El Gran Premio: a toda Velocidad - Por Carlos Correa Acuña

Esta película animada alemana, sobre un Gran Premio que recorre varios escenarios europeas, me trajo muchos recuerdos de “Los autos locos”. Hay un dejo de esas clásicas carreras donde “todo vale” para conseguir la victoria, pero finalmente el bien se logra imponer sobre el mal.

La historia se centra en Edda, una fanática de las carreras que sueña con convertirse en piloto y trabaja atendiendo en el parque de diversiones que posee su familia. Cuando la competencia automovilística llega a la ciudad, Edda desborda entusiasmo. Su ídolo, Ed, el más joven y exitoso de los pilotos, se apresta a enfrentar un nuevo desafío y ella estará allí, en primera fila, para presenciarlo. Pero no todo es almíbar. Edda es curiosa e incursiona en el Paddock, “toma prestado” el bólido del campeón, y se arriesga a conducirlo. El punto es que las consecuencias son trágicas: Ed queda lesionado cuando intenta impedir un accidente y solo hay una solución posible: que Edda ocupe su lugar en la competición.

Esta simpática cinta toma como punto de partida un sinfín de caricaturas. Cada piloto y su auto representa algún personaje especial, con características propias y una intención totalmente transparente. Por otro lado, el entorno de competición es puro glamour, parafraseando el mundo real de las competencias y esbozando claramente la línea farandulera cada vez más presente.

Lógicamente, tenemos a los buenos y a los malos, con puntos intermedios, claro está. Todo esto, además, está tras una gran capa de apariencias, de modo que no sea tan evidente lo que puede ser o no ser. Además, el guion entrelaza la historia familiar de los personajes con necesidades acuciantes -como la quiebra del parque o el pasado del joven campeón-, lo que introduce un contrapunto interesante a los sueños que tiene Edda y la ambición de Ed.

Con muchos valores involucrados, como la familia, el compañerismo y la amistad -a veces enfrentados a sus opuestos directos-, esta cinta se gana un espacio en la animación gracias a la fluidez de su desarrollo y a un colorido que llama la atención desde el primer momento. Locos efectos especiales y una velocidad extrema hacen que la película literalmente vuele y deje abiertas las puertas para nuevas aventuras. Ojalá volvamos a ver a estos carismáticos personajes, con nuevos paisajes y nuevos desafíos. El material existe y solo hay que “echar a correr” la imaginación.

Ficha técnica

Título original: Grand Prix of Europe
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Alemania
Compañías: Coproducción Alemania-Reino Unido; MACK Magic, Mack Animation, Mack Media, Timeless Films
Género: Animación. Comedia. Infantil | Coches/Automovilismo. F1
Guion: Kirstie Falkous, Jeffrey Hylton, John T. Reynolds, Ben-Alexander Safier, Joe Vitale. Historia: David Ginnuttis, Ben-Alexander Safier
Animación
Dirección: Waldemar Fast

Glamorosa - Por Jackie O.

"Eres hermoso"

Serie Lgtbq+ sobre la industria de la belleza, con la magnate del maquillaje Madolyn Addison y un joven con sueños de belleza.

Marco es un joven gay que trabaja en un centro comercial en la sección de maquillaje, y tiene un canal de YouTube que casi nadie sigue; y él sueña con trabajar en la industria de la belleza y ser un famoso influencer, vive con su abnegada y amorosa madre abogada, a quien tampoco le va bien en lo económico. Hasta que la suerte toca la puerta de Marco, porque llega a su puesto de trabajo la mismísima Madolyn Addison, creadora de la marca de lujo del mismo nombre. Marco, quien no tiene nada de timidez, con su simpatía se gana su atención y por ende un puesto de asistente en su empresa. La vida de Marco da un giro a su favor, está acercándose a su propósito en la vida.

Al llegar a la empresa se encuentra con gente diversa, donde muchos son de la comunidad Lgtbq+ , también carácteres y estilos de vida diferentes, personas de toda índole creativa y muy fashionistas. Así comienzan los enredos amorosos y rivalidades, donde el tono de comedia prima más que el drama.
La confianza en el trabajo, los enredos de la industria, cómo se mueven en el mundo de la Belleza, la angustia de tal vez perderlo todo, versus el éxito rotundo es la tónica.

Comedia dramática liviana, pero no apta para homofóbicos, ya que la comunidad Lgtbq+ es la principal en esta serie, y hacen bastante ruido. Además, hay droga y sexo (esto último sin mostrar nada, tranquilos)
A pesar de ser amena, sin que sea imprescindible, se canceló la segunda temporada, porque daba para seguir con la historia de nuestros protagonistas, quienes habían tomado ciertas decisiones en sus vidas.

En qué podría fallar, en la caricaturización en la que cae a veces.

Tiene buena banda sonora, encantador vestuario, maquillaje bello. Con personajes muy amenos, las actuaciones te hacen empatizar con la mayoría, donde se tratan variados temas como la amistad, el amor, la traición, la discriminación, el trabajo en equipo, los miedos y más, en esta serie (o miniserie) de  Netflix.

Ficha técnica

Título original: Glamorous.
10 capítulos . 2023.
Creado por: Jordan Nardino
Protagonizada por Kim Cattrall, Miss Benny, Jade Payton, Zane Phillips, Michael Hsu Rosen, Ayesha Harris, Graham Parkhurst

Sirāt: trance en el desierto - Por Carlos Correa Acuña

Intensa. Aún no me repongo. Sirât es una experiencia diferente, con creces.

La trama es sencilla, aunque extremadamente aguda. Un padre y su hijo buscan a su hija-hermana. Mar lleva meses desaparecida tras participar en fiestas rave en el desierto de Marruecos. Ambos están angustiados. Viajan buscando estos eventos multitudinarios, muestran su foto y dejan volantes; nadie sabe nada. No la reconocen. Pero las fiestas transitan por diferentes lugares; aún hay esperanza.

Comienza un movimiento de tropas. Llegan militares, todo debe terminar. Conminados a abandonar la zona, dos caravanas se separan de la línea y se dan a la fuga. Luis -Sergi López- y Esteban -Bruno Núñez Arjona- los siguen, asumiendo un riesgo que tal vez es la única opción para seguir buscando a Mar.

La travesía de padre e hijo ya no la realizan en solitario. Tonin -Tonin Janvier-, Jade -Jade Oukid-, Josh -Joshua Liam Henderson-, Stef -Stefania Gadda-, y Bigui -Richard Bellamy- ahora son sus guías. No es fácil la comunicación. Estos ravers se dejan llevar por el camino, no tienen un destino definido, son verdaderos nómades; ya encontrarán, tarde o temprano, un lugar donde quedar.

El tránsito a través del desierto se transforma en odisea. Cada paso involucra dificultades crecientes. Con el clima y la geografía como sus mayores peligros, la expedición prosigue su marcha hacia un incierto destino.

El director Oliver Laxe nos propone vivir una experiencia. Desde un inicio queda claro que lo suyo es la inmersión, sumergirnos en el mundo rave -desconocido totalmente para mí- como si fuéramos uno más. Y es un acierto la técnica que utiliza: se trata del sonido, tanto con su banda sonora como con la captación de cada mínimo detalle auditivo.

Notable resulta el diseño sonoro. La cinta comienza con ruidos ambientales, el viento soplando en el desierto y el armado de un conjunto de parlantes. Suena todo, clarísimo, como si estuviéramos allí, a dos pasos, insertos en el lugar. ¡Click, clack!, el sonido de los cables calzando al interior de los conectores, junto al roce de los cajones. En segundos pasamos del silencio absoluto al clamor ensordecedor de la música electrónica compuesta por Kangding Ray. Ritos, casi ancestrales, coexisten en esa monotonía rítmica, muchas veces carente de melodía y armonía. Es básica, instintiva y en ocasiones brutal. Son ritmos que parecen latidos, de desenfreno y que, simultáneamente, provocan anulación sensorial.

Sirāt podría clasificarse como una película de ruta pero es bastante más. Es una obra profunda, desgarradora, de esas incómodas de ver pero que se quedan en la retina. Se trata de un viaje con un objetivo que poco a poco se transforma, se deshace y deriva en algo diferente. Muchas vertientes confluyen, algunas evidentes y otras en extremo sutiles. Desde un conflicto armado que amenaza tener proporciones mundiales, hasta la profunda intimidad de cada uno de sus personajes en busca del sentido de la vida.

Dos aspectos para concluir. El primero, los actores, salvo López y Núñez Arjona, no son profesionales, lo que otorga un alto nivel de naturalidad a la obra. Segundo, la explicación en detalle del título: “dicen que para alcanzar el paraíso se debe cruzar un puente tendido sobre el infierno que es extremadamente fino y peligroso, tan delgado como un cabello y más afilado que una espada. Se denomina Sirāt y según indica la tradición islámica tanto justos como pecadores pasarán por este vertiginoso camino para alcanzar la salvación.”

Ficha técnica

Título original: Sirât
Año: 2025
Duración: 114 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Francia; Filmes Da Ermida, El Deseo, Movistar Plus+, 4A4 Productions, Uri Films. Distribuidora: BTeam Pictures
Género: Drama. Intriga. Thriller | Road Movie. Secuestros / Desapariciones. Música
Guion: Oliver Laxe, Santiago Fillol
Música: Kangding Ray
Fotografía: Mauro Herce
Reparto: Sergi López, Bruno Núñez, Jade Oukid, Tonin Janvier, Richard Bellamy
Dirección: Oliver Laxe

Sirāt: trance en el desierto - Por Jackie O.

“Un camino hacia un puente suspendido en el infierno, tan fino como un cabello, y tan cortante como una espada”.

Tal vez, dos palabras que surgen mucho en esta película sean desconocida para la mayoría: Raver y Sirāt. Ravers, son fiestas clandestinas de música electrónica. Su cultura está centrada en la libertad, la comunidad y experiencias sensoriales intensas, realizadas en lugares poco convencionales, como fábricas abandonadas o campos abiertos. Y Sirāt, es una palabra árabe que significa 'camino' o 'sendero'.

Dicho esto, tenemos una cinta donde vemos a un angustiado padre, Luis, con la foto de su hija perdida. Está con su hijo Esteban, de unos 13 años más o menos, quienes, entremedio de la música electrónica y la droga, consultan por ella a personas de aspecto desaseado y cansados de tanto bailar. Solo sabemos que se fue del hogar a un raver y debe tener unos 18 o 20, años más o menos. No sabemos más de ella, menos las razones para no contactarse con su familia, por lo que podemos especular que se fue del hogar para no saber nada más de su familia, o le pasó algo grave. Porque Luis no dice nada de su último encuentro con su hija.

Entre el alboroto, Luis sigue a un grupo de personas que sigue de parranda en el desierto. Tal vez ellos lo guíen hacia su hija; su hijo y su perrita están con él. Pero, en todo momento me pregunté ¿por qué exponer al hijo a este ambiente hostil?

La cinta se maneja en este ambiente desértico de Marruecos, donde un grupo de personas de todas las edades disfruta de la música electrónica, se mueve “en su onda”, nadie critica a nadie, el que quiere se droga y quien no, no. Se come lo que cada quien mantenga, y se vive de acuerdo a lo que se presente en el momento. Son nómades siguiendo el ritmo de esos enormes parlantes que los llevan a un trance techno.

No es el ambiente de Luis ni menos del joven Esteban, por lo que deben adaptarse rápido a las inclemencias del tiempo, el estruendoso ruido, a comer racionado, y los problemas del camino.

La primera etapa de la cinta nos lleva a lo antes descrito, pero repentinamente la cinta cambia, y el dolor nos embarga. Un accidente que nadie vio venir, un desenlace horrible que nos aprieta el corazón. ¿Vale la pena seguir este camino que ya se transforma en un infierno?

Hay situaciones que no son predecibles, pero otras sí. Estamos en una aventura de peligro constante, pero ¿les importa?…

Un doloroso camino que va de mal en peor, donde no sé si los protagonistas se cuestionan sus decisiones, si le toman el peso a la vida, o es solo vivir el momento y Dios proveerá.

Su final me es algo contradictorio. Puedo hablar del sentido a la vida que toman los protagonistas en este drama, con su estilo sensorial de corte road movie con estética post-apocalíptica y toques de post-punk; que no sé qué tan espiritual pueda ser… me genera duda, donde el dolor se toma el final.

También lo podría traducir a este viaje sensorial techno, donde el director no supo cómo terminarla y sacó al “Gaspar Noé” que lleva en su interior y copiar algo de su estilo transgresor.

Pero es indiscutible su hermosa fotografía, estilo Mad Max, arriesgada y muy natural; es un personaje más en la historia. Los planos nos muestran mucha lejanía, espacios amplios donde el ser humano se ve insignificante.

La banda sonora es genial. Quieres estar moviéndote a su ritmo, compuesta por el músico francés Kangding Ray, otro gran personaje en la trama.

Luego de todo lo visto podemos reflexionar sobre la pérdida, el abandono, la búsqueda y la transformación personal, con un contexto también sociopolítico, con un choque cultural y conflictos bélicos en ese desierto marroquí.

Pareciera que cada paso que se da se vive y siente como una prueba, en un mundo que, al parecer, está erosionado.

Obtuvo el Premio del Jurado en Festival de Cannes 2025. También, Premio Cannes Soundtrack a David Letellier (Kangding Ray), por la mejor composición musical. Y Gran Premio del Jurado del Palm Dog 2025 para Pipa (ya fallecida) y Lupita, las dos perritas de la película.

Nominada a mejor película en los Globos de Oro, Premios Goya 2026, Premios Bafta 2026. Óscar 2026, nominada en la categoría de Mejor película internacional y a Mejor sonido. Entre otros premios y nominaciones.

Ficha técnica

Director: Oliver Laxe
Guion Óliver Laxe y Santiago Fillol
Fotografía Mauro Herce Mira
Protagonistas: Sergi López, Bruno Núñez, Jade Oukid, Tonin Janvier, Richard Bellamy
España - Francia
2025. 115 minutos.

¡Ayuda! - Por Carlos Correa Acuña

La premisa de esta película ya la hemos visto algunas veces; sin embargo, en manos del director Sam Raimi se siente diferente.

Linda Liddle -Rachel McAdams- es una destacada empleada del Departamento de Planificación y Estrategia de su empresa. Trabajadora obsesiva, sueña con obtener el ascenso que su jefe le ha prometido, pero él fallece y su hijo Bradley Preston -Dylan O'Brien- asume el puesto de CEO. Obviamente el escenario se modifica, ya que el joven líder tiene otros planes y Linda no encaja para nada.

Un viaje a Bangkok para concretar un negocio abre una puerta. A pesar de sus prejuicios, Bradley le da una oportunidad a Linda para que demuestre su valía; pero él está lejos de estar convencido y las burlas hacia ella, junto con la del resto de sus compañeros, no tardan en llegar. Pero ocurre lo inesperado: el pequeño Jet es alcanzado por un rayo, evento que desencadena un accidente que los deja varados en una isla desierta en medio del océano. Quedan solos: Linda y Bradley, nadie más. ¿Quién es ahora el jefe? Los roles se invierten -la premisa que señalaba al comienzo-, pues Linda lleva la batuta ahora y no solo se propone asegurar la supervivencia de ambos.

Sam Raimi filma un guion de Damian Shannon y Mark Swift que amenaza ser más de lo mismo. No obstante, las sorpresas, aunque tardan un poco en llegar, resultan muy bienvenidas.

Si la película comienza sobre un escenario plano, con mucha conversación y haciendo una caricatura de todas las situaciones, desde el accidente y la “nueva vida” en la isla, la dinámica cambia. Bien filmada y editada, lo típico deja de serlo paulatinamente, porque el metraje se va tiñendo de un humor negro bastante fino y especial.

Linda cuida a su jefe pero se sabe con ventaja. Y la aprovecha, porque honestamente quiere darle algunas lecciones de vida para aplacar su soberbia y altanera actitud. Por momentos, parece que lo consigue, en una especie de “venganza de los nerds”, sin embargo, hay cierta esencia en el ser humano que en verdad es muy difícil de modificar.

La dupla protagónica funciona bien. La química entre ambos es natural y fluida; no cansa que sobre sus hombros recaiga casi el 90% del metraje. Los estereotipos que ambos representan son exagerados, obviamente, pero a pesar de ello, los dos actores alcanzan puntos destacados al encarnar roles que podrían llegar a ser demasiado ficticios o fuera de lugar.

La partitura de Danny Elfman es un agrado, aunque nos deje con ganas de haber escuchado algo más. ¿Por qué? Por aquellos largos pasajes sin música que pueden ser un poco áridos, dado que los diálogos en esta cinta sobre apariencias, trabajo y condiciones personales, no logran llenar todos esos espacios.

En casi dos horas, “Send Help” se las arregla para mostrarse como una cinta interesante y diferente. De terror, poco, salvo unas escenas con jabalíes que parecen muy reales. Lo que sí tiene, en dosis mayores, es otra forma de miedo que podría ser aún más terrorífico si se llega a concretar. De hecho, el desenlace queda abierto a la reflexión y al juicio de los espectadores. ¿Qué haríamos en una situación como esa? ¿Damos lecciones o recibimos lecciones? ¿Nuestra esencia se mantiene o se modifica? Y como muestra, un botón.

Ficha técnica

Título original: Send Help
Año: 2026
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Raimi Productions. Distribuidora: 20th Century Studios
Género: Terror. Thriller | Catástrofes. Supervivencia
Guion: Damian Shannon, Mark Swift
Música: Danny Elfman
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Rachel McAdams, Chris Pang, Dylan O'Brien, Dennis Haysbert
Dirección: Sam Raimi

Sirāt: trance en el desierto - Por Juan Pablo Donoso

Una metáfora apasionante y dolorosa. Viaje desgarrador a ninguna parte. Nos recordó El Salario del Miedo (1953).

Sirat en árabe significa "camino" o "sendero". En el contexto islámico es el puente delgado y filudo que las almas deben cruzar el Día del Juicio para pasar del Infierno al Paraíso: concepto central en la escatología musulmana.

El tema central de esta película es la PÉRDIDA: de los seres que amamos, de partes de nuestros cuerpos, de lucidez por medio de las drogas o del baile desenfrenado con sonido atronador.

La vida es como un gran desierto que debemos recorrer en pos del AMOR… desaparecido, o, tal vez también perdido.

Un hombre y su hijo pequeño llegan a un gran carnaval de música y drogas en las montañas agrestes de Marruecos. Buscan a la hija perdida. Como nadie la ha visto, deciden seguir viaje hacia el sur cruzando el desierto, protegidos por un grupo de sonidistas transhumantes marginales.

Película “rutera” que habla más que de un simple viaje: es una travesía interior disfrazada de ruta polvorienta, donde las decisiones pesan más que los kilómetros y donde lo inesperado se convierte en permanente.

Llegar a esa fiesta fue casi un albur de último momento - para que los marginales lisiados se convirtieran en los únicos compañeros fieles.

Solo nos redime la SOLIDARIDAD ante quienes están más desvalidos que nosotros. Compasión por aquellos cuyas vidas diarias son inestables. Nos recuerda que la resiliencia a menudo surge cuando menos la esperamos.

Nadie sabe cuánto vivirá, ni cómo morirá, ni siquiera qué hacer con su vida si sobrevive… solo seguir avanzando - hacia lo desconocido - por el desierto en un tren cargado con personas tan desoladas como ellos mismos. (Secuencia final)

El peligro nos aferra a la vida y, como en toda gran tragedia, los personajes deben tomar ciegas decisiones una y otra vez.

Energía hipnótica y vibrante gracias a la banda sonora y al ritmo preciso.

Música, fotografía, maquillajes y diseño de vestuarios son perfectos; hasta los personajes secundarios emanan autenticidad.

De ritmo reflexivo y sombrío, a ratos pone a prueba la paciencia del espectador. Ese mismo pulso irregular permite retratar la belleza de la paternidad, y la empatía de quienes los rodean.

Es una lenta y profunda reflexión sobre la fragilidad de la condición humana, y de la ilusoria seguridad de los occidentales.

Con qué facilidad las estructuras en que confiamos, tanto físicas como anímicas, pueden derrumbarse por los imprevistos.

Sin misericordia desmantela la distancia entre “ellos” y “nosotros”. Vamos sin saber qué nos espera en el próximo minuto. Impotencia ante lo inesperado.

Un niño inocente y su perrito - expuestos al desafío - abren la eterna interrogante sobre los misteriosos designios de Dios.

Oscila entre el drama familiar, la solidaridad, el peligro y el suspenso: como si la propia película necesitara perderse para encontrar su camino.

Candidata de España para los Premios Oscar 2026. 

Cannes - Ganadora Premio del Jurado

AVANZAMOS SIN SABER HACIA DÓNDE. LA META IMPORTA MENOS QUE EL CAMINO. IMPACTANTE Y EMOTIVA. EXCELENTE.

Ficha técnica

2025 Drama psicológico, aventuras España, Francia - 1,55 hrs. 

Fotografía: Mauro Herce 

Edición: Cristóbal Fernández 

Música: Kangding Ray 

Diseño de Arte: Laia Ateca 

Guion: Santiago Fillol, Oliver Laxe 

Actores: Sergi López, Bruno Núñez Arjona, Stefania Gadda 

Director: Oliver Laxe

El día del fin del mundo: Migración - Por Juan Pablo Donoso

La primera fue realista y más dramática, con gran tensión y tonos oscuros. Para quienes nunca vieron aquella, o ya la olvidaron, esta secuela será entretenida, disfrutarán con los efectos especiales e, incluso, le perdonarán las concesiones de matinée.

En 2020 vimos cómo nuestro héroe - Gerard Butler (300 - Fantasma de la Ópera) - salvó a su familia del impacto de un meteorito refugiándose en un búnker en Groenlandia.

Ahora el búnker perdió seguridad y la familia deberá iniciar un largo y peligroso viaje al sur de Francia. Allá está el cráter Clarke (el más grande de la primera película). Es el único protegido de la radiación, de las tormentas, y la contaminación letal.

Cuenca gigantesca que luego de cinco años se convirtió en un paraíso. Además, dejó de ser un pozo volcánico.

Para divertirnos, y aprovechar el precio de la entrada, debemos mandar al diablo la lógica.

Una de las principales incongruencias es cómo conseguían combustible para un viaje tan largo.

De todas las personas que hallaron en el camino nadie parecía desnutrido, con deficiencia de vitamina D, enfermo o intoxicado por radiación.

Cuando llegan a Londres, los acoge una vieja amiga que cuida a un grupo de pacientes con Alzheimer. Ancianos que esperan ahí su destino; mientras tanto, ¿de dónde obtienen la comida?

Frente a los ataques enemigos pudieron quedarse sin balas en menos de 5 días. (¡!)

Nos pareció extraña la cantidad de enemigos secundarios, inútiles, y cómo terminan matándolos en cuestión de minutos. ¿Qué aportaban a la historia?

Secuela con un tono diferente a la primera. Menos destrucción a gran escala y más enfocada en la supervivencia, la atmósfera y el viaje.

Incentiva los valores de fortaleza familiar, confianza y trabajo en equipo.

El final - predecible y brusco - nos evocó la alegoría de Moisés al divisar la Tierra Prometida (también usado en El Planeta de los Simios).

La presencia y el talento actoral de Gerard Butler le aportan categoría a esta nueva aventura que sugiere la posible inclusión de una tercera parte.

Pudo ser mejor si los guionistas le hubieran dado un poquito más de lógica a las peripecias.

PELÍCULA DE CATÁSTROFES ACEPTABLE, AMBIENTADA EN UN MUNDO POST-APOCALÍPTICO. INFERIOR Y MÁS SUPERFICIAL QUE LA PRIMERA.

Ficha técnica  

Título Original: Greenland 2: Migration

2026 Suspenso post-apocalíptico EE.UU. - 1,38 hrs. 

Fotografía: Martin Ahlgren 

Edición: Colby Parker Jr. 

Música: David Buckley 

Diseño Prod.: Vincent Reynaud 

Guion: Mitchell LaFortune, Chrisw Sparling 

Actores: Gerard Butler, Morena Baccarin, Roman Griffin Davis 

Director: Ric Roman Waugh

El Gran Premio: a toda Velocidad - Por Juan Pablo Donoso

Largometraje animado, alemán, lleno de acción, ternura y humor.

Ed Euroratón y Edda Eurolauchita, son los protagonistas de esta gran competencia automovilística. Desde hace décadas son las queridas mascotas del Europa-Park de Alemania.

La joven ratoncita Edda sueña con coches de carreras. Cuando se acerca el Grand Prix de Europa, aprovecha la oportunidad de participar, conocer a Ed, su ídolo, desafiar adversidades y ayudar a la empresa familiar de ferias que está en apuros económicos.

Durante las sucesivas etapas de la carrera, se nos muestran diversas ciudades europeas. Imágenes emblemáticas cuya belleza resulta educativa para los niños.

Entre los competidores hay gran variedad de personajes secundarios y pintorescos. Algunos incluso se nos presentan, en principio, como malvados y tramposos. Pero la historia también está llena de giros inesperados y sorpresas. Nos previene sobre juzgar de antemano las reales intenciones de las criaturas.

Si bien nuestra heroína es Edda, y el fanfarrón con pies de barro es Ed, los demás constituyen una galería de tipos reconocibles, entre los que destacamos a María - la adivina esotérica - y Magnus el oso bonachón.

Este filme marca un hito en la evolución de Ed y Edda. Pasan de ser solo mascotas de un parque de diversiones a futuras estrellas animadas del cine internacional.

Ni pretenciosa ni aburrida. Solo una grata película familiar, a la antigua, como las que solíamos ver.

HISTORIA CLARA Y AMENA. ENCANTO Y HUMOR QUE ESTIMULA TEMAS DE DETERMINACIÓN Y TRABAJO EN EQUIPO. LA DISFRUTARÁN GRANDES Y CHICOS.

Ficha técnica

Título Original: El Gran Prix de Europa

2025 Aventuras, animación Alemania -1,38 hrs. 

Edición: Bjorn Teubner 

Música: Volker Bertelman 

Guion: Kirstie Falkous, Jeffrey Hylton, John T. Reynolds 

Director: Waldemar Fast

El día del fin del mundo: Migración - Por Carlos Correa Acuña

Una película de manual, delgada, más por la forma que tiene su realización que por su temática. Ojo aquí. Estos no son malos calificativos, por el contrario. Si una cinta se inscribe con ellos y logra su objetivo, perfecto. ¿Qué pasa en este caso? Veamos.

Han pasado cinco años desde los eventos catastróficos provocados por el cometa interestelar Clarke. La mayor parte del planeta Tierra fue destruido y con ello la civilización quedó reducida a una mínima expresión. El entorno se ha vuelto cada vez más caótico, pues las repentinas tormentas electromagnéticas, la precipitación radioactiva y los fuertes terremotos aún persisten con crudeza.

Cuando dejamos la historia, nuestros protagonistas se habían refugiado en Groenlandia -muy de moda en estos días-, en un búnker que hasta el momento los ha protegido adecuadamente de los peligros externos. Sin embargo, la constante inestabilidad causa fallos que ya no se pueden contener. Hay que desalojar, buscar otros cursos de acción. Deben pasar de ser quienes deciden quién se salva o no, a ser personas que claman por sobrevivir.

Desde ese instante, comienza el peregrinar -aquella migración, como dice el título- de esta familia compuesta por el ingeniero estructural John Garrity -Gerard Butler-, junto a su esposa Allison -Morena Baccarin-, y su hijo diabético Nathan -Roman Griffin Davis-. Como es de suponer, los peligros son múltiples a cada paso que dan, por lo que el viaje se transforma en una verdadera odisea en busca de la salvación.

Es tan fino el argumento que no vale la pena profundizar. No obstante, hay algunos puntos que podemos rescatar en el fondo de su propuesta. El primero es el comportamiento humano. Por ejemplo, la cinta esboza la tensión que surge cuando personas externas al búnker piden ser rescatados. ¿Los van a buscar o simplemente los dejan morir? La división interna es instantánea, algo que podemos perfectamente asimilar con los últimos flujos migratorios que bien conocemos en nuestras latitudes. En esta misma línea se inscribe el instinto de supervivencia, aunque sea pasando por encima al del lado. Solo cuenta lo propio; primero yo, segundo yo y tercero yo, un reflejo de la individualidad de los tiempos actuales.

En un segundo término, el filme roza conceptos como la discriminación y el valor transaccional que adquiere toda relación. Ya nada sería gratuito, todo sería por algo, lo que, en circunstancias catastróficas, adquiere una connotación que va más allá de cualquier discernimiento, valores o, simplemente, humanidad.

La película se desarrolla en forma completamente lineal. La angustia y la desesperación de ir superando obstáculos tras obstáculos hablan de la esperanza de una nueva vida. Por eso, el destino de la familia es el cráter Clarke, pues allí se supone que la vida se está regenerando en un reinicio, algo muy similar al evento de extinción del Cretácico-Paleógeno.

“Greenland 2: Migration” entretiene pero se olvida rápido. Más allá de eso, me quedo con algunos aspectos clave que siempre deberíamos poner en relieve. Uno de ellos es esa mano amiga que se tiende cuando la esperanza flaquea y ya todo parece perdido. Aún existe, pero cada vez más cuesta encontrarla. Lo segundo es la infinita capacidad de resiliencia que tenemos los seres humanos cuando somos sometidos a pruebas de envergadura mayor. Esta característica, que es esencialmente humana, nos distingue y, además, nos une. Debemos ser fuertes ante la adversidad, aunque la amenaza sea implacable y parezca que ya no queda nada más por hacer.

Ficha técnica

Título original: Greenland 2: Migration
Año: 2026
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; ACE, G-BASE, Thunder Road Pictures, CineMachine Media Works, STX Entertainment. Distribuidora: Lionsgate
Género: Thriller. Acción | Familia. Catástrofes. Supervivencia. Fin del mundo. Secuela
Guion: Chris Sparling, Mitchell LaFortune
Música: David Buckley
Fotografía: Martin Ahlgren
Reparto: Gerard Butler, Morena Baccarin, Roman Griffin Davis
Dirección: Ric Roman Waugh

El diablo está ocupado - Por Jackie O.

“Realidades que no hay que ignorar”

Cortometraje documental que retrata el trabajo diario de Tracii, jefa de seguridad en una clínica de abortos de Atlanta, Georgia. La obra se encuentra nominada al Óscar2026.

Independiente de las creencias que cada uno tenga, de las decisiones que cada persona asuma en su vida por las circunstancias que sea, hay realidades que, nos gusten o no, no se deben ignorar.
Y el tema del aborto es de gran discusión en todo el mundo.

En E.E.U.U. hay algunas clínicas en algunos estados que ayudan en esta situación, pero hasta antes de cumplir 6 semanas. Cumples esa fecha y quedas fuera.

En este trabajo vemos a Tracii que se desempeña desde hace años en una clínica de salud para mujeres con intenciones de abortar. Ella es jefa de seguridad, por lo que la vemos en un día de trabajo, su rutina que comienza llegando primero al lugar y los quehaceres varios.

Su trabajo no es fácil, ya que lidian con detractores del aborto que se manifiestan diariamente en las afuera de la clínica, lo que genera tensión y posibles daños, no solo a la propiedad, sino que a las mujeres que cada día llegan. Las mujeres no tienen nombre, son solo números para identificarlas y resguardar su identidad.

Tracii nos cuenta su sentir, la conocemos, empatizamos con ella. Ella es el foco de nuestra atención.
Una mujer trabajadora, que busca ayudar a quienes la necesitan, sin juzgar, ya que, a pesar de solo ser una guardia de seguridad, ella lidia con las pacientes apenas llegan.

Un trabajo muy interesante para ver, independiente de si estamos en contra o a favor del aborto. Es una realidad y no debemos hacer como si no existiera.

Tiene una buena edición y dirección.
Humanidad, empatía, dolor, frustración, rabia… varios sentimientos pueden aflorar al ver este trabajo.

El por qué del nombre del documental, "The Devil Is Busy", es por la intensa y constante presión, amenazas y peligro diario que enfrenta el personal del lugar. La frase refleja el ambiente caótico y hostil en el que deben trabajar para asegurar la atención a las pacientes.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Dirigido por Geeta Gandbhir y Christalyn Hampton
2024. 30 minutos.
E.E.U.U.

Terror en Silent Hill: Regreso al Infierno - Por Carlos Correa Acuña

Un paisaje precioso, entre bosques; una ruta hermosa que recorre un acantilado y un joven conduciendo raudamente un Mustang. Ocurre un incidente porque casi choca de frente con un camión; al esquivarlo pasa a llevar la maleta de una joven que está esperando el autobús. Nada es fortuito porque las miradas queman y ambos quedan prendados de inmediato.

Luego de mostrarnos algunos recuerdos, la cinta entra de lleno en materia, porque aborda la historia de James -Jeremy Irvine- que regresa al pueblo donde dejó a su amada Mary -Hannah Emily Anderson-. Algo ha sucedido con el paso de los años; el cambio es impactante. Cubierto de nieve y cenizas, el lugar que antes tuvo una vida esplendorosa hoy está convertido en materia inerte. De hecho, no se ven habitantes. Solo suena a lo lejos una radio con música de Bach; el abandono parece ser total.

El énfasis de la cinematografía está puesto en la estética de cada toma. Con música incidental que conduce los cambios de secuencia, los primeros 30 minutos se hacen un poco planos, pero inclusive así avanzan. A partir de ese momento, con la aparición de figuras monstruosas -no es spoiler porque eso está en el tráiler-, la película se decide a mostrar su esencia.

La construcción que hace el director Christophe Gans del famoso videojuego responde a su estilo y formato. A pesar de no conocer la versión original y las anteriores películas, los episodios, las pruebas, los encuentros y el misterio que envuelve la trama, me hacen sentido. La estética de los cuadros, el ir paso a paso desarrollando un camino predefinido a modo de laberinto donde el protagonista entra y sale, es ya un clásico.

¿Hay algo de fondo en la historia o es solo este casi interminable transitar?

Claro que existe algo sustantivo. Se trata de una búsqueda, una búsqueda muy personal. James no solo quiere recuperar a su novia, también quiere recuperarse a sí mismo, un proceso de aceptación que tiene tanto de realidad como de imaginación. El carácter onírico de la aparición de María -Hannah Emily Anderson en su otro rol- y de Laura -Evie Templeton-, se contrapone a la oscuridad de esos demonios externos, que no son más que los miedos y contradicciones de un protagonista atribulado por la consecuencia de sus actos.

“Return to Silent Hill” no es tanto una reinvención sino, más bien, un reinicio. Llevar a la pantalla un juego, que además puede tener variantes de acuerdo a las decisiones de cada jugador, es todo un desafío. Por lo mismo, Christophe Gans es hábil en optar por una trama concreta y dejar varias aristas abiertas para ser retomadas en cualquier momento. Si funciona, tendremos el nacimiento de una nueva saga de suspenso (porque de terror, al menos acá, hay poco) y quién sabe hasta qué profundidades (o etapas de juego) podría llegar.

Ficha técnica

Título original: Return to Silent Hill
Año: 2026
Duración: 106 minutos
País: Francia
Compañías: Coproducción Francia-Alemania-Serbia-Reino Unido-Japón-Estados Unidos; Davis Films, Supernix, The Electric Shadow Company, Work in Progress, Ashland Hill Media Finance, Konami, Bloody Disgusting, Maze Pictures
Género: Terror | Sobrenatural. Videojuego
Guion: Christophe Gans, William Schneider, Sandra Vo-Anh. Videojuego: Keiichiro Toyama, Hiroyuki Owaku, Konami
Reparto: Jeremy Irvine, Hannah Emily Anderson, Evie Templeton
Dirección: Christophe Gans

Terror en Silent Hill, Regreso al Infierno - Por Juan Pablo Donoso

Quienes vieron las precuelas 1ª y 2ª sentirán más familiaridad con las criaturas infernales de esta 3ª etapa.

Recordemos que son películas inspiradas en un homónimo videojuego sangriento, demoníaco y aterrador.

Como el primer episodio tuvo éxito comercial, continúan fabricando secuelas.

Nos limitaremos a expresar nuestra muy personal impresión de esta 3ª parte.

Lo que abundó en presupuesto, tecnología, efectos especiales, faltó en inteligencia argumental y empatía humanitaria.

Ocho países produjeron una costosa película en la que pareciera que los guionistas nunca se pusieron de acuerdo sobre el verdadero fondo de la fábula.

James regresa a Silent Hill para encontrar a Mary, su amor perdido. Pero el pequeño pueblo está distinto a sus recuerdos. Ahora es oscuro, ruinoso y deprimente. Hallará personajes que intentan disuadirlo de buscar a Mary. Mientras más la busca, peor lo pasa. ¿Esto es realidad, o un siniestro inframundo? Lejana resonancia con El Bebé de Rosemary.

Habrían logrado el horror que buscaban. Tenía elementos para ser mejor en su género.

Resultado: sensacionalismo, confusión, y efectos trillados que solo impidieron que empatizáramos con el verdadero drama de sus personajes centrales.

Creyeron que desbarajustando la edición lograrían un producto más sugerente y “artístico”. Quedó una mazamorra pretenciosa, poco agradable, llena de comportamientos sin motivación, y, un desafío al espectador para que ordenara por su cuenta las secuencias y entenderlas mejor.

Tenían elementos para elaborar una bella historia de amor que, gradualmente, se fuera transformando en pesadilla. Habría bastado seguir la línea central del argumento, dotar al protagonista masculino de una discreta dosis de paranoia, y dejar que el resto fluyera por sí mismo.

Como interpretación, lo más valioso es el desempeño de la actriz principal - Hannah Emily Anderson - quien encarna a cinco mujeres diferentes, incluyendo a 2 niñitas preadolescentes.

Para colmo, al final nos anuncian que la congoja volverá a comenzar en un próximo capítulo.

Hay público para todo. En este caso se trata de complacer por medio del desagrado, el desquicio y comportamientos gratuitos.

Para verla sin preguntarse - ¡por ningún motivo! - cuál es el propósito, ni la inteligencia, de semejantes atrocidades… después de todo es solo un “videojuego” para descargar instintos básicos de sadismo, o ansias de venganza reprimidas.

MAJAMAMA INNECESARIA PARA NARRAR UN CLARO ROMANCE DE MISTERIO, HECHICERÍA, TERROR Y LOCURA. DESPERDICIO DE DINERO Y TECNOLOGÍA.

Ficha técnica

Título Original: Return to Silent Hill

2026 Terror, hechicería 

Francia, Reino Unido, Alemania, Serbia, Japón, EE.UU., Australia, España - 1,44 hrs. 

Fotografía: Pablo Rosso 

Edición: Sebastien Prangere 

Música: Akira Yamaoka 

Diseño Prod.: Mina Buric, Jovana Mihajlovic 

Guion: Christophe Gans, Sandra Vo-Han, Hiroyuki Owaku, Keiichiro Toyama (videojuego) 

Reparto: Hannah Emily Anderson, Jeremy Irvine, Robert Strange 

Dirección: Christophe Gans

Terror en Silent Hill: regreso al infierno - Por Jackie O.

“Perdidos en la niebla”

Todo comenzó con un video juego creado por Keiichiro Toyama y publicado por Konami y su subsidiaria, Konami Digital Entertainment, en 1999. Su éxito fue enorme y siguieron, hasta que apareció la primera película el 2006; al mismo tiempo salieron libros y comics, más video juegos y otra película el 2012. Sus personajes son icónicos, no solo para los “gamers” sino en la cultura del cine.

Sí, hay que conocer el origen para entender al cien por ciento una historia que no es nueva. Nunca he jugado el videojuego Silent Hill, pero he visto sus dos películas anteriores y un par de comics para ver esta tercera entrega y entender su fondo. Así,  lo que veamos no nos sea ajeno o creamos que está fuera de contexto, para no quedar colgados de por qué aparece alguien o se dice algo, de por qué Silent Hill está oculta en esa niebla que no cesa, el origen de su ceniza constante, ese culto fanático, que cuando la alarma suena debes refugiarte, etc.

Esta tercera entrega, dicen que está basada en uno de los video juegos (Silent Hill2), por lo que los gamers están más atentos. Pero como telespectadora necesito, sea o no basado en video juego, buena calidad interpretativa y buena calidad en las imágenes. ¿Lo logra esta tercera entrega cinematográfica?

La primera señal positiva es que está el mismo director de la primera película. Ahí digo “que bien, captó mi atención”. Pero no estamos ante una continuación de las anteriores cintas, esto es un reebot, basado en uno de los juegos.

Ahora nos cuenta la historia de un hombre roto, que no asume una separación, pero una carta inesperada le devuelve esperanza y vuelve a ese pueblo del cual salió para no volver. Hay analepsias que nos llevan a entender una relación y, de a poco, ver cómo no acepta la ausencia de su amada, que va en su búsqueda a ese pueblo, que fue hermoso en su momento, lleno de vida y grata convivencia. Pero ahí está vacío, y al deambular en sus calles y en su mente lo acompañamos, ya que debe enfrentarse a diversos monstruos ya conocidos, y esperados.

Puede que la edición mal efectuada haga que, en especial quienes nunca han visto la película -y/o quienes nunca hemos jugado estos videos juegos- se pierdan en su fluidez. El guion tiene momentos tan básicos que se sienten hasta forzados, así como las actuaciones poco creíbles. El maquillaje y peluquería no se ven bien, pero rescato el vestuario. En cuanto al movimiento de cámaras, algunas tomas son muy buenas; su posición hace creer que estás en un video juego. Pero los CGI recargados en momentos, ni siquiera se pueden tomar en serio. Si fuera una comedia se entendería, tal vez, que se vea “su falsedad”. Se vería divertido, pero acá es terror psicológico y debe dar credibilidad.

No hubo tensión, salvo los típicos momentos en que se aparece repentinamente algo o alguien para hacer esos pequeños saltitos que a algunos les provocó. Reitero, hay películas que se adaptan como video juego en la pantalla y han funcionado. Acá, lamentablemente falló esa parte.

Para los gamers, ha sido un fiasco el cambio de guion, porque según ellos, le han cambiado el fondo a un gran juego con personajes a los que no se les sacó provecho, y en especial a ese purgatorio de Silent Hill, al cual transformaron en un mero escenario de terror sin la tensión que merecía.

Y como telespectadora puedo decir que ese pueblo es otro personaje, un personaje que vive y vibra y se le debe sacar un provecho que no se le dio en esta ocasión.

Lo único que rescato son los monstruos. Son icónicos y esperaba verlos nuevamente, así como algunas tomas en plano amplio donde vemos a ese pueblo perdido entre la niebla.

En cuanto al fondo, y para rescatar su historia y lo que trata de contarnos, estamos ante la obsesión de James por no soltar a Mary. Para mí es una clara referencia a las adicciones, donde sabes, a veces, los peligros que conlleva, pero no puedes evitar seguir.

Solo estamos ante una película que se quedó entre la espesa bruma.

Ficha técnica

Título original: Return to Silent Hill
Dirección y guion: Christophe Gans
Coescrita con Sandra Vo-Anh y Will Schneider
Música Akira Yamaoka
Fotografía Pablo Rosso
Montaje Sébastian Prangère
Protagonistas: Jeremy Irvine y Hannah Emily Anderson
2026. EEUU

Hamnet - Por Carlos Correa Acuña

“Hamnet” es una película de emociones contenidas y expresivas, internas y externas, que inundan la escena y traspasan la pantalla.

A partir de la novela publicada en 2020 por Maggie O’Farrell, la directora Chloé Zhao, junto con la propia autora, elabora un guion íntimo sobre el drama familiar de William Shakespeare -Paul Mescal- y su esposa Agnes -Jessie Buckley- tras perder a su hijo de solo 11 años.

La historia comienza cuando la pareja se conoce: él se dedica a enseñar y ella realiza labores diarias en el campo. El amor nace espontáneo; ambos jóvenes comienzan a soñar y a construir su familia.

El intenso verde de la apertura está cargado de un fuerte simbolismo. Un bosque cerrado, apacible, sonidos suaves y una abundante vegetación, reflejan la plenitud de una vida natural. Por lo mismo, no resulta sorpresiva la unión de dos personas provenientes de mundos tan distintos. Ambos coinciden en un momento y en un lugar especial con desbordante pasión.

Pronto viene el matrimonio y naturalmente los hijos. Primero Susanna y luego, cuando William ha debido ir a Londres para escribir y desarrollar su carrera teatral, los gemelos Hamnet y Judith. Las dificultades no disminuyen la intención de la pareja de vivir en familia. Agnes realiza esfuerzos enormes para sostener el hogar y brindar a su marido un espacio de desarrollo profesional. Pero los problemas los ahogan; la enfermedad y el posterior deceso del pequeño Hamnet marcan un punto de inflexión.

Chloé Zhao dirige un drama que conmueve donde la música juega un papel vital. Compuesta por Max Richter, la partitura no solo tiene una belleza intrínseca, sino que, además, transmite con sencillos motivos, el vasto mundo interior de los protagonistas, en especial, la esencia de Agnes. Como contrapunto, el silencio -que también es música- se torna importantísimo y es desarrollado magistralmente para generar tensión dramática, sobre todo en algunas escenas donde la ausencia de sonido provoca angustia y emoción.

Contemplativa y con ritmo cadencioso, esta película se cuela en las rendijas del alma. De pronto, nos vemos transportados a la época; vemos a William escribir, declamar, ensayar y abrumarse, al borde de tomar caminos drásticos luego de la muerte de Hamnet. Por otra parte, Agnes no logra superar la pérdida. Su semblante refleja carencias, falta de afecto, golpes duros que parecen insuperables.

¡Qué delgada es la línea que separa la felicidad de la angustia! Chloé Zhao lo sabe muy bien y lo transmite con poesía y apelando a bellas metáforas, describiendo paso a paso, un proceso que es muy complejo de expresar y retratar solo con palabras, imágenes o sonidos. Por eso cautiva, porque su carácter desgarrador no deja indiferente al espectador.

Maravillosa caracterización de Jessie Buckley para representar a Agnes. Con naturalidad, imprime a su personaje un raudal de emociones con sus gestos y miradas, las que encuentran contrapunto en la contención que construye lentamente Paul Mescal. Ambos protagonistas logran sintonizar hasta en los más mínimos detalles, al punto de encontrarse en escenas separadas, aunque siempre unidos por un hilo invisible.

“Hamnet” emociona, no solo por lo que significa perder un hijo, sino por la forma en que la cinta enfrenta ese drama. ¿Cómo se puede seguir con la vida luego de una tragedia de este tipo? Parece imposible. Las recriminaciones y el vacío deben doler como puñales clavados en el corazón. No obstante, la esperanza se abre paso gracias a la creación literaria del genio de William y la inquebrantable fe de Agnes.

Ficha técnica

Título original: Hamnet
Año: 2025
Duración: 125 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Amblin Entertainment, Amblin Partners, Book of Shadows, Hera Pictures, Neal Street Productions. Distribuidora: Universal Pictures, Focus Features
Género: Drama | Biográfico. Literatura. Maternidad. Paternidad
Guion: Maggie O'Farrell, Chloé Zhao. Novela: Maggie O'Farrell
Música: Max Richter
Fotografía: Lukasz Zal
Reparto: Jessie Buckley, Paul Mescal, Emily Watson, Joe Alwyn
Dirección: Chloé Zhao

El misterio de las siete esferas - Por Jackie O.

“Relojes sin cuerda”

Sinopsis: En Inglaterra, específicamente en la mansión Chimneys, y después de una fiesta, acontece un asesinato. Pero tras el crimen se descubrirá una extraña organización secreta que se autorepresenta como siete esferas de relojes. Y una joven es quien buscará desentrañar el asesinato y los misterios de esa organización, principalmente descubrir quién es el "número siete". ¿Estarán ellos implicados en el crimen?

Cuando nos hablan de Agatha Christie, todos saltamos de emoción, ya que ella nos trae intriga, suspenso, misterio y todos sus derivados. Además, ha habido grandes trabajos de ella llevados con éxito a la pantalla, por lo que esta miniserie nos invita a verla.

Comenzamos en 1920 con una muerte; es Lord Caterham y no sabemos por qué lo asesinan, por lo que pasamos rápidamente a cinco años después. En la mansión de la viuda Lady Caterham, todo es jolgorio, donde la política, los negocios y el amor se van mezclando en una noche de diversión. La joven Lady Eileen Brent, alias Bundle, es nuestro foco de atención. Querida y respetada por todos, inteligente, perspicaz, educada y muy amena en una la fiesta que no para, pero al día siguiente su amado Gerry aparece muerto. Fue envenenado y nadie sabe por qué. Bundle tiene una curiosidad innata, al igual que su padre: resolver situaciones que parecen extrañas, sospechosas, y si son delictuales, aún más. Acá no es cualquier crimen, es su amigo, su amado, y no descansará en averiguar quién fue quien lo mató. Difícil tarea en una época donde no existían las herramientas sofisticadas para dar con criminales, por lo que debemos deducir, cada objeto puede dar pistas, por lo que todos debemos observar agudamente.

Mientras se va acercando a más pistas, Bundle le pide ayuda a su otro mejor amigo, Ronnie, para que la ayude con lo que ha encontrado, principalmente porque el superintendente Battle la sigue a ella más que en enfocarse en la investigación. Pero a media que avanzamos, ambos se unen para investigar este delito, más cuando a Ronnie lo asesinan.

¿Qué tenían en común Gerry y Ronnie? Ambos pertenecían al mismo grupo de amigos, ambos trabajaban en el Gobierno y también eran muy cercanos a Bundle. ¿Tendrá esto que ver con la muerte ocurrida hace cinco años atrás? Pero hace cinco años no solo hubo una muerte, sino que dos, y tiene que ver con un trabajo investigativo. ¿Ambas muertes ocurridas en 1920 tendrán conexión con los asesinatos ocurridos en 1925?

En tres capítulos trataremos de dilucidar varios misterios y hechos que nos confunden: las razones de las muertes en 1920 y en 1925; quiénes son las siete esferas, qué invento es el que hay que proteger, etc.

El problema de este trabajo es que no tenemos misterio, el aura de intriga se pierde, no existe tensión, no hay un halo enigmático que nos envuelva. No encontramos motivos para inmiscuirnos y ser un detective más, porque no nos dan las pistas para ello. Pero es Agatha, es su puesta en escena bien creada la que nos mantiene fijo en la pantalla.

Esta adaptación, creo, no tuvo ingenio para contarnos los hechos. Su guion es débil en cuanto al fondo y liviano en la forma. Esto último es lo que te atrae para verla, tres horas de simpatía por sus personajes y la esperanza de que se viene algo, lo cual pudo haber tenido menos tiempo invertido para verla, donde, además, hay situaciones que quedan poco claras.

Una historia que tenía potencial y que creo lo desperdiciaron. Espero, porque creo que se viene una nueva aventura con Budle. Entiendan que, en una historia detectivesca, los espectadores debemos participar de la investigación, deben atocharnos de pistas, darnos giros inesperados y un criminal sorprendente, por lo que la esperaré, con esa esperanza.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Basado en The Seven Dials Mystery en Wikisource de Agatha Christie
Guion y Dirección: Chris Sweeney
Reparto:
Mia McKenna-Bruce como Lady Bundle Brent
Edward Bluemel como Jimmy Thesiger
Iain Glen como Lord Caterham
Martin Freeman como el superintendente Battle
Helena Bonham Carter como Lady Caterham
2026. Reino Unido