Exit 8 - Por Juan Pablo Donoso

Inquietante y poética alegoría de un proceso de maduración paternal.

Aunque inspirado en un video-juego, este relato unitario logra misterio y valor metafórico.

El propósito del autor es más profundo y sugerente. Vivencia cercana a una pesadilla, cuyos secretos del inconsciente solo emergen al dormir.

Un hombre joven, atrapado en un interminable pasadizo del Metro necesita encontrar la salida 8. Las reglas son perentorias: si descubre una anomalía, retroceda inmediatamente. Si no lo hace, siga adelante. Luego egrese por la salida 8. Más, un solo descuido lo mandará de vuelta al principio. ¿Llegará alguna vez a su meta y escapará de este corredor infinito?

Con la metáfora continua de la cinta de Moebius - en el laberinto de una estación de Metro - ilustran musicalmente la reiteración acumulativa del Bolero de Ravel - alternada con lo romántico de Debussy y lo barroco/teológico de Jesús Alegría del Hombre de Bach (BWV 147).

Un llamado poético y “visceral” al “don de la paternidad responsable” - dilema de “tomar una decisión” en contraste con el egoísmo o la cobardía de tantos que solo se comprometen cuando puedan beneficiarse (Ej: el Hombre insensible que solo transita por la vida, cruzándose en su camino).

Los movimientos de cámara generan tensión, y nos invitan a buscar, junto a los personajes, las “anomalías” liberadoras, involucrándonos así por completo en la historia.

Lo genial del guion es que nos zarandea de un lado a otro con solo tres adultos diferentes, y un niño.

Relato ingenioso que aprovecha al máximo su minimalismo.

Aunque sea un vídeo juego, (versus Iron Lung -12 de marzo - Cinema3.cl), esta nos propone MADUREZ, es decir, coraje para tomar decisiones.

Valentía para asumir la paternidad aunque involucre tolerancia, paciencia y sacrificio (guagua que llora sin cesar en el Metro).

El cineasta japonés Genki Kawamura, autor de éxitos como Your Name (2026) y Monster (2023), tuvo la inteligencia de ir más al fondo del vídeo-juego original de Kotake Create.

Enorme cantidad de metáforas, todas coherentes unas con otras para estallar en la Conclusión radiante de los créditos finales: un pletórico color amarillo, gozoso, coincidiendo con la culminación brillante del Bolero de Ravel.

Será decepcionante - y majadera - para quienes esperan un típico filme de terror asiático.

Encierra en su misterio una cantidad de reflexiones existenciales, de vida, de madurez, envueltos en atmósfera de pesadilla.

Abierta a múltiples lecturas simbólicas.

Advertencia: podría ser doloroso para espectadores que aún sufren de neurosis existenciales.

Conmovedora y provocativa, permanece con nosotros mucho después de los créditos finales.

Recibió una ovación de pie de ocho minutos durante su estreno en el festival de cine en Cannes 2025.

EXTRAORDINARIA, PROVOCATIVA Y DE POÉTICA INTELIGENCIA.

Ficha técnica

Título Original: 8番出口 -8-ban deguchi

2025 Misterio y angustia psicológica Japón - 1,35 hrs. 

Fotografía: Keisuke Imamura 

Edición: Sakura Seya 

Música: Shouhei Amimori, Yasutaka Nakata 

Dir.de Arte: Ryota Kobayashi, Ryo Sugimoto 

Guion: Kotake Create, Kentaro Hirase, Genki Kawamura 

Actores: Kazunari Ninomiya, Yamato Kochi, Naru Asanuma (Niño), Kotone Hanase 

Director: Genki Kawamura

Mortal Kombat II - Por Juan Pablo Donoso

Gigantesca superpoducción - US$68.000.000 - donde la fantasía se codea con la chacota, y la acción desenfrenada.

Basada en el vídeo-juego homónimo, es la segunda parte de una trilogía que comenzó en 2021. Como aquella tuvo mucho éxito comercial había que seguir explotando la veta de oro.

Sus protagonistas son un grupo de guerreros - legendarios de Oriente - que en la primera película se preparaban para un Torneo Universal; en esta, se realiza el Torneo y, en una tercera, veremos qué destino corren después de la competencia.

Los combates son contra el malvado Shao Kahn (Martyn Ford), cuyo reino amenaza con destruir la Tierra y a quienes la protegen.

Como el vídeo-juego mezcla leyendas antiguas con tiempos presentes, incluye en sus filas a un actor - veterano héroe hollywoodense - Johnny Cage - para que aporte aquí los recursos de matinée de sus viejos filmes.

Y luego de una breve síntesis recordatoria de la precuela, ¡vamos adelante con la acción que tiene de todo menos realismo!

Máxima acumulación de: - artes marciales - humor y sátiras anacrónicas - mezcla de leyendas orientales con reyes, princesas, gigantes, monstruos, enanos, y galanes heroicos de Hollywood.

Incontables combates con sangrientas masacres…pero sin importancia porque todos resucitan de inmediato y siguen peleando.

Poderes mágicos para esfumarse en un sitio y reaparecer en otro.

Casi todos pueden lanzar fuego por las manos, rayos láser por los ojos y huracanes por la boca.

Constante aparición de nuevos chinos y japoneses.

Abundante sátira y alusiones a antiguos filmes de artes marciales y a epopeyas estadounidenses tipo Lucas y Spielberg.

Inagotable alarde de Efectos Especiales.

Deliberada ridiculización de los héroes de Hollywood en la figura de Johnny Cage (Karl Urban).

Viejo paradigma de la aguerrida rubia occidental (Jessica McNamee) y de los “legalmente” necesarios actores negros, musculosos, simpáticos, pero siempre víctimas expiatorias.

Solo hay que dejarse llevar por la acción, los nuevos desafíos, los efectos especiales, los maquillajes monstruosos, y por los sacrificios heroicos de amazonas que luchan por vengar a sus ancestros y, como siempre, tratar de recuperar el infaltable amuleto mágico que viene con instrucciones al dorso (¡!).

Ideal para adolescentes poco lógicos que necesitan descargar adrenalina, o, para adultos que quieren olvidar sus problemas cotidianos viajando a reinos de fantasía y mucho dinamismo.

Gigantesco presupuesto y lista interminable de personas involucradas en la realización.

Ojalá verla en pantalla grande o IMAX.

ESPECTACULAR MALABARISMO DE CLICHÉS, HUMOR ANACRÓNICO Y COMBATES MARCIALES UNISEX.

Título Original: Mortal Kombat II

2026 Artes marciales, fantasía sobrenatural, acción EE.UU. - 1,56 hrs. 

Fotografía: Stephen F. Windon 

Edición: Stuart Levy 

Música: Benjamin Wallfisch 

Diseño Prod.: Yôhei Taneda 

Guion: Jeremy Slater, Ed Boon, John Tobias 

Actores: Karl Urban, Ludi Lin, Jessica McNamee 

Director: Simon McQuoid

Michael - Por Carlos Correa Acuña

No exenta de polémica llega esta película sobre Michael Jackson, un ícono de la música pop que probablemente no deja a nadie indiferente. Escrita por John Logan y dirigida por Antoine Fuqua, “Michael” se enfoca en los primeros años del cantante. Con sencillez y humildad, el menor de los hermanos Jackson destaca desde sus primeros años por su carisma y una facilidad vocal distintiva. Su padre Joseph -Colman Domingo-, un trabajador esforzado, está convencido de que la única forma de surgir está en el sacrificio y el trabajo duro. “El mundo se divide en dos: ganadores y perdedores”, les repite a sus hijos, más de una vez. Su forma de ver la vida establece una férrea disciplina que aplica con dureza a los “Jackson 5”, el grupo musical de hermanos que pronto consiguen sus primeros éxitos.

Esta dureza de Joseph -evidentemente abusiva y con castigos físicos-, encuentra contraste en la bondad y el amor de una madre que se transforma en el pilar emocional de Michael. “Deja brillar la luz que hay en ti”, le señala, dando un respiro y un futuro a un niño extremadamente talentoso cuya voz resulta deslumbrante.

Destaca en esta primera sección la actuación de Juliano Krue Valdi como el joven Michael, alegre y espontáneo, un contrapunto respecto a sus hermanos y a una cierta caricaturización de los padres, todo esto en un segmento que funciona correctamente como introducción, pero que no logra despegar del todo.

El paso de los años es bastante brusco. Michael, aún niño en muchos aspectos, es todo sonrisas. Su canto fluye de manera tan natural, que los detalles y las sutilezas de su voz encandilan a los expertos, y también a quienes perciben que están frente a un verdadero diamante con un potencial que parece no tener techo. La producción de un disco en solitario, mientras su vida transcurre entre mascotas y juguetes, multiplica exponencialmente su fama. Ya no es una promesa, es una realidad. Ya no es un diamante, es una joya. No obstante, Michael ya comienza a exhibir gustos excéntricos y algunas rarezas difíciles de comprender, las que parecen ser solo el preámbulo de sus futuros cuestionamientos.

La ruptura con su padre y el alejamiento de la familia no tarda en llegar. Michael necesita ser libre para crear, para componer. Viene el disco “Thriller” y la filmación de su famoso clip; también “Billie Jean” y varios éxitos más; un accidente grave, una nueva gira con sus hermanos y sus primeros conciertos globales.

La actuación de Jaafar Jackson -sobrino de Michael- resulta muy convincente. No solo existe una gran similitud física sino que su caracterización posee esencia. Los genes está allí. La sangre, el brío y la convicción, una herencia familiar innegable que proviene de un gran tronco compartido. Los roles de soporte se ubican, todos, un peldaño más abajo. Nunca gravitan, quedan relegados a la órbita de Michael y parece que solo están allí para poblar un escenario donde la luz del Rey del Pop brilla por sí sola.

Lo más destacado de esta producción es sin duda el espectáculo audiovisual que ofrece de algunas de las canciones más icónicas de Jackson. Las recreaciones de los conciertos, los escenarios y las grabaciones en estudio se encuentran en un altísimo nivel, en contraste con las escenas más íntimas, esas secuencias mucho menos vibrantes donde la cinta presenta sus principales baches narrativos. Tal vez por ello es que las críticas por la ausencia de los aspectos negativos -las acusaciones en contra de Michael Jackson por diversos tipos de abuso-, ha despertado más de alguna polémica. Es cierto que la película está acotada a un período específico y que los casos denunciados adquieren relevancia pública con posterioridad. Sin embargo, al conocerse que, por acuerdos judiciales, no pudieron ser incorporados, tal vez aquello justifica en parte un desequilibrio que perjudica la parte relacional y emocional del relato, algo que apenas se esboza, pero que en ningún caso se llega a profundizar.

Con sus altos y bajos, quedémonos con lo mejor de esta producción: la música, el baile y lo que representa un fenómeno social y de masas. “Michael” consigue, en solo dos horas, reflejar el impacto cultural que generó. Vibrante y con un vuelo artístico único, Jackson será recordado siempre como una gran estrella: histriónico, desafiante y con un talento arrollador, pese a las persistentes dudas sobre su vida privada y sus dudosos comportamientos.

“La historia continúa”, señala el último cartel de la cinta. ¿Vendrá una segunda parte que profundice en los cuestionamientos o será solo una ampliación de esta primera? Solamente nos queda esperar lo que viene al ritmo de “Billie Jean” y “Thriller”, esos éxitos inmortales ya instalados en nuestra memoria colectiva.

Ficha técnica

Título original: Michael
Año: 2026
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lionsgate, GK Films, Universal Pictures. Distribuidora: Lionsgate
Género: Drama | Biográfico. Música. Años 80. Años 70
Guion: John Logan. Biografía sobre: Michael Jackson

Música original: Lior Rosner
Fotografía: Dion Beebe
Reparto: Jaafar Jackson, Nia Long, Juliano Valdi, KeiLyn Durrel Jones, Laura Harrier, Jessica Sula, Mike Myers, Miles Teller, Colman Domingo
Dirección: Antoine Fuqua

La Voz de Hind Rajab - Por Jackie O.

“Una historia de horror, un tema despiadado”

Es la historia real de Hind Rajab, una niña acorralada en un coche bajo el fuego de las fuerzas israelíes en Gaza. Por teléfono pide ayuda, y el equipo de rescate libra una tensa carrera contra el tiempo para encontrar la manera de salvarla.

No estamos ante una cinta que solo nos avisa que está basada en hechos reales, sino que, además, utiliza la real llamada de teléfono para así involucrarnos aún más.

Omar trabaja en una central telefónica de ayuda y recibe la llamada de un sujeto que le dice que su hermano está con su familia en un fuego cruzado en Gaza. Le da el número y Omar llama. Una mujer responde, pero al poco rato se sienten disparos y silencio; luego la mujer no responde. Omar, emocionalmente afectado, da cuenta a su jefe y la psicóloga del lugar lo aconseja; siguen una rutina. Al volver a su puesto de trabajo, el mismo sujeto anterior le dice que hay más gente en el auto, que intente llamar por si alguien más responde. Omar marca nuevamente el número y efectivamente una pequeña se escucha al otro lado del fono: es Hind, una niña de tan solo seis años.

¿Cómo lidiar con una pequeñita que no entiende lo que pasa a su alrededor? Está asustada, está con cuerpos fallecidos a su lado, escondida en el auto y solo hay disparos afuera. Rana, su colega, lo ayuda al fono, pero al pasar los minutos la angustia de Rana y Omar va transformándose en desesperación, ya que hay protocolos muy estrictos de rescate. Es una zona de guerra.

Y la desesperación atrapa hasta a su jefe cuando las horas pasan. Hasta que obtienen luz verde, y la ambulancia va en camino.

El tema es, ¿logrará alguien sobrevivir en esa zona de guerra?

La cinta mantiene una tensión que no te suelta desde el comienzo, ya que mezcla la ficción con momentos reales, como escuchar la real voz de la niña y la de los telefonistas, así como uno que otro encuadre de los reales participantes de ese momento.

La directora supo captar la esencia de lo crudo que es una guerra, donde inocentes quedan entre fuego cruzado, donde las pérdidas son brutales, donde se involucran muchas personas, y pareciera que a nadie le importa por qué la guerra sigue.

Al terminar de verla, no puedes olvidarla, y ni siquiera sabes qué decir, porque el sabor amargo de la situación y, peor aún, haber escuchado las voces reales, se te clavan en la mente como un puñal.

Una denuncia social, un grito de auxilio.

Se puede discutir detalles técnicos, como la puesta en escena, específicamente en la forma en la que se muestra cómo trabajan en dicho centro de atención, algo a veces un poco incongruente. Pero el fondo, quédate con eso.

Al final vemos escenas reales. Como si no hubiésemos tenido angustia suficiente, más nos aprietan el corazón. Pero lamentablemente es necesario verlas.

Película que fue nominada al Oscar, Globo de Oro y Bafta. Obtuvo el premio León de Plata en Venecia, el premio del público en San Sebastian, entre otros.

Cinta que inauguró el FemCine este 2026, y que podrás ver en la Cineteca Nacional este 9 de mayo.

También está en arriendo en Google Play y Apple TV. Pero vela en el cine, si puedes.

Ficha técnica

The Voice of Hind Rajab
Dirección y guion: Kaouther Ben Hania
Fotografía: Juan C. Sarmiento Grisales
Montaje: Qutaiba Barhamji, Maxime Mathis, Kaouther Ben Hania
Protagonistas: Amer Hlehel, Clara Khoury, Motaz Malhees, Saja Kilani
País: Túnez, Francia.
2025. Drama. 89 minutos.
Idioma: Árabe, palestino, inglés.

180 - Por Jackie O.

"Los inesperados cambios de la vida"

Sinopsis: Cuando un incidente inesperado de furia vial pone a su hijo en estado crítico, un padre enfurecido se desvía por un oscuro camino de confusión emocional y venganza.

Zack lleva una buena vida, su negocio prospera, con una esposa amorosa y un hijo de siete años que es un encanto. Todo va bien en su vida, salvo que Zack tiene mal genio, no en casa, sino que fuera de ella, y eso hace que tenga uno que otro problema. Y eso sucede un día cualquiera ante una coalición que tiene, donde lamentablemente se topa con un matón de lo peor. El mal genio de Zack y el arma apuntando de este matón desatan el peor día de nuestro protagonista, cuando la bala que era para él, pasa a ser de su hijo. El mundo se le desmorona y quiere cobrar venganza, pero al no ser un tipo con habilidades de pelea, hace que se meta en más problemas, involucrando a sus cercanos también.
Y aparecen en escena dos policías que están viendo el caso de su hijo, pero a él también lo tienen en la mira. Lo que no esperaba era que uno de esos policías es corrupto.

Estamos ante una cinta predecible, historia vista miles de veces, con un protagonista que de repente se convierte en héroe. Hay corrupción, muerte, etc. Pero ahora en Sudáfrica, con culturas de ahí, dialecto especial y actores diferentes, y eso hace que valga la pena verla, ya que debemos movernos de Hollywood de vez en cuando, porque hay más mundo cinematográfico, y es muy interesante ver cómo se desenvuelven otros mundos.

Técnicamente, la película tiene sus fallas, a veces, falta de lógica en el guion y actuaciones, pero aún así hay buenos actores.
Es una película para pasar el rato y encuentro que no se pierde el tiempo al verla, ya que hasta resulta mejor que una hollywoodense.

Temas que se tratan: el amor de padre a su hijo, la ira, de que no podemos andar por la vida peleando con todos por todo, hay que saber detenerse y ver si se vale la energía en ello, más si hay niños presentes. La familia y la unión ante las dificultades, y por supuesto la ética profesional.

 
Y preguntarse si, luego de una pérdida devastadora, ¿la familia permanecerá unida? ¿Se pueden evitar las tragedias?

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección y guion: Alex Yazbek
Reparto: Prince Grootboom, Noxolo Dlamini, Danica Jones, Warren Masemola, Desmond Dube, Fana Mokoena, Kabelo Thai, Bongile Mantsai
2026 / Sudáfrica
94 minutos

La Gloria - Por Jackie O.

"¿Las cicatrices se borran?"

Sentirse en "la gloria", es estar muy pero muy feliz, extremadamente cómodo y a gusto con algo o alguien.
Para Moon Dong-eun, ¿cuál sería su Gloria después de vivir una adolescencia marcada por el maltrato?

No sé con precisión por qué Moon Dong-eun, una adolescente pobre y abandonada por su madre alcohólica, está en un colegio de niños adinerados. Tal vez alguna beca, quién sabe. Pero ahí está, viviendo un infierno porque cinco compañeritos le hacen bullying, pero no solo simples palabras que molesten, sino que siente en su piel el maltrato; nadie ve, nadie escucha. Está sola y no puede huir. No es la primera ni tampoco la última que pasa por eso, y Park Yeon-jin es la líder de este maltrato.
Pero un día, Moon Dong-eun debe huir, rehacer su vida y armar su venganza. Ya no tiene alma, no tiene piedad, nada le importa más que arruinar a estos cinco personajes.

18 años después, Moon Dong-eun vuelve a cobrar venganza. Su Gloria es destruir el deseo de cada uno de sus verdugos, destruir esa Gloria de la cual están orgullosos.

Serie coreana para adultos debido a lo crudas que son algunas de sus imágenes. Vemos la historia de forma alternada, los mismos personajes adolescentes y adultos a la vez. Así vamos conociendo las motivaciones de cada uno, y cómo es su entorno.
De cómo nuestra protagonista se inmiscuye en la vida del grupito aquel del colegio. Y de cómo, también, trata de huir del amor, un amor que puede entorpecer sus planes.

Una serie bien contada, triste y muy humana. Bien editada y actuada. Mantiene un guion en constante tensión; empatizamos con alguno de los partícipes. Nos habla de personas que existen, que viven en nuestro entorno, de cómo una buena crianza ayuda a evitar la "creación de psicópatas". Del maltrato en diversos aspectos, de la lucha por salir adelante. De cómo una palabra de aliento o una mano amiga cerca, ayudaría en muchos momentos a alguien desesperado. Aunque no lo creamos, se salvarían vidas.

Nuestra protagonista, ¿podrá vengarse, podrá ser feliz o morirá en el intento?
¿Vale la pena la venganza?

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

En hangul, 더 글로리; RR: Deo Geullori
Guion por Kim Eun-sook
Dirigido por Ahn Gil-ho
Protagonistas: Song Hye-kyo, Lee Do-hyun, Lim Ji-yeon, Yeom Hye-ran, Park Sung-hoon
16 capítulos. Corea.
2022- 2023

Los Hijos (Ŋa hinarere) - Por Carlos Correa Acuña

Dirigido por Leonardo Pakarati, este trabajo documental ofrece una mirada diferente sobre la Isla de Pascua. Su centro es la historia de Lázaro Hotu y su comunidad, quienes, pese a las restricciones impuestas, fueron capaces de levantar la cabeza de sus antepasados restaurando una memoria silenciada, mientras la expedición del año 1955, liderada por Thor Heyerdahl, puso a Rapa Nui en el foco mundial debido a sus moáis derribados.

El punto de vista expuesto por Pakarati es íntimo: un relato que cobra vida a través de las voces de los descendientes de quienes protagonizaron los hechos. Si bien a la película le cuesta comenzar, con testimonios parciales y un tanto desconectados, poco a poco va profundizando y poniendo el foco en la individualización de cada testimonio y su incidencia en la historia.

Lo cotidiano, las dinámicas y la forma de vida al interior de la comunidad, marcan los recuerdos, anécdotas y sentimientos arraigados de quienes sostienen un metraje que no teme sumergirse en la memoria, la dignidad y la transmisión entre generaciones orgullosas de su origen y de su pueblo.

Pakarati también aborda un aspecto poco conocido. La soledad de algunos habitantes que, ante la opresión y las crecientes dificultades, buscan abandonar la isla en busca de nuevos horizontes. Sin embargo, el vínculo con la isla se vuelve prioritario; terminan volviendo para trabajar por un bien mayor y universal.

“Me interesaba mostrar cómo, en una comunidad pequeña como Rapa Nui, las historias siempre se entrelazan. Personas de distintos lugares y orígenes terminan formando parte de una misma memoria. Esta película habla de ese cruce de vidas y de cómo todos quienes habitan un territorio, de una u otra forma, pasan a ser parte de su historia”, reflexiona el director Leonardo Pakarati.

Hay un incidente que marca un punto de inflexión. Se trata de un accidente que marca un antes y un después en el relato. En ese momento de clímax emocional, comprendemos que las historias individuales no solo están relacionadas, sino que constituyen algo mucho más importante: son el motor vital de un grupo de personas estrechamente vinculadas, dispuestas a realizar los mayores sacrificios en beneficio de su comunidad.

“La película muestra un momento en que el pueblo rapa nui comenzaba a recuperar su voz y su relación con el territorio. Mirar ese pasado permite entender mejor muchas discusiones actuales sobre identidad, autonomía y la forma en que una comunidad decide contar su propia historia”, destaca Pakarati.

Un particular orgullo recorre de forma constante el metraje. De manera muy clara, releva la importancia de los ancestros a través de su legado. El director no elude aspectos conflictivos, como el control político por parte de la Armada chilena, la opresión y también la explotación y sometimiento que sufrió la isla. Además, pone sobre la mesa la llegada del turismo, y con ello el dinero, con los pros y contras de un desarrollo que amenaza las tradiciones al prometer mejores condiciones de vida para los habitantes de Rapa Nui.

“Los hijos” es un homenaje abierto que enseña y realza la cultura de un pueblo ejemplar. Emocionan sus experiencias, porque casi sin querer las hacemos propias. En el formidable ejemplo de levantar un moái a punta de piedras y palos, con un ingenio a prueba del mejor diseño de ingeniería, la metáfora resulta perfecta. Es, en rigor, el pueblo rapa nui el que se levanta a sí mismo y se pone de pie, rescatando lo mejor de su historia para mirar hacia adelante con pie firme y raíces sólidas que parten reconociendo a sus antepasados para, desde allí, forjar su futuro.

Ficha técnica

País: Chile
Producción: Paula Rossetti y Claudia Barril
Casa Productora: Mahatua Producciones
Año: 2025
Duración: 72 minutos
Guion: Leonardo Pakarati Quiroz
Montaje: Diego Macho
Dirección de fotografía: Guillermo Bravo Silva
Reparto: Brigid Mulloy, Thor Heyerdahl Jr, Enrique Baeza, Marta Hotu, Enerike Carrasco, Leonardo Pakarati
Director: Leonardo Pakarati

El diablo viste a la moda 2 - Por Jackie O.

“Tacones de evolución”

Después de 20 años, vuelve esta película que para muchos era “una cinta de minas”, pero cuán equivocados han estado. Una cinta tan atemporal que no solo habla de la industria de la moda, sino que su argumento lo puedes replicar en cualquier trabajo. Luego de 20 años vuelve este cuarteto, y veamos si con la misma intensidad con la que nos cautivó.

Me asustan las películas que vuelven a aparecer después de tanto tiempo, porque, ¿sus protagonistas tendrán la misma chispa?, ¿el tema central atraerá al nuevo público?

La industria de la moda pasó del papel a la era digital, y se debe lidiar con los nuevos consumidores que leen poco y visualizan mucho. Y justo en un momento crucial en la carrera de Miranda, comienza a correr la voz de un hecho no tan bueno para ella y que puede hundirla. Su jefe, Irv, le tiene la solución, su antigua asistente ha sido despedida de su trabajo, junto a varios de sus colegas, y ha sido premiada recientemente por lo que es una voz creíble, y puede ayudar a Runway y principalmente a la imagen de Miranda. Por eso, Andy es contratada por la revista y llega con toda esa energía y brillo que la caracteriza, siendo recibida por Miranda, al estilo Miranda. Todo es diferente, mucha diversidad recorriendo los pasillos de la prestigiosa revista. La cara amistosa de Nigel aún estaba, fiel compañero que no protesta, que su voz es sinónimo de asertividad y confianza. Pero faltaba la otra cara, y no tan amistosa a veces, Emily, ¿qué era de ella? Pues, se transformó en un eslabón muy relevante en la vida profesional de Miranda: La publicidad.

De esa forma estas cuatro almas vuelven a reunirse, los cuatro están consolidados actualmente en sus carreras, porque han pasado veinte años en tiempo real para ellos también, y aunque Andy haya sido despedida de su trabajo, es una periodista consolidada en el medio y por esa razón es contratada por Runway. Ella es “la tabla” en el océano para salvar la revista y la carrera de Miranda. Andrea tiene una dura tarea, pero su bondad y la admiración que le tiene a Miranda harán que su profesionalismo se luzca, una vez más.

El consumidor de revistas es más escurridizo, por lo que el periodismo de moda en la era digital es difícil. Ya no se trata del alma que se plasma en el papel, sino que estamos ante el consumo rápido y vacío, a veces. Eso puede hacer que el poder de Miranda caiga.

Nuestros cuatro personajes han evolucionado, pero, ¿qué tanto? Andy es periodista destacada, Emily tiene un cierto control en el lujo, Miranda debe cambiar su tono porque en esta época puede ser full cancelada, y aquí la parte cómica, de cómo ella debe controlar sus dichos. Pero Nigel, Nigel está ahí, siempre silencioso. ¿Podrá estar al lado de ella? O ¿siempre lo ha estado y Miranda no lo quiere ver? ¿Qué pasa con Nigel?

La película es divertida, es nostálgica, es un deleite a la vista. Pero encarecidamente deben ver la primera, para poder entender esta transformación de los personajes.

El vestuario es bellísimo, una real pasarela, hay más cameos de famosos (modelos, diseñadores, cantantes) que en la primera entrega. Los diálogos son inteligentes, las actuaciones de los protagonistas son buenas , aunque algunos secundarios no fueron tan relevantes. Una puesta en escena hilarante.

Pero con tanta belleza, no supera a la primera, y sentí ese amargo sabor al terminar de verla, pues sentí que faltaron dos cosas: una banda sonora memorable. Sí, Lady Gaga con su grandiosa voz interpreta temas geniales, pero a los dos minutos se olvidan, solo nos alegramos cuando escuchamos entremedio alguna melodía del pasado. Eso no quita que Lady Gaga sea nominada en algún festival futuro.

Y lo otro que me faltó, fue la evolución del vestuario. La ropa no es solo ropa, como lo ve la mayoría. El vestuario es un lenguaje y habla mucho de las personas. Estamos ante un cambio constante de ropa, hermosa por sí, pero que no nos contaba una historia.

Película que la volveré a ver porque me gustó, más por su nostalgia y protagonistas, que el fondo, pero me encantó igual.

Disfrútenla, y no hay escena post créditos.

Ficha técnica

The Devil Wears Prada 2.
Dirección: David Frankel
Guion Aline Brosh McKenna
Basada en Revenge Wears Prada: The Devil Returns de Lauren Weisberger
Música Theodore Shapiro
Protagonistas Meryl Streep, Stanley Tucci, Anne Hathaway, Emily Blunt, Justin Theroux, Kenneth Branagh
2026. 118 minutos

Mixtape La Pampa - Por Juan Pablo Donoso

Documental nostálgico de bellas imágenes, sensible y paciente. Mezcla aleatoria (mixtape) de muchos temas y épocas de la Pampa y la Patagonia argentina.

Combina la crónica con la memoria y lo onírico.

Un largo viaje por la estepa, siguiendo la huella biográfica de Guillermo Enrique Hudson, alias William Henry Hudson (1841-1922); figura enigmática, llena de contradicciones; gaucho naturalista argentino que se convirtió en escritor inglés.

Cuando joven combatió en el ejército contra los “salvajes” (indios locales, últimos representantes de un mundo en extinción) pero también los defendió. Migró transformándose en un escritor inglés, jamás volviendo a su tierra, pero dedicando toda su vida a escribir sobre ella. Y de manera preferencial sobre su fauna autóctona.

Fue autor de diversos temas, algunos incluso traducidos al chino. Más, sus libros de aves fueron fundacionales en la ornitología argentina.

Vivió dos vidas: en la Pampa y en Londres. En su honor se nombró con su apellido la localidad de los 25 Ombúes - Partido de Quilmes, a unos ocho km al noreste de la casa natal de Hudson.

El periodista y director de cine Andrés Di Tella (Ficción Privada - 2019, Montoneros, una Historia-1998), intrigado con la personalidad de este compatriota, se embarcó en rastrear sus orígenes, visitando sus llanuras y pantanos, recorriendo sus caminos de tierra, y captando la vida diaria de aquellos ancianos lugareños.

Filmó todo lo que pudo, en un desorden de tiempos, viejos archivos y testimonios, pero intentando captar lo más importante: las resonancias que aún perduran de un mundo que cambió.

Con viejas canciones del repertorio argentino, junto a científicos e investigadores plasmó una especulación poética, una memoria personal latente... y sueños, muchos sueños.

Quiso rescatar también la memoria pasada de un territorio solemne, vivo, enorme y sensible.

Nos cuenta que Hudson quería ser UNO con la naturaleza. Que al dibujar sus trinos se preguntó: ¿cómo sueñan los pájaros?

¿Cuál es la frontera entre la civilización y la barbarie?

Para concluir que la Pampa de Hudson es un mundo que se extinguió, al igual que las estrellas cuya luz nos sigue llegando.

MEMORANZA VARIADA DE LA HISTORIA, LA FLORA Y FAUNA DE LA PAMPA ARGENTINA TENIENDO COMO REFERENCIA LA JUVENTUD DEL LEGENDARIO ESCRITOR Y NATURALISTA GMO.E.HUDSON. POÉTICA E ILUSTRATIVA.

Ficha técnica

2023 - Documental Argentina - Chile: 1,41 hrs. 

Fotografía: Darío Schwarzstein 

Edición: Valeria Racioppi 

Música: José Manuel Gatica 

Guionista y director: Andrés Di Tella

Outcome - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV.

Expectación. Keanu Reeves y Cameron Diaz protagonizan una nueva comedia. ¿Qué tal la experiencia? Lamento decir que la palabra es inequívoca: decepcionante. Veamos por qué.

Reef Hawk -Reeves- lleva sobrio cinco años. El actor se ha tomado un descanso para construir un nuevo hogar y su vida comienza poco a poco a mejorar. Sin embargo, cuando recibe una llamada de su abogado Ira Slitz -Jonah Hill-, quien le revela que lo están chantajeando con un vídeo comprometedor, todo se pone patas arriba. A regañadientes, Reef se ve obligado a planear cómo hacer las paces con aquellos a los que ha ofendido o hecho daño en el pasado, mientras intenta descubrir quién lo está extorsionando.

A partir de un guion de su autoría, el actor y director Jonah Hill elabora una historia que nunca decide qué rumbo tomar. Aunque la premisa resulta interesante -una introspección de vida, los daños ocasionados en el camino, la culpa y el perdón-, la ejecución queda en deuda porque pierde completa coherencia. Keanu Reeves luce incómodo, forzado, como si llevara una camisa apretada que nunca se logra sacar. Cameron Diaz y Matt Bomer, quienes interpretan a los mejores amigos de Reef, deambulan por la intrascendencia, meras figuras decorativas cuyo aporte es mínimo y ni siquiera califican como personajes secundarios.

Quien sí destaca, como florero y centro de mesa, es el propio director, Jonah Hill. Parece que la película es sobre él, ese personaje omnipresente, abogado de crisis y quién sabe de cuántas cosas más, un asesor de celebridades que salta de una situación a otra como pez en el agua, aunque por momentos el agua solo sea una ilusión.

¿Algo rescatable en una cinta sin objetivos? Afortunadamente un par de cosas. La primera, su duración: solo 83 minutos. Realmente se agradece, porque no estoy seguro de haber podido terminar un metraje más extenso. Y lo segundo, un inesperado alivio: Martín Scorsese interpretando a un ex agente del protagonista. No sé cómo aceptó ni por qué se sumó a este proyecto, pero lo que sí está claro es que sus instantes con Reeves son los mejores, aunque aún así no logre salvar la estantería.

En síntesis, “Outcome” es totalmente prescindible. Ahora bien, si igual le inquieta un poco, basta y sobra con ver el tráiler.

Ficha técnica

Título original: Outcome
Año: 2026
Duración: 83 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple Original Films, Apple Studios, Strong Baby. Distribuidora: Apple TV
Género: Comedia. Drama
Guion: Jonah Hill, Ezra Woods
Fotografía: Benoît Debie
Reparto: Keanu Reeves, Jonah Hill, Matt Bomer, Cameron Diaz
Dirección: Jonah Hill

Sueños de Trenes - Por Carlos Correa Acuña

Basada en la novela de Denis Johnson, “Train Dreams”, es una película íntima que narra la vida de Robert Grainier -Joel Edgerton- en los alrededores de Bonners Ferry, Idaho. La historia se remonta a su llegada al lugar. Huérfano y, después de una adolescencia desorientada, conoce a Gladys Olding -Felicity Jones-, con quien se casa y juntos construye una austera cabaña cercana al río Moyie para criar a la hija de ambos, Kate.

Robert trabaja como leñador. Su oficio le obliga a pasar largas temporadas fuera de su hogar para conseguir el sustento. La tala de árboles, necesaria para construir las líneas del ferrocarril, pasa a ser su principal tarea. Estos trabajos, siempre en diferentes lugares, hacen que Robert mantenga distancia en el trato con los demás. Algo tímido y de muy pocas palabras, Robert trata de no entrar en conflicto, sin embargo, a lo largo de los años le toca presenciar hechos y tragedias que van forjando su carácter.

Luego de un largo periodo, al regresar a casa con planes de dejar esa rutina y crear su propio aserradero, se enfrenta a un incidente que cambia su vida para siempre. Desde ese momento, Robert ya no podrá ser el mismo; su futuro se transformará en una suma de añoranzas y sueños que volverán, una y otra vez, sobre lo que ha sido la mayor ilusión de su existencia.

Clint Bentley, quien, junto a Greg Kwedar, adapta la novela original de Denis Johnson, ofrece un trabajo que se centra en crear atmósferas. Los delicados paisajes, con una fotografía que deslumbra por sus colores y profundidad, configuran un escenario perfecto para provocar un contraste con la intimidad de su protagonista. El metraje transcurre con mucha calma, con largos espacios de reflexión y con foco en lo que Robert siente en lo más profundo de su corazón.

A medida que pasan los años, la vida del protagonista se vuelve cada vez más difícil. A contracorriente y en solitario, aunque aún conserva la esperanza, trata de adaptarse al paso del tiempo y seguir avanzando a pesar de estar emocionalmente al límite de sus capacidades. Joel Edgerton transmite muy bien la tristeza de Robert, en una actuación que, más que palabras, contiene movimientos y miradas profundamente sinceras.

“Sueños de Trenes” emociona, trae calma y plantea, quizá, una de las preguntas más difíciles de responder. ¿Se puede continuar luego de una tragedia que arrebata lo más preciado en la vida de una persona? ¿Es posible seguir adelante y sobreponerse a la adversidad? La cinta no entrega las respuestas, solo deja la semilla plantada, una semilla que germinará si somos capaces de ponernos en el lugar de Robert y analizar todo desde nuestro propio recorrido. Seguramente encontraremos más de un punto en común con esta película que, sin grandes conflictos externos y sin demasiadas pretensiones, traspasa la pantalla para impregnarse en el alma.

Ficha técnica

Título original: Train Dreams
Año: 2025
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Black Bear, Kamala Films. Distribuidora: Netflix
Género: Drama. Romance | Años 1900 (circa). Vida rural (Norteamérica). Naturaleza
Guion: Clint Bentley, Greg Kwedar. Novela: Denis Johnson
Música: Bryce Dessner
Fotografía: Adolpho Veloso
Reparto: Joel Edgerton, Felicity Jones, Nathaniel Arcand, Clifton Collins Jr., Juan Diehl, Paul Schneider, Kerry Condon, William H. Macy
Dirección: Clint Bentley

ChaO, la sirena - Por Jackie O.

“Las diferencias nos unen”

Sinopsis: En una sociedad futura en la que coexisten humanos y sirenas, Stephan, un oficinista de una empresa de construcción naval, recibe de repente la propuesta de casarse con la princesa del reino de las sirenas, ChaO. Y sus vidas se transforman.

En un futuro bien futurista, conviven humanos con criaturas del mar, y otros humanos bien particulares o peculiares en su imagen, viviendo todos en armonía o cierta normalidad. Ahí está Stephan, un ingeniero naval algo torpe, que no es muy tomado en cuenta por su jefe, pero es un ingeniero inteligente que está creando una máquina que ayuda a los navíos, pero principalmente para no entorpecer la vida en el mar. Y un día sufre un accidente acuático y despierta en el hospital sin saber que pasó, solo que la princesa de las sirenas lo salvó. Es ChiaO, una tierna pececita que le dice que ya está listo el matrimonio entre ambos. Su padre Neptuno, no está tan de acuerdo, pero ve a su hija feliz y acepta. Stephan no entiende nada, su ambicioso jefe “ahora lo admira”, la prensa lo acosa, la ciudad lo engrandece. Pero él sigue su vida sencilla con sus verdaderos amigos y pensando qué hacer con este matrimonio para él forzado.

Lo que no sabe, o no recuerda, es que no es forzado. Pero ahí está el hermoso detalle de esta historia.

Estamos ante una, tal vez, reinvención de La Sirenita, vista desde otra perspectiva, con personajes raros y un guion que nos habla de muchos temas, no solo del amor de pareja, pero lamentablemente no los redondea del todo.

Vemos una ciudad caótica, ruidosa, rutinaria, a veces vacía en espíritu. Con un joven de baja autoestima y que conoce a una pececita que ama su torpeza, que es alegre y trata de llenar ese vacío en él, el que por supuesto, en un comienzo, él no acepta. Su vida es caótica, llena de altos y bajos, trata de sobrevivir. Stephan debe rendir en su trabajo pero más por su jefe, que lo molesta bastante.

ChaO y Stephan son dos jóvenes de mundos diferentes que, aunque coexistan en este universos, son muy diferentes y deberán sobrevivir o morir en el intento.

Como señalé, la historia no solo trata de una pareja diferente que se une con lo obvio que sabemos, que se terminarán enamorando, porque es algo obvio en la cinta, sino que de la convivencia entre personas de mundos diferentes, de cómo equilibrar el amor con el trabajo, que mucha veces consume, de agradecer los detalles que nos brinda la pareja, de la necesidad de conversar para evitar malos entendidos, de la confianza, de la amistad, de atreverse a realizar cosas, de nuestros recuerdos del pasado que afectan nuestro presente. Y por sobre todo, que la imagen, muchas veces, pase a segundo plano y valoremos los sentimientos, ya que el valor de un alma puede iluminar tanto que fulminará una belleza inigualable.

Además, toca el tema de la ecología con el capitalismo, aunque no lo profundiza.

También, la historia es sexista, furia para la feministas extremas, pero contradictoriamente inclusiva en este mundo colorido.

Personajes simpáticos, alocados, mucho colorido y brillo, y una historia simpática que deja muchos mensajes.

Ficha técnica

Dirigido por Yasuhiro Aoki
Escrito por Hanasaki-Kino
Cinematografía: Takanori Nakashima
Productora Estudio 4°C
2025. 90 minutos.
Japón.

Elenco de voces
Personaje Japonés
Stefan Ouji Suzuka
CaO Anna Yamada
Roberta Yūichirō Umehara
Maibei Kavka Shishido
Presidente Shi Ryota Yamasato
Rey Neptuno Kenta Miyake
Juno Shunsei Ota

El Bufón 2 - Por Juan Pablo Donoso

Aunque superior a la primera, quedó igual de efectista e insustancial.

Un proyecto independiente de bajo presupuesto. Típico de la mayoría de las segundas partes.

El original era un “slasher” sanguinario, básico y poco novedoso.

El problema con aquella es que todos sus personajes eran desagradables. A pesar del horror aquí logran mitigarlos, hacerlos algo más amigables.

Mantiene el ritmo, los golpes inesperados y la tensión constante que los fans del género esperan. Pero igual, casi todo carece de motivaciones.

La trama es endeble, vamos de asesinato en asesinato con poquísimo desarrollo de personajes.

En la noche de Halloween, una joven ilusionista sufre su prueba más letal cuando cruza su camino con El Bufón (Michael Shefield), un mimo asesino que convierte trucos y juegos en trampas mortales. Cada ilusión es un engaño, cada escape una mentira. Para sobrevivir, deberá usar su ingenio y habilidades antes de que el espectáculo termine… y el telón caiga para siempre.

El personaje original del Bufón nació en cortometrajes virales con más de 30 millones de reproducciones

El problema es que parece incapaz de comprometerse plenamente con la brutalidad que un grand-guiñol como este requiere. Para los estándares actuales, se siente casi gentil en su tratamiento del terror y el crimen.

Presenta a una joven que intenta convertirse en maga, una idea interesante en principio. Max, interpretada por Kaitlyn Trentham (El Descenso de un Soldado), cumple su función, aunque poco verosímil como una joven de quince años aspirante a eximia ilusionista.

Ahora el Bufón tiene voz, algo menos convincente, ya que su presencia silenciosa en la primera película hacía que sus crímenes fueran más inexplicables y despiadados.

Esta anécdota parece provenir de otra masacre anterior, que explicaría el origen del Bufón. Mas, como aquí los guionistas le dan poca importancia, la motivación cae en un saco roto.

A quienes les baste el terror de bajo presupuesto, con actuaciones cuestionables, y una producción irregular, aquí lo hallarán.

SERÍA OCIOSO PEDIR LÓGICA. SÓLO IMPORTA SEGUIR ADELANTE CON EL SADISMO GRATUITO … PERO ÁGIL, Y MUY BIEN EDITADO.

Ficha técnica

The Jester 2

2026 Crímenes, terror, ilusionismo EE.UU. - 1,27 hrs. 

Fotografía: Kevin Duggin 

Diseño Prod.: Chelsea Turner 

Actores: Kaitlyn Trentham. Michael Sfeffield, Jessica Ambuehl 

Guionista, editor y director: Colin Krawchuk

CHaO: La Sirena - Por Juan Pablo Donoso

Animación japonesa alegre, novedosa y exuberante en sus imágenes.

Creada durante siete años por el aclamado STUDIO4°C y el veterano animador Yasuhiro Aoki, mezcla humor, peripecias y estética desbordante.

La historia central es simple y clara. El barroquismo lo aportan los dibujos deformados, los fondos pletóricos de colores y pequeños detalles, pero, muy en especial, llama la atención la enorme cantidad de personajes secundarios cuya injerencia en la historia resulta, por decir lo menos, intrigante y casi innecesaria.

Ambientada en un mundo futurista donde humanos y tritones (sirenas(os)) coexisten, por razones comerciales la princesa Chao debe comprometerse con el ingeniero humano Stephen.

A Tritón se le representa con la parte superior del cuerpo de un hombre y la parte inferior del cuerpo de un pez - el equivalente masculino de las sirenas - como el Kulullû (‘hombre-pez’) de la mitología babilónica. En algún momento durante la era griega y romana, tritón se convirtió en un término genérico para un hombre-pez en el arte y la literatura.

Stephen es el ingenuo oficinista de una gran empresa. Su rutina se ve alterada cuando la princesa sirena ChaO se enamora y le propone matrimonio inesperadamente.

En materias de provecho económico capitalista, cualquier vínculo será válido. Y eso lo decide, gesta y estimula el obeso Presidente de la industria.

Un romance por conveniencia - extraño y pintoresco - comenzará a forjarse con dificultades.

Cuento poco convencional sobre la coexistencia y equilibrio entre el amor, la zoología mitológica y la carrera profesional.

Visualmente espectacular y con un estilo enérgico surge como una voz distinta en el animé japonés. Energía desbordada pero precisa. Espléndida animación.

Lo único que genera dudas, son algunas partes que se sienten inconexas, como aleatorias o sacadas de la nada, tal vez poco desarrolladas.

Juguetona, algo obvia, denuncia la pugna entre el capitalismo y el ecologismo sin tomar el tema demasiado en serio.

ANIMACIÓN GIGANTESCA, GRACIOSA, POCO CONVENCIONAL, CON UN TIERNO TRASFONDO.

Ficha técnica

Título Original: チャオ：人魚

2025 Animación, fantasía, romance Japón - 1,30 hrs. 

Fotografía: Takanori Nakashima 

Edición: Kengo Shigemura 

Música: Takatsugu Muramatsu 

Dir. de Arte.: Hiroshi Takiguchi 

Guion: Hanasaki Kino 

Voces: Hiromi Kawakami, Kenta Miyake, Taro Nikuguso - Ouji Suzuka, Anna Yamada 

Director: Yasuhiro Aoki

Premios

Festival de Sitges 2025: Nominada a Mejor largometraje de animación. Festival de Annecy 2025: Premio especial del jurado. 58° Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Cristal: Mejor largometraje - ganadora - Premio especial del jurado.

Habitación 207 - Por Jackie O.

"Luna sangrienta"

La historia transcurre en 1968, en un hotel cuyo dueño insiste en conservar la habitación 207 a pesar de los horrores y terrores que la asolaban. Muchos entraron en la habitación 207, pero solo unos pocos lograron escapar, llevándose consigo recuerdos de lo ocurrido entre sus paredes, recuerdos que ni siquiera se atrevieron a revelar a nadie. El protagonista, Gamal El Sawaf, ignoró las advertencias y desestimó lo que la habitación le deparaba, por lo que no permaneció en su puesto y entró en la habitación, dando un vuelco a su vida; comenzó a desvelar sus secretos, y luego los de su propia vida y su pasado. Con cada revelación, tuvo que pagar un precio.

¿Qué tiene esa habitación? ¿Por qué quienes pasan por ahí mueren o enloquecen ? ¿Por qué su dueño no la clausura sabiendo de sus horrores?
Esta y más preguntas nos haremos a medida que pasan los capítulos.

Gamal postula como recepcionista en el "Hotel Luna". Quiere rehacer su vida, habla tres idiomas, buena apariencia y buen trato. Queda en el trabajo y mantiene muy buena relación con sus compañeros, en especial con la nueva recepcionista, Sarah. El segundo al mando le dice que no debe ofrecer la habitación 207, pero no decirle al dueño.
Gamal comienza a indagar qué oculta esa habitación, porque cada persona que se queda ahí muere o enloquece. El dueño del hotel lo sabe, los empleados saben que algo malo pasa, y nadie habla al respecto. Es un pacto de silencio obligado.

La miniserie tiene una muy buena puesta en escena, muy bien ambientada y nos hace viajar al pasado. Maquillaje, vestuario y peinados muy buenos. Y tiene muy buena premisa, una historia misteriosa por descubrir, pero... su guion al poco andar comienza a ser deficiente. La serie es alargada innecesariamente, porque crees que tendrá un desenlace brutal, pero termina siendo mediocre.

Como es un hotel, vemos muchos pasajeros con sus historias personales, y por supuesto la misma vida de los trabajadores del lugar, donde la soledad del ser humano es latente, el compañerismo se vive, el mantener el trabajo es necesario, el amor es inevitable, y todos tenemos secretos en nuestras vidas.

Disponible en Prime Video y Pluto TV

Ficha técnica

Título original: الغرفة 207 (Room 207)
Basada en la novela homónima de Ahmed Khaled Tawfik
Egipto. 2022
Dirección: Mohammed Bakir
Reparto: Mohamed Farraag, Riham Abdel Ghafour, Nardeen Farag, Kamel El Basha, Mourad Makram, Gihan El Shamashergy, Yassin Youssef.
10 capítulos. Miniserie.
Idioma: árabe e italiano.