Zona de Riesgo - Por Carlos Correa Acuña

“Fuze”, el título original de esta cinta que hace referencia a la espoleta de una bomba o proyectil, comienza de forma convencional. En una obra de construcción, en el centro de Londres, los obreros que trabajan en el lugar descubren un material extraño. Se trata de una bomba sin explotar que parece ser de la Segunda Guerra Mundial. Si bien no se desata pánico de inmediato, se pone en marcha un operativo para evacuar la zona y evitar daños a residentes y transeúntes.

Como el dispositivo debe ser desactivado a la brevedad, la responsabilidad recae en el Mayor Will Tranter -Aaron Taylor-Johnson-, un militar experto en este tipo de operaciones, muy metódico y capaz de actuar con frialdad. Tranter y su equipo revisan el lugar y adoptan todas las precauciones para llevar a cabo un procedimiento de rutina, sin embargo, pronto se dan cuenta de que se ha activado el mecanismo de cuenta regresiva.

En paralelo al operativo, Karalis -Theo James- y "X" -Sam Worthington-, con dos amigos más, irrumpen en un banco cercano con la intención de acceder a las cajas de seguridad y desvalijarlas. Aunque el vínculo entre ambas situaciones parece claro, las conexiones son difíciles de identificar.

David Mackenzie filma un guion de Ben Hopkins evitando revelar demasiado. Se concentra en presentar una acción frenética, nerviosa, tensa, incrementada por la inminente explosión de la bomba y por el silencioso progreso de los ladrones del banco.

De este modo, vemos tres escenarios: la amenaza de explosión, el robo en proceso y las personas evacuadas que se reúnen en un gran parque. La cinta transcurre veloz durante su primera hora. Es la historia del gato y el ratón, porque se dan vertiginosas persecuciones mientras esta operación planeada al detalle parece terminar con un robo perfecto que no deja rastro.

La película toma otro rumbo en el último tercio del metraje, y es donde vienen las sorpresas y el guion deja de ser predecible. Una música permanente -tipo “Perpetuum Mobile”- acompaña todas las secuencias. Es monótona y agotadora; la verdad, termina saturando. Siempre lo mismo, intentando generar tensión a través de la incomodidad subterránea de sonidos que se repiten incesantemente.

Si bien en esta sección final el relato varía, la coda de la cinta recién explica los hechos. Es una jugada arriesgada, porque se sienten las diferencias de ritmo. Arranca con intensidad pero pierde impulso con una caída evidente en intensidad, un declive marcado que finalmente deja sensaciones encontradas.

Con actuaciones correctas y una buena fotografía, mis reparos están en el guion y en las decisiones adoptadas para contar la historia. Se sienten algunos baches y los saltos no ayudan mucho a la continuidad de la narración. Por supuesto sospechamos que las cosas no son lo que parecen, y eso funciona bien, el tema es que cuando se revela la verdad, es demasiado tarde. Ya no hay tiempo para desarrollar ni profundizar. Es como si se acabara el tiempo y ya no cabe nada más, dejando en el aire las historias propias de los protagonistas, por ejemplo la de Rahim -Elham Ehsas-, uno de los civiles afectados por el atraco.

“Zona de Riesgo” apunta más alto de lo que consigue. Entretiene, sí, pero promete más de lo que entrega. Suele pasar con películas de este tipo, que a veces no logran espacio de proyección en salas de cine -o duran muy poco tiempo-, y pasan directo al streaming para buscar allí su mejor rendimiento.

Ficha técnica

Título original: Fuze
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Reino Unido
Compañías: ACE, Sigma Films
Género: Thriller. Acción | Robos & Atracos
Guion: Ben Hopkins
Música: Tony Doogan
Fotografía: Giles Nuttgens
Reparto: Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Gugu Mbatha-Raw, Sam Worthington
Dirección: David Mackenzie

Dolly - Por Juan Pablo Donoso

¡Brutal y sanguinaria!

Sadismo desbocado con poco antecedente.

Trama pedestre para una premisa que pudo ser atractiva.

Una joven llamada Macy es secuestrada por una criatura monstruosa que busca criarla como si fuera su propia hija. Lo simpático es que para ello fue necesario ensartarle una pala en la cara al novio y dejarlo sin mandíbula inferior (¡!).

Desde hace tiempo las películas de terror utilizan payasos, monjas y/o muñecas para generar miedo y repulsión. ¡Fantástica pedagogía valórica para la formación de niños, adolescentes, y más de algún adulto también!

¿Cuál es el propósito, o propuesta humanitaria, al espectador?

Es como una impúdica ilustración audiovisual de los detalles macabros descritos en algunos cuentos de los Hnos. Grimm o de Hans Christian Andersen. O, con edulcorante, en los de Charles Perrault (1628-1703).

Incluso Edgar Allan Poe, en su visión pavorosa, traslucía una razón emotiva, y poética.

A Dolly (¡muñequita!), la protagonista de esta historia, la encarna Max la Empaladora, una robusta deportista de lucha libre. Aparte de tener a cientos de muñecas clavadas en los árboles del bosque, ella misma, en vez de rostro, tiene sobre los hombros una siniestra cabeza de porcelana tuerta, y resquebrajada.

La joven víctima Macy ( Fabianne Therese) - contribuyó para financiar este filme.

En cada secuencia hay un inesperado, y peor, giro de bestialidad. Un equivalente al porno XXX pero en orgía de hemorragias y decapitaciones.

Muy inferior y lejana reminiscencia de los filmes de Darío Argento (Suspiria - 1977, o Rojo Profundo - 1975).

Utilizaron película Kodak Vision3 500T 7219 y 250D 7207 16mm para lograr una estructura de grano específica y una textura orgánica más “visceral”.

Nuevo producto para espectadores masoquistas, tipo “motosierras” de los años 70.

Después de los créditos finales, con deliberado sarcasmo nos amenazan con la continuación.

Sabemos que se anuncia una “precuela” para comprender - ¡ojalá! - el origen de toda la hecatombe de apuñalamientos, amputaciones y sadismo de esta película.

UN BANQUETE PARA LOS QUE SE DELEITAN CON LA SANGRE, LAS MASACRES, LOS ASESINOS DEMENTES Y LA BRUTALIDAD FÍSICA LLEVADA AL PAROXISMO.

Ficha técnica

2025 - Terror, crimen, horror corporal EE.UU. - 1,23 hrs. 

Fotografía: Justin Derry 

Edición: Justin Oakey 

Música: Nick Bohun 

Diseño Prod.: Kyra Boselli 

Guion: Rod Blackhurst, Brandon Weavil 

Actores: Fabianne Therese, Russ Tiller, Max la empaladora 

Director: Rod Blackhurst

Dolly - Por Jackie O.

“Juega contigo por siempre”

Dolly es una película slasher independiente basada en el cortometraje del año 2022, “Babygirl” del mismo director, que trata sobre una mujer que pasa a ser la “muñeca-hija” de una persona demente en un bosque.

Muchas películas han nacido de cortometrajes, en especial las del género del terror (Saw, Lights Out, Mama, Within the Woods, etc.). Algunos, al pasar a largometraje, son éxitos y otros fracasos. ¿Qué pasó acá, ya que Babygirl es un cortometraje que se ve bastante prometedor? (lo pueden ver en YouTube y dura casi 4 minutos) La idea es buena, aunque nada original ya que tenemos a un enmascarado asesino, pero puede igual convertirse en algo memorable si se hace bien.

Macy y su novio Chase viajan a una remota zona boscosa de las montañas de Tennessee para hacer senderismo. La idea nace de Chase, quien planea pedirle matrimonio. Al llegar al lugar, para Chase, quien ha ido otras veces al lugar, es nuevo ver muchas muñecas en un sector determinado, algo entre cómico y tenebroso para ambos. Durante un breve tiempo separados, Chase se topa con una mujer corpulenta que lleva una máscara de muñeca de porcelana mientras entierra un cadáver decapitado. La mujer lo ataca con una pala y lo abandona en el lugar en muy mal estado.

Mientras tanto, Macy, buscando a Chase, se cruza con la mujer enmascarada y es perseguida por el bosque hasta ser golpeada, capturada y llevada a una casona en medio del bosque. Al despertar, se ve vestida como una muñeca acostada en una pequeña cuna y esta mujer, que no habla, la comienza a tratar como si fuera un bebé. Pero Macy se percata en un momento determinado de que no está sola con esta mujer en la casa, sino que hay una voz masculina que le habla del otro lado de la habitación y entre ambos planean salir de ahí, sin saber ni prever que podría estar en mayor peligro de lo que creía.

La cinta llama la atención de inmediato al verla por su composición, que es en formato súper 16 mm, donde, por lo general, por su costo es usado en producciones de bajo presupuesto. Pero también se usa para emular el terror de antaño y la historia es contada en cortos capítulos sin perder su continuidad. La idea de ser atrapados por un loco y que te trate como su bebé o una muñeca es buena, pero acá el guion es tan débil y poco cuidado que hace que cada acto que vemos, y que pueda aterrorizarnos, nos hace reír, todo por las decisiones muy erráticas de sus protagonistas, donde cada acto es una torpeza tras otra, solo para generar más sangre sin importar el contenido.

No sabemos, aunque intuimos un poco, sobre el origen de la antagonista, pero habría sido interesante alguna analepsia para saber el por qué de su locura, ya que había tiempo para introducir ese antecedente. Y habría servido para arreglar el flojo guion.

Se destaca el maquillaje y protésicos, ya que cumplen para el género del gore y slasher, debido a que juega mucho con esa repulsividad sangrienta bien lograda.

También destaco a Max the Impaler, una luchadora profesional de gran contextura, que le da vida a la antagonista, demostrando que existen las mujeres forzudas con presencia y no es necesario un varón para ello.

Estamos ante una película para amantes de la sangre, sin esperar nada profundo en su guion. Lamentable, aunque perfectamente se puede hacer una parte dos donde nos cuenten sobre los orígenes (si lo aprovecha bien el director, de lo contrario olvidémosla).

Ficha técnica

Dirigido por Rod Blackhurst
Escrito por Rod Blackhurst y Brandon Weavil
Protagonizada por Fabianne Therese, Ethan Suplee, Seann William Scott, Max el Empalador.
80 minutos. 2025.
Distribuye Independent Film Company y Shudder

Después de la niebla - Por Carlos Correa Acuña

El viento mece las hojas de los árboles mientras se escucha el canto de los pájaros. Es el sur de Chile en esplendor, filmado con delicadeza y atención. Tonos verdes intensos, naturaleza exuberante y una casa. María se mueve con sigilo. Es temprano. Su madre duerme. Debe comer algo. El viaje es largo. Su padre la lleva a Osorno.

Con esa misma fragmentación se construye el relato que va construyendo la directora Miriam Heard en su trabajo de adaptar la novela “Después de la niebla” de María Edwards Urrejola, publicada en 2021.

María -Ema Godoy- estudia en la ciudad. Vive durante la semana en una especie de internado donde recibe techo, comida y educación. La disciplina que imparte su profesora es rigurosa. Se siente su disciplina alemana. En este hogar semanal comparte con su mejor amiga. Conversan, juegan, estudian y se acompañan. Vemos pocos niños. Aunque los hay, ellas son el eje de la historia.

María vuelve a su casa cada fin de semana, pero este es especial. Llegan visitas desde Santiago, amigos de sus padres que vienen a pasar unos días. Se rompe la rutina, pero solo para los adultos, porque para la pequeña protagonista se agudizan sus sensaciones.

Cuesta definir cuál es la historia de esta película. El trasfondo político -la campaña entre el Sí y el No del año 1988, y que además sitúa temporalmente la acción- parece importante en un comienzo pero poco a poco se diluye. Podemos ir más a fondo, entonces. La familia, su relación con el entorno, las dificultades económicas, la búsqueda de sentido. Esa lectura es más cercana pero aún resulta insuficiente. Finalmente nos quedamos con María, de unos 8 años, dividida entre dos mundos: el de sus padres, durante el fin de semana y el de sus estudios en la semana.

Miriam Heard filma cuidadosamente cada detalle y entrega el espacio necesario para que nos preguntemos qué estamos viendo. Quizá la respuesta esté en el deambular de María entre su mundo exterior, el que observamos, y su mundo interior, que intuimos y sentimos. Ema Godoy hace un trabajo muy natural. Desde las primeras tomas se ve sencilla y sin exageraciones. Al soportar prácticamente todo el peso de la cinta, muy pocas veces se le ve incómoda o forzada. Parece que actúa su propia vida, inmersa en un mundo de adultos que no logra comprender.

“Después de la niebla” habla de la soledad, de la necesidad de atención y del lugar que ocupa una niña en un espacio de padres ausentes. No se trata de la ausencia física -en la semana, naturalmente que es así- sino afectiva. No basta que su madre le diga que la quiere, y mucho. Eso es lo racional. Lo que María siente, puede ser incluso todo lo contrario: descuido, despreocupación; algo muy cercano al abandono. Muchas veces su contención es su nana, una mujer que se sobrepone a las dificultades cotidianas y que, gracias a ella, la casa sigue funcionando.

El conflicto que presenta Miriam Heard en este trabajo es diferente a lo que estamos acostumbrados. Es sutil y algo difuso, mucho más interno, y se juega en la interioridad de sus personajes. El desarrollo es lento y la cadencia larga. No parece haber apuro. El metraje se transforma en una rutina continua. Así, lo importante es la descripción, una mirada cercana a la vida íntima, para interpretarla y darle sentido.

Ficha técnica

Título original: Después de la niebla
Duración: 101 minutos
Género: Ficción
Productora ejecutiva: Dominique Rammsy S.
Director de fotografía: David Bravo Nuñez
Directora de sonido: Soledad Andrade
Director de arte: Gerardo Moro
Montaje: Luca Alverdi
Elenco: Ema Godoy, Inés Martín Bernaldo de Quirós, Mario Horton, Valentina Murh Altamira, Viviana Herrera, Heidrun María Breier, Álvaro Espinosa, Rocío Uson y Daniel Guillon
Dirección: Miriam Heard

Johnny - Por Juan Pablo Donoso

Sensible y refinado docudrama polaco basado en la obra de Jan Kaczkowski, sacerdote católico minusválido que creó un hospicio para ancianos moribundos en Puck, Polonia.

Se pre-estrenó con gran éxito en el Festival de Cine Polaco el 12 de septiembre de 2022 antes de su difusión en el país y Europa.

Kaczkowski (1977-2016) fue vicario, además de doctor en ciencias teológicas y renombrado bioeticista. Desde su nacimiento tuvo un grave déficit de visión y paresia del lado izquierdo (disminución o pérdida parcial de la fuerza muscular). En 2012, se le diagnosticó glioblastoma (tumor cerebral primario muy agresivo en adultos) y murió a causa de esta afección el 28 de marzo de 2016.

Desde 2004, se dedicó a la creación del asilo San Padre Pío en Puck. Coordinó la construcción de 2007 a 2009 y fue su director hasta su muerte.

El filme relata la admirable evolución de amistad entre el sacerdote (Johnny) y el joven Patryk Galewski, un exconvicto que recibe la orden judicial de trabajar en un centro de cuidados paliativos.

El ejemplo de amor y dedicación del clérigo hacia los enfermos y al resto del personal a su cargo, se fue impregnando en el corazón de aquel delincuente con el correr de los meses. Su contacto laboral con los pacientes despertó en el joven una visión reveladora del dolor y la soledad. Sus antiguos hábitos y trato con malandrines se tornaban estériles en contraste con cada sonrisa, plato de comida, o sincera gratitud con que esos ancianos reconocían su sola presencia. Más aún cuando los acompañaba a morir. Circunstancia entrañable que le correspondió a él mismo, tiempo después, cuando cerró los ojos de su nuevo padre y tutor Kaczkowski.

En el fluir de la película se aprecia una afiatada complementación – llena de cariño y talento – entre el guionista, el director Jaroszek, el director de fotografía, los actores y actrices principales, y todos los secundarios.

Admirable caracterización de Dawid Ogrodnik, como Johnny, joven actor galardonado con el Premio Águila del Cine Polaco al mejor papel principal masculino.

En especial destacamos el elocuente cromatismo con que los diseñadores, y el fotógrafo Michal Dabal, escogieron los encuadres, dinteles y colores para transmitir la delicadeza de esta obra de misericordia y redención.

Al final del relato se nos permite ver secuencias de los verdaderos personajes: del padre Johnny con su alegre e incansable energía; de Patrick, ahora prestigioso chef de cocina, junto a su mujer e hijitos, y a parientes y testigos de tan milagrosa transformación espiritual.

Visible en Netflix.

UN LOGRADO TESTIMONIO ARTÍSTICO DE CÓMO LA CARIDAD CRISTIANA ES POSIBLE – Y TRIUNFANTE – EN LA REALIDAD DE NUESTROS DÍAS.

Ficha técnica

Título Original: Johnny – (Jasio)

2022 Polonia - 1,59 hrs.
Fotografía: Michał Dąbal 

Edición: Maciej Kozłowski 

Música: Michał Kush Guion: Maciej Kraszewski 

Actores: Dawid Ogrodnik, Piotr Troyano, Maria Pakulnis 

Director: Daniel Jaroszek

The Mandalorian and Grogu - Por Carlos Correa Acuña

¿Demasiadas expectativas? Es posible. Eso es inevitable cada vez que una nueva película del universo Star Wars llega a los cines. ¿Está a la altura? ¿Funciona? Entremos en detalle.

La historia del cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin y su aprendiz Grogu continúa. El Imperio ha caído y la Nueva República busca capturar a varios señores de la guerra que están repartidos por toda la galaxia. Allí Djarin encuentra su espacio, pues la comandante Ward -Sigourney Weaver- le encarga seguir el rastro de Janu Coin -Jonny Coyne-, un importante líder de la antigua armada imperial. La fuente de información proviene de los gemelos Hutt, hermanos y sucesores del difunto Jabba, pero su entrega está condicionada al rescate del hijo y heredero de Jabba, Rotta. De ese modo, el conflicto queda planteado para configurar un desafío que, de sencillo, tiene poco.

Escrita y dirigida por Jon Favreau, la película se remite a lo que ya conocemos de las tres temporadas de la exitosa serie “The Mandalorian” y su spin-off, “El libro de Boba Fett”. La cinta inicia fuerte, con una intervención llena de acción que recuerda las mejores secuencias de la saga original. Son quince minutos de adrenalina, de enfrentamientos y múltiples efectos que se gozan en pantalla grande. Sin embargo, desde ese momento, el metraje tiende más hacia la irregularidad, básicamente por lo fragmentado de su guion y sus consecuencias previsibles.

En términos escénicos, esta película tiene todos los ingredientes que esperamos: espectacularidad, fuerza, risas y emoción. La dificultad, entonces, radica en la necesidad de combinarlos en este relato de un poco más de dos horas, en un formato unitario que no parezca una sucesión de episodios. ¿El resultado? Se siente como un capítulo extendido de la serie o quizá como una temporada resumida. Desde cualquiera de los dos puntos de vista, la estructura termina desbalanceada, ya que el formato elegido parece carecer del tiempo suficiente para obtener un desarrollo consistente.

De lo que no hay duda es que es un espectáculo entretenido, especialmente en la gran pantalla IMAX. Allí se transforma en experiencia, porque los efectos visuales, la banda sonora y el entorno se aprecian en todo su esplendor. Y hay que elogiarlo, porque tal vez la mayor fortaleza sea justamente la ambientación espacial, aquello que a esta altura es marca registrada y ya está instalado en el imaginario colectivo, seamos más o menos fans del universo creado hace casi 50 años por George Lucas.

¿Vale la pena “The Mandalorian and Grogu”? Sí, y con letras grandes, pero no por originalidad ni por su suspenso. Vale la pena verla en el cine porque el escenario es inmersivo. Las secuencias de acción y la ternura de Grogu terminan siendo lo más destacado y opacan los escasos minutos de Pedro Pascal sin el casco de su personaje. No obstante, la química entre el mandaloriano y Grogu es clara y todo apunta a que nuestro pequeño y futuro Yoda tenga cada vez más protagonismo.

¿“This is the way” o “May the Force be with you”? Ya veremos qué nos depara el futuro. Por ahora disfrutemos y esperemos con confianza los nuevos rumbos de un universo memorable.


Ficha técnica

Título original: Star Wars: The Mandalorian and Grogu
Año: 2026
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lucasfilm, Golem Creations, Ian Bryce Productions
Género: Ciencia ficción. Acción | Star Wars
Guion: Jon Favreau, Dave Filoni, Noah Kloor. Saga creada por: George Lucas
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: David Klein
Reparto: Pedro Pascal, Jeremy Allen White, Brendan Wayne, Lateef Crowder, Sigourney Weaver
Dirección: Jon Favreau

El Mandaloriano y Grogu - Por Jackie O.

“Una nueva aventura de western espacial”

El cazarrecompensas Din Djarin y Grogu, trabajan para la Nueva República para dar caza a los señores de la guerra imperiales. Tras una misión exitosa, la comandante de la Nueva República, Ward, le encarga a Djarin encontrar al misterioso señor de la guerra, Coin. La Nueva República ha recibido información sobre su paradero de los gemelos Hutt, hermanos y sucesores del difunto señor del crimen Jabba, pero solo a cambio de rescatar al hijo y heredero de Jabba, Rotta, de un sindicato criminal dirigido por Lord Janu. Y ahí comienza esta nueva aventura.

Padre e hijo van en su nueva misión, salvar a Rotta de su cautiverio y llevarlo con su familia, los gemelos Hutt. Tenemos mucha acción sin parar, de pelea tras pelea, al acercarse a su objetivo, pero sabemos que los gemelos Hutt no son de confiar, por lo que hay que actuar sigilosamente hasta atrapar a Coin. Pero una trampa hará caer a Djarin con Rotta y deben luchar por su vida en la arena, junto a una serie de monstruos, para el deleite de la multitud. Por supuesto, se libran con astucia y trabajo en equipo, para poder seguir con la misión de apresar a Coin.

Pero los gemelos no pretenden dejar vivo a Rotta y lo persiguen apresándolo, por lo que Djarin, por honor, toma esta misión de ir en su búsqueda e intentar salvarlo y su vida corre un riesgo que el pequeño Grogu deberá resolver.

Hay mucha acción desde el primer minuto hasta el último y nos mantiene atentos a la pantalla. Con personajes simpáticos y queridos por todos.

La película mantiene buenos efectos visuales, donde el vestuario es hermoso, los protésicos buenos, el maquillaje y peinados sobresalientes; nada que decir en el aspecto visual. Los efectos de sonido también son muy destacables, como la banda sonora, lo cual se merece nominaciones en futuros festivales en esos aspectos.

Las actuaciones son buenas, pero destaco enormemente a los dobles de acción de Pascal, quienes hacen casi toda la película: Brendan Wayne como principal, y Lateef Crowder. Pedro Pascal, quien pone su voz, por supuesto, ha actuado más promocionando la película que en ella misma.

Entones, ¿en qué falla?: en su guion. Aclaro, no estamos ante una mala película, cumple con entretener al máximo, pero si una exitosa serie pasa a una película es porque algo grande trae. Y acá se sintió como un capítulo más de la serie, donde no existe el elemento sorpresa y sin personajes memorables.

Claro que conocemos y agradecemos ver a los gemelos Hutt y a alguno que otro personaje secundario conocido, pero ningún personaje que sobresalga. Ni siquiera la gran Sigourney Weaver, como Ward, logra ganarse la pantalla. Faltó algún personaje emblemático de la serie, así como un villano digno de vencer. Así es, no hay villano que sea temible y que valga una batalla campal.

Por favor no nos tomen el pelo a los fans de la saga. Para películas apliquen más desarrollo y así no ser tan básicos. Sí, rescato del guion, sus mensajes como la lealtad, el trabajo en equipo, la amistad, y el rechazo a los prejuicios.

Reitero, es una cinta entretenida, con humor, queridos protagonistas, que sirve para pasar un muy buen rato y que tal vez prepara su cuarta temporada de la serie (la cual espero). Sabemos acá quién es el malo y el bueno y cómo terminará. No esperes más, ya que parece que solo se necesitaba sacar a la pantalla grande algo de Star Wars para decirnos que aún está ahí.

Película hecha más para el público en general, casual. Es para entretener y funciona en ese aspecto del Madoverse.

No hay escena post créditos.

Ficha técnica

The Mandalorian and Grogu
Dirección: Jon Favreau
Guion: Jon Favreau y Dave Filoni

2026. 130 minutos.
Pedro Pascal: Din Djarin / el Mandaloriano
Brendan Wayne y Lateef Crowder como los dobles en el set para el Mandaloriano.
Jeremy Allen White como Rotta el Hutt
Martin Scorsese da voz a Hugo, un comerciante ardeniano (vendedor de hamburguesas)
Jonny Coyne: es Lord Janu / Coin

Después de la niebla - Por Jackie O.

“Responsabilidad con amor”

La historia está ambientada en el Chile de 1988, está inspirada en la novela homónima de María Edwards Urrejola y sigue la vida de María, una niña de 8 años que vive de lunes a viernes en un internado en Osorno, y los fines de semana regresa a la casa familiar junto al lago.

María es una niña curiosa, inquieta y amorosa que ama a sus padres, pero estos son jóvenes descuidados, mantenidos por la madre de ella y por los amigos de él. Pareciera que no les interesa trabajar, les gusta drogarse y pasarla bien, cuando pueden, por sus aires de grandeza. Pero ella, la madre, ya está aburrida de tanta tranquilidad y quiere volver a Santiago. Y ambos olvidan a lo más importante que debe tener presente un padre, por muchos problemas personales, psicológicos, sociales o de lo que sea que tengan: los hijos son prioridad. Y estos padres la descuidan. No la maltratan físicamente, y he aquí el grave problema de muchos padres, que creen que por mantener techo y comida es suficiente para no pasar tiempo de calidad con ellos. Y a la pequeña María no le dan tiempo de calidad, solo está el fin de semana con ellos y pareciera que estorbara. Ella trata de llamar la atención de alguna forma, incluso el descuido de ellos la pone en peligro, pero es como un fantasma que deambula, es un hada en el bosque que nadie ve. Solo la naturaleza es cómplice de sus penurias emocionales.

Su profesora y una amiga del colegio son su contención, pero no es de ellas esa labor, pero la sostienen como un bastón para que no caiga y que mantenga esa inocencia hermosa que la caracteriza.

La cinta es muy pausada. Se debe ver con la atención que requiere para poder impregnarnos de la soledad, de cómo la soledad de una niña se conjuga con una hermosa fotografía desoladora. Con los sonidos ambientales que nos alejan de la humanidad para perdernos en la naturaleza. De cómo un lugar tan bello puede ser cómplice del abandono infantil.

¿Qué diferencia hay en la actualidad? Ninguna. La indiferencia paterna hacia los hijos es la misma excusa: “el trabajo, y llegué cansado como para prestarte atención”, y le agregamos ahora la tecnología; se le entrega un celular al hijo para mantenerlo alejado de lo importante: compartir en familia. Por lo que la pequeña María en la actualidad, estaría igual.

¿En qué puede fallar? En la lentitud al contarnos la historia, que no es malo, pero que a muchos puede que les moleste un tanto.

Ficha técnica

Dirección y guion: Miriam Heard
Elenco: Ema Godoy, Inés Martin, Valentina Muhr, Mario Horton, Heidrun Breier, Viviana Herrera
Dirección de fotografía: David Bravo
Sonido: Soledad Andrade
Largometraje de ficción / 98 minutos
Chile

El Mandaloriano. Tercera temporada - Por Jackie O.

"El camino así es"

Seguimos al dúo que se ganó el cariño de todos: Mando y Grogu, el último capítulo de la temporada dos fue épico. Veamos si la vara sigue alta.

Recordando las dos temporada anteriores en este enlace tenemos una gran historia, dos seres que se unen en aventuras y que crearon un lazo indestructible y fue formidable. Nos mostraron nuevos personajes y otros entrañables que, como fan estaba, encantada de ver, hasta el punto de que se nos avisara del spin off de Boba Fet. (La cual se recomienda ver antes que esta temporada del Mandaloriano y acá te cuento)

Pero el primer capítulo de esta tercera temporada comenzó muy tibio, algo decepcionante, como si las ideas se hubieran acabado. Pero calma, ya del segundo capítulo repunta para no decepcionar. Cada vez que lo ven con el pequeño, viene la pregunta: ¿qué hacen juntos? "Es una larga historia" responde Mando (bueno, la respuesta está en el capítulo 5 y 6 de Boba Fett)

 
Pero Mando no solo tiene aventuras, tiene decepciones, y principalmente decepción de él, de sus creencias muy arraigadas y que respeta con la vida. Se ha sacado el casco, algo en contra de su credo, le han visto el rostro y debe redimirse. Debe buscar las ya ruinas de Mandalor, y Bo-Katan lo ayuda, porque ella también debe ayudarse a sí misma; ella está empeñada en conseguir lo que por legado le corresponde. Deben unir a los diferentes clanes mandalorianos, sí hay más, y reclamar su planeta natal. Todo esto, bajo la siniestra sombra de Moff Gideon.

Nuevas historias y la guerra inminente entre Mandalorianos y la escuadra de Giddeon asalta el último capítulo, donde la adrenalina fluye.

Una gran serie sobre honor, amistad, ideales, poder y familia.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

The Mandalorian
8 capítulos. 2023.
Protagonistas: Pedro Pascal, Katee Sackhoff, Giancarlo Esposito .

El libro de Boba Fett - Por Jackie O.

"Cuando encuentras tu propósito"

Boba Fett es un cazarrecompensas de Star Wars, conocido por su armadura mandaloriana y su letalidad, siendo un clon genético inalterado de Jango Fett, quien lo crió como su padre. Se hizo famoso en la trilogía original como un antagonista secundario. Sobrevivió a la muerte que creyeron tuvo, y he aquí su historia.

Cuando terminó la segunda temporada de El Mandaloriano, nos regaló una escena post créditos donde nos indica que hay que ver esta miniserie para luego continuar con la tercera temporada, y aquí te cuento por qué.

En las arenas de Tatooine, el cazarrecompensas Boba Fett y la mercenario Fennec Shand navegan por el inframundo de la Galaxia y luchan por el antiguo territorio de Jabba the Hutt, quedándoselo, siendo nuevos jefes del lugar. Lugar que es camino de piratería y de otros crímenes que Boba Fett quiere impedir, ya que su vida ha dado un giro, y analepsias de su vida nos cuentan cómo fue capturado y salvado, pero por sobretodo corrigió sus actos para hacer el bien a otros sin necesidad de un pago. De cómo Fennec se unió a él y le juró lealtad. Y cómo, junto a otros agradables personajes, nos muestran unión y ayuda al prójimo, sin estar exentos de muchos peligros, donde recibe ayuda de grandes personajes. Uno de ellos es el conocido "Mando", es así que tenemos un capítulo completo dedicado solo a él y otro a Grogu. Con estos capítulos, nos explica el abrupto y "raro" comienzo de El Mandaloriano tercera temporada, que, viendo estos dos capítulos de Boba, ya no es un cambio abrupto ni raro.

La miniserie de Boba Fet está muy bien realizado en puesta en escena, vestuario, maquillaje y protésicos, y por sobre todo, actuaciones. Su protagonista lo hace muy bien, y por lo mismo creo se sintió al debe, faltaron más detalles de su vida. Aunque conocemos de él, siento que aún faltó. Se merecía más para mostrar sus habilidades y saber de su vida en general.

Es más, después de ese final épico, espero verlo en otros trabajos.

Grandes valores nos muestra este trabajo: de cómo un hombre pudo redimirse, de cómo encontró a su nueva familia y un sentido a su vida.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

The Book of Boba Fett
Creado por Jon Favreau
Basado en Star Wars de George Lucas
Protagonistas: Temuera Morrison, Ming-Na Wen
7 capítulos
2021 - 2022.

El diablo viste a la moda 2 - Por Carlos Correa Acuña

Han pasado 20 años desde la primera película y también en la vida real. Ya sabemos que “20 años no es nada”, y tal vez por eso esta segunda parte se sienta tan fresca, tan actual, tan fiel al espíritu de una cinta que marcó toda una época. Dos decenios exactos han transcurrido desde que Andy Sachs -Anne Hathaway- dejó de trabajar para Miranda Priestly -Meryl Streep-, la editora en jefe de la revista de moda Runway. El tiempo pasa y la vida cambia. ¿En qué están ambas y por qué se vuelven a encontrar?

Andy ha consolidado una carrera periodística de excelencia en Nueva York y acaba de recibir un galardón importante. Sin embargo, en el mismo momento de la gala de premiación, se entera que ha sido despedida junto con todo el equipo de redactores. Miranda, por su parte, sigue al mando de Runway pero ya nada es como antes. Los presupuestos no son los mismos, la obligación de migrar al entorno digital y las tendencias actuales llevan a actuar rápido. La publicación de un artículo no verificado detona una bomba mediática provoca una serie de cancelaciones en redes sociales. Crisis para ambas: Andy sin trabajo y Miranda cuestionada.

Sin adelantar más acerca de la trama, esta segunda parte de “The Devil Wears Prada” se sitúa en un ambiente distinto, más moderno, plenamente inserta en el contexto actual y se atreve a explorar varios tópicos, en especial los referidos al periodismo, la moda, el glamour y los grandes poderes económicos. La cinta, además, retrata muy bien la crisis de la industria periodística de los medios de investigación y los contenidos de entretenimiento, centrando la atención en la migración de lo tradicional a las plataformas de internet y los cambios inevitables que eso implica.

El guion de Aline Brosh McKenna es bien dirigido por David Frankel. Por momentos resulta dinámico y vibrante, y en otros intercala espacios justos para la reflexión junto con usar diversos toques de humor para conectar diferentes secuencias. De esa forma, críticas importantes respecto a los necesarios patrocinios o a las complejas negociaciones económicas, no desentonan ni tampoco se roban el protagonismo. En otras palabras, no son lo central pero tampoco adornos, porque, con su particular forma, la película se encarga de poner en tela de juicio y desnudar lo que vivimos actualmente.

Si tuviera que describir en dos palabras esta entrega, estas serían entretenida e inteligente. Inteligente porque es capaz de sintetizar una gran cantidad de elementos, ponerlos sobre la mesa sin caricaturizarlos demasiado y generar reflexión; y entretenida, porque el metraje vuela, es ágil en todo sentido y cumple ampliamente sus expectativas.

Más allá de la entretención, hay elementos de fondo. Es muy interesante la representación del momento presente en la industria de medios. Los cambios profundos, los recortes presupuestarios, la mutación del modelo de negocios, la transición generacional y la diversidad de rumbos genera una incertidumbre mayúscula que posiblemente carece de respuestas. Por otro lado, la tensión entre el llamado periodismo serio y aquel que cubre moda y glamour, parece todavía más evidente, aunque ambos, por igual, se vean reducidos -como resume Nigel (Stanley Tucci), la mano derecha de Miranda- a ser consumidos mientras se orina.

La película se sumerge también en los dilemas de sus protagonistas y en sus decisiones. Esto lo vemos con sus personajes, tanto principales como secundarios, donde las intenciones -y también las dobles- chocan contra la bondad mientras el arribismo se funde con la ambición de poder y los códigos éticos se vulneran fácilmente con tal de conseguir un buen resultado económico.

En actuaciones, este filme es una delicia. Meryl Streep parece insuperable en su rol. ¿Cómo es Miranda hoy? Por cierto, si se mantuviera igual a la de hace 20 años no solo sería cancelada, sería demandada por acoso y seguramente despedida. La adaptación es necesaria e indispensable, pero obviamente sin perder su esencia. Streep lo hace genial, con picardía, guarda silencio, pero se impone por presencia, con una ceja levantada, una mirada o un movimiento sutil de labios. ¡Insuperable! Anne Hathaway es su complemento perfecto, porque ya no es la torpe asistente de la primera versión sino que ahora es una periodista segura de sí misma. Pero ojo, ante Miranda, ante esos ojos y ante esa presencia, las dudas vuelven y debe luchar interiormente por conseguir su mejor versión. Stanley Tucci, por su parte, despliega un rol tan especial como encantador, siempre dispuesto sin querer robar protagonismo. Emily Blunt es quizá quien más se aleja de los parámetros, potenciando lo competitivo de su personaje y sumando una cuota de ambición mayor que la ubica en un rol más antagónico.

Son muchos los detalles y cuidados que la producción logra en este trabajo. La fotografía de Nueva York es hermosa, los escenarios, un lujo, los guiños a un sinfin de temáticas abundan y muchísimos cameos pululan durante el metraje. Pese a ello, no entiendo la decisión de tener un cuarteto de cuerdas notoriamente simulado. ¿Por qué? No cuesta nada tener músicos de verdad, que toquen de verdad. Sí, quizá es un detalle, pero no coincide con el gran esfuerzo que se despliega en otros ámbitos, relegando el tema musical a una división inferior. ¡Una pena!

“The Devil Wears Prada 2” es puro entretenimiento y abre varias lecturas interesantes. La sensación es que seguramente olvidaremos pronto las historias y los detalles, pero el gusto y esa sensación que deja, posiblemente nos acompañará más tiempo del que imaginamos. Si recordamos la primera como si fuera ayer, esta se suma a ese recuerdo, aporta novedades y renueva de buena forma la franquicia. ¿Una tercera? ¿Por qué no?, pero que por favor no pasen 20 años.

Ficha técnica

Título original: The Devil Wears Prada 2
Año: 2026
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 20th Century Studios, Sunswept Entertainment, Wendy Finerman Productions. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Moda. Trabajo/empleo. Secuela
Guion: Aline Brosh McKenna. Novela: Lauren Weisberger
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Florian Ballhaus
Reparto: Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Justin Theroux, Kenneth Branagh, Stanley Tucci
Dirección: David Frankel

En la Zona Gris Por - Juan Pablo Donoso

Muy entretenida superproducción de matinée. Plena de acción, matanzas y sofisticada astucia femenina.

La dirigió Guy Ritchie, inglés experimentado en costosos filmes de acción y aventuras. (Snatch. Cerdos y Diamantes - 2000 / Juegos, trampas y dos pistolas humeantes - 1998).

Filmada en tiempo récord - entre septiembre y octubre de 2023 - contó en su reparto con estrellas como Jake Gyllenhaal, Henry Cavill, Eiza González, y la breve presencia de Rosamund Pike.

Cuando un magnate, déspota despiadado, roba una fortuna de mil millones de dólares, un equipo es enviado a recuperarla. Para cualquier otro grupo sería una misión suicida.

Se llama “zona gris”, porque la protagonista es una joven y astuta abogada - Rachel (Eiza González) - que hace alarde de triunfar tanto en lo legal como en lo ilegal.

Recluta un equipo de sicarios que funcionan al tradicional estilo de Misión Imposible, Los Magníficos (TV 1983/87), y cuya estructura viene del cuento folclórico alemán de Los Músicos de Bremen (Hnos. Grimm - 1785-1863).

Lo inverosímil del argumento se compensa con un millonario montaje, elegancia, malos muy poderosos, secundados por asesinos despiadados. Anhelamos que sean brutalmente abatidos.

Ritmo desenfrenado, muy ágil edición, en especial al comienzo cuando plantean a los personajes y el motivo de la aventura posterior.

En los enfrentamientos recordamos el viejo refrán chileno “a chaucha el muerto” porque nunca terminan de aparecer enemigos armados.

Hay una muy clara alusión al imperio de Pablo Escobar Gaviria como magnate inclemente, que se cree invencible y todopoderoso.

Mínimo de diálogos; los indispensables para sustentar la continuidad de la acción y exterminio de los ejércitos bajo las órdenes de los “malos”.

Bellas tomas desde drones, en especial para el seguimiento de autos, motocicletas y naves.

Y como siempre, de todos los “heroicos jovencitos” el único que se inmola por sus compañeros será el personaje de raza negra (¡!).

Destacamos la actuación de Fisher Stevens, como el abogado Horowitz, quien despliega un amplio abanico de recursos dramáticos, demostrando que hay secundarios tanto o más talentosos que muchas connotadas estrellas.

Excelente complementación de la banda sonora musical para contribuir al suspenso y camuflar lo increíble de las hazañas.

PARA DISFRUTAR DE UNA AVENTURA JUSTICIERA DE COMIENZO A FIN. CELERIDAD TIPO JAMES BOND SIN EROTISMO. SÓLO ASTUCIA, MATANZAS Y CODICIA EMPRESARIAL.

Ficha técnica

Título Original: In the Grey

2026 Acción, intriga, suspenso Reino Unido - EE.UU. - 1,38 hrs. 

Fotografía: Ed Wild 

Edición: Martin Walsh 

Música: Christopher Benstead 

Diseño Prod.: Martyn John 

Actores: Jake Gyllenhaal, Henry Cavill, Eiza González, Rosamund Pike 

Guionista y Director: Guy Ritchie

El Cuco de Cristal - Por Jackie O.

“La fragilidad de la vida”

Basada en el thriller de suspense del año 2023, escrito por el español Javier Castillo.

Esta miniserie trata de Clara, una médico residente que es sometida a un trasplante de corazón tras un infarto fulminante. Buscando conocer a su donante, Clara viaja a un pequeño pueblo de interior, evento que coincide con una desaparición. Su estancia en el pueblo la lleva a una espiral llena de secretos y un misterio dejado sin resolver durante años.

Clara es una joven médico que desarrolla su trabajo con normalidad en el hospital, cuando tiene un infarto y debe someterse a una cirugía de urgencia. Al despertar y pasar los días, quiere saber quién fue su donante. Sus indagatorias la llevan a llamar a la madre de dicho joven, y ante un titubeo propio del recuerdo, esa madre la invita a su pueblo para conocerse. Es así como Clara llega a Yesques, un pueblito entre bosques, donde conoce a Marta, una viuda que quedó con dos hijos: Miguel, un policía como su difunto marido (guardia nacional) y Carlos, quien había fallecido hace muy poco en un accidente. Pero justo en esos días desaparece un bebé en la zona y Clara colabora en su búsqueda, dando curiosamente con dicho bebé y captando algo de su raptor. Eso hace que Clara quiera estar más en dicho lugar y conocer más de Carlos, mientras comienza, en sus conversaciones con residentes, a averiguar que en dicho pueblo ha desaparecido mucha gente en el transcurso de 30 años y las pista dan a nada. Pero Carlos guarda algunas pistas y Clara hace muchas preguntas, despertando al antagonista.

El primer capítulo puede ser confuso, ya que tiene muchos saltos temporales: viajamos 20 años atrás para volver al presente y volvemos a viajar, y así en todo el capítulo. Posterior a ello, en los otros capítulos, ya te acostumbras a esos saltos temporales, incluso al final cuando retrocedemos 30 años, por lo que la edición, en momentos, no está bien lograda.

Los pocos giros de trama no son muy convincentes, lo que hace que no haya suspenso, y eso es esencial en historias de este tipo. Que cuando llegamos a descubrir al, o a los antagonistas, ya no sorprende tanto. El hecho de que un thriller de suspenso no tenga suspenso, no habla bien de la dirección.

Las actuaciones estuvieron correctas en algunos y planas en otros, nada que destacar, donde lamentablemente no conectas con ninguno y vaya que hay traumas en sus personajes. Pero como quieres saber quién es el antagonista, y más el qué y el por qué de su actuar, te quedas viéndola.

La fotografía es bella, nos lleva a parajes desolados y fríos, para impregnarnos de alguna forma con el aislamiento y la desolación. Buen manejo de cámara en planos amplios y primerísimos.

Estamos en un pueblito chico donde los secretos abundan. Los temas que trata, y que no se desarrollan todos como debieran, son los traumas del pasado sin tratar, el machismo, el duelo, la desolación, el deber, la ética y otros.

Es un trabajo cinematográfico para pasar el rato.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Escrito por Jesús Mesas Silva y Javier Andrés Roig
Dirigido por Laura Alvea y Juan Miguel del Castillo
Protagonistas Catalina Sopelana, Álex García, Itziar Ituño, Iván Massagué, Alfons Nieto, Tomás del Estal.
6 episodios. 2025.
España.

En la Zona Gris - Por Carlos Correa Acuña

El ritmo vertiginoso y la acción constante son las características que dominan esta nueva entrega del director británico Guy Ritchie. La historia, escrita por el propio Ritchie, presenta a un equipo de agentes cuya misión es recuperar mil millones de dólares recientemente robados.

Lidera la operación Rachel Wild -Eiza González-, una abogada experta que, según ella misma explica, no tiene problemas en actuar por vías legales o ilegales. Hábil negociando -lo constatamos desde su primer diálogo con Rosamund Pike, en el rol de su mandante-, Rachel sabe que tiene respaldo de sobra para actuar. Esta confianza proviene de contar con un par de hombres entrenados en condiciones extremas: Sid -Henry Cavill- y Bronco -Jake Gyllenhaal-, dos agentes de élite y líderes de un equipo altamente preparado que posee recursos prácticamente ilimitados.

¿Cuál es la misión? Lograr que Manny Salazar -Carlos Bardem-, un reconocido narcotraficante, devuelva lo que ha robado. Parece sencillo, pero no lo es, porque Salazar se refugia en una isla que controla a su antojo, protegido por decenas de personas y por un sistema corrupto que involucra incluso a la policía local. El escenario queda definido; la premisa es clara y desde ese momento comienza la acción.

El estilo de Guy Ritchie brilla en este filme que avanza de manera implacable. Con mucho diálogo para explicar diferentes aspectos de una trama que, por momentos, parece más compleja de lo que realmente es, el trabajo se va construyendo en torno a la planificación de los diferentes escenarios que el equipo debe prever. Como el objetivo apunta a una reunión presencial entre Salazar y Wild, se deben considerar todas las posibles rutas de extracción, es decir, anticipar todo como si se tratara de un intenso duelo de ajedrez, salvo que esta vez es entre dos equipos rivales letales.

La química entre los protagonistas es innegable. Eiza González, con carisma y autoridad, resulta creíble como cerebro operacional. Combinando fuerza y delicadeza, no dudamos de que ella está a cargo de todo, aunque por momentos se vea tan vulnerable como una princesa que debe ser rescatada por un príncipe azul. Por otra parte, tanto Henry Cavill como Jake Gyllenhaal deciden ubicarse un poco más atrás para liderar las operaciones en terreno, creando una dinámica particular difícil de describir, pero que resulta bastante funcional para el relato.

Esta película resulta ágil, entretenida y sin margen para pestañear, porque no solo se trata del riesgo de perderse algún detalle o de no entender el volumen de información que maneja. Hay algo más que atrapa en esta cinta y que es necesario destacar: la edición. El ritmo que imprime Martin Walsh al metraje es impresionante. La continuidad entre tomas, la utilización de drones al servicio de la historia y los enlaces de las secuencias resultan gratamente sorprendentes. Solo un ejemplo: cuando una motocicleta salta al vacío, lleva cierta velocidad de desplazamiento. Cuando la escena pasa al plano contrario, mantener esa misma velocidad no es algo frecuente, pero aquí funciona perfectamente. Está bien, es un detalle, pero en esta producción existe el cuidado técnico y el resultado se nota.

“In the Grey”, funciona perfectamente como un espectáculo que nos lleva al borde del asiento aunque sus giros no sean tan bruscos o podamos anticipar ciertas cosas. No importa. Lo que buscamos es sumergirnos en la historia y disfrutar de un espectáculo que capture los sentidos. Guy Ritchie lo consigue con esta película en solo 100 minutos, sin innovar demasiado pero manteniendo su sello característico con eficacia.

Ficha técnica

Título original: In the Grey
Año: 2026
País: Reino Unido
Compañías: Black Bear, Yellow Camel Studios
Género: Thriller. Acción. Drama | Espionaje. Ejército. Robos & Atracos
Guion: Guy Ritchie, Paul Tamasy, Eric Johnson
Música: Christopher Benstead
Reparto: Henry Cavill, Jake Gyllenhaal, Eiza González, Kristofer Hivju, Fisher Stevens, Rosamund Pike
Edición: Martin Walsh
Dirección: Guy Ritchie

Salida 8 - Por Jackie O.

“Sigue las reglas, avanza o regresa, y no pases ninguna anomalía”

Película japonesa basada en el videojuego de 2023 "The Exit 8", desarrollado por Kotake Create. Video juego desconocido para mí, por lo que no podré hacer aquellas odiosas comparaciones.

La premisa es muy simple: un hombre queda atrasado en la estación del Metro, específicamente en el pasillo. Parece una idea simple en lo conceptual, pero eso la hace compleja en su ejecución para que sea agradable a la vista y entendible en su idea.

Está protagonizada por un hombre sin nombre, que luego de una inquietante llamada de teléfono queda atrapado en dicho pasillo del Metro, en “un bucle” infinito, y debe encontrar anomalías en el lugar para poder escapar, transformando cada minuto en una pesadilla de terror psicológico.

Lo común es que las personas asocien el terror con un monstruo, pero el terror u horror también son sensaciones. Y esta película cumple con lo último, ya que trabaja los detalles que pueden ser aburridos para muchos, porque no encontrarán "ese" monstruo, o el gore que le haga cerrar los ojos, pero cada minuto que pasa se va transformando en una agonía de avanzar a ningún lado por parte de nuestro protagonista, de encontrarse con personas o ruidos, e incluso nosotros buscamos anomalías para ayudarlo a salir de ese bucle (o conocido por otros como loop), y comienza a ser claustrofóbico, más cuando es acompañado de una música que “empeora “ (en el buen sentido) las sensaciones.

La cinta no será del gusto de todo público, ya que hay que verla con detención y paciencia porque en la pausa es la angustia, son situaciones que se transforman en desesperación al querer hacer algo, en cambiar una rutina y/o volver a lo mismo cuando creías que todo estaba bien.

Las actuaciones creíbles, aunque sobreactuadas (mucha gesticulación propia de la zona, pareciera). Con planos secuencias muy bien tratados, fotografía luminosa y con pocos elementos, logra su objetivo de ser ingeniosa, gritándonos que debemos observar nuestro alrededor, de no escapar a los problemas (en este caso la masculinidad contenida o la paternidad – niño/joven/adulto), sino que aprender a enfrentarlos, en tener empatía, sacar el piloto automático y así poder salir de los túneles mentales.

Interesante propuesta, suspenso bien logrado.

Ficha técnica

Exit 8 ( en japonés : 8番出口, Hepburn : Hachiban Deguchi )
Dirigido por Genki Kawamura
Guion de Kentaro Hirase y Genki Kawamura
Cinematografía Keisuke Imamura
Protagonizada por Kazunari Ninomiya, Yamato Kochi, Naru Asanuma, Hanase Kotone, Nana Komatsu.
2025. Japón. 95 minutos