encuentro extraño con alguien que más adelante terminará siendo clave en la trama. Se trata de Jerry -David Wilmot-, un hombre que vive en su camioneta y que acostumbra beber leche mezclada con hongos mágicos.

Muy pronto, dos acontecimientos marcan el relato. Al mismo tiempo, Fiona -Florence Ordesh-, la encargada del bar del hotel; Mal -Peter Coonan-, el recepcionista; Fergal -Michael Patric-, el jardinero; y Alby -Will O'Connell-, el botones, asumen papeles importantes en la historia. Desde ese momento, la búsqueda inicial de Ohm se transforma en el camino para superar su pasado y, al mismo tiempo, en una lucha por sobrevivir.

Escrita y dirigida por Damian McCarthy, “Hokum” no es la típica película de terror a la que estamos acostumbrados. Al contrario, va un poco más allá, pues no se apura en revelar sus cartas a pesar de usar varios recursos asociados al género. A través de enlaces, recuerdos y breves diálogos, el director nos propone una experiencia más atmosférica que real, para que la imaginación complete los vacíos. Con una construcción lenta, son las imágenes, junto con la música, las que generan impacto, siempre en ambientes poco iluminados, con colores pálidos y luces que potencian una penumbra en la que los sonidos se cuelan por las rendijas del relato.

La cinta desarrolla varias capas temáticas. Una de ellas es la brujería, pero no abusa ni recurre a soluciones sobrenaturales ridículas. Esa decisión marca una diferencia, porque es el espectador el que debe cuestionar qué es real y qué no, y hasta qué punto la historia personal de Ohm -su pasado traumático y su camino de redención- constituye realmente el motor del metraje.

En el plano de las actuaciones, ayuda mucho la presencia de Adam Scott ocupando el rol central. Quienes lo hemos visto en producciones como “Severance”, podemos ratificar que es un actor difícil de leer y predecir, capaz de confundirnos con su mirada, alguien que saca mucho partido al manejo de la ambigüedad en escenas con pocos diálogos. Respaldado por un equipo sólido, Scott asume gran parte del peso dramático y se mueve con comodidad, manteniendo la tensión hasta la última escena.

“Hokum”, en un poco menos de dos horas, resulta interesante justamente por ser diferente. Afortunadamente no cae en clichés; evita así exageraciones y rumbos fáciles, para cerrar de manera coherente y circular, muy por encima de lo que promete en un comienzo.

Ficha técnica

Título original: Hokum
Año: 2026
Duración: 101 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-Emiratos Árabes-Estados Unidos; Cweature Features, Imagenation Abu Dhabi FZ, Neon Films, Spooky Pictures, Team Thrives, Waypoint Entertainment. Distribuidora: Neon
Género: Terror | Sobrenatural. Literatura. Familia. Brujería
Guion: Damian McCarthy
Música: Joseph Bishara
Fotografía: Colm Hogan
Reparto: Adam Scott, Peter Coonan, David Wilmot, Florence Ordesh, Michael Patric, Will O'Connell, Brendan Conroy, Austin Amelio
Dirección: Damian McCarthy

Exit 8 - Por Juan Pablo Donoso

Inquietante y poética alegoría de un proceso de maduración paternal.

Aunque inspirado en un video-juego, este relato unitario logra misterio y valor metafórico.

El propósito del autor es más profundo y sugerente. Vivencia cercana a una pesadilla, cuyos secretos del inconsciente solo emergen al dormir.

Un hombre joven, atrapado en un interminable pasadizo del Metro necesita encontrar la salida 8. Las reglas son perentorias: si descubre una anomalía, retroceda inmediatamente. Si no lo hace, siga adelante. Luego egrese por la salida 8. Más, un solo descuido lo mandará de vuelta al principio. ¿Llegará alguna vez a su meta y escapará de este corredor infinito?

Con la metáfora continua de la cinta de Moebius - en el laberinto de una estación de Metro - ilustran musicalmente la reiteración acumulativa del Bolero de Ravel - alternada con lo romántico de Debussy y lo barroco/teológico de Jesús Alegría del Hombre de Bach (BWV 147).

Un llamado poético y “visceral” al “don de la paternidad responsable” - dilema de “tomar una decisión” en contraste con el egoísmo o la cobardía de tantos que solo se comprometen cuando puedan beneficiarse (Ej: el Hombre insensible que solo transita por la vida, cruzándose en su camino).

Los movimientos de cámara generan tensión, y nos invitan a buscar, junto a los personajes, las “anomalías” liberadoras, involucrándonos así por completo en la historia.

Lo genial del guion es que nos zarandea de un lado a otro con solo tres adultos diferentes, y un niño.

Relato ingenioso que aprovecha al máximo su minimalismo.

Aunque sea un vídeo juego, (versus Iron Lung -12 de marzo - Cinema3.cl), esta nos propone MADUREZ, es decir, coraje para tomar decisiones.

Valentía para asumir la paternidad aunque involucre tolerancia, paciencia y sacrificio (guagua que llora sin cesar en el Metro).

El cineasta japonés Genki Kawamura, autor de éxitos como Your Name (2026) y Monster (2023), tuvo la inteligencia de ir más al fondo del vídeo-juego original de Kotake Create.

Enorme cantidad de metáforas, todas coherentes unas con otras para estallar en la Conclusión radiante de los créditos finales: un pletórico color amarillo, gozoso, coincidiendo con la culminación brillante del Bolero de Ravel.

Será decepcionante - y majadera - para quienes esperan un típico filme de terror asiático.

Encierra en su misterio una cantidad de reflexiones existenciales, de vida, de madurez, envueltos en atmósfera de pesadilla.

Abierta a múltiples lecturas simbólicas.

Advertencia: podría ser doloroso para espectadores que aún sufren de neurosis existenciales.

Conmovedora y provocativa, permanece con nosotros mucho después de los créditos finales.

Recibió una ovación de pie de ocho minutos durante su estreno en el festival de cine en Cannes 2025.

EXTRAORDINARIA, PROVOCATIVA Y DE POÉTICA INTELIGENCIA.

Ficha técnica

Título Original: 8番出口 -8-ban deguchi

2025 Misterio y angustia psicológica Japón - 1,35 hrs. 

Fotografía: Keisuke Imamura 

Edición: Sakura Seya 

Música: Shouhei Amimori, Yasutaka Nakata 

Dir.de Arte: Ryota Kobayashi, Ryo Sugimoto 

Guion: Kotake Create, Kentaro Hirase, Genki Kawamura 

Actores: Kazunari Ninomiya, Yamato Kochi, Naru Asanuma (Niño), Kotone Hanase 

Director: Genki Kawamura

Mortal Kombat II - Por Juan Pablo Donoso

Gigantesca superpoducción - US$68.000.000 - donde la fantasía se codea con la chacota, y la acción desenfrenada.

Basada en el vídeo-juego homónimo, es la segunda parte de una trilogía que comenzó en 2021. Como aquella tuvo mucho éxito comercial había que seguir explotando la veta de oro.

Sus protagonistas son un grupo de guerreros - legendarios de Oriente - que en la primera película se preparaban para un Torneo Universal; en esta, se realiza el Torneo y, en una tercera, veremos qué destino corren después de la competencia.

Los combates son contra el malvado Shao Kahn (Martyn Ford), cuyo reino amenaza con destruir la Tierra y a quienes la protegen.

Como el vídeo-juego mezcla leyendas antiguas con tiempos presentes, incluye en sus filas a un actor - veterano héroe hollywoodense - Johnny Cage - para que aporte aquí los recursos de matinée de sus viejos filmes.

Y luego de una breve síntesis recordatoria de la precuela, ¡vamos adelante con la acción que tiene de todo menos realismo!

Máxima acumulación de: - artes marciales - humor y sátiras anacrónicas - mezcla de leyendas orientales con reyes, princesas, gigantes, monstruos, enanos, y galanes heroicos de Hollywood.

Incontables combates con sangrientas masacres…pero sin importancia porque todos resucitan de inmediato y siguen peleando.

Poderes mágicos para esfumarse en un sitio y reaparecer en otro.

Casi todos pueden lanzar fuego por las manos, rayos láser por los ojos y huracanes por la boca.

Constante aparición de nuevos chinos y japoneses.

Abundante sátira y alusiones a antiguos filmes de artes marciales y a epopeyas estadounidenses tipo Lucas y Spielberg.

Inagotable alarde de Efectos Especiales.

Deliberada ridiculización de los héroes de Hollywood en la figura de Johnny Cage (Karl Urban).

Viejo paradigma de la aguerrida rubia occidental (Jessica McNamee) y de los “legalmente” necesarios actores negros, musculosos, simpáticos, pero siempre víctimas expiatorias.

Solo hay que dejarse llevar por la acción, los nuevos desafíos, los efectos especiales, los maquillajes monstruosos, y por los sacrificios heroicos de amazonas que luchan por vengar a sus ancestros y, como siempre, tratar de recuperar el infaltable amuleto mágico que viene con instrucciones al dorso (¡!).

Ideal para adolescentes poco lógicos que necesitan descargar adrenalina, o, para adultos que quieren olvidar sus problemas cotidianos viajando a reinos de fantasía y mucho dinamismo.

Gigantesco presupuesto y lista interminable de personas involucradas en la realización.

Ojalá verla en pantalla grande o IMAX.

ESPECTACULAR MALABARISMO DE CLICHÉS, HUMOR ANACRÓNICO Y COMBATES MARCIALES UNISEX.

Título Original: Mortal Kombat II

2026 Artes marciales, fantasía sobrenatural, acción EE.UU. - 1,56 hrs. 

Fotografía: Stephen F. Windon 

Edición: Stuart Levy 

Música: Benjamin Wallfisch 

Diseño Prod.: Yôhei Taneda 

Guion: Jeremy Slater, Ed Boon, John Tobias 

Actores: Karl Urban, Ludi Lin, Jessica McNamee 

Director: Simon McQuoid

Michael - Por Carlos Correa Acuña

No exenta de polémica llega esta película sobre Michael Jackson, un ícono de la música pop que probablemente no deja a nadie indiferente. Escrita por John Logan y dirigida por Antoine Fuqua, “Michael” se enfoca en los primeros años del cantante. Con sencillez y humildad, el menor de los hermanos Jackson destaca desde sus primeros años por su carisma y una facilidad vocal distintiva. Su padre Joseph -Colman Domingo-, un trabajador esforzado, está convencido de que la única forma de surgir está en el sacrificio y el trabajo duro. “El mundo se divide en dos: ganadores y perdedores”, les repite a sus hijos, más de una vez. Su forma de ver la vida establece una férrea disciplina que aplica con dureza a los “Jackson 5”, el grupo musical de hermanos que pronto consiguen sus primeros éxitos.

Esta dureza de Joseph -evidentemente abusiva y con castigos físicos-, encuentra contraste en la bondad y el amor de una madre que se transforma en el pilar emocional de Michael. “Deja brillar la luz que hay en ti”, le señala, dando un respiro y un futuro a un niño extremadamente talentoso cuya voz resulta deslumbrante.

Destaca en esta primera sección la actuación de Juliano Krue Valdi como el joven Michael, alegre y espontáneo, un contrapunto respecto a sus hermanos y a una cierta caricaturización de los padres, todo esto en un segmento que funciona correctamente como introducción, pero que no logra despegar del todo.

El paso de los años es bastante brusco. Michael, aún niño en muchos aspectos, es todo sonrisas. Su canto fluye de manera tan natural, que los detalles y las sutilezas de su voz encandilan a los expertos, y también a quienes perciben que están frente a un verdadero diamante con un potencial que parece no tener techo. La producción de un disco en solitario, mientras su vida transcurre entre mascotas y juguetes, multiplica exponencialmente su fama. Ya no es una promesa, es una realidad. Ya no es un diamante, es una joya. No obstante, Michael ya comienza a exhibir gustos excéntricos y algunas rarezas difíciles de comprender, las que parecen ser solo el preámbulo de sus futuros cuestionamientos.

La ruptura con su padre y el alejamiento de la familia no tarda en llegar. Michael necesita ser libre para crear, para componer. Viene el disco “Thriller” y la filmación de su famoso clip; también “Billie Jean” y varios éxitos más; un accidente grave, una nueva gira con sus hermanos y sus primeros conciertos globales.

La actuación de Jaafar Jackson -sobrino de Michael- resulta muy convincente. No solo existe una gran similitud física sino que su caracterización posee esencia. Los genes está allí. La sangre, el brío y la convicción, una herencia familiar innegable que proviene de un gran tronco compartido. Los roles de soporte se ubican, todos, un peldaño más abajo. Nunca gravitan, quedan relegados a la órbita de Michael y parece que solo están allí para poblar un escenario donde la luz del Rey del Pop brilla por sí sola.

Lo más destacado de esta producción es sin duda el espectáculo audiovisual que ofrece de algunas de las canciones más icónicas de Jackson. Las recreaciones de los conciertos, los escenarios y las grabaciones en estudio se encuentran en un altísimo nivel, en contraste con las escenas más íntimas, esas secuencias mucho menos vibrantes donde la cinta presenta sus principales baches narrativos. Tal vez por ello es que las críticas por la ausencia de los aspectos negativos -las acusaciones en contra de Michael Jackson por diversos tipos de abuso-, ha despertado más de alguna polémica. Es cierto que la película está acotada a un período específico y que los casos denunciados adquieren relevancia pública con posterioridad. Sin embargo, al conocerse que, por acuerdos judiciales, no pudieron ser incorporados, tal vez aquello justifica en parte un desequilibrio que perjudica la parte relacional y emocional del relato, algo que apenas se esboza, pero que en ningún caso se llega a profundizar.

Con sus altos y bajos, quedémonos con lo mejor de esta producción: la música, el baile y lo que representa un fenómeno social y de masas. “Michael” consigue, en solo dos horas, reflejar el impacto cultural que generó. Vibrante y con un vuelo artístico único, Jackson será recordado siempre como una gran estrella: histriónico, desafiante y con un talento arrollador, pese a las persistentes dudas sobre su vida privada y sus dudosos comportamientos.

“La historia continúa”, señala el último cartel de la cinta. ¿Vendrá una segunda parte que profundice en los cuestionamientos o será solo una ampliación de esta primera? Solamente nos queda esperar lo que viene al ritmo de “Billie Jean” y “Thriller”, esos éxitos inmortales ya instalados en nuestra memoria colectiva.

Ficha técnica

Título original: Michael
Año: 2026
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lionsgate, GK Films, Universal Pictures. Distribuidora: Lionsgate
Género: Drama | Biográfico. Música. Años 80. Años 70
Guion: John Logan. Biografía sobre: Michael Jackson

Música original: Lior Rosner
Fotografía: Dion Beebe
Reparto: Jaafar Jackson, Nia Long, Juliano Valdi, KeiLyn Durrel Jones, Laura Harrier, Jessica Sula, Mike Myers, Miles Teller, Colman Domingo
Dirección: Antoine Fuqua

La Voz de Hind Rajab - Por Jackie O.

“Una historia de horror, un tema despiadado”

Es la historia real de Hind Rajab, una niña acorralada en un coche bajo el fuego de las fuerzas israelíes en Gaza. Por teléfono pide ayuda, y el equipo de rescate libra una tensa carrera contra el tiempo para encontrar la manera de salvarla.

No estamos ante una cinta que solo nos avisa que está basada en hechos reales, sino que, además, utiliza la real llamada de teléfono para así involucrarnos aún más.

Omar trabaja en una central telefónica de ayuda y recibe la llamada de un sujeto que le dice que su hermano está con su familia en un fuego cruzado en Gaza. Le da el número y Omar llama. Una mujer responde, pero al poco rato se sienten disparos y silencio; luego la mujer no responde. Omar, emocionalmente afectado, da cuenta a su jefe y la psicóloga del lugar lo aconseja; siguen una rutina. Al volver a su puesto de trabajo, el mismo sujeto anterior le dice que hay más gente en el auto, que intente llamar por si alguien más responde. Omar marca nuevamente el número y efectivamente una pequeña se escucha al otro lado del fono: es Hind, una niña de tan solo seis años.

¿Cómo lidiar con una pequeñita que no entiende lo que pasa a su alrededor? Está asustada, está con cuerpos fallecidos a su lado, escondida en el auto y solo hay disparos afuera. Rana, su colega, lo ayuda al fono, pero al pasar los minutos la angustia de Rana y Omar va transformándose en desesperación, ya que hay protocolos muy estrictos de rescate. Es una zona de guerra.

Y la desesperación atrapa hasta a su jefe cuando las horas pasan. Hasta que obtienen luz verde, y la ambulancia va en camino.

El tema es, ¿logrará alguien sobrevivir en esa zona de guerra?

La cinta mantiene una tensión que no te suelta desde el comienzo, ya que mezcla la ficción con momentos reales, como escuchar la real voz de la niña y la de los telefonistas, así como uno que otro encuadre de los reales participantes de ese momento.

La directora supo captar la esencia de lo crudo que es una guerra, donde inocentes quedan entre fuego cruzado, donde las pérdidas son brutales, donde se involucran muchas personas, y pareciera que a nadie le importa por qué la guerra sigue.

Al terminar de verla, no puedes olvidarla, y ni siquiera sabes qué decir, porque el sabor amargo de la situación y, peor aún, haber escuchado las voces reales, se te clavan en la mente como un puñal.

Una denuncia social, un grito de auxilio.

Se puede discutir detalles técnicos, como la puesta en escena, específicamente en la forma en la que se muestra cómo trabajan en dicho centro de atención, algo a veces un poco incongruente. Pero el fondo, quédate con eso.

Al final vemos escenas reales. Como si no hubiésemos tenido angustia suficiente, más nos aprietan el corazón. Pero lamentablemente es necesario verlas.

Película que fue nominada al Oscar, Globo de Oro y Bafta. Obtuvo el premio León de Plata en Venecia, el premio del público en San Sebastian, entre otros.

Cinta que inauguró el FemCine este 2026, y que podrás ver en la Cineteca Nacional este 9 de mayo.

También está en arriendo en Google Play y Apple TV. Pero vela en el cine, si puedes.

Ficha técnica

The Voice of Hind Rajab
Dirección y guion: Kaouther Ben Hania
Fotografía: Juan C. Sarmiento Grisales
Montaje: Qutaiba Barhamji, Maxime Mathis, Kaouther Ben Hania
Protagonistas: Amer Hlehel, Clara Khoury, Motaz Malhees, Saja Kilani
País: Túnez, Francia.
2025. Drama. 89 minutos.
Idioma: Árabe, palestino, inglés.

180 - Por Jackie O.

"Los inesperados cambios de la vida"

Sinopsis: Cuando un incidente inesperado de furia vial pone a su hijo en estado crítico, un padre enfurecido se desvía por un oscuro camino de confusión emocional y venganza.

Zack lleva una buena vida, su negocio prospera, con una esposa amorosa y un hijo de siete años que es un encanto. Todo va bien en su vida, salvo que Zack tiene mal genio, no en casa, sino que fuera de ella, y eso hace que tenga uno que otro problema. Y eso sucede un día cualquiera ante una coalición que tiene, donde lamentablemente se topa con un matón de lo peor. El mal genio de Zack y el arma apuntando de este matón desatan el peor día de nuestro protagonista, cuando la bala que era para él, pasa a ser de su hijo. El mundo se le desmorona y quiere cobrar venganza, pero al no ser un tipo con habilidades de pelea, hace que se meta en más problemas, involucrando a sus cercanos también.
Y aparecen en escena dos policías que están viendo el caso de su hijo, pero a él también lo tienen en la mira. Lo que no esperaba era que uno de esos policías es corrupto.

Estamos ante una cinta predecible, historia vista miles de veces, con un protagonista que de repente se convierte en héroe. Hay corrupción, muerte, etc. Pero ahora en Sudáfrica, con culturas de ahí, dialecto especial y actores diferentes, y eso hace que valga la pena verla, ya que debemos movernos de Hollywood de vez en cuando, porque hay más mundo cinematográfico, y es muy interesante ver cómo se desenvuelven otros mundos.

Técnicamente, la película tiene sus fallas, a veces, falta de lógica en el guion y actuaciones, pero aún así hay buenos actores.
Es una película para pasar el rato y encuentro que no se pierde el tiempo al verla, ya que hasta resulta mejor que una hollywoodense.

Temas que se tratan: el amor de padre a su hijo, la ira, de que no podemos andar por la vida peleando con todos por todo, hay que saber detenerse y ver si se vale la energía en ello, más si hay niños presentes. La familia y la unión ante las dificultades, y por supuesto la ética profesional.

 
Y preguntarse si, luego de una pérdida devastadora, ¿la familia permanecerá unida? ¿Se pueden evitar las tragedias?

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección y guion: Alex Yazbek
Reparto: Prince Grootboom, Noxolo Dlamini, Danica Jones, Warren Masemola, Desmond Dube, Fana Mokoena, Kabelo Thai, Bongile Mantsai
2026 / Sudáfrica
94 minutos

La Gloria - Por Jackie O.

"¿Las cicatrices se borran?"

Sentirse en "la gloria", es estar muy pero muy feliz, extremadamente cómodo y a gusto con algo o alguien.
Para Moon Dong-eun, ¿cuál sería su Gloria después de vivir una adolescencia marcada por el maltrato?

No sé con precisión por qué Moon Dong-eun, una adolescente pobre y abandonada por su madre alcohólica, está en un colegio de niños adinerados. Tal vez alguna beca, quién sabe. Pero ahí está, viviendo un infierno porque cinco compañeritos le hacen bullying, pero no solo simples palabras que molesten, sino que siente en su piel el maltrato; nadie ve, nadie escucha. Está sola y no puede huir. No es la primera ni tampoco la última que pasa por eso, y Park Yeon-jin es la líder de este maltrato.
Pero un día, Moon Dong-eun debe huir, rehacer su vida y armar su venganza. Ya no tiene alma, no tiene piedad, nada le importa más que arruinar a estos cinco personajes.

18 años después, Moon Dong-eun vuelve a cobrar venganza. Su Gloria es destruir el deseo de cada uno de sus verdugos, destruir esa Gloria de la cual están orgullosos.

Serie coreana para adultos debido a lo crudas que son algunas de sus imágenes. Vemos la historia de forma alternada, los mismos personajes adolescentes y adultos a la vez. Así vamos conociendo las motivaciones de cada uno, y cómo es su entorno.
De cómo nuestra protagonista se inmiscuye en la vida del grupito aquel del colegio. Y de cómo, también, trata de huir del amor, un amor que puede entorpecer sus planes.

Una serie bien contada, triste y muy humana. Bien editada y actuada. Mantiene un guion en constante tensión; empatizamos con alguno de los partícipes. Nos habla de personas que existen, que viven en nuestro entorno, de cómo una buena crianza ayuda a evitar la "creación de psicópatas". Del maltrato en diversos aspectos, de la lucha por salir adelante. De cómo una palabra de aliento o una mano amiga cerca, ayudaría en muchos momentos a alguien desesperado. Aunque no lo creamos, se salvarían vidas.

Nuestra protagonista, ¿podrá vengarse, podrá ser feliz o morirá en el intento?
¿Vale la pena la venganza?

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

En hangul, 더 글로리; RR: Deo Geullori
Guion por Kim Eun-sook
Dirigido por Ahn Gil-ho
Protagonistas: Song Hye-kyo, Lee Do-hyun, Lim Ji-yeon, Yeom Hye-ran, Park Sung-hoon
16 capítulos. Corea.
2022- 2023

Los Hijos (Ŋa hinarere) - Por Carlos Correa Acuña

Dirigido por Leonardo Pakarati, este trabajo documental ofrece una mirada diferente sobre la Isla de Pascua. Su centro es la historia de Lázaro Hotu y su comunidad, quienes, pese a las restricciones impuestas, fueron capaces de levantar la cabeza de sus antepasados restaurando una memoria silenciada, mientras la expedición del año 1955, liderada por Thor Heyerdahl, puso a Rapa Nui en el foco mundial debido a sus moáis derribados.

El punto de vista expuesto por Pakarati es íntimo: un relato que cobra vida a través de las voces de los descendientes de quienes protagonizaron los hechos. Si bien a la película le cuesta comenzar, con testimonios parciales y un tanto desconectados, poco a poco va profundizando y poniendo el foco en la individualización de cada testimonio y su incidencia en la historia.

Lo cotidiano, las dinámicas y la forma de vida al interior de la comunidad, marcan los recuerdos, anécdotas y sentimientos arraigados de quienes sostienen un metraje que no teme sumergirse en la memoria, la dignidad y la transmisión entre generaciones orgullosas de su origen y de su pueblo.

Pakarati también aborda un aspecto poco conocido. La soledad de algunos habitantes que, ante la opresión y las crecientes dificultades, buscan abandonar la isla en busca de nuevos horizontes. Sin embargo, el vínculo con la isla se vuelve prioritario; terminan volviendo para trabajar por un bien mayor y universal.

“Me interesaba mostrar cómo, en una comunidad pequeña como Rapa Nui, las historias siempre se entrelazan. Personas de distintos lugares y orígenes terminan formando parte de una misma memoria. Esta película habla de ese cruce de vidas y de cómo todos quienes habitan un territorio, de una u otra forma, pasan a ser parte de su historia”, reflexiona el director Leonardo Pakarati.

Hay un incidente que marca un punto de inflexión. Se trata de un accidente que marca un antes y un después en el relato. En ese momento de clímax emocional, comprendemos que las historias individuales no solo están relacionadas, sino que constituyen algo mucho más importante: son el motor vital de un grupo de personas estrechamente vinculadas, dispuestas a realizar los mayores sacrificios en beneficio de su comunidad.

“La película muestra un momento en que el pueblo rapa nui comenzaba a recuperar su voz y su relación con el territorio. Mirar ese pasado permite entender mejor muchas discusiones actuales sobre identidad, autonomía y la forma en que una comunidad decide contar su propia historia”, destaca Pakarati.

Un particular orgullo recorre de forma constante el metraje. De manera muy clara, releva la importancia de los ancestros a través de su legado. El director no elude aspectos conflictivos, como el control político por parte de la Armada chilena, la opresión y también la explotación y sometimiento que sufrió la isla. Además, pone sobre la mesa la llegada del turismo, y con ello el dinero, con los pros y contras de un desarrollo que amenaza las tradiciones al prometer mejores condiciones de vida para los habitantes de Rapa Nui.

“Los hijos” es un homenaje abierto que enseña y realza la cultura de un pueblo ejemplar. Emocionan sus experiencias, porque casi sin querer las hacemos propias. En el formidable ejemplo de levantar un moái a punta de piedras y palos, con un ingenio a prueba del mejor diseño de ingeniería, la metáfora resulta perfecta. Es, en rigor, el pueblo rapa nui el que se levanta a sí mismo y se pone de pie, rescatando lo mejor de su historia para mirar hacia adelante con pie firme y raíces sólidas que parten reconociendo a sus antepasados para, desde allí, forjar su futuro.

Ficha técnica

País: Chile
Producción: Paula Rossetti y Claudia Barril
Casa Productora: Mahatua Producciones
Año: 2025
Duración: 72 minutos
Guion: Leonardo Pakarati Quiroz
Montaje: Diego Macho
Dirección de fotografía: Guillermo Bravo Silva
Reparto: Brigid Mulloy, Thor Heyerdahl Jr, Enrique Baeza, Marta Hotu, Enerike Carrasco, Leonardo Pakarati
Director: Leonardo Pakarati