Peacemaker Temporada 2 - Por Jackie O.

“Los chicos de la calle 11 de vuelta”

En esta segunda temporada los hechos ocurren después de “Superman 2025”, y vemos a Chris Smith, Peacemaker, que viaja a una dimensión paralela con portales multidimensionales y enfrentará la venganza de Rick Flag Padre.

Si no sabes si verla o no, te dejo el enlace de la primera temporada para que leas mi comentario.

A este “Pacificador” lo conocimos en Escuadrón Suicida 2, y se ganó un puesto en series DC.

En esta oportunidad, sigue con sus depresiones no tratadas viviendo con su amigo Eagle. Ambos viajan rutinariamente por dimensiones alternas ya que en casa, su padre, había creado un portal que para Peacemaker era normal verlo, por lo que ahora de adulto ya es parte de su rutina. Pero nunca le ha dicho a nadie por qué no lo encuentra relevante, hasta que se da cuenta cuán relevante es y altera todo su presente. Debido a que en uno de esos multiversos descubre a su otro yo, y eso lo guía a su familia, aquellos muertos están vivos en otra dimensión y son agradablemente diferentes, y Chris quiere estar ahí con ellos. Huye de su realidad, que encuentra terrible, a pesar de tener grandes amigos. Su mente lo traiciona, ya que tiene problemas psicológicos que no trata y sus recuerdos lo carcomen. En esa otra dimensión es feliz, hasta que se da cuenta que no todo es miel sobre hojuelas… Y sus amigos van en su búsqueda.

La historia tiene la misma tónica que la primera temporada, con mucha violencia verbal y física, drogas y sexo. Porque es una historia de comic para adultos.

A pesar de toda esa violencia, la historia se teje muy bien, llena de fantasía, irrisoria en momentos, y está muy bien contada. Conocemos más emociones de nuestros protagonistas, qué es lo que sucede en sus vidas y mente, pero no saben cómo solucionarlo.

Tenemos a un nuevo villano, que es Rick Flag padre, que solo piensa en la venganza ante los hechos que ocurrieron con su hijo en Escuadrón Suicida 2, y aprovecha el tema del portal dimensional para sus fines, pero, para eso, Rick le pedirá ayuda a la persona menos adecuada, pero la única que tiene la solución que busca Rick; un cameo fenomenal que tal vez tenga intervención en la temporada tres que se viene.

Otro cambio que vemos en esta serie es en su presentación, ya que hay nuevos personajes. Tiene una nueva canción y baile inicial; buena.

Hay personajes nuevos y otros conocidos con muy buenas actuaciones. Vestuario y maquillajes muy buenos.

Una temporada con la misma tónica de acción, pero en la parte emocional más profunda, ya que indagamos más en nuestros personajes que quieren hacer algo bueno y sobresaliente. Un antihéroe que quiere ser mejor, pero no sabe dónde encajar, que deberá buscar su identidad, resolver su presente para decidir su futuro con su familia Inter-dimensional o aquella que creó con sus amigos, sin descuidar su espalda, porque la venganza le pisa los talones.

Disponible en HBO

Ficha técnica

Director: James Gunn
Protagonistas: John Cena, Danielle Brooks, Freddie Stroma, Jennifer Holland, Steve Agee,
Frank Grillo, Robert Patrick
8 capítulos. 2025

El final de la calle Oak - Por Jackie O.

"Jurásica convivencia"

Sinopsis: Después de que un misterioso evento cósmico arranca a la Calle Oak de su entorno suburbano, y transporta su vecindario a un lugar desconocido, una familia pronto descubre que su supervivencia depende de permanecer unida, o no, mientras se adaptan a su entorno ahora irreconocible.

Estamos ante una película que es para disfrutar sin tener que analizar; solo mirar y entretenernos, ya que ese es su fin. A veces, necesitamos solo eso, mirar y dejar que todo fluya, sin tener que pensar en demasía. Aunque los esnob pueden que la dejen pasar.

Ambientada en la década del 80', la familia Platt está pasando por un problema matrimonial y los hijos se dan cuenta de ello. Pero repentinamente por las noches, luces extrañas aparecen y desaparecen sin explicación. Hasta que, de un momento a otro, se encuentran compartiendo su vecindario con dinosaurios de todo tipo, los cuales devoran todo a su paso, y esta familia y sus vecinos, deberán luchar por sus vidas buscando la forma de salir de ahí. Así que, tendrán que decidir si se unen o cada quien va por su lado.

Eso hará que veamos efectos visuales gigantes, como los nuevos moradores del lugar, los cuales se ven bien. La mezcla de humanos y CGI está bien desarrollada. Tenemos momentos que nos tensan, que nos hace reír; corremos con ellos, nos escondemos, pero no despegamos nuestra vista de la pantalla.
El guion es simple pero efectivo, es entretención y no nos aburrimos.
Las actuaciones de los adultos es muy buena, la de los jovencitos más o menos. Buena banda sonora y fotografía.

Si te gustan los dinosaurios y solo quieres mirar, sabiendo que no tendrás que meterte a un laberinto para dilucidar su trama o final, esto es lo tuyo. Solo siéntate y disfruta.

Ficha técnica

The End of Oak Street

95 minutos. 2026.
Protagonistas Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella, Christian Convery

Dirección y guion: David Robert Mitchell

El Final de la Calle Oak - Por Juan Pablo Donoso

Si se atrevieron a gastar USD 85,000,000 millones de dólares en esta chacota, es porque confiaban en la respuesta financiera del mercado mundial.

Ambientada deliberadamente en los años 80, pero con efectos especiales contemporáneos.

Un tipo de cine que sabe lo que busca. Evita los argumentos complejos. Los diálogos son elementales y obvios. Todos los personajes son maquetas de la típica familia de una pueblito estadounidense.

Luego de una serie de luminosidades nocturnas - atribuidas a OVNIS - una mañana el pueblo amanece inserto en pleno período jurásico.

Son las mismas casas, los mismos autos, pero por las calles pululan dinosaurios, y por el cielo vuelan aves prehistóricas.

En los alrededores la vegetación y los árboles son de aquella etapa del planeta.

Como los saurios - además de comer de los basureros - también se han devorado a casi todos los habitantes (incluyendo a la gentil bibliotecaria y al estúpido vecino), los miembros de la familia Platt tratan de escapar sin resultado.

Toda la película será acompañarlos en tapiar su casa, salir a buscar al hijito que, a su vez, salió a buscar a su perro mascota; tratar de hallar a la hija adolescente quien, a su vez, salió a buscar a su hermanito. Y, por supuesto, las búsquedas comienzan en la noche cuando, detrás de cada arbusto puede agazaparse un monstruo.

La protagonizan famosos actores como Anna Hathaway y Ewan Mcgregor, secundados por niños, adolescentes y otros poco conocidos.

Sin duda Hathaway y Mcgregor saben que el relato - lejanamente inspirado en filmes de Spielberg de esa época - carece de sustancia y solo pretende asustar al público infantil. Es por ello que sus actuaciones son externas, de mucho aspaviento, y solo preocupados de seguir adelante con el guion para llegar pronto al final feliz.

El gran presupuesto se invirtió en los saurios - incluida una gigantesca serpiente que ingresa a los hogares para banquetearse con los dueños - y en los honorarios de estos conocidos actores de cartelera.

El guion es tan burdo en sus motivaciones que al final nos dejan con la duda de si todo fue un sueño, o si la mamita Hathaway lo inventó para escribir una novela de súper ventas.

UNA SUPERPRODUCCIÓN DE MONSTRUOS PREHISTÓRICOS CON UN ARGUMENTO TAN PEDESTRE QUE PARECE HECHA EN BROMA. SIN DUDA TENDRÁ SU PUBLICO DE MATINÉE Y POPCORN. PROHIBIDO BUSCARLE MORALEJA.

Ficha técnica

Título Original: The End of Oak Street

2026 Aventuras, ciencia ficción, suspenso EE.UU. - 1,39 hrs. 

Fotografía: Mike Gioulakis 

Edición: John Axelrad 

Música: Michael Giacchino 

Diseño Prod.: Maya Shimoguchi Guion: Maya Shimoguchi 

Actores: Anna Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella 

Guionista y director: David Robert Mitchell

Engendro - Por Juan Pablo Donoso

Una mezcla de mitología finlandesa y terror cronenbergiano. Historia tensa e inquietante, en que los bebés realmente pueden ser pequeños monstruos.

El elemento folclórico - base de la tragedia central - solo se nos revela al final. Es por ello que durante el desarrollo de la trama oscilamos entre una madre que sufre un posible trauma psicológico de postparto (Mátate, querida mía - CINEMA3.CL - 8/11/25), y el extraño comportamiento del recién nacido - del que deliberadamente nos impiden ver el rostro - para ir generando un conflicto matrimonial difícil de resolver.

En cuanto nace su bebé, a pesar de las palabras tranquilizadoras de quienes la rodean, Saga (Seidi Haarla) intuye que algo anda muy mal. Mientras su matrimonio se resquebraja, solo ella sospecha que la causa reside en su hijo recién nacido.

El crío parece tener una naturaleza salvaje y extraña, emparentada de alguna forma con el bosque y los mitos que le rodean. Después de todo, lo fecundaron en pleno bosque, y bajo el árbol más viejo y siniestro.

La naturaleza del lugar pareciera querer absorberlos, o expulsarlos invadiéndoles el hogar con plantas y raíces.

En términos dramatúrgicos, si deseaban denunciar una maldición folclórica, debieron irnos dando claves previas, progresivas, más evidentes para justificar el desenlace.

A diferencia de El Bebé de Rosemary, y también de Cría Siniestra (de esta misma realizadora), aquí el relato nunca nos preparó para aceptar la verosimilitud de la resolución. Se siente insertada a la fuerza, a diferencia de Cría Siniestra (Hatching - 2022), donde las reglas del juego - por insólitas que fueran - se iban concatenando durante el desarrollo.

Hay una recurrencia temática en la directora Hanna Bergholm con respecto a la maternidad, y a las extrañas criaturas que el instinto materno se ve atávicamente obligado a amamantar.

Aunque los hay, faltaron antecedentes más sólidos en la vida de Saga - la madre - para aceptar el final.

Difícil y sutil desafío dramatúrgico para la realizadora quien, esta vez, falló en darle claridad de fondo a un relato atormentado y esotérico.

Solo después de verla y reflexionar - detenidamente - sobre su contenido, se nos aclara lo que nos quisieron comunicar.

Agradecemos la reaparición de Rupert Grint, como el marido y padre del bebé (Ron Weasley en Harry Potter) donde demuestra una vez más su mesurada presencia.

2026: Festival de Berlín: Nominada a Oso de Oro - Mejor película.

LOS DEMONIOS DEL BOSQUE RECLAMAN A SUS HIJOS.

Ficha técnica

Título Original: Yön Lapsi (Hijo de la Noche)

2025 Misterio psicológico, folclore, suspenso Finlandia, UK, Lituania, Francia - 1,32 hrs. 

Fotografía: Pietari Peltola 

Edición: Jussi Rautaniemi 

Música: Eicca Toppinen 

Diseño Prod.: Kari Kankaanpää 

Actores: Pamela Tola, Rupert Grint, Seidi Haarla 

Guionista y directora: Hanna Bergholm

La Odisea - Por Carlos Correa Acuña

¡Monumental!

El director Christopher Nolan regresa para sorprendernos con una especial versión del antiguo poema épico griego de Homero, “La Odisea”. La dificultad manifiesta de llevar a la pantalla grande un clásico de la literatura universal es sorteada por Nolan de manera brillante, no solo por la elaboración de una atractiva narrativa, sino también por su refinado gusto estético y su amplia comprensión del lenguaje cinematográfico. Vamos por partes.

Sintetizando una historia extensa y con muchos detalles, “La Odisea” trata del viaje de regreso del rey Odiseo a Ítaca, luego de veinte años de ausencia. Durante ese tiempo transcurre la guerra de Troya y, posteriormente, una serie de aventuras que llevan a Odiseo a enfrentarse con dioses hostiles y criaturas mitológicas que amenazan su vida y le impiden cumplir su propósito. Con audacia, ingenio y valentía, Odiseo debe superar cada una de las pruebas para regresar a su reino.

Hay un aspecto en el cine de Christopher Nolan en el que vale la pena profundizar y es el que se refiere al tiempo. En varias de sus películas anteriores, ese tiempo y su medición son fundamentales. Aquí, en “La Odisea”, también se encuentra presente, sin embargo, adquiere otra dimensión. Sin ser obsesivo como en “Dunkerque” o “Interestelar”, este factor se expresa en los años transcurridos y su milimétrica condensación en un relato de un poco menos de tres horas. Nolan, además, construye los personajes a partir de esa base, pues los configura mediante analepsis que, cada vez que aparecen, profundizan y agregan nuevas capas.

El elenco elegido es otro de los puntos fuertes de “La Odisea”. La elección de Matt Damon para representar a Odiseo no puede ser más acertada. Damon consigue cabalmente esa combinación de fortaleza y delgadez, para la que debió someterse a una dieta estricta y rigurosa, y logra separarse en forma clara de otros roles al asumir un papel diferente a lo habitual. En otras palabras, enfrenta un enorme desafío y obtiene un éxito rotundo que, seguramente, le traerá abundantes nominaciones y premios. Anne Hathaway, frecuente colaboradora del director, también vuela alto. Encarnando a Penélope, la actriz comparte su carisma para dotar a la reina de un aire melancólico y, a la vez, esperanzado que traspasa la historia y es, a su vez, el imán alrededor del cual gira la historia en Ítaca. Tom Holland, quien al comienzo no convence del todo como Telémaco, el príncipe heredero, supera una fase inicial algo débil para imponerse en el tercio final, con un carácter y una convicción que logran dejar atrás cualquier atisbo juvenil. Robert Pattinson, en la piel de Antinous, uno de los pretendientes de Penélope, construye a un antagonista de manual, un personaje oscuro y sórdido que intenta aprovechar cualquier vulnerabilidad, pero sin exponerse abiertamente. Otra parte importante del elenco, tan extenso como sólido, se encuentra conformado por Lupita Nyong’o, Samantha Morton, Zendaya y Charlize Theron, quienes, con decididas intervenciones, entregan caracterizaciones destacadas en momentos clave, mostrando una diversidad propia de los tiempos actuales.

“La Odisea” es Christopher Nolan en estado puro. La filmación es impresionante. La decisión de rodar en cámaras IMAX de 70mm, sumada a la búsqueda de locaciones reales amplias y hermosas, aportan al filme una naturalidad de la que es difícil sustraerse. Parece necesario apelar a lo verdadero en un mundo cada vez más devorado por lo artificial. Este rescate prioritario de la esencia del cine, donde no solo se trata de contar bien una historia, sino también de realizarla tomando en cuenta todos los elementos audiovisuales que implica este arte, es probablemente lo más valioso de este trabajo. Cada mínimo detalle está pensado: cada ángulo, cada toma. Desde las épicas batallas hasta la escena más íntima, todo está calculado y desarrollado con una precisión de relojería. Hay un gran trabajo de edición y montaje, acompañado por una banda sonora, compuesta por Ludwig Göransson, que no se escabulle, sino que acompaña cada cuadro y cada secuencia del metraje.

En síntesis, “La Odisea”, ya está transformándose en un hito. Fuera de su éxito en la taquilla, ha despertado una gran curiosidad por volver a la fuente, al poema original, tanto a su lectura como a su análisis. También ha generado polémica, cómo no, en torno a la fidelidad a tal o cual traducción o versión. En todo caso, sorprende constatar que aún existen muchísimas personas dispuestas a vivir la experiencia del cine. No es menor. Son casi tres horas de un contenido largo, muy largo y sin pausa, lo que en tiempos actuales va totalmente a contra corriente de aquellos “reels” de 30 segundos que pasan y pasan mientras desplazamos la pantalla de nuestros teléfonos.

¡Maravilloso! Esto es el cine: experiencia y vivencia, algo que solo una buena sala de cine puede entregar a la altura de un artista como Christopher Nolan, quien ya es, en sí mismo, una leyenda.

Ficha técnica

Título original: The Odyssey
Año: 2026
Duración: 172 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Syncopy Production, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Aventuras. Fantástico | Antigua Grecia. Mitología. Aventuras marinas. Cine épico
Guion: Christopher Nolan. Obra: Homero
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Hoyte van Hoytema
Reparto: Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Samantha Morton, Zendaya, Charlize Theron
Dirección: Christopher Nolan

Verano del 36 - Por Jackie O.

"El verano que cambió vidas"

Durante el verano de 1936, por primera vez en sus vidas, los empleados aprovechando sus vacaciones pagadas, llegaron a la Riviera francesa y se mezclaron con la burguesía. En medio de este ambiente, cuatro mujeres de distintos orígenes se vieron vinculadas a un asesinato ocurrido en un lujoso hotel de la Riviera.

La historia comienza con el asesinato del Fiscal en la habitación del hotel De La Rivera. Lo conocemos previamente, así como a los sospechosos, ya que varios tenían razones para verlo muerto y ahí comienza todo. Un oficial, y la asignación de una asistente muy entrometida pero con buenas ideas investigativas, indagan. Todos se hospedan en el mismo hotel. Todos tienen secretos, hasta que ocurre otra muerte, ahora la del administrador del hotel. ¿Qué relación tienen ambas muertes?

Serie de época muy bien ambientada, y con buenas actuaciones. Nos muestra la vivencias de la época, las formas de convivencia, de investigar y de trabajo en general.
En cuanto a su guion, en términos generales se maneja bien con sus intrigas, pero mantiene varias subtramas que pudieron tener términos mejores, y con algunos cliché típicos evitables. Su formato visual tiene una marcada y clara fotografía, pero con ciertos detalles de película a la antigua, que se ve bastante bien.

Interesante verla pues toca una variada gama de temas, como la diferencia en las clases sociales, ya que vemos un evento histórico entre empleados y empleadores. Temas de deudas millonarias, paternidades escondidas, acusados injustamente, amor entre diferentes clases sociales y raciales, machismo, etc. Temas actuales, pero debemos tener presente que esta miniserie está ambientada en los años 30', por lo que es diferentes y demanda cierta curiosidad.

Por su puesta en escena, vestuario, maquillaje, peinados, fotografía, actuaciones, y por su diversidad en temas, vale la pena verla.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: L'Été 36

Dirigida por Fred Garson

Guion de Marie Deshaires y Catherine Touzet

Actrices: Julie de Bona, Sofia Essaïdi, Nolwenn Leroy, Constance Gay

2026. Francia

6 capítulos

La influencer de Soho - Por Jackie O.

"Mundo de brillos"

Anna se hizo mundialmente conocida gracias a Netflix y su miniserie; puedes leer mi comentario en este enlace.

En febrero del 2021 sale de cárcel con libertad vigilada por estafas millonarias y, por supuesto, es buscada por los medios. Es la famosa Anna y es objeto de un episodio de la serie de noticias 20/20 en octubre de 2021. En el programa, Anna es entrevistada por Deborah Roberts mientras aún está bajo custodia. De primera fuente escuchamos la versión de Anna, la de su amiga Rachel, de su abogado del juicio, de algunos periodistas y de su abogada actual, quien está presente en esta entrevista para determinar qué debe contestar Anna y qué no.

Anna, nació en Rusia y siendo pequeña se fue con sus padres a Alemania, a un pueblito que era muy aburrido para ella. A los 13 nació su hermano. Pasada su mayoría de edad se cambió el apellido y se fue a París donde trabajó en una revista de modas. Cómo ingreso ahí, nadie sabe, pero era parte del plan de vida lujosa que ansiaba y que tenía ya construido en su mente. Luego, a los veinte y algo, se fue a EEUU y ahí comenzó la historia que la hizo mundialmente "famosa".

Como señalé, escuchamos a la que fue su mejor amiga, y engañada; a periodistas que nos muestran cómo de fácil se puede hacer famoso a cualquier persona; el escándalo, la ruina, el engaño, la humillación... todo sirve para el periodismo serio y el periodismo barato.

Y por supuesto, escuchamos y vemos a Anna, elegante y hermosa, tranquila, fría y sin remordimiento alguno. Señala que ella no engañó a esas personas, entidades bancarias y empresas; ellos quisieron ser engañados.

Bien editado, ya que nos muestra fotos y videos de la época mezclados, y la entrevista actual con una buena periodista.

¿Fue una estafadora? O, ¿a la gente le gusta ser estafada al creer y seguir la fantasía de otros?

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Título original:20/20: The Sinfluencer of Soho
2021. 40 minutos.

El Gran Viaje - Por Juan Pablo Donoso

Un viaje épico animado, sin diálogos, sin seres humanos, que flota con maravillosa creatividad.

Trata de sobrevivencia y solidaridad, incluso entre las criaturas más extrañas y peligrosas.

Cuatro aquenios de diente de león - Dendelion, Baraban, Léonto y Taraxa - subsisten a una explosión nuclear que devastó la Tierra. Son propulsados al cosmos. Aterrizan en un planeta desconocido, e inician una exuberante odisea en busca de un suelo propicio para la conservación de su especie. Forman una hermandad. Cada uno depende de los otros. Podrían ser arrastrados por el viento, devorados, intoxicados o separados en cuestión de segundos. Permanecer unidos es la única defensa contra el azar.

Enfrentarán fenómenos extremos y animales sorprendentes. La diferencia está en la escala. Para una semilla, una corriente de aire puede ser un huracán; una gota de líquido, un océano; una babosa, una criatura gigantesca; y una pequeña extensión de tierra fértil, la promesa de una vida entera.

Mezcla de animación digital y fotografía real en “time-lapse” (técnica de video que captura procesos lentos, como el movimiento de las nubes o la apertura de una flor).

La música de Quentin Sirjacq y el diseño sonoro de Nicolas Becker (ganador de un Oscar por Sound of Metal) ocupan el espacio de las palabras.

La misión de las semillas es desplazarse, sobrevivir y procrear. Eliminando la voz, evitaron convertirlas en humanos disfrazados de plantas.

El sonido del agua, el roce de los filamentos y el susurro de las criaturas es tan importante como mirar.

Mientras los ruiditos seminales comunican alegría, alarma o cansancio, la partitura acompaña la aventura con respeto y armonía.

Así como hasta la forma de vida más pequeña puede convertirse en el símbolo más poderoso del futuro, cada elemento del entorno puede convertirse en amenaza: el viento, la sequía, un veneno, o un animal que simplemente sigue su instinto.

Testimonio trascendente de supervivencia biológica y Fe en la vida eterna, manifestada con brillantes burbujitas liberadas en el cosmos infinito.

La resolución nos revela que sembrar significa algo más que completar un proceso biológico. Atravesar el espacio y sobrevivir en un planeta desconocido, encontrar tierra fértil, equivale a encontrar pertenencia.

Después de verla, resulta difícil observar una semilla flotando en el aire sin pensar que quizá está comenzando su propio viaje hacia un lugar donde, por fin, pueda echar raíces.

Su realizadora - Momoko Seto (1980 - Tokio, Japón)- llegó a Francia a los 19 años. En 2021 recibió el Cristal del CNRS, la más alta distinción como realizadora científica. Realizó la serie PLANET, entre ellos PLANET ∑, premiado en la Berlinale en 2015.

“Quise contar una historia sobre el desarraigo, la errancia y la necesidad de encontrar un lugar donde echar raíces. Quería mostrar la complejidad de la naturaleza, no hacer una representación estilizada o artificial, sino invitar al espectador a descubrir ese universo secreto y maravilloso que existe a nuestro alrededor”.

Seto sabe que la naturaleza puede ser aterradora y cómica dentro de la misma secuencia.

HIPNÓTICA, PROVOCATIVA Y DISTINTA.

Ficha técnica

Título Original: Planetes (Dandelion´s Odyssey)

2025 - Animación, fantasía - Francia, Bélgica -1,15 hrs. 

Fotografía: Elie Levé 

Edición: Michel Klochendler 

Música: Quentin Sirjacq, Nicolas Becker 

Guion: Momoko Seto, Alain Layrac 

Directora: Momoko Seto

Premios en Cannes 2025, Paul Grimault en Annecy y Fipresci en la Semana de la Crítica = “Una de las propuestas animadas más originales e innovadoras de los últimos años”.

Así Aprenderás - Por Jackie O.

“Escolares en la mira”

Miniserie que sigue a unos inspectores escolares que son designados para atender casos de bullying, deserción escolar y corrupción en las escuelas. Aunque sus métodos son muy cuestionables, los inspectores tienen como misión proteger los derechos de alumnos y maestros, así como ayudarlos a continuar con sus estudios y aprender de sus errores.

Trabajo muy controversial, que da para muchos debates, el cual nació de un webtoon (historieta digital) escrito por Chae Yong-taek e ilustrado por Han Ga-ram, muy criticado por sus niveles de violencia.

En Corea, los niveles de violencia y deserción escolar están muy altos, por lo que el Ministro de Justicia crea la ODPE (Oficina de Protección de los Derechos Educativos) a cargo de un inspector, el capitán de fuerzas especiales, director Na Hwa-jin. Solo es él, hasta que debe efectuar una intervención en un liceo femenino. Ahí deberá contar con la ayuda de la sargento Im Han-rim y del joven graduado de la KAIST (Instituto Avanzado de Ciencia y Tecnología de Corea) subdirector Bong Geun-dae. Los tres, bajo la dirección del Ministro de Justicia, deben velar por la buena conducta dentro de los colegios.

Cada capítulo es una historia diferente, de maltrato a profesores por parte de alumnos, maltrato de profesores a alumnos, entre alumnos, y de padres a sus hijos en relación a temas de estudios. No es una miniserie sobre la educación propiamente tal, es más sobre qué pasa en la adolescencia y sus problemas (drogas, apuestas, pandillas, bullying, acoso, presión familiar, etc.). Y los inspectores tienen la libertad para impartir justicia contra los victimarios y darles calma a las víctimas.

También, y como en todo orden de cosas, está el tema de la política involucrado, los detractores de este método y los fines personales que algunos buscan para alcanzar el éxito sin importar el costo, que es una trama que está en toda la temporada y que sí, tiene un final concluyente.

Está tan bien estructurado el trabajo en cuanto a guion, actuaciones, puesta en escena, maquillaje y temas tratados, que la hace adictiva, nos involucra y empatizamos con todos los casos. Difícil resulta escuchar en toda la trama frases muy dolorosas. En especial, "cuando los profesores les temen a los estudiantes, no los pueden educar", nos golpea literalmente, en hechos que no son ajenos en ningún lugar, y la impotencia de no saber cómo actuar para mejorarlo, por lo que mirar hacia otro lado resulta más fácil para algunos.

No es perfecta, ya que tiene esa tónica coreana de involucrar peleas muy poco realistas y un humor un tanto absurdo de vez en cuando, pero al final se agradece, ya que de lo contrario estaríamos ante un trabajo aún más dramático de lo que es.

Miniserie para conversarla en familia, ya que hay que poner atención, porque podría haber una víctima, o peor aún, un victimario en el hogar.

Debido al éxito que ha tenido, posiblemente tengamos una segunda temporada, aunque nada está confirmado.

Solo nos queda preguntarnos: ¿crees que debe crearse en el país una agencia tipo ODPE para intervenir los colegios?

(En Corea del Sur, un partido político de centro izquierda lo está proponiendo, por lo que tan descabellado no lo es para algunos)

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirigido por Hong Jong-chan
Protagonistas Kim Mu-yeol, Lee Sung-min, Jin Ki-joo, Pyo Ji-hoon
2026. 10 capítulos.

La Magia del Chocolate - Por Juan Pablo Donoso

Relato de un hecho verdadero. Escrito y actuado con dedicación y amor.

Drama de una familia libanesa que, tras el bombardeo de la fábrica de chocolates del padre, debe emigrar a Antigonish, un lejano pueblito en Nueva Escocia, Canadá.

Más que un conflicto frontal, es una epopeya, llena de obstáculos cotidianos, que va trepando hacia una cumbre de solidaridad, talento, sacrificio y fe.

El proceso tiene dos protagonistas, cuyos distintos anhelos se van alternando - y entretejiendo - hasta alcanzar una meta inesperada de amor y sabiduría.

El primero que llega al pueblo es el joven Tareq Hadhad (Ayham Abou Ammar). Dejó inconclusos sus estudios de medicina con la esperanza de culminarlos en América. Puede hablar inglés con cierta facilidad.

Luego llegan sus padres, sin dominio del idioma, ni trabajo al cual dedicarse para sobrevivir.

Cuando el jefe de familia, Issam (Hatem Ali), prueba por curiosidad los chocolates de la pastelería local, y reniega de su sabor, descubre que los suyos serían muy superiores, y emprende su fabricación artesanal en la humilde cocina del hogar.

El éxito gradual de su nuevo producto - más la desconfianza inicial de la comunidad hacia estos inmigrantes - serán los obstáculos a superar día a día.

Por otra parte, el hijo libra la doble batalla de apoyar la venta de los novedosos chocolates para la subsistencia de la familia y, a la vez, postular sin éxito a la Escuela de Medicina de Halifax.

El conflicto central es que el padre necesita del hijo para promulgar su empresa, y éste anhela con fervor dedicarse al estudio de su vocación.

El mérito del filme radica en cómo nos interna en la bondad de aquellos musulmanes, en su dificultad para adaptarse tanto al frío climático, como para conquistar la confianza de los vecinos.

Es una obra íntima, cálida, llena de sentimientos naturales que nos hacen empatizar con cada uno de sus miembros, amigos y colaboradores. Y desearles el éxito, y la acogida, que merecen.

Las actrices - madre, hija y nietecita - proyectan con ternura el temple discreto de la mujer aguerrida y fiel.

Al margen de los muy verosímiles secundarios, sobre los hombros del joven músico y actor Ayham Abou Ammar - como Tareq - recae la tarea de proyectar la lucha entre su inclinación médica y el deber hacia la prosperidad familiar.

Admirable trabajo actoral de Hatem Ali - como el padre - nacido en Golan Heights, Israel, fallecido en 2020, y a quien se le rinde homenaje póstumo con esta película. Su sola mirada trasluce los subtextos más profundos.

Al final se nos muestran los verdaderos personajes de esta historia.

Visible en YouTube.

UN NOBLE EJEMPLO DE RESILIENCIA. ILUMINA POR SU PUREZA Y ALTRUISMO.

Título Original: Peace by Chocolate - 2021 

Tragicomedia biográfica. Canadá - 1,36 hrs. 

Fotografía: Benoit Beaulieu 

Edición: Mathieu Bélanger, Jonathan Keijser 

Música: David Bertok 

Diseño Prod.: David Blanchard 

Guion: Jonathan Keijser, Abdul Malik 

Actores: Hatem Ali, Ayham Abou Ammar, Yara Sabri, Mark Camacho 

Director: Johnathan Keijser (What would Beethoven Do? - 2016)

Minions y Monstruos - Por Carlos Correa Acuña

Esta nueva historia de estos carismáticos personajes nos invita a explorar un pasado totalmente desconocido, pues los Minions han estado presentes desde tiempos remotos. Esta entrega se sitúa en el Hollywood de la época dorada, lugar al que los pequeños llegan tras un largo periplo al servicio de múltiples villanos.

James, Henry y Ed son los protagonistas de esta aventura. Unidos por sus gustos artísticos y una amistad estrecha, su vínculo es tan sólido como su ambición: de la noche a la mañana, el proyecto de filmar una película de monstruos los mete en grandes problemas.

Esta cinta, la séptima de la franquicia de “Mi villano favorito” y la tercera de los Minions en solitario, mantiene la esencia de estas tiernas criaturas. Con un repaso a cintas clásicas, como “Casablanca”, la llegada de los Minions a Hollywood es un verdadero deleite. Arriban por casualidad pero pronto se convierten en estrellas del cine mudo, íconos de una época, con una fama que nadie habría anticipado.

Pero llega la crisis con la transición al cine sonoro. El lenguaje de los Minions, ininteligible por naturaleza, los hace caer en desgracia: pierden todo lo conseguido y son rápidamente despedidos. Allí surge el proyecto de la película y la idea de dar vida a monstruos que puedan ser puntos de atracción.

En ese momento, la película dirigida por Pierre Coffin se divide en dos frentes narrativos: uno con los Minions y el extraterrestre Dort, y otro con los Minions dedicados a los monstruos y a su película. Es cierto que el metraje baja bastante en ritmo e interés porque la tensión y la atención decaen, pero logra sobreponerse hacia el último cuarto, con un final audaz y vertiginoso que recompensa la espera.

“Minions & Monsters” es una delicia para chicos y grandes, una película para ver en familia, llena de guiños para los adultos y de locas secuencias para los más pequeños. Los Minions parecen incombustibles. Al representar una amplia variedad de personalidades, encajan en cualquier tiempo o lugar.

Larga vida a los Minions. Y a Gru, que tarde o temprano tendrá que volver.

Ficha técnica

Título original: Minions & Monsters

Año: 2026
Duración: 90 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Illumination, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Animación. Comedia. Aventuras | Cine dentro del cine. Secuela. Cine familiar
Guion: Brian Lynch
Música: Heitor Pereira, John Powell
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Pierre Coffin

La Chica Enmascarada - Por Jackie O.

“Mi sueño es convertirme en alguien amada por todos”

Sigue la historia de Kim Mo-mi, una oficinista acomplejada por su apariencia física, y se lo hacen notar, pero por las noches cumple su sueño de ser la artista que nunca pudo ser, convirtiéndose en una popular streamer enmascarada. Su doble vida da un giro oscuro cuando comete un asesinato accidental y se ve obligada a huir.

Kim Mo-Mi, siendo muy pequeña, participaba en todos los concursos de talentos existentes, era una agraciada y talentosa niña, llena de energía y carisma, su madre estaba orgullosa de ella y ya la veía triunfar en el mundo del espectáculo. Pero comenzó a crecer y la adolescencia no fue buena con ella, ya no era bonita, su aspecto fue cambiando y su madre le enrostraba su fealdad, así como amigos, compañeros de colegio, de trabajo; todo el mundo. Eso hizo que estudiara una carrera para trabajar en la invisibilidad de una oficina. Ahí cuenta con una gran amiga, y lamentablemente está enamorada de su narcisista jefe casado.

Es una treintañera que en la soledad de las noches cumple su sueño. Se las ingenió para ser la número uno en las plataformas con bailes sensuales (con ropa sexy, ya que posee un lindo cuerpo, tipo OnlyFans) conversa con sus miles de fans, donde monetiza con esto usando una máscara, ya que no es agraciada de rostro. Se hace llamar Mask Girl.

Y cuando alguien se torna famoso, comienzan los acosadores que están enamorados de ella, y quienes quieren saber su identidad, se preguntan, ¿es fea o bonita? Esto, con el fin de subir dicha información a sus redes y captar esos tan ansiados “likes”.

Pero un trágico hecho hace que un sujeto muera, sin ella saber qué hacer. Ahí comienza su calvario.

La miniserie mantiene un guion muy interesante contado en un orden no lineal; cada episodio se centra en la visión de un personaje distinto de la trama, revelando secretos y motivaciones ocultas que se conectan con la protagonista. Su tono oscuro ensambla muy bien con otros géneros y subgéneros como drama, comedia negra y suspenso. Su guion resulta muy interesante, pero hay momentos muy poco creíbles en su ejecución. Además, creo, faltó un cierre en determinado tema.

Es un carrusel de emociones y situaciones que va de la alegría a la tristeza y de la locura a más locura, con giros inesperados a medida que avanza.

Las actuaciones son buenas, algunas sobreactuadas, pero es parte de la cultura coreana y no se ve mal. Para el papel principal de Kim Mo-Mi actuaron tres mujeres diferentes debido a los cambios de imagen que esta mantenía. (Lee Han-byeol, Nana y Go Hyun-jung)

Una historia que, a pesar de tener temas visuales fuertes como golpes y muertes, toca otros temas profundamente brutales como los estándares de belleza que nacen muchos del hogar, crean una baja autoestima en el menor que los lleva a una vida de inseguridades y tal vez peores situaciones en la vida adulta. El buylling -lo vemos principalmente en dos personajes, tanto en la protagonista como en su admirador Joo Oh-Nam, personificado por Ahn Jae-Hong- donde la misma sociedad participa, dicen “no se habla del cuerpo ajeno”, y las discriminaciones por ello están cada día.

También, la cruda discriminación por ser el hijo de. Critica a la sociedad en la que nos desenvolvemos, sobre las redes sociales, la obsesión que nace con quien la crea y quienes la siguen, el abandono y la soledad. Asimismo, aborda la venganza, esa línea que se marca en casi toda la trama, encabezada por la fanática religiosa Kim Kyung-Ja (Yeom Hye-ran)

Miniserie oscura y tormentosa que vale la pena ver.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Basado en Mask Girl, webtoon de Mae Mi
Dirigido por Kim Young-hoon
7 episodios.

Tabú: una historia de los Mares del Sur - Por Juan Pablo Donoso

Obra maestra del cine mudo de culto.

Un Romeo y Julieta de los Mares del Sur. Prodigiosa fotografía. Inspiración para Gregg Toland (Ciudadano Kane) y Gabriel Figueroa (La Perla).

El amor de una joven pareja se ve amenazado cuando el jefe tribal decide que la niña virgen es sagrada, enfrentándolos a ritos y tabúes de las islas del Pacífico Sur. Leyenda polinésica, rodada en Tahití y Bora-Bora.

Cumbre técnica y artística del cine mudo justo durante la transición global hacia el cine sonoro.

Gracias al poder de la imagen, la historia se entiende sin necesidad de intertítulos. Se estrenó con una banda sonora musical y ruidos sincronizados.

Oscar mejor fotografía por el espectacular blanco y negro de Floyd Crosby. Venció a grandes producciones de Hollywood de la época.

Combinación perfecta entre el Expresionismo alemán y el aporte etnográfico del famoso documentalista Robert J. Flaherty (La Historia de Louisiana).

Fue la última película de F.W. Murnau (Nosferatu – 1922), quien falleció a los 42 años en un accidente automovilístico, una semana antes del estreno oficial. Se arriesgó a trabajar con actores nativos voluntarios. Ello dotó a las escenas de un realismo novedoso para los años 30.

La trama se divide en dos capítulos: "Paraíso" y "Paraíso Perdido". La primera mitad muestra la pureza natural y la armonía comunitaria. La segunda introduce la corrupta civilización moderna, el dinero y la tragedia de las tradiciones milenarias.

Emplea contraste de luces y sombras (claroscuro expresionista) para crear estados de ánimo y augurar el destino fatal de los amantes.

Aunque enteramente en blanco y negro, la plasticidad evoca las pinturas de Gauguin sobre Tahití.

La mano etnográfica de Flaherty se nota cuando capta ceremonias, danzas y formas de vida bucólicas de Bora Bora que estaban por desaparecer.

Murnau, uno de los máximos pioneros del cine alemán, desde los 12 años fue influenciado por Schopenhauer, Nietzsche, Shakespeare e Ibsen, y amigo del innovador teatral Max Reinhardt.

En 1926 emigró a Hollywood donde hizo tres películas: Amanecer (1927), 4 Diablos (1928) y City Girl (1930). La primera es considerada como una de las mejores jamás realizadas. En 1931 viajó a Bora Bora para hacer Tabú con el insigne documentalista Robert J. Flaherty, quien lo abandonó por disputas artísticas, dejándolo terminar la película por su cuenta. Una semana antes del estreno murió en un hospital por lesiones del accidente automovilístico ocurrido al sureste de Santa Bárbara. Sólo 11 personas asistieron a su funeral. Entre ellos estaban Robert J. Flaherty, Emil Jannings, Greta Garbo y Fritz Lang, quienes pronunciaron el elogio.

De altura imponente -1,93 - famosa fue su orden a los actores: “No actúes - ¡piensa!”.

Tabú figura entre las Mejores Obras de Cine Mudo de la Asociación de Críticos Norteamericanos por su valor histórico cultural.

Visible en YouTube.

NINGÚN ESTUDIOSO DEL CINE DEBERÍA PERDERSE ESTA JOYA, RESCATADA MILAGROSAMENTE CUANDO SE CREÍAN TODAS LAS COPIAS PERDIDAS. “UN POEMA VISUAL” (The New York Times).

Ficha técnica

Título Original: Tabu: a story of the South Seas

1931 Tragedia, romance, tradición ancestral EE.UU. - 1,28 hrs. 

Fotografía: Floyd Crosby 

Edición: Arthur A. Brooks 

Música: Hugo Riesenfeld, Violeta Dinescu (1995) 

Diseño Prod.: Edgar G. Ulmer 

Guion: F.W. Murnau, Robert J. Flaherty, Edgar G. Ulmer 

Actores: Anne Chevalier, Matahi, Hitu 

Directores: F.W. Murnau y Robert J. Flaherty

The Pitt, Segunda Temporada - Por Jackie O.

"El trabajo no para"

La exitosa serie de médicos que se ganó la audiencia en su primera temporada, la que puedes leer en este enlace vuelve, y no baja su rendimiento.

Recuerdo que cuando dieron aviso de esta nueva temporada, en su final creí que veríamos el turno de noche, pero no; nuevamente el turno de día con unos momentos del turno nocturno. Porque ya conocemos a nuestros doctores y residentes, se ganaron nuestro corazón y para qué arriesgarse con personajes nuevos si la formula funcionó.

En esta segunda temporada vemos lo mismo que en la primera: tenemos a los doctores a cargo, encabezados por Roddy, el jefe del turno; a los residentes, que algunos se convirtieron en doctores siguiendo en el caótico "foso de Pitt" porque quieren estar ahí, otros aún siguen siendo estudiantes de sus últimos años, otros se fueron y llegaron nuevos residentes. El estrés los abruma, los desalienta o los llena de energía y felicidad. Pero lo que un trabajo estresante hace, por mucha ayuda que se brinde y amor a su entrega, es la salud mental. Nadie repara en ello; los externos ven una obligación y no les interesa cómo se sienten. Están 15 horas, exceden el turno que les corresponde. Porque hay trabajos en que no se para el ritmo. Y hay personas que no están hechas para eso, y no es malo, es saber donde encajas mejor.

La historia, aparte de centrarse en las diversas lesiones que llegan, y que son tratadas por los expertos, tiene un guion, edición, dirección y actuaciones geniales, sin dejar de mencionar el maquillaje y los protésicos muy reales. Transcurre 10 meses después de los hechos anteriores y nuestro doc Robby va a tomarse vacaciones, cosa que no hace por años. Serán 3 meses de permiso, pero tiene dudas de hacerlo. Sus amigos están cerca y él tiene su mente lejos. Llega un reemplazo que trabaja con él, en ese último turno.

Así como en esta y en la temporada anterior, nos dan momentos con el turno de noche debido a que nuestros amigos exceden sus horas, y tal vez con el propósito de conocer a ese turno, ya que en algún momento puede que la temporada solo sea de noche para comenzar desde ya a acercarnos. Y ya queremos al jefe del turno nocturno, el doctor Dr. Jack Abbot, interpretado por el actor Shawn Hatosy, un exmédico de combate y veterano de guerra, conocido por sus métodos poco convencionales pero altamente efectivos, y mejor amigo de Robby.

Lo que es ahora, seguimos disfrutando de esta caótica vida de médicos, con sus vidas personales que las van perdiendo, de cómo separaran lo laboral de lo personal, de las emociones que los acercan con sus pacientes, de la frialdad que deben tener... Un dilema tras otro. Pero seguimos esperando la tercera temporada que se estrena el 2027.

Imperdible.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Creado por R. Scott Gemmill
Protagonistas: Noah Wyle, Patrick Ball, Katherine LaNasa, Supriya Ganesh, Fiona Dourif, Taylor Dearden, Isa Briones, Gerran Howell, Shabana Azeez, Sepideh Moafi
2026. 15 capítulos.

Moana - Por Jackie O.

“Y… de nada”

El año 2016 llegó a la pantalla la película animada Moana, donde una joven junto a un corpulento semidios se robaron los corazones de muchos. De ahí, en el año 2024 sale Moana 2, y ahora aparece la versión Live Action, ya que Disney tiene la necesidad de hacer que todos los dibujos animados tengan su personaje real. A veces funciona, y en otras definitivamente no. Veamos que sucede en esta cinta.

Moana desde pequeña escucha las historias fascinantes de su abuela, sobre el semidios Maui, monstruos en el océano, y las aventuras que más allá del arrecife pueda encontrar. Hasta que un día el mar la escoge para devolverle el corazón a la diosa de la naturaleza, ya que su pueblo de a poco comienza a sufrir los estragos de la hambruna. Pero su padre le prohíbe, como jefe de la tribu, salir al océano, pero Moana ya no escucha razones; solo debe salvar a su pueblo y no puede evitar el llamado de la naturaleza por lo que va en busca del semidios Maui y emprenden un viaje con el objetivo de restaurar el bienestar de la comunidad.

Como ven, la historia es la misma que la animada, por lo que esta versión con humanos, conocida como live action, debe manejarse bajo esos conceptos, lo cual se agradece. No queremos, como publico, experimentos raros, ni ocurrencias extrañas a su equipo de producción. Se agradece que, como los personajes de la película animada son indígenas polinesios, sean ahora en su mayoría australianos y hawaianos, pero del mismo grupo étnico. El hecho de respetar los orígenes como los trajes tradicionales para cantar, bailar y mostrar su cultura, en general, se ve muy bien. Tenemos, además, las canciones conocidas y nuevos arreglos.

Sobre las actuaciones solo cumplieron. Lamento que Dwayne Johnson como Maui, sabiendo que él dio la voz a la animada, acá se siente que no es él. Es muy simpático como actor, pero no refleja en carne y hueso al Maui de los dibujos, quien tiene un carisma muy diferente. Hubo momentos en que no supo representar el rol y los protésicos con la peluca se le veían mal. Catherine Lagaʻaia como Moana, dio todo de sí para entregar un buen rol; aun así quedó algo corta.

Mucho CGI pero no molestan, están bien incorporados; la fotografía se puede destacar.

Pero quien se roba la pantalla, a mi parecer, es el gallo HeiHei y el mini Maui, quienes le dan los toques de humor y atención, más que los mismos protagonistas debieran.

Lo otro lamentable es que no tuvo la escena post créditos como en la película animada.

Una cinta para el público general, que sirve de entretención familiar, pero no cumple con todos los detalles técnicos que debe tener una super producción con tan alto costo. Si hay tanto dinero invertido, deben dar algo de alta calidad.

Por último, la película toca muchos valores como la identidad, los orígenes, el respeto a las tradiciones, el amor a la familia, la amistad y la unión.

Ficha técnica

Dirección Thomas Kail
Basada en Moana de Ron Clements y John Musker
2026. 115 minutos