No estoy seguro de cuánto conviene saber sobre esta película antes de verla. En ocasiones, el conocer ciertos detalles nos condiciona y el llegar sin tener una idea preconcebida permite mayor libertad. Aunque también puede ocurrir lo contrario. En este caso, prefiero comenzar por la sinopsis oficial para luego profundizar en el análisis.
Padre, madre e hija salen de vacaciones y sufren un accidente, en la mitad del desierto, con graves consecuencias. La madre queda inconsciente y el padre intenta pedir ayuda para salvar a su hija. Tres meses después, la madre despierta del coma y emprende un largo camino con el fin de encontrar a su familia.
Desde la elección del formato, 4:3 en esta oportunidad, observamos que el director Sergio Castro San Martín no duda en tomar decisiones importantes. Las primeras imágenes resultan difíciles de interpretar; una conversación, una persona al interior de un auto, el paisaje de un árbol, una evidente decisión narrativa pues su objetivo es generar atmósferas sin entregar certezas.
La historia toma forma en el momento en que reconocemos a los integrantes de esa familia: Miguel (55), Isabel (45) y Emilia (9). Ellos preparan el viaje con distintos grados de ilusión. Emilia está feliz porque podrá usar la cámara digital que su padre Miguel le ha regalado. Isabel se resiste, porque no quiere abandonar sus labores, aunque sea por pocos días. Y Miguel impulsa en viaje con brío, porque tal vez sea la última posibilidad de salvar su matrimonio y mantener unida a su familia.
El accidente, información que bajo mi punto de vista no deberíamos conocer en forma previa, marca una ruptura decisiva. En ese momento resuena fuerte el título del filme: “Mil Pedazos”. Se rompe todo, absolutamente todo. ¿O ya estaba todo roto antes de ese momento? ¿Hay algún arreglo posible? La reacción de Miguel ante la tragedia sorprende. Toma una opción, elige un rumbo que trae consigo abandonar algo en una búsqueda de sentido más espiritual que material.
A continuación surge lo otro que ya sabemos de antemano: Isabel despierta tres meses después. Entre fragmentos aislados, no recuerda detalles de lo sucedido pero quiere encontrar a su hija y a su marido. Necesita saber qué pasó, dónde están, y comienza a buscarlos de forma incansable.
En este punto de la película, las preguntas cobran cada vez mayor protagonismo. ¿Cuál es la historia, la de Miguel o la de Isabel? ¿Lo que pasó en la ruta, es realidad o ficción? ¿Quién es Juan?
Sergio Castro San Martín construye este relato inspirado libremente en la historia del llamado “ermitaño de Las Chilcas”, un hombre que vivió por décadas en una cuesta de la Ruta 5 Norte cerca de Llay-Llay. Alimentado por camioneros y escaladores, su caso se transformó en un mito al desconocerse los motivos que tuvo para asumir esa forma de vida. Castro San Martín asume que esa particular decisión responde al abandono del sistema debido a una tragedia y lo traslada al personaje de Miguel.
Daniel Muñoz sostiene con solvencia una gran carga emocional. La primera parte de la película recae sobre él, y también en la joven Emilia Rodríguez, con quien logra una sintonía y un complemento muy natural. Muñoz casi no habla, solo gesticula, observa, dirige miradas perdidas y se mueve a la deriva por un paisaje que parece reflejar su estado interior. Cuando Isabel despierta, es el turno de Paola Giannini, quien compone un personaje doliente, que tampoco tiene un rumbo fijo pero sí posee el objetivo claro de encontrar a los suyos.
La película me dejó sensaciones encontradas. Primero, siento que faltó relato, cohesión narrativa. Está muy bien no ser predecible pero es necesario mantener una lógica interna. En segundo lugar, el director apela a varios recursos narrativos sin aparente relación, ni entre ellos ni con el hilo conductor. Me refiero al fluir del agua, a algunas tomas abiertas, a la acción de orinar en medio de las rocas, etc., elementos básicos que no logran construir un significado conjunto. El tercer punto, y tal vez donde tengo mis mayores reparos, radica en los numerosos elementos que quedan abiertos. Un ejemplo de esto es el tema de los recursos económicos de los que dispone la familia. La película nunca establece claramente ese punto, sin embargo, cuando Isabel emprende la búsqueda lo hace en un auto relativamente nuevo -y costoso-, cuya patente TVHZ68 entrega un dato de temporalidad que no puede obviarse. Otros detalles, como el hecho de que a la perrita no la veamos desde un comienzo, dan cuenta de un relato entrecortado y al mismo tiempo carente de puntos que entreguen dirección y unidad.
“Mil Pedazos”, ¿es un viaje, una experiencia, una reflexión o una historia personal? ¿Qué es, finalmente? Por supuesto el título es clave, porque alude a una metáfora que podemos asociar a la rotura de la vida en miles de pedazos, un quiebre total, sin salida, del que resulta imposible recomponerse. ¿Se podrán unir esos fragmentos de vida? O bien, en otras palabras, ¿qué es lo que podría lograr pegar cada una de las piezas?
Podríamos seguir profundizando y reflexionando, lo que es un mérito indudable de este trabajo que finalmente deja flotando una pregunta: ¿qué vamos a hacer? Porque ante un duelo, las vivencias son diferentes, la forma de enfrentar la vida de uno u otro puede ser totalmente opuesta y el resultado del proceso dependerá de las opciones que cada quien elija. Y tal como en la vida real, esta cinta ofrece varios finales posibles, con intuiciones, ensoñaciones e incertezas que quedan a la deriva esperando que nosotros les demos sentido según nuestro propio recorrido e historia personal.
Ficha técnica
Título original: Mil pedazos
Año: 2026
Duración: 90 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-España-Argentina; Latente Films, Amore Cine, Maluta Films, Panes Contenidos, Bikini Films, Inaudita
Género: Drama | Familia
Guion: Sergio Castro San Martín, Mara Pescio
Música: Mowat
Fotografía: Eduardo Bunster
Reparto: Daniel Muñoz, Emilia Rodríguez, Francisco Pérez-Bannen, Paola Giannini, Ximena Martín y Andrea Romero
Dirección: Sergio Castro San Martín
jueves, 4 de junio de 2026
martes, 2 de junio de 2026
Ella y su Hijo - Por Juan Pablo Donoso
¡Un talentoso melodrama familiar persa!
Centrado fundamentalmente en las vivencias emocionales femeninas iraníes, donde los hombres - por tradición - lucen egoístas, crueles e insensibles.
Estupendas actuaciones de todos, en especial de Parinaz Izadyar, como la madre.
Prolijas, sobrias y logradas fotografía, música y edición.
Mahnaz (Izadyar), una enfermera viuda de 40 años, tiene que lidiar con su rebelde hijo, Aliyar (Mohebi), quien - ¡con razón! - ha sido expulsado de la escuela. Las tensiones familiares alcanzan su punto álgido durante la ceremonia de compromiso de la madre con su nuevo novio, Hamid (Maadi). Y ocurre un trágico accidente. Tras el percance, Mahnaz se verá obligada a afrontar la traición amorosa y la inconsolable pérdida del hijo.
A partir de ahí la veremos embarcarse en una tormentosa búsqueda de justicia.
Su director Saeed Roustaee, es uno de los más relevantes del cine contemporáneo iraní. Muy realista y capaz de crear relatos con fuerte carga emotiva y social. En 2022 ganó el Premio FIPRESCI en Cannes por Leila´s Brothers. Sus obras suelen centrarse en conflictos familiares. Por ello han sido sistemáticamente acusadas de insubordinación al régimen político-cultural imperante en su país.
Ante la creciente emancipación femenina del patriarcado que la oprime, Roustaee declaró: “Esta película trata sobre una mujer que no depende de ningún hombre. Su identidad no proviene de ser esposa, hija o madre”.
Para algunos espectadores la longitud y detallismo de sus escenas podrían estar al borde del sentimentalismo. Pero en su defensa diríamos que está filmada y editada con elegante sobriedad. Y las actuaciones se ven honestamente comprometidas con cada circunstancia.
Su final bien vale una lágrima de consuelo.
Fue nominada a la Palma de Oro y nuevamente ganadora del premio FIPRESCI en Cannes 2025
EMPÁTICA Y EMOTIVA. ACTORES SINCEROS EN UNA MUY ELABORADA REALIZACIÓN.
Ficha técnica
Titulo Original: زن و بچه - Zan va bache -
Centrado fundamentalmente en las vivencias emocionales femeninas iraníes, donde los hombres - por tradición - lucen egoístas, crueles e insensibles.
Estupendas actuaciones de todos, en especial de Parinaz Izadyar, como la madre.
Prolijas, sobrias y logradas fotografía, música y edición.
Mahnaz (Izadyar), una enfermera viuda de 40 años, tiene que lidiar con su rebelde hijo, Aliyar (Mohebi), quien - ¡con razón! - ha sido expulsado de la escuela. Las tensiones familiares alcanzan su punto álgido durante la ceremonia de compromiso de la madre con su nuevo novio, Hamid (Maadi). Y ocurre un trágico accidente. Tras el percance, Mahnaz se verá obligada a afrontar la traición amorosa y la inconsolable pérdida del hijo.
A partir de ahí la veremos embarcarse en una tormentosa búsqueda de justicia.
Su director Saeed Roustaee, es uno de los más relevantes del cine contemporáneo iraní. Muy realista y capaz de crear relatos con fuerte carga emotiva y social. En 2022 ganó el Premio FIPRESCI en Cannes por Leila´s Brothers. Sus obras suelen centrarse en conflictos familiares. Por ello han sido sistemáticamente acusadas de insubordinación al régimen político-cultural imperante en su país.
Ante la creciente emancipación femenina del patriarcado que la oprime, Roustaee declaró: “Esta película trata sobre una mujer que no depende de ningún hombre. Su identidad no proviene de ser esposa, hija o madre”.
Para algunos espectadores la longitud y detallismo de sus escenas podrían estar al borde del sentimentalismo. Pero en su defensa diríamos que está filmada y editada con elegante sobriedad. Y las actuaciones se ven honestamente comprometidas con cada circunstancia.
Su final bien vale una lágrima de consuelo.
Fue nominada a la Palma de Oro y nuevamente ganadora del premio FIPRESCI en Cannes 2025
EMPÁTICA Y EMOTIVA. ACTORES SINCEROS EN UNA MUY ELABORADA REALIZACIÓN.
Ficha técnica
Titulo Original: زن و بچه - Zan va bache -
2025 Drama social, maternidad, familia
Irán, Francia, Alemania - 2,11 hrs.
Fotografía: Adib Sobhani
Edición: Bahram Dehghani
Música: Ramin Kousha
Diseño Prod.: Mohammad Reza Delnavaz
Guion: Azad Jafarian y Saeed Roustaee (Historia)
Actores: Parinaz Izadyar, Sinan Mohebi, Payman Maadi
Director: Saeed Roustaee
lunes, 1 de junio de 2026
Backrooms - Por Juan Pablo Donoso
Nueva y misteriosa aventura psicológica inspirada en un exitoso vídeo-juego.
Se remonta a la idea de “salirse de la realidad” por accidente, y acceder a un lugar extraño que nunca debió existir.
Ambientada en 1990, seguimos a Clark (Chiwetel Ejiofor), acongojado por un reciente divorcio, y dueño de una tienda de muebles, que descubre en el sótano un portal hacia un laberinto de espacios interminables, similares a oficinas vacías.
Intrigado y perturbado, convence a su empleada Kat (Lukita Maxwell) y al novio de ella, Bobby (Finn Bennett), de ayudarlo a mapear esa extensión de salas y corredores surrealistas, con ruidos que sugieren algo peligroso acechando.
Clark le comunica esta experiencia a su terapeuta, Dra. Mary Kline (Renate Reinsve), quien la atribuye a la crisis sentimental de su paciente. Pero él insiste en el fenómeno. Invita a la pareja de empleados a internarse junto con él por los diversos salones del mágico lugar. En ellos hay muebles arrumbados y montones de ropa vieja abandonada.
Mientras más se internan, más se aventuran por túneles descendentes exponiéndose a peligrosas cavidades.
Llegará el momento en que la Dra., curiosa por la ausencia del paciente, ingresa a la tienda, recuerda el relato, y se interna en el siniestro laberinto para rescatarlo, hallar una respuesta y, también una salida de allí.
El tratamiento cinematográfico revela influencia de Kubric - en especial de sus filmes -2001, Odisea del Espacio - El Resplandor - Ojos Bien Cerrados - por el uso de amplios espacios vacíos, muy iluminados, con elementos inertes, pero llenos de misterio latente - y por los ángulos de cámara en especial durante los diálogos.
Si bien el vídeo-juego propone muchas opciones, la película, al ser unitaria y permitirnos acompañar a los personajes nos plantea una inquietante tesis psicológica: el peligro de abrir puertas que están ocultas en el subconsciente. Podríamos hallar fantasmas ignorados - a veces versiones siniestras de nosotros mismos - y que, incluso, pueden arrastrar consigo al terapeuta psiquiátrico, quien tampoco está libre de sus propios espectros.
La serie viral de YouTube creada por Kane Parsons, se basa en una de las “creepypastas” más famosas de internet.
Creepypastas: relato colaborativo que imagina la existencia de espacios ocultos fuera de la realidad. Carecen de autor único y versión definitiva. Evolucionan con el tiempo a medida que distintos usuarios agregan nuevas historias, imágenes y teorías.
A24 contrató a Kane Parsons para dirigir la adaptación cinematográfica. Hoy, con solo 20 años, se convierte en el director más joven en la historia del Estudio.
BELLA E INQUIETANTE ADAPTACIÓN DE UN VÍDEO-JUEGO. DESAFÍO PSICOLÓGICO BIEN DIRIGIDO Y ENCARNADO POR LAUREADOS ACTORES. PROVOCATIVA Y ENIGMÁTICA.
Ficha técnica
Título Original: Backrooms: sin Salida
Se remonta a la idea de “salirse de la realidad” por accidente, y acceder a un lugar extraño que nunca debió existir.
Ambientada en 1990, seguimos a Clark (Chiwetel Ejiofor), acongojado por un reciente divorcio, y dueño de una tienda de muebles, que descubre en el sótano un portal hacia un laberinto de espacios interminables, similares a oficinas vacías.
Intrigado y perturbado, convence a su empleada Kat (Lukita Maxwell) y al novio de ella, Bobby (Finn Bennett), de ayudarlo a mapear esa extensión de salas y corredores surrealistas, con ruidos que sugieren algo peligroso acechando.
Clark le comunica esta experiencia a su terapeuta, Dra. Mary Kline (Renate Reinsve), quien la atribuye a la crisis sentimental de su paciente. Pero él insiste en el fenómeno. Invita a la pareja de empleados a internarse junto con él por los diversos salones del mágico lugar. En ellos hay muebles arrumbados y montones de ropa vieja abandonada.
Mientras más se internan, más se aventuran por túneles descendentes exponiéndose a peligrosas cavidades.
Llegará el momento en que la Dra., curiosa por la ausencia del paciente, ingresa a la tienda, recuerda el relato, y se interna en el siniestro laberinto para rescatarlo, hallar una respuesta y, también una salida de allí.
El tratamiento cinematográfico revela influencia de Kubric - en especial de sus filmes -2001, Odisea del Espacio - El Resplandor - Ojos Bien Cerrados - por el uso de amplios espacios vacíos, muy iluminados, con elementos inertes, pero llenos de misterio latente - y por los ángulos de cámara en especial durante los diálogos.
Si bien el vídeo-juego propone muchas opciones, la película, al ser unitaria y permitirnos acompañar a los personajes nos plantea una inquietante tesis psicológica: el peligro de abrir puertas que están ocultas en el subconsciente. Podríamos hallar fantasmas ignorados - a veces versiones siniestras de nosotros mismos - y que, incluso, pueden arrastrar consigo al terapeuta psiquiátrico, quien tampoco está libre de sus propios espectros.
La serie viral de YouTube creada por Kane Parsons, se basa en una de las “creepypastas” más famosas de internet.
Creepypastas: relato colaborativo que imagina la existencia de espacios ocultos fuera de la realidad. Carecen de autor único y versión definitiva. Evolucionan con el tiempo a medida que distintos usuarios agregan nuevas historias, imágenes y teorías.
A24 contrató a Kane Parsons para dirigir la adaptación cinematográfica. Hoy, con solo 20 años, se convierte en el director más joven en la historia del Estudio.
BELLA E INQUIETANTE ADAPTACIÓN DE UN VÍDEO-JUEGO. DESAFÍO PSICOLÓGICO BIEN DIRIGIDO Y ENCARNADO POR LAUREADOS ACTORES. PROVOCATIVA Y ENIGMÁTICA.
Ficha técnica
Título Original: Backrooms: sin Salida
2026 Terror corporal y psicológico - ciencia ficción EE. UU. - 1,47 hrs.
Fotografía: Jeremy Cox
Edición: Greg Ng
Música: Kane Parsons, Edo Van Breemen
Diseño Prod.: Danny Vermette
Guion : Will Soodik, Kane Parsons
Actores: Renate Reinsve, Chiwetel Ejiofor, Mark Duplass
Director: Kane Parsons
La Reina Charlotte: Una historia de Bridgerton - Por Jackie O.
"Estaré contigo entre el cielo y la tierra"
Esta miniserie es una precuela y spin-off de la serie Bridgerton. La historia se basa libremente en una versión alternativa de la historia sobre el ascenso de Carlota de Mecklemburgo-Strelitz, a la prominencia y el poder a finales del siglo XVIII.
Basada en una historia real pero muy ficcionada para la pantalla, lo anterior se advierte para los "profesores de historia", vemos una fantasía, una melodrama romántico sobre la juventud de personajes conocidos de la serie Bridgerton, de quiénes fueron, qué hicieron, qué ocultaron, qué anhelaron...
Pero algo sale mal. En la noche de bodas comienzan los problemas, problemas que deben ocultar, porque Jorge tiene un secreto que teme revelar.
Así transcurre la serie, mostrándonos las costumbres reales que no deben distar tanto con la actualidad. De cómo van a apareciendo otros personajes que ya conocíamos, pero ahora sabemos cómo fue su vida de joven y por qué son como son en su vida de adultos.
A pesar de los problemas y secretos que de a poco van desenmarañándose, el amor de estos jóvenes gobernantes es puro y real. Un amor que, a veces, se transforma en algo inalcanzable, como una estrella fugaz, pero único y duradero como la luna.
Este trabajo mantiene una cuidadosa puesta en escena. Su música mezcla temas clásicos con piezas de música moderna, adaptadas a cuarteto de cuerda, y se escucha maravillosa. El vestuario es bello, con toques modernos. Las actuaciones son buenas, en especial los protagonistas que mantienen gran química.
El guión es meloso y, a veces, cursi, ideal para románticos y a quienes les gusten los dramas de época. Y sí, necesité más melodrama y cursilería.
Todo por el amor y el deber, con personajes que tienen y quieren ocultar mucha vulnerabilidad.
Disponible en Netflix.
Creado por Shonda Rhimes
Dirigido por Tom Verica
Protagonizada por: India Amarteifio, Arsema Thomas, Michelle Fairley, Ruth Gemmell, Corey Mylchreest, Golda Rosheuvel, Adjoa Andoh, Sam Clemmett
6 episodios. 2023.
Esta miniserie es una precuela y spin-off de la serie Bridgerton. La historia se basa libremente en una versión alternativa de la historia sobre el ascenso de Carlota de Mecklemburgo-Strelitz, a la prominencia y el poder a finales del siglo XVIII.
Basada en una historia real pero muy ficcionada para la pantalla, lo anterior se advierte para los "profesores de historia", vemos una fantasía, una melodrama romántico sobre la juventud de personajes conocidos de la serie Bridgerton, de quiénes fueron, qué hicieron, qué ocultaron, qué anhelaron...
Como toda realeza, y por el bien del país, los matrimonios son arreglados y eso le pasó a Charlotte, quien debió casarse con el rey Jorge sin conocerse, sin tener el mínimo de conocimiento el uno del otro. Pero justo en la boda, y al intentar escaparse de ella, Charlotte accidentalmente conoce a Jorge, y como si fuera un cuento de hadas (y lo es) se enamoran a primera vista. Dos bellos jóvenes de buenas familias y buenas intenciones, se unen para ser felices y darle herederos al pueblo.
Pero algo sale mal. En la noche de bodas comienzan los problemas, problemas que deben ocultar, porque Jorge tiene un secreto que teme revelar.
Así transcurre la serie, mostrándonos las costumbres reales que no deben distar tanto con la actualidad. De cómo van a apareciendo otros personajes que ya conocíamos, pero ahora sabemos cómo fue su vida de joven y por qué son como son en su vida de adultos.
A pesar de los problemas y secretos que de a poco van desenmarañándose, el amor de estos jóvenes gobernantes es puro y real. Un amor que, a veces, se transforma en algo inalcanzable, como una estrella fugaz, pero único y duradero como la luna.
Este trabajo mantiene una cuidadosa puesta en escena. Su música mezcla temas clásicos con piezas de música moderna, adaptadas a cuarteto de cuerda, y se escucha maravillosa. El vestuario es bello, con toques modernos. Las actuaciones son buenas, en especial los protagonistas que mantienen gran química.
El guión es meloso y, a veces, cursi, ideal para románticos y a quienes les gusten los dramas de época. Y sí, necesité más melodrama y cursilería.
Todo por el amor y el deber, con personajes que tienen y quieren ocultar mucha vulnerabilidad.
Disponible en Netflix.
Ficha técnica
Creado por Shonda Rhimes
Dirigido por Tom Verica
Protagonizada por: India Amarteifio, Arsema Thomas, Michelle Fairley, Ruth Gemmell, Corey Mylchreest, Golda Rosheuvel, Adjoa Andoh, Sam Clemmett
6 episodios. 2023.
jueves, 28 de mayo de 2026
Amarga Navidad - Por Jackie O.
“Historias sobre la historia del historiador”
El sello de Almodóvar está en todas sus películas, tiene ese no se qué que te hace verlas sin que pasen desapercibidas. Algunas mejor que otras, pero ahí están, es Almodóvar y no se pueden no ver. En esta oportunidad nos narra dos historias paralelas separadas por veinte años.
Sabemos desde el comienzo quién escribe la historia de quien, pero a medida que avanzamos, ambas se mezclan pudiendo confundir la verdad con la ficción.
Si no la vez desde el comienzo te puedes enredar y, creo, tarde entenderás la dinámica, porque la edición es buena.
En el año 2004, Elsa, una directora de cine reconvertida en publicista, sufre ataques de pánico al acercarse el primer aniversario de la muerte de su madre. Tiene una pareja a la cual comienza de a poco a descuidar por estar más con su amiga que ha perdido un hijo pequeño. A su vez, en el año 2026, Raúl es un cineasta veterano que está en sequía creativa y comienza a escribir un guion al que ha titulado “Amarga Navidad”, y que es la historia de Elsa. Pero su vida no está exenta de complicaciones, ya que también recuerda a su madre fallecida, descuida un tanto a su pareja y su mejor amiga se va de su lado para acompañar a su pareja que está de duelo.
Estamos ante una película sobre la vida de personas que debieran disfrutar su vida, pero están llenas de complicaciones. Todo está llevado con toques de humor negro, de vez en cuando (en especial usando a sus actrices favoritas en cameos), ya que lo dramático debe estar presente.
Ya nos percatamos que Elsa es el alter ego de Raúl, y Raúl el de Almodóvar. Cada uno siendo el espejo del otro, haciendo que el guion sea muy inteligente en este juego cruzado. Cine dentro el cine.
La fotografía es impecable, con sus luces y sombras. Las actuaciones buenas. donde los silencios marcan un buen ritmo.
La película nos plantea el debate ético sobre el derecho de los autores a nutrirse del dolor ajeno en sus trabajos. ¿Hasta dónde un artista debe tomar la historia ajena sin importar su dolor y darla a conocer al mundo? El dolor como materia prima.
También no deja de lado temas tales como las enfermedades, la familia, los duelos no superados, las culpas, la amistad y los egos. Todo está desarrollado en lugares bien decorados, donde no se ve ninguna carencia económica y donde la mujer pareciera ser el eje principal. Pero lamentablemente deja a medias todos los conflictos planteados, solo nos da un lindo envoltorio de regalo.
Ficha técnica
Dirección: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Pau Esteve Birba
Montaje: Teresa Font
Protagonistas: Bárbara Lennie, Vicky Luengo, Quim Gutiérrez, Leonardo Sbaraglia, Patrick Criado, Aitana Sánchez-Gijón, Milena Smit
España. 2026. 110 minutos
El sello de Almodóvar está en todas sus películas, tiene ese no se qué que te hace verlas sin que pasen desapercibidas. Algunas mejor que otras, pero ahí están, es Almodóvar y no se pueden no ver. En esta oportunidad nos narra dos historias paralelas separadas por veinte años.
Sabemos desde el comienzo quién escribe la historia de quien, pero a medida que avanzamos, ambas se mezclan pudiendo confundir la verdad con la ficción.
Si no la vez desde el comienzo te puedes enredar y, creo, tarde entenderás la dinámica, porque la edición es buena.
En el año 2004, Elsa, una directora de cine reconvertida en publicista, sufre ataques de pánico al acercarse el primer aniversario de la muerte de su madre. Tiene una pareja a la cual comienza de a poco a descuidar por estar más con su amiga que ha perdido un hijo pequeño. A su vez, en el año 2026, Raúl es un cineasta veterano que está en sequía creativa y comienza a escribir un guion al que ha titulado “Amarga Navidad”, y que es la historia de Elsa. Pero su vida no está exenta de complicaciones, ya que también recuerda a su madre fallecida, descuida un tanto a su pareja y su mejor amiga se va de su lado para acompañar a su pareja que está de duelo.
Estamos ante una película sobre la vida de personas que debieran disfrutar su vida, pero están llenas de complicaciones. Todo está llevado con toques de humor negro, de vez en cuando (en especial usando a sus actrices favoritas en cameos), ya que lo dramático debe estar presente.
Ya nos percatamos que Elsa es el alter ego de Raúl, y Raúl el de Almodóvar. Cada uno siendo el espejo del otro, haciendo que el guion sea muy inteligente en este juego cruzado. Cine dentro el cine.
La fotografía es impecable, con sus luces y sombras. Las actuaciones buenas. donde los silencios marcan un buen ritmo.
La película nos plantea el debate ético sobre el derecho de los autores a nutrirse del dolor ajeno en sus trabajos. ¿Hasta dónde un artista debe tomar la historia ajena sin importar su dolor y darla a conocer al mundo? El dolor como materia prima.
También no deja de lado temas tales como las enfermedades, la familia, los duelos no superados, las culpas, la amistad y los egos. Todo está desarrollado en lugares bien decorados, donde no se ve ninguna carencia económica y donde la mujer pareciera ser el eje principal. Pero lamentablemente deja a medias todos los conflictos planteados, solo nos da un lindo envoltorio de regalo.
Ficha técnica
Dirección: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Pau Esteve Birba
Montaje: Teresa Font
Protagonistas: Bárbara Lennie, Vicky Luengo, Quim Gutiérrez, Leonardo Sbaraglia, Patrick Criado, Aitana Sánchez-Gijón, Milena Smit
España. 2026. 110 minutos
Zona de Riesgo - Por Carlos Correa Acuña
“Fuze”, el título original de esta cinta que hace referencia a la espoleta de una bomba o proyectil, comienza de forma convencional. En una obra de construcción, en el centro de Londres, los obreros que trabajan en el lugar descubren un material extraño. Se trata de una bomba sin explotar que parece ser de la Segunda Guerra Mundial. Si bien no se desata pánico de inmediato, se pone en marcha un operativo para evacuar la zona y evitar daños a residentes y transeúntes.
Como el dispositivo debe ser desactivado a la brevedad, la responsabilidad recae en el Mayor Will Tranter -Aaron Taylor-Johnson-, un militar experto en este tipo de operaciones, muy metódico y capaz de actuar con frialdad. Tranter y su equipo revisan el lugar y adoptan todas las precauciones para llevar a cabo un procedimiento de rutina, sin embargo, pronto se dan cuenta de que se ha activado el mecanismo de cuenta regresiva.
En paralelo al operativo, Karalis -Theo James- y "X" -Sam Worthington-, con dos amigos más, irrumpen en un banco cercano con la intención de acceder a las cajas de seguridad y desvalijarlas. Aunque el vínculo entre ambas situaciones parece claro, las conexiones son difíciles de identificar.
David Mackenzie filma un guion de Ben Hopkins evitando revelar demasiado. Se concentra en presentar una acción frenética, nerviosa, tensa, incrementada por la inminente explosión de la bomba y por el silencioso progreso de los ladrones del banco.
De este modo, vemos tres escenarios: la amenaza de explosión, el robo en proceso y las personas evacuadas que se reúnen en un gran parque. La cinta transcurre veloz durante su primera hora. Es la historia del gato y el ratón, porque se dan vertiginosas persecuciones mientras esta operación planeada al detalle parece terminar con un robo perfecto que no deja rastro.
La película toma otro rumbo en el último tercio del metraje, y es donde vienen las sorpresas y el guion deja de ser predecible. Una música permanente -tipo “Perpetuum Mobile”- acompaña todas las secuencias. Es monótona y agotadora; la verdad, termina saturando. Siempre lo mismo, intentando generar tensión a través de la incomodidad subterránea de sonidos que se repiten incesantemente.
Si bien en esta sección final el relato varía, la coda de la cinta recién explica los hechos. Es una jugada arriesgada, porque se sienten las diferencias de ritmo. Arranca con intensidad pero pierde impulso con una caída evidente en intensidad, un declive marcado que finalmente deja sensaciones encontradas.
Con actuaciones correctas y una buena fotografía, mis reparos están en el guion y en las decisiones adoptadas para contar la historia. Se sienten algunos baches y los saltos no ayudan mucho a la continuidad de la narración. Por supuesto sospechamos que las cosas no son lo que parecen, y eso funciona bien, el tema es que cuando se revela la verdad, es demasiado tarde. Ya no hay tiempo para desarrollar ni profundizar. Es como si se acabara el tiempo y ya no cabe nada más, dejando en el aire las historias propias de los protagonistas, por ejemplo la de Rahim -Elham Ehsas-, uno de los civiles afectados por el atraco.
“Zona de Riesgo” apunta más alto de lo que consigue. Entretiene, sí, pero promete más de lo que entrega. Suele pasar con películas de este tipo, que a veces no logran espacio de proyección en salas de cine -o duran muy poco tiempo-, y pasan directo al streaming para buscar allí su mejor rendimiento.
Ficha técnica
Título original: Fuze
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Reino Unido
Compañías: ACE, Sigma Films
Género: Thriller. Acción | Robos & Atracos
Guion: Ben Hopkins
Música: Tony Doogan
Fotografía: Giles Nuttgens
Reparto: Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Gugu Mbatha-Raw, Sam Worthington
Dirección: David Mackenzie
Como el dispositivo debe ser desactivado a la brevedad, la responsabilidad recae en el Mayor Will Tranter -Aaron Taylor-Johnson-, un militar experto en este tipo de operaciones, muy metódico y capaz de actuar con frialdad. Tranter y su equipo revisan el lugar y adoptan todas las precauciones para llevar a cabo un procedimiento de rutina, sin embargo, pronto se dan cuenta de que se ha activado el mecanismo de cuenta regresiva.
En paralelo al operativo, Karalis -Theo James- y "X" -Sam Worthington-, con dos amigos más, irrumpen en un banco cercano con la intención de acceder a las cajas de seguridad y desvalijarlas. Aunque el vínculo entre ambas situaciones parece claro, las conexiones son difíciles de identificar.
David Mackenzie filma un guion de Ben Hopkins evitando revelar demasiado. Se concentra en presentar una acción frenética, nerviosa, tensa, incrementada por la inminente explosión de la bomba y por el silencioso progreso de los ladrones del banco.
De este modo, vemos tres escenarios: la amenaza de explosión, el robo en proceso y las personas evacuadas que se reúnen en un gran parque. La cinta transcurre veloz durante su primera hora. Es la historia del gato y el ratón, porque se dan vertiginosas persecuciones mientras esta operación planeada al detalle parece terminar con un robo perfecto que no deja rastro.
La película toma otro rumbo en el último tercio del metraje, y es donde vienen las sorpresas y el guion deja de ser predecible. Una música permanente -tipo “Perpetuum Mobile”- acompaña todas las secuencias. Es monótona y agotadora; la verdad, termina saturando. Siempre lo mismo, intentando generar tensión a través de la incomodidad subterránea de sonidos que se repiten incesantemente.
Si bien en esta sección final el relato varía, la coda de la cinta recién explica los hechos. Es una jugada arriesgada, porque se sienten las diferencias de ritmo. Arranca con intensidad pero pierde impulso con una caída evidente en intensidad, un declive marcado que finalmente deja sensaciones encontradas.
Con actuaciones correctas y una buena fotografía, mis reparos están en el guion y en las decisiones adoptadas para contar la historia. Se sienten algunos baches y los saltos no ayudan mucho a la continuidad de la narración. Por supuesto sospechamos que las cosas no son lo que parecen, y eso funciona bien, el tema es que cuando se revela la verdad, es demasiado tarde. Ya no hay tiempo para desarrollar ni profundizar. Es como si se acabara el tiempo y ya no cabe nada más, dejando en el aire las historias propias de los protagonistas, por ejemplo la de Rahim -Elham Ehsas-, uno de los civiles afectados por el atraco.
“Zona de Riesgo” apunta más alto de lo que consigue. Entretiene, sí, pero promete más de lo que entrega. Suele pasar con películas de este tipo, que a veces no logran espacio de proyección en salas de cine -o duran muy poco tiempo-, y pasan directo al streaming para buscar allí su mejor rendimiento.
Ficha técnica
Título original: Fuze
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Reino Unido
Compañías: ACE, Sigma Films
Género: Thriller. Acción | Robos & Atracos
Guion: Ben Hopkins
Música: Tony Doogan
Fotografía: Giles Nuttgens
Reparto: Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Gugu Mbatha-Raw, Sam Worthington
Dirección: David Mackenzie
Dolly - Por Juan Pablo Donoso
¡Brutal y sanguinaria!
Sadismo desbocado con poco antecedente.
Trama pedestre para una premisa que pudo ser atractiva.
Una joven llamada Macy es secuestrada por una criatura monstruosa que busca criarla como si fuera su propia hija. Lo simpático es que para ello fue necesario ensartarle una pala en la cara al novio y dejarlo sin mandíbula inferior (¡!).
Desde hace tiempo las películas de terror utilizan payasos, monjas y/o muñecas para generar miedo y repulsión. ¡Fantástica pedagogía valórica para la formación de niños, adolescentes, y más de algún adulto también!
¿Cuál es el propósito, o propuesta humanitaria, al espectador?
Es como una impúdica ilustración audiovisual de los detalles macabros descritos en algunos cuentos de los Hnos. Grimm o de Hans Christian Andersen. O, con edulcorante, en los de Charles Perrault (1628-1703).
Incluso Edgar Allan Poe, en su visión pavorosa, traslucía una razón emotiva, y poética.
A Dolly (¡muñequita!), la protagonista de esta historia, la encarna Max la Empaladora, una robusta deportista de lucha libre. Aparte de tener a cientos de muñecas clavadas en los árboles del bosque, ella misma, en vez de rostro, tiene sobre los hombros una siniestra cabeza de porcelana tuerta, y resquebrajada.
La joven víctima Macy ( Fabianne Therese) - contribuyó para financiar este filme.
En cada secuencia hay un inesperado, y peor, giro de bestialidad. Un equivalente al porno XXX pero en orgía de hemorragias y decapitaciones.
Muy inferior y lejana reminiscencia de los filmes de Darío Argento (Suspiria - 1977, o Rojo Profundo - 1975).
Utilizaron película Kodak Vision3 500T 7219 y 250D 7207 16mm para lograr una estructura de grano específica y una textura orgánica más “visceral”.
Nuevo producto para espectadores masoquistas, tipo “motosierras” de los años 70.
Después de los créditos finales, con deliberado sarcasmo nos amenazan con la continuación.
Sabemos que se anuncia una “precuela” para comprender - ¡ojalá! - el origen de toda la hecatombe de apuñalamientos, amputaciones y sadismo de esta película.
UN BANQUETE PARA LOS QUE SE DELEITAN CON LA SANGRE, LAS MASACRES, LOS ASESINOS DEMENTES Y LA BRUTALIDAD FÍSICA LLEVADA AL PAROXISMO.
Ficha técnica
2025 - Terror, crimen, horror corporal EE.UU. - 1,23 hrs.
Sadismo desbocado con poco antecedente.
Trama pedestre para una premisa que pudo ser atractiva.
Una joven llamada Macy es secuestrada por una criatura monstruosa que busca criarla como si fuera su propia hija. Lo simpático es que para ello fue necesario ensartarle una pala en la cara al novio y dejarlo sin mandíbula inferior (¡!).
Desde hace tiempo las películas de terror utilizan payasos, monjas y/o muñecas para generar miedo y repulsión. ¡Fantástica pedagogía valórica para la formación de niños, adolescentes, y más de algún adulto también!
¿Cuál es el propósito, o propuesta humanitaria, al espectador?
Es como una impúdica ilustración audiovisual de los detalles macabros descritos en algunos cuentos de los Hnos. Grimm o de Hans Christian Andersen. O, con edulcorante, en los de Charles Perrault (1628-1703).
Incluso Edgar Allan Poe, en su visión pavorosa, traslucía una razón emotiva, y poética.
A Dolly (¡muñequita!), la protagonista de esta historia, la encarna Max la Empaladora, una robusta deportista de lucha libre. Aparte de tener a cientos de muñecas clavadas en los árboles del bosque, ella misma, en vez de rostro, tiene sobre los hombros una siniestra cabeza de porcelana tuerta, y resquebrajada.
La joven víctima Macy ( Fabianne Therese) - contribuyó para financiar este filme.
En cada secuencia hay un inesperado, y peor, giro de bestialidad. Un equivalente al porno XXX pero en orgía de hemorragias y decapitaciones.
Muy inferior y lejana reminiscencia de los filmes de Darío Argento (Suspiria - 1977, o Rojo Profundo - 1975).
Utilizaron película Kodak Vision3 500T 7219 y 250D 7207 16mm para lograr una estructura de grano específica y una textura orgánica más “visceral”.
Nuevo producto para espectadores masoquistas, tipo “motosierras” de los años 70.
Después de los créditos finales, con deliberado sarcasmo nos amenazan con la continuación.
Sabemos que se anuncia una “precuela” para comprender - ¡ojalá! - el origen de toda la hecatombe de apuñalamientos, amputaciones y sadismo de esta película.
UN BANQUETE PARA LOS QUE SE DELEITAN CON LA SANGRE, LAS MASACRES, LOS ASESINOS DEMENTES Y LA BRUTALIDAD FÍSICA LLEVADA AL PAROXISMO.
Ficha técnica
2025 - Terror, crimen, horror corporal EE.UU. - 1,23 hrs.
Fotografía: Justin Derry
Edición: Justin Oakey
Música: Nick Bohun
Diseño Prod.: Kyra Boselli
Guion: Rod Blackhurst, Brandon Weavil
Actores: Fabianne Therese, Russ Tiller, Max la empaladora
Director: Rod Blackhurst
miércoles, 27 de mayo de 2026
Dolly - Por Jackie O.
“Juega contigo por siempre”
Dolly es una película slasher independiente basada en el cortometraje del año 2022, “Babygirl” del mismo director, que trata sobre una mujer que pasa a ser la “muñeca-hija” de una persona demente en un bosque.
Muchas películas han nacido de cortometrajes, en especial las del género del terror (Saw, Lights Out, Mama, Within the Woods, etc.). Algunos, al pasar a largometraje, son éxitos y otros fracasos. ¿Qué pasó acá, ya que Babygirl es un cortometraje que se ve bastante prometedor? (lo pueden ver en YouTube y dura casi 4 minutos) La idea es buena, aunque nada original ya que tenemos a un enmascarado asesino, pero puede igual convertirse en algo memorable si se hace bien.
Macy y su novio Chase viajan a una remota zona boscosa de las montañas de Tennessee para hacer senderismo. La idea nace de Chase, quien planea pedirle matrimonio. Al llegar al lugar, para Chase, quien ha ido otras veces al lugar, es nuevo ver muchas muñecas en un sector determinado, algo entre cómico y tenebroso para ambos. Durante un breve tiempo separados, Chase se topa con una mujer corpulenta que lleva una máscara de muñeca de porcelana mientras entierra un cadáver decapitado. La mujer lo ataca con una pala y lo abandona en el lugar en muy mal estado.
Mientras tanto, Macy, buscando a Chase, se cruza con la mujer enmascarada y es perseguida por el bosque hasta ser golpeada, capturada y llevada a una casona en medio del bosque. Al despertar, se ve vestida como una muñeca acostada en una pequeña cuna y esta mujer, que no habla, la comienza a tratar como si fuera un bebé. Pero Macy se percata en un momento determinado de que no está sola con esta mujer en la casa, sino que hay una voz masculina que le habla del otro lado de la habitación y entre ambos planean salir de ahí, sin saber ni prever que podría estar en mayor peligro de lo que creía.
La cinta llama la atención de inmediato al verla por su composición, que es en formato súper 16 mm, donde, por lo general, por su costo es usado en producciones de bajo presupuesto. Pero también se usa para emular el terror de antaño y la historia es contada en cortos capítulos sin perder su continuidad. La idea de ser atrapados por un loco y que te trate como su bebé o una muñeca es buena, pero acá el guion es tan débil y poco cuidado que hace que cada acto que vemos, y que pueda aterrorizarnos, nos hace reír, todo por las decisiones muy erráticas de sus protagonistas, donde cada acto es una torpeza tras otra, solo para generar más sangre sin importar el contenido.
No sabemos, aunque intuimos un poco, sobre el origen de la antagonista, pero habría sido interesante alguna analepsia para saber el por qué de su locura, ya que había tiempo para introducir ese antecedente. Y habría servido para arreglar el flojo guion.
Se destaca el maquillaje y protésicos, ya que cumplen para el género del gore y slasher, debido a que juega mucho con esa repulsividad sangrienta bien lograda.
También destaco a Max the Impaler, una luchadora profesional de gran contextura, que le da vida a la antagonista, demostrando que existen las mujeres forzudas con presencia y no es necesario un varón para ello.
Estamos ante una película para amantes de la sangre, sin esperar nada profundo en su guion. Lamentable, aunque perfectamente se puede hacer una parte dos donde nos cuenten sobre los orígenes (si lo aprovecha bien el director, de lo contrario olvidémosla).
Ficha técnica
Dirigido por Rod Blackhurst
Escrito por Rod Blackhurst y Brandon Weavil
Protagonizada por Fabianne Therese, Ethan Suplee, Seann William Scott, Max el Empalador.
80 minutos. 2025.
Distribuye Independent Film Company y Shudder
Dolly es una película slasher independiente basada en el cortometraje del año 2022, “Babygirl” del mismo director, que trata sobre una mujer que pasa a ser la “muñeca-hija” de una persona demente en un bosque.
Muchas películas han nacido de cortometrajes, en especial las del género del terror (Saw, Lights Out, Mama, Within the Woods, etc.). Algunos, al pasar a largometraje, son éxitos y otros fracasos. ¿Qué pasó acá, ya que Babygirl es un cortometraje que se ve bastante prometedor? (lo pueden ver en YouTube y dura casi 4 minutos) La idea es buena, aunque nada original ya que tenemos a un enmascarado asesino, pero puede igual convertirse en algo memorable si se hace bien.
Macy y su novio Chase viajan a una remota zona boscosa de las montañas de Tennessee para hacer senderismo. La idea nace de Chase, quien planea pedirle matrimonio. Al llegar al lugar, para Chase, quien ha ido otras veces al lugar, es nuevo ver muchas muñecas en un sector determinado, algo entre cómico y tenebroso para ambos. Durante un breve tiempo separados, Chase se topa con una mujer corpulenta que lleva una máscara de muñeca de porcelana mientras entierra un cadáver decapitado. La mujer lo ataca con una pala y lo abandona en el lugar en muy mal estado.
Mientras tanto, Macy, buscando a Chase, se cruza con la mujer enmascarada y es perseguida por el bosque hasta ser golpeada, capturada y llevada a una casona en medio del bosque. Al despertar, se ve vestida como una muñeca acostada en una pequeña cuna y esta mujer, que no habla, la comienza a tratar como si fuera un bebé. Pero Macy se percata en un momento determinado de que no está sola con esta mujer en la casa, sino que hay una voz masculina que le habla del otro lado de la habitación y entre ambos planean salir de ahí, sin saber ni prever que podría estar en mayor peligro de lo que creía.
La cinta llama la atención de inmediato al verla por su composición, que es en formato súper 16 mm, donde, por lo general, por su costo es usado en producciones de bajo presupuesto. Pero también se usa para emular el terror de antaño y la historia es contada en cortos capítulos sin perder su continuidad. La idea de ser atrapados por un loco y que te trate como su bebé o una muñeca es buena, pero acá el guion es tan débil y poco cuidado que hace que cada acto que vemos, y que pueda aterrorizarnos, nos hace reír, todo por las decisiones muy erráticas de sus protagonistas, donde cada acto es una torpeza tras otra, solo para generar más sangre sin importar el contenido.
No sabemos, aunque intuimos un poco, sobre el origen de la antagonista, pero habría sido interesante alguna analepsia para saber el por qué de su locura, ya que había tiempo para introducir ese antecedente. Y habría servido para arreglar el flojo guion.
Se destaca el maquillaje y protésicos, ya que cumplen para el género del gore y slasher, debido a que juega mucho con esa repulsividad sangrienta bien lograda.
También destaco a Max the Impaler, una luchadora profesional de gran contextura, que le da vida a la antagonista, demostrando que existen las mujeres forzudas con presencia y no es necesario un varón para ello.
Estamos ante una película para amantes de la sangre, sin esperar nada profundo en su guion. Lamentable, aunque perfectamente se puede hacer una parte dos donde nos cuenten sobre los orígenes (si lo aprovecha bien el director, de lo contrario olvidémosla).
Ficha técnica
Dirigido por Rod Blackhurst
Escrito por Rod Blackhurst y Brandon Weavil
Protagonizada por Fabianne Therese, Ethan Suplee, Seann William Scott, Max el Empalador.
80 minutos. 2025.
Distribuye Independent Film Company y Shudder
martes, 26 de mayo de 2026
Después de la niebla - Por Carlos Correa Acuña
El viento mece las hojas de los árboles mientras se escucha el canto de los pájaros. Es el sur de Chile en esplendor, filmado con delicadeza y atención. Tonos verdes intensos, naturaleza exuberante y una casa. María se mueve con sigilo. Es temprano. Su madre duerme. Debe comer algo. El viaje es largo. Su padre la lleva a Osorno.
Con esa misma fragmentación se construye el relato que va construyendo la directora Miriam Heard en su trabajo de adaptar la novela “Después de la niebla” de María Edwards Urrejola, publicada en 2021.
María -Ema Godoy- estudia en la ciudad. Vive durante la semana en una especie de internado donde recibe techo, comida y educación. La disciplina que imparte su profesora es rigurosa. Se siente su disciplina alemana. En este hogar semanal comparte con su mejor amiga. Conversan, juegan, estudian y se acompañan. Vemos pocos niños. Aunque los hay, ellas son el eje de la historia.
María vuelve a su casa cada fin de semana, pero este es especial. Llegan visitas desde Santiago, amigos de sus padres que vienen a pasar unos días. Se rompe la rutina, pero solo para los adultos, porque para la pequeña protagonista se agudizan sus sensaciones.
Cuesta definir cuál es la historia de esta película. El trasfondo político -la campaña entre el Sí y el No del año 1988, y que además sitúa temporalmente la acción- parece importante en un comienzo pero poco a poco se diluye. Podemos ir más a fondo, entonces. La familia, su relación con el entorno, las dificultades económicas, la búsqueda de sentido. Esa lectura es más cercana pero aún resulta insuficiente. Finalmente nos quedamos con María, de unos 8 años, dividida entre dos mundos: el de sus padres, durante el fin de semana y el de sus estudios en la semana.
Miriam Heard filma cuidadosamente cada detalle y entrega el espacio necesario para que nos preguntemos qué estamos viendo. Quizá la respuesta esté en el deambular de María entre su mundo exterior, el que observamos, y su mundo interior, que intuimos y sentimos. Ema Godoy hace un trabajo muy natural. Desde las primeras tomas se ve sencilla y sin exageraciones. Al soportar prácticamente todo el peso de la cinta, muy pocas veces se le ve incómoda o forzada. Parece que actúa su propia vida, inmersa en un mundo de adultos que no logra comprender.
“Después de la niebla” habla de la soledad, de la necesidad de atención y del lugar que ocupa una niña en un espacio de padres ausentes. No se trata de la ausencia física -en la semana, naturalmente que es así- sino afectiva. No basta que su madre le diga que la quiere, y mucho. Eso es lo racional. Lo que María siente, puede ser incluso todo lo contrario: descuido, despreocupación; algo muy cercano al abandono. Muchas veces su contención es su nana, una mujer que se sobrepone a las dificultades cotidianas y que, gracias a ella, la casa sigue funcionando.
El conflicto que presenta Miriam Heard en este trabajo es diferente a lo que estamos acostumbrados. Es sutil y algo difuso, mucho más interno, y se juega en la interioridad de sus personajes. El desarrollo es lento y la cadencia larga. No parece haber apuro. El metraje se transforma en una rutina continua. Así, lo importante es la descripción, una mirada cercana a la vida íntima, para interpretarla y darle sentido.
Ficha técnica
Título original: Después de la niebla
Duración: 101 minutos
Género: Ficción
Productora ejecutiva: Dominique Rammsy S.
Director de fotografía: David Bravo Nuñez
Directora de sonido: Soledad Andrade
Director de arte: Gerardo Moro
Montaje: Luca Alverdi
Elenco: Ema Godoy, Inés Martín Bernaldo de Quirós, Mario Horton, Valentina Murh Altamira, Viviana Herrera, Heidrun María Breier, Álvaro Espinosa, Rocío Uson y Daniel Guillon
Dirección: Miriam Heard
Con esa misma fragmentación se construye el relato que va construyendo la directora Miriam Heard en su trabajo de adaptar la novela “Después de la niebla” de María Edwards Urrejola, publicada en 2021.
María -Ema Godoy- estudia en la ciudad. Vive durante la semana en una especie de internado donde recibe techo, comida y educación. La disciplina que imparte su profesora es rigurosa. Se siente su disciplina alemana. En este hogar semanal comparte con su mejor amiga. Conversan, juegan, estudian y se acompañan. Vemos pocos niños. Aunque los hay, ellas son el eje de la historia.
María vuelve a su casa cada fin de semana, pero este es especial. Llegan visitas desde Santiago, amigos de sus padres que vienen a pasar unos días. Se rompe la rutina, pero solo para los adultos, porque para la pequeña protagonista se agudizan sus sensaciones.
Cuesta definir cuál es la historia de esta película. El trasfondo político -la campaña entre el Sí y el No del año 1988, y que además sitúa temporalmente la acción- parece importante en un comienzo pero poco a poco se diluye. Podemos ir más a fondo, entonces. La familia, su relación con el entorno, las dificultades económicas, la búsqueda de sentido. Esa lectura es más cercana pero aún resulta insuficiente. Finalmente nos quedamos con María, de unos 8 años, dividida entre dos mundos: el de sus padres, durante el fin de semana y el de sus estudios en la semana.
Miriam Heard filma cuidadosamente cada detalle y entrega el espacio necesario para que nos preguntemos qué estamos viendo. Quizá la respuesta esté en el deambular de María entre su mundo exterior, el que observamos, y su mundo interior, que intuimos y sentimos. Ema Godoy hace un trabajo muy natural. Desde las primeras tomas se ve sencilla y sin exageraciones. Al soportar prácticamente todo el peso de la cinta, muy pocas veces se le ve incómoda o forzada. Parece que actúa su propia vida, inmersa en un mundo de adultos que no logra comprender.
“Después de la niebla” habla de la soledad, de la necesidad de atención y del lugar que ocupa una niña en un espacio de padres ausentes. No se trata de la ausencia física -en la semana, naturalmente que es así- sino afectiva. No basta que su madre le diga que la quiere, y mucho. Eso es lo racional. Lo que María siente, puede ser incluso todo lo contrario: descuido, despreocupación; algo muy cercano al abandono. Muchas veces su contención es su nana, una mujer que se sobrepone a las dificultades cotidianas y que, gracias a ella, la casa sigue funcionando.
El conflicto que presenta Miriam Heard en este trabajo es diferente a lo que estamos acostumbrados. Es sutil y algo difuso, mucho más interno, y se juega en la interioridad de sus personajes. El desarrollo es lento y la cadencia larga. No parece haber apuro. El metraje se transforma en una rutina continua. Así, lo importante es la descripción, una mirada cercana a la vida íntima, para interpretarla y darle sentido.
Ficha técnica
Título original: Después de la niebla
Duración: 101 minutos
Género: Ficción
Productora ejecutiva: Dominique Rammsy S.
Director de fotografía: David Bravo Nuñez
Directora de sonido: Soledad Andrade
Director de arte: Gerardo Moro
Montaje: Luca Alverdi
Elenco: Ema Godoy, Inés Martín Bernaldo de Quirós, Mario Horton, Valentina Murh Altamira, Viviana Herrera, Heidrun María Breier, Álvaro Espinosa, Rocío Uson y Daniel Guillon
Dirección: Miriam Heard
domingo, 24 de mayo de 2026
Johnny - Por Juan Pablo Donoso
Sensible y refinado docudrama polaco basado en la obra de Jan Kaczkowski, sacerdote católico minusválido que creó un hospicio para ancianos moribundos en Puck, Polonia.
Se pre-estrenó con gran éxito en el Festival de Cine Polaco el 12 de septiembre de 2022 antes de su difusión en el país y Europa.
Kaczkowski (1977-2016) fue vicario, además de doctor en ciencias teológicas y renombrado bioeticista. Desde su nacimiento tuvo un grave déficit de visión y paresia del lado izquierdo (disminución o pérdida parcial de la fuerza muscular). En 2012, se le diagnosticó glioblastoma (tumor cerebral primario muy agresivo en adultos) y murió a causa de esta afección el 28 de marzo de 2016.
Desde 2004, se dedicó a la creación del asilo San Padre Pío en Puck. Coordinó la construcción de 2007 a 2009 y fue su director hasta su muerte.
El filme relata la admirable evolución de amistad entre el sacerdote (Johnny) y el joven Patryk Galewski, un exconvicto que recibe la orden judicial de trabajar en un centro de cuidados paliativos.
El ejemplo de amor y dedicación del clérigo hacia los enfermos y al resto del personal a su cargo, se fue impregnando en el corazón de aquel delincuente con el correr de los meses. Su contacto laboral con los pacientes despertó en el joven una visión reveladora del dolor y la soledad. Sus antiguos hábitos y trato con malandrines se tornaban estériles en contraste con cada sonrisa, plato de comida, o sincera gratitud con que esos ancianos reconocían su sola presencia. Más aún cuando los acompañaba a morir. Circunstancia entrañable que le correspondió a él mismo, tiempo después, cuando cerró los ojos de su nuevo padre y tutor Kaczkowski.
En el fluir de la película se aprecia una afiatada complementación – llena de cariño y talento – entre el guionista, el director Jaroszek, el director de fotografía, los actores y actrices principales, y todos los secundarios.
Admirable caracterización de Dawid Ogrodnik, como Johnny, joven actor galardonado con el Premio Águila del Cine Polaco al mejor papel principal masculino.
En especial destacamos el elocuente cromatismo con que los diseñadores, y el fotógrafo Michal Dabal, escogieron los encuadres, dinteles y colores para transmitir la delicadeza de esta obra de misericordia y redención.
Al final del relato se nos permite ver secuencias de los verdaderos personajes: del padre Johnny con su alegre e incansable energía; de Patrick, ahora prestigioso chef de cocina, junto a su mujer e hijitos, y a parientes y testigos de tan milagrosa transformación espiritual.
Se pre-estrenó con gran éxito en el Festival de Cine Polaco el 12 de septiembre de 2022 antes de su difusión en el país y Europa.
Kaczkowski (1977-2016) fue vicario, además de doctor en ciencias teológicas y renombrado bioeticista. Desde su nacimiento tuvo un grave déficit de visión y paresia del lado izquierdo (disminución o pérdida parcial de la fuerza muscular). En 2012, se le diagnosticó glioblastoma (tumor cerebral primario muy agresivo en adultos) y murió a causa de esta afección el 28 de marzo de 2016.
Desde 2004, se dedicó a la creación del asilo San Padre Pío en Puck. Coordinó la construcción de 2007 a 2009 y fue su director hasta su muerte.
El filme relata la admirable evolución de amistad entre el sacerdote (Johnny) y el joven Patryk Galewski, un exconvicto que recibe la orden judicial de trabajar en un centro de cuidados paliativos.
El ejemplo de amor y dedicación del clérigo hacia los enfermos y al resto del personal a su cargo, se fue impregnando en el corazón de aquel delincuente con el correr de los meses. Su contacto laboral con los pacientes despertó en el joven una visión reveladora del dolor y la soledad. Sus antiguos hábitos y trato con malandrines se tornaban estériles en contraste con cada sonrisa, plato de comida, o sincera gratitud con que esos ancianos reconocían su sola presencia. Más aún cuando los acompañaba a morir. Circunstancia entrañable que le correspondió a él mismo, tiempo después, cuando cerró los ojos de su nuevo padre y tutor Kaczkowski.
En el fluir de la película se aprecia una afiatada complementación – llena de cariño y talento – entre el guionista, el director Jaroszek, el director de fotografía, los actores y actrices principales, y todos los secundarios.
Admirable caracterización de Dawid Ogrodnik, como Johnny, joven actor galardonado con el Premio Águila del Cine Polaco al mejor papel principal masculino.
En especial destacamos el elocuente cromatismo con que los diseñadores, y el fotógrafo Michal Dabal, escogieron los encuadres, dinteles y colores para transmitir la delicadeza de esta obra de misericordia y redención.
Al final del relato se nos permite ver secuencias de los verdaderos personajes: del padre Johnny con su alegre e incansable energía; de Patrick, ahora prestigioso chef de cocina, junto a su mujer e hijitos, y a parientes y testigos de tan milagrosa transformación espiritual.
Visible en Netflix.
UN LOGRADO TESTIMONIO ARTÍSTICO DE CÓMO LA CARIDAD CRISTIANA ES POSIBLE – Y TRIUNFANTE – EN LA REALIDAD DE NUESTROS DÍAS.
Ficha técnica
Título Original: Johnny – (Jasio)
Título Original: Johnny – (Jasio)
2022 Polonia - 1,59 hrs.
Fotografía: Michał Dąbal
Fotografía: Michał Dąbal
Edición: Maciej Kozłowski
Música: Michał Kush Guion: Maciej Kraszewski
Actores: Dawid Ogrodnik, Piotr Troyano, Maria Pakulnis
Director: Daniel Jaroszek
viernes, 22 de mayo de 2026
The Mandalorian and Grogu - Por Carlos Correa Acuña
¿Demasiadas expectativas? Es posible. Eso es inevitable cada vez que una nueva película del universo Star Wars llega a los cines. ¿Está a la altura? ¿Funciona? Entremos en detalle.
La historia del cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin y su aprendiz Grogu continúa. El Imperio ha caído y la Nueva República busca capturar a varios señores de la guerra que están repartidos por toda la galaxia. Allí Djarin encuentra su espacio, pues la comandante Ward -Sigourney Weaver- le encarga seguir el rastro de Janu Coin -Jonny Coyne-, un importante líder de la antigua armada imperial. La fuente de información proviene de los gemelos Hutt, hermanos y sucesores del difunto Jabba, pero su entrega está condicionada al rescate del hijo y heredero de Jabba, Rotta. De ese modo, el conflicto queda planteado para configurar un desafío que, de sencillo, tiene poco.
Escrita y dirigida por Jon Favreau, la película se remite a lo que ya conocemos de las tres temporadas de la exitosa serie “The Mandalorian” y su spin-off, “El libro de Boba Fett”. La cinta inicia fuerte, con una intervención llena de acción que recuerda las mejores secuencias de la saga original. Son quince minutos de adrenalina, de enfrentamientos y múltiples efectos que se gozan en pantalla grande. Sin embargo, desde ese momento, el metraje tiende más hacia la irregularidad, básicamente por lo fragmentado de su guion y sus consecuencias previsibles.
En términos escénicos, esta película tiene todos los ingredientes que esperamos: espectacularidad, fuerza, risas y emoción. La dificultad, entonces, radica en la necesidad de combinarlos en este relato de un poco más de dos horas, en un formato unitario que no parezca una sucesión de episodios. ¿El resultado? Se siente como un capítulo extendido de la serie o quizá como una temporada resumida. Desde cualquiera de los dos puntos de vista, la estructura termina desbalanceada, ya que el formato elegido parece carecer del tiempo suficiente para obtener un desarrollo consistente.
De lo que no hay duda es que es un espectáculo entretenido, especialmente en la gran pantalla IMAX. Allí se transforma en experiencia, porque los efectos visuales, la banda sonora y el entorno se aprecian en todo su esplendor. Y hay que elogiarlo, porque tal vez la mayor fortaleza sea justamente la ambientación espacial, aquello que a esta altura es marca registrada y ya está instalado en el imaginario colectivo, seamos más o menos fans del universo creado hace casi 50 años por George Lucas.
¿Vale la pena “The Mandalorian and Grogu”? Sí, y con letras grandes, pero no por originalidad ni por su suspenso. Vale la pena verla en el cine porque el escenario es inmersivo. Las secuencias de acción y la ternura de Grogu terminan siendo lo más destacado y opacan los escasos minutos de Pedro Pascal sin el casco de su personaje. No obstante, la química entre el mandaloriano y Grogu es clara y todo apunta a que nuestro pequeño y futuro Yoda tenga cada vez más protagonismo.
¿“This is the way” o “May the Force be with you”? Ya veremos qué nos depara el futuro. Por ahora disfrutemos y esperemos con confianza los nuevos rumbos de un universo memorable.
Ficha técnica
Título original: Star Wars: The Mandalorian and Grogu
Año: 2026
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lucasfilm, Golem Creations, Ian Bryce Productions
Género: Ciencia ficción. Acción | Star Wars
Guion: Jon Favreau, Dave Filoni, Noah Kloor. Saga creada por: George Lucas
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: David Klein
Reparto: Pedro Pascal, Jeremy Allen White, Brendan Wayne, Lateef Crowder, Sigourney Weaver
Dirección: Jon Favreau
La historia del cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin y su aprendiz Grogu continúa. El Imperio ha caído y la Nueva República busca capturar a varios señores de la guerra que están repartidos por toda la galaxia. Allí Djarin encuentra su espacio, pues la comandante Ward -Sigourney Weaver- le encarga seguir el rastro de Janu Coin -Jonny Coyne-, un importante líder de la antigua armada imperial. La fuente de información proviene de los gemelos Hutt, hermanos y sucesores del difunto Jabba, pero su entrega está condicionada al rescate del hijo y heredero de Jabba, Rotta. De ese modo, el conflicto queda planteado para configurar un desafío que, de sencillo, tiene poco.
Escrita y dirigida por Jon Favreau, la película se remite a lo que ya conocemos de las tres temporadas de la exitosa serie “The Mandalorian” y su spin-off, “El libro de Boba Fett”. La cinta inicia fuerte, con una intervención llena de acción que recuerda las mejores secuencias de la saga original. Son quince minutos de adrenalina, de enfrentamientos y múltiples efectos que se gozan en pantalla grande. Sin embargo, desde ese momento, el metraje tiende más hacia la irregularidad, básicamente por lo fragmentado de su guion y sus consecuencias previsibles.
En términos escénicos, esta película tiene todos los ingredientes que esperamos: espectacularidad, fuerza, risas y emoción. La dificultad, entonces, radica en la necesidad de combinarlos en este relato de un poco más de dos horas, en un formato unitario que no parezca una sucesión de episodios. ¿El resultado? Se siente como un capítulo extendido de la serie o quizá como una temporada resumida. Desde cualquiera de los dos puntos de vista, la estructura termina desbalanceada, ya que el formato elegido parece carecer del tiempo suficiente para obtener un desarrollo consistente.
De lo que no hay duda es que es un espectáculo entretenido, especialmente en la gran pantalla IMAX. Allí se transforma en experiencia, porque los efectos visuales, la banda sonora y el entorno se aprecian en todo su esplendor. Y hay que elogiarlo, porque tal vez la mayor fortaleza sea justamente la ambientación espacial, aquello que a esta altura es marca registrada y ya está instalado en el imaginario colectivo, seamos más o menos fans del universo creado hace casi 50 años por George Lucas.
¿Vale la pena “The Mandalorian and Grogu”? Sí, y con letras grandes, pero no por originalidad ni por su suspenso. Vale la pena verla en el cine porque el escenario es inmersivo. Las secuencias de acción y la ternura de Grogu terminan siendo lo más destacado y opacan los escasos minutos de Pedro Pascal sin el casco de su personaje. No obstante, la química entre el mandaloriano y Grogu es clara y todo apunta a que nuestro pequeño y futuro Yoda tenga cada vez más protagonismo.
¿“This is the way” o “May the Force be with you”? Ya veremos qué nos depara el futuro. Por ahora disfrutemos y esperemos con confianza los nuevos rumbos de un universo memorable.
Ficha técnica
Título original: Star Wars: The Mandalorian and Grogu
Año: 2026
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lucasfilm, Golem Creations, Ian Bryce Productions
Género: Ciencia ficción. Acción | Star Wars
Guion: Jon Favreau, Dave Filoni, Noah Kloor. Saga creada por: George Lucas
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: David Klein
Reparto: Pedro Pascal, Jeremy Allen White, Brendan Wayne, Lateef Crowder, Sigourney Weaver
Dirección: Jon Favreau
El Mandaloriano y Grogu - Por Jackie O.
El cazarrecompensas Din Djarin y Grogu, trabajan para la Nueva República para dar caza a los señores de la guerra imperiales. Tras una misión exitosa, la comandante de la Nueva República, Ward, le encarga a Djarin encontrar al misterioso señor de la guerra, Coin. La Nueva República ha recibido información sobre su paradero de los gemelos Hutt, hermanos y sucesores del difunto señor del crimen Jabba, pero solo a cambio de rescatar al hijo y heredero de Jabba, Rotta, de un sindicato criminal dirigido por Lord Janu. Y ahí comienza esta nueva aventura.
Padre e hijo van en su nueva misión, salvar a Rotta de su cautiverio y llevarlo con su familia, los gemelos Hutt. Tenemos mucha acción sin parar, de pelea tras pelea, al acercarse a su objetivo, pero sabemos que los gemelos Hutt no son de confiar, por lo que hay que actuar sigilosamente hasta atrapar a Coin. Pero una trampa hará caer a Djarin con Rotta y deben luchar por su vida en la arena, junto a una serie de monstruos, para el deleite de la multitud. Por supuesto, se libran con astucia y trabajo en equipo, para poder seguir con la misión de apresar a Coin.
Pero los gemelos no pretenden dejar vivo a Rotta y lo persiguen apresándolo, por lo que Djarin, por honor, toma esta misión de ir en su búsqueda e intentar salvarlo y su vida corre un riesgo que el pequeño Grogu deberá resolver.
Hay mucha acción desde el primer minuto hasta el último y nos mantiene atentos a la pantalla. Con personajes simpáticos y queridos por todos.
La película mantiene buenos efectos visuales, donde el vestuario es hermoso, los protésicos buenos, el maquillaje y peinados sobresalientes; nada que decir en el aspecto visual. Los efectos de sonido también son muy destacables, como la banda sonora, lo cual se merece nominaciones en futuros festivales en esos aspectos.
Las actuaciones son buenas, pero destaco enormemente a los dobles de acción de Pascal, quienes hacen casi toda la película: Brendan Wayne como principal, y Lateef Crowder. Pedro Pascal, quien pone su voz, por supuesto, ha actuado más promocionando la película que en ella misma.
Entones, ¿en qué falla?: en su guion. Aclaro, no estamos ante una mala película, cumple con entretener al máximo, pero si una exitosa serie pasa a una película es porque algo grande trae. Y acá se sintió como un capítulo más de la serie, donde no existe el elemento sorpresa y sin personajes memorables.
Claro que conocemos y agradecemos ver a los gemelos Hutt y a alguno que otro personaje secundario conocido, pero ningún personaje que sobresalga. Ni siquiera la gran Sigourney Weaver, como Ward, logra ganarse la pantalla. Faltó algún personaje emblemático de la serie, así como un villano digno de vencer. Así es, no hay villano que sea temible y que valga una batalla campal.
Por favor no nos tomen el pelo a los fans de la saga. Para películas apliquen más desarrollo y así no ser tan básicos. Sí, rescato del guion, sus mensajes como la lealtad, el trabajo en equipo, la amistad, y el rechazo a los prejuicios.
Reitero, es una cinta entretenida, con humor, queridos protagonistas, que sirve para pasar un muy buen rato y que tal vez prepara su cuarta temporada de la serie (la cual espero). Sabemos acá quién es el malo y el bueno y cómo terminará. No esperes más, ya que parece que solo se necesitaba sacar a la pantalla grande algo de Star Wars para decirnos que aún está ahí.
Película hecha más para el público en general, casual. Es para entretener y funciona en ese aspecto del Madoverse.
No hay escena post créditos.
Ficha técnica
The Mandalorian and Grogu
Dirección: Jon Favreau
Guion: Jon Favreau y Dave Filoni
2026. 130 minutos.
Pedro Pascal: Din Djarin / el Mandaloriano
Brendan Wayne y Lateef Crowder como los dobles en el set para el Mandaloriano.
Jeremy Allen White como Rotta el Hutt
Martin Scorsese da voz a Hugo, un comerciante ardeniano (vendedor de hamburguesas)
Jonny Coyne: es Lord Janu / Coin
Pedro Pascal: Din Djarin / el Mandaloriano
Brendan Wayne y Lateef Crowder como los dobles en el set para el Mandaloriano.
Jeremy Allen White como Rotta el Hutt
Martin Scorsese da voz a Hugo, un comerciante ardeniano (vendedor de hamburguesas)
Jonny Coyne: es Lord Janu / Coin
Después de la niebla - Por Jackie O.
“Responsabilidad con amor”
La historia está ambientada en el Chile de 1988, está inspirada en la novela homónima de María Edwards Urrejola y sigue la vida de María, una niña de 8 años que vive de lunes a viernes en un internado en Osorno, y los fines de semana regresa a la casa familiar junto al lago.
María es una niña curiosa, inquieta y amorosa que ama a sus padres, pero estos son jóvenes descuidados, mantenidos por la madre de ella y por los amigos de él. Pareciera que no les interesa trabajar, les gusta drogarse y pasarla bien, cuando pueden, por sus aires de grandeza. Pero ella, la madre, ya está aburrida de tanta tranquilidad y quiere volver a Santiago. Y ambos olvidan a lo más importante que debe tener presente un padre, por muchos problemas personales, psicológicos, sociales o de lo que sea que tengan: los hijos son prioridad. Y estos padres la descuidan. No la maltratan físicamente, y he aquí el grave problema de muchos padres, que creen que por mantener techo y comida es suficiente para no pasar tiempo de calidad con ellos. Y a la pequeña María no le dan tiempo de calidad, solo está el fin de semana con ellos y pareciera que estorbara. Ella trata de llamar la atención de alguna forma, incluso el descuido de ellos la pone en peligro, pero es como un fantasma que deambula, es un hada en el bosque que nadie ve. Solo la naturaleza es cómplice de sus penurias emocionales.
Su profesora y una amiga del colegio son su contención, pero no es de ellas esa labor, pero la sostienen como un bastón para que no caiga y que mantenga esa inocencia hermosa que la caracteriza.
La cinta es muy pausada. Se debe ver con la atención que requiere para poder impregnarnos de la soledad, de cómo la soledad de una niña se conjuga con una hermosa fotografía desoladora. Con los sonidos ambientales que nos alejan de la humanidad para perdernos en la naturaleza. De cómo un lugar tan bello puede ser cómplice del abandono infantil.
¿Qué diferencia hay en la actualidad? Ninguna. La indiferencia paterna hacia los hijos es la misma excusa: “el trabajo, y llegué cansado como para prestarte atención”, y le agregamos ahora la tecnología; se le entrega un celular al hijo para mantenerlo alejado de lo importante: compartir en familia. Por lo que la pequeña María en la actualidad, estaría igual.
¿En qué puede fallar? En la lentitud al contarnos la historia, que no es malo, pero que a muchos puede que les moleste un tanto.
Ficha técnica
Dirección y guion: Miriam Heard
Elenco: Ema Godoy, Inés Martin, Valentina Muhr, Mario Horton, Heidrun Breier, Viviana Herrera
Dirección de fotografía: David Bravo
Sonido: Soledad Andrade
Largometraje de ficción / 98 minutos
Chile
La historia está ambientada en el Chile de 1988, está inspirada en la novela homónima de María Edwards Urrejola y sigue la vida de María, una niña de 8 años que vive de lunes a viernes en un internado en Osorno, y los fines de semana regresa a la casa familiar junto al lago.
María es una niña curiosa, inquieta y amorosa que ama a sus padres, pero estos son jóvenes descuidados, mantenidos por la madre de ella y por los amigos de él. Pareciera que no les interesa trabajar, les gusta drogarse y pasarla bien, cuando pueden, por sus aires de grandeza. Pero ella, la madre, ya está aburrida de tanta tranquilidad y quiere volver a Santiago. Y ambos olvidan a lo más importante que debe tener presente un padre, por muchos problemas personales, psicológicos, sociales o de lo que sea que tengan: los hijos son prioridad. Y estos padres la descuidan. No la maltratan físicamente, y he aquí el grave problema de muchos padres, que creen que por mantener techo y comida es suficiente para no pasar tiempo de calidad con ellos. Y a la pequeña María no le dan tiempo de calidad, solo está el fin de semana con ellos y pareciera que estorbara. Ella trata de llamar la atención de alguna forma, incluso el descuido de ellos la pone en peligro, pero es como un fantasma que deambula, es un hada en el bosque que nadie ve. Solo la naturaleza es cómplice de sus penurias emocionales.
Su profesora y una amiga del colegio son su contención, pero no es de ellas esa labor, pero la sostienen como un bastón para que no caiga y que mantenga esa inocencia hermosa que la caracteriza.
La cinta es muy pausada. Se debe ver con la atención que requiere para poder impregnarnos de la soledad, de cómo la soledad de una niña se conjuga con una hermosa fotografía desoladora. Con los sonidos ambientales que nos alejan de la humanidad para perdernos en la naturaleza. De cómo un lugar tan bello puede ser cómplice del abandono infantil.
¿Qué diferencia hay en la actualidad? Ninguna. La indiferencia paterna hacia los hijos es la misma excusa: “el trabajo, y llegué cansado como para prestarte atención”, y le agregamos ahora la tecnología; se le entrega un celular al hijo para mantenerlo alejado de lo importante: compartir en familia. Por lo que la pequeña María en la actualidad, estaría igual.
¿En qué puede fallar? En la lentitud al contarnos la historia, que no es malo, pero que a muchos puede que les moleste un tanto.
Ficha técnica
Dirección y guion: Miriam Heard
Elenco: Ema Godoy, Inés Martin, Valentina Muhr, Mario Horton, Heidrun Breier, Viviana Herrera
Dirección de fotografía: David Bravo
Sonido: Soledad Andrade
Largometraje de ficción / 98 minutos
Chile
jueves, 21 de mayo de 2026
El Mandaloriano. Tercera temporada - Por Jackie O.
"El camino así es"
Seguimos al dúo que se ganó el cariño de todos: Mando y Grogu, el último capítulo de la temporada dos fue épico. Veamos si la vara sigue alta.
Recordando las dos temporada anteriores en este enlace tenemos una gran historia, dos seres que se unen en aventuras y que crearon un lazo indestructible y fue formidable. Nos mostraron nuevos personajes y otros entrañables que, como fan estaba, encantada de ver, hasta el punto de que se nos avisara del spin off de Boba Fet. (La cual se recomienda ver antes que esta temporada del Mandaloriano y acá te cuento)
Pero el primer capítulo de esta tercera temporada comenzó muy tibio, algo decepcionante, como si las ideas se hubieran acabado. Pero calma, ya del segundo capítulo repunta para no decepcionar. Cada vez que lo ven con el pequeño, viene la pregunta: ¿qué hacen juntos? "Es una larga historia" responde Mando (bueno, la respuesta está en el capítulo 5 y 6 de Boba Fett)
Pero Mando no solo tiene aventuras, tiene decepciones, y principalmente decepción de él, de sus creencias muy arraigadas y que respeta con la vida. Se ha sacado el casco, algo en contra de su credo, le han visto el rostro y debe redimirse. Debe buscar las ya ruinas de Mandalor, y Bo-Katan lo ayuda, porque ella también debe ayudarse a sí misma; ella está empeñada en conseguir lo que por legado le corresponde. Deben unir a los diferentes clanes mandalorianos, sí hay más, y reclamar su planeta natal. Todo esto, bajo la siniestra sombra de Moff Gideon.
Nuevas historias y la guerra inminente entre Mandalorianos y la escuadra de Giddeon asalta el último capítulo, donde la adrenalina fluye.
Una gran serie sobre honor, amistad, ideales, poder y familia.
Disponible en Disney.
The Mandalorian
8 capítulos. 2023.
Protagonistas: Pedro Pascal, Katee Sackhoff, Giancarlo Esposito .
Seguimos al dúo que se ganó el cariño de todos: Mando y Grogu, el último capítulo de la temporada dos fue épico. Veamos si la vara sigue alta.
Recordando las dos temporada anteriores en este enlace tenemos una gran historia, dos seres que se unen en aventuras y que crearon un lazo indestructible y fue formidable. Nos mostraron nuevos personajes y otros entrañables que, como fan estaba, encantada de ver, hasta el punto de que se nos avisara del spin off de Boba Fet. (La cual se recomienda ver antes que esta temporada del Mandaloriano y acá te cuento)
Pero el primer capítulo de esta tercera temporada comenzó muy tibio, algo decepcionante, como si las ideas se hubieran acabado. Pero calma, ya del segundo capítulo repunta para no decepcionar. Cada vez que lo ven con el pequeño, viene la pregunta: ¿qué hacen juntos? "Es una larga historia" responde Mando (bueno, la respuesta está en el capítulo 5 y 6 de Boba Fett)
Pero Mando no solo tiene aventuras, tiene decepciones, y principalmente decepción de él, de sus creencias muy arraigadas y que respeta con la vida. Se ha sacado el casco, algo en contra de su credo, le han visto el rostro y debe redimirse. Debe buscar las ya ruinas de Mandalor, y Bo-Katan lo ayuda, porque ella también debe ayudarse a sí misma; ella está empeñada en conseguir lo que por legado le corresponde. Deben unir a los diferentes clanes mandalorianos, sí hay más, y reclamar su planeta natal. Todo esto, bajo la siniestra sombra de Moff Gideon.
Nuevas historias y la guerra inminente entre Mandalorianos y la escuadra de Giddeon asalta el último capítulo, donde la adrenalina fluye.
Una gran serie sobre honor, amistad, ideales, poder y familia.
Disponible en Disney.
Ficha técnica
The Mandalorian
8 capítulos. 2023.
Protagonistas: Pedro Pascal, Katee Sackhoff, Giancarlo Esposito .
lunes, 18 de mayo de 2026
El libro de Boba Fett - Por Jackie O.
"Cuando encuentras tu propósito"
Boba Fett es un cazarrecompensas de Star Wars, conocido por su armadura mandaloriana y su letalidad, siendo un clon genético inalterado de Jango Fett, quien lo crió como su padre. Se hizo famoso en la trilogía original como un antagonista secundario. Sobrevivió a la muerte que creyeron tuvo, y he aquí su historia.
Cuando terminó la segunda temporada de El Mandaloriano, nos regaló una escena post créditos donde nos indica que hay que ver esta miniserie para luego continuar con la tercera temporada, y aquí te cuento por qué.
En las arenas de Tatooine, el cazarrecompensas Boba Fett y la mercenario Fennec Shand navegan por el inframundo de la Galaxia y luchan por el antiguo territorio de Jabba the Hutt, quedándoselo, siendo nuevos jefes del lugar. Lugar que es camino de piratería y de otros crímenes que Boba Fett quiere impedir, ya que su vida ha dado un giro, y analepsias de su vida nos cuentan cómo fue capturado y salvado, pero por sobretodo corrigió sus actos para hacer el bien a otros sin necesidad de un pago. De cómo Fennec se unió a él y le juró lealtad. Y cómo, junto a otros agradables personajes, nos muestran unión y ayuda al prójimo, sin estar exentos de muchos peligros, donde recibe ayuda de grandes personajes. Uno de ellos es el conocido "Mando", es así que tenemos un capítulo completo dedicado solo a él y otro a Grogu. Con estos capítulos, nos explica el abrupto y "raro" comienzo de El Mandaloriano tercera temporada, que, viendo estos dos capítulos de Boba, ya no es un cambio abrupto ni raro.
La miniserie de Boba Fet está muy bien realizado en puesta en escena, vestuario, maquillaje y protésicos, y por sobre todo, actuaciones. Su protagonista lo hace muy bien, y por lo mismo creo se sintió al debe, faltaron más detalles de su vida. Aunque conocemos de él, siento que aún faltó. Se merecía más para mostrar sus habilidades y saber de su vida en general.
Grandes valores nos muestra este trabajo: de cómo un hombre pudo redimirse, de cómo encontró a su nueva familia y un sentido a su vida.
The Book of Boba Fett
Creado por Jon Favreau
Basado en Star Wars de George Lucas
Protagonistas: Temuera Morrison, Ming-Na Wen
7 capítulos
2021 - 2022.
Boba Fett es un cazarrecompensas de Star Wars, conocido por su armadura mandaloriana y su letalidad, siendo un clon genético inalterado de Jango Fett, quien lo crió como su padre. Se hizo famoso en la trilogía original como un antagonista secundario. Sobrevivió a la muerte que creyeron tuvo, y he aquí su historia.
Cuando terminó la segunda temporada de El Mandaloriano, nos regaló una escena post créditos donde nos indica que hay que ver esta miniserie para luego continuar con la tercera temporada, y aquí te cuento por qué.
En las arenas de Tatooine, el cazarrecompensas Boba Fett y la mercenario Fennec Shand navegan por el inframundo de la Galaxia y luchan por el antiguo territorio de Jabba the Hutt, quedándoselo, siendo nuevos jefes del lugar. Lugar que es camino de piratería y de otros crímenes que Boba Fett quiere impedir, ya que su vida ha dado un giro, y analepsias de su vida nos cuentan cómo fue capturado y salvado, pero por sobretodo corrigió sus actos para hacer el bien a otros sin necesidad de un pago. De cómo Fennec se unió a él y le juró lealtad. Y cómo, junto a otros agradables personajes, nos muestran unión y ayuda al prójimo, sin estar exentos de muchos peligros, donde recibe ayuda de grandes personajes. Uno de ellos es el conocido "Mando", es así que tenemos un capítulo completo dedicado solo a él y otro a Grogu. Con estos capítulos, nos explica el abrupto y "raro" comienzo de El Mandaloriano tercera temporada, que, viendo estos dos capítulos de Boba, ya no es un cambio abrupto ni raro.
La miniserie de Boba Fet está muy bien realizado en puesta en escena, vestuario, maquillaje y protésicos, y por sobre todo, actuaciones. Su protagonista lo hace muy bien, y por lo mismo creo se sintió al debe, faltaron más detalles de su vida. Aunque conocemos de él, siento que aún faltó. Se merecía más para mostrar sus habilidades y saber de su vida en general.
Es más, después de ese final épico, espero verlo en otros trabajos.
Grandes valores nos muestra este trabajo: de cómo un hombre pudo redimirse, de cómo encontró a su nueva familia y un sentido a su vida.
Disponible en Disney.
Ficha técnica
The Book of Boba Fett
Creado por Jon Favreau
Basado en Star Wars de George Lucas
Protagonistas: Temuera Morrison, Ming-Na Wen
7 capítulos
2021 - 2022.
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