El Sonido de la Muerte - Por Carlos Correa Acuña

Esta película tiene una introducción y tres partes. Se inicia con un partido de básquetbol escolar y un incidente que ocurre sin mediar explicación. Suspenso. Un jugador es perseguido por un “ente” y muere. La primera sección comienza seis meses después, cuando una nueva estudiante llega al college y le asignan el casillero del estudiante fallecido. Al interior, ella encuentra un objeto misterioso y antiguo; un silbato, presumiblemente azteca, que luego es observado en clase junto a su profesor. Y allí ocurre otro extraño incidente. Ya no es coincidencia: el sonido del silbato parece provocar que quienes lo escuchan comiencen a ser perseguidos por sus propias muertes futuras.

La segunda parte de la cinta explora la historia familiar del estudiante fallecido. Desde ese momento, el grupo de amigos logra entender que el silbato realmente invoca la muerte, la propia muerte, que viene a su encuentro. ¿Es un mito? Tal vez, pero lo cierto es que los extraños sucesos se acrecientan. La sección final corresponde al desenlace y es clásica: se debate entre el destino fatal y la posibilidad de eludirlo. ¿Qué pasará finalmente?

Muy poco encontramos en este filme escrito por Owen Egerton y dirigido por Corin Hardy. Poco ofrece en términos de contenido, porque en producción no escatima recursos. La película avanza lento, con muchas escenas que parecen de relleno en espera de los famosos “jump scares”, los sustos repentinos típicos del género. Dentro del género de terror, este trabajo también agrega a su descripción el término “slasher” -subgénero centrado en asesinatos cometidos por un psicópata-, algo que en este caso no se da, salvo que los amigos van muriendo uno a uno.

Desde el punto de vista del argumento, hay mucho material incluido, varias historias individuales y muchas aristas, pero con poco recorrido y, además, bastante obvias. Es decir, tenemos un argumento sumamente delgado que solo se sostiene gracias a un ropaje externo que hace lo posible por no defraudar a quienes aman el género.

En las actuaciones, Dafne Keen desarrolla un correcto papel encarnando a la protagonista, Crisantemo; Sophie Nélisse interpreta a Ellie, su contrapunto femenino; y Sky Yang personifica adecuadamente al primo de Cris, Rel. Sin brillar, los tres actores al menos sintonizan en lo más importante del relato: compensan sus intervenciones y logran fluidez en cada una de sus escenas.

“Whistle” -Silbato, su título original- denota una importante inversión tecnológica y logística. Drones, cámaras múltiples, efectos especiales y escenarios diversos están muy bien amalgamados con una calidad fotográfica y música ad hoc. Debemos reconocer que Corin Hardy hace bastante con el escaso material recibido, sin embargo, a pesar de sus notables esfuerzos, el resultado no logra llegar al nivel de las expectativas.

Solo para fans. Nada más.

Ficha técnica

Título original: Whistle
Año: 2025
Duración: 85 minutos
País: Canadá
Compañías: Coproducción Canadá-Irlanda; No Trace Camping, Wild Atlantic Pictures. Distribuidora: IFC Films, Shudder
Género: Terror | Sobrenatural. Slasher
Guion: Owen Egerton
Música: Doomphonic
Fotografía: Björn Charpentier
Reparto: Dafne Keen, Sophie Nélisse, Sky Yang, Jhaleil Swaby, Ali Skovbye, Percy Hynes White, Michelle Fairley, Nick Frost
Dirección: Corin Hardy

El Sonido de la Muerte - Por Juan Pablo Donoso

Un intento flojo por revivir la vieja trama de los "adolescentes malditos". Ya hemos visto suficientes.

Temática superficial con gore estudiantil, religiosidad perversa, drogas y lesbianismo redentor.

Un grupo de inadaptados estudiantes de educación secundaria encuentran un antiguo silbato olmeca de arcilla. Descubren que al soplarlo, y oír el aterrador sonido que emite, morirán en un futuro próximo.

Lejanas resonancias de filmes sangrientos de Dario Argento de los 70; y por su tratamiento de color e irracionales comportamientos, una mala réplica de los primeros filmes de David Lynch.

Secuencias y diálogos elementales, y giros gratuitos para que siga la acción.

Se reduce a un juego de esperar a ver quién muere y cómo, sin intentar ir más allá de los clichés de jóvenes inmaduros que tan a menudo vemos en este tipo de películas.

Esboza algunas sugerencias que nunca alcanzan su potencial. Faltó consistencia para elevar el nivel de este género de terror y sangre ya tan manido. Oportunidades perdidas.

Ciertos elementos de la trama se sienten apresurados, mientras otros tienen poco desarrollo. Narrativa sin complejidad laberíntica que pudo elevar el misterio y el suspenso.

Se siente dispersa, como si la historia se dirigiera en múltiples direcciones sin un enfoque claro. Cualquier cosa que prometa ser remotamente nueva se desperdicia.

Los actores intentan elevar la tensión cuando el guion falla. Solidarizamos con los esfuerzos de la protagonista española Dafne Keen por rescatar nuestra empatía.

Condimentada con gran variedad de temas musicales de diversos tipos y épocas.

Este Whistle (pito en inglés) falla en mantener su melodía... cualquiera que sea.

CAJÓN DE ABUELA CON ALTO PRESUPUESTO. METE DE TODO PARA SALVAR MUY POCO. SÓLO PARA ESPECTADORES NOVATOS.

Ficha técnica

Título Original: Whistle

2025 Terror folclórico Canadá, Irlanda -1,37 hrs. 

Fotografía: Björn Charpentier 

Edición: Nick Emerson Música: Doomphonic 

Diseño Prod.: Jennifer Spence 

Guion: Owen Egerton 

Actores: Dafne Keen, Percy Hynes White, Sophie Nélisse 

Director: Corin Hardy

Detrás del Engaño: Michael Jackson - Por Jackie O.

"El niño que no creció"

Con fotografías y videos de archivos, tres expertos hacen un análisis de la personalidad de una leyenda. Específicamente de su lenguaje corporal, lingüística y psicología, estudiarán sus palabras y acciones. Escucharemos qué dicen de las personas sin necesidad de hablar.

A estos profesionales los separaremos en "El Observador", Steve Knopper, doctor en Inteligencia emocional, quien hablará sobre el lenguaje corporal, las expresiones faciales y la voz con los mensajes que quiere emitir nuestro personaje. "La Oyente", Dawn Archer, una profesora de lingüística, nos indicará qué dicen las personas, cómo lo dicen y qué quieren comunicar. Y la tercera invitada es "La perfiladora", Kerry Daynes, una consultora y psicóloga forense, perfiladora criminal.

Junto con estos profesionales veremos videos de entrevistas a Michael Jackson, quien a los cinco años detuvo su infancia por un padre maltratador. Qué opinan, por qué opinan lo que opinan, es interesante escucharlos.
¿Sus títulos y experiencia son la verdad absoluta de lo que opinan sobre otro?
Solo escuchamos, prestamos atención a sus comentarios. Sacamos nuestras conclusiones.

¿Cómo resaltar las virtudes de un niño sin caer en el abuso?
No hay que ser profesional para saber que cuando se roba la infancia de un niño, aquello desata traumas en su adultez.

Michael Jackson no fue condenado por abuso sexual. Algunos a favor y otros en contra de dicha decisión; él siguió su vida, era el Rey del Pop.
Había problemas en su interior... Solo sabemos que creo un imperio, falleció a los 50 años, es una leyenda que jamás desaparecerá. Y existen y existirán muchos documentales sobre Michael Jackson.
¿Abusador o una víctima?

Maltrato infantil, éxito, salud mental, mentiras, secretos...

Solo debemos, como adultos, cuidar a los niños; y si tienen habilidades, tener la precaución de potenciarlas correctamente sin hacer que se salten etapas de su vida. Y enseñarles sobre su cuidado personal. Démosles la confianza de hablarnos de sus temores y alegrías.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Documental
2022. 45 minutos.
Michael Jackson: A Faking It Special
Productor ejecutivo: Steve Anderson

Río largo y brillante - Por Jackie O.

"Un camino de almas perdidas "

Miniserie de drama policial basada en el libro homónimo de Liz Moore (2020).

Una oficial de patrulla que trabaja en el barrio de Kensington, Filadelfia, con problemas y una alta tasa de criminalidad, investiga los asesinatos de tres mujeres locales mientras busca información sobre la desaparición de su propia hermana.

Mickaela, o Mickey, es una joven oficial, madre soltera de un brillante niño de 8 años. Mickey es estructurada y quiso de muy joven ser policía, pero su hermana Kacey, que siempre fue rebelde y drogadicta, se dedicó a la calle y vive en cualquier lugar donde se pueda drogar. Mickey la vigila de lejos hasta que desaparece, justo cuando mujeres jóvenes drogadictas son encontradas muertas. Mickey se desespera y comienza una búsqueda incesante de su hermana y eso le trae consecuencias, porque comienza a nadar en un mar de secretos, muertes, miedos e ira.

La trama sigue a Mickey en esta búsqueda de saber dónde esta su hermana y, a la vez, descubrir al asesino de las chicas.
Mickey, lleva el sufrimiento de todos en sus hombros, quiere ayudar a todos y se deja siempre ella al final. Su aspecto desaliñado y cansado es de todo momento. Trata de ser feliz, pero siempre surge algo que la vuelve a su estado deprimente; su salvación para seguir en pie es su hijo.

Estamos ante un drama familiar, más que policial, ya que la parte detectivesca decae debido a que estamos en cada momento sumidos en dramones familiares, paseando por calles donde la pobreza y el abandono es una constante.

Las actuaciones son buenas, la puesta en escena también, así como el peinado y maquillaje. Los temas tratados son la miseria humana, el abandono, la dependencia, no solo de drogas sino sentimental, el sacrificio, la amistad, la desconfianza, el saber hacer lo que es correcto, el saber perdonar y, principalmente, perdonarse a sí misma para así andar por un camino con base fuerte y no caer en un río sin fondo.

Mucho drama y poca tensión detectivesca, y esto último, que es parte importante, faltó, ya que su desenlace fue algo frío.

Aún así, es interesante verla.

Disponible en HBO Max.

Ficha técnica

Título original Long Bright River
2025. 8 capítulos
Creado por Nikki Toscano - Liz Moore
Protagonizada por Amanda Seyfried, Ashleigh Cummings, Callum Vinson, Juan Doman

Marty Supremo - Por Carlos Correa Acuña

Nueva York, años 50. Marty Mauser -Timothée Chalamet-, joven y carismático vendedor de zapatos en la tienda de su tío Murray, aspira a ser campeón mundial de tenis de mesa. Su vida es un carrusel: compite profesionalmente en su deporte, se ve en secreto con su amiga de infancia Rachel Mizler -Odessa A'zion-, incursiona en la venta de pelotas personalizadas de color naranja junto a su amigo Dion -Luke Manley-, y mantiene una prudente distancia con su madre Rebecca -Fran Drescher-. El afán de Marty no conoce límites: no duda en asaltar la caja fuerte de su propio tío para conseguir los prometidos 700 dólares y viajar al Abierto Británico, con la confianza de obtener una gran victoria.

Ya en Londres, y pensando en grande como siempre, Marty declina quedarse en el lugar asignado junto a todos los deportistas participantes y logra alojarse en el lujoso hotel Ritz, donde conoce a Kay Stone -Gwyneth Paltrow-, una atractiva actriz retirada, y a su marido, el magnate Milton Rockwell -Kevin O'Leary-, un influyente hombre de negocios. Todo parece ir viento en popa. Marty, incluso, seduce a Kay mientras avanza sin parar hasta las etapas cruciales del torneo. Sin embargo, el resultado en el juego final es decepcionante: pierde estrepitosamente ante el crédito japonés Koto Endo -Koto Kawaguchi-, un campeón sordo y sobreviviente de la Segunda Guerra Mundial.

La derrota cala hondo en Marty. Aunque debe reponerse, no da su brazo a torcer. Quiere una revancha al año siguiente, en Tokio, aunque rechaza realizar un partido de exhibición previo ante Endo, financiado por Rockwell. Marty desea seguir su camino y hacer caso a su instinto; vuelve a Nueva York y, desde ese momento, nada resulta según sus planes.

La cinta está basada libremente en la vida de Marty Reisman, un campeón de ping pong que empezó a jugar por apuestas en Manhattan, llegó a ganar 22 títulos importantes y se convirtió en el más veterano en ganar una competición nacional de deportes de raqueta, con 67 años. El filme se mueve entre la intrincada vida personal del protagonista y sus glamorosas competencias profesionales. En el metraje convive un poco de todo: momentos deportivos brillantes, secciones íntimas y escenas vertiginosas, en un recorrido que, por instantes, extravía un poco el foco.

El director, Joshua Safdie, autor del guion junto a Ronald Bronstein, filma muy de cerca cada una de las secuencias. La fotografía, casi totalmente captada en 35 mm, ayuda a generar un estilo muy apropiado para la época, con tomas preciosas de los partidos de ping pong, junto a un particular sello para los interiores y exteriores de las acciones cotidianas.

El centro del filme es Timothée Chalamet. Su actuación deslumbra, porque no solo asume el peso dramático que significa encarnar al personaje, sino que, además, se mueve literalmente como “pez en el agua”. El rol de Mauser, sin duda ultra demandante, se ve sencillo en Chalamet. Tanto es así que el desparpajo de su actuación se aprecia tan natural, que en ningún momento se ve forzado su carácter ni exagerada ninguna condición. Se trata de la personalidad del personaje, una actuación que transmite a cabalidad una esencia avasalladora, de confianza absoluta y ambición desmedida. Mauser lo quiere todo, ahora, ya, y Timothée Chalamet parece su alter ego, con una soltura y brillantez que inunda la pantalla.

“Marty Supreme” vuela en su primera hora. Desde aquel inicio con la representación gráfica de una fecundación hasta el torneo británico, no tenemos pausas y vivimos dentro de una escalada que no tiene fin. El problema viene después, cuando la película se centra en profundizar los problemas personales de Mauser mientras se propone volver a competir al año siguiente en Tokio. Desde ese momento, con las peripecias, las aventuras y desventuras de un hombre que no tiene claro su rumbo y que debe madurar a punta de golpes, la película entra en un trance del que finalmente logra salir cuando Marty comienza a encontrar respuestas donde menos lo imagina.

Ficha técnica

Título original: Marty Supreme
Año: 2025
Duración: 149 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, Elara Pictures, IPR.VC. Distribuidora: A24
Género: Drama | Biográfico. Deporte. Ping-pong
Guion: Ronald Bronstein, Joshua Safdie
Música: Daniel Lopatin
Fotografía: Darius Khondji
Reparto: Timothée Chalamet, Gwyneth Paltrow, Odessa A'zion, Kevin O'Leary, Tyler Okonma, Abel Ferrara, Fran Drescher
Dirección: Joshua Safdie

Marty Supremo - Por Juan Pablo Donoso

Las fascinantes aventuras de un genial deportista sinvergüenza.

Biografía idealizada de Marty Reisman (aquí Mauser), apodado Supremo. Joven soñador judío, neoyorkino, que en 1952 decidió ganarse el respeto mundial en un deporte que pocos tomaban en serio, el ping-pong. Su ambición lo sumergió en un torbellino de libertinaje, apuestas clandestinas, riesgos insensatos para finalmente, ¡tal vez!, redimirse…

La poca novedad del argumento se compensa con una factura, edición, actuaciones y banda sonora musical, extraordinarias.

Testimonio de cómo los emigrantes neoyorkinos debían ingeniarse para sobrevivir y prosperar

Larga, pero siempre amena. Llena de giros inesperados. La energía del montaje hace que sus dos horas y media pasen volando.

Si bien Timothée Chalamet asumió de manera brillante el protagonismo - al punto de estar nominado al Oscar - la selección y el nivel general de los secundarios tiene poco que envidiarle.

El mérito electrizante es del guion y del pulso que le dio su director Josh Safdie. A este realizador ya le conocíamos filmes anteriores, también muy vigorosos, hechos junto a su hermano Benny: Diamantes en Bruto - 2019, y Viviendo al Límite - 2017. Pero la artesanía narrativa de esta demuestra cuánto ha mejorado en fuerza rítmica y precisión interpretativa.

Safdie mantiene su habitual atmósfera sofocante, donde una serie de tramas entrelazadas se convierten en ansiedad interminable.

La trayectoria actoral de Timothée Chalamet (de solo 30 años) Bob Dylan (2024) - Lady Bird (2017) - Llámame por tu Nombre (2017) - Beautiful Boy: siempre serás mi Hijo (2018) - Duna (1 y 2), es testimonio de su versatilidad, y ahora, hasta contribuyó con la producción ejecutiva de este filme.

Los actores maduros como Rockwell (Kevin O´Leary, quien en la vida real es también un gran empresario), Sethi (Pico Iyer) y Larry 'Ratso' Sloman, entre otros, son un manjar.

Fue sorprendente ver en Rebecca (madre de Marty) a una irreconocible Fran Drescher (la famosa Nanny de la premiada serie de humor). Aunque breve, demuestra ser también una actriz de peso dramático.

Por todo lo que luce su talento Rachel (Odessa A'zion), la presencia de la consagrada Gwyneth Paltrow pudo ser interpretada por cualquier otra buena actriz. Solo se impone por su carisma y cartel.

La anacrónica banda sonora de synth pop/rock de los 80 es pertinente.

La película ironiza desde el comienzo con sus metáforas de espermatozoides y miel.

El verdadero Reisman (1930-2012), fue un arquetipo de campeón para la comunidad neoyorquina durante décadas. Famoso por su habilidad, estilo extravagante y afán exhibicionista. Lo llamaban "la Aguja" por su juego punzante y su esbelta figura. En sus memorias de 1974, The Money Player, escribió que los mejores jugadores de ping-pong debían ser "truhanes, amorales o contrabandistas".

Energía frenética, dirección creativa y gran actuación de Chalamet nos hacen desear que incluso sus barrabasadas tengan éxito.

RELATO AGUDO QUE CUMPLE SU OBJETIVO DE ENTRETENER, ADMIRAR POR SU FACTURA Y MANTENER LA TENSIÓN. MUY BUENA.

Ficha técnica

Marty Supreme

2025 Drama de época - deportes EE.UU. - Finlandia - 2,29 hrs. 

Fotografía: Darius Khondji 

Edición: Ronald Bronstein, Josh Safdie 

Música: Daniel Lopatin 

Diseño Prod.: Jack Fisk 

Guion: Josh Safdie, Ronald Bronstein 

Actores: Timothée Chalamet, Gwyneth Paltrow, Odessa A'zion 

Director: Josh Safdie

Aún es de noche en Caracas - Por Carlos Correa Acuña

Expectación. No había tenido la oportunidad de ver una película sobre la situación de Venezuela en los últimos años y justo llega este trabajo basada en la novela de Karina Sainz Borgo, “La hija de la española”.

Mariana Rondón y Marité Ugás, guionistas y directoras, elaboran un drama íntimo que muestra cómo Adelaida -Natalia Reyes-, una escritora de 38 años que acaba de perder a su madre es despojada de su departamento por las milicias revolucionarias. Sin saber qué hacer, se refugia en otro departamento del mismo piso, el de una vecina, y desde allí comienza a concebir un arriesgado plan para esquivar las protestas y los enfrentamientos callejeros con el objetivo de huir de un encierro obligado y cruel.

Uno de los elementos que llama la atención en esta película es el contrapunto entre la soledad de la protagonista y la violencia desatada en las calles. El ambiente externo se ve muy bien filmado y convincente, pero cuando las tomas regresan a los interiores, la cadencia del relato se acentúa y no logra contener la tensión. Si bien, los peligros traspasan la pantalla, usar como recurso algunos recuerdos y cierta ensoñación es algo que no funciona del todo bien.

Las situaciones reales -allanamientos, el asedio de las motocicletas y el actuar de grupos paramilitares- se sienten muy fuertes, generan temor e incrementan la sensación de orfandad de Adelaida. Esa apropiación en nombre de la revolución, pero también contradictoria por las disputas entre los mismos grupos que la generan, constituye una buena muestra de aquella dicotomía que genera el poder exacerbado.

Cuando entra en escena Santiago -Moisés Angola-, un joven supuestamente desaparecido por el régimen y que ahora colabora con los “colectivos”, la película parece tomar otro rumbo. No obstante, nuevamente se detiene, aunque entrega valiosa información sobre la represión y las torturas al enlazar con el pasado de Adelaida.

No hay duda que los recuerdos y añoranzas de la protagonista se convierten en su principal motivación para superar esta situación límite. No obstante, Natalia Reyes parece llevar demasiado peso sobre sí misma, pues no logra sostener la carga dramática ni transmitirla a su personaje. Esto se refleja en un metraje que se siente algo plano y monótono, dando cuenta de recursos limitados que solo consiguen un mayor desarrollo cuando la filmación regresa a las calles para describir los enfrentamientos.

“Aún es de noche en Caracas” no toma vuelo, se queda a ras de piso, al límite. No basta con hacernos vivir el conflicto de 2017 y tampoco proveer imágenes que por momentos pueden parecer un trabajo documental. Al no tener variaciones y sin la búsqueda de un arco dramático claro, la cinta se va desdibujando, perdiendo el interés progresivamente, al punto de ensayar un final que se torna predecible.

Como observación final, ninguna de las críticas al guion y a la filmación pueden disminuir el mérito que indudablemente tiene esta cinta: mostrar una realidad que apenas intuimos, pero que aquí vemos representada, quizá, con muchos más elementos de los que solo imaginamos al escuchar o leer noticias sobre lo que sucede en Venezuela.

Ficha técnica

Título original: Aún es de noche en Caracas
Año: 2025
Duración: 97 minutos
País: Venezuela
Compañías: Coproducción Venezuela-México; Redrum, Absolute Artists, Impression Entertainment
Género: Thriller. Drama
Guion: Mariana Rondón, Marité Ugás. Novela: Karina Sainz Borgo
Música: Camilo Froideval
Fotografía: Juan Pablo Ramírez
Reparto: Natalia Reyes, Moisés Angola, Sheila Monterola y Edgar Ramírez
Dirección: Mariana Rondón, Marité Ugás

El Gran Premio: a toda Velocidad - Por Carlos Correa Acuña

Esta película animada alemana, sobre un Gran Premio que recorre varios escenarios europeas, me trajo muchos recuerdos de “Los autos locos”. Hay un dejo de esas clásicas carreras donde “todo vale” para conseguir la victoria, pero finalmente el bien se logra imponer sobre el mal.

La historia se centra en Edda, una fanática de las carreras que sueña con convertirse en piloto y trabaja atendiendo en el parque de diversiones que posee su familia. Cuando la competencia automovilística llega a la ciudad, Edda desborda entusiasmo. Su ídolo, Ed, el más joven y exitoso de los pilotos, se apresta a enfrentar un nuevo desafío y ella estará allí, en primera fila, para presenciarlo. Pero no todo es almíbar. Edda es curiosa e incursiona en el Paddock, “toma prestado” el bólido del campeón, y se arriesga a conducirlo. El punto es que las consecuencias son trágicas: Ed queda lesionado cuando intenta impedir un accidente y solo hay una solución posible: que Edda ocupe su lugar en la competición.

Esta simpática cinta toma como punto de partida un sinfín de caricaturas. Cada piloto y su auto representa algún personaje especial, con características propias y una intención totalmente transparente. Por otro lado, el entorno de competición es puro glamour, parafraseando el mundo real de las competencias y esbozando claramente la línea farandulera cada vez más presente.

Lógicamente, tenemos a los buenos y a los malos, con puntos intermedios, claro está. Todo esto, además, está tras una gran capa de apariencias, de modo que no sea tan evidente lo que puede ser o no ser. Además, el guion entrelaza la historia familiar de los personajes con necesidades acuciantes -como la quiebra del parque o el pasado del joven campeón-, lo que introduce un contrapunto interesante a los sueños que tiene Edda y la ambición de Ed.

Con muchos valores involucrados, como la familia, el compañerismo y la amistad -a veces enfrentados a sus opuestos directos-, esta cinta se gana un espacio en la animación gracias a la fluidez de su desarrollo y a un colorido que llama la atención desde el primer momento. Locos efectos especiales y una velocidad extrema hacen que la película literalmente vuele y deje abiertas las puertas para nuevas aventuras. Ojalá volvamos a ver a estos carismáticos personajes, con nuevos paisajes y nuevos desafíos. El material existe y solo hay que “echar a correr” la imaginación.

Ficha técnica

Título original: Grand Prix of Europe
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Alemania
Compañías: Coproducción Alemania-Reino Unido; MACK Magic, Mack Animation, Mack Media, Timeless Films
Género: Animación. Comedia. Infantil | Coches/Automovilismo. F1
Guion: Kirstie Falkous, Jeffrey Hylton, John T. Reynolds, Ben-Alexander Safier, Joe Vitale. Historia: David Ginnuttis, Ben-Alexander Safier
Animación
Dirección: Waldemar Fast

Glamorosa - Por Jackie O.

"Eres hermoso"

Serie Lgtbq+ sobre la industria de la belleza, con la magnate del maquillaje Madolyn Addison y un joven con sueños de belleza.

Marco es un joven gay que trabaja en un centro comercial en la sección de maquillaje, y tiene un canal de YouTube que casi nadie sigue; y él sueña con trabajar en la industria de la belleza y ser un famoso influencer, vive con su abnegada y amorosa madre abogada, a quien tampoco le va bien en lo económico. Hasta que la suerte toca la puerta de Marco, porque llega a su puesto de trabajo la mismísima Madolyn Addison, creadora de la marca de lujo del mismo nombre. Marco, quien no tiene nada de timidez, con su simpatía se gana su atención y por ende un puesto de asistente en su empresa. La vida de Marco da un giro a su favor, está acercándose a su propósito en la vida.

Al llegar a la empresa se encuentra con gente diversa, donde muchos son de la comunidad Lgtbq+ , también carácteres y estilos de vida diferentes, personas de toda índole creativa y muy fashionistas. Así comienzan los enredos amorosos y rivalidades, donde el tono de comedia prima más que el drama.
La confianza en el trabajo, los enredos de la industria, cómo se mueven en el mundo de la Belleza, la angustia de tal vez perderlo todo, versus el éxito rotundo es la tónica.

Comedia dramática liviana, pero no apta para homofóbicos, ya que la comunidad Lgtbq+ es la principal en esta serie, y hacen bastante ruido. Además, hay droga y sexo (esto último sin mostrar nada, tranquilos)
A pesar de ser amena, sin que sea imprescindible, se canceló la segunda temporada, porque daba para seguir con la historia de nuestros protagonistas, quienes habían tomado ciertas decisiones en sus vidas.

En qué podría fallar, en la caricaturización en la que cae a veces.

Tiene buena banda sonora, encantador vestuario, maquillaje bello. Con personajes muy amenos, las actuaciones te hacen empatizar con la mayoría, donde se tratan variados temas como la amistad, el amor, la traición, la discriminación, el trabajo en equipo, los miedos y más, en esta serie (o miniserie) de  Netflix.

Ficha técnica

Título original: Glamorous.
10 capítulos . 2023.
Creado por: Jordan Nardino
Protagonizada por Kim Cattrall, Miss Benny, Jade Payton, Zane Phillips, Michael Hsu Rosen, Ayesha Harris, Graham Parkhurst

Sirāt: trance en el desierto - Por Carlos Correa Acuña

Intensa. Aún no me repongo. Sirât es una experiencia diferente, con creces.

La trama es sencilla, aunque extremadamente aguda. Un padre y su hijo buscan a su hija-hermana. Mar lleva meses desaparecida tras participar en fiestas rave en el desierto de Marruecos. Ambos están angustiados. Viajan buscando estos eventos multitudinarios, muestran su foto y dejan volantes; nadie sabe nada. No la reconocen. Pero las fiestas transitan por diferentes lugares; aún hay esperanza.

Comienza un movimiento de tropas. Llegan militares, todo debe terminar. Conminados a abandonar la zona, dos caravanas se separan de la línea y se dan a la fuga. Luis -Sergi López- y Esteban -Bruno Núñez Arjona- los siguen, asumiendo un riesgo que tal vez es la única opción para seguir buscando a Mar.

La travesía de padre e hijo ya no la realizan en solitario. Tonin -Tonin Janvier-, Jade -Jade Oukid-, Josh -Joshua Liam Henderson-, Stef -Stefania Gadda-, y Bigui -Richard Bellamy- ahora son sus guías. No es fácil la comunicación. Estos ravers se dejan llevar por el camino, no tienen un destino definido, son verdaderos nómades; ya encontrarán, tarde o temprano, un lugar donde quedar.

El tránsito a través del desierto se transforma en odisea. Cada paso involucra dificultades crecientes. Con el clima y la geografía como sus mayores peligros, la expedición prosigue su marcha hacia un incierto destino.

El director Oliver Laxe nos propone vivir una experiencia. Desde un inicio queda claro que lo suyo es la inmersión, sumergirnos en el mundo rave -desconocido totalmente para mí- como si fuéramos uno más. Y es un acierto la técnica que utiliza: se trata del sonido, tanto con su banda sonora como con la captación de cada mínimo detalle auditivo.

Notable resulta el diseño sonoro. La cinta comienza con ruidos ambientales, el viento soplando en el desierto y el armado de un conjunto de parlantes. Suena todo, clarísimo, como si estuviéramos allí, a dos pasos, insertos en el lugar. ¡Click, clack!, el sonido de los cables calzando al interior de los conectores, junto al roce de los cajones. En segundos pasamos del silencio absoluto al clamor ensordecedor de la música electrónica compuesta por Kangding Ray. Ritos, casi ancestrales, coexisten en esa monotonía rítmica, muchas veces carente de melodía y armonía. Es básica, instintiva y en ocasiones brutal. Son ritmos que parecen latidos, de desenfreno y que, simultáneamente, provocan anulación sensorial.

Sirāt podría clasificarse como una película de ruta pero es bastante más. Es una obra profunda, desgarradora, de esas incómodas de ver pero que se quedan en la retina. Se trata de un viaje con un objetivo que poco a poco se transforma, se deshace y deriva en algo diferente. Muchas vertientes confluyen, algunas evidentes y otras en extremo sutiles. Desde un conflicto armado que amenaza tener proporciones mundiales, hasta la profunda intimidad de cada uno de sus personajes en busca del sentido de la vida.

Dos aspectos para concluir. El primero, los actores, salvo López y Núñez Arjona, no son profesionales, lo que otorga un alto nivel de naturalidad a la obra. Segundo, la explicación en detalle del título: “dicen que para alcanzar el paraíso se debe cruzar un puente tendido sobre el infierno que es extremadamente fino y peligroso, tan delgado como un cabello y más afilado que una espada. Se denomina Sirāt y según indica la tradición islámica tanto justos como pecadores pasarán por este vertiginoso camino para alcanzar la salvación.”

Ficha técnica

Título original: Sirât
Año: 2025
Duración: 114 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Francia; Filmes Da Ermida, El Deseo, Movistar Plus+, 4A4 Productions, Uri Films. Distribuidora: BTeam Pictures
Género: Drama. Intriga. Thriller | Road Movie. Secuestros / Desapariciones. Música
Guion: Oliver Laxe, Santiago Fillol
Música: Kangding Ray
Fotografía: Mauro Herce
Reparto: Sergi López, Bruno Núñez, Jade Oukid, Tonin Janvier, Richard Bellamy
Dirección: Oliver Laxe

Sirāt: trance en el desierto - Por Jackie O.

“Un camino hacia un puente suspendido en el infierno, tan fino como un cabello, y tan cortante como una espada”.

Tal vez, dos palabras que surgen mucho en esta película sean desconocida para la mayoría: Raver y Sirāt. Ravers, son fiestas clandestinas de música electrónica. Su cultura está centrada en la libertad, la comunidad y experiencias sensoriales intensas, realizadas en lugares poco convencionales, como fábricas abandonadas o campos abiertos. Y Sirāt, es una palabra árabe que significa 'camino' o 'sendero'.

Dicho esto, tenemos una cinta donde vemos a un angustiado padre, Luis, con la foto de su hija perdida. Está con su hijo Esteban, de unos 13 años más o menos, quienes, entremedio de la música electrónica y la droga, consultan por ella a personas de aspecto desaseado y cansados de tanto bailar. Solo sabemos que se fue del hogar a un raver y debe tener unos 18 o 20, años más o menos. No sabemos más de ella, menos las razones para no contactarse con su familia, por lo que podemos especular que se fue del hogar para no saber nada más de su familia, o le pasó algo grave. Porque Luis no dice nada de su último encuentro con su hija.

Entre el alboroto, Luis sigue a un grupo de personas que sigue de parranda en el desierto. Tal vez ellos lo guíen hacia su hija; su hijo y su perrita están con él. Pero, en todo momento me pregunté ¿por qué exponer al hijo a este ambiente hostil?

La cinta se maneja en este ambiente desértico de Marruecos, donde un grupo de personas de todas las edades disfruta de la música electrónica, se mueve “en su onda”, nadie critica a nadie, el que quiere se droga y quien no, no. Se come lo que cada quien mantenga, y se vive de acuerdo a lo que se presente en el momento. Son nómades siguiendo el ritmo de esos enormes parlantes que los llevan a un trance techno.

No es el ambiente de Luis ni menos del joven Esteban, por lo que deben adaptarse rápido a las inclemencias del tiempo, el estruendoso ruido, a comer racionado, y los problemas del camino.

La primera etapa de la cinta nos lleva a lo antes descrito, pero repentinamente la cinta cambia, y el dolor nos embarga. Un accidente que nadie vio venir, un desenlace horrible que nos aprieta el corazón. ¿Vale la pena seguir este camino que ya se transforma en un infierno?

Hay situaciones que no son predecibles, pero otras sí. Estamos en una aventura de peligro constante, pero ¿les importa?…

Un doloroso camino que va de mal en peor, donde no sé si los protagonistas se cuestionan sus decisiones, si le toman el peso a la vida, o es solo vivir el momento y Dios proveerá.

Su final me es algo contradictorio. Puedo hablar del sentido a la vida que toman los protagonistas en este drama, con su estilo sensorial de corte road movie con estética post-apocalíptica y toques de post-punk; que no sé qué tan espiritual pueda ser… me genera duda, donde el dolor se toma el final.

También lo podría traducir a este viaje sensorial techno, donde el director no supo cómo terminarla y sacó al “Gaspar Noé” que lleva en su interior y copiar algo de su estilo transgresor.

Pero es indiscutible su hermosa fotografía, estilo Mad Max, arriesgada y muy natural; es un personaje más en la historia. Los planos nos muestran mucha lejanía, espacios amplios donde el ser humano se ve insignificante.

La banda sonora es genial. Quieres estar moviéndote a su ritmo, compuesta por el músico francés Kangding Ray, otro gran personaje en la trama.

Luego de todo lo visto podemos reflexionar sobre la pérdida, el abandono, la búsqueda y la transformación personal, con un contexto también sociopolítico, con un choque cultural y conflictos bélicos en ese desierto marroquí.

Pareciera que cada paso que se da se vive y siente como una prueba, en un mundo que, al parecer, está erosionado.

Obtuvo el Premio del Jurado en Festival de Cannes 2025. También, Premio Cannes Soundtrack a David Letellier (Kangding Ray), por la mejor composición musical. Y Gran Premio del Jurado del Palm Dog 2025 para Pipa (ya fallecida) y Lupita, las dos perritas de la película.

Nominada a mejor película en los Globos de Oro, Premios Goya 2026, Premios Bafta 2026. Óscar 2026, nominada en la categoría de Mejor película internacional y a Mejor sonido. Entre otros premios y nominaciones.

Ficha técnica

Director: Oliver Laxe
Guion Óliver Laxe y Santiago Fillol
Fotografía Mauro Herce Mira
Protagonistas: Sergi López, Bruno Núñez, Jade Oukid, Tonin Janvier, Richard Bellamy
España - Francia
2025. 115 minutos.

¡Ayuda! - Por Carlos Correa Acuña

La premisa de esta película ya la hemos visto algunas veces; sin embargo, en manos del director Sam Raimi se siente diferente.

Linda Liddle -Rachel McAdams- es una destacada empleada del Departamento de Planificación y Estrategia de su empresa. Trabajadora obsesiva, sueña con obtener el ascenso que su jefe le ha prometido, pero él fallece y su hijo Bradley Preston -Dylan O'Brien- asume el puesto de CEO. Obviamente el escenario se modifica, ya que el joven líder tiene otros planes y Linda no encaja para nada.

Un viaje a Bangkok para concretar un negocio abre una puerta. A pesar de sus prejuicios, Bradley le da una oportunidad a Linda para que demuestre su valía; pero él está lejos de estar convencido y las burlas hacia ella, junto con la del resto de sus compañeros, no tardan en llegar. Pero ocurre lo inesperado: el pequeño Jet es alcanzado por un rayo, evento que desencadena un accidente que los deja varados en una isla desierta en medio del océano. Quedan solos: Linda y Bradley, nadie más. ¿Quién es ahora el jefe? Los roles se invierten -la premisa que señalaba al comienzo-, pues Linda lleva la batuta ahora y no solo se propone asegurar la supervivencia de ambos.

Sam Raimi filma un guion de Damian Shannon y Mark Swift que amenaza ser más de lo mismo. No obstante, las sorpresas, aunque tardan un poco en llegar, resultan muy bienvenidas.

Si la película comienza sobre un escenario plano, con mucha conversación y haciendo una caricatura de todas las situaciones, desde el accidente y la “nueva vida” en la isla, la dinámica cambia. Bien filmada y editada, lo típico deja de serlo paulatinamente, porque el metraje se va tiñendo de un humor negro bastante fino y especial.

Linda cuida a su jefe pero se sabe con ventaja. Y la aprovecha, porque honestamente quiere darle algunas lecciones de vida para aplacar su soberbia y altanera actitud. Por momentos, parece que lo consigue, en una especie de “venganza de los nerds”, sin embargo, hay cierta esencia en el ser humano que en verdad es muy difícil de modificar.

La dupla protagónica funciona bien. La química entre ambos es natural y fluida; no cansa que sobre sus hombros recaiga casi el 90% del metraje. Los estereotipos que ambos representan son exagerados, obviamente, pero a pesar de ello, los dos actores alcanzan puntos destacados al encarnar roles que podrían llegar a ser demasiado ficticios o fuera de lugar.

La partitura de Danny Elfman es un agrado, aunque nos deje con ganas de haber escuchado algo más. ¿Por qué? Por aquellos largos pasajes sin música que pueden ser un poco áridos, dado que los diálogos en esta cinta sobre apariencias, trabajo y condiciones personales, no logran llenar todos esos espacios.

En casi dos horas, “Send Help” se las arregla para mostrarse como una cinta interesante y diferente. De terror, poco, salvo unas escenas con jabalíes que parecen muy reales. Lo que sí tiene, en dosis mayores, es otra forma de miedo que podría ser aún más terrorífico si se llega a concretar. De hecho, el desenlace queda abierto a la reflexión y al juicio de los espectadores. ¿Qué haríamos en una situación como esa? ¿Damos lecciones o recibimos lecciones? ¿Nuestra esencia se mantiene o se modifica? Y como muestra, un botón.

Ficha técnica

Título original: Send Help
Año: 2026
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Raimi Productions. Distribuidora: 20th Century Studios
Género: Terror. Thriller | Catástrofes. Supervivencia
Guion: Damian Shannon, Mark Swift
Música: Danny Elfman
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Rachel McAdams, Chris Pang, Dylan O'Brien, Dennis Haysbert
Dirección: Sam Raimi

Sirāt: trance en el desierto - Por Juan Pablo Donoso

Una metáfora apasionante y dolorosa. Viaje desgarrador a ninguna parte. Nos recordó El Salario del Miedo (1953).

Sirat en árabe significa "camino" o "sendero". En el contexto islámico es el puente delgado y filudo que las almas deben cruzar el Día del Juicio para pasar del Infierno al Paraíso: concepto central en la escatología musulmana.

El tema central de esta película es la PÉRDIDA: de los seres que amamos, de partes de nuestros cuerpos, de lucidez por medio de las drogas o del baile desenfrenado con sonido atronador.

La vida es como un gran desierto que debemos recorrer en pos del AMOR… desaparecido, o, tal vez también perdido.

Un hombre y su hijo pequeño llegan a un gran carnaval de música y drogas en las montañas agrestes de Marruecos. Buscan a la hija perdida. Como nadie la ha visto, deciden seguir viaje hacia el sur cruzando el desierto, protegidos por un grupo de sonidistas transhumantes marginales.

Película “rutera” que habla más que de un simple viaje: es una travesía interior disfrazada de ruta polvorienta, donde las decisiones pesan más que los kilómetros y donde lo inesperado se convierte en permanente.

Llegar a esa fiesta fue casi un albur de último momento - para que los marginales lisiados se convirtieran en los únicos compañeros fieles.

Solo nos redime la SOLIDARIDAD ante quienes están más desvalidos que nosotros. Compasión por aquellos cuyas vidas diarias son inestables. Nos recuerda que la resiliencia a menudo surge cuando menos la esperamos.

Nadie sabe cuánto vivirá, ni cómo morirá, ni siquiera qué hacer con su vida si sobrevive… solo seguir avanzando - hacia lo desconocido - por el desierto en un tren cargado con personas tan desoladas como ellos mismos. (Secuencia final)

El peligro nos aferra a la vida y, como en toda gran tragedia, los personajes deben tomar ciegas decisiones una y otra vez.

Energía hipnótica y vibrante gracias a la banda sonora y al ritmo preciso.

Música, fotografía, maquillajes y diseño de vestuarios son perfectos; hasta los personajes secundarios emanan autenticidad.

De ritmo reflexivo y sombrío, a ratos pone a prueba la paciencia del espectador. Ese mismo pulso irregular permite retratar la belleza de la paternidad, y la empatía de quienes los rodean.

Es una lenta y profunda reflexión sobre la fragilidad de la condición humana, y de la ilusoria seguridad de los occidentales.

Con qué facilidad las estructuras en que confiamos, tanto físicas como anímicas, pueden derrumbarse por los imprevistos.

Sin misericordia desmantela la distancia entre “ellos” y “nosotros”. Vamos sin saber qué nos espera en el próximo minuto. Impotencia ante lo inesperado.

Un niño inocente y su perrito - expuestos al desafío - abren la eterna interrogante sobre los misteriosos designios de Dios.

Oscila entre el drama familiar, la solidaridad, el peligro y el suspenso: como si la propia película necesitara perderse para encontrar su camino.

Candidata de España para los Premios Oscar 2026. 

Cannes - Ganadora Premio del Jurado

AVANZAMOS SIN SABER HACIA DÓNDE. LA META IMPORTA MENOS QUE EL CAMINO. IMPACTANTE Y EMOTIVA. EXCELENTE.

Ficha técnica

2025 Drama psicológico, aventuras España, Francia - 1,55 hrs. 

Fotografía: Mauro Herce 

Edición: Cristóbal Fernández 

Música: Kangding Ray 

Diseño de Arte: Laia Ateca 

Guion: Santiago Fillol, Oliver Laxe 

Actores: Sergi López, Bruno Núñez Arjona, Stefania Gadda 

Director: Oliver Laxe

El día del fin del mundo: Migración - Por Juan Pablo Donoso

La primera fue realista y más dramática, con gran tensión y tonos oscuros. Para quienes nunca vieron aquella, o ya la olvidaron, esta secuela será entretenida, disfrutarán con los efectos especiales e, incluso, le perdonarán las concesiones de matinée.

En 2020 vimos cómo nuestro héroe - Gerard Butler (300 - Fantasma de la Ópera) - salvó a su familia del impacto de un meteorito refugiándose en un búnker en Groenlandia.

Ahora el búnker perdió seguridad y la familia deberá iniciar un largo y peligroso viaje al sur de Francia. Allá está el cráter Clarke (el más grande de la primera película). Es el único protegido de la radiación, de las tormentas, y la contaminación letal.

Cuenca gigantesca que luego de cinco años se convirtió en un paraíso. Además, dejó de ser un pozo volcánico.

Para divertirnos, y aprovechar el precio de la entrada, debemos mandar al diablo la lógica.

Una de las principales incongruencias es cómo conseguían combustible para un viaje tan largo.

De todas las personas que hallaron en el camino nadie parecía desnutrido, con deficiencia de vitamina D, enfermo o intoxicado por radiación.

Cuando llegan a Londres, los acoge una vieja amiga que cuida a un grupo de pacientes con Alzheimer. Ancianos que esperan ahí su destino; mientras tanto, ¿de dónde obtienen la comida?

Frente a los ataques enemigos pudieron quedarse sin balas en menos de 5 días. (¡!)

Nos pareció extraña la cantidad de enemigos secundarios, inútiles, y cómo terminan matándolos en cuestión de minutos. ¿Qué aportaban a la historia?

Secuela con un tono diferente a la primera. Menos destrucción a gran escala y más enfocada en la supervivencia, la atmósfera y el viaje.

Incentiva los valores de fortaleza familiar, confianza y trabajo en equipo.

El final - predecible y brusco - nos evocó la alegoría de Moisés al divisar la Tierra Prometida (también usado en El Planeta de los Simios).

La presencia y el talento actoral de Gerard Butler le aportan categoría a esta nueva aventura que sugiere la posible inclusión de una tercera parte.

Pudo ser mejor si los guionistas le hubieran dado un poquito más de lógica a las peripecias.

PELÍCULA DE CATÁSTROFES ACEPTABLE, AMBIENTADA EN UN MUNDO POST-APOCALÍPTICO. INFERIOR Y MÁS SUPERFICIAL QUE LA PRIMERA.

Ficha técnica  

Título Original: Greenland 2: Migration

2026 Suspenso post-apocalíptico EE.UU. - 1,38 hrs. 

Fotografía: Martin Ahlgren 

Edición: Colby Parker Jr. 

Música: David Buckley 

Diseño Prod.: Vincent Reynaud 

Guion: Mitchell LaFortune, Chrisw Sparling 

Actores: Gerard Butler, Morena Baccarin, Roman Griffin Davis 

Director: Ric Roman Waugh

El Gran Premio: a toda Velocidad - Por Juan Pablo Donoso

Largometraje animado, alemán, lleno de acción, ternura y humor.

Ed Euroratón y Edda Eurolauchita, son los protagonistas de esta gran competencia automovilística. Desde hace décadas son las queridas mascotas del Europa-Park de Alemania.

La joven ratoncita Edda sueña con coches de carreras. Cuando se acerca el Grand Prix de Europa, aprovecha la oportunidad de participar, conocer a Ed, su ídolo, desafiar adversidades y ayudar a la empresa familiar de ferias que está en apuros económicos.

Durante las sucesivas etapas de la carrera, se nos muestran diversas ciudades europeas. Imágenes emblemáticas cuya belleza resulta educativa para los niños.

Entre los competidores hay gran variedad de personajes secundarios y pintorescos. Algunos incluso se nos presentan, en principio, como malvados y tramposos. Pero la historia también está llena de giros inesperados y sorpresas. Nos previene sobre juzgar de antemano las reales intenciones de las criaturas.

Si bien nuestra heroína es Edda, y el fanfarrón con pies de barro es Ed, los demás constituyen una galería de tipos reconocibles, entre los que destacamos a María - la adivina esotérica - y Magnus el oso bonachón.

Este filme marca un hito en la evolución de Ed y Edda. Pasan de ser solo mascotas de un parque de diversiones a futuras estrellas animadas del cine internacional.

Ni pretenciosa ni aburrida. Solo una grata película familiar, a la antigua, como las que solíamos ver.

HISTORIA CLARA Y AMENA. ENCANTO Y HUMOR QUE ESTIMULA TEMAS DE DETERMINACIÓN Y TRABAJO EN EQUIPO. LA DISFRUTARÁN GRANDES Y CHICOS.

Ficha técnica

Título Original: El Gran Prix de Europa

2025 Aventuras, animación Alemania -1,38 hrs. 

Edición: Bjorn Teubner 

Música: Volker Bertelman 

Guion: Kirstie Falkous, Jeffrey Hylton, John T. Reynolds 

Director: Waldemar Fast