Frankenstein - Por Carlos Correa Acuña

Una expedición, con rumbo al Polo Norte, descubre a Victor Frankenstein gravemente herido. Es el preludio, pues al subirlo a bordo, la tripulación es atacada por una criatura que exige su entrega. No hay manera de hacerle frente y solo consiguen una tregua cuando el capitán logra hundirlo al quebrar el hielo que rodea el barco.

Víctor -Oscar Isaac- agoniza. Aún así le cuenta al capitán su historia, desde su compleja y estricta niñez, hasta los avanzados estudios que lo convirtieron en un brillante cirujano, obsesionado con "curar" la muerte mediante la ciencia. Fruto de sus experimentos, fue capaz de crear un ser con partes de cadáveres y es ese ser quien ahora lo persigue. Cuando la criatura logra salir del agua se hace presente para contar la historia, pero ahora desde su propio punto de vista. Dos perspectivas que desembocarán en un final inesperado.

La versión que Guillermo del Toro hace del libro de Mary Shelley contiene indudablemente su sello. La narración, en primera persona, el color y, fundamentalmente, la estética, son elementos que el director maneja a la perfección. Ingresamos en su mundo, nos sumergimos en un ambiente donde la realidad se confunde con una imaginación que nos invita a soltar y dejarnos llevar. Las referencias al “El laberinto del fauno”, y principalmente a “La forma del agua”, surgen al instante. Y no es que el realizador repita la fórmula, sino que es parte de su esencia, un estilo que lo ha distinguido desde hace ya muchos años.

El relato resulta muy claro en este trabajo. Contar la historia de forma secuencial y desde las dos principales visiones (creador, creado) nos permite seguir de forma didáctica el desarrollo de los hechos. De esa forma, al momento de la recapitulación y cierre, nada resulta ajeno. Ya tenemos todos los elementos y podemos concentrarnos en lo principal: la relación entre Víctor y su criatura; la responsabilidad moral y los sentimientos de culpa del creador, por una parte, y el largo camino de marginación y aprendizaje de un ser que necesita confrontar a quien le dio vida.

Muchos temas están presentes en esta particular visión de Guillermo del Toro. En la primera parte, vemos la educación estricta impuesta por un padre autoritario, algo que condiciona a Víctor desde pequeño. Por otro lado, la ambición de jugar a ser “Dios”, resulta extremadamente peligrosa, sobre todo cuando las cosas se salen de control y, con dinero ilimitado, Henrich Harlander -Christoph Waltz- amenaza con apropiarse del experimento. En la segunda parte, ingresamos en otra dinámica. Los temas cambian. Ahora se trata de lo que sucede con la criatura, la vida familiar y cercana que llega a conocer, y del aprendizaje desde lo más sencillo e importante: el cariño, la amistad y el amor.

Como ya es habitual en los trabajos de Guillermo del Toro, Alexandre Desplat es el encargado de la banda sonora, una composición rica en matices y que, además, logra plasmar en células musicales, muchos de los elementos visuales que del Toro presenta en pantalla. La diferencia de estilo entre la primera y la segunda parte resulta muy marcada y aquello prepara sutilmente el expresivo lirismo que acompañará las secuencias finales de la cinta.

Desde el punto de vista de las actuaciones, Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth y Christoph Waltz, se muestran sólidos en sus roles. Isaac algo contenido y Elordi con mayor expresividad, conforman una dupla que armoniza muy bien los puntos fuertes y las vulnerabilidades de sus personajes. Por otra parte, Mia Goth entrega emoción al personaje femenino que logra generar empatía especialmente con la criatura, mientras Christoph Waltz transmite precisión y carácter al ambicioso financista.

En resumen, “Frankenstein”, producida, escrita y dirigida por Guillermo del Toro, es una película estéticamente preciosa, ágil en su narrativa y profunda en sus sentimientos. Retomar el mito, darle nueva forma y nuevos bríos conlleva un mérito notable, coronando años de esfuerzo de un gran director que explícitamente ha declarado que este siempre fue el sueño de toda su vida. Pues bien, desde este momento, se ha transformado en realidad.

Ficha técnica

Título original: Frankenstein
Año: 2025
Duración: 149 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-México; Double Dare You, Demilo Films, Bluegrass Films. Distribuidora: Netflix
Género: Fantástico. Ciencia ficción. Terror. Drama | Siglo XIX. Monstruos
Guion: Guillermo del Toro. Libro: Mary Shelley. Historia: Guillermo del Toro
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Dan Laustsen
Reparto: Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth, Christoph Waltz
Dirección: Guillermo del Toro

La Novia - Por Jackie O.

“Ya no es un símbolo silencioso”

La película se inspira en la película de James Whale de 1935, "La novia de Frankenstein", adaptada a su vez de la novela "Frankenstein" de Mary Shelley, o "El Prometeo moderno" (1818).

El comienzo de la cinta puede ser algo desconcertante, y eso juega a favor y en contra a la vez, pero paciencia.

Tenemos una mirada diferente de una historia y época, una reinvención de su directora de un ser y un mundo fantástico. Desde las entrañas de una supuesta subconciencia de Shelley, un Chicago de los años 30, donde ella ya no será una secundaria, no es solo una creación. Ahora quiere ser un ser con identidad propia. Es Mary, es Ida, es Penélope… tres nombres, un cuerpo, un sueño o una realidad.

Frankenstein va donde la doctora Euphoronius porque la soledad lo consume. Lleva vagando por años y ya no aguanta más, necesita una compañera. La doctora a regañadientes lo ayuda y de un cuerpo, hace poco enterrado, aparece ella, una nueva mujer, pero que mantiene una conciencia confundida por una personalidad presente y una pasada. Es rebelde, astuta,y frágil a la vez, donde nace un extraño y revoltoso romance entre ambos que no pasa desapercibido. Es ahí donde aparecen en escena dos detectives que van tras sus pasos caóticos, ya que dejan muchas huellas sangrientas imposibles de no ver.

En 1935, la novia apareció por primera vez en la pantalla,y por solo apenas unos minutos, pero eso fue suficiente para quedarse como ícono de la cinematografía. Fue creada como acompañante sin personalidad, solo un cuerpo. Pero ahora, su creadora, la directora, le da voz y aunque la ambienta casi cién años atrás, le da un toque muy contemporáneo, con consignas sociales fuertes.

Pero sigue la esencia de la historia de monstruos que buscan un lugar en el mundo.

Su narrativa puede confundir. Se pierde a veces en el fondo de lo que quiere contar. Su guion no es tan fuerte manteniendo subtramas poco desarrolladas, pero su puesta en escena es cautivadora, extravagante, desenfrenada, con guiños a otras películas bien intercaladas, con géneros y subgéneros de todo tipo como gótico, gánster, terror, drama, cómic, etc. Y a pesar de tener algunos bailes, no es un musical; tiene una buena banda sonora y actuaciones impecables. Peinado y maquillajes excelentes, ya que presenta una nueva propuesta, con buenos encuadres y gran fotografía.

Pero al final de todo, ¿quién es La Novia? Una historia de identidad, voz feminista que grita por sus derechos, de autonomía, ya que no solo está para satisfacer a un compañero sino para satisfacer sus propios impulsos. Pero al fin y al cabo, el personaje se termina comiendo al símbolo que representa.

Una película que dará mucho que hablar en los futuros festivales. Interesante propuesta.

Ficha técnica

The Bride!
Dirección y guion: Maggie Gyllenhaal
Música Hildur Guðnadóttir
Fotografía Lawrence Sher
Protagonistas Christian Bale, Jessie Buckley, Peter Sarsgaard, Annette Bening, Penélope Cruz, Jake Gyllenhaal

El Guardián: último Refugio - Por Juan Pablo Donoso

Nueva epopeya de acción y violencia protagonizada por el anti-héroe británico Jason Statham (Rápidos y Furiosos, Blitz). Pero esta vez enriquecida por la presencia de la joven actriz Bodhi Rae Breathnach (Suzanne en Hamnet - 2025).

En una isla remota, donde Michael Mason (J, Statham), un ex -soldado prófugo vive oculto en un faro solitario, rescata a una niña en medio de una feroz tormenta marina. Esto desencadena una persecución gubernamental que lo obliga a abandonar su refugio y enfrentar enemigos del pasado. Él y la niña deberán sobrevivir en una persecución internacionalmente peligrosa.

Se repite el recurso de El Perfecto Asesino (Luc Besson - 1994) donde un implacable asesino (Jean Reno) protege a una inocente Natalie Portman de 12 años, incorporando a su vida el elemento redentor de la ternura paterna.

Aquí también le dieron una compañera infantil. Alguien a quien cuidar, querer y con quien dialogar, en lugar de simplemente ser una máquina asesina durante 107 minutos.

Es un paria fugitivo, lo persigue la Fuerza Armada Secreta del gobierno británico por haberle perdonado la vida a un terrorista musulmán llamado Kamal. Y como paradoja, será ese mismo terrorista quien salve la vida de la niña huérfana acogida por Mason.

El organismo secreto británico, encabezado por el enjuto y flemático actor Bill Nighy (Cuestión de Tiempo - 2013) ordena la ejecución inclemente de Mason. Pero como Stratham es un guerrero invencible se defenderá con sus ya conocidos poderes marciales.

Los antagonistas están representados por Nighy y un tenaz asesino gubernamental ferozmente entrenado. Las peleas con él son tensas y bien coreografiadas. Ni siquiera dialoga con Statham, solo combaten a muerte.

La música incidental, inquietante en sus pulsos, esconde con inteligencia las concesiones inverosímiles que traen casi siempre estos filmes de acción y matanzas. Sin ella la gesta perdería un tercio de su tensión.

El factor vulnerable y humanitario lo aporta la niña Jessie.

Statham pertenece a la línea de anti-héroes “feos” como Danny Trejos (Machete) y del legendario Charles Bronson, entre otros.

Aunque predecible aporta algunos ángulos novedosos.

Cuando termina nos sugieren que aquella relación de amor paternal “continuará” en una próxima película.

ACCIÓN, VIOLENCIA Y TERNURA GARANTIZADAS POR UNA PROLIJA REALIZACIÓN (USD 50,000.000 ), Y POR EL CARISMA DE UNA NUEVA ACTRIZ INFANTIL.

Ficha técnica

Título Original: Shelter - 2026 Espionaje, acción EE.UU., Reino Unido, Canadá - 1,47 hrs. 

Fotografía: Martin Ahlgren 

Edición: Matthew Newman 

Música: David Buckley 

Diseño Prod.: Tim Blake Guion: Ward Parry 

Actores: Jason Statham, Bodhi Rae Breathnach, Bill Nighy 

Director: Ric Roman Waugh

Iron Lung - Por Juan Pablo Donoso

Agotadora, eterna y claustrofóbica tortura de un convicto que va enloqueciendo en el interior de un submarino llamado Pulmón de Hierro (Iron Lung).

Versión cinematográfica de un video-juego homónimo.

Cuando todas las estrellas y planetas del universo han desaparecido en un Fin Silencioso, nuestro único protagonista Simón se sumerge en el océano de pura sangre de una última luna en busca de un monstruo desconocido.

Desafortunadamente, a la película le cuesta construir su historia, mantener el ritmo y, en última instancia, resulta demasiado repetitiva.

Un esfuerzo valiente que, por cansancio, falla en mantener nuestro interés y atención.

Una cosa es un video-juego, donde al jugador se le dan múltiples opciones de movimiento y solución, y otra es un filme completo - solo basado en un juego - donde el protagonista tiene el destino prefijado, y solo le resta someterse a cumplirlo. Por lo tanto, en este filme nadie está jugando. El guion ya está escrito y determinado.

Es por ello que - desde los tiempos de la Poética de Aristóteles - al abordar un guion dramático, debe someterse a las leyes universales de la dramaturgia. Ya desde ahí podría experimentar con variables novedosas o reveladoras - pero teniendo en cuenta la inteligencia y sensibilidad del espectador (¡incluyendo las narrativas del “absurdo”, cuando se plantean en el ámbito del arte dramático).

Aquí - lo que más nos intrigó fue preguntarnos: ¿QUÉ NOS QUISIERON DECIR CON ESTA TRAGEDIA? Y la respuesta es NADA, ya que se trata de un video- juego aleatorio, completamente ajeno en su naturaleza a un discurso dramático unitario, concebido previamente de comienzo a fin.

Es por ello que solo admiramos la prolijidad de detalles del rodaje - del presupuesto conseguido para este fin - y la paciencia del grueso público para aguantar esta pesadilla hasta el final… que para peor, niega toda esperanza de salvación.

En síntesis, un placer sado-masoquista - lleno de parafernalias, sin más objetivo que aplicar tecnología de punta, y lucir a su guionista, editor, único actor y director Mark Fischbach.

IDEAL PARA LOS QUE DISFRUTAN SUFRIENDO Y PASANDO UN MAL RATO EN EL CINE.

Ficha técnica

2026 - Ciencia ficción, horror corporal EE.UU. 2,07 hrs. 

Fotografía: Philip Roy 

Edición: Mark Fischbach, Marc Schneider 

Música: Andrew Hulshult 

Diseño Prod.: Iman Cormani 

Guion: Mark Fischbach, David Szymanski (video-juego) 

Actores: Mark Fischbach, Carolina Kaplan, Troy Baker (voces) 

Director: Mark Fischbach

El Agente Secreto - Por Carlos Correa Acuña

Tal vez sea bueno saber poco de esta película antes de verla para entenderla mejor. Parece contradictorio, pero quizá podría ser parte del aura que el guionista y director Kleber Mendonça Filho imprime a este trabajo. Por eso, intentaré mencionar algunos puntos clave de la historia y luego trataré de descubrir las características que hacen de “El Agente Secreto” una cinta especial y el porqué de su nominación al Óscar como mejor película.

Sobre la historia, muy breve. Marcelo -Wagner Moura-, está en tránsito. Su destino es Recife y estamos en el año 1977. La escena inicial nos da el contexto en solo cinco minutos. En una gasolinera, prácticamente desierta, en medio de la nada, yace un hombre muerto en pleno carnaval brasileño. El protagonista debe cargar bencina, no tiene otra opción. Llega la policía, pero no a encargarse del cuerpo. ¿A qué van entonces? Marcelo, del que no sabemos nada, ni su origen ni su rumbo, queda a merced de lo que ocurra. ¿Escapa de algo, de alguien? ¿Está en peligro? ¿Quién es este personaje?

Lo anterior solo fue una introducción, pues la película se descompone en tres partes. La primera, “La pesadilla del chico”, la segunda “Instituto de Identificación”, y la última, “Transfusión de Sangre”. Desde un primer momento, sentimos que estamos en una mesa y nos tiran piezas de un rompecabezas por los cuatro costados. Vemos llegar a Marcelo a un lugar de acogida, y seguimos sin saber quién es y qué hace allí. Luego lo vemos incorporarse al trabajo de una oficina que maneja registros de personas, algo así como nuestro Registro Civil, e interactuar brevemente con sus suegros y su pequeño hijo.

La cinta sigue, y en paralelo se desarrolla otra historia, de un par de asesinos contratados por un hombre poderoso. Surgen algunas pistas, se abren más aristas. En una hora de metraje, la apertura de temas y personas es enorme. Las piezas siguen dispersas pero ya comenzamos a ver puntos de encaje, manteniendo el misterio, el suspenso y un estado de alerta permanente.

En la parte central comenzamos a encajar las piezas y vaya cómo calzan. Descubrimos al protagonista mediante una entrevista, accedemos a parte de su pasado, comprendemos algunos de sus temores y visualizamos las amenazas que se ciernen sobre él. La cinta sigue avanzando, lenta y sostenidamente, hacia un tercio final que resulta vibrante en intensidad activa y emocional.

Como cuesta desprenderse de la trama al escribir, la dejaré descansar para mencionar a algunos de los personajes que encontramos en el recorrido. Doña Sebastiana, la encargada de la casa de acogida; Euclides, el jefe de policía; Alexandre, el suegro de Marcelo; y Ghirotti, el oscuro y poderoso controlador en las sombras. Hay muchos más como Elza, Fátima, Hans y Claudia, pero profundizar en todos ellos significaría describir su papel y participación en la historia con mucho más detalle.

¿Qué es lo especial que tiene esta cinta?

Primero, la narración. En un estilo particular, el director no devela nunca todas las cartas. A través de situaciones y personajes secundarios muy bien compuestos, nos va sumergiendo en la época, en esos años finales de la dictadura en Brasil. La opresión se siente y la inseguridad cotidiana se vive; la sociedad, rota internamente, trata de salir adelante, a veces sin mirar hacia el lado. La desconfianza es total. Cada paso debe darse con cuidado, ya que cada esquina puede representar un peligro mortal.

En segundo término, la estética elegida para la filmación tiñe muy bien cada escena. Parece todo muy real, incluso cuando la temporalidad juega un papel fundamental en el engranaje argumental.

En tercer lugar, el ritmo que mantiene el metraje es siempre persistente. Se trata de una película larga, de más de dos horas y media, pero que logra avanzar sin valles intermedios que amenacen la tensión.

Finalmente, sobresale un gran sentido de humanidad. En la adversidad es cuando se conoce la realidad. Afloran allí los mejores sentimientos: esa fraternidad, ese cariño y esa preocupación visible en los pequeños gestos, esas miradas cómplices, esos abrazos furtivos y esas conversaciones breves e intensas que se guardan para siempre.

“El Agente Secreto”, seleccionada por Brasil para competir en los premios Óscar, se separa de su categoría de película internacional para integrar la lista de las principales cintas en competencia. Y lo hace por méritos propios, por ser una cinta diferente sobre un tema del que hemos visto muchas versiones y porque se trata de un trabajo íntimo, en el que se expresa con gestos e imágenes mucho más de lo que se logra decir con palabras. Esa dinámica de tensión social permanente está muy bien representada por todo el elenco, y su protagonista, Wagner Moura, destaca por su capacidad de transmitir emociones sin necesidad de grandes esfuerzos, de manera natural, construyendo un personaje del que costará desprenderse.

Un viaje de 158 minutos, a veces desgarrador, a veces jocoso, con anécdotas y mitos, con personajes entrañables y otros cuestionables. Un viaje profundo al interior de un tiempo de represión, no solo dictatorial sino también en otros ámbitos sociales, donde el poder, el dinero y la corrupción abundan y afectan lo más sagrado del ser humano.

Ficha técnica

Título original: O Agente Secreto
Año: 2025
Duración: 158 minutos
País: Brasil
Compañías: Coproducción Brasil-Francia-Alemania-Países Bajos (Holanda); CinemaScópio Produções, Itapoan, MK2 Films, Lemming Film, ONE TWO Films, arte France Cinéma
Género: Thriller. Drama. Intriga | Años 70. Dictadura militar de Brasil. Política. Paternidad
Guion: Kleber Mendonça Filho
Música: Mateus Alves, Tomaz Alves de Souza
Fotografía: Evgenia Alexandrova
Reparto: Wagner Moura, Carlos Francisco, Tânia Maria, Robério Diógenes, Alice Carvalho, Gabriel Leone, Maria Fernanda Cândido, Udo Kier
Dirección: Kleber Mendonça Filho

Revista People Investiga: crimen y moda - Por Jackie O.

"El peso de la fama"

Esta serie explora los perfiles y las historias únicas, donde se encuentran el glamour con los impulsos humanos más oscuros.

Tres historias, tres capítulos sobre conocidos en la industrias de la moda.

Capítulo Uno: El asesinato de Maurizio Gucci.
La marca reconocida mundialmente es signo de elegancia y status; un hombre convirtió este imperio y pasó de legado en legado hasta que Maurizio se hizo cargo. Su esposa ambicionó más y se separaron. Muchos deben saber la historia con la película "Gucci" que, aunque con varios desaciertos, igual nos guía en su desenlace: la muerte.
Se entrevista a quienes estaban cerca de Maurizio, inclusive a Patrizia Reggiani, la misma viuda negra.
Tenemos la ambición desmedida por el dinero que arrastra a las persona a demostrar lo peor de su ser.

Capítulo dos: Asesinato de Linda Sobek.
Ser bello para muchos es una bendición, pues les abre muchas puertas. Avanzan, ya que son vistos, mantienen la atención y las oportunidades se extienden.
Linda Sobek nació hermosa y se convirtió en modelo, su agenda estaba llena de trabajo, su carisma era envolvente. Muy querida por todos, aunque sus relaciones amorosas no eran de lo mejor, ella avanzaba. Hasta que conoció al fotógrafo Charles Rathbun, era un nuevo trabajo y ella confió en él. Pero su salvajismo embobado por esta bella mujer, a quien deseaba, lo enloqueció y la eliminó cruelmente.
El deseo desmedido por poseer a otra persona lleva al ser humano a convertirse en un salvaje.

Capitulo Tres: El asesinato de Gianni Versace.
Otra marca de lujo, otro nombre sobresaliente. Dos hermanos crearon este imperio de la moda. Lujo, belleza, dinero.
Existe una miniserie del año 2016, muy buena, que nos acerca a lo que fue este asesinato, con actuaciones notables y muchos premios a su haber.
Un hombre desconocido, homosexual reprimido, pobre, sin educación ni oportunidades, buscaba encajar en el mundo de la opulencia, y Gianni estaba ahí, ¿en el lugar y momento equivocado ? Quién sabe. Pero su vida se fue en segundos, un día soleado.
Nadie tiene comprada la vida, nadie sabe quién terminará contigo. Nadie sabe la existencia de personas que envidien tu éxito.

Tres historias sobre belleza, dinero y poder. Talentos muertos en manos de terceros inescrupulosos, asesinos que solo querían poseer lo que sus víctimas tenían, a la fuerza.

Se entrevistan a diferentes familiares, amigos y profesionales de diversas áreas. También hay pequeñas recreaciones que aportan para contarnos la historia, una historia de personas que triunfaron y que, personas perturbadas, les arrebataron la vida.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

People Magazine Investigates: Crimes of Fashion
1h 30 min. 2024
Director: Stuart Gillard
Géneros: Documental, Crimen, Drama, Película biográfica, Policial

¡La Novia! - Por Carlos Correa Acuña

Chicago, años 30. Frankenstein recurre a la Dra. Euphronius pues ya no puede más con su soledad. Necesita compañía. En realidad desea una compañera, una relación para dejar de sentirse excluido, tener una razón de vida y, finalmente, ser querido. La oportunidad que se presenta es de oro. Una mujer recién asesinada es devuelta a la vida y pasa a ser “la novia”, como vimos hace muchísimos años en “La novia de Frankenstein".

La introducción es potente. Un blanco y negro que retrata a la autora de la novela original, Mary Shelley -encerrada en el cuerpo de Ida, interpretada por Jessie Buckley, en una lucha entre posesión y libertad-, da paso al asesinato que inicia la historia.

Frankenstein -Christian Bale-, deambula, perdido, pero con un objetivo claro. Es por ello que cuando la Dra. Euphronius -Annette Bening- lo acoge y se abre a su requerimiento, algo se modifica en él. Desde la recuperación del cuerpo hasta el incidente que los pone en primera línea, la cinta luego pasa de Chicago a Nueva York, después a las Cataratas del Niágara, para finalmente regresar al interior de Estados Unidos. Las aventuras de la pareja, con marcadas referencias a “Bonnie and Clyde”, se suceden sin pausa en una espiral ascendente que pareciera no tener fin.

Maggie Gyllenhaal dirige este filme escrito por ella misma. Destacan sus cámaras, con movimientos bruscos y también sutiles, filmando planos muy cerrados y cercanos, que no se separan y entregan urgencia a cada toma. El manejo de la luz y los ángulos elegidos crean un ambiente ideal para contar la historia, porque estamos allí, en medio de los protagonistas, insertos en su espacio y cohabitando su mundo.

¡Qué decir del maquillaje! Espléndido, totalmente necesario y justificado, ya que es capaz de crear una estética que es aprovechada a cada momento por los protagonistas. Este aspecto, que funciona casi como un personaje más, se combina con unas coreografías muy bien desarrolladas en las que destaca el hermano de la directora, Jake Gyllenhaal, interpretando a un famoso actor de cine, bailarín y cantante, del que Frank es su mayor fan.

El tratamiento escénico también resulta muy entretenido. El hecho de que el cine funcione como terapia para Frankenstein, alcanza su punto más alto cuando aparecen intercambios de roles, entre sueños y realidad, lo que aporta una gota de glamour a un metraje vivaz y de ritmo trepidante.

En cuanto a las actuaciones, hace muy poco hemos visto el peso dramático de Jessie Buckley en “Hamnet”. En esta cinta se mueve con soltura en otro extremo, mucho más cercano a personajes complejos de múltiples personalidades, dando cuenta de una cantidad de recursos expresivos notables, aunque también un poco abrumadores, siempre al servicio de la narración. Christian Bale, por su parte, construye un Frankenstein diferente, más contenido y tal vez más íntimo, siempre burdo, pero con un corazón que busca complemento. La presencia de Peter Sarsgaard y Penélope Cruz, como los detectives que siguen a la pareja, completa un elenco fuerte y bien aprovechado, que aporta matices y profundidad a una película que fluye sin inconvenientes.

“The Bride!” es una buena sorpresa en la cartelera. Entretenida de comienzo a fin, presenta una variante interesante y retoma una trama que tal vez aún tiene cosas que decir, porque Frankenstein perdura hasta nuestros días como uno de los grandes íconos del cine de terror fantástico.

Ficha técnica

Título original: The Bride!
Año: 2026
Duración: 126 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Terror. Fantástico. Drama | Remake. Años 30
Guion: Maggie Gyllenhaal. Personajes: Mary Shelley
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Lawrence Sher
Reparto: Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Annette Bening, Jake Gyllenhaal, Penélope Cruz
Dirección: Maggie Gyllenhaal

Faraón - Por Juan Pablo Donoso

Un clásico de culto polaco que, después de sesenta años, conserva intacta su fuerza poética, su atmósfera milenaria, y su denuncia universal.

Basada en la novela del siglo XIX de Boleslav Prus, el legendario director Jerzy Kawalerowicz nos entregó una obra maestra cargada de misterio, como ya lo hiciera con su Sor Juana de los Ángeles en 1961, provocándonos un banquete cinematográfico de infinitas sugerencias y reflexiones.

Más que un relato lineal - que también lo es - plantea momentos cruciales en la vida de sus protagonistas, quienes sometidos a inevitables dilemas, deben decidir más con la fuerza del espíritu que con la razón.

Imperio Nuevo. Egipto se encuentra en difícil coyuntura. Los asirios amenazan con invadir el país y, a la vez, el empobrecimiento del pueblo es cada vez mayor.

La injusticia que induce al suicidio de un anciano excavador de canales enfurece al príncipe heredero, quien jura acabar con el clero al asumir la realeza.

Una vez proclamado faraón, el joven Ramsés XIII (que nunca existió) decide remediar la situación sirviéndose de las riquezas de la casta sacerdotal, que concentra el poder económico, religioso, y también el político.

Impresiona por sus imágenes y diálogos. Por la reconstrucción realista de un Egipto milenario, los combates y la tensión.

Exposición lenta y majestuosa de la disolución de una dinastía.

El Antiguo Egipto sumergido en intrigas y superstición.

Su atmósfera nos envuelve en angustia, incertidumbre, miedo, rabia y, a menudo, sensualidad, con excelentes actuaciones y admirable economía de recursos.

Llena de simbolismos - de libre interpretación - que pudieran referirse al mundo político de nuestros años 60, o a las eternas vicisitudes de cómo encarar las virtudes y bajezas humanas de todos los tiempos.

El verdadero conflicto es entre un faraón sin poder real y los sacerdotes corruptos que están hundiendo el imperio.

El conflicto del faraón con los sacerdotes sugiere una influencia de la Iglesia católica en la política polaca.

El faraón descubre que el poder sin sabiduría conduce a la caída.

La obra sugiere que quien cree gobernar muchas veces es solo una pieza dentro de fuerzas más grandes que él.

El antisemitismo nacional se reconoce en los intentos de los personajes por convertir a los judíos en chivos expiatorios de las debilidades del país.

Si los sacerdotes egipcios fueran reflejos del clero católico en la política polaca, la película también reconoce su importancia en la grandeza actual del país.

Película inteligente y cautivadora, bellamente concebida y ejecutada. Lamentablemente existen muchas versiones truncas. Cincuenta años después, por fin tenemos la oportunidad de verla completa en YouTube.

Antecedente milenario de un judeo/cristianismo cuyas semillas espirituales ya brotaban en los albores del alma humana.

Historia sutil, amarga y cruel sobre el poder. Reflexión sobre el presente y más allá…

El director de fotografía Jerzy Woljcik fue lo que Sven Nykvist para Bergman, Gregg Toland para Welles, y Moskvin y Tisse para Eisenstein.

Versión subtitulada al español

Versión doblada al español

PROVOCATIVA Y ELÍPTICA EN SU FORMA Y CONTENIDO. UNA JOYA EN LA HISTORIA DEL CINE MUNDIAL. IMPERDIBLE E INOLVIDABLE.

Ficha técnica

1966 Drama histórico. Antiguo Egipto Polonia - 2,31 hrs. 

Fotografía: Jerzy Woljcik 

Edición: Gerda Marczinkowski, Wieslawa Otocka 

Música: Adam Walacinski 

Diseño Prod.: Jerzy Skrzepinski 

Guion: Jerzy Kawalerowicz, Tadeusz Konwicki. 

Novela: Boleslav Prus 

Actores: Jerzy Zelnik, Barbara Brylska, Wieslawa Mazurkiewicz, Leszek Herdegen 

Director: Jerzy Kawalerowicz

Palma de Oro: Mejor película - Cannes 1966 

Nuremberg: el Juicio del Siglo - Por Juan Pablo Donoso

Nuevo ángulo del excelente JUICIO EN NUREMBERG (1961) - dirigido por Stanley Kramer y protagonizado por Spencer Tracy y otros grandes actores.

A diferencia de tantos filmes sobre el holocausto, esta se centra en las relaciones entre el joven psiquiatra Dr. Kelley y Hermann Göring.

De ninguna manera pretende justificar las monstruosidades del genocidio. Pero con madura inteligencia evita también caer en burdo maniqueísmo.

Indagando en las motivaciones más profundas de los alemanes, se nos revela que tampoco muchos magnates judíos fueron santos impolutos.

El dilema del psiquiatra Dr. Douglas Kelley es - gradualmente - enfrentar lo “relativo” del origen de las aberraciones humanas.

Una cosa es el Juicio mismo, y la realidad de los crímenes que merecen Justicia, y otra es internarse en las mazmorras sangrantes de las motivaciones que llevan a los seres humanos a comportarse peor que bestias.

Y recordemos que la novela original fue escrita por un lúcido judío: Jack El-Hai.

Como en todo conflicto humano, surge la controversia entre la psicosis y la naturaleza intrínseca del espíritu humano, que puede albergar tanto la extrema santidad como la más abyecta maldad y perversión.

Una competencia entre el riguroso profesionalismo científico y las infinitas argucias de la mente humana por sobrevivir.

Dilema insondable del que solo pudieron “escapar”, por medio del suicidio, tanto Göring como - años más tarde -el mismo psiquiatra asignado para el caso.

Un filme que nos entrega más interrogantes que conclusiones categóricas.

El narcisismo de Göring, sus dramas de infancia, y la inocencia de su familia nos sumergen en el eterno misterio de la conducta humana.

De una forma u otra, todo tiene motivaciones enclavadas en lo más profundo de las almas.

Constante metáfora de los juegos de prestidigitación, en que las mentes, según las circunstancias, pueden ser engañadas - o desviadas - por la pericia del mago de turno (¿Hitler?).

La producción del filme fue costosa e impecable en ritmo y parafernalia técnica. Los actores principales y secundarios muy bien escogidos (salvo el Papa Pío XII que más bien se parece a Pablo VI). Extraordinaria caracterización de Russell Crowe (Gladiador) como el obeso germano Göring. Y Rami Malek que - con excepción de Freddy Mercury en Bohemian Rapsody - es siempre él mismo, pero con notable verdad.

Los 140 minutos se hacen cortos por lo provocativo del tema.

Aunque parecieran invitarnos a humanizar a los primeros hombres juzgados en Núremberg, al final fueron, sin duda, malvados.

UN LLAMADO A RECONOCER LA ALIENACIÓN DE LOS JERARCAS INCLUYENDO LA NECESIDAD IMPERIOSA DE JUSTICIA UNIVERSAL. BUENA PERO REQUIERE MADUREZ Y REFLEXIÓN.

Ficha técnica

Título Original: Nuremberg

2025 Docudrama, jurídico/psicológico EE.UU., Hungría - 2,28 hrs. 

Fotografía: Dariusz Wolski 

Edición: Tom Eagles 

Diseño Prod.: Eve Stewart 

Guion: James Vanderbilt, Jack El-Hai 

Actores: Rami Malik, Russell Crowe, Michael Shannon 

Director: James Vanderbilt

La Casa del Dragón, Temporada 2 - Por Jackie O.

“Decisiones con dolor, sin perder el poder”

La Segunda Temporada de la serie de televisión, de drama y fantasía, basada en la novela “Fuego y Sangre”, de George R. R. Martin, se sitúa aproximadamente 200 años antes de los eventos de Game of Thrones, mientras que la Primera Temporada funciona como una antesala de los acontecimientos, estableciendo las tensiones dinásticas y los conflictos latentes en la corte, y que puedes leer mi comentario en este enlace.

La segunda, adapta los primeros eventos de la Guerra Civil conocida como la “Danza de los Dragones”, un conflicto militar en la historia de Poniente que enfrentó a dos facciones rivales de la Casa Targaryen -los Negros y los Verdes- por el control del Trono de Hierro.

Comenzamos con el dolor de la pérdida ocurrida al finalizar la Primera Temporada. Está la tristeza, el rencor, la ira, la culpa, y un constante “un hijo por un hijo”. Es lo que escucharemos una y otra vez en esta temporada.

Tenemos a los mismos personajes, pero ahora aparecen, levemente, nuevos: La Muralla, donde resuena un Stark y los caminantes blancos. La otra diferencia es la introducción, no en cuanto a la melodía, porque eso sería fatal, ya que es marca registrada para nuestros oídos, un deleite, solo respecto a la imagen, que resulta interesante, sin ser grandilocuente.

La casa verde sigue en guerra con la casa roja; siendo parientes, la codicia del trono es más fuerte, buscando aliados en diferentes “casas” de ejércitos, dragones y jinetes. Una curiosidad para esta temporada es que la casa roja pasa a ser la casa “negra, entiéndase por la “inclusividad” de monarcas existentes y las colaboraciones. Es una temporada más política, de mucho diálogo más que acción, ya que se prepara una guerra que no tiene tregua. Eso hace que el guion no sea constante; hay momentos de mucho interés para luego decaer, y luego retomar nuevamente el ritmo.

Visualmente es impresionante, porque los efectos visuales saben manejarlos muy bien. El equipo creativo se esmeró en mostrar más localizaciones, más interiores, más personajes, lo que hace que el trabajo de puesta en escena esté muy bueno.

Hay muertes de personajes importantes, y de no tantos, pero que, de alguna forma, impactan igual, y que también son la tónica de la serie: sus dosis de crueldad física y emocional.

A pesar de que el guion no es del todo sólido, Rhaenyra y Alicent siguen siendo la cabeza principal de la serie. En ellas está el peso emocional y las consecuencias presentes y futuras, donde ambas desarrollan una gran actuación.

La Primera Temporada nos presentó a los personajes y sus ambiciones; en la Segunda Temporada ya está claro todo y es una preparación para la guerra que viene en la Temporada 3, la que no se podrá evitar.

House of the Dragon. En HBO

Ficha técnica

Creado por Ryan Condal y George R. R. Martin
Protagonistas: Matt Smith, Emma D'Arcy, Olivia Cooke, Rhys Ifans, Steve Toussaint, Eve Best, Fabien Frankel, Matthew Needham, Sonoya Mizuno, Tom Glynn-Carney.
8 capítulos. 2024.

Merteuil: Juegos de Seducción - Por Jackie O.

"Amor y venganza"

Miniserie basada en la novela epistolar de Pierre Choderlos de Laclos, #Las amistades peligrosas".

Todos recordamos a Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer, Uma Thurman y Keanu Reeves, en una película inolvidable que, aunque no es la única adaptación, aun así no olvidamos esas "amistades peligrosas". Glenn era Isabella, la marquesa de Merteuil, y John era el vizconde Valmont.

Bueno, ahora tenemos a una Isabella joven e inocente, viviendo en un convento, quien conoce a un joven, galán y adinerado, el vizconde Valmont, y se enamoran. Lo que no sabe esta inocente Isabelle es que Valmont se caracteriza por ser un aprovechador de jóvenes hermosas y vírgenes; las seduce y las deja. Todo ello está amparado por su tía, Madame de Rosemonde, pero llega un momento en que esta última se cansa, e Isabelle quiere cobrar venganza. Aliadas, Isabelle le solicita a Madame de Rosemonde que le enseñe todas las triquiñuelas de la seducción para sobrevivir y cobrar venganza.
Una mujer despechada es peor que cualquier cosa.

La historia nos muestra una Francia llena de lujos, donde los adinerados abusan de poder y realizan toda clase de excesos. El orgullo alimenta la venganza y destruye a todo. El deseo se transforma en un arma. El dinero es apetecido y es el fin para llegar al poder.

Sexo, drogas, y excesos varios veremos en esta miniserie. Con mucha seducción, traición, amor, odio, pero también amor.
¿Pero el amor será suficiente ante tanto deseo de venganza?

Interesante propuesta, hecha en idioma francés y que se escucha genial. Una gran puesta en escena y maravilloso vestuario.
Buen elenco, con actuaciones variadas, algunas muy buenas y otras que solo cumplen; en estas últimas faltó más desarrollo de personajes.

Un guión conocido, con personajes conocidos, el cual está adaptado en una forma que se deja ver para pasar un buen momento. Es una forma diferente de conocer esta gran novela.

Disponible HBO

Ficha técnica

Título original: Merteuil.
Dirigido por Jessica Palud
Elenco:
Anamaria Vartolomei como Isabelle de Merteuil (de soltera Dassonville)
Diane Kruger como Madame de Rosemonde
Vincent Lacoste como el vizconde de Valmont
Lucas Bravo como el conde de Gercourt
Francia. 2025. 6 episodios

Líbralos del mal - Por Carlos Correa Acuña

¿Celebrar el primer año con un paseo a una cabaña aislada en medio de un bosque? Parece el panorama perfecto para un fin de semana soñado. Y ciertamente lo es para Liz -Tatiana Maslany- y Malcolm -Rossif Sutherland-, una enamorada pareja que no quiere dejar pasar esta oportunidad que la vida les regala.

El lugar es paradisíaco, realmente idílico y protegido, tanto que de entrada resulta sospechoso. Solo se ve una casa enfrente, habitada por Darren -Birkett Turton-, primo de Malcolm, quien tarda muy poco en aparecer de improviso con Minka -Eden Weiss-, su nueva novia, quien no habla una palabra de inglés.

Lógicamente vamos viendo varias pistas y elementos extraños sobre el camino. Un pastel casero de bienvenida, algunos sonidos, la sensación de que hay voces y presencias, una serie de elementos que de inmediato nos hacen suponer que en cualquier momento vendrá algo ineludible. Cuando Liz se queda sola dado que Malcolm debe volver a la ciudad por trabajo, comienzan los sucesos. ¿Qué pasará? ¿Podrá Liz sobreponerse o será vencida por aquello que no se ve pero que se aprecia con mucha fuerza?

Escrita por Nick Lepard y dirigida por Osgood Perkins, “Keeper”, su título original, se siente como una película básica revestida de una gran estética que intenta ocultar sus debilidades. Es cierto, apela a la imaginación, a ponerla en práctica con elementos clásicos -trucos, movimientos, apariciones-, para luego agregar un componente mágico, del tipo sueño/realidad, que traspasa el ambiente y se impregna en el relato.

Las tomas y sus planos resultan interesantes la mayoría de las veces, pero pronto comienzan a repetirse. Algo similar sucede con la música, intrigante de entrada, pero que luego de varios minutos parece continuar solo con pequeñas modificaciones de las células originales. Con todo eso en marcha, la cinta no logra evitar darse vueltas y vueltas para quedarse en un letargo pesado y tedioso.

“Líbralos del mal” tiene un giro hacia el final, pero no basta para sacudir la modorra del desarrollo. Sin más explicaciones, se mantiene a la deriva, como dando cuenta de un cierre fallido, o bien de algo que pueda dar sentido a una historia tan delgada que, aunque aporte ciertos toques artísticos, no alcanza a cumplir con sus expectativas.

Para amantes del género, y aun así con reparos.

Ficha técnica

Título original: Keeper
Año: 2025
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Oddfellows Entertainment, Range Media Partners, Wayward Entertainment, Welcome Villain. Distribuidora: Neon
Género: Thriller. Terror | Sobrenatural
Guion: Nick Lepard
Fotografía: Jeremy Cox
Reparto: Tatiana Maslany, Rossif Sutherland, Birkett Turton, Eden Weiss
Dirección: Osgood Perkins

¿Está funcionando esto? - Por Jackie O.

"El humor para sanar"

Comedia dramática que está basada libremente en la vida del comediante inglés John Bishop.

Trata de un matrimonio que, tras muchos años juntos, llegan a un final amistoso, comenzando así la incómoda etapa de aprender a vivir separados mientras crían a sus dos hijos menores, Felix y Jude, y tratan de mantener su amistad.

La cinta comienza de inmediato dándonos aviso de esta separación. Han sido veinte años juntos y la dinámica se desgastó. Más para ella que para él; por él no se separaba nunca, pero acepta lo que su ex le pide: distanciarse hasta decidir si va o no para un divorcio.
Ella quiere retomar esa vida profesional que dejó por la familia y sentirse validada. Él no acepta que se aleje de su lado, pero está en silencio, vive su duelo, aguanta. Y una noche, él quiere entrar a un bar a beber, pero le cobran entrada y anda sin dinero. Al ver que una chica entra sin pagar, consulta por qué ella entra así y le dicen que ella va a participar de un Stand Up, un monólogo cómico. Él acepta inscribirse solo para beber y no sabe en qué se ha metido. Mientras está bebiendo lo llaman al escenario. No sabe qué decir, el foco ilumina su rostro y se le ocurre hablar de su problema de separación. La gente se ríe y para él es algo catártico. Y así va, una y otra vez, hasta que su esposa lo descubre y se da cuenta que habla de los problemas en común.

 
¿Se arreglará después de esto el matrimonio?

La historia es simple, liviana y amena. Alex está muy vulnerable, Tess es más fuerte, y él encuentra una forma de deshacerse de todas sus trancas, traumas y temas que nunca habló con su mujer en estos monólogos. Comienza a darse cuenta de que no solo se desahoga, sino que descubre cuáles fueron también sus faltas en el matrimonio. Tess, por su parte, se redescubre, sabe que puede retomar su vida laboral luego de años en casa, de lo que quiere, no solo como profesional sino como mujer.

Es un descubriendo de dos personas que solo se dedicaron a un matrimonio, a un hogar y a los hijos, olvidando su existencia como personas, como pareja. Faltó el diálogo entre ellos.

Una comedia, pero con bastante drama, que nos muestra cosas cotidianas donde te das cuenta de que una relación de pareja debe alimentarse siempre, descubrir el significado del amor y de la compañía. Nos conecta desde lo humano.

La película es amena pero se siente larga en momentos, ya que demora un poco en que conectemos con los partícipes. Las actuaciones de todos son buenas, pero los importantes son solo dos personas. Son sólidos y el resto, a veces, se siente que está de más.

Una película que sirve de instancia de discusión a quiénes están en pareja, principalmente para preguntarse: ¿esto está funcionando?

Ficha técnica

Is This Thing On?
Dirigido por Bradley Cooper
Guión de Bradley Cooper, Will Arnett, Mark Chappell
Protagonizada por Will Arnett, Laura Dern, Andra Day, Bradley Cooper.
120 minutos. EEUU. 2025

Palestina '36 - Por Carlos Correa Acuña

La calidad de la filmación se aprecia desde un inicio. Fotografía y música, con una secuencia de tono-semitono, auguran tensión. Estamos en el año 1936 y un evento importante está por suceder. Se trata de la primera transmisión radial en Palestina, que en ese momento, ocupada por fuerzas británicas, lentamente comienza a acoger a cientos de judíos que escapan del régimen nazi.

El primer escenario es una estación de trenes en Jerusalén, pero pronto el metraje se mueve al campo y muestra el trabajo rural, los abusos contra los campesinos y la evidente diferencia de trato con los recién llegados.

Despidos masivos dan la alerta. Si no se hace algo, muchos palestinos quedarán en la calle. Comienza una huelga, una revolución liderada por agricultores contra el colonialismo, probablemente el levantamiento más importante en los más de 30 años de dominio británico.

Esta cinta escrita y dirigida por Annemarie Jacir tiene la historia como telón de fondo, pero finalmente es una película sobre relaciones. Vemos personas acomodadas, acostumbradas al lujo y a los eventos sociales, en contraposición con quienes labran la tierra con sus manos, cosechan y trabajan de sol a sol para conseguir el sustento. La cinta reflexiona sobre un derecho de propiedad que lentamente se va imponiendo a la cultura ancestral, de miles de años de antigüedad, respecto de los verdaderos dueños de los campos porque sus familias han habitado allí desde siempre.

La dicotomía entre la vida en una comunidad agrícola y la ciudad se refleja en el protagonista de la historia, quien consigue trabajo como chofer de un reconocido político. Este ascenso en la escala social, pronto ofrece un punto de inflexión, porque ante la tensión evidente, ya no es tan claro qué camino debe seguir.

No tardan en hacerse más evidentes los abusos, en todos los niveles y de todas las formas imaginables. El mayor de ellos, el poder de las armas, pero no se puede dejar de mencionar uno que podría ser aún más complejo: la discriminación y el estatus descartable que se les da a algunas personas.

El pueblo se arma y se prepara para la revolución. Tanto hombres como mujeres asumen responsabilidades que van en contra del aumento de situaciones abusivas que aparecen por doquier. La resistencia está unida y a pesar de que el Gobierno británico forma una comisión investigadora, la solución no tiene visos de resultar pacífica. La crisis se desata: atentados contra el poder y, en paralelo, cada vez más represión para un conflicto que solo deja víctimas. ¿De qué lado de la historia se elige estar? ¿Del lado de los vencedores o de los vencidos? Resuena esta pregunta, porque no es una decisión sencilla cuando involucra a la familia y a quienes más se quiere.

“Palestine '36” es una película interesante. Con una producción de muy buen nivel, bien filmada, con hermosa fotografía y música apropiada, este trozo de historia adquiere una importante connotación, no solo por la perspectiva que aborda, sino también por aquello que ilustra claramente en sus casi dos horas de duración. ¿Qué es real y qué es ficción? Ciertamente no pretende ser un documental y de seguro solo el contexto general podría pasar la vara de algún historiador. Sin embargo, solo eso basta para sumergirnos en un mundo que no estamos acostumbrados a observar, aunque su lento y árido avance, su alto grado de fragmentación y su ambiciosa cobertura amenacen con desviar permanentemente nuestra atención.

Ficha técnica

Título original: Palestine '36
Año: 2025
Duración: 119 minutos
País: Palestina
Compañías: Coproducción Palestina-Reino Unido-Francia-Catar-Arabia Saudí; Philistine Films, Autonomous, BBC Film, BFI Films, Cocoon Films, Corniche Pictures, Film i Väst, Katara Studios, MK Productions, Metafora Production, Munib & Angela Masri Foundation, Snowglobe Films, The Danish Film Institute Archive
Género: Drama | Histórico. Años 30. Colonialismo
Guion: Annemarie Jacir
Música: Ben Frost
Fotografía: Sarah Blum, Tim Fleming, Hélène Louvart
Reparto: Hiam Abbass, Kamel El Basha, Yasmine Al Massri, Jalal Altawil, Robert Aramayo, Saleh Bakri, Yafa Bakri, Karim Daoud Anaya
Dirección: Annemarie Jacir

Cumbres Borrascosas - Por Carlos Correa Acuña

Inspirada en la inolvidable novela de 1847 de Emily Brontë, la guionista y directora Emerald Fennell construye un relato muy libre sobre una historia de amor imposible.

Corre el siglo XVIII en Inglaterra y la película comienza con una ejecución. Un hombre es ahorcado mientras todo el pueblo se congrega en la plaza central para presenciar la brutal condena. La recreación es pulcra y los escenarios parecen reales. La secuencia, al aire libre, tiene mucho de morbo y también marca tendencia.

Rápidamente pasamos a los interiores, en específico al de la familia de Mr. Earnshaw. Residen allí su hija Cathy y Nelly, una especie de amiga de compañía de la pequeña. Earnshaw tiene una sorpresa: ha recogido de las calles en Liverpool a un niño abandonado y lo ha traído a vivir a su casa. Buen corazón, sin duda, pero lo presenta como la “mascota” de Cathy, a quien ella llama "Heathcliff" en honor a su hermano fallecido.

El relato deja en claro el machismo imperante. El autoritarismo, la dureza y la crudeza con que se maneja Earnshaw no dejan lugar a dudas. Aunque transcurre un tiempo considerable, la costumbre se mantiene igual cuando los niños pasan a ser mayores y la juventud llega sin complejos.

Cathy quiere salir de ese opresivo ambiente y también ayudar a Heathcliff, pero no sabe cómo. La ocasión se da luego de un accidente que ella sufre en una finca vecina que la obliga a estar seis semanas allí, conocer más de cerca esa familia y para finalmente comprometerse con el dueño de casa, un exitoso comerciante textil llamado Edgar Linton. La transformación es evidente y los celos de Heathcliff pasan a ser mayúsculos por lo que huye del lugar con rumbo desconocido.

Sin ánimo de hacer spoiler -aunque todos conocemos, o bien la novela original o alguna de sus versiones o adaptaciones-, el matrimonio de Cathy con Edgar es el nudo máximo de conflicto, el que aumenta cuando años después Heathcliff regresa, ya no como un desposeído, sino como un hombre acaudalado que aún alberga la esperanza de reconquistar el amor de su vida.

“Cumbres Borracosas”, así, en cursiva y además entre comillas, dista bastante de su modelo inspirador. No solo aborda una parte acotada de la historia, aunque sustantiva, sino que su universo es mucho más pequeño que el que se presenta en la versión original. Margot Robbie y Jacob Elordi son, aquí, el centro del relato. Todo gira básicamente en función de ambos, relegando a todos los demás a lugares secundarios. La desproporción es enorme, y el desequilibrio no logra ser aplacado, porque no se trata del tiempo en pantalla de los otros personajes, sino de la construcción de aquellas líneas dramáticas que deberían entregar contrapeso a dos actores que se sienten como si fueran los únicos protagonistas.

El argumento, concentrado y diluido a la vez, habla de situaciones sociales, de la conveniencia por sobre la felicidad, del poder del dinero, de los amores furtivos y de un sentimiento genuino y tan arraigado que, a pesar de ello, no logra vencer las dificultades de la vida.

En ciertos momentos, en especial en el último tercio, la cinta parece alargar la espera, estirar al máximo el metraje con un recurso tan delgado para mantener la tensión, que prácticamente se rompe de mirarlo. Esta planicie, bastante inexplicable, hace que la película decaiga considerablemente y pierda gran parte de la elaboración que presenta en su sección central, dejando un sabor más amargo que romántico al momento del desenlace.

Lo mejor de “Cumbres Borracosas” es su música incidental. Compuesta por Anthony Willis, lo que más destaca es el uso de largos pedales y acordes consonantes entregados principalmente a la cuerda baja (violas, cellos y contrabajos). Estos elementos entregan una profundidad única, con colores exquisitos y una armonía clásico-romántica que encuentra contrapunto perfecto en las canciones de Charli XCX y algunas disonancias expresas en otros momentos de la cinta.

En resumen, interesante, por cierto. Conocer otra deriva de la famosa novela es algo que siempre llama la atención. Por otro lado, Margot Robbie, como actriz y productora -y muy bien secundada por Jacob Elordi-, es otro de los elementos atractivos, ya que indudablemente ella es una de las actrices más importantes del momento y sus movimientos deben ser seguidos con cada vez mayor atención.

En fin, es una película poco larga pero que vale la pena en pantalla grande.

Ficha técnica

Título original: Wuthering Heights
Año: 2026
Duración: 136 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; MRC Film, LuckyChap Entertainment. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Drama. Romance | Drama romántico. Drama de época
Guion: Emerald Fennell. Obra: Emily Brontë
Música: Charli XCX
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Shazad Latif, Alison Oliver, Martin Clunes, Ewan Mitchell
Dirección: Emerald Fennell