Lo que el agua se llevó - Por Jackie O.

“Cuando conoces el significado de unión”.

Roddy es un ratoncito mascota que vive feliz con una acomodada familia en Londres, cuando queda solo en casa disfruta recorriéndola y jugando con los otros juguetes. Pero no es como Toy Story, ya que los juguetes siempre están inanimados. O sea él está solo. Pero está acostumbrado ya que no conoce otra forma de vida.

Hasta que una noche llega un extraño ratón de alcantarilla “un ocupa” y se adueña del hogar de Roddy, es el gordo Sid que luego de una trampa fallida de Roddy, lo lanza al retrete.

Roddy llega a las sucias alcantarillas. Asustado y solo no sabe qué hacer. Encontrándose con una ciudad donde trata de buscar ayuda para volver a su hogar.

Un pirata del lugar le da el dato de que hay un bote que lo puede ayudar a salir.

Dicho bote lo conduce la tenaz Rita.

En una presentación llena de problemas son atrapados por los maleantes Pálido y Spike. Ya que su jefe El Sapo, quiere una joya que mantiene Rita.

Al ser atrapados son llevados al refugio del sapo para aniquilarlos, pero escapan, y Rita sin darse cuenta se lleva “una especie” que es muy importante para El Sapo. Así que este mafioso contrata a su primo “La rana” para atraparla y quitarle dicho elemento, ya que es la pieza principal para su horrible plan que es eliminar a las ratas.

Entre peleas y huidas entre nuestros protagonistas y el grupo de mafiosos, se desatan diferentes y divertidas situaciones. Donde además conocemos a muchos personajes que amenizan la historia, como babositas que dan el toque musical y de algunos efectos especiales, la multitudinaria familia de Rita en especial su abuela fans de Tom Jones, un simpático mimo, etc.

Ahí Roddy se da cuenta que tener a una familia es muy importante, sea de sangre o si la encuentras en otros.

¿Pero porque el Sapo quiere eliminar a las ratas del lugar?

Porque él fue la mascota del Príncipe Carlos, hasta que llegó un ratoncito como nueva mascota y el sapo fue desechado. Quiere venganza.

¿Y Cuál es su plan? Eliminarlas.

¿Cómo pretende hacerlo? Mientras todo Londres y la ciudad Ratolandia esté viendo el partido de Inglaterra versus Alemania, pero será justo en el entretiempo.

¿Y porque debe ser en ese momento?

Descúbrelo viendo está divertida película animada, donde los más pequeños del hogar se van a entretener ya que tiene los componentes que a ellos les gusta: mucho color, ritmo frenético, constantes aventuras, gags ingeniosos, personajes muy divertidos y resalta valores como son la amistad, el amor y la unión.

Pero también los adultos lo pasarán bien viendo.

Por lo que es un genial panorama en familia.

Disponible en Netfilx, Movistar play y Google Play movie.

Ficha técnica

Título Original: Flushed Away
Animación/Aventura/Cine familiar
Año: 2006. País: Reino Unido. Duración: 1h 26m
Dirección: David Bowers y Sam Fell
Guion: Dick Clement y Ian La Frenais
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Brad Blackbourn y Frank Passingham
DE DreamWorks.
Reparto:
Hugh Jackman es Roddy St. James. (Para hispanoamérica voz de Idzi Dutkiewicz)
Kate Winslet es Rita (Para hispanoamérica voz de Jessica Ortiz)
Ian McKellen como The Toad/El Sapo (Para hispanoamérica voz de Rubén Moya)
Jean Reno como (Le Frog/La Rana) (Para hispanoamérica voz de Gerardo Reyeno)
Bill Nighy como Whitey/Pálido (Para hispanoamérica voz de es Ma Zavala)
Shane Richie como Sid (Para hispanoamérica voz de Germán Fabregat)
Andy Serkis es Spike/Marcial. (Para hispanoamérica voz de Jesse Conde)

Perdida - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Impulsado por “La Corazonada”, película argentina recién estrenada en Netflix, quise explorar la cinta anterior del director Alejandro Montiel también basada en una novela de Florencia Etcheves. Corresponde a una realización del año 2018 sin embargo en orden cronológico los hechos suceden años después. La policía Manuela “Pipa” Pelari -Luisana Lopilato-, trabaja afanosamente en casos de secuestros de menores. Con algunos problemas con su jefatura producto de su personalidad y de decisiones solitarias y arriesgadas, Pipa tiene un gran caso pendiente; cuando era adolescente, su mejor amiga Cornelia Villalba, desaparece en el medio de los bosques patagónicos sin dejar rastros. La investigación se cierra sin encontrar el cuerpo y tampoco responsables. Se cumplen 14 años de ese suceso y Pipa no renuncia al deseo de investigar lo acontecido.

La narración de esta cinta es más simple que en “La Corazonada”, su precuela. El relato gira en torno al caso principal y a los antecedentes que le rodean. No obstante esta línea trazada, muchas interrogantes quedan sin respuesta al ser solo enunciadas. Al mismo tiempo, varios personajes secundarios carecen de un mayor desarrollo lo que dificulta que enganchemos más con la historia y su contexto. Incluso algunos de los principales protagónicos pecan de lo mismo al no configurar del todo el personaje que representan.

En cuanto a la producción, destacan los paisajes del sur argentino, los nevados y la naturaleza, en contraste con el frío Buenos Aires, mayormente retratado desde la altura y con vistas al Río de la Plata y Puerto Madero. El guion contiene los elementos del género y por ello el thriller se desenvuelve con soltura, sin grandes sobresaltos ni novedades, pero sin perder interés en su foco principal. Incluso cuando ya vislumbramos lo que puede haber pasado, el relato da nuevos giros para intentar sorprendernos.

“Perdida” muestra una historia oscura y los deseos de una joven policía de encontrar la verdad y revelarla. Es interesante la fuerza que Luisana Lopilato quiere imprimir a su personaje a pesar que no siempre lo consiga. En esta cinta se le ve más libre y más impetuosa aunque no convenza del todo en su papel de policía. Su actuación visceral resulta mejor, cuando se observa espontánea y sin tantos resguardos. Algo similar sucede con sus co-protagonistas que también funcionan mejor cuando dejan de lado rigideces que los encasillan y aplanan. Con todo, esta película de Alejandro Montiel funciona en lo básico de su género y sin hacerse muchas expectativas cumple con lo que promete y ofrece.

Ficha técnica 

Título original: Perdida
Año: 2018
Duración: 103 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-España-Perú; Bowfinger International Pictures / Cornelia la Película / INCAA / MyS Producción / Telefé / Tondero Producciones
Género: Thriller | Secuestros / Desapariciones
Guion: Jorge Maestro, Alejandro Montiel, Mili Roque Pitt (Novela: Florencia Etcheves)
Música: Alfonso G. Aguilar
Fotografía: Guillermo Nieto
Reparto: Luisana Lopilato, Amaia Salamanca, Rafael Spregelburd, Nicolás Furtado, Oriana Sabatini, Julián Serrano, María Onetto, Carlos Alcantara, Arancha Martí, Pedro Casablanc, Sara Sálamo
Dirección: Alejandro Montiel

La Corazonada - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Basada en el libro “La virgen en tus ojos”, de la escritora Florencia Etcheves, “La Corazonada” es el primer film original argentino de Netflix. Dirigida por Alejandro Montiel y con un guion firmado por la propia autora junto a Mili Roque Pitt y el mismo Montiel, este thriller policial -precuela de la película “Perdida”, del año 2018- narra la historia de la novata agente de policía Manuela Pelari, Pipa -Luisana Lopilato-, y el experimentado inspector Francisco Juanez -Joaquín Furriel-, quienes deben resolver el asesinato de una joven de 19 años.

La película tiene un ritmo ágil y de hecho, los sucesos transcurren rápidamente. Un inquietante inicio, el caso conocido como el de las “Vírgenes de Luján”, da paso al descubrimiento del crimen de Gloriana Márquez -Delfina Chaves- en la casa que compartía con su mejor amiga y las primeras pistas apuntan justamente a ella. No obstante la confesión de Minerva -Maite Lanata- ante el Fiscal Roger -Rafael Ferro- la policía duda que sea culpable y el caso se enreda más de lo esperado pues en paralelo un joven que un par de años atrás mató a la esposa de Juanez ha sido atropellado y el principal sospechoso es justamente el policía.

La película resulta entretenida y la narración se encarga de hacernos dudar permanentemente, sin embargo hay algo que no encaja del todo. Es cierto, una historia así no es nueva pero si está bien contada funciona. Entonces, ¿qué es lo que se siente extraño?. No es la historia ni el guion; es la puesta en escena, en específico las actuaciones de Luisana Lopilato y Joaquín Furriel. Cuando los personajes secundarios destacan sobre los protagonistas hay algo que merece atención. Acá sucede y se debe a que ni a Lopilato ni a Furriel se les ve cómodos en sus roles. Hay una cierta rigidez y formalismo que les pone una camisa de fuerza sobre todo en algunas escenas donde debiera aflorar la química entre ambos.

“La Corazonada” se deja ver en estos tiempos de encierro, lo que es ya una virtud. Si agregamos la buena fotografía de sus locaciones, una buena producción y una trama que resulta inesperada, aseguramos un tiempo de distracción que nos permite escapar a través de la pantalla. Claro que para ello nos tienen que gustar las historias de asesinatos y de policías porque de otro modo es posible que no alcancemos a apreciarla como lo que es, un producto de consumo masivo, sin demasiadas novedades, pero realizado con profesionalismo y esmero.

Ficha técnica

Título original: La corazonada
Año: 2020
Duración: 116 minutos
País: Argentina
Productora: FAM Contenidos. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Drama | Precuela. Policíaco
Guion: Mili Roque Pitt, Alejandro Montiel, Florencia Etcheves (Novela: Florencia Etcheves)
Música: Nico Cota
Fotografía: Guillermo Nieto
Reparto: Luisana Lopilato, Joaquín Furriel, Rafael Ferro, Maite Lanata, Juan Guilera, Abel Ayala, Sebastián Mogordoy, Delfina Chaves, Marita Ballesteros
Dirección: Alejandro Montiel

After Life - Por Juan Pablo Donoso

Una miniserie fascinante para ver en Netflix. Tragicomedia llevada a la cumbre del humor y al fondo de la tristeza.

El humorista británico Nicky Gervais, al margen de otras sátiras, saltó a la fama con la serie inglesa THE OFFICE (2001-2003). Fue tal su éxito que en EE.UU. crearon la réplica homónima (2005-2013) con resultados aún más espectaculares. Gracias a la serie norteamericana se consagraron muchos de sus actores, empezando por Steve Carrell, y seguido por otros de ambos sexos.

Al igual que Woody Allen, expone temas cotidianos, con personajes menores y vulnerables, sometidos a situaciones descabelladas, desde donde afloran sabias revelaciones existenciales.

Con menos narcisismo que Allen, los trabajos de Gervais son siempre inteligentes, fluidos en su narrativa, y siempre detrás del humor hay una manera gentil de expresar tristeza y desconcierto.

El título en español, Más Allá de mi Mujer, define a Tony, periodista de una gacetilla comunal, viudo reciente de una mujer que adoraba, y cuya única obsesión es el suicidio. En su amargura, insulta y humilla a todos quienes lo rodean. Nada tiene que perder.

En sólo 6 capítulos - de media hora cada uno - va interactuando con personas tan insignificantes como él - pero que aún se aferran a la vida aunque sea por los motivos más absurdos y banales.

Ambientes de oficina, personas comunes y corrientes. Pero cuyos encuentros, casi siempre casuales, resultan reveladores. La gente es tonta y sabia a la vez. Son patéticos y queribles al mismo tiempo. Por locos que parezcan, rebosan dignidad. Son creíbles gracias a sus flaquezas. Cada personaje, por estrambótico que sea, resulta atractivo por el mundo que lleva adentro.

Y así, con fluidez, van brotando bellas reflexiones de un arroyo de disparates cotidianos.

Gervais tiene el don de demostrarnos que la cordura es inexistente, que la fatuidad cae por su propio peso, que sólo el amor puede consolarnos por un rato, y que más vale reírnos del dolor que autodestruirnos.

TRAGICOMEDIA MAGIASTRALMENTE LOGRADA, PLENA DE COMPASIÓN, MADUREZ Y SARCASMO. IMPERDIBLE.

Ficha técnica 

Título en español: Más Allá de mi Mujer 

Tragicomedia Inglaterra - TV serie 6 capítulos - 30 minutos c/u 

Fotografía: Martin Hawkins 

Edición: Jo Walker 

Música: Andy Burrows 

Diseño Prod.: Richard Drew Actores: Ricky Gervais, Tom Basden, Tony Way 

Guionista y Director: Rocky Gervais

Blitz - Por Jackie O.

“Persecución, golpes y demencia”.

Hay un asesino en serie que está matando a policías, y Tom (Jason Statham) sargento de la policía de Londres, alcohólico, inflexible y políticamente incorrecto, es puesto en el caso junto al nuevo Inspector Porter Nash.

Si actúa Jason Statham hay rudeza sea héroe o villano, y acá no es la excepción.

Quien es Blitz,

es un sujeto demente al cual conocemos a los pocos minutos de transcurrida la película. Nosotros sabemos quien es pero la policía no, ya que cubre muy bien sus huellas. A pesar de su locura es astuto, y no le teme a nadie.

La premisa es simple y vista en muchas películas policiales, su guion no es novedoso se basa solo en temas conocidos: un asesino, su búsqueda, soplones por ahí, drogadictos por allá, policías fuera y dentro de la ley, golpes, etc.

El tipo de narrativa recuerda los films policiales de los 80 o principio de los 90.

La ambientación es la adecuada.

Las actuaciones de los principales son buenas, especialmente la de Aidan Gillen.

En que falla, en que no profundiza en sus personajes, 20 minutos más exclusivamente para ello habría sido genial. Y se habrían parchado ciertos baches que mantiene el guion.

Lo bueno, es que no aburre.

¿Por qué este asesino serial mata a policías? ¿Son al azar o los escoge por alguna razón en particular? ¿Logran capturarlo y sancionarlo, o logra escapar?

Pues te invito a descubrirlo.

Disponible en Movistar Plus, Amazon Prime Video y Google Play Movies.

Ficha técnica

Título: Blitz
Persecución mortal (Hispanoamérica)
País Reino Unido
Género: Acción, cine policíaco de suspenso
Duración: 97 minutos 

Año: 2011
Dirección: Elliott Lester
Guion: Ken Bruen (novela) Y adaptado por Nathan Parker
Música: Ilan Eshkeri
Reparto:
Jason Statham como Tom Brant.
Paddy Considine como Porter Nash.
Aidan Gillen como Barry Weiss (BLITZ)
David Morrissey como Harold Dunlop (reportero)
Zawe Ashton como Elizabeth Falls (policía)
Luke Evans como Craig Stokes.
Mark Rylance como Roberts.

Todo el día y una noche - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

“Todo el día y una noche” es una película que merece ser vista con atención. Corresponde a una cruda descripción de una realidad a veces pasada por alto -tal vez porque ya la hemos visto en muchas ocasiones- pero que al ser revisitada produce impacto por el realismo impreso en su ejecución. Jahkor Lincoln -Ashton Sanders- cumple cadena perpetua por un brutal crimen cometido a sangre fría. Las circunstancias y la razón del asesinato las ignoramos, solo conocemos la secuencia inicial que nos muestra los detalles del suceso, el posterior juicio, la condena y una pregunta que queda sin respuesta: ¿por qué?.

El guionista y director Joe Robert Cole desarrolla un relato que busca revelar las causas que llevan a Jahkor a llevar a cabo el crimen. Sin una línea de tiempo definida y usando numerosos flashback narrados por el propio protagonista con “voz en off”, nos sumergimos en la historia de su vida. La relación con su padre JD -Jeffrey Wright- un violento drogadicto, y con su madre Delonda -Kelly Jenrette-, totalmente superada por la situción, configuran una infancia y adolescencia tan dura como solitaria, ausente de referencias y de valores primordiales. Aun así, Jah adolescente intenta sobreponerse y ve en la música del rap un canal de expresión. Su amigo TQ -Kaleb Alexander Roberts-, cómplice en varios robos y asaltos, en la práctica es la persona más cercana que tiene y su novia Shantaye -Shakira Ja'nai Paye-, es el cable a tierra que devela lo más profundo de su intimidad al enterarse que está embarazada y espera un hijo de ambos.

La vida de Jahkor no tiene ni una gota de esperanza. Ni antes de estar en la cárcel ni menos ahora, que debe cumplir el duro castigo impuesto. No obstante el amargo y oscuro presente, el relato tiene una luz de apertura, algo que permite que la cortina no se cierre y deje abandonado al protagonista. No sabemos muy bien desde donde proviene esa luz pero intuimos que está ahí presente. El mérito que tiene el guion es que gracias a su ritmo y cadencia permite avanzar en profundidad a medida que nos internamos en los detalles y conocemos a las personas que rodean a Jahkor. Cada uno de los actores, que conforman un muy buen reparto, logran percibirse en una dimensión real. La construcción de sus personajes junto a una excelente dirección, permite que tengamos certezas sobre sus roles y que dentro de la narración podamos entender claramente la importancia e influencia en las acciones de Jahkor.

“Todo el día y una noche” está muy bien filmada. Con un par de plano secuencia que destacan y una cuidadosa edición, emerge una atmósfera inquietante y llena de angustia. Hace palpables las carencias de Jah, su falta de oportunidades, la segregación social a la que se ve sometido, la marginalidad en que vive y la lucha por ser alguien en un mundo dominado por el más fuerte, por la banda de narcotraficantes que tiene el control del lugar, principalmente por quienes detentan el poder económico o bien el armamento más completo. Es el barrio, son las pandillas, son los grupos que se enfrentan y que se pelean por el territorio. Y por supuesto, los más vulnerables son los que sufren las consecuencias, quienes no tienen otra opción que ser parte de ese sistema y para quienes no se vislumbra salida alguna. Aun así esta cinta propone una tenue luz de esperanza desde el amor y la proyección hacia el futuro. Jahkor no quiere que, para su hijo, se repita la historia y tal vez ello es lo único que aun lo mantiene de pie y con fuerzas para seguir viviendo.

Ficha técnica

Título original: All Day and a Night
Año: 2020
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Color Force / Mighty Engine. Distribuida por Netflix
Género: Drama | Crimen
Guion: Joe Robert Cole
Música: Michael Abels
Fotografía: Jessica Lee Gagné
Reparto: Jeffrey Wright, Yahya Abdul-Mateen II, Ashton Sanders, Regina Taylor, Jalyn Hall, Christopher Meyer, Anthony Cistaro, Isaiah John, Kelly Jenrette, Andrea Ellsworth, David L. Schormann, William W. Barbour, Steve Warky Nunez, Jeff Lipary, Ke'Mari Moore, Sandra Dee
Dirección: Joe Robert Cole

Sergio - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.
Wagner Moura interpreta a Sergio Vieira de Mello, Alto Comisionado de Naciones Unidas para los derechos humanos, quien en mayo de 2003 viaja a Irak como representante especial de la ONU en momentos en que se debate sobre la ocupación militar norteamericana y la independencia del pueblo iraquí. La carismática personalidad de Sergio es el imán de la cinta y la presencia de Ana de Armas interpretando a Carolina, colega y novia de Sergio, conforma un romance que se configura como el hilo conductor del relato.

Greg Barker aborda esta película en base a su propio documental del año 2009 sobre la biografía escrita por la ganadora del Premio Pulitzer, Samantha Power, titulada “Sergio: la lucha de un hombre para salvar el mundo”. Con un guion de Craig Borten, el director aborda diversos aspectos de la vida del diplomático, sus misiones anteriores, su familia y su futuro proyecto de vida.

La cinta tiene un tratamiento confuso. La narración no es lineal y recorre diferentes líneas de tiempo. La principal es la misión en Irak, sin embargo cobra gran relevancia la intervención de Vieira de Mello como administrador provisional de la ONU en Timor Oriental -diciembre de 1999 a mayo de 2002- ayudando a la ex-colonia portuguesa, hasta entonces ocupada por Indonesia, en su independencia.

Otro de los aspectos indeterminados del relato es su objetivo. El más claro, un homenaje a Sergio, a su carisma y su acción política, sin embargo este se diluye al incluir, sin orden aparente, otros elementos que nos distraen de ese foco. ¿Un objetivo político, una clara referencia a la relación de independencia o dependencia de la ONU con los gobiernos de Estados Unidos? Tampoco queda demasiado claro ya que a las confrontaciones con la administración Buch sobre Irak se superpone una referencia más bien agraciada con la administración Clinton y su exitosa iniciativa en Timor Oriental.

“Sergio” es un drama biográfico que impulsa a conocer la historia de Vieira de Mello un poco más de cerca. En ello la película acierta y nos seduce gracias a la sensible actuación de sus protagonistas. La historia de amor profunda entre ambos se devela en medio de la política y la tragedia, aun no siendo retratada en todos sus detalles. Hace falta observar los créditos finales para cerrar el círculo y darle sentido a lo que se vislumbra en pantalla. Surge entonces la necesidad de investigar un hecho real reconociendo el rol y la figura esencial de su verdadero protagonista.

Ficha técnica

Título original: Sergio
Año: 2020
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Black Rabbit Media / Anima Pictures / Desert Motion Pictures / Thai Occidental Productions. Distribuida por Netflix
Género: Drama | Biográfico. Basado en hechos reales
Guion: Craig Borten
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Adrian Teijido, Rich B. Moore Jr.
Reparto: Wagner Moura, Ana de Armas, Brian F. O'Byrne, Garret Dillahunt, Clemens Schick, Will Dalton, Jason Anthony
Dirección: Greg Barker

Cyrano Mon Amour - Por Juan Pablo Donoso

Hermosa, amena y muy bien realizada.

Hace dos años Alexis Michalik, escribió EDMOND para el teatro y la dirigió en París. El espectáculo obtuvo 5 premios Moliere, la máxima distinción teatral francesa. Se presentó en el Theatre du Palais-Royal, el mismo donde se estrenó CYRANO DE BERGERAC, de Edmond Rostand, hace 120 años.

Ahora la llevó al cine con idéntico feliz resultado.

CYRANO es un clásico que ha sido protagonizado - siempre con éxito - por innumerables actores en el mundo. Con su tema se han hecho óperas, películas mudas (1928), teleseries y largometrajes. En el cine descollaron, entre muchos, José Ferrer en 1951, Gerard Depardieu (1990) y Joseph Fiennes en una serie de TV. En Chile también fue un hermoso espectáculo estrenado en el Teatro Nac. Chileno (1981) encarnado por Alejandro Cohen.

Lo que narra es una suposición de lo que pudo haber vivido Edmond Rostand para escribir su tragicomedia. Por eso se llama, originalmente, EDMOND. Es el tormento de ese poeta por crear -¡por fin! - una obra teatral exitosa. Hasta el momento siempre fue opacado por los éxitos del comediógrafo Georges Feydeau (interpretado aquí por el mismo Michalik).

El guionista hace confluir artistas reales de la época - Sarah Bernhardt, Chejov, Stanislavsky, Melies, etc. - y por supuesto, a Constant Coquelin - el primer Cyrano (1897).

El triunfo apoteótico de la obra fue el resultado de una sucesión de casualidades, accidentes, conflictos y renuncias. Hasta su matrimonio se vio en peligro.

¿Cuál es el núcleo esta historia? Una curiosa similitud entre los padecimientos del poeta Rostand con los de aquel antiguo mosquetero despreciado por su gigantesca nariz.

Rostand, a medida que concibe trozos dispersos de su obra, va dando vida al desdichado espadachín, poniendo en su boca versos capaces de seducir a Roxana, y sometiéndolo a una vida desplazada en favor de Cristián, un galán inepto y mediocre.

Tanto la obra teatral, como la película, nos trasportan a esa “belle époque”, entrelazándola con los empeños de recrear un amor imposible del Siglo de Oro francés. El relato fluye ágil, plagado de personajes fatuos y libidinosos, alternando en todo momento el humor, con la poesía, la vanidad de los histriones y los caprichos ridículos de las divas.

ENCANTADORA FANTASÍA QUE RINDE HOMENAJE AL AUTOR DE CYRANO DE BERGERAC RECREANDO - E IDEALIZANDO - A ESE MUNDO QUE LO HIZO POSIBLE.

Ficha técnica

Título Original: Edmond (2018) 

Tragicomedia semi-biográfica - BFDistribution Francia , Bélgica - 1,50 hrs. 

Fotografía: Giovanni Fiore Coltellacci 

Edición: Anny Danché, Marie Silvi 

Música: Romain Trouillet 

Diseño Prod.: Franck Schwarz 

Actores: Thomas Solivérès, Olivier Gourmet, Mathilde Seigner 

Guionista y Director: Alexis Michalik

Pasante de moda - Por Jackie O.

“No subestimes el poder de un pañuelo”.

Aunque muchos hayan creído que esta podría ser la segunda parte de “El diablo viste a la moda”, la respuesta es no.

Más interesante es, que nos encontramos con dos súper artistas, y lo mejor es que en esta película no verás un vínculo sexual entre ellos, menos un misterioso lazo consanguíneo, ni que una herencia aparece de repente para ayudarlos económicamente. Que son los temas que en muchas películas se encuentran.

Son dos personas exitosas y sin problemas económicos. Pero qué los une: El trabajo.

Ambos son muy trabajólicos.

Anne Hathaway es Juleses dueña de "About The Fit", una empresa de moda que está creciendo rápidamente en el sector de e-commerce. Y pasa por momentos complicado en sus ventas y en la organización de su compañía. Trabaja incansablemente al punto que con su marido cambiaron los roles: él se queda con las labores de casa y ella trabaja fuera.

Y viendo una posibilidad en el mercado, llega a un acuerdo para efectuar una causa social, en donde permitirá recibir a personas de tercera edad como pasantes.

Ahí aparece nuestro Robert De Niro, interpretando a un recién jubilado ejecutivo llamado Ben Whittaker, quien además es viudo, y esta soledad junto con el hecho de estar sin trabajo lo agobia, se siente inútil.

Así que postula como pasante en esta empresa, y queda.

Esta película es bastante livianita para pasar un buen rato, no se esfuerza en buscar situaciones clichés, solo tiene situaciones cotidianas y humanas que atraen al público.

Mas, al ver estas dos generaciones unirse y aprender el uno del otro es gratificante.

Es una película sencilla, positiva, con un mensaje amable, donde las generaciones pueden complementarse, y entender que se puede dar una nueva oportunidad a nuestros adultos mayores, ya que es más que una ayuda social, es una ayuda mental para poder envejecer con dignidad.

Sobre mi subtítulo relacionado al pañuelo, es una situación algo cómica que surge en el transcurso de la cinta.

Disponible en: HBO Max y Google Play Películas y TV

Ficha técnica

Año: 2015 

País: Estados Unidos
Director: Nancy Meyers
Reparto: Robert De Niro, Anne Hathaway, Rene Russo, Nat Wolff, Zack Pearlman, Christina scherer, Drena De Niro, Adam DeVine.

Bird Box: a ciegas - Por Jackie O.

"Una Caja de aves, que deben abrir para emprender su vuelo".

Al comenzar de verla me recordó Resident Evil y The Walking Dead con esa comunicación por radio: "tenemos un lugar seguro..."

Sin duda, resulta atrapante la historia de supervivencia de una mujer y dos niños que, para salvarse de una presencia extraña que induce al suicidio y/o matar a otros, deben vendarse los ojos.
Algunos incluso la comparan o hacen mención a " UN lugar en silencio", pues en la primera deben andar sin mirar y en la segunda sin hacer el más mínimo ruido. (Por la falta de sentidos)
Más que eso no hay comparación.

Qué tenemos acá: ¿El fin del mundo?

A aparecido un ente extraño, una sombra que al mirarla te hace amarla, y hacer lo que te dice (suicidarte), ¿es una especie de dios? (un gran guiño a las sectas religiosas)
¿demonios que saben tu debilidad y juega con ello?... No sabemos.

Cual será el significado del nombre de la película. Cada quien puede tener una interpretación, que creo en lo personal es:
Bueno los pájaros sienten la presencia extraña y sirven de alarma (en culturas antiguas se les asocia como protectores) Osea ellos se llevan la mejor parte respecto de la tensión.
A algunos los pone tenso eso, y a otros no.
Es una película que ha sido muy discutida por la tele audiencia.

De qué se trata esta "enfermedad", qué o quiénes están tras ella, cuál es su plan, es un ente? QUE.

Hay películas que quedan con un final abierto que hacen que tu cabeza gire con posibles finales, pero acá mmmm dudas. (posiblemente es para la segunda parte que dicen que se viene)

LO malo: No es un thriller, por más que la vendan así.
Un final abierto que deja muchas dudas, tal vez, como dije en la supuesta segunda parte que se vendría, se aclaren. Aún así, le faltó pulir más el final.
LO bueno: Sus protagonistas, dio gusto verlos, con sus buenos roles.
Y sí, puedes pasar un buen rato al verla.

Ficha técnica

La encuentras en Netflix. 124 minutos.
Dirección de Susanne Bier.
La película está basada en la novela de Josh Malerman de título homónimo publicada en 2014, y con guion de Eric Heisserer.
Protagonizado por Sandra Bullock, Trevante Rhodes, Sarah Paulson, Tom Hollander y John Malkovich.
Música: Trent Reznor
Fotografía: Salvatore Totino
Montaje: Ben Lester

Desaparecido - Por Jackie O.

"Te metiste con la madre equivocada".

Estamos ante una película que muestra a una de esas madres que nunca abandonan a sus hijos, el amor indiscutible que tiene a su único hijo.

Los primeros 10 minutos aproximadamente de la película, te deja claro quien es esta madre y su vida en general.

Posteriormente vemos la acción, en donde al ver ésta que ante sus ojos y en un leve descuido en el parque, secuestran a su hijo.

Desde ese momento comienza una vertiginosa persecución de esta madre, que sola y buscando los recursos que encuentra en el camino, sigue a estos captores.

La película es poco pretensiosa y eso lo agradecemos, ya que tiene un relato directo.
Es un thriller de acción que en su última parte se transforma en suspenso.

El guión no es el mejor, es algo cursi, pero no te distrae de esta persecución. Ya que te haces parte de él y le tienes una empatía enorme a esta madre.

Verás golpes, persecuciones, angustia, de todo un poco y eso te mantiene atento.

Lo bueno: la genial actuación de Halle Berry, una película que cumple el objetivo de entretener, y dura lo justo y necesario.

Lo malo: el guión que a veces decae.

Vale verla, y la encuentras en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Kidnap
Año: 2017
Duración : 1 hr 35 min.
Dirigida por Luis Prieto y escrita por Knate Gwaltney.
Protagonizada por Halle Berry, Sage Correa, Lew Temple y Chris McGinn.

Cyrano mon amour - Por Carlos Correa

En Paris, a fines de 1897, se encuentra Edmond Rostand -Thomas Solivéres-, un joven dramaturgo de 29 años que apenas consigue aplausos pues sus obras están más cerca del fiasco que del reconocimiento. No es fácil, debe mantener su hogar, a su esposa y dos hijos, y la inspiración creativa no llega por ninguna parte. En este momento clave de su vida necesita ayuda y es la famosa actriz Sarah Bernhardt quien acude a él para presentarle al mejor actor del momento, Constant Coquelin -Olivier Gourmet-, quien le ofrece interpretar su próxima obra. Es diciembre y lo urge para tenerla en cartelera antes de fin de año. ¿Es un problema? Tal vez no, pero resulta que la obra aun no está escrita. 

El guionista y director Alexis Michalik elabora esta cinta a partir de su pieza homónima representada con éxito el año 2016 y su tratamiento refleja la puesta en escena de un proyecto teatral desde los inicios de su concepción. La narración destaca algo que para quienes escribimos es uno de los mayores temores: la hoja en blanco. Esa ausencia de ideas -o bien de una multitud que revolotean y no sabemos por dónde abordar- puede ser un momento de inflexión en el proceso creativo. Edmond -el título original de la cinta es justamente el nombre del autor- lo intuye y busca desesperadamente una salida. ¿Dónde obtener fuente de inspiración? ¿Dónde dirigir la mirada y el pensamiento para capturar aquello que es tan esquivo?

Las historias de amor de su mejor amigo Leo -Tom Leeb- auguran el camino junto a los consejos del particular dueño de un café parisino que le enseña un libro sobre el poeta, dramaturgo y pensador francés Cyrano de Bergerac (1619 - 1655) con lo que, al menos, le proporciona un título para su nueva creación. Edmond, atormentado, acomete el desafío, escribe sentidas cartas de amor, se encierra en si mismo, deja de lado a su familia, pero cumple con los textos que prácticamente se ensayan y se escriben en tiempo real.

Alexis Michalik debuta con su primer largometraje con una gran soltura. El ritmo que le imprime es acelerado y no da tiempo para quedarse tranquilo. Es como si la urgencia a la que se ve enfrentado el protagonista se traspasara al espectador. Saltamos de un lugar a otro, de un escenario a otro, de momentos inspirados a otros llenos de humor, algo muy propio de las tablas, de una representación en vivo. La cinta fluye, especialmente hacia su último tercio, gracias a que la historia se transforma en una cascada vigorosa hacia la tan anhelada primera función.

“Cyrano mon amour”, su título en español, es entretenida, sobre todo si se contempla desde la ingenuidad de su protagonista. Él es un poeta y escribe en verso, algo que está cambiando rápidamente en la escena local. Además, se vislumbra una amenaza para el teatro; la proyección de obras animadas, los primeros pasos del cine, algo que podría afectar a la representación en vivo en forma negativa. No obstante los imponderables que debe sortear, Edmond se sobrepone con audacia y principalmente gracias a su alma creadora, algo que finalmente le lleva a encontrar el lugar, el tono y el pulso para dar vida a una de las obras más exitosas de la escena mundial. ¡Atención a los créditos finales, no se los pierda!

Ficha técnica

Título original: Edmond
Año: 2018
Duración: 112 minutos
País: Francia
Productora: Légende Films / Rosemonde Films / Umedia
Género: Drama. Comedia | Biográfico. Siglo XIX. Literatura
Música: Romain Trouillet
Fotografía: Giovanni Fiore Coltellacci
Reparto: Thomas Solivéres, Dominique Pinon, Olivier Gourmet, Guillaume Bouchède, Alexis Michalik, Simon Abkarian, Blandine Bellavoir, Mathilde Seigner, Antoine Duléry, Clémentine Célarié, Alice de Lencquesaing, Jean-Michel Martial, Dominique Besnehard, Bernard Blancan, Lionel Abelanski, Nicolas Briançon, Tom Leeb, Benjamin Bellecour, Marc Andreoni, Marc Citti, Igor Gotesman, Hélène Babu, Fayçal Safi, Michel Derville, Vincent Joncquez, Arnaud Dupont, Adrien Cauchetier, Sophie de Furst
Guion y Dirección: Alexis Michalik

Jonás - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Un devaneo homosexual adolescente, muy francés, cuyo mérito radica en las actuaciones y en la estructura del guion.

En casi todo el relato “parece” que va a suceder algo grave, insólito, obsceno o romántico, y sólo cerca del final se produce un accidente inesperado.

Jonás tiene 14 años y ya comienza a sentir una vaga atracción hacia otros muchachos. Conocerá a un compañero de curso, un año mayor, con similares inclinaciones, aunque más díscolo y agresivo.

Las familias de ambos jóvenes son muy normales, y ajenas a cualquier disfuncionalidad.

En forma paralela y alternada la película nos va mostrando lo que ha llegado a ser Jonás cuando adulto, neuróticamente traumatizado, y el desarrollo de aquella amistad juvenil que, poco a poco, se fue definiendo en osadía y complicidad.

Durante el grueso del filme, y a medida que avanza la angustia del Jonás adulto, suponemos que con los “raccontos” llegaremos a descifrar el misterio de su dolor. Y así sucede, aunque menos impactante de lo tan largamente esperado.

Más fineza en un tema semejante tenía AMISTADES PARTICULARES de Jean Delannoy, en 1964. Y más desenfado tuvo NOWHERE de Gregg Araki (1997), a la cual rinden tributo exhibiendo trocitos en esta película.

Mantiene el misterio gracias a las actuaciones de Jonás adolescente (Nicolas Bauwens), y cuando adulto (Felix Maritaud); a las carismáticas madres - Aure Atika y Marie Denarnaud - y a los hábiles saltos de tiempo que disimulan la pequeñez del conflicto adornándolo con atmósferas sórdidas y peligrosas.

ESCABROSO COMPLEJO DE CULPA HOMOSEXUAL. MÁS SUGERENTE QUE BIEN RESUELTO. BUEN SUSPENSO Y AMBIENTACIÓN.

Ficha técnica

Drama, misterio, romance Francia - 1,22 hrs. - 2018 

Fotografía: Pierre Baboin 

Edición: Stéphanie Dumesnil 

Música: Alex Beaupain 

Diseño Prod.: Stephane Perazzi 

Actores: Félix Maritaud, Nicolas Bauwens, Tommy-Lee Baïk 

Guionista y Director: Christophe Charrier

Titanes - Por Jackie O.

“Oscura y violenta juventud DCUniverse”.

Dos temporadas de superhéroes juveniles.

Tal vez todos creían que iba a ser sobre Batman, que lo veríamos solo a él y algún orfanato que apadrinó, pero no, trata de ROBIN.

De Robin y sus demonios internos, bueno no sería un Universo DC sin problemas psicológicos de sus personajes.

Su primera temporada es para presentarnos a una gama de curiosos adolescentes y adultos jóvenes. Comenzando con Brenton Thwaites que es Dick Grayson (Robin) que escapó de la mansión Wayne para seguir su propio destino. Pero sin dejar mencionar que antes, durante y/o después estuvo en un grupo llamado Titanes. De esto se verán flashback en diferentes episodios.

Teagan Croft es Rachel Roth, Raven, un personaje muy enigmático y principal después de Robin. Nadie sabe que le pasa, tampoco se le consulta, ella no lo dice. Ese hermetismo que sucede en todas las películas de que nadie habla desde el comienzo. Exasperante.

Toda la primera temporada se basa principalmente en ellos dos.

Paralelamente comienzan a salir otros personajes para poder reunirlos posteriormente en los nuevos Titanes, así que un personaje importante es el interpretado por la morenaza Anna Diop que es Kory, quien tiene problemas de memoria, no sabe quién, que quiere adónde va, nada; en el transcurso de la historia vamos sabiendo más de ella. Y de sus poderes sobrenaturales. Sí, ella los tiene al igual que Raven. Robin solo destreza para pelear.

Otros personajes que les dieron pantalla son las parejas de Paloma y Halcón (Down- Dove y Hank -Hawk) que al igual que Robin solo tiene la capacidad de ser muy diestros para pelear, pero que no aportan mucho a la trama. Aunque les dieron mucha pantalla.

Ha eso le sumamos niñostigre, hombre hojalata (Doom Patrol), Wonder Girl, Robin 2.0 (sí, hay dos Robin), y otros personajes más.

Las historias se van entrelazando.

Luego de saber quién es Raven y su padre, que es el villano de la temporada el cual pasó sin pena ni gloria (mejor fue la loca familia de archivillanos) Vamos de a poco desenmarañando los oscuros secretos de sus personajes.

Pasamos a la segunda temporada que comienza donde terminó la primera, mismo instante. Y decepciona, ya que todo lo que se hablaba y temía del padre de Raven resultó en nada. Todo muy rápido y casi desperdiciado el misterio y temor que implantaron en la primera temporada.

Aparecen más personajes como Jericho y su capacidad de meterse en otros cuerpos y su hermana Rose. Conner “Superman Luthor” un niño grande que debe madurar (literalmente) más su personajes, y otros que son una pincelada desperdiciada.

Un archivillano llamado Doctor Luz, por favor de donde salió ese nombre? Lo bueno es que duró poco. Así que nos quedamos con el otro villano, un personaje muy interesante, que es Deathstroke (Esai Morales), pero no es bien explotado.

Con peleas sangrientas y más muertes, se enfrentarán en esta segunda temporada.

Peleas van y vienen, sean físicas o gritos. Pero no hay Universo DC sin problemas psicológicos graves de sus personajes o que se odien en algún momento entre ellos.

Con una estética oscura y violenta pensada directamente para adultos, donde verán mucha violencia con o sin sangre, drogas y algunos desnudos.

La mayoría de sus capítulos tiene buen ritmo. Visualmente es muy agradable y la música es muy acertada.

Con buenos CGI, la mayoría de sus personajes buenos y estéticamente bellos vestuarios.

Algo muy bueno es que, no cae en bromas absurdas, se toma la serie bastante en serio.

Y sí vemos a Batman, un fantasmagórico Batman que atormenta a nuestro Robin. Interpretado por un grande: Iain Glen.

Lo malo, es que hay tramas que se enredan, vuelven al pasado, van al futuro, vuelven al presente… Además los episodios son innecesariamente largos.

Lamentablemente no saben explotar bien a sus villanos, y se dan pinceladas a personajes interesantes.

¿Y alguien me podría explicar en qué momento Paloma dejó a Halcón para estar con Robin, y luego terminar con él y volver con Halcón? Algo así.

Aunque no es lo mejor dentro del mundo de superhéroes, es interesante verla porque igual entretiene. Y tiene más cosas buenas que malas.

Así que, esperando la tercera temporada.

La encuentran en Netflix.

Temporadas

Temporada 1 - 11 Capítulos - Fecha de estreno, 12 de octubre de 2018
Temporada 2 - 13 Capítulos - Fecha de estreno, 6 de septiembre de 2019

Defending Jacob - Por Carlos Correa

Disponible en Apple TV+.

Newton, una pequeña ciudad de Massachusetts despierta sobresaltada. Un chico de 14 años es encontrado muerto en el bosque; ha sido apuñalado. Andy Barber -Chris Evans-, ayudante del fiscal del distrito, se hace cargo de una investigación cuyos primeros indicios apuntan a su hijo Jacob -Jaeden Martell-, compañero de clase de la víctima. La situación es extrema y pone a la familia Barber entre la espada y la pared. ¿Jacob es inocente o existe la posibilidad de que realmente sea culpable? El deber de hacer justicia y al mismo tiempo el amor incondicional a su hijo despierta el dilema moral profundo y emotivo que es el hilo conductor de este íntimo relato psicológico.

No es sencillo escribir sobre una serie de televisión cuando aun se encuentra en pleno desarrollo, sin embargo sentí la necesidad de hacerlo. Al momento de estas líneas, conocemos 5 episodios de los 8 proyectados y todavía no podemos aventurar el desenlace. La historia está basada en la novela del mismo nombre escrita por William Landay en 2012. El guion de Mark Bomback, con la colaboración de Landay, es inquietante desde su inicio. La estupenda producción, una preciosa fotografía provista por Jonathan Freeman y la banda sonora de Atli Örvarsson, logran que “Defendig Jacob” resulte cautivante. La intriga que propone, los valores que están en juego y la impredecible resolución, son elementos precisos que hacen que la semana sea aun más larga en espera de la siguiente entrega.

El elenco destaca por solidez y también por renombre. Chris Evans, mundialmente conocido por su papel de “Capitán América”, desarrolla una personificación que tiene altos niveles. Su caracterización de Andy dota al protagonista de un carisma que refleja lo difícil de su situación. Confía plenamente en su hijo, diríamos que “pondría las manos al fuego por él”, sin embargo trasluce incertidumbre y algún grado de inseguridad. Michelle Dockery, conocida por “Downton Abbey”, es un contrapunto emocional para Andy. Como madre de Jacob, la fidelidad a su hijo es absoluta, sin embargo el quiebre que sufre con la situación hace que la duda se apodere de ella y entre en una contradicción muy difícil de entender y de sobrellevar. Jaeden Martell, quien personificara a Bill Denbrough en “It”, imprime a su rol adolescente características ambiguas que no solo confunden a sus padres sino que nos traspasan la incertidumbre a quienes le observamos desde fuera. No puedo dejar de mencionar a Cherry Jones, en el papel de abogada de Jacob. Es un lujo su aporte, aun desde lo secundario de su papel; brilla con luces propias cada vez que entra en escena.

El desarrollar una historia en forma de miniserie permite combinar muchos elementos y además tener el tiempo para poder profundizar aspectos que en una película, en muchas ocasiones, no se pueden abordar. Acá vemos una clara diferencia de lenguaje respecto al cine. En televisión, el formato obliga a tomar opciones y caminos diferentes para potenciar aspectos distintos a los que apreciamos con mayor nitidez en la pantalla grande. Los ritmos son distintos y también los enfoques. Las decisiones al respecto son vitales, pues responden al medio al que se orientan y también al conocimiento en profundidad de las características de cada plataforma de distribución de contenido.

Mark Bomback, director y creador de la serie, filma con propiedad cada una de las escenas. Las tomas generales, los primeros planos, los seguimientos y cada fotograma están en su punto exacto. Con estos elementos construye un relato cuyo lado emocional cobra relevancia en la medida que conocemos la historia y a sus protagonistas. El énfasis en lo valórico, los diálogos sostenidos, el tono del color de las imágenes y su natural cadencia, son propiedades que contribuyen a realzar el fondo sustantivo de la trama que no son los acontecimientos, sino lo que cada uno de los personajes, vive y siente. Esta profundidad es la que logra establecer el vínculo con nosotros, los espectadores, pues rápidamente empatizamos con las personas que vemos en pantalla y nos hacemos próximos a ellas.

Esta serie producida por Paramount Television y distribuida por Apple TV+ ya cosecha grandes niveles de audiencia y seguramente se consolidará como uno de los productos más exitosos del canal de streaming de Apple junto a la aplaudida “The Morning Show”. Son temáticas distintas y actores diferentes pero tienen un denominador común: televisión de calidad, desarrollada con altos niveles de producción y, sobre todo, historias profundas sobre sentimientos, emociones y relaciones que nos llegan en forma directa, nos involucran, nos hacen pensar, sentir, debatir y reflexionar.

Ficha técnica

Título original: Defending Jacob
Año: 2020
País: Estados Unidos
Productora: Anonymous Content / Paramount Television. Distribuida por Apple TV+
Género: Serie de TV. Intriga. Thriller | Miniserie de TV
Guion: Mark Bomback, William Landay (Novela: William Landay)
Música: Atli Örvarsson
Fotografía: Jonathan Freeman
Reparto: Chris Evans, Jaeden Martell, Michelle Dockery, Betty Gabriel, Sakina Jaffrey, Cherry Jones, Bradley Ryan Knispel, Pablo Schreiber, Jordan Alexa Davis, Daniel Henshall, Ted Arcidi, Megan Byrne, Tamara Hickey, Joseph Oliveira, Poorna Jagannathan, Adam Desautels, Patrick Fischler, Jeff Bouffard, Larry Eudene, Hale Lytle, Scott Sederquist, Rob Lévesque
Dirección: Mark Bomback (Creator), Morten Tyldum

Chicas desaparecidas - Por Jackie O.

“Familias quebradas”.

La historia está basada en el libro ‘Lost Girls: An Unsolved American Mystery‘ (2013) de Robert Kolker.

Un asesino en serie en Long Island está matando a jóvenes prostitutas. Y la madre de una de estas chicas (Amy Ryan) y sus hermanas (Thomasin McKenzie y Oona Laurence), lucharán por todos los medios hasta saber lo que sucedió con su hija Shannan desaparecida el año 2010.

Por otro lado el comisionado (Gabriel Byrne) se ve obligado a tomar el caso por la insistencia de esta madre.

Muchos debemos recordar los asesinatos de “Alto Hospicio” ocurridos a comienzos del 2000, donde muchas adolecentes desaparecían, y por su condición social las autoridades no tomaron el caso en serio hasta que un padre insistió y movilizó a las familias encontrando a sus hijas muertas. El asesino fue descubierto y procesado al fin.

Bueno, volviendo a esta historia sucede algo similar, en el sentido que desaparece una joven veinteañera quien, debido a ser prostituta, las autoridades dicen que se fue a buscar trabajo en otro lugar. Sin tomarle mucha importancia.

Pero su madre insiste al punto de que comienza a hacer su propia investigación, a hacer ruido y con sus datos e insistencia comienzan a descubrir los cuerpos de otras chicas muertas. Ahí recién el comisionado quien está a punto de su retiro se ve en la obligación de tomar este caso en serio.

La película, siento que muestra dos historias, una trata de mostrar a una súper madre mártir (con los años ella murió) que hizo de todo para encontrar a su desaparecida hija. Y por otro, se ve claramente que no era una buena madre, ya que abandonó a su hija a los 12 años porque no pudo con su rebeldía y esquizofrenia entregándola al estado y olvidándose de ella, hasta que ella comenzó a prostituirse y esta madre solo la contactaba para pedirle dinero cada vez que podía. Y sus dos hijas preadolescentes que estaban con ella, vivían con el distanciamiento de su madre.

Entonces, habla de dos mujeres siendo una misma y no profundiza en ninguna.

Se dice que las madres nunca abandonan a sus hijos. Así como que hay mujeres que no deberían tener hijos. Esta mujer es ambas.

¿La juzgaremos por ello?

Volviendo a la película, puedo decir que las actuaciones están bien presentadas. Además tiene un buen manejo técnico, con una fotografía que mantiene excelentes planos y una buena puesta en escena.

A pesar de no profundizar bien en la historia, es una propuesta interesante para ver sobre un hecho lamentable y escalofriante sobre la muerte y desaparición de mujeres, que solo por tener una situación económica baja y ejercer la prostitución, las marginan de la sociedad.

Ficha técnica

Título original: Lost Girls
Drama/Película de misterio
Duración: 1h 35m
Fecha de estreno inicial: 28 de enero de 2020
Director: Liz Garbus
Guion: Michael Werwie
País: Estados Unidos
Reparto: Amy Ryan, Thomasin McKenzie, Lola Kirke, Gabriel Byrne, Oona Laurence, Miriam Shor.

Un Amor a Segunda Vista - Por Juan Pablo Donoso

Fábula francesa de amor, encantadora, a pesar de recurrir a un truco ridículamente paranormal.

Para disfrutarla hay que entrar en su juego. De ahí en adelante todo corre bien.

Una joven pareja casada es muy feliz. Él, un novelista de ciencia ficción se ha convertido en un soberbio “best-seller”. Ella, que quería ser pianista, pospuso su vocación por dedicarse a su marido.

Una noche, luego de reprocharle su tibieza afectiva, se acuestan a dormir. A la mañana siguiente, Raphael despierta solo en la cama. Su mujer, Olivia, ha desaparecido. La casa está distinta, y él debe volver a su trabajo rutinario como profesor de literatura en un colegio. Todo y nada había cambiado.

Mientras tanto, se entera que Olivia es ahora una eximia pianista de fama mundial. ¿Qué sucedió en sólo una noche?

De ahí en adelante, Raphael, acompañado por Félix, su inseparable amigo de la infancia, iniciará un escabroso camino para dilucidar lo que sucedió, e intentar que Olivia lo recuerde.

Por ahí se mencionan los “mundos paralelos”, la relatividad de Einstein, y la posibilidad de los reencuentros interdimensionales.

Pero esas explicaciones esotéricas son sólo el pretexto para presenciar el proceso de maduración de Raphael, de la profundidad de su amor por Olivia, y de sus esfuerzos por recuperar - por “segunda vez” - aquel amor de niños que fue “a primera vista”.

Muy bien narrada, con actores simpáticos que parecen disfrutar de la historia, es otra de aquellas comedias románticas del cine francés actual que, por medio de pequeños incidentes cotidianos, se diferencia de los alambicados relatos estadounidenses.

Destacamos el carisma de Benjamin Lavernhe, como el amigo Félix, y la nostálgica presencia de Edith Scob, como Gabrielle, la abuela con Alzheimer, única en recordar borrosamente a Raphael. La actriz Josephine Japy, (Olivia), desconocida aún para nosotros, presenta a ratos un impresionante parecido físico con nuestra diputada comunista Camila Vallejos. Podrían ser casi mellizas.

COMEDIA ROMANTICA PARANORMAL FRANCESA. CON GRATOS ACTORES. EFICAZ Y POCO PRETENCIOSA.

Ficha técnica

Título Original: Mon Inconnue

2019 - BFDistribution Tragicomedia, romance Francia,Bélgica - 1,57 hrs. 

Fotografía: Nicolas Massart 

Edición: Virginie Bruant 

Música: Ambroise Willaume 

Diseño Prod.: Stéphane Rozenbaum 

Actores: François Civil, Joséphine Japy, Benjamin Lavernhe 

Guionista y Director: Hugo Gelin

Un amor a segunda vista - Por Jackie O.

“Si hay amor de verdad, conquistas”.

Raphaël es un exitoso escritor casado con Olivia, una pianista que puso su carrera en segundo plano para estar con su marido. Y después de una fuerte pelea entre la pareja, Raphaël termina su último libro matando a la protagonista femenina, al día siguiente él despierta en una vida paralela en la que no está casado con Olivia y él es un simple maestro de secundaria. Al darse cuenta que su mujer lo era todo para él, tratará de reconquistar al amor de su vida que se volvió una perfecta desconocida.

La película nos muestra una premisa ingeniosa de comedia con ciencia –ficción de mundos paralelos. Transformándose en una historia de romance que se sigue con agrado.

El director se las ingenia para salir con fluidez gracias al carisma de sus protagonistas quienes aportan bastante. Eso hace que el films tenga mucha gracia y frescura.

La forma de narrar la historia se hace llegadera, empatizas con los protagonistas, el elenco en general está muy acertado en sus roles, en especial el rol de Benjamin Lavernhe (el mejor amigo del protagonista).

Los temas que trata como, la fragilidad de las relaciones, el apoyo entre parejas y la amistad. Son tratados delicadamente de buena forma.

En que falla, para comenzar la primera parte donde muestra al protagonista con su mejor amigo de adolescentes, no les queda para nada, ya que su adultez se nota demasiado.

Y dos horas fue mucho, 15 minutos menos y resulta redonda ya que es livianita para ver en esta temporada de cuarentena.

Pero qué pasará con estos chicos. ¿En esta segunda oportunidad que le da la vida la enamora, o todo se quedará en su imaginación?

Ficha técnica

Título original: Mon inconnue
Año: 2019 Duración: 117 minutos
País: Francia
Cine romántico/Comedia romántica
Dirección y guion: Hugo Gélin
Fotografía: Nicolas Massart
Reparto: François Civil, Joséphine Japy, Benjamin Lavernhe, Camille Lellouche, Amaury de Crayencour, Edith Scob, Juliette Dol, Samir Boitard, Christian Benedetti, Guillaume Bouchède.

Vampiros de día - Por Jackie O.

“Y la infección comenzó por un murciélago”.

Ciencia ficción con tintes post apocalípticos, nos cuenta que en el año 2009 la humanidad cambió.

Y ya han pasado 10 años desde que un día los murciélagos comenzaron a llevar una infección que transformó al ser humano en vampiros. En donde la humanidad cada vez se va convirtiendo o muere. Eso ha hecho que los escasos humanos estén escondidos. Si son descubiertos son cazados y llevados a un “ganadero humano”, esto es, donde se les mantiene para extraerles la sangre para alimentar a la población.

Pero este 2019 la sangre está escaseando, y el mundo entero está viviendo un caos. Los vampiros están ante la falta de sangre mutando, mutando en alados moustros peligrosos y la fuerza pública debe matarlos.

El hematólogo Edward Dalton trabaja en una corporación mundialmente famosa que provee al mundo de sangre para la población, y él quiere una cura, pero por el momento está trabajando en un sustituto de sangre para que el vampirismo pueda mantenerse y no sigan cazando a humanos. Pero el oscuro secreto que guarda el presidente de esta corporación, Charles Bromley, es no buscar una cura sino que mantenerse inmortales todos.

Así Edward casualmente conoce a los humanos Audrey Bennett y Elvis, quienes ocultan a humanos para no ser cazados. Y Elvis puede ser la clave para una cura, donde Edward hace hasta lo imposible por descubrirla poniendo en riesgo su propia vida.

Historias de vampiros existen muchas, para todos los gustos y tipos de géneros. Por lo que es un buen recurso para hacer otra película más.

La premisa es muy interesante, pero peca de presuntuosidad y va decayendo a medida que avanza, luego sube, luego baja con un buen final que debió haberse trabajado con más potencia.

Aun así resulta la historia interesante, que incluso puede dar para una segunda parte si trabajan bien el guion.

La puesta en escena es bastante buena, ya que nos muestra cómo sería nuestra sociedad si estuviéramos infectados con este vampirismo.

Aunque reitero la historia es interesante, el guion le faltó pero no aburre (Habría sido muy bueno haber incorporado flashback de que pasó en la pandemia).

Esta película además, cuenta con un elenco masculino muy llamativo que no se aprovechan al 100%.

Los efectos especiales en su mayoría son buenos, y los menos se notan algo burdo. Y considero que la duración de la película, una hora y media, es suficiente para lo que se quiso mostrar.

Pero como mencioné, puede dar para una segunda parte si cuenta con alguien que se dedique en un buen guion (Si la saga Crepusculo pudo, está también podría). Los directores se destacan por tener buenas ideas, por ejemplo acá trata de dar dobles lectura social, como los vampiros que aportan a un sistema capitalista. La sangre es el alimento y falta esta sangre, lo que hace que el más pobre no puede acceder a este codiciado bien y así quedan marginados hasta transformarse en escorias sociales. Pero les falta concretar bien esas ideas.

En resumen, a pesar de quedarse en el camino tiene detalles de buena calidad, y consigue entretener.

Búscala en tu plataforma digital favorita, principalmente en Movistar Play.

Ficha técnica

Título original: Daybreakers
Otros títulos: La hermandad o Vampiros del día.
Dirección y guion: Michael Spierig y Peter Spierig
Elenco:
Ethan Hawke es Edward Dalton
Willem Dafoe es Lionel “Elvis” Cormac
Sam Neill es Charles Bromley
Claudia Karvan es Audrey Bennett
Michael Dorman es Frankie Dalton
Isabel Lucas es Alison Bromley
Música: Christopher Gordon
Fotografía: Ben Nott
Montaje: Matt Villa
AÑO: 2009

Contratiempo - Por Jackie O.

“La importancia está en los detalles”.

Un joven y exitoso empresario millonario (Mario Casas) es acusado del asesinato de su amante (Bárbara Lennie) y todas las pruebas apuntan a él. Y a eso le añadimos un accidentado incidente con un joven, donde sus padres están inconsolables (Ana Wagener y José Coronado).

Con dicha premisa, este films español es un thriller interesante para ver.

La película comienza de atrás hacia adelante, vuelve al presente y unos flashback bien manejados.

Esta es la historia de Dorian, quien tiene una vida maravillosa: casado y con una pequeña hija, un trabajo en ascenso y una bella amante. Hasta que un accidente automovilístico y la muerte de su amante en un hotel, cambiará su vida. ¿Qué sucedió?

Luego de participar en este accidente automovilístico, Dorian y su amante son chantajeados, y los lleva ante un lejano hotel donde misteriosamente fallece su amante y él es inculpado. No sabe qué hacer, y necesita al mejor abogado para que lo ayude. Lo tiene, un inescrupuloso abogado.

Dorian necesita que lo ayuden, y su abogado contrata a la mejor defensora criminal. En donde abogada y cliente trabajarán para encontrar una duda razonable que le libre de la cárcel. Ella es la mejor y no ha perdido ningún caso.

Así que repasan toda la historia, y ella necesita todos los detalles para poder tener una buena defensa y solo tienen un par de horas, están contratiempo.

Con un gran diseño de producción, un buen ritmo en narrar la historia donde el director sabe manejar la tensión, con una cuidada fotografía, una buena banda sonora en el momento adecuado, hacen de este thriller una película que te mantiene atento en todo momento.

Y Mario Casas demuestra que no solo necesita sacarse la polera para hacerse notar.

Como dijo la abogada lo importante está en los detalles, y algunos detalles me hacen ruido y se le escaparon a la producción que hace que la trama tenga ciertas incongruencias: como la falta de heridas, policías que no revisan bien el lugar de los hechos ante pistas obvias, etc. y pequeños agujeros en la historia.

Con muchos altos y pocos bajos, la tensión, la intriga y en especial tu atención los tienes asegurados.

Ficha técnica

Año: 2016
País: España
Director: Oriol Paulo
Reparto: Mario Casas, Ana Wagener, Bárbara Lennie, José Coronado, Francesc Orella, Paco Tous,
Género: Thriller. Intriga. Crimen
Disponible en Netflix

Mentiras Peligrosas - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Katie Franklin -Camila Mendes- y Adam Kettner -Jessie T. Usher-, conforman una joven pareja que tiene apremiantes problemas económicos. Un incidente policial en el restaurante atendido por Katie no hace más que agravar la situación y los conflictos entre ambos. Luego de unos pocos meses, Katie ha logrado cierta estabilidad como cuidadora de Leonard, un millonario anciano que vive solo en una amplísima casa, mientras Adam aun sigue sin encontrar el rumbo de su vida. Entonces sobreviene lo inesperado, Leonard muere dejando toda su herencia a Katie. ¿Un golpe de suerte? Aparentemente no hay familia que pueda oponerse al testamento.

En esta cinta escrita por David Golden y dirigida por Michael Scott se conjugan elementos que ya hemos observado antes. Un millonario, alguien que necesita dinero urgente, poco tiempo de relación entre ambos y una muerte repentina. Las sospechas son naturales y la trama se encarga de adicionar más ingredientes. Merodea la casa un agente de bienes raíces interesado en comprar la propiedad, también la detective que debe investigar la muerte del anciano además de la abogada del difunto que ofrece toda su colaboración y ayuda a la joven pareja.

La película no aporta grandes novedades desde su premisa y argumento. Lo clásico, podríamos decir. Por supuesto, el guion nos sumerge al interior de las dudas y certeramente nos hace pensar varias teorías, elucubraciones y complicidades entre los protagonistas. Nos centramos en algunos personajes, orientados por la inducción de la la trama y dejamos de ver otras opciones, cual truco de magia que logra desviar nuestra atención.

Es cierto que “Mentiras Peligrosas” no demuestra mucha ambición. Tampoco acrecienta demasiado las expectativas que nos podamos generar. Podríamos señalar, incluso, que se trata de antemano de una propuesta poco innovadora. Sin embargo, y a su favor, posee algo que cautiva la atención y nos tiene despiertos hasta el final. Es un hilo, delgado tal vez, que nos hace imaginar lo que sucede. Tal vez sin proponérselo, nos impulsa a buscar las relaciones y a intentar resolver el misterio antes que se nos ofrezca la respuesta. Este punto, que resulta central, no se diluye sino que cobra relevancia sobre el último tercio y se transforma en el mayor valor de una cinta que nos mantiene alertas durante sus 96 minutos.

Ficha técnica

Título original: Dangerous Lies
Año: 2020
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Terror
Guion: David Golden
Música: James Jandrisch
Fotografía: Ronald Richard
Reparto: Camila Mendes, Jamie Chung, Sasha Alexander, Cam Gigandet, Elliott Gould, Jessie T. Usher, Garfield Wilson, Briana Skye, Trevor Lerner, Nick Purcha, Stefania Indelicato, Erika McKitrick
Dirección: Michael Scott

Velvet Buzzsaw - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

El mundo del comercio del arte es el telón de fondo de esta cinta protagonizada por Jake Gyllenhaal, René Russo y Zawe Ashton. Josephina -Ashton- es asistente de Rhodora -Russo-, propietaria de la Galería Haze. Los tiempos son complejos por lo que el casual descubrimiento de la obra de un artista recién fallecido abre nuevas oportunidades; su nombre, Vetril Dease.

Las pinturas de Dease causan admiración. Llaman la atención del agudo crítico de arte Morf Vandewalt -Gyllenhaal- con quien Josephina ha iniciado una aventura; también seducen a Gretchen -Toni Collette-, una afamada coleccionista, y a otros varios especialistas del rubro. Las pinturas poseen un especial magnetismo y también esconden un secreto; castigan a aquellos que se beneficien con las obras ignorando el deseo expreso del autor de destruirlas tras su muerte.

Escrita y dirigida por Dan Gilroy, “Velvet Buzzsaw” -nombre de la banda de rock que integraba Rhodora- es un intrigante thriller que combina toques de comedia negra con elementos cercanos al terror. Las pinturas parecen cobrar vida y hay en ello una presencia sobrenatural. No tenemos mayores explicaciones, ni del autor ni de las obras. Solo conocemos los hechos, el artista que muere en el edificio de Josephina y la ambición que a varios se les despierta para lucrar con estas obras enigmáticas y únicas.

Los antecedentes previos de la cinta generan expectativas pues presenta un elenco de peso y un avance que nos induce al misterio. No obstante sus credenciales, la cinta se tiende a diluir en un guion aparentemente desordenado que a pesar de su desarrollo lineal, por momentos se disgrega entre varios géneros.

El histrionismo de Jake Gyllenhaal y la solidez de René Russo permiten que el metraje fluya a pesar de sus altos y bajos. La participación de John Malkovich interpretando a Piers, un artista que, aunque viene en curva descendente, aun tiene algo que decir, agrega carisma al elenco. El colorido de la fotografía de Robert Elswit destaca y también lo hace la acertada construcción del mundo de las galerías y coleccionistas, con sus extravagancias y locuras. Es así como esta sátira logra sobreponerse a sí misma y dejar un mejor sabor que el que consigue durante su exhibición.

Ficha técnica

Título original: Velvet Buzzsaw
Año: 2019
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Netflix. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Intriga | Pintura
Guion: Dan Gilroy
Música: Marco Beltrami
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Jake Gyllenhaal, René Russo, Zawe Ashton, Toni Collette, John Malkovich, Tom Sturridge, Natalia Dyer, Billy Magnussen, Daveed Diggs, Damon O'Daniel, Valentina Gordon, Peter Gadiot, Pisay Pao, Steven Williams, Kevin Carroll, James Paxton, Kassandra Voyagis, Pat Healy, John Fleck, Mark Steger, Andrea Marcovicci, Christopher Darga, Marco Rodríguez, Kristen Rakes, Sal López, Jasmin Marsters, Time Winters, Scott Peat, Mark Leslie Ford, Rebecca Klingler, Mike Ostroski, Ian Alda
Dirección: Dan Gilroy

Día de san Valentín - Por Jackie O.

“Historia que se arman y desarman”.

Las historias cruzadas resultan interesantes cuando están bien entrelazadas. Sean de calamidades, reflexivas o de amor. Y esta película se trata de lo último, Amor: de novios, amigos, esposos, filial, etc.

Pero para poder graficar esta comedia de amor y enredos donde todo ocurre un 14 de febrero, veamos a sus protagonistas y sus historias:

Asthon Kutcher está enamorado de Jessica Alba y le pide matrimonio, algo que a ella la sorprende mucho. Y él les cuenta a todos, en especial a su mejor amiga Jennifer Garner, quien está muy enamorada del doctor Patrick Dempsey, pero él tiene un despreciable secreto.

Por otro lado, Jamie Foxx quien interpreta a un periodista que solo se dedica a trabajar, necesita una entrevista con un famoso deportista contactando a su publicista Jessica Biel. Ella odia el día de San Valentín solo porque hace tiempo no tiene novio, siendo un día muy deprimente, más cuando ama en secreto a su guapo y exitoso cliente, el deportista Eric Dane, quien no la toma en cuenta.

La manager de este deportista es Queen Latifah, una mujer de carácter fuerte, quien al llegar a su oficina se percata que tiene una nueva recepcionista, Anne Hathaway, quien debido a sus problemas económicos tiene que ocultarle a todos, en especial a su novio Topher Grace, otro trabajo que mantiene.

En las alturas se encuentra Julia Robert quien en un avión conoce a Bradley Cooper. Vemos cierta química, y ella le confiesa que debe llegar a su casa para ver a su gran amor. Ese gran amor vive junto a Hector Elizondo y su esposa Shiyley MacLaine, un matrimonio enamorado que lleva aproximadamente medio siglo, pero ella debe hacer una confesión que puede hacer perder su gran amor.

Para terminar tenemos al elenco más joven de esta película, Taylor Swift y Taylor Lautner, universitarios infantiles y apasionados. Y unos jovencitos que se pone de acuerdo en esta fecha para tener su primera experiencia sexual, Emma Roberts con Carter Jenkis.

Uf! ¿Te pareció un enredo?

Pero resulta de lo más claro, divertida y tal vez emocional al verla. Ya que las historias están bien conectadas entre sí.

Pero hay cosas que no se pueden obviar, una de ellas es un guion muy rebuscado que muchas veces dice nada. Y el hecho de presentar a tantas connotadas celebridades hace que no ahonden mucho en algunas de sus historias.

Principalmente cuando las parejas de los Taylor y los otros jovencitos, están de más. Ese tiempo desperdiciado en ellos, hace que se ocupe la cinta en no profundizar en los otros.

Pero a pesar de ello, es una película con momentos divertidos y románticos para ver en esta cuarentena donde no tienes que pensar en nada, solo buscar tu bebida favorita con algo de comer, y solo o acompañado pasar un buen rato.

La encuentran en Netflix.

Misión de Rescate - Por Carlos Correa

Promete acción y no defrauda. Tyler Rake -Chris Hemsworth- es un duro. Acostumbrado a trabajos riesgosos no duda en aceptar un desafío que, a juzgar por los antecedentes, es de resultado incierto; debe “extraer” -de allí su título original- al hijo de un mafioso de la droga en India que ha sido secuestrado. La misión es en extremo delicada pues tras el rescate se encuentra Amir Asif -Priyanshu Painyuli-, el mayor narcotraficante de Bangladesh. En este caso no solo está en juego el dinero sino la honra y el estatus de estos dos poderosos.

Sam Hargrave debuta como director con una cinta que se basa en acrobacias, coreografías, escenas complejas y una historia que transcurre veloz como el rayo. No extraña. Hargrave, con gran oficio como coordinador de dobles de riesgo, lo maneja a la perfección. Y si sumamos a Anthony Russo y Joe Russo con toda su experiencia de “Avengers”, más la participación de Hemsworth -que interpreta a Thor en la mencionada saga- como protagonista y uno de sus productores, el cocktail tiene que funcionar.

La historia no necesita muchos datos para ser comprendida. El submundo de las drogas y de las armas es el escenario perfecto para montar un relato que contrapone dos figuras diametralmente opuestas. Un niño protegido en una burbuja que es violentado -Ovi Mahajan -Rudhraksh Jaiswal-, y un mercenario dispuesto a lo que sea por conseguir dinero. Lo que les rodea es conocido, algo que el guion no profundiza mayormente y solo se concentra en las figuras principales y uno que otro personaje que adquiere cierta relevancia. La excepción es Saju Rav -Randeep Hooda-, un ex soldado de las Fuerzas Especiales de la India y mano derecha del padre de Ovi, quien en paralelo ha iniciado su propio plan de rescate y se enfrenta a Tyler en la consecución del objetivo.

La cinta posee todos los elementos del género. Es audaz en las tomas, precisa en los efectos especiales y transmite adrenalina con persecuciones que son dignas del mejor video juego. La escena central, destacada por presentar un plano secuencia vibrante de 11 minutos, permite apreciar cabalmente el objetivo del rodaje; impresionar, gracias a un cuidado montaje digital, con secuencias que nos ponen al borde del asiento y que sostienen la tensión hacia un final que podemos sospechar pero no anticipar.

Chris Hemsworth se ve cómodo con su papel en todo momento. Incluso cuando el argumento apela a una forzada emocionalidad, parece convencido de aceptarla a pesar de lo difícil que le resulta combinarla con lo que aparentemente es su esencia, es decir, los escapes, las balas y el exterminio de todo lo que se le ponga por delante. Tiene un pasado doloroso que se vislumbra y lo aqueja, sin embargo sigue adelante. Algo de química logran rescatista y rescatado aunque no es suficiente para que sea algo más que la transición entre los pilares fundamentales del relato. Aun así, el pasado de Tyler lo hace tomar decisiones en el presente y la protección de Ovi se transforma en objetivo primordial, incluso por sobre cualquier circunstancia.

“Extraction” funciona bien si no se le exige más allá de lo que es y de lo que promete. No es la mejor película de su género y tampoco pretende serlo. En ese sentido es honesta. Tiene vértigo, mucha acción y una pequeña dosis de emoción suficiente para enganchar con ella y disfrutarla. Temas más complejos como la corrupción que presenta la policía o la operación de los carteles abusando de niños como milicias quedan como telón de fondo para una historia que nos mantiene 117 minutos en “modo gamer”.

Ficha técnica

Título original: Extraction
Año: 2020
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Guion: Joe Russo (Historia: Ande Parks, Anthony Russo, Joe Russo. Novela: Ande Parks)
Música: Henry Jackman, Alex Belcher
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Reparto: Chris Hemsworth, Golshifteh Farahani, Rudhraksh Jaiswal, David Harbour, Chris Jai Alex, Patrick Newall, Rayna Campbell, Derek Luke, Randeep Hooda, Marc Donato, Pankaj Tripathy, Geetanjali, Hays Wellford, Shivam Vichare
Productora: Netflix / AGBO / India Take One Productions / T.G.I.M Films / Thematic Entertainment. Distribuida por Netflix. Productor: Anthony Russo, Joe Russo
Género: Acción. Thriller | Crimen. Secuestros / Desapariciones
Dirección: Sam Hargrave

La música del terremoto - Por Carlos Correa

Lucy Fly -Alicia Vikander- va camino a su trabajo. En el metro observa un cartel que señala a una joven desaparecida. ¿Hay alguna relación entre ellas? A los pocos minutos lo dilucidamos pues Lucy es interrogada por la desaparición de Lily Bridges -Riley Keough-. La policía sigue una pista que la señala como la última persona que estuvo con ella. Comenzamos a conocer, a través de flashbacks, la historia de Lucy y de Teiji -Naoki Kobayashi-, un atrevido y audaz fotógrafo que luego de interceptarla en la calle y retratarla, se transforma en su novio.

Basada en la novela de Susanna Jones, “Earthquake Bird” -su título original- es un thriller de suspenso sicológico que comienza intrigante y sin mucha información. Lentamente revela detalles de Lucy, de su Suecia natal y de su pasado doloroso, de su hobby musical -toca el Cello en un cuarteto de cuerdas conformado por mujeres-, y mayormente de su personalidad tímida y retraída. Cuando Lily llega a su vida se transforma en su opuesto. Desde ese encuentro casual, una recién llegada que necesita ayuda, “Fly” es prácticamente obligada a ayudar a esta extranjera que desborda personalidad, inquietud y arrojo.

La historia se sitúa en Tokio el año 1989. Los escenarios elegidos por el director Wash Westmoreland son de dimensiones opuestas, como queriendo hacer un paralelo entre las dos amigas. La ciudad gris y las noches oscuras son contrastadas con verdes paisajes y montañas de un entorno cercano que es visitado por los protagonistas. No sorprende el surgimiento de un triángulo donde Teiji figura como punto de unión y des-unión entre ambas. El relato deja entrever muchos detalles que quedan abiertos, sumando dudas, sospechas y misterio.

La traducción del título -más bien la decisión adoptada- no lo refleja la cinta. Incluso, cuesta comprender el original -“Earthquake Bird”- pues la explicación entregada por Teiji, aunque es consistente, no adquiere forma ni protagonismo en el desarrollo del metraje. Es solo un aspecto más. Tampoco la música es mayormente desarrollada a través del hobby de la protagonista. Da la impresión que son todos elementos aislados que se unen para entregar detalles a la historia pero que no llegan a ser trascendentes. Podemos desprender que la novela tal vez los contiene y los profundiza, pero el resultado en pantalla es solo una brisa que ayuda más a la confusión que a una elaboración más certera del relato.

“La música del terremoto” se diluye hacia el final. Lo que es intriga y suspenso pierde fuerza y solo se mantiene la inquietud por conocer qué sucedió con Lily. La transparente actuación de Alicia Vikander, ganadora del Óscar por Mejor actriz de reparto en “La chica danesa”, y su transmisión emocional de una intimidad dañada entregan peso a la cinta, sin embargo no resulta suficiente para que la tensión se mantenga y crezca hacia el desenlace. Algo cae allí y probablemente sea el guion el responsable al adoptar riesgos que luego no es capaz de sostener. Aun así, un hilo de inquietud se mantiene y nos mantiene hasta un final cadencioso y que lamentablemente se alarga demasiado.

Ficha

Título original: Earthquake Bird
Año: 2019
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Scott Free Productions / Twenty First City. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Romance. Intriga | Secuestros / Desapariciones. Thriller psicológico. Años 80
Guion: Wash Westmoreland (Novela: Susanna Jones)
Música: Atticus Ross, Leopold Ross
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Alicia Vikander, Riley Keough, Naoki Kobayashi, Jack Huston, Crystal Kay, Yoshiko Sakuma, Kiki Sukezane, Ken Yamamura, Kazuhiro Muroyama
Dirección: Wash Westmoreland