"Sé tu propio producto... y de calidad"
Tres mujeres deciden cambiar sus vidas, siendo sus propias jefas en el lujoso y arriesgado mundo del sexo.
Karin y Luna son muy amigas; jovenes, bellas y educadas que se dedican a la prostitución. Karin es una treinteañera profesional, soltera, sin familia cerca y muy elegante, que tiene de proxeneta a un inescrupuloso sujeto. Pero se harta de las migajas, sabe que puede tener más, pero siempre en el ámbito de la prostitución. Luna es una veiteañera que está cursando una carrera, le miente a sus padres en lo que respecta a trabajo y también le pidió a un amigo que se hiciera pasar por su novio. Así, las dos se unen, por iniciativa de Karin, quien tiene una mente muy vivaz para el negocio y forman una empresa de prostitución VIP.
Con el tiempo conocen a una bella y extrovertida prostituta que se les une, Magali. Y ante las escasas perspectivas de crecimiento profesional que enfrentan, ellas tienen una visión: si detrás de cada producto existe una estrategia de mercadeo, por qué no aplicar las mismas técnicas a la profesión más antigua del mundo. Karin, Luna y Magali son prostitutas de de lujo, listas para convertirse en verdaderas mujeres de negocio.
Serie de cuatro temporadas, pero solo comentaré de la primera, que me pareció muy entretenida, ya que el guión sabe muy bien llevarnos al mundo del mercadeo ante cualquier tipo de trabajo. Si tienes buen marketing, promueves lo que sea, y eso hace de su trama muy ágil, entretenida y de diálogos interesantes.
El contenido es de adultos ya que hay muchos desnudos.
Nos inmiscuimos en el mundo del sexo, compra y venta, algo que a estás chicas les gusta hacer. No se ven obligadas por nada, perfectamente pueden trabajar en otra cosa pero ellas no quieren. Pero aún así, tienen sus dramas personales, las conocemos y las estimamos.
Una serie que habla del marketing llevado a cualquier empleo, del deseo, dinero, placeres, decepciones, amistad y rivalidades.
Disponible en HBO.
Ficha técnica
Dirigido por Michel Tikhomiroff y Júlia Jordão
Protagonistas Rafaela Mandelli, Juliana Schalch, Michelle Batista
Brasil.
2013 primera temporada
2018 última temporada.
sábado, 13 de junio de 2026
Obsesión - Por Juan Pablo Donoso
Sobrevalorado filme que pudo tener bases más sólidas y profundas.
Metáfora pueril sobre relaciones románticas inmaduras, y de sus peligros.
Un muchacho solitario, neurótico e indeciso recurre a un maleficio para ser correspondido por una joven que lo despreciaba.
Exuda un aroma de infundios y de giros forzados para crear una atmósfera de misterio inexistente. Conocemos desde el comienzo la causa de la alienación demoníaca de la muchacha. El resto es sólo presenciar cómo se va acentuando.
Romper una simple barrita de amuleto es poco verosímil para provocar las consecuencias satánicas que dan origen a semejante tragedia.
Más aterrador hubiera sido narrar lo mismo a partir de una bipolaridad real de la muchacha, y de la impotencia del impávido novio para afrontarla.
Gracias a la música incidental se oculta la ingenuidad de los acontecimientos. Es el mejor camuflaje para personajes tan “inonecos” (simplones, bobos).
El novel director Curry Barker, y su amigo y actor Tomlinson, se apoyaron más en la parafernalia que en la potencial trascendencia del conflicto.
La ruptura de una simple baratija nos parece fácil y sensacionalista. Y sobre ello construyeron toda esta sangrienta debacle.
Ni siquiera el carisma de los actores principales - Inde Navarrete (Superman y Lois) y Michael Johnston (Lobo Adolescente)- ambos talentosos - logra evitar lo voluble del drama central.
Para darle más fuerza a la idea de fondo, los guionistas recurren a un gore innecesario. Una base sólida en
la neurosis de los personajes pudo permitir que el desquicio y lo metafísico se filtraran de manera natural.
Así se hizo con excelencia en los clásicos de misterio sobrehumano como Mulhollan Drive (Lynch), El Resplandor (Kubrick), El Bebé de Rosemary (Polanski), El Exorcista (Friedkin), Una Mujer Poseída (Zulawski), y varios más a los largo de los años.
La trillada premisa de “ten cuidado con lo que deseas” aporta aquí una decepcionante novedad.
Exceso de diálogos semi-poéticos que poco contribuyen al eje central.
Esperemos que en su próximo intento de misterio o terror, Barker y Tomlinson hayan madurado como guionistas, porque el oficio como realizadores ya lo tienen.
EN SU GÉNERO NUNCA TOCA EL FONDO METAFÍSICO QUE PRETENDIÓ.
Ficha técnica
Título Original: Obsession
Metáfora pueril sobre relaciones románticas inmaduras, y de sus peligros.
Un muchacho solitario, neurótico e indeciso recurre a un maleficio para ser correspondido por una joven que lo despreciaba.
Exuda un aroma de infundios y de giros forzados para crear una atmósfera de misterio inexistente. Conocemos desde el comienzo la causa de la alienación demoníaca de la muchacha. El resto es sólo presenciar cómo se va acentuando.
Romper una simple barrita de amuleto es poco verosímil para provocar las consecuencias satánicas que dan origen a semejante tragedia.
Más aterrador hubiera sido narrar lo mismo a partir de una bipolaridad real de la muchacha, y de la impotencia del impávido novio para afrontarla.
Gracias a la música incidental se oculta la ingenuidad de los acontecimientos. Es el mejor camuflaje para personajes tan “inonecos” (simplones, bobos).
El novel director Curry Barker, y su amigo y actor Tomlinson, se apoyaron más en la parafernalia que en la potencial trascendencia del conflicto.
La ruptura de una simple baratija nos parece fácil y sensacionalista. Y sobre ello construyeron toda esta sangrienta debacle.
Ni siquiera el carisma de los actores principales - Inde Navarrete (Superman y Lois) y Michael Johnston (Lobo Adolescente)- ambos talentosos - logra evitar lo voluble del drama central.
Para darle más fuerza a la idea de fondo, los guionistas recurren a un gore innecesario. Una base sólida en
la neurosis de los personajes pudo permitir que el desquicio y lo metafísico se filtraran de manera natural.
Así se hizo con excelencia en los clásicos de misterio sobrehumano como Mulhollan Drive (Lynch), El Resplandor (Kubrick), El Bebé de Rosemary (Polanski), El Exorcista (Friedkin), Una Mujer Poseída (Zulawski), y varios más a los largo de los años.
La trillada premisa de “ten cuidado con lo que deseas” aporta aquí una decepcionante novedad.
Exceso de diálogos semi-poéticos que poco contribuyen al eje central.
Esperemos que en su próximo intento de misterio o terror, Barker y Tomlinson hayan madurado como guionistas, porque el oficio como realizadores ya lo tienen.
EN SU GÉNERO NUNCA TOCA EL FONDO METAFÍSICO QUE PRETENDIÓ.
Ficha técnica
Título Original: Obsession
2025 Hechicería, desquicio juvenil, romance EE.UU. - 1,41 hrs.
Fotografía: Taylor Clemons
Música: Rock Burwell
Diseño Prod.: Vivian Gray
Actores: Michael Johnston, Inde Navarrete, Cooper Tomlinson
Editor, guionista y director: Curry Barker
2025: Festival de Sitges: 3 premios. 4 nominaciones.
2025: Festival de Sitges: 3 premios. 4 nominaciones.
viernes, 12 de junio de 2026
Las 100 Noches del Deseo - Por Juan Pablo Donoso
Hermoso envoltorio que narra un cuento de hadas para adultos, con clara inspiración en las categorías LGBTQ+.
Dirigida por Julia Jackman, se basa en la novela gráfica de Isabel Greenberg, inspirada en los cuentos clásicos de Las Mil y una Noches.
Estética formal, bordada con diálogos íntimos ricos en subtextos momentáneos de sus personajes.
Fantasía medieval donde Cherry ( Maika Monroe), una joven esposa atrapada en un matrimonio sin amor, y Hero (Emma Corrin), su devota doncella, ven peligrar su castidad cuando un carismático visitante llamado Manfred (Nicholas Galitzine) llega al castillo donde habitan.
Como es un mundo donde a las mujeres se les prohíbe leer, escribir, o tener ideas propias, Cherry y Hero, idean un ingenioso plan para frustrar al lascivo Manfred de seducir a Cherry, después de apostar éste con el esposo de ella.
Se crea un mundo de alta ensoñación, con los tópicos de género feminista y “queer”= concepto de la comunidad LGBTQ+ para describir una identidad sexual que se sale de las normas tradicionales.
El mérito está en los pequeños momentos, y distintas atmósferas, más que en un discurso general coherente.
Elevado nivel de artificio, afectación y extravagancia, que suele tender puentes entre la alta cultura y la cultura popular.
Todos lucen atuendos espectaculares.
Aunque Emma Corrin y Maika Monroe brillan en esta erótica fábula feminista, faltó jerarquización de los nódulos dramáticos (como suele suceder - ¡salvo eximias ocasiones! - con los filmes realizados por mujeres. Es otro noble tipo de sensibilidad).
BELLA Y FRÁGIL ESTRUCTURA DE FANTASÍA, CON MÁS ESTILO QUE SUSTANCIA.
Ficha técnica
Título Original: 100 Nights of Hero
Dirigida por Julia Jackman, se basa en la novela gráfica de Isabel Greenberg, inspirada en los cuentos clásicos de Las Mil y una Noches.
Estética formal, bordada con diálogos íntimos ricos en subtextos momentáneos de sus personajes.
Fantasía medieval donde Cherry ( Maika Monroe), una joven esposa atrapada en un matrimonio sin amor, y Hero (Emma Corrin), su devota doncella, ven peligrar su castidad cuando un carismático visitante llamado Manfred (Nicholas Galitzine) llega al castillo donde habitan.
Como es un mundo donde a las mujeres se les prohíbe leer, escribir, o tener ideas propias, Cherry y Hero, idean un ingenioso plan para frustrar al lascivo Manfred de seducir a Cherry, después de apostar éste con el esposo de ella.
Se crea un mundo de alta ensoñación, con los tópicos de género feminista y “queer”= concepto de la comunidad LGBTQ+ para describir una identidad sexual que se sale de las normas tradicionales.
El mérito está en los pequeños momentos, y distintas atmósferas, más que en un discurso general coherente.
Elevado nivel de artificio, afectación y extravagancia, que suele tender puentes entre la alta cultura y la cultura popular.
Todos lucen atuendos espectaculares.
Aunque Emma Corrin y Maika Monroe brillan en esta erótica fábula feminista, faltó jerarquización de los nódulos dramáticos (como suele suceder - ¡salvo eximias ocasiones! - con los filmes realizados por mujeres. Es otro noble tipo de sensibilidad).
BELLA Y FRÁGIL ESTRUCTURA DE FANTASÍA, CON MÁS ESTILO QUE SUSTANCIA.
Ficha técnica
Título Original: 100 Nights of Hero
2025 Fantasía histórica, romance Reino Unido, EE.UU. - 1,31 hrs.
Fotografía: Xenia Patricia
Edición: Oona Flaherty, Amélie Labrèche
Música: Oliver Coates
Diseño Prod.: Sofia Sacomani
Guion: Julia Jackman e Isabel Greenberg
Actores: Emma Corrin, Maika Monroe, Nicholas Galitzine
Dirección: Julia Jackman
2025: Premios British Independent Film Awards (BIFA): 3 nominaciones.
jueves, 11 de junio de 2026
Las 100 noches del deseo - Por Jackie O.
“Narradoras de vida”
Sinopsis: La historia se desarrolla en un castillo, donde Cherry (Maika Monroe) una joven atrapada en un matrimonio sin amor, y su leal doncella Hero (Emma Corrin), ven su vida sacudida con la llegada de Manfred (Nicholas Galitzine). El carismático visitante apuesta con el negligente esposo de Cherry, Jerome (Amir El-asry) que logrará seducirla en el transcurso de 100 noches. Pero para evitarlo, Cherry y Hero tejen un ingenioso plan.
Basada en la novela gráfica de “The One Hundred Nights of Hero” de Isabel Greenberg, de 2016.
La historia transcurre en un mundo de fantasía y estilo medieval, con muchos simbolismos y hechos directos, para narrar la opresión hacia las mujeres, las cuales están destinadas a casarse y procrear, no deben saber leer, escribir ni opinar, ya que el tener conocimiento perturba y serían consideradas brujas. Las mantienen ignorantes y recluida en sus deberes.
Así vive Cherry, hermosa, joven y virtuosa, esposa obediente y abnegada a la cual acusan que ella es el problema por no tener hijos con su marido, un gay encubierto que no la toca, pero que está dispuesto a tener un hijo para poder dar en el gusto a su Dios, al cual llaman Birdman, sea como sea, o deshacerse de ella, le da igual. Y en el mejor momento para Jerome, aparece un viejo amigo, el guapo y seductor Manfred, quien le pide asilo por un tiempo. Y entre ambos hombres, para mostrar su valía y hacer efectivo el plan de Jerome de deshacerse de su mujer, hacen una apuesta, donde Manfred debe seducir en un plazo de 100 días a Cherry. Jerome confía que su esposa no cederá, pero también le conviene que ceda. Y se va, dejando a su “pura” esposa, quien tiene una fiel criada, junto a la tentación masculina de Manfred.
La primera etapa tiene algo de tensión, ya que Cherry, presa de la desesperación de no incurrir en algún desatino y producto de su exagerada pureza e inocencia, le pide ayuda a su criada para que jamás la deje a solas con el guapo, y que cada vez que la vea en apuros haga algo. Quiere evitar ese acercamiento que todos los espectadores esperamos suceda. Hero es más astuta, siempre en silencio y observando, pero muy unida a su “ama”; son muy amigas y le promete que cada vez que esté en apuros, ella comenzará a contar una historia para salvarla de la tentación.
Así pasan los días y noches, donde Hero cuenta una historia cada vez que Manfred se acerca seductoramente a Cherry. Los días transcurren confundiendo a Manfred, quien ya no sabe qué día o qué noche es. Las historias de Hero, basadas en historias de mujeres, van quedando de forma inconclusa para así tentar el final para la noche siguiente.
Película de corte lgtb+, o más bien queer, ya que el trío que juega en esta historia se debate entre la criada Hero con el invitado Manfred, que luchan por conquistar a Cherry. Hero es más sutil y Manfred es de galanteo bruto y seductor a la vez. Y ambas situaciones confunden a la angelical e inocente Cherry, que no sabe qué está bien o no. Ella sigue tradiciones, fue criada para servir a su esposo, un esposo que la ignora, por lo que no solo necesita amor, sino que contención y apoyo en un mundo devastado por la tiranía.
Una cinta que mantiene una buena puesta en escena, con una escenografía bella y llena de colores, con vestuario que realza la historia.
Su guion tiene muchos matices y no todo se expresa abiertamente, sino que nos hace reflexionar sobre las relaciones humanas, no solo de un deseo carnal desenfrenado, sino de sutilezas. Sobre el conocimiento, acá de ejemplo pone a Manfred, quien se confunde cada vez que escucha a Hero narrar historias; es una bruja que su conocimiento hace alterar el tiempo.
Película sobre la sororidad, donde las mujeres encuentran historias fascinantes que hay que rescatar y difundir sobre otras mujeres.
La película, además, tiene una voz en off (Felicity Jones) que nos narra ciertos acontecimientos, como un cuento.
Ficha técnica
Título original: 100 Nights of Hero
Dirección y guion: Julia Jackman
90 minutos. 2025
Sinopsis: La historia se desarrolla en un castillo, donde Cherry (Maika Monroe) una joven atrapada en un matrimonio sin amor, y su leal doncella Hero (Emma Corrin), ven su vida sacudida con la llegada de Manfred (Nicholas Galitzine). El carismático visitante apuesta con el negligente esposo de Cherry, Jerome (Amir El-asry) que logrará seducirla en el transcurso de 100 noches. Pero para evitarlo, Cherry y Hero tejen un ingenioso plan.
Basada en la novela gráfica de “The One Hundred Nights of Hero” de Isabel Greenberg, de 2016.
La historia transcurre en un mundo de fantasía y estilo medieval, con muchos simbolismos y hechos directos, para narrar la opresión hacia las mujeres, las cuales están destinadas a casarse y procrear, no deben saber leer, escribir ni opinar, ya que el tener conocimiento perturba y serían consideradas brujas. Las mantienen ignorantes y recluida en sus deberes.
Así vive Cherry, hermosa, joven y virtuosa, esposa obediente y abnegada a la cual acusan que ella es el problema por no tener hijos con su marido, un gay encubierto que no la toca, pero que está dispuesto a tener un hijo para poder dar en el gusto a su Dios, al cual llaman Birdman, sea como sea, o deshacerse de ella, le da igual. Y en el mejor momento para Jerome, aparece un viejo amigo, el guapo y seductor Manfred, quien le pide asilo por un tiempo. Y entre ambos hombres, para mostrar su valía y hacer efectivo el plan de Jerome de deshacerse de su mujer, hacen una apuesta, donde Manfred debe seducir en un plazo de 100 días a Cherry. Jerome confía que su esposa no cederá, pero también le conviene que ceda. Y se va, dejando a su “pura” esposa, quien tiene una fiel criada, junto a la tentación masculina de Manfred.
La primera etapa tiene algo de tensión, ya que Cherry, presa de la desesperación de no incurrir en algún desatino y producto de su exagerada pureza e inocencia, le pide ayuda a su criada para que jamás la deje a solas con el guapo, y que cada vez que la vea en apuros haga algo. Quiere evitar ese acercamiento que todos los espectadores esperamos suceda. Hero es más astuta, siempre en silencio y observando, pero muy unida a su “ama”; son muy amigas y le promete que cada vez que esté en apuros, ella comenzará a contar una historia para salvarla de la tentación.
Así pasan los días y noches, donde Hero cuenta una historia cada vez que Manfred se acerca seductoramente a Cherry. Los días transcurren confundiendo a Manfred, quien ya no sabe qué día o qué noche es. Las historias de Hero, basadas en historias de mujeres, van quedando de forma inconclusa para así tentar el final para la noche siguiente.
Película de corte lgtb+, o más bien queer, ya que el trío que juega en esta historia se debate entre la criada Hero con el invitado Manfred, que luchan por conquistar a Cherry. Hero es más sutil y Manfred es de galanteo bruto y seductor a la vez. Y ambas situaciones confunden a la angelical e inocente Cherry, que no sabe qué está bien o no. Ella sigue tradiciones, fue criada para servir a su esposo, un esposo que la ignora, por lo que no solo necesita amor, sino que contención y apoyo en un mundo devastado por la tiranía.
Una cinta que mantiene una buena puesta en escena, con una escenografía bella y llena de colores, con vestuario que realza la historia.
Su guion tiene muchos matices y no todo se expresa abiertamente, sino que nos hace reflexionar sobre las relaciones humanas, no solo de un deseo carnal desenfrenado, sino de sutilezas. Sobre el conocimiento, acá de ejemplo pone a Manfred, quien se confunde cada vez que escucha a Hero narrar historias; es una bruja que su conocimiento hace alterar el tiempo.
Película sobre la sororidad, donde las mujeres encuentran historias fascinantes que hay que rescatar y difundir sobre otras mujeres.
La película, además, tiene una voz en off (Felicity Jones) que nos narra ciertos acontecimientos, como un cuento.
Ficha técnica
Título original: 100 Nights of Hero
Dirección y guion: Julia Jackman
90 minutos. 2025
Backrooms - Por Carlos Correa Acuña
Estamos en 1990. En una grabación casera se observa un recorrido al interior de un edificio con grandes espacios vacíos, paredes amarillas y múltiples laberintos. Portando una cámara, el protagonista nos hace estar allí. A él no lo vemos, solo lo sentimos. Sus movimientos rápidos contagian miedo y desesperación. Entendemos poco pero la experiencia sensorial es clara.
Volver a los años 90 tiene aires retro. Allí vemos a Clark -Chiwetel Ejiofor-, el dueño de una tienda de muebles con problemas económicos. La ausencia de clientes agrava lo que ya pesa: un divorcio reciente. La terapia con la doctora Mary Kline -Renate Reinsve- ofrece un alivio que rápidamente se revela como insuficiente.
Clark no tiene claro qué hacer. Las deudas se acumulan y la factura eléctrica es anormalmente alta. Un técnico le ayuda y le hace ver que hay un interruptor que no responde, aunque las luces se comportan como si tuvieran voluntad propia.
El escenario es inquietante. Mientras Clark vive su soledad con angustia le sucede algo imprevisto. A través de una pared del subterráneo accede a un espacio amplio, mayormente vacío, pero que contiene señales extrañas: un montón de muebles, infinitos laberintos, varios carteles, algunas sillas repartidas, voces en distintos idiomas, etc.
Basada en la serie web de Parsons e inspirada en la creepypasta "Backrooms", esta cinta presenta un mundo paralelo. Se trata de otra dimensión, un lugar que no sabemos dónde está ubicado y que provoca incertidumbre. La curiosidad de Clark lo lleva a actuar, a descubrir y recorrer ese espacio, a interpretar señales que muchas veces no llevan a ninguna parte. A moverse constantemente entre dos realidades.
¿Será una representación vívida de sus temores, o bien corresponderá a una revisión de su mundo interior? ¿Por qué se ve obligado a vivir este trance? ¿Qué es lo que lo lleva a investigar e incluso a pedir ayuda a sus asistentes para incursionar al interior del lugar?
La música de Edo Van Breemen y del propio Kane Parsons sostiene el relato por largos pasajes. Es más: cuando la acción se desplaza al exterior, cuando los diálogos cobran mayor protagonismo, la tensión cae de forma notoria. Afortunadamente, pronto volvemos al misterio, ahora en grupo, para registrar cada uno de los movimientos. En ese instante, la película migra del suspenso al terror y es cuando obtiene los mejores resultados.
Interesante desde muchos puntos de vista, este trabajo merece atención. Primero, surge de una especie de mito que se viralizó en internet en 2019, a partir de la publicación de una foto. A raíz de ello, el adolescente Kane Parsons creó en 2022, con apenas 16 años, una serie web que ahora llega a la gran pantalla con una inversión inicial de 10 millones de dólares y una recaudación en ascenso.
En segundo lugar, la trama no es teórica sino experiencial. Las actuaciones de Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve intensifican la experiencia sensorial a través de sus reacciones y gestos. El mérito radica no solo en lo que observamos en pantalla sino en lo que nosotros mismos imaginamos, algo que puede diferir de lo que sienten los propios protagonistas pero que tiene elementos comunes: amenaza permanente, terror a lo desconocido y desprotección.
En último término, para no extenderme demasiado, este filme trabaja de manera muy acertada los planos y las dimensiones para provocar dudas y sorpresas progresivas. No pretende dar respuestas. Lo que quiere es que descubramos cada acción al momento de verla, pero que aquello no sea racional sino emocional. Entonces, el objetivo se cumple si empatizamos, si sentimos y si nos fundimos con lo que ocurre en pantalla.
“Backrooms” es diferente, una película que propone nuevas formas de inquietar y perturbar sin apelar a las fórmulas tradicionales. Además, el hecho de que su director solo tenga 20 años, anticipa una carrera que merece seguimiento. Es de esperar que los desafíos comerciales no consuman el talento y que este director conserve espacios de experimentación y desarrollo fuera de los parámetros regulares. Porque acá tenemos atrevimiento, osadía y una buena cuota de riesgo, elementos imprescindibles para innovar y crecer.
Ficha técnica
Título original: Backrooms
Año: 2026
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, 21 Laps Entertainment, Atomic Monster, Blumhouse-Atomic Monster, Chernin Entertainment, Oddfellows Pictures, Phobos. Distribuidora: A24
Género: Intriga. Terror. Fantástico | Thriller psicológico. Años 90. Creepypasta. Espacios liminales
Guion: William Bromell, Kane Parsons. Historia: Kane Parsons
Música: Edo Van Breemen, Kane Parsons
Fotografía: Jeremy Cox
Reparto: Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell
Dirección: Kane Parsons
Volver a los años 90 tiene aires retro. Allí vemos a Clark -Chiwetel Ejiofor-, el dueño de una tienda de muebles con problemas económicos. La ausencia de clientes agrava lo que ya pesa: un divorcio reciente. La terapia con la doctora Mary Kline -Renate Reinsve- ofrece un alivio que rápidamente se revela como insuficiente.
Clark no tiene claro qué hacer. Las deudas se acumulan y la factura eléctrica es anormalmente alta. Un técnico le ayuda y le hace ver que hay un interruptor que no responde, aunque las luces se comportan como si tuvieran voluntad propia.
El escenario es inquietante. Mientras Clark vive su soledad con angustia le sucede algo imprevisto. A través de una pared del subterráneo accede a un espacio amplio, mayormente vacío, pero que contiene señales extrañas: un montón de muebles, infinitos laberintos, varios carteles, algunas sillas repartidas, voces en distintos idiomas, etc.
Basada en la serie web de Parsons e inspirada en la creepypasta "Backrooms", esta cinta presenta un mundo paralelo. Se trata de otra dimensión, un lugar que no sabemos dónde está ubicado y que provoca incertidumbre. La curiosidad de Clark lo lleva a actuar, a descubrir y recorrer ese espacio, a interpretar señales que muchas veces no llevan a ninguna parte. A moverse constantemente entre dos realidades.
¿Será una representación vívida de sus temores, o bien corresponderá a una revisión de su mundo interior? ¿Por qué se ve obligado a vivir este trance? ¿Qué es lo que lo lleva a investigar e incluso a pedir ayuda a sus asistentes para incursionar al interior del lugar?
La música de Edo Van Breemen y del propio Kane Parsons sostiene el relato por largos pasajes. Es más: cuando la acción se desplaza al exterior, cuando los diálogos cobran mayor protagonismo, la tensión cae de forma notoria. Afortunadamente, pronto volvemos al misterio, ahora en grupo, para registrar cada uno de los movimientos. En ese instante, la película migra del suspenso al terror y es cuando obtiene los mejores resultados.
Interesante desde muchos puntos de vista, este trabajo merece atención. Primero, surge de una especie de mito que se viralizó en internet en 2019, a partir de la publicación de una foto. A raíz de ello, el adolescente Kane Parsons creó en 2022, con apenas 16 años, una serie web que ahora llega a la gran pantalla con una inversión inicial de 10 millones de dólares y una recaudación en ascenso.
En segundo lugar, la trama no es teórica sino experiencial. Las actuaciones de Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve intensifican la experiencia sensorial a través de sus reacciones y gestos. El mérito radica no solo en lo que observamos en pantalla sino en lo que nosotros mismos imaginamos, algo que puede diferir de lo que sienten los propios protagonistas pero que tiene elementos comunes: amenaza permanente, terror a lo desconocido y desprotección.
En último término, para no extenderme demasiado, este filme trabaja de manera muy acertada los planos y las dimensiones para provocar dudas y sorpresas progresivas. No pretende dar respuestas. Lo que quiere es que descubramos cada acción al momento de verla, pero que aquello no sea racional sino emocional. Entonces, el objetivo se cumple si empatizamos, si sentimos y si nos fundimos con lo que ocurre en pantalla.
“Backrooms” es diferente, una película que propone nuevas formas de inquietar y perturbar sin apelar a las fórmulas tradicionales. Además, el hecho de que su director solo tenga 20 años, anticipa una carrera que merece seguimiento. Es de esperar que los desafíos comerciales no consuman el talento y que este director conserve espacios de experimentación y desarrollo fuera de los parámetros regulares. Porque acá tenemos atrevimiento, osadía y una buena cuota de riesgo, elementos imprescindibles para innovar y crecer.
Ficha técnica
Título original: Backrooms
Año: 2026
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, 21 Laps Entertainment, Atomic Monster, Blumhouse-Atomic Monster, Chernin Entertainment, Oddfellows Pictures, Phobos. Distribuidora: A24
Género: Intriga. Terror. Fantástico | Thriller psicológico. Años 90. Creepypasta. Espacios liminales
Guion: William Bromell, Kane Parsons. Historia: Kane Parsons
Música: Edo Van Breemen, Kane Parsons
Fotografía: Jeremy Cox
Reparto: Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell
Dirección: Kane Parsons
Los Renacidos - Por Jackie O.
“Devuélveme la vida”
La historia se centra en dos hermanos, Manuel y Óscar, que están enemistados y alejados desde hace muchos años, pero se reencuentran para cumplir con un negocio al que no se pueden negar.
Todo transcurre en Argentina. Manuel es un médico rural que se siente muy a gusto donde está, tiene lo que necesita, su felicidad está en las cosas simples y estables que tiene. Pero esa tranquilidad se destroza cuando aparece su mafioso tío; solo al verlo, sabe que eso es problemas. Y así es, lo obliga a efectuar “el negocio familiar” junto a su hermano, a quien no ve hace muchos años, un trabajo que había dejado atrás, en el olvido, y se había refugiado en una comunidad pequeña, en una tranquilidad que ahora se ve afectada.
El encuentro entre estos hermanos es duro, abriendo viejas heridas. Solo harán el trabajo por obligación y después, cada uno por su camino… o eso es lo que creen. Manuel y Óscar son muy diferentes: el primero no quiere nada con su familia, el pasado lo entristece; pero Manuel es el opuesto, busca lo que es más beneficioso para él, no le importan las consecuencias. Pero el actual trabajo encomendado, puede que provoque en ellos un cambio.
Aunque la sinopsis oficial de la película adelanta bastante, creo que mientras menos sepas de la cinta más la disfrutarás, ya que al comienzo no sabes quién es el héroe y quién el villano. Y este “negocio familiar” fue un buen elemento para llevarnos a este thriller, por lo que el guion es interesante y novedoso, aunque por escasos momentos, hay situaciones poco creíbles. Sí, juega mucho con los silencios, los cuales están bien empleados, donde los gestos y las miradas fueron bien efectuadas por los protagonistas, ya que fortalece esa relación compleja entre ellos. Las actuaciones, en general, estuvieron buenas. Destaco a los chilenos Daniel Antivilo y Luis Dubó, los más malos de los malos (en el buen sentido), no necesitan decirnos cuál es su rol, solo deben aparecer.
El paisaje mantiene relevancia y se mimetiza con la historia. Estamos en la frontera de Argentina y Chile, caminos desolados los cuales transmiten ese vacío de los protagonistas, esa soledad que los atrapa. Los terrenos áridos son como la aspereza que está en su interior, y en lo que deben enfrentar.
¿Se puede borrar el pasado y comenzar una nueva vida?
¿Se desea cambiar? ¿Renacemos?
Varias preguntas nos podemos plantear luego de ver esta película, llena de culpas, reproches, duelos no concretados y formas de buscar la libertad.
Ficha técnica
Dirección y guion: Santiago Esteves
Música: Mario Galván
Maquillaje: Beatushka Wojtowicz
Fotografía: Enrique Stindt
Protagonistas: Pedro Fontaine, Marco Antonio Caponi, Óscar de la Fuente
Argentina-Chile-España.
80 minutos. 2025.
La historia se centra en dos hermanos, Manuel y Óscar, que están enemistados y alejados desde hace muchos años, pero se reencuentran para cumplir con un negocio al que no se pueden negar.
Todo transcurre en Argentina. Manuel es un médico rural que se siente muy a gusto donde está, tiene lo que necesita, su felicidad está en las cosas simples y estables que tiene. Pero esa tranquilidad se destroza cuando aparece su mafioso tío; solo al verlo, sabe que eso es problemas. Y así es, lo obliga a efectuar “el negocio familiar” junto a su hermano, a quien no ve hace muchos años, un trabajo que había dejado atrás, en el olvido, y se había refugiado en una comunidad pequeña, en una tranquilidad que ahora se ve afectada.
El encuentro entre estos hermanos es duro, abriendo viejas heridas. Solo harán el trabajo por obligación y después, cada uno por su camino… o eso es lo que creen. Manuel y Óscar son muy diferentes: el primero no quiere nada con su familia, el pasado lo entristece; pero Manuel es el opuesto, busca lo que es más beneficioso para él, no le importan las consecuencias. Pero el actual trabajo encomendado, puede que provoque en ellos un cambio.
Aunque la sinopsis oficial de la película adelanta bastante, creo que mientras menos sepas de la cinta más la disfrutarás, ya que al comienzo no sabes quién es el héroe y quién el villano. Y este “negocio familiar” fue un buen elemento para llevarnos a este thriller, por lo que el guion es interesante y novedoso, aunque por escasos momentos, hay situaciones poco creíbles. Sí, juega mucho con los silencios, los cuales están bien empleados, donde los gestos y las miradas fueron bien efectuadas por los protagonistas, ya que fortalece esa relación compleja entre ellos. Las actuaciones, en general, estuvieron buenas. Destaco a los chilenos Daniel Antivilo y Luis Dubó, los más malos de los malos (en el buen sentido), no necesitan decirnos cuál es su rol, solo deben aparecer.
El paisaje mantiene relevancia y se mimetiza con la historia. Estamos en la frontera de Argentina y Chile, caminos desolados los cuales transmiten ese vacío de los protagonistas, esa soledad que los atrapa. Los terrenos áridos son como la aspereza que está en su interior, y en lo que deben enfrentar.
¿Se puede borrar el pasado y comenzar una nueva vida?
¿Se desea cambiar? ¿Renacemos?
Varias preguntas nos podemos plantear luego de ver esta película, llena de culpas, reproches, duelos no concretados y formas de buscar la libertad.
Ficha técnica
Dirección y guion: Santiago Esteves
Música: Mario Galván
Maquillaje: Beatushka Wojtowicz
Fotografía: Enrique Stindt
Protagonistas: Pedro Fontaine, Marco Antonio Caponi, Óscar de la Fuente
Argentina-Chile-España.
80 minutos. 2025.
martes, 9 de junio de 2026
Ella y su hijo - Por Carlos Correa Acuña
Mahnaz -Parinaz Izadyar-, una enfermera viuda de 40 años, debe lidiar día a día con su hijo adolescente. Aliyar -Sinan Mohebi - ha sido expulsado de la escuela y las tensiones familiares no hacen más que aumentar. Poco después de su compromiso con Hamid -Payman Maadi-, su novio, sobreviene un trágico accidente. Tras el hecho, Mahnaz se enfoca en la búsqueda de justicia y reparación, enfrentando la pérdida y la traición en una espiral que parece no tener fin.
El director iraní Saeed Roustayi escribe y dirige una historia concebida por Azad Jafarian, un drama sobre una mujer y un niño ambientado en una realidad social muy distinta de la occidental. Se trata de una cultura radicalmente diferente, con ritos y costumbres que pueden resultar incluso chocantes, en la que el patriarcado estructura buena parte de la vida cotidiana, mientras las mujeres, relegadas habitualmente a papeles secundarios, o aceptan ese orden o se rebelan asumiendo grandes costos.
En esta cinta, que tiene un antes y un después del incidente, no solo existe la diferencia entre mujeres y hombres. Desde una mirada marcadamente femenina, el director se propone mostrarnos otros dos mundos, el de los adultos y el de los niños -por ello el título original “Mujer y Niño”-, para acentuar la distancia entre ambos universos, exponer las tensiones de la vida cotidiana y reflejar mejor las constantes tensiones de la vida cotidiana.
En el momento en que se produce el giro, la crisis pasa a dominar el relato. Es justo la mitad del metraje y el dolor es incontenible. La actriz Parinaz Izadyar lo vive intensamente. No parece interpretarlo; lo habita, en una caracterización que compromete a la audiencia. En ese instante, sus objetivos cambian y la película también. El deseo de superar la tragedia choca de frente con las dificultades de un sistema que parece estar absolutamente en contra. Ni la escuela de su hijo ni la justicia entienden la situación. Su otra hija parece no existir. Su madre, su hermana y su exnovio, a esa altura, tampoco empatizan con quien atraviesa uno de los momentos más dolorosos de su vida.
El descubrimiento gradual de lo que realmente ocurrió, sumado a cambios importantes en su núcleo más cercano, ahonda la inestabilidad de la protagonista. A partir de allí, el relato toma un nuevo rumbo y el camino hacia la sanación se torna todavía más pedregoso y complejo. Se trata de un viaje con destino incierto, que nos mantiene alerta y cuyo final difícilmente podemos prever.
“Woman and Child” está muy bien filmada y maneja adecuadamente el ritmo, adoptando pausas e imprimiendo velocidad según cada necesidad, lo que configura un metraje coherente que no pierde foco. Tomas amplias, efectivos distanciamientos visuales y una serie de encuadres no tradicionales dan a las escenas una frescura y dinamismo poco habituales. Saeed Roustayi nos hace sentir que estamos allí, como observadores, o bien como parte de la acción. De esa forma, nos sumerge en las emociones de sus protagonistas y también nos obliga a tomar una postura frente a los acontecimientos, en un viaje íntimo que atrapa nuestra atención.
Ficha técnica
Título original: Woman and Child
Año: 2025
Duración: 131 minutos
País: Irán
Compañías: Coproducción Irán-Francia; Boshra Film, Goodfellas Media
Género: Drama | Maternidad. Familia
Guion: Saeed Roustayi. Historia: Azad Jafarian
Música: Ramin Kousha
Fotografía: Adib Sobhani
Reparto: Parinaz Izadyar, Payman Maadi, Hasan Pourshirazi, Fereshteh Sadre Orafaee, Sahar Goldoost, Soha Niasti, Arshida Dorostkar, Sinan Mohebi, Kaveh Ebrahim
Dirección: Saeed Roustayi
El director iraní Saeed Roustayi escribe y dirige una historia concebida por Azad Jafarian, un drama sobre una mujer y un niño ambientado en una realidad social muy distinta de la occidental. Se trata de una cultura radicalmente diferente, con ritos y costumbres que pueden resultar incluso chocantes, en la que el patriarcado estructura buena parte de la vida cotidiana, mientras las mujeres, relegadas habitualmente a papeles secundarios, o aceptan ese orden o se rebelan asumiendo grandes costos.
En esta cinta, que tiene un antes y un después del incidente, no solo existe la diferencia entre mujeres y hombres. Desde una mirada marcadamente femenina, el director se propone mostrarnos otros dos mundos, el de los adultos y el de los niños -por ello el título original “Mujer y Niño”-, para acentuar la distancia entre ambos universos, exponer las tensiones de la vida cotidiana y reflejar mejor las constantes tensiones de la vida cotidiana.
En el momento en que se produce el giro, la crisis pasa a dominar el relato. Es justo la mitad del metraje y el dolor es incontenible. La actriz Parinaz Izadyar lo vive intensamente. No parece interpretarlo; lo habita, en una caracterización que compromete a la audiencia. En ese instante, sus objetivos cambian y la película también. El deseo de superar la tragedia choca de frente con las dificultades de un sistema que parece estar absolutamente en contra. Ni la escuela de su hijo ni la justicia entienden la situación. Su otra hija parece no existir. Su madre, su hermana y su exnovio, a esa altura, tampoco empatizan con quien atraviesa uno de los momentos más dolorosos de su vida.
El descubrimiento gradual de lo que realmente ocurrió, sumado a cambios importantes en su núcleo más cercano, ahonda la inestabilidad de la protagonista. A partir de allí, el relato toma un nuevo rumbo y el camino hacia la sanación se torna todavía más pedregoso y complejo. Se trata de un viaje con destino incierto, que nos mantiene alerta y cuyo final difícilmente podemos prever.
“Woman and Child” está muy bien filmada y maneja adecuadamente el ritmo, adoptando pausas e imprimiendo velocidad según cada necesidad, lo que configura un metraje coherente que no pierde foco. Tomas amplias, efectivos distanciamientos visuales y una serie de encuadres no tradicionales dan a las escenas una frescura y dinamismo poco habituales. Saeed Roustayi nos hace sentir que estamos allí, como observadores, o bien como parte de la acción. De esa forma, nos sumerge en las emociones de sus protagonistas y también nos obliga a tomar una postura frente a los acontecimientos, en un viaje íntimo que atrapa nuestra atención.
Ficha técnica
Título original: Woman and Child
Año: 2025
Duración: 131 minutos
País: Irán
Compañías: Coproducción Irán-Francia; Boshra Film, Goodfellas Media
Género: Drama | Maternidad. Familia
Guion: Saeed Roustayi. Historia: Azad Jafarian
Música: Ramin Kousha
Fotografía: Adib Sobhani
Reparto: Parinaz Izadyar, Payman Maadi, Hasan Pourshirazi, Fereshteh Sadre Orafaee, Sahar Goldoost, Soha Niasti, Arshida Dorostkar, Sinan Mohebi, Kaveh Ebrahim
Dirección: Saeed Roustayi
domingo, 7 de junio de 2026
Mil Pedazos - Por Juan Pablo Donoso
Inquietante película chilena inspirada en una tragedia familiar verdadera.
Rodada principalmente en la región de Coquimbo, destacando los paisajes de Vicuña y el Valle del Elqui.
Lo más elocuente es el título: tras un accidente carretero, además del auto, una familia queda hecha “mil pedazos”.
Así quedan – psíquica y existencialmente - sus miembros sobrevivientes.
Más que un relato lógico de los hechos, el guion prioriza el desarrollo interno - individual y minimalista - de cómo cada uno de los personajes – de manera tan diferente - aborda las consecuencias, y afronta su duelo.
Si bien el argumento posee linealidad, el filme se centra en la evolución afectiva - por separado - de los padres de la hijita fallecida.
Además del tortuoso desarrollo del proceso, impacta la trágica opción final de cada uno de ellos.
¿Qué rol juega el Amor aquí? Misterio insondable. Cuando a veces constituye el máximo vínculo redentor para las almas acongojadas, en otras, gatilla para siempre la separación de los que alguna vez se amaron.
A la luz de dolores tan profundos, sería perverso e insensato juzgarlos. Solo nos queda el divino recurso de la COMPASIÓN.
Por ello, quienes esperan del relato una fábula tradicional, se sentirán decepcionados al término. Para comprender la motivación poética de sus autores recomendamos solo empatizar con el dolor de sus personajes centrales, y acompañarlos en sus destinos. Y esto, los intérpretes lo transmiten con talento y auténtico compromiso.
Excelentes trabajos actorales de Daniel Muñoz, como el padre, de Paola Giannini como la madre, y de Emilia Rodríguez como la pequeña. Igual, eximia la fotografía y cámara de Eduardo Bunster para ambientarnos en la desolación de aquellos paisajes del Norte Chico de nuestro país. Otro tanto contribuye la música de Mowat.
MÁS QUE UNA RESEÑA COHERENTE ES UN LLAMADO A LA COMPASIÓN. REQUIERE REFLEXIÓN POSTERIOR.
Rodada principalmente en la región de Coquimbo, destacando los paisajes de Vicuña y el Valle del Elqui.
Lo más elocuente es el título: tras un accidente carretero, además del auto, una familia queda hecha “mil pedazos”.
Así quedan – psíquica y existencialmente - sus miembros sobrevivientes.
Más que un relato lógico de los hechos, el guion prioriza el desarrollo interno - individual y minimalista - de cómo cada uno de los personajes – de manera tan diferente - aborda las consecuencias, y afronta su duelo.
Si bien el argumento posee linealidad, el filme se centra en la evolución afectiva - por separado - de los padres de la hijita fallecida.
Además del tortuoso desarrollo del proceso, impacta la trágica opción final de cada uno de ellos.
¿Qué rol juega el Amor aquí? Misterio insondable. Cuando a veces constituye el máximo vínculo redentor para las almas acongojadas, en otras, gatilla para siempre la separación de los que alguna vez se amaron.
A la luz de dolores tan profundos, sería perverso e insensato juzgarlos. Solo nos queda el divino recurso de la COMPASIÓN.
Por ello, quienes esperan del relato una fábula tradicional, se sentirán decepcionados al término. Para comprender la motivación poética de sus autores recomendamos solo empatizar con el dolor de sus personajes centrales, y acompañarlos en sus destinos. Y esto, los intérpretes lo transmiten con talento y auténtico compromiso.
Excelentes trabajos actorales de Daniel Muñoz, como el padre, de Paola Giannini como la madre, y de Emilia Rodríguez como la pequeña. Igual, eximia la fotografía y cámara de Eduardo Bunster para ambientarnos en la desolación de aquellos paisajes del Norte Chico de nuestro país. Otro tanto contribuye la música de Mowat.
MÁS QUE UNA RESEÑA COHERENTE ES UN LLAMADO A LA COMPASIÓN. REQUIERE REFLEXIÓN POSTERIOR.
Ficha técnica
2026 Drama familiar, rutera Chile - 1,30 hrs.
2026 Drama familiar, rutera Chile - 1,30 hrs.
Fotografía: Eduardo Bunster
Edición: Camilo Corbeaux, Victoria Lammers
Música: Mowat
Dir. de Arte: Polin Garbisú
Guion: Sergio Castro San Martín, Clarisa Navas
Actores: Daniel Muñoz, Paola Giannini, Emilia Rodríguez
Director: Sergio Castro San Martín
jueves, 4 de junio de 2026
Mil Pedazos - Por Carlos Correa Acuña
No estoy seguro de cuánto conviene saber sobre esta película antes de verla. En ocasiones, el conocer ciertos detalles nos condiciona y el llegar sin tener una idea preconcebida permite mayor libertad. Aunque también puede ocurrir lo contrario. En este caso, prefiero comenzar por la sinopsis oficial para luego profundizar en el análisis.
Padre, madre e hija salen de vacaciones y sufren un accidente, en la mitad del desierto, con graves consecuencias. La madre queda inconsciente y el padre intenta pedir ayuda para salvar a su hija. Tres meses después, la madre despierta del coma y emprende un largo camino con el fin de encontrar a su familia.
Desde la elección del formato, 4:3 en esta oportunidad, observamos que el director Sergio Castro San Martín no duda en tomar decisiones importantes. Las primeras imágenes resultan difíciles de interpretar; una conversación, una persona al interior de un auto, el paisaje de un árbol, una evidente decisión narrativa pues su objetivo es generar atmósferas sin entregar certezas.
La historia toma forma en el momento en que reconocemos a los integrantes de esa familia: Miguel (55), Isabel (45) y Emilia (9). Ellos preparan el viaje con distintos grados de ilusión. Emilia está feliz porque podrá usar la cámara digital que su padre Miguel le ha regalado. Isabel se resiste, porque no quiere abandonar sus labores, aunque sea por pocos días. Y Miguel impulsa en viaje con brío, porque tal vez sea la última posibilidad de salvar su matrimonio y mantener unida a su familia.
El accidente, información que bajo mi punto de vista no deberíamos conocer en forma previa, marca una ruptura decisiva. En ese momento resuena fuerte el título del filme: “Mil Pedazos”. Se rompe todo, absolutamente todo. ¿O ya estaba todo roto antes de ese momento? ¿Hay algún arreglo posible? La reacción de Miguel ante la tragedia sorprende. Toma una opción, elige un rumbo que trae consigo abandonar algo en una búsqueda de sentido más espiritual que material.
A continuación surge lo otro que ya sabemos de antemano: Isabel despierta tres meses después. Entre fragmentos aislados, no recuerda detalles de lo sucedido pero quiere encontrar a su hija y a su marido. Necesita saber qué pasó, dónde están, y comienza a buscarlos de forma incansable.
En este punto de la película, las preguntas cobran cada vez mayor protagonismo. ¿Cuál es la historia, la de Miguel o la de Isabel? ¿Lo que pasó en la ruta, es realidad o ficción? ¿Quién es Juan?
Sergio Castro San Martín construye este relato inspirado libremente en la historia del llamado “ermitaño de Las Chilcas”, un hombre que vivió por décadas en una cuesta de la Ruta 5 Norte cerca de Llay-Llay. Alimentado por camioneros y escaladores, su caso se transformó en un mito al desconocerse los motivos que tuvo para asumir esa forma de vida. Castro San Martín asume que esa particular decisión responde al abandono del sistema debido a una tragedia y lo traslada al personaje de Miguel.
Daniel Muñoz sostiene con solvencia una gran carga emocional. La primera parte de la película recae sobre él, y también en la joven Emilia Rodríguez, con quien logra una sintonía y un complemento muy natural. Muñoz casi no habla, solo gesticula, observa, dirige miradas perdidas y se mueve a la deriva por un paisaje que parece reflejar su estado interior. Cuando Isabel despierta, es el turno de Paola Giannini, quien compone un personaje doliente, que tampoco tiene un rumbo fijo pero sí posee el objetivo claro de encontrar a los suyos.
La película me dejó sensaciones encontradas. Primero, siento que faltó relato, cohesión narrativa. Está muy bien no ser predecible pero es necesario mantener una lógica interna. En segundo lugar, el director apela a varios recursos narrativos sin aparente relación, ni entre ellos ni con el hilo conductor. Me refiero al fluir del agua, a algunas tomas abiertas, a la acción de orinar en medio de las rocas, etc., elementos básicos que no logran construir un significado conjunto. El tercer punto, y tal vez donde tengo mis mayores reparos, radica en los numerosos elementos que quedan abiertos. Un ejemplo de esto es el tema de los recursos económicos de los que dispone la familia. La película nunca establece claramente ese punto, sin embargo, cuando Isabel emprende la búsqueda lo hace en un auto relativamente nuevo -y costoso-, cuya patente TVHZ68 entrega un dato de temporalidad que no puede obviarse. Otros detalles, como el hecho de que a la perrita no la veamos desde un comienzo, dan cuenta de un relato entrecortado y al mismo tiempo carente de puntos que entreguen dirección y unidad.
“Mil Pedazos”, ¿es un viaje, una experiencia, una reflexión o una historia personal? ¿Qué es, finalmente? Por supuesto el título es clave, porque alude a una metáfora que podemos asociar a la rotura de la vida en miles de pedazos, un quiebre total, sin salida, del que resulta imposible recomponerse. ¿Se podrán unir esos fragmentos de vida? O bien, en otras palabras, ¿qué es lo que podría lograr pegar cada una de las piezas?
Podríamos seguir profundizando y reflexionando, lo que es un mérito indudable de este trabajo que finalmente deja flotando una pregunta: ¿qué vamos a hacer? Porque ante un duelo, las vivencias son diferentes, la forma de enfrentar la vida de uno u otro puede ser totalmente opuesta y el resultado del proceso dependerá de las opciones que cada quien elija. Y tal como en la vida real, esta cinta ofrece varios finales posibles, con intuiciones, ensoñaciones e incertezas que quedan a la deriva esperando que nosotros les demos sentido según nuestro propio recorrido e historia personal.
Ficha técnica
Título original: Mil pedazos
Año: 2026
Duración: 90 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-España-Argentina; Latente Films, Amore Cine, Maluta Films, Panes Contenidos, Bikini Films, Inaudita
Género: Drama | Familia
Guion: Sergio Castro San Martín, Mara Pescio
Música: Mowat
Fotografía: Eduardo Bunster
Reparto: Daniel Muñoz, Emilia Rodríguez, Francisco Pérez-Bannen, Paola Giannini, Ximena Martín y Andrea Romero
Dirección: Sergio Castro San Martín
Padre, madre e hija salen de vacaciones y sufren un accidente, en la mitad del desierto, con graves consecuencias. La madre queda inconsciente y el padre intenta pedir ayuda para salvar a su hija. Tres meses después, la madre despierta del coma y emprende un largo camino con el fin de encontrar a su familia.
Desde la elección del formato, 4:3 en esta oportunidad, observamos que el director Sergio Castro San Martín no duda en tomar decisiones importantes. Las primeras imágenes resultan difíciles de interpretar; una conversación, una persona al interior de un auto, el paisaje de un árbol, una evidente decisión narrativa pues su objetivo es generar atmósferas sin entregar certezas.
La historia toma forma en el momento en que reconocemos a los integrantes de esa familia: Miguel (55), Isabel (45) y Emilia (9). Ellos preparan el viaje con distintos grados de ilusión. Emilia está feliz porque podrá usar la cámara digital que su padre Miguel le ha regalado. Isabel se resiste, porque no quiere abandonar sus labores, aunque sea por pocos días. Y Miguel impulsa en viaje con brío, porque tal vez sea la última posibilidad de salvar su matrimonio y mantener unida a su familia.
El accidente, información que bajo mi punto de vista no deberíamos conocer en forma previa, marca una ruptura decisiva. En ese momento resuena fuerte el título del filme: “Mil Pedazos”. Se rompe todo, absolutamente todo. ¿O ya estaba todo roto antes de ese momento? ¿Hay algún arreglo posible? La reacción de Miguel ante la tragedia sorprende. Toma una opción, elige un rumbo que trae consigo abandonar algo en una búsqueda de sentido más espiritual que material.
A continuación surge lo otro que ya sabemos de antemano: Isabel despierta tres meses después. Entre fragmentos aislados, no recuerda detalles de lo sucedido pero quiere encontrar a su hija y a su marido. Necesita saber qué pasó, dónde están, y comienza a buscarlos de forma incansable.
En este punto de la película, las preguntas cobran cada vez mayor protagonismo. ¿Cuál es la historia, la de Miguel o la de Isabel? ¿Lo que pasó en la ruta, es realidad o ficción? ¿Quién es Juan?
Sergio Castro San Martín construye este relato inspirado libremente en la historia del llamado “ermitaño de Las Chilcas”, un hombre que vivió por décadas en una cuesta de la Ruta 5 Norte cerca de Llay-Llay. Alimentado por camioneros y escaladores, su caso se transformó en un mito al desconocerse los motivos que tuvo para asumir esa forma de vida. Castro San Martín asume que esa particular decisión responde al abandono del sistema debido a una tragedia y lo traslada al personaje de Miguel.
Daniel Muñoz sostiene con solvencia una gran carga emocional. La primera parte de la película recae sobre él, y también en la joven Emilia Rodríguez, con quien logra una sintonía y un complemento muy natural. Muñoz casi no habla, solo gesticula, observa, dirige miradas perdidas y se mueve a la deriva por un paisaje que parece reflejar su estado interior. Cuando Isabel despierta, es el turno de Paola Giannini, quien compone un personaje doliente, que tampoco tiene un rumbo fijo pero sí posee el objetivo claro de encontrar a los suyos.
La película me dejó sensaciones encontradas. Primero, siento que faltó relato, cohesión narrativa. Está muy bien no ser predecible pero es necesario mantener una lógica interna. En segundo lugar, el director apela a varios recursos narrativos sin aparente relación, ni entre ellos ni con el hilo conductor. Me refiero al fluir del agua, a algunas tomas abiertas, a la acción de orinar en medio de las rocas, etc., elementos básicos que no logran construir un significado conjunto. El tercer punto, y tal vez donde tengo mis mayores reparos, radica en los numerosos elementos que quedan abiertos. Un ejemplo de esto es el tema de los recursos económicos de los que dispone la familia. La película nunca establece claramente ese punto, sin embargo, cuando Isabel emprende la búsqueda lo hace en un auto relativamente nuevo -y costoso-, cuya patente TVHZ68 entrega un dato de temporalidad que no puede obviarse. Otros detalles, como el hecho de que a la perrita no la veamos desde un comienzo, dan cuenta de un relato entrecortado y al mismo tiempo carente de puntos que entreguen dirección y unidad.
“Mil Pedazos”, ¿es un viaje, una experiencia, una reflexión o una historia personal? ¿Qué es, finalmente? Por supuesto el título es clave, porque alude a una metáfora que podemos asociar a la rotura de la vida en miles de pedazos, un quiebre total, sin salida, del que resulta imposible recomponerse. ¿Se podrán unir esos fragmentos de vida? O bien, en otras palabras, ¿qué es lo que podría lograr pegar cada una de las piezas?
Podríamos seguir profundizando y reflexionando, lo que es un mérito indudable de este trabajo que finalmente deja flotando una pregunta: ¿qué vamos a hacer? Porque ante un duelo, las vivencias son diferentes, la forma de enfrentar la vida de uno u otro puede ser totalmente opuesta y el resultado del proceso dependerá de las opciones que cada quien elija. Y tal como en la vida real, esta cinta ofrece varios finales posibles, con intuiciones, ensoñaciones e incertezas que quedan a la deriva esperando que nosotros les demos sentido según nuestro propio recorrido e historia personal.
Ficha técnica
Título original: Mil pedazos
Año: 2026
Duración: 90 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-España-Argentina; Latente Films, Amore Cine, Maluta Films, Panes Contenidos, Bikini Films, Inaudita
Género: Drama | Familia
Guion: Sergio Castro San Martín, Mara Pescio
Música: Mowat
Fotografía: Eduardo Bunster
Reparto: Daniel Muñoz, Emilia Rodríguez, Francisco Pérez-Bannen, Paola Giannini, Ximena Martín y Andrea Romero
Dirección: Sergio Castro San Martín
martes, 2 de junio de 2026
Ella y su Hijo - Por Juan Pablo Donoso
¡Un talentoso melodrama familiar persa!
Centrado fundamentalmente en las vivencias emocionales femeninas iraníes, donde los hombres - por tradición - lucen egoístas, crueles e insensibles.
Estupendas actuaciones de todos, en especial de Parinaz Izadyar, como la madre.
Prolijas, sobrias y logradas fotografía, música y edición.
Mahnaz (Izadyar), una enfermera viuda de 40 años, tiene que lidiar con su rebelde hijo, Aliyar (Mohebi), quien - ¡con razón! - ha sido expulsado de la escuela. Las tensiones familiares alcanzan su punto álgido durante la ceremonia de compromiso de la madre con su nuevo novio, Hamid (Maadi). Y ocurre un trágico accidente. Tras el percance, Mahnaz se verá obligada a afrontar la traición amorosa y la inconsolable pérdida del hijo.
A partir de ahí la veremos embarcarse en una tormentosa búsqueda de justicia.
Su director Saeed Roustaee, es uno de los más relevantes del cine contemporáneo iraní. Muy realista y capaz de crear relatos con fuerte carga emotiva y social. En 2022 ganó el Premio FIPRESCI en Cannes por Leila´s Brothers. Sus obras suelen centrarse en conflictos familiares. Por ello han sido sistemáticamente acusadas de insubordinación al régimen político-cultural imperante en su país.
Ante la creciente emancipación femenina del patriarcado que la oprime, Roustaee declaró: “Esta película trata sobre una mujer que no depende de ningún hombre. Su identidad no proviene de ser esposa, hija o madre”.
Para algunos espectadores la longitud y detallismo de sus escenas podrían estar al borde del sentimentalismo. Pero en su defensa diríamos que está filmada y editada con elegante sobriedad. Y las actuaciones se ven honestamente comprometidas con cada circunstancia.
Su final bien vale una lágrima de consuelo.
Fue nominada a la Palma de Oro y nuevamente ganadora del premio FIPRESCI en Cannes 2025
EMPÁTICA Y EMOTIVA. ACTORES SINCEROS EN UNA MUY ELABORADA REALIZACIÓN.
Ficha técnica
Titulo Original: زن و بچه - Zan va bache -
Centrado fundamentalmente en las vivencias emocionales femeninas iraníes, donde los hombres - por tradición - lucen egoístas, crueles e insensibles.
Estupendas actuaciones de todos, en especial de Parinaz Izadyar, como la madre.
Prolijas, sobrias y logradas fotografía, música y edición.
Mahnaz (Izadyar), una enfermera viuda de 40 años, tiene que lidiar con su rebelde hijo, Aliyar (Mohebi), quien - ¡con razón! - ha sido expulsado de la escuela. Las tensiones familiares alcanzan su punto álgido durante la ceremonia de compromiso de la madre con su nuevo novio, Hamid (Maadi). Y ocurre un trágico accidente. Tras el percance, Mahnaz se verá obligada a afrontar la traición amorosa y la inconsolable pérdida del hijo.
A partir de ahí la veremos embarcarse en una tormentosa búsqueda de justicia.
Su director Saeed Roustaee, es uno de los más relevantes del cine contemporáneo iraní. Muy realista y capaz de crear relatos con fuerte carga emotiva y social. En 2022 ganó el Premio FIPRESCI en Cannes por Leila´s Brothers. Sus obras suelen centrarse en conflictos familiares. Por ello han sido sistemáticamente acusadas de insubordinación al régimen político-cultural imperante en su país.
Ante la creciente emancipación femenina del patriarcado que la oprime, Roustaee declaró: “Esta película trata sobre una mujer que no depende de ningún hombre. Su identidad no proviene de ser esposa, hija o madre”.
Para algunos espectadores la longitud y detallismo de sus escenas podrían estar al borde del sentimentalismo. Pero en su defensa diríamos que está filmada y editada con elegante sobriedad. Y las actuaciones se ven honestamente comprometidas con cada circunstancia.
Su final bien vale una lágrima de consuelo.
Fue nominada a la Palma de Oro y nuevamente ganadora del premio FIPRESCI en Cannes 2025
EMPÁTICA Y EMOTIVA. ACTORES SINCEROS EN UNA MUY ELABORADA REALIZACIÓN.
Ficha técnica
Titulo Original: زن و بچه - Zan va bache -
2025 Drama social, maternidad, familia
Irán, Francia, Alemania - 2,11 hrs.
Fotografía: Adib Sobhani
Edición: Bahram Dehghani
Música: Ramin Kousha
Diseño Prod.: Mohammad Reza Delnavaz
Guion: Azad Jafarian y Saeed Roustaee (Historia)
Actores: Parinaz Izadyar, Sinan Mohebi, Payman Maadi
Director: Saeed Roustaee
lunes, 1 de junio de 2026
Backrooms - Por Juan Pablo Donoso
Nueva y misteriosa aventura psicológica inspirada en un exitoso vídeo-juego.
Se remonta a la idea de “salirse de la realidad” por accidente, y acceder a un lugar extraño que nunca debió existir.
Ambientada en 1990, seguimos a Clark (Chiwetel Ejiofor), acongojado por un reciente divorcio, y dueño de una tienda de muebles, que descubre en el sótano un portal hacia un laberinto de espacios interminables, similares a oficinas vacías.
Intrigado y perturbado, convence a su empleada Kat (Lukita Maxwell) y al novio de ella, Bobby (Finn Bennett), de ayudarlo a mapear esa extensión de salas y corredores surrealistas, con ruidos que sugieren algo peligroso acechando.
Clark le comunica esta experiencia a su terapeuta, Dra. Mary Kline (Renate Reinsve), quien la atribuye a la crisis sentimental de su paciente. Pero él insiste en el fenómeno. Invita a la pareja de empleados a internarse junto con él por los diversos salones del mágico lugar. En ellos hay muebles arrumbados y montones de ropa vieja abandonada.
Mientras más se internan, más se aventuran por túneles descendentes exponiéndose a peligrosas cavidades.
Llegará el momento en que la Dra., curiosa por la ausencia del paciente, ingresa a la tienda, recuerda el relato, y se interna en el siniestro laberinto para rescatarlo, hallar una respuesta y, también una salida de allí.
El tratamiento cinematográfico revela influencia de Kubric - en especial de sus filmes -2001, Odisea del Espacio - El Resplandor - Ojos Bien Cerrados - por el uso de amplios espacios vacíos, muy iluminados, con elementos inertes, pero llenos de misterio latente - y por los ángulos de cámara en especial durante los diálogos.
Si bien el vídeo-juego propone muchas opciones, la película, al ser unitaria y permitirnos acompañar a los personajes nos plantea una inquietante tesis psicológica: el peligro de abrir puertas que están ocultas en el subconsciente. Podríamos hallar fantasmas ignorados - a veces versiones siniestras de nosotros mismos - y que, incluso, pueden arrastrar consigo al terapeuta psiquiátrico, quien tampoco está libre de sus propios espectros.
La serie viral de YouTube creada por Kane Parsons, se basa en una de las “creepypastas” más famosas de internet.
Creepypastas: relato colaborativo que imagina la existencia de espacios ocultos fuera de la realidad. Carecen de autor único y versión definitiva. Evolucionan con el tiempo a medida que distintos usuarios agregan nuevas historias, imágenes y teorías.
A24 contrató a Kane Parsons para dirigir la adaptación cinematográfica. Hoy, con solo 20 años, se convierte en el director más joven en la historia del Estudio.
BELLA E INQUIETANTE ADAPTACIÓN DE UN VÍDEO-JUEGO. DESAFÍO PSICOLÓGICO BIEN DIRIGIDO Y ENCARNADO POR LAUREADOS ACTORES. PROVOCATIVA Y ENIGMÁTICA.
Ficha técnica
Título Original: Backrooms: sin Salida
Se remonta a la idea de “salirse de la realidad” por accidente, y acceder a un lugar extraño que nunca debió existir.
Ambientada en 1990, seguimos a Clark (Chiwetel Ejiofor), acongojado por un reciente divorcio, y dueño de una tienda de muebles, que descubre en el sótano un portal hacia un laberinto de espacios interminables, similares a oficinas vacías.
Intrigado y perturbado, convence a su empleada Kat (Lukita Maxwell) y al novio de ella, Bobby (Finn Bennett), de ayudarlo a mapear esa extensión de salas y corredores surrealistas, con ruidos que sugieren algo peligroso acechando.
Clark le comunica esta experiencia a su terapeuta, Dra. Mary Kline (Renate Reinsve), quien la atribuye a la crisis sentimental de su paciente. Pero él insiste en el fenómeno. Invita a la pareja de empleados a internarse junto con él por los diversos salones del mágico lugar. En ellos hay muebles arrumbados y montones de ropa vieja abandonada.
Mientras más se internan, más se aventuran por túneles descendentes exponiéndose a peligrosas cavidades.
Llegará el momento en que la Dra., curiosa por la ausencia del paciente, ingresa a la tienda, recuerda el relato, y se interna en el siniestro laberinto para rescatarlo, hallar una respuesta y, también una salida de allí.
El tratamiento cinematográfico revela influencia de Kubric - en especial de sus filmes -2001, Odisea del Espacio - El Resplandor - Ojos Bien Cerrados - por el uso de amplios espacios vacíos, muy iluminados, con elementos inertes, pero llenos de misterio latente - y por los ángulos de cámara en especial durante los diálogos.
Si bien el vídeo-juego propone muchas opciones, la película, al ser unitaria y permitirnos acompañar a los personajes nos plantea una inquietante tesis psicológica: el peligro de abrir puertas que están ocultas en el subconsciente. Podríamos hallar fantasmas ignorados - a veces versiones siniestras de nosotros mismos - y que, incluso, pueden arrastrar consigo al terapeuta psiquiátrico, quien tampoco está libre de sus propios espectros.
La serie viral de YouTube creada por Kane Parsons, se basa en una de las “creepypastas” más famosas de internet.
Creepypastas: relato colaborativo que imagina la existencia de espacios ocultos fuera de la realidad. Carecen de autor único y versión definitiva. Evolucionan con el tiempo a medida que distintos usuarios agregan nuevas historias, imágenes y teorías.
A24 contrató a Kane Parsons para dirigir la adaptación cinematográfica. Hoy, con solo 20 años, se convierte en el director más joven en la historia del Estudio.
BELLA E INQUIETANTE ADAPTACIÓN DE UN VÍDEO-JUEGO. DESAFÍO PSICOLÓGICO BIEN DIRIGIDO Y ENCARNADO POR LAUREADOS ACTORES. PROVOCATIVA Y ENIGMÁTICA.
Ficha técnica
Título Original: Backrooms: sin Salida
2026 Terror corporal y psicológico - ciencia ficción EE. UU. - 1,47 hrs.
Fotografía: Jeremy Cox
Edición: Greg Ng
Música: Kane Parsons, Edo Van Breemen
Diseño Prod.: Danny Vermette
Guion : Will Soodik, Kane Parsons
Actores: Renate Reinsve, Chiwetel Ejiofor, Mark Duplass
Director: Kane Parsons
La Reina Charlotte: Una historia de Bridgerton - Por Jackie O.
"Estaré contigo entre el cielo y la tierra"
Esta miniserie es una precuela y spin-off de la serie Bridgerton. La historia se basa libremente en una versión alternativa de la historia sobre el ascenso de Carlota de Mecklemburgo-Strelitz, a la prominencia y el poder a finales del siglo XVIII.
Basada en una historia real pero muy ficcionada para la pantalla, lo anterior se advierte para los "profesores de historia", vemos una fantasía, una melodrama romántico sobre la juventud de personajes conocidos de la serie Bridgerton, de quiénes fueron, qué hicieron, qué ocultaron, qué anhelaron...
Pero algo sale mal. En la noche de bodas comienzan los problemas, problemas que deben ocultar, porque Jorge tiene un secreto que teme revelar.
Así transcurre la serie, mostrándonos las costumbres reales que no deben distar tanto con la actualidad. De cómo van a apareciendo otros personajes que ya conocíamos, pero ahora sabemos cómo fue su vida de joven y por qué son como son en su vida de adultos.
A pesar de los problemas y secretos que de a poco van desenmarañándose, el amor de estos jóvenes gobernantes es puro y real. Un amor que, a veces, se transforma en algo inalcanzable, como una estrella fugaz, pero único y duradero como la luna.
Este trabajo mantiene una cuidadosa puesta en escena. Su música mezcla temas clásicos con piezas de música moderna, adaptadas a cuarteto de cuerda, y se escucha maravillosa. El vestuario es bello, con toques modernos. Las actuaciones son buenas, en especial los protagonistas que mantienen gran química.
El guión es meloso y, a veces, cursi, ideal para románticos y a quienes les gusten los dramas de época. Y sí, necesité más melodrama y cursilería.
Todo por el amor y el deber, con personajes que tienen y quieren ocultar mucha vulnerabilidad.
Disponible en Netflix.
Creado por Shonda Rhimes
Dirigido por Tom Verica
Protagonizada por: India Amarteifio, Arsema Thomas, Michelle Fairley, Ruth Gemmell, Corey Mylchreest, Golda Rosheuvel, Adjoa Andoh, Sam Clemmett
6 episodios. 2023.
Esta miniserie es una precuela y spin-off de la serie Bridgerton. La historia se basa libremente en una versión alternativa de la historia sobre el ascenso de Carlota de Mecklemburgo-Strelitz, a la prominencia y el poder a finales del siglo XVIII.
Basada en una historia real pero muy ficcionada para la pantalla, lo anterior se advierte para los "profesores de historia", vemos una fantasía, una melodrama romántico sobre la juventud de personajes conocidos de la serie Bridgerton, de quiénes fueron, qué hicieron, qué ocultaron, qué anhelaron...
Como toda realeza, y por el bien del país, los matrimonios son arreglados y eso le pasó a Charlotte, quien debió casarse con el rey Jorge sin conocerse, sin tener el mínimo de conocimiento el uno del otro. Pero justo en la boda, y al intentar escaparse de ella, Charlotte accidentalmente conoce a Jorge, y como si fuera un cuento de hadas (y lo es) se enamoran a primera vista. Dos bellos jóvenes de buenas familias y buenas intenciones, se unen para ser felices y darle herederos al pueblo.
Pero algo sale mal. En la noche de bodas comienzan los problemas, problemas que deben ocultar, porque Jorge tiene un secreto que teme revelar.
Así transcurre la serie, mostrándonos las costumbres reales que no deben distar tanto con la actualidad. De cómo van a apareciendo otros personajes que ya conocíamos, pero ahora sabemos cómo fue su vida de joven y por qué son como son en su vida de adultos.
A pesar de los problemas y secretos que de a poco van desenmarañándose, el amor de estos jóvenes gobernantes es puro y real. Un amor que, a veces, se transforma en algo inalcanzable, como una estrella fugaz, pero único y duradero como la luna.
Este trabajo mantiene una cuidadosa puesta en escena. Su música mezcla temas clásicos con piezas de música moderna, adaptadas a cuarteto de cuerda, y se escucha maravillosa. El vestuario es bello, con toques modernos. Las actuaciones son buenas, en especial los protagonistas que mantienen gran química.
El guión es meloso y, a veces, cursi, ideal para románticos y a quienes les gusten los dramas de época. Y sí, necesité más melodrama y cursilería.
Todo por el amor y el deber, con personajes que tienen y quieren ocultar mucha vulnerabilidad.
Disponible en Netflix.
Ficha técnica
Creado por Shonda Rhimes
Dirigido por Tom Verica
Protagonizada por: India Amarteifio, Arsema Thomas, Michelle Fairley, Ruth Gemmell, Corey Mylchreest, Golda Rosheuvel, Adjoa Andoh, Sam Clemmett
6 episodios. 2023.
jueves, 28 de mayo de 2026
Amarga Navidad - Por Jackie O.
“Historias sobre la historia del historiador”
El sello de Almodóvar está en todas sus películas, tiene ese no se qué que te hace verlas sin que pasen desapercibidas. Algunas mejor que otras, pero ahí están, es Almodóvar y no se pueden no ver. En esta oportunidad nos narra dos historias paralelas separadas por veinte años.
Sabemos desde el comienzo quién escribe la historia de quien, pero a medida que avanzamos, ambas se mezclan pudiendo confundir la verdad con la ficción.
Si no la vez desde el comienzo te puedes enredar y, creo, tarde entenderás la dinámica, porque la edición es buena.
En el año 2004, Elsa, una directora de cine reconvertida en publicista, sufre ataques de pánico al acercarse el primer aniversario de la muerte de su madre. Tiene una pareja a la cual comienza de a poco a descuidar por estar más con su amiga que ha perdido un hijo pequeño. A su vez, en el año 2026, Raúl es un cineasta veterano que está en sequía creativa y comienza a escribir un guion al que ha titulado “Amarga Navidad”, y que es la historia de Elsa. Pero su vida no está exenta de complicaciones, ya que también recuerda a su madre fallecida, descuida un tanto a su pareja y su mejor amiga se va de su lado para acompañar a su pareja que está de duelo.
Estamos ante una película sobre la vida de personas que debieran disfrutar su vida, pero están llenas de complicaciones. Todo está llevado con toques de humor negro, de vez en cuando (en especial usando a sus actrices favoritas en cameos), ya que lo dramático debe estar presente.
Ya nos percatamos que Elsa es el alter ego de Raúl, y Raúl el de Almodóvar. Cada uno siendo el espejo del otro, haciendo que el guion sea muy inteligente en este juego cruzado. Cine dentro el cine.
La fotografía es impecable, con sus luces y sombras. Las actuaciones buenas. donde los silencios marcan un buen ritmo.
La película nos plantea el debate ético sobre el derecho de los autores a nutrirse del dolor ajeno en sus trabajos. ¿Hasta dónde un artista debe tomar la historia ajena sin importar su dolor y darla a conocer al mundo? El dolor como materia prima.
También no deja de lado temas tales como las enfermedades, la familia, los duelos no superados, las culpas, la amistad y los egos. Todo está desarrollado en lugares bien decorados, donde no se ve ninguna carencia económica y donde la mujer pareciera ser el eje principal. Pero lamentablemente deja a medias todos los conflictos planteados, solo nos da un lindo envoltorio de regalo.
Ficha técnica
Dirección: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Pau Esteve Birba
Montaje: Teresa Font
Protagonistas: Bárbara Lennie, Vicky Luengo, Quim Gutiérrez, Leonardo Sbaraglia, Patrick Criado, Aitana Sánchez-Gijón, Milena Smit
España. 2026. 110 minutos
El sello de Almodóvar está en todas sus películas, tiene ese no se qué que te hace verlas sin que pasen desapercibidas. Algunas mejor que otras, pero ahí están, es Almodóvar y no se pueden no ver. En esta oportunidad nos narra dos historias paralelas separadas por veinte años.
Sabemos desde el comienzo quién escribe la historia de quien, pero a medida que avanzamos, ambas se mezclan pudiendo confundir la verdad con la ficción.
Si no la vez desde el comienzo te puedes enredar y, creo, tarde entenderás la dinámica, porque la edición es buena.
En el año 2004, Elsa, una directora de cine reconvertida en publicista, sufre ataques de pánico al acercarse el primer aniversario de la muerte de su madre. Tiene una pareja a la cual comienza de a poco a descuidar por estar más con su amiga que ha perdido un hijo pequeño. A su vez, en el año 2026, Raúl es un cineasta veterano que está en sequía creativa y comienza a escribir un guion al que ha titulado “Amarga Navidad”, y que es la historia de Elsa. Pero su vida no está exenta de complicaciones, ya que también recuerda a su madre fallecida, descuida un tanto a su pareja y su mejor amiga se va de su lado para acompañar a su pareja que está de duelo.
Estamos ante una película sobre la vida de personas que debieran disfrutar su vida, pero están llenas de complicaciones. Todo está llevado con toques de humor negro, de vez en cuando (en especial usando a sus actrices favoritas en cameos), ya que lo dramático debe estar presente.
Ya nos percatamos que Elsa es el alter ego de Raúl, y Raúl el de Almodóvar. Cada uno siendo el espejo del otro, haciendo que el guion sea muy inteligente en este juego cruzado. Cine dentro el cine.
La fotografía es impecable, con sus luces y sombras. Las actuaciones buenas. donde los silencios marcan un buen ritmo.
La película nos plantea el debate ético sobre el derecho de los autores a nutrirse del dolor ajeno en sus trabajos. ¿Hasta dónde un artista debe tomar la historia ajena sin importar su dolor y darla a conocer al mundo? El dolor como materia prima.
También no deja de lado temas tales como las enfermedades, la familia, los duelos no superados, las culpas, la amistad y los egos. Todo está desarrollado en lugares bien decorados, donde no se ve ninguna carencia económica y donde la mujer pareciera ser el eje principal. Pero lamentablemente deja a medias todos los conflictos planteados, solo nos da un lindo envoltorio de regalo.
Ficha técnica
Dirección: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Pau Esteve Birba
Montaje: Teresa Font
Protagonistas: Bárbara Lennie, Vicky Luengo, Quim Gutiérrez, Leonardo Sbaraglia, Patrick Criado, Aitana Sánchez-Gijón, Milena Smit
España. 2026. 110 minutos
Zona de Riesgo - Por Carlos Correa Acuña
“Fuze”, el título original de esta cinta que hace referencia a la espoleta de una bomba o proyectil, comienza de forma convencional. En una obra de construcción, en el centro de Londres, los obreros que trabajan en el lugar descubren un material extraño. Se trata de una bomba sin explotar que parece ser de la Segunda Guerra Mundial. Si bien no se desata pánico de inmediato, se pone en marcha un operativo para evacuar la zona y evitar daños a residentes y transeúntes.
Como el dispositivo debe ser desactivado a la brevedad, la responsabilidad recae en el Mayor Will Tranter -Aaron Taylor-Johnson-, un militar experto en este tipo de operaciones, muy metódico y capaz de actuar con frialdad. Tranter y su equipo revisan el lugar y adoptan todas las precauciones para llevar a cabo un procedimiento de rutina, sin embargo, pronto se dan cuenta de que se ha activado el mecanismo de cuenta regresiva.
En paralelo al operativo, Karalis -Theo James- y "X" -Sam Worthington-, con dos amigos más, irrumpen en un banco cercano con la intención de acceder a las cajas de seguridad y desvalijarlas. Aunque el vínculo entre ambas situaciones parece claro, las conexiones son difíciles de identificar.
David Mackenzie filma un guion de Ben Hopkins evitando revelar demasiado. Se concentra en presentar una acción frenética, nerviosa, tensa, incrementada por la inminente explosión de la bomba y por el silencioso progreso de los ladrones del banco.
De este modo, vemos tres escenarios: la amenaza de explosión, el robo en proceso y las personas evacuadas que se reúnen en un gran parque. La cinta transcurre veloz durante su primera hora. Es la historia del gato y el ratón, porque se dan vertiginosas persecuciones mientras esta operación planeada al detalle parece terminar con un robo perfecto que no deja rastro.
La película toma otro rumbo en el último tercio del metraje, y es donde vienen las sorpresas y el guion deja de ser predecible. Una música permanente -tipo “Perpetuum Mobile”- acompaña todas las secuencias. Es monótona y agotadora; la verdad, termina saturando. Siempre lo mismo, intentando generar tensión a través de la incomodidad subterránea de sonidos que se repiten incesantemente.
Si bien en esta sección final el relato varía, la coda de la cinta recién explica los hechos. Es una jugada arriesgada, porque se sienten las diferencias de ritmo. Arranca con intensidad pero pierde impulso con una caída evidente en intensidad, un declive marcado que finalmente deja sensaciones encontradas.
Con actuaciones correctas y una buena fotografía, mis reparos están en el guion y en las decisiones adoptadas para contar la historia. Se sienten algunos baches y los saltos no ayudan mucho a la continuidad de la narración. Por supuesto sospechamos que las cosas no son lo que parecen, y eso funciona bien, el tema es que cuando se revela la verdad, es demasiado tarde. Ya no hay tiempo para desarrollar ni profundizar. Es como si se acabara el tiempo y ya no cabe nada más, dejando en el aire las historias propias de los protagonistas, por ejemplo la de Rahim -Elham Ehsas-, uno de los civiles afectados por el atraco.
“Zona de Riesgo” apunta más alto de lo que consigue. Entretiene, sí, pero promete más de lo que entrega. Suele pasar con películas de este tipo, que a veces no logran espacio de proyección en salas de cine -o duran muy poco tiempo-, y pasan directo al streaming para buscar allí su mejor rendimiento.
Ficha técnica
Título original: Fuze
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Reino Unido
Compañías: ACE, Sigma Films
Género: Thriller. Acción | Robos & Atracos
Guion: Ben Hopkins
Música: Tony Doogan
Fotografía: Giles Nuttgens
Reparto: Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Gugu Mbatha-Raw, Sam Worthington
Dirección: David Mackenzie
Como el dispositivo debe ser desactivado a la brevedad, la responsabilidad recae en el Mayor Will Tranter -Aaron Taylor-Johnson-, un militar experto en este tipo de operaciones, muy metódico y capaz de actuar con frialdad. Tranter y su equipo revisan el lugar y adoptan todas las precauciones para llevar a cabo un procedimiento de rutina, sin embargo, pronto se dan cuenta de que se ha activado el mecanismo de cuenta regresiva.
En paralelo al operativo, Karalis -Theo James- y "X" -Sam Worthington-, con dos amigos más, irrumpen en un banco cercano con la intención de acceder a las cajas de seguridad y desvalijarlas. Aunque el vínculo entre ambas situaciones parece claro, las conexiones son difíciles de identificar.
David Mackenzie filma un guion de Ben Hopkins evitando revelar demasiado. Se concentra en presentar una acción frenética, nerviosa, tensa, incrementada por la inminente explosión de la bomba y por el silencioso progreso de los ladrones del banco.
De este modo, vemos tres escenarios: la amenaza de explosión, el robo en proceso y las personas evacuadas que se reúnen en un gran parque. La cinta transcurre veloz durante su primera hora. Es la historia del gato y el ratón, porque se dan vertiginosas persecuciones mientras esta operación planeada al detalle parece terminar con un robo perfecto que no deja rastro.
La película toma otro rumbo en el último tercio del metraje, y es donde vienen las sorpresas y el guion deja de ser predecible. Una música permanente -tipo “Perpetuum Mobile”- acompaña todas las secuencias. Es monótona y agotadora; la verdad, termina saturando. Siempre lo mismo, intentando generar tensión a través de la incomodidad subterránea de sonidos que se repiten incesantemente.
Si bien en esta sección final el relato varía, la coda de la cinta recién explica los hechos. Es una jugada arriesgada, porque se sienten las diferencias de ritmo. Arranca con intensidad pero pierde impulso con una caída evidente en intensidad, un declive marcado que finalmente deja sensaciones encontradas.
Con actuaciones correctas y una buena fotografía, mis reparos están en el guion y en las decisiones adoptadas para contar la historia. Se sienten algunos baches y los saltos no ayudan mucho a la continuidad de la narración. Por supuesto sospechamos que las cosas no son lo que parecen, y eso funciona bien, el tema es que cuando se revela la verdad, es demasiado tarde. Ya no hay tiempo para desarrollar ni profundizar. Es como si se acabara el tiempo y ya no cabe nada más, dejando en el aire las historias propias de los protagonistas, por ejemplo la de Rahim -Elham Ehsas-, uno de los civiles afectados por el atraco.
“Zona de Riesgo” apunta más alto de lo que consigue. Entretiene, sí, pero promete más de lo que entrega. Suele pasar con películas de este tipo, que a veces no logran espacio de proyección en salas de cine -o duran muy poco tiempo-, y pasan directo al streaming para buscar allí su mejor rendimiento.
Ficha técnica
Título original: Fuze
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Reino Unido
Compañías: ACE, Sigma Films
Género: Thriller. Acción | Robos & Atracos
Guion: Ben Hopkins
Música: Tony Doogan
Fotografía: Giles Nuttgens
Reparto: Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Gugu Mbatha-Raw, Sam Worthington
Dirección: David Mackenzie
Dolly - Por Juan Pablo Donoso
¡Brutal y sanguinaria!
Sadismo desbocado con poco antecedente.
Trama pedestre para una premisa que pudo ser atractiva.
Una joven llamada Macy es secuestrada por una criatura monstruosa que busca criarla como si fuera su propia hija. Lo simpático es que para ello fue necesario ensartarle una pala en la cara al novio y dejarlo sin mandíbula inferior (¡!).
Desde hace tiempo las películas de terror utilizan payasos, monjas y/o muñecas para generar miedo y repulsión. ¡Fantástica pedagogía valórica para la formación de niños, adolescentes, y más de algún adulto también!
¿Cuál es el propósito, o propuesta humanitaria, al espectador?
Es como una impúdica ilustración audiovisual de los detalles macabros descritos en algunos cuentos de los Hnos. Grimm o de Hans Christian Andersen. O, con edulcorante, en los de Charles Perrault (1628-1703).
Incluso Edgar Allan Poe, en su visión pavorosa, traslucía una razón emotiva, y poética.
A Dolly (¡muñequita!), la protagonista de esta historia, la encarna Max la Empaladora, una robusta deportista de lucha libre. Aparte de tener a cientos de muñecas clavadas en los árboles del bosque, ella misma, en vez de rostro, tiene sobre los hombros una siniestra cabeza de porcelana tuerta, y resquebrajada.
La joven víctima Macy ( Fabianne Therese) - contribuyó para financiar este filme.
En cada secuencia hay un inesperado, y peor, giro de bestialidad. Un equivalente al porno XXX pero en orgía de hemorragias y decapitaciones.
Muy inferior y lejana reminiscencia de los filmes de Darío Argento (Suspiria - 1977, o Rojo Profundo - 1975).
Utilizaron película Kodak Vision3 500T 7219 y 250D 7207 16mm para lograr una estructura de grano específica y una textura orgánica más “visceral”.
Nuevo producto para espectadores masoquistas, tipo “motosierras” de los años 70.
Después de los créditos finales, con deliberado sarcasmo nos amenazan con la continuación.
Sabemos que se anuncia una “precuela” para comprender - ¡ojalá! - el origen de toda la hecatombe de apuñalamientos, amputaciones y sadismo de esta película.
UN BANQUETE PARA LOS QUE SE DELEITAN CON LA SANGRE, LAS MASACRES, LOS ASESINOS DEMENTES Y LA BRUTALIDAD FÍSICA LLEVADA AL PAROXISMO.
Ficha técnica
2025 - Terror, crimen, horror corporal EE.UU. - 1,23 hrs.
Sadismo desbocado con poco antecedente.
Trama pedestre para una premisa que pudo ser atractiva.
Una joven llamada Macy es secuestrada por una criatura monstruosa que busca criarla como si fuera su propia hija. Lo simpático es que para ello fue necesario ensartarle una pala en la cara al novio y dejarlo sin mandíbula inferior (¡!).
Desde hace tiempo las películas de terror utilizan payasos, monjas y/o muñecas para generar miedo y repulsión. ¡Fantástica pedagogía valórica para la formación de niños, adolescentes, y más de algún adulto también!
¿Cuál es el propósito, o propuesta humanitaria, al espectador?
Es como una impúdica ilustración audiovisual de los detalles macabros descritos en algunos cuentos de los Hnos. Grimm o de Hans Christian Andersen. O, con edulcorante, en los de Charles Perrault (1628-1703).
Incluso Edgar Allan Poe, en su visión pavorosa, traslucía una razón emotiva, y poética.
A Dolly (¡muñequita!), la protagonista de esta historia, la encarna Max la Empaladora, una robusta deportista de lucha libre. Aparte de tener a cientos de muñecas clavadas en los árboles del bosque, ella misma, en vez de rostro, tiene sobre los hombros una siniestra cabeza de porcelana tuerta, y resquebrajada.
La joven víctima Macy ( Fabianne Therese) - contribuyó para financiar este filme.
En cada secuencia hay un inesperado, y peor, giro de bestialidad. Un equivalente al porno XXX pero en orgía de hemorragias y decapitaciones.
Muy inferior y lejana reminiscencia de los filmes de Darío Argento (Suspiria - 1977, o Rojo Profundo - 1975).
Utilizaron película Kodak Vision3 500T 7219 y 250D 7207 16mm para lograr una estructura de grano específica y una textura orgánica más “visceral”.
Nuevo producto para espectadores masoquistas, tipo “motosierras” de los años 70.
Después de los créditos finales, con deliberado sarcasmo nos amenazan con la continuación.
Sabemos que se anuncia una “precuela” para comprender - ¡ojalá! - el origen de toda la hecatombe de apuñalamientos, amputaciones y sadismo de esta película.
UN BANQUETE PARA LOS QUE SE DELEITAN CON LA SANGRE, LAS MASACRES, LOS ASESINOS DEMENTES Y LA BRUTALIDAD FÍSICA LLEVADA AL PAROXISMO.
Ficha técnica
2025 - Terror, crimen, horror corporal EE.UU. - 1,23 hrs.
Fotografía: Justin Derry
Edición: Justin Oakey
Música: Nick Bohun
Diseño Prod.: Kyra Boselli
Guion: Rod Blackhurst, Brandon Weavil
Actores: Fabianne Therese, Russ Tiller, Max la empaladora
Director: Rod Blackhurst
Suscribirse a:
Entradas (Atom)










