Rebbeca - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Una joven dama de compañía -Lily James- encuentra su príncipe azul en Montecarlo. Claro, el aristócrata y codiciado soltero Maxim de Winter -Armie Hammer-, es el hombre soñado. El romance es relámpago, idílico, lleno de magia y emoción. Todo avanza tan rápido que Maxim le propone matrimonio invitándola a mudarse con él a la mansión familiar de Manderley. El tema es que este galán es viudo y existe una misteriosa intriga en torno a la muerte de su esposa. Ya convertida en la nueva señora de Winter, la joven comprueba por si misma la poderosa fuerza que irradia la primera mujer de Maxim.

El recibimiento corre por cuenta de la ama de llaves de Manderley, la Sra. Danvers -Kristin Scott Thomas-. El enigma es aun mayor al darse cuenta que todo en el lugar está concebido como recuerdo de Rebeca. Los detalles están presentes por doquier, incluso en forma abrumadora. La sombra es potente, se la compara con ella en cada actitud, cada frase, cada movimiento. Maxim tampoco ayuda demasiado porque para él no es tema hablar sobre las circunstancias de la muerte de Rebeca y menos de los sentimientos que aun tiene por ella. El misterio se agiganta en cada rincón y la presencia de la mujer se siente tan fuerte que parece estar viva y dominar Manderley.

Este thriller está basado en la novela de Daphne du Maurier escrita en 1938. El éxito de la novela le ha significado cinco adaptaciones al cine y sin duda la más reconocida es la realizada por Alfred Hitchcock el año 1940. Pero las comparaciones son odiosas, y más aun si es con una cinta del maestro del suspenso, por lo que omitiré comentarios al respecto.

Esta versión del año 2020, dirigida por Ben Wheatley, viene precedida de expectación porque la historia seduce y tiene componentes especiales. Y tal como sucede en algunas ocasiones, el entusiasmo inicial se ve opacado por el resultado de la producción.

Lo primero que llama la atención en esta cinta es que la narración no encuentra un punto de tensión que sirva como hilo conductor. El relato se circunscribe a una exposición de elementos. Bellos paisajes y decorados entregan el marco para un comienzo de ensueño. Y cuando se debe imprimir el misterio, es decir aquello que es consustancial a Manderley, solo desde la imagen emana algo de la atmósfera necesaria para configurar las características del lugar. El protagonismo del nuevo matrimonio pierde fuerza, se encuentra en evidente desequilibrio ante la implacable personalidad de la ama de llaves.

Otro aspecto dice relación con la música, con un papel poco destacado. La partitura de Clint Mansell no logra generar ambiente y se va diluyendo con el correr de los minutos. Un tercer elemento tiene que ver con los descubrimientos y el momento elegido para darlos a conocer. Cuando se trata de suspenso, las decisiones son vitales; o nos hacen esperar ansiosos la revelación, la sorpresa, o bien se evidencia antes y se construye el relato en base a la forma de llevar la historia sabiendo de antemano el resultado. En este sentido, el guion de esta cinta compuesto por Jane Goldman, Joe Shrapnel y Anna Waterhouse, es confuso, lleva a equívocos, a falsas ilusiones, a esperar algo y a defraudarnos rápido.

Personalmente no me convence la actuación de Lily James. La siento sin convicción, poco comprometida y algo plana en gran parte de la cinta. Tampoco Armie Hammer consigue traspasar su interior conflictuado salvo en un par de escenas centrales que parecen llegar demasiado tarde. Solo la actuación de Kristin Scott Thomas se despega de la de sus colegas. Ella es capaz de mirar profundo e irradiar turbación y lealtad. Muy acorde a su personaje, transmite intriga, porque no deja vislumbrar sus sentimientos sino que nos provoca para interpretarla y deducir el propósito de sus acciones.

Esperaba más de “Rebecca”. Estaba entusiasmado con esta nueva versión, tal vez demasiado, un error en ese sentido. Las dos horas se hacen largas y debemos apelar a varios llanos de paciencia para no detenerla y conciliar el sueño. Así y todo, considero que no es tiempo perdido y que vale la pena verla para poder profundizar algunos aspectos respecto del género que representa. Con este tipo de ejemplos, valoramos más aquellos esfuerzos que resultan prodigiosos, donde el talento de la composición del suspenso adquiere características magnéticas. Esta cinta no lo tiene, nos deja a la deriva, nos abandona y cuando quiere recuperar terreno es demasiado tarde para reconstruir la historia.

Ficha técnica

Título original: Rebecca
Año: 2020
Duración: 121 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Netflix, Working Title Films. Distribuida por Netflix
Género: Intriga. Drama. Romance. Thriller | Melodrama
Guion: Jane Goldman, Joe Shrapnel, Anna Waterhouse (Novela: Daphne Du Maurier)
Música: Clint Mansell
Fotografía: Laurie Rose
Reparto: Lily James, Armie Hammer, Kristin Scott Thomas, Keeley Hawes, Ben Crompton, Ann Dowd, Sam Riley, Tom Goodman-Hill, Jane Lapotaire, Bryony Miller, Mark Lewis Jones, Bill Paterson, John Hollingworth, Lucy Russell, Julian Ferro, Toby Sauerback, Mark Schneider, Kevin Nolan, Chris Bearne, Keith Lomas, David Appleton, Tony Bligh, Poppy Allen-Quarmby, Ashleigh Reynolds, Jeff Rawle, Stuart Davidson
Dirección: Ben Wheatley

Contra el Demonio - Por Jackie O.

“Pudo haber sido mejor…” 

Esta película está basada en hechos que ocurrieron en Puerto Montt, el año 2004. Y tengo entendido que es la historia de una adolescente que siempre se encontraba enferma no encontrándole nada los doctores, hasta que producto de la desesperación dan con un cura que le practica un exorcismo, salvándola. Este hecho fue contado en el programa “Informe Especial” en su momento. (Me corrigen si me equivoco)

De esa premisa, el director crea su propia historia para efectuar esta película: una familia destrozada por la muerte del hijo mayor, tener que cambiarse casa, adaptarse al nuevo hogar y colegio, la existencia de elementos poseídos, espíritus, ruidos, etc.

La trama demoniaca comienza cuando las niñas de esta familia están en una visita a un museo, el cual fue un internado antiguamente y se quemó en 1961 muriendo varios niños.

Luego de escuchar la historia de quien estaba a cargo de esta visita, las chicas se salen del grupo para dar vueltas por el lugar, hasta que curiosamente la chica mayor descubre un libro quemado, una especie de diario de vida de un joven, llevándoselo.

Desde ese momento comienzan sucesos paranormales en el hogar. Estos sucesos son los típicos de las películas de suspenso y terror: puertas que se cierran solas, cosas que desaparecen, sombras, etc. Comenzando a ver una copia de mezclas de muchas películas ya vistas, pero acá están ejecutadas más menos.

La trama confunde con diferentes temas que ninguno se profundiza correctamente: muerte, problemas matrimoniales, espíritus vengativos e inocentes, demonios, en fin, una mezcla de mucho. No profundizando bien en el tema central.

LO MALO: -El director no debería entregar como referencia y tanto orgullo (aunque lo tenga) el decir que dirigió “Fuerzas especiales”, pues es una de las películas más malas de la historia del cine chileno.

–Los actores jóvenes tienen poca credibilidad, no proyectan angustia o la cercanía que se debiera. No se empatiza con ninguno. –La música muy estridente que a veces no entiendes lo que hablan. –Lo cursi de “los angelitos” al final. –Poca coherencia en contar la historia (siendo una idea muy buena).

LO BUENO: -Se agradece que se incursione con este género, y así poder dejar de ver los mismos temas. –Bien que no haya ese exceso de garabatos que aburre en las películas chilenas. –Las letras de las canciones estaban bien buenas. –El maquillaje correcto.

–La actuación de los experimentados adultos estuvo mucho mejor. –Las locaciones. –El final inesperado, fue bien pensado (“antagonista”) Pero lamentablemente hay que esperar el final para lo mejor.

Disponible en Arena Virtual el 31 de Octubre de 2020.

Ficha técnica

Título original: Contra el demonio
Año: 2018 

Duración: 100 minutos
País: Chile 

Género: Terror.
Dirección y guion: José Miguel Zúñiga
Música: Jorge Herrera y Jorge Dureaux
Fotografía: Carlos Madrid
Reparto: María José Prieto, Julio Milostich, Solange Lackington, Alonso Quinteros, Agustín Moya
Productora: Swing Management, Cinecolor Films, Mastodonte.

Juego Perverso - Por Jackie O.

“Mentes perturbadas, en un mundo bizarro.” 

La trama trata de 2 jóvenes inmersas en las drogas, y ante la deuda que contraen con un traficante, deciden robarle el dinero a una amiga de infancia que está mentalmente desequilibrada. Pero esta millonaria no tiene problemas en entregarles su dinero, pero deberán someterse a un sádico y extraño juego de roles, tortura y muerte.

Lo que creíamos que sería una invasión a una mansión por estas chicas, se convierte en un caos psicótico. La trama está inmersa en un juego mental, sumergiéndonos en un extraño y sádico juego de 3 desequilibradas amigas. Donde sus vidas están marcadas por el dolor, la venganza, la mentira, los rencores, el excesivo uso de drogas y las relaciones tóxicas.

Petula y Tilda se someten una vez que llegan a la casa de Daphne, quien desde el principio se nota que es una “loca de patio”.

Visualmente al instante vemos que el diseño de producción de esta película es asombroso, hay una buena labor del director de fotografía y de diseño de arte: nos muestra lugares sucios, detalles lujosos o las imágenes de los delirios producidos por las drogas, y una enorme e intensa paleta de colores.

Las chicas además se ven naturales y confiadas en sus roles.

Visualmente como indiqué es muy hermosa. Los colores pastel dan un aire de surrealismo, que mezcla en momentos con el blanco y negro. Los ángulos de las cámaras en diferentes posiciones son sujetos a interpretaciones también, todo tiene un simbolismo diferente. No sabemos si lo que vemos es real o si están soñando despiertas para así no enfrentar la realidad ni sondear todos los obstáculos. Nos enredamos.

Su final es abierto, complicado, sujeto a muchas interpretaciones o ninguna, una estructura de la trama poco convencional e impredecible.

En cuanto a su género, la catalogaría más de thriller que de terror.

Peca eso sí de generar mucho contenido visual olvidándose de mantener un guión bueno.

Así que a veces todo lo que veas puede ser enredado como una trenza, por eso hay que ponerle atención a esta película.

Una cinta desafiante que de todas formas vale ver.

Disponible en cinemark.cl

Distribuida por BFDistribution.

Ficha técnica

Título original: Braid Género: Thriller.Terror.
Año: 2018 

Duración: 82 minutos

País: EEUU
Dirección y guion: Mitzi Peirone
Música: Michael Gatt
Fotografía: Todd Banhazl
Reparto: Madeline Brewer, Scott Cohen, Sarah Hay, Imogen Waterhouse, Brad Calcaterra, Mauricio Ovalle, Mary Looram, Nancy Ozelli, Dhoni Middleton, Tai Lyn Sandhu, Jill Dalton, Lenore Wolf, Ethel Fisher, Zack Calhoon y Zoe Feigelson.
Productora: Wandering Bard, Somnia Productions. Distribuida por Blue Fox Entertainment.

Juego Perverso - Por Juan Pablo Donoso

Un desastre seudo-feminista, petulante, y confuso. 

Fotografía con estética forzada. Mucho con el violeta y el lila. A ratos blanco y negro y con tramado (¿para decir qué?).

La historia de fondo es tan pobre que la llenaron de “chorezas” eróticas y sangrientas.

Por falta de motivaciones claras ni siquiera cumple con ser un filme esnob “de culto”. Hasta el intento de gore queda deslavado: pura salsa de tomate.

La banda sonora mezcla antiguas canciones infantiles con corales clásicos y oberturas de ópera sin fundamento argumental. Sólo por capricho.

La historia (si es que la hay) jamás atrapa nuestro interés. Las protagonistas son tan raras y antipáticas, que ni siquiera generan empatía.

Tratamiento audiovisual rebuscado bajo el pretexto de tener a las muchachas drogadas.

¿De qué estamos hablando? De 3 niñitas que eran muy amigas cuando chicas, lo siguieron siendo cuando adolescentes y, de pronto, parece que trataron de enloquecer a una de ellas para robarle el dinero en su mansión. Masacran, descuartizan y sepultan a un Inspector de Policía en el jardín… cuyos restos más tarde también desaparecen (¿?).

Creen que para demostrar el desquicio de los personajes basta con desbaratar la ornaméntica visual (¡!).

La gran conquista la hizo Mitzy Peirone - guionista y directora - una joven y hermosa modelo italiana que consiguió (¿cómo?) un suculento presupuesto para darse el gusto de filmar este disparate. Plata para la producción tuvo de sobra. Hasta sazona el relato con glamorosas cucharaditas de lesbianismo.

La guionista se enredó en su propio guion y jamás halló la salida. Se refugió en los desnudos, en la utilería lujosa y en los juegos ópticos. En el reparto figuran personajes y actores que nunca aparecen en la película.

La premisa pareciera ser: ¿cuán locas, y asesinas pueden ponerse la mujeres cuando quedan solas, feministas y andróginas?

INNECESARIAMENTE PRETENCIOSA, REBUSCADA, Y CONFUSA. LAMENTABLE.

Ficha técnica

Título Original: Braid - 2018 

Locura, crimen, misterio EE.UU. - 1,23 hrs. 

Fotografía: Todd Banhazl 

Edición: David Gutnik 

Música: Michael Gatt 

Diseño Prod.: Annie Simeone 

Actores: Madeline Brewer, Imogen Waterhouse, Sarah Hay 

Guionista y Directora: Mitzy Peirone 

BFDistribution

El Diablo detrás de la Puerta - Por Juan Pablo Donoso

Una buena y efectiva película española de terror, suspenso y misterio.

Aunque es tema repetido en filmes de muchos países - la buena familia que se instala en un hogar maldito con fantasmas perversos - en este caso hay un prolijo trabajo de guion, personajes variados y bien definidos, actores de buen rendimiento profesional, y un tratamiento fotográfico con adecuada iluminación y excelentes movimientos de cámara: exactos, cómodos y siempre al servicio de la historia más que a su propio lucimiento.

Predomina el buen gusto: carencia de estruendos musicales y - mejor aún - de los consabidos “screamers” (súbitas apariciones monstruosas para saltar en el asiento).

La participación de 4 guionistas permitió un desarrollo inicial de la trama lo más lógico posible. Un ascenso progresivo que va gradualmente generando misterios, dosificando escalofríos ante pequeñas sorpresas, que van revelando un mundo lleno de secretos y aberraciones ocultas.

Cada personaje tiene un carácter empático sustentado en su historia de vida. Ninguno sobra y cada cual tiene una motivación verosímil. Así, los fenómenos sobrenaturales resultan más aterradores, inexplicables y menos gratuitos.

La historia se cuenta a través de los ojos de Amparo, muchacha adolescente, hijastra de Manolo, el padre de familia. Han vendido su propiedad en el campo para comprar un departamento en Madrid. Esperan mejorar su nivel de ingresos. Pero en este hogar habita la presencia siniestra de un atormentado propietario anterior.

A la luz de los acontecimientos cada vez más traumáticos se irán revelando las causas sobrenaturales del tormento para esta indefensa familia.

La gracia del argumento es que por muy aterradores que sean los efectos, siempre hallan un vínculo humano y terrenal para haber alcanzado tan demoníacos niveles.

La joven actriz Begoña Vargas, como Amparo, carga el mayor peso actoral junto a su madre Candela - Bea Segura - por secretas culpas anteriores. Y con ello sumergen al resto de su familia en un torbellino de venganzas fantasmales.

Es grato reencontrarnos con figuras españolas tan paradigmáticas como Concha Velasco (Teresa de Jesús 1984), y admirar las caracterizaciones satánicas de Jaime Botet, ese actor de 2 metros de altura - víctima del síndrome de Marfán - en su doble rol de administrador y también del espectro monstruoso.

TERROR Y SUSPENSO EFECTIVOS GRACIAS A UN BUEN GUION, ACTUACIONES SINCERAS Y EXCELENTE REALIZACIÓN TÉCNICA. RECOMENDABLE EN SU GÉNERO.

Ficha técnica

Terror, suspenso, familia - 2020 España y Francia - 1,44 hrs. 

Fotografía: Daniel Sosa Segura 

Edición: Andrés Federico González 

Música: Frank Montasell, Lucas Peire 

Diseño Prod.: Carlos Dorremochea 

Guion: Ramón Campos, Gema R. Neira, David Orea, Salvador Molina 

Actores: : Begoña Vargas, Bea Segura, Concha Velasco 

Director: Enrique Pintó 

BFDistribution

Los chicos de la banda - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Nueva York, 1968. Un grupo de amigos homosexuales se reúne en un departamento para celebrar los 32 años de Harold -Zachary Quinto-. El anfitrión es Michael -Jim Parsons-, y el primero en llegar es Donald -Matt Bomer-, quien está de paso por la ciudad. Juntos, mientras recuerdan su propia historia, comienzan a preparar la fiesta de cumpleaños a la que pronto se sumarán los demás invitados, Bernard -Michael Benjamin Washington-, Emory -Robin de Jesús-, Larry -Andrew Rannells- y Hank -Tuc Watkins-, más Cowboy -Charlie Carver-, el “regalo” de Emory para Harold.

El punto de inflexión se produce con la llegada de Alan -Brian Hutchison-, una visita inesperada para Michael. Como ex compañero de la Universidad al que no ve hace años, Alan desconoce la vida privada del dueño de casa. La tensión asoma fulminante, tal vez por la aparente homofobia de Alan hacia el grupo y la evidente incomodidad que aquello ocasiona.

Llega Harold luego de una larga espera y se roba la escena. Es allí cuando Michael, que recae en su adicción producto de varias rondas de alcohol, propone un desafío que termina por generar el conflicto. Cada uno debe hacer una llamada a la persona que realmente ama. Es un juego peligroso, se obtienen puntos en cada etapa de la llamada y a esta altura están todos bastante borrachos. La inquietante puesta en escena revela los aspectos más íntimos de los participantes y da cuenta de sus sentimientos profundos y enormes contradicciones. También deja al descubierto la manera que tienen de enfrentar su condición, la realidad de sus relaciones amorosas y la feroz discriminación social de la que son objeto. Las heridas se abren, se exponen, se sienten intensas, la sinceridad emerge y también aparece la vulnerabilidad que cada uno vive en forma permanentemente.

Joe Mantello dirige esta producción realizada por Ryan Murphy sobre la obra original que Mart Crowley escribió para el teatro. Su estreno fue en 1968 y tuvo su primera versión fílmica en 1970, dirigida por William Friedkin. El mismo grupo de actores originales protagonizaron dicha película y esta vez sucede algo similar en esta nueva versión. Llevada a escena en el año 2018, al cumplirse 50 años del estreno, el mismo grupo actoral y su director desarrollaron como filme lo que antes abordaron en el escenario del Booth Theatre de Broadway.

La película es eminentemente una obra de teatro. Los diálogos son el pilar fundamental y funcionan como el hilo conductor del relato. La cinematografía, algo disminuida por momentos, incluye algunos seguimientos y planos cerrados que entregan cierta frescura al guion pero que, sobre todo en la primera media hora, no logran impulsar el ritmo de la narración. Se hace difícil sumarse al metraje hasta que se revela el corazón de la trama, momento en el que las actuaciones impulsan y dan forma a la historia. Algunos flashback nos remiten a recuerdos de los protagonistas, pero son los menos, porque la acción transcurre casi íntegramente al interior del departamento newyorkino.

Es difícil dejar afuera el contexto original en el que surge esta obra. Las condiciones de 1968 no son las actuales y por cierto, una temática de este tipo y su performance debe haber generado controversia en ese tiempo. Ese valor intrínseco, esta nueva versión indudablemente lo rescata y además lo actualiza. Mantenemos la época pero el cambio está en nosotros los espectadores. La sensibilidad es diferente y la apertura a la diversidad sexual lleva bastante camino recorrido. En ese sentido, “Los chicos de la banda” funciona como homenaje a una pieza que generó una marca provocando cambios gracias a su estilo abierto y sin concesiones.

Ficha técnica

Título original: The Boys in the Band
Año: 2020
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Netflix
Género: Drama | Homosexualidad. Amistad
Guion: Mart Crowley, Ned Martel (Obra: Mart Crowley)
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Jim Parsons, Zachary Quinto, Matt Bomer, Andrew Rannells, Charlie Carver, Robin de Jesus, Brian Hutchison, Michael Benjamin Washington, Tuc Watkins
Dirección: Joe Mantello

Blade Runner 2049 - Por Jackie O.

"SCIFI con muchos sentimientos". 

Esta vez, de la mano de Denis Villeneuve, nos trae esta producción donde tenemos casi 3 horas de película. Y con varios actores y actrices de renombre que son "el gancho" promocional perfecto.

Tenemos a un Ryan Gosling, quien es un blade runner "replicante" o "portapiel" llamado K, que tiene la función de eliminar a sus pares antiguos.

K un ser que debe ser apático, pero tiene una novia holográmica, ya que en el fondo quiere "sentir" como un humano, pero al resto debe ocultar esos deseos. Pero siente que falta algo más en su vida. No es feliz, salvo cuando está con ella.

La película arranca cuando K se encuentra con un replicante, Dave Bautista. Y ojo con su actuación, mantiene un buen dramatismo. 

El grueso de la película en sí se basa en la búsqueda de un bebé que nació en el 2021, entre el blade runner Rick Deckard y la replicante Rachel (¿los recuerdan?) Algo que no debe suceder por el caos que esto provocaría. Donde se van desarrollando diversos momentos interesantes con el desarrollo de ello.
Ahí aparece JLetto que es el Director Wallace de una compañía que hacen estos nuevos replicantes, y también le interesa a ese bebé pero para experimentar. Su actuación es algo breve y no lo enaltece como actor.

En cuanto a la música de esta cinta es buena, pero extrañas a Vangelis. Hay mucha buena SCi Fi pero poca acción, y tiene un diseño de producción impresionante. 

Es una historia lenta, pero no aburre para nada. Se entiende la historia y el mensaje:
"¿Cuál es la esencia de un humano? Pregunto... Y se preguntan..." "Todos necesitamos saber de nuestros orígenes". "Todos queremos sentir".

LO BUENO: -Dave Bautista. -Harrison Ford no pierde su toque. -La fotografía. -El vestuario.

LO MALO, que no es tan malo: -Sylvia Horks como LUV. -Faltó un "Roy Batty". -Faltó Vangelis. -A pesar de que fue buena la dirección, el Director no logró la emoción que provocó la primera entrega. -Faltó trabajar más la psicología de los personajes.

Una buena película que recomiendo, pero verla con paciencia y tiempo.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección. Denis Villeneuve
Guion. Hampton Fancher y Michael Green
Historia. Hampton Fancher
Basada en Do Androids Dream of Electric Sheep?
de Philip K. Dick
País. EEUU. AÑO 2017
GÉNERO. Ciencia ficción
Duración. 163 minutos
Música. Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch
Fotografía. Roger Deakins
Montaje. Joe Walker
Vestuario. Renée April
Reparto
Ryan Gosling como Joe, oficial K.
Harrison Ford como Rick Deckard.
Ana de Armas como Joi.
Sylvia Hoeks como Luv.
Edward James Olmos como Gaff.
Dave Bautista como Sapper Morton, un replicante Nexus-8 fugitivo.
Jared Leto como Niander Wallace, un fabricante de replicantes.

Emily en Paris - Por Jackie O.

“Moda, instagram y selfies”. 

Esta serie narra la historia de Emily Cooper, una chica estadounidense quien por trabajo se muda a Paris, para ser parte de una prestigiosa empresa de Marketing. Allí en Paris, busca llevar una perspectiva fresca, innovadora y creativa sobre el marketing y como este puede funcionar a través de las redes sociales, pero es muy mal recibida por sus nuevos coleguitas.

Esta serie es fresca, espontánea y natural. Llena de simpatía, redes sociales y mucha moda. Cada hombre y mujer de todas las edades se lucen con su vestuario y marcan sus personalidades. 

La reconocidísima diseñadora de moda Patricia Field quien se encargó del vestuario de la serie “Sex and The City” y la cinta “El diablo viste a la moda”, ahora nos trae nuevamente un vestuario hermoso, donde combina diferentes texturas, usa colores llamativos, juega con la mezcla de estampados y siempre cierra el “outfit” con algún accesorio de moda. Y hay una larga lista de diseñadores que ayudan a que nos deleitemos con los atuendos, como Dior, Givenchy, Jean-Paul Gaultier, Kate Spade, Louboutin, Vivienne Westwood y más, pero la firma más importante para la vestuarista fue Chanel, por su estilo clásico y fácil de combinar.

Emily va adaptando su manera de vestir a medida que avanzan los capítulos. Al llegar a Paris lo hace con una impronta estadounidense, donde su vestuario es muy audaz, pero también juega con conjuntos más clásicos y chic. También tenemos a la jefa de Emily, una mujer empoderada, con carácter, sexy y quien luce esplendorosamente. La primera amiga que hace Emily es una asiática muy agradable, que siendo una niñera en Paris, no pierde su estilo exótico y algo estrafalario. Sin embargo Camille, otra amiga de Emily tiene un estilo mucho más accesible, más sencillo y chic, aunque sus gustos, colores, y el estilo de ella creo que sobresale en la serie.

Los varones, cada quien con su estilo, los franceses muy a la moda para resaltar.

Pero según lo que se ha dicho, los franceses no quedaron muy contentos con la forma en que muestra a éstos en la serie, ya que los hacen ver como flojos, desorganizados y más.

En cuanto a las redes que es otro de los temas importantes que marcan  la serie, si bien es un poco irreal la forma en la que comienzan a crecer los seguidores de Emily (en la realidad aumentar los seguidores lo hacen muchos comprándolos, ya que algunos se desesperan con eso de las redes, además de acosarlos enviándoles mensajes internos), este tema va atrapando a nuestra amiga Emily quien sin querer la convierte en una influencer.

¿Y cuál sería la clave del éxito de Emily en las redes? La respuesta, creo, es que ella comenzó a conocer y saber lo que quería su público, y éste quería conocer su vida en París.

Otro tema que vemos que es muy importante, es respecto al trabajo. Y es que podemos intercambiar ideas y opiniones si trabajamos en equipo, eso es algo muy relevante, trabajar juntos sin miedos ni envidias. Trabajar por un bien en común.

En resumen hablé de cosas muy interesantes que nos muestra esta serie: moda, trabajo en equipo y tecnología.

Pero a pesar de ello no es “la” serie del siglo, está lleno de muchos clichés y nada novedosa. En cuanto a la parte amorosa, hay muchas historias de amores fugaces, intensos, deslealtades, separaciones y reencuentros. Donde deja cierto vacío en ese aspecto al terminar la serie.

Espero que en esto mejore la próxima temporada, porque sí se viene la segunda.

Véanla y diviértanse, porque visualmente es deslumbrante.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Primer episodio, se estrenó el 02 de octubre de 2020
Cantidad de episodios: 10
Cantidad de temporadas: 1
País de origen: Estados Unidos
Creador del programa: Darren Star.

El caso Watts: el padre homicida - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Este documental está elaborado mayormente en base a imágenes sin editar. Se trata de un hecho que ocurre el 13 de agosto de 2018 en Frederick, Colorado. Esa madrugada, Shanann Watts y sus hijas de cuatro y tres años, Bella y Celeste, desaparecen de su hogar. Una amiga de Shanann da la voz de alerta, la policía comienza a indagar, Chris, su marido, no sabe su paradero, un vecino muestra imágenes de su cámara de seguridad, nadie ha visto nada.

Lo que sucede con trabajos de este tipo, donde sabemos gran parte de la historia o al menos el desenlace, es que aquello podría quitarle interés. Entonces, a pesar de conocer de antemano que el padre es el homicida -y no es spoiler, el título lo dice claramente-, en esta ocasión no sucede porque el guion está muy bien armado y la edición de las secuencias de imágenes reales compone perfectamente el relato.

La directora Jenny Popplewell usó varios registros. Las imágenes obtenidas de la policía -cámaras corporales de los agentes-, películas caseras y la reconstitución del intercambio de mensajes de texto, son la base de un material que debió ser unido con extremo cuidado. Junto a la diversidad de videos que la propia Shanann Watts compartió en redes sociales, especialmente Facebook, Popplewell fue capaz de construir un metraje que nos mantendrá al borde de la silla.

Reconozco que en un primer momento tuve dudas de verlo. Me pareció que podría ser morboso y que el tratamiento podría acercarse más a un cliché de impacto mediático. Pero me sorprendió, porque la forma que tiene de mostrar y enfrentar los hechos es equilibrada, sin dejar por ello de impactar y provocar conmoción.

La realidad supera la ficción. Este caso perfectamente podría ser un thriller donde debemos descubrir los detalles de un suceso que no tiene aparente explicación. La vida expuesta en los videos de la familia Watts es casi idílica. Un matrimonio feliz, hijas preciosas, un buen lugar donde vivir, empleos estables y una relación, que aunque con tensiones, no presagia en absoluto lo que podría suceder. Pero el curso de los hechos toma otro camino, se desencadena la tragedia.

¿Qué tiene de particular este documental? Es una denuncia de situaciones que se dan, lamentablemente, con mucha frecuencia, además de ser un transparente descriptor de una realidad horrorosa. Cada día en Estados Unidos, señala el testimonio, hay tres crímenes de este tipo y son mayormente premeditados. Realmente alarmante, no resiste análisis.

Queda la reflexión ante una atrocidad de esta naturaleza. Las motivaciones, las señales de alerta, alguna luz que pudiera haber evitado lo sucedido, no lo sabemos. También queda un homenaje póstumo a Shanann Watts y sus hijas junto a una precaución latente para estos tiempos; la cantidad de videos y fotos familiares subidas por ella a las redes sociales es enorme y aquello también supone un riesgo importante. Infortunadamente, esta vez la mayor amenaza estaba dentro de la misma familia, escondida incluso para quien es el autor de este indescriptible, brutal y horroroso crimen.

Ficha técnica

Título original: American Murder: The Family Next Door
Año: 2020
Duración: 82 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Knickerbockerglory TV. Distribuida por Netflix
Género: Documental | Metraje encontrado. Secuestros / Desapariciones. True Crime
Música: Nainita Desai
Reparto: Documental
Dirección: Jenny Popplewell

Sangre Eterna - Por Jackie O.

“Inmersos en un juego, y en la oscuridad de la mente”.

En términos generales para tener una idea de lo que veremos, les cuento: Carmila es invitada por M a un juego de roles llamado Sangre Eterna. Y luego de ir a una fiesta en una antigua casona, conocen a Dahmer un misterioso joven que practica el vampirismo, y comienza a influenciar a los jóvenes, pero M no cae en su juego. ¿O sí?

Esta película está considerada dentro de las precursoras del género del terror, en especial sobre vampiros en Chile.

Tenemos los principios de la década del 2000, con los Emos y sus características ropas negras, unos malos maquillajes, carrete y marihuana. Ahí está un trio de amigos que les encanta un juego de roles que se toman muy en serio, su imaginación vuela, pero se dan cuenta de que necesitan otro integrante e invitan a Carmila, quien también toma tan en serio el rol que sus nuevos amigos.

Hasta que un día, una noche más bien, M ve un crimen pero no sabía si lo que vio había sido real o todo producto de su alcohol y droga ingerido. Queda algo confundido.

Hasta que en una fiesta en una casa abandonada ve nuevamente a estos muchachos de ese día del crimen, y se pone alerta pero no cuenta nada. Sus amigos están muy entusiasmados con este enigmático sujeto que se hace llamar Dahmer. Pero M trata de alguna forma de que sus amigos dejen de verlo, pero es infructuoso, ya el juego de roles imaginario se comienza a mezclar con la realidad.

La mente comienza a jugar malas pasadas.

Una película rupturista para nuestro país. Ya habíamos visto muchas películas de vampiros en tv o cine, pero hecha en Chile a este nivel al parecer no. Y la taquilla superó todas las expectativas.

El maquillaje empleado fue bien detallista, en algunos se veía bien la representación monstruosa de vampiro, pero Blanca Lewin no le jugó a favor fue la única que no le quedaba bien el maquillaje y se notaba más falso que el resto.

Los demonios calvos que los atacaban estaban bien representados, excelente maquillaje en ellos.

El vestuario acorde a la representación que mantenían.

Los efectos especiales, notorios en su mayoría. Los decorados, el diseño de arte es detallista y se agradece.

En cuanto a las actuaciones, señalo que todos estaban totalmente entregados en sus roles. Pero eso no significa que actuaran bien, solo algunos estuvieron creíbles.

La historia es interesante, una buena idea. Pero aun así no es una gran película, la forma de su realización no fue del todo la mejor, debe ser a la poca experticia en la dirección de grabar este tipo género en ese momento.

Pero se agradece mucho el esfuerzo, por incursionar en este género y subgéneros de terror y ciencia ficción.

Lamentablemente es difícil encontrar una destacada película de este género en nuestro país.

Vale verla solo por lo precursora de la época, y por ser ya un clásico del cine chileno. 

Disponible en ondamedia.cl

Ficha técnica

Director: Jorge Olguín
Escritor: Carolina García y Jorge Olguín
Música: Rodrigo Cuadra y Gamal Eltit
Reparto:
Blanca Lewin como Carmila
Juan Pablo Ogalde como M
Pascale Litvak como Pancha
Patricia López como Elizabeth
Claudio Espinoza como Martin
Carlos Bórquez como Dahmer

Jorge Novak, Siclum Apóstol - Por Carlos Correa

Disponible en Vimeo.

Monseñor Jorge Novak fue el primer obispo de la Diócesis de Quilmes, Argentina. Destacado por su dedicación a los más pobres y la defensa de los Derechos Humanos en la dictadura militar, este trabajo documental ilustra su vida, su familia, su incansable trabajo pastoral y su perfil más íntimo. 

Dirigido por Adrián Baccaro, docente y realizador audiovisual, miembro de SIGNIS Argentina, y editado por Sergio Flamminio, este testimonio aborda en forma lineal los principales hitos de una persona que siempre tuvo una especial preocupación por los más vulnerables, por los más desposeídos, realizando acciones concretas en su favor.

Monseñor Novak nació el 4 de marzo de 1928 en San Miguel Arcángel, Provincia de Buenos Aires, al interior de una familia descendiente de alemanes del Volga. Luego de ingresar a la Congregación del Verbo Divino, el 10 de enero de 1954 fue ordenado sacerdote en la ciudad de Bahía Blanca.

Jorge Novak destacó también por su gran inquietud intelectual. En 1958 obtuvo el doctorado en Historia en la Pontificia Universidad Gregoriana de Roma y a su regreso a Argentina se dedicó extensamente a la docencia y a la formación como rector del seminario de la Congregación, consejero provincial y desde 1972 como superior provincial.

El 7 de agosto de 1976, Monseñor Novak fue designado primer obispo de la Diócesis de Quilmes por Pablo VI. Comienza aquí un camino especial para configurar los destinos de esta nueva diócesis. Durante su ministerio episcopal, su impulso por la opción preferencial por los pobres fue vital. También la promoción del diálogo ecuménico -fue cofundador del Movimiento Ecuménico de los Derechos Humanos (MEDH)- junto a la creación de muchas parroquias y capillas además de variadas iniciativas de atención religiosa y comunitaria.

El documental presenta la figura de este obispo en un formato clásica. A través de un retrato compuesto por cerca de 50 entrevistas, vamos apreciando las virtudes que caracterizan a Novak en su trabajo cotidiano. Los testimonios resultan emotivos, pues se trata de gente que trabajó con él, que compartió su causa y que guardan el mejor recuerdo de un pastor siempre al servicio de los demás. Frases como, “abrí las puertas del obispado e ingresó un río de dolor” y “las primeras personas que me golpearon la puerta fueron las madres de los desaparecidos, y eso me cambió la vida”, reflejan el hondo sentir de un sacerdote vinculado desde lo más profundo con su pueblo.

El guion del documental resulta ágil. Es tal vez lo mejor de este trabajo pues las notas de producción señalan cerca de 1.500 minutos de entrevistas de los que solo se utilizaron 40. El trabajo de investigación y la selección de los textos tiene un valor significativo, pues el metraje se construye justamente en base a la historia relatada por quienes le conocieron de cerca.

Algunas transiciones son difíciles de interpretar, lo mismo que la utilización de la música solo en ellas y no en simultáneo a los testimonios, salvo en la parte final. La banda sonora compuesta por Pablo Baccaro, Cecel Alves y Adrián Baccaro, posee sensibilidad y delicadeza, sin embargo al profundizar se le percibe algo más lejana de las imágenes y testimonios a los que acompaña.

En 1984, Monseñor Novak sufrió el síndrome de Guillain-Barré durante un viaje a Costa Rica. La parálisis completa de su cuerpo fue un duro golpe a su energía vital, sin embargo logró recuperar motricidad con esfuerzo y templanza hasta su muerte, el 9 de julio de 2001,​ producto de un tumor en el estómago.

“Jorge Novak, Siclum Apóstol”, nos anima a conocer más sobre este obispo argentino. El 11 de diciembre de 2017 se inició el Proceso Diocesano -postulación- de la causa de beatificación y canonización de Jorge Novak como Siervo de Dios. Vemos, al respecto, un cálido mensaje a la diócesis, el Papa Francisco espera ver pronto a este pastor en los altares. La multitudinaria admiración y confianza en Monseñor Novak da cuenta de este clamor popular, algo que se respira en este trabajo documental y que nos revela en toda su dimensión a un obispo austero y espiritual, cercano y jugado, incansable luchador en favor de los pobres y defensor de principios humanos fundamentales.

Ficha técnica

Documental. Biografía
Catolicismo - 2020 Argentina
57 minutos
SIGNIS Argentina
Operadora de Drones: Mayra Albornoz
Edición: Sergio Flamminio
Música: Pablo Baccaro, Cecel Alves y Adrián Baccaro
Guion: Natalia Soledad Segura, Adrián Baccaro
Testigos: Padre Arlindo Pereyra Díaz, Tarcisio Novak, Alberto Bahl, Carlos Custer, Damián Alvarado, Teresa Novak
Dirección: Adrián Baccaro

No Matarás - Por Jackie O.

“Éxodo 20, 13”.

Sinopsis: Dani es un buen chico que durante los últimos años de su vida se ha dedicado exclusivamente a cuidar de su padre enfermo y decide retomar su vida tras la muerte de éste. Justo cuando ha decidido emprender un largo viaje, conoce a Mila, una chica tan inquietante y sensual como inestable. Convirtiéndose la noche en una auténtica pesadilla para él.

Con los años ha ido mejorando un poco las actuaciones Mario Casas, es bueno verlo en roles diversos, aunque aún sigue siendo “el niño bonito” para algunas.

En esta película, debo confesar que me cayó muy mal el personaje pánfilo y de poco carácter que representa. Además lo personificó un poquito fingido, le faltó más credibilidad y eso me molestaba más. La trama no mantenía un buen ritmo al comienzo, pero de a poco se fue arreglando y me comencé a interesar en su desarrollo.

Dani, este joven que no sabe tomar decisiones en su vida conoce de casualidad una noche a una mujerzuela, la cual entre mucho trago y erotismo le trae a él un problema tras otro, y muy graves.

La trama comienza a subir de tono y a pasar de un momento tranquilo a tener este muchacho una loca noche. Todo sucede en un par de horas. La vida de Dani, el cual comete un acto terrible, se vuelca y no sabe qué hacer, pues al tratar de solucionarlo se va enfrascando en más y más problemas.

La cinta se va volviendo vertiginosa, su ritmo es frenético, la cámara se mueve velozmente como los actos y pensamientos de Dani. La noche es testigo de la angustia de este hombre que deambula de un lugar a otro inquieto y temeroso.

El director creó una buena atmosfera en términos generales.

La música es buena, pero en algunos momentos se siente fuera de lugar.

La cámara muestra buenos primeros planos, donde vemos esa angustia, sufrimiento, locura, desenfreno y mucho miedo.

Mantiene unos falsos planos secuencias buenos, que te hacen involucrarte más en lo que va sucediendo.

La parte de erotismo que mantuvo unos buenos minutos al espectador pegado a la pantalla, no fue del máximo erotismo de ese que te atrapa o estimula. Fue más bien burdo.

Qué más puedo mencionar, a Mario le falta más credibilidad en sus roles. No así el papel de las mujeres en esta cinta, que fueron muy auténticas.

Acá también nos encontramos con ciertos problemas de guion que da unos saltos sin continuidad lógica. Una especie de continuidad descontinua y rara en parte de su montaje. Con cosas muy ilógicas, como escapar de un grupo en un callejón o entrar al hospital así como si nada (no puedo dar mucho detalle al respecto para no estropear la historia)

De todas formas es una interesante película que te mantendrá alerta, porque sus altos y bajos en ritmo hacen que quieras saber qué pasará con este individuo.

Individuo que al final su vida cambia, sus pensamientos cambian, él cambia por completo... Ya no es el mismo. Dejándonos un final abierto a interpretaciones.

Disponible en www.cinemark.cl/cineonline.

Ficha técnica 

Estreno: Octubre 2020.
Director: David Victori
Duración: 92 min. 

País: España
Cinematografía: Elías M. Félix
Reparto: Mario Casas, Milena Smit, Joaquín Caserza, Victor Solé, Andreu Kreutzer, Albert Green, Elisabeth Larena.
BFdistribución.

Divinas - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Esta película, escrita y dirigida por Houda Benyamina, narra la historia de Dounia -Oulaya Amamra- y Maimouna -Déborah Lukumuena-. Ambas viven en los suburbios de Paris, son grandes amigas, sueñan, se acompañan, resisten; son inseparables. En los estudios no lo pasan tan bien, sin embargo junto a sus compañeros se muestran alegres. Pero estas dos inquietas jóvenes quieren más. Dounia es ambiciosa y aspira a un lugar en la banda de traficantes de drogas que lidera Rebecca -Jisca Kalvanda-. Maimouna la apoya pero con reparos. Su familia, muy religiosa, intenta evitar que se meta en problemas, pero Maimouna no necesariamente sigue sus indicaciones y consejos. 

Los planes parecen ir bien. Rebecca las admite al clan y deben sortear los primeros problemas. El tráfico en la calle es en serio, ponen en riesgo su propia integridad. En el camino, la figura de Djigui -Kévin Mischel-, un joven bailarín de danza contemporánea, distrae los ojos de Dounia. Hay atracción, fuerza, tensión. El futuro de pronto se abre, la preocupación ya no radica solo en su amiga, también debe velar por ella misma. Su principal motivación es generar dinero rápido para poder tener todo lo que la vida le ha negado sistemáticamente y claro, ojalá junto a Djigui.

La cinta es conmovedora y por varias razones. La directora se sumerge en la marginalidad y no esconde sus consecuencias. La cámara incursiona en estos guetos sociales difíciles de describir. Ella los filma, lo hace con seguridad, poniendo delante a dos jóvenes que poseen características resilientes pero que sucumben ante lo resplandeciente, ante lo que parece sencillo, ante lo que se percibe como una oportunidad inmejorable. Money, money, money…

En un paralelo interesante, la banda sonora adquiere intensa presencia. El uso de piezas clásicas, de Handel y en especial el “Lacrimosa” del Requiem de Mozart, imprime una tensión transversal a las escenas. Los momentos complementarios son especiales, elegidos con sensibilidad, naturalidad y delicadeza. Además, agrega canciones y piezas que la compañía de danza ensaya, en una combinación estética muy bien balanceada.

El drama de la historia estremece y la construcción hacia el desenlace provoca desesperanza. Quisiéramos rescatar a estas adolescentes, prevenirlas de sus decisiones, de los caminos que eligen, de las personas a quienes quieren seguir y con quienes quieren relacionarse. No podemos, somos espectadores de su vulnerabilidad, observamos aquello que en ocasiones no queremos ver o que consciente o inconscientemente escondemos.

“Divines”, con actuaciones certeras y una mirada profunda, nos involucra. La energía que sale de la cinta es poderosa, en especial la que irradia la joven Oulaya Amamra. Ella trasluce sus miedos y conflictos internos, su búsqueda desesperada de una salida ante una condición de la que parece no poder escapar. Con una madre lejana, ni siquiera el soporte emocional le permite sobrellevar una pobreza material llena de grietas. Allí surge la amistad y el cariño de estas dos adolescentes que luchan por mejores condiciones, donde su espiritualidad está rota porque la esperanza de un futuro mejor se queda solo en el eslogan.

Ficha técnica

Título original: Divines
Año: 2016
Duración: 105 minutos
País: Francia
Productora: Easy Tiger, France 2 Cinema, France Télévisions
Género: Drama | Amistad. Adolescencia. DrogasGuion: Houda Benyamina, Romain Compingt
Música: Demusmaker
Fotografía: Julien Poupard
Reparto: Oulaya Amamra, Déborah Lukumuena, Kevin Mishel, Jisca Kalvanda, Yasin Houicha, Majdouline Idrissi, Bass Dhem, Farid Larbi, Maryama Soumare, Wilfried Romoli, Tania Dessources, Mounir Amamra, Samir Zbrouki, Mohamed Ourdache, Garba Tounkara, Hana Savané
Dirección: Houda Benyamina

No Matarás - Por Juan Pablo Donoso

Filme de suspenso español que -si obviamos los giros ilógicos -logra mantenernos atentos gracias a su buena factura.

Dani es un joven tranquilo, empleado en una agencia de turismo. Cuando muere su padre anciano planean con su hermana, Laura, hacer un viaje para calmar la pena.

Esa noche, por auxiliar a una muchacha desconocida, despierta en ella una gratitud que lo irá involucrando en un encuentro sexual inesperado. A pesar de su afán por evadirla, se verá envuelto en una escalada demencial que incluye suicidios y asesinato en defensa propia.

Como nadie creería en su inocencia, conseguirá escapar del sitio de crimen. Mas, el trauma psíquico y el temor a ser acusado lo apremian al punto de empezar a cometer imprudencias.

Historia de un súbito cuasi romance que entra en un torbellino de angustias del cual nunca sabremos si el pobre inocente pudo salvarse.

Prolija realización que sucede casi entera en una sola noche. Seguimos a la víctima con ágil cámara en mano. El actor Mario Casas (Los 33 -2015, El Practicante -2020), como Dani, transmite su angustia con variados matices. Los roles femeninos de Milena Smit - como la deschavetada ninfómana - y Elizabeth Larena (Vivir sin Permiso, 2018), como la compasiva hermana Laura, se limitan a servir de contraparte al acongojado protagonista.

Para mantener el suspenso le dan demasiados avatares a la trama: terminan sintiéndose algunos forzados y otros gratuitos.

La resolución - para los guionistas y también para nosotros - fue dejar un “final abierto”. Un dilema ético. Así quedamos todos liberados de la moraleja y contentos con el desarrollo de la aventura.

SUSPENSO CON BUEN NIVEL TÉCNICO Y ACTORAL. ENTRETENIDA PARA QUIENES PERDONEN LAS OMSIONES DE LÓGICA.

Ficha técnica

Suspenso, crimen - 2020

BFDistribution 

España - 1,32 hrs. 

Fotografía: Elías M. Félix 

Edición: Alberto Gutiérrez 

Música: Adrian Foulkes, Federico Jusid 

Diseño Prod.: Balter Gallart 

Guion: David Victori, Jordi Vallejo, Clara Viola 

Actores: Mario Casas, Elizabeth Larena, Milena Smit 

Director: David Victori

Negative Space - Por Jackie O.

"La importancia de compartir en familia". 

Es un cortometraje de animación en stop motion francés de Max Porter y Ru Kuwuhata. Fue premiado como Mejor cortometraje en el Festival Internacional de Cine y Música de Richmond el 2018, y nominado al Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación en los 90º Premios de la Academia.

Basado en un poema de Ron Koethke, el cual nos relata como un padre, el cual su trabajo consiste en viajar mucho, hace que esté poco en casa dejando a su esposa e hijos muy seguido.

Va y viene a su hogar, ya que su trabajo lo absorbe. No interactúa lo suficiente con ellos cuando está en casa. No hay tiempo.

El único momento que está más con su hijo, es cuando este último lo acompaña a hacer su maleta para con el tiempo terminar armándosela el muchacho.

Desde muy pequeño este niño aprendió a armar de forma perfecta una maleta, a acomodar las prendas sin que se estropeen y ocupando todos los espacios debidamente. Su padre le enseñó a hacerlo, como no iba a grabarse dicha tarea si era casi lo único que hacía con su padre año tras año.

Sus amigos jugaban en el parque con su padre o salían en familia. Él no, su padre es un hombre ausente en todos los sentidos. Muy trabajador, no descuida la casa en lo económico.

Pasan los años, y cuando este padre fallece, el muchacho ya adulto lo que más le llama la atención en el ataúd es que es bien espacioso. Hay muchos espacios vacíos, ¿pero con que llenarlo?

No solo queda un ataúd vacío en sus esquinas, es que ya no puede ser llenado ningún espacio.

Vacío quedó este joven sin conocer y compartir en profundidad a su padre. Lo mismo este padre, que se fue sin darle tiempo a su familia.

¿Cuán importante es el trabajo en un ser humano?

Lo vemos hoy en día, esto no solo se queda en una metáfora de TV. Cuántas personas trabajan lejos de sus hogares y deben estar en constantes viajes, o llegan todos los días a su hogar tarde sin interactuar con su familia.

Padres y parejas ausentes.

Reitero. Cuán importante es el trabajo constante y sin descanso, al punto de no compartir con quienes amamos?

Sí, todos necesitamos dinero.

Un llamado a la sociedad misma, a los gobiernos, de que debe existir el trabajo digno en cuanto a salarios (aunque para que negarlo, a veces exageramos nosotros mismos en querer tener más y más) pero por sobre todo hay que valorar el tiempo en familia. Para que no queden espacios vacíos en nuestra vida.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Dirigido por Ru Kuwahata y Max Porter
Música por Bram Meindersma
Cinematografía: Nadine Buss y Simon Gesrel
Editado por Max Porter
Fecha de lanzamiento, 13 de junio de 2017
Tiempo de ejecución, 5 minutos
País, Francia

La Carretera - Por Jackie O.

“Una lucha por sobrevivir”.

Sinopsis: Un padre (V.Mortensen) y su hijo de corta edad (K.Smit-McPhee) luchan por la supervivencia en un mundo convertido en un páramo invernal en decadencia tras un cataclismo cuyo origen jamás es determinado. Durante su viaje están buscando un lugar mejor donde radicarse, y se cruzarán con otros supervivientes. 

Basada en la novela del mismo nombre, del autor estadounidense Cormac McCarthy. Se basa esta película post apocalíptica. Una historia inquietante, con muchos momentos emocionales.

Viggo está genial personificando a este padre con una fortaleza extrema, quien junto a su hijo caminan sin descanso por la carretera, con el fin de buscar un lugar mejor, sorteando el frio, hambre y otros seres humanos peligrosos.

Ellos no tienen nombre, son solo seres que deambulan buscando un lugar mejor entre tanto peligro. La incertidumbre pesa sobre este padre y su hijo, ya que no saben si llegarán a su destino que es incierto. Mientras persiguen este destino, él recuerda viejos tiempos, una vida que tuvo o tal vez solo es producto de un sueño y una forma para mitigar esa soledad. Va con su hijo de 13 años, un niño que no conoció el mundo que hubo, solo conoce la desolación.

Para ellos cada día es una nueva batalla que enfrentar, deben sacar fuerzas de donde sea.

Una fotografía con grandes logros técnicos, que retrata una desolación y desamparo del ser humano, en un mundo que ha sido transformado en algo devastador. La ambientación nos muestra nubes y cenizas que mantienen cierta tonalidad brumosa, con fuegos aislados, con un planeta agonizante. Con diálogos cortos, silencios con mucha potencia marcan la soledad y la angustia.

Tensión, drama y por sobre todo muy sobrecogedora.

Una crianza en medio del peligro, que nos hace pensar, que terrible es llegar a un momento en que podemos perder todo y no volver a recuperarlo.

¿Qué podemos hacer cuando la soledad nos invada? ¿Cómo actuar con alguien que dependa de nosotros en circunstancias de peligro?

Seres entregados a sus instintos básicos, y a veces salvajes, de supervivencia producto de la destrucción, olvidando que son seres humanos.

Que sucede en esta época de pandemia en donde se debe estar confinado producto de un virus, y al poder salir lo hacemos irresponsablemente sin la mínima protección, aún con muchas muertes sin al parecer importar. Virus, pandemias que azotan al mundo pudiéndonos perfectamente extinguirnos de a poco. ¿Trágica? Exagerada? Es muy seguro que estamos lejos de lo que relata esta película, pero debemos entender que debemos cuidarnos como seres, cuidar nuestro planeta y valorar el día a día.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: The Road
Dirección: John Hillcoat
Guion Joe Penhall y Cormac McCarthy (novela)
Basada en La carretera de Cormac McCarthy
Música Nick Cave y Warren Ellis
Fotografía Javier Aguirresarobe
Montaje Jon Gregory
Reparto
Viggo Mortensen como el hombre.
Guy Pearce como un padre errante con su familia.
Robert Duvall como un hombre viejo.
Charlize Theron como la mujer de Viggo.
Kodi Smit-McPhee como el niño.
Michael K. Williams como un ladrón.

David Attenborough: una vida en nuestro planeta - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

¿Por qué tenemos que ver este documental? No solo por su espléndido contenido sino porque es un testimonio humano, de primera fuente, de una persona que ha dedicado su vida a contemplar y transmitir la naturaleza del mundo en toda su magnitud. “David Attenborough: una vida en nuestro planeta” es una declaración de principios. Viene de un testigo privilegiado, un hombre que a sus 93 años “ya viene de vuelta”. Y su experiencia conmueve.

El trabajo de los directores Alastair Fothergill, Jonnie Hughes y Keith Scholey comienza con una estación que impacta. Se trata de un lugar cercano a la planta nuclear de Chernobyl, evacuada en forma express luego de quedar inhabitable por la conocida tragedia. David Attenborough emerge allí, casi en las sombras, para recordarnos algo que nunca debemos perder de vista.

Con más de 60 años como naturalista, Attenborough ha viajado por casi todo el planeta. Sus registros, intercalados de diversas maneras en el documental, dan cuenta de los cambios que él ha apreciado personalmente en el tiempo. La biodiversidad se ha degenerado raudamente, de joven encontraba formas exótica, hoy prácticamente ya no existen.

Las imágenes son innegables. La retrospectiva no miente. Al contrario, acusa y lo hace de forma alarmante. Los océanos se han vaciado, los corales han ido muriendo, los peces han sido capturados en algunos casos hasta su extinción. Qué decir de selvas tropicales, vegetación silvestre, bosques nativos. Cada vez existe menos diversidad y cada vez hay más uniformidad de árboles para cultivo de aceite o madera. Seguimos arrasado la naturaleza.

David Attenborough es claro en su planteamiento. Esta es una crisis terminal y lo que se pronostica para las próximas décadas es sencillamente el fin; una nueva extinción masiva que se acerca a pasos agigantados. Hasta acá la denuncia es bastante similar a lo que conocemos, a las alertas emitidas por tantas organizaciones, personas, científicos y expertos que parecen no ser tomadas en cuenta por quienes deben tomar las decisiones más importantes sobre nuestro futuro.

Pero la tesis de “David Attenborough: una vida en nuestro planeta” no solo se queda en una denuncia. Lo más interesante de la propuesta es enunciar la base de un cambio; cambio individual, local, global. Así, el documentalista propone ejemplos vibrantes y exitosos; restricciones de pesca en la costa de Palau, agricultura sostenible en los Países Bajos, entre muchos otros.

La súplica de este carismático personaje es a revertir el ciclo, a producir el cambio porque aun es posible hacerlo. El llamado es a tomar verdadera conciencia que estamos matando nuestra casa, estamos liquidando las condiciones excepcionales que tenemos para la vida y finalmente provocaremos con ello nuestra propia extinción. Y es notable que el mensaje de fondo señale que seremos nosotros nuestras propias víctimas porque si nos extinguimos, la vida buscará nuevas formas de surgir -y ejemplos están por todas partes en este trabajo que contiene asombrosas fotografías y una edición deslumbrante- y finalmente se sobrepondrá a nuestros errores convirtiendo el desierto desolado en un exuberante paraíso de vida silvestre pero obviamente sin nosotros, los humanos.

¿Estamos a tiempo? Para David Attenborough aun podemos enmendar el rumbo y tomar decisiones correctas. Depende de nosotros aportar al cambio global. Es de esperar que estemos a la altura del desafío. 

Ficha técnica

Título original: David Attenborough: A Life on Our Planet
Año: 2020
Duración: 83 minutos
País: Estados Unidos
Música: Steven Price
Fotografía: Gavin Thurston
Reparto: Documental (intervenciones de: David Attenborough)
Productora: Altitude Film Entertainment, Netflix, Silverback Films, World Wildlife Fund. Distribuida por Netflix
Género: Documental | Naturaleza
Dirección: Alastair Fothergill, Jonathan Hughes, Keith Scholey

Los Chicos de la Banda - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Un clásico teatral Off- Broadway en la década de los 60. El dramaturgo Mart Crowley abordó el drama de los homosexuales con tal maestría que la obra se replicó pronto en los mayores escenarios del mundo.

Similar éxito tuvo la película homónima dirigida por William Friedkin en 1970.

A quienes nunca vieron la versión teatral ni ese filme, esta versión del 2020 los impactará por su riqueza dramatúrgica y la penosa tragicomedia que denuncia. Pero los originales nos parecieron aún más poderosos y logrados.

Siete amigos homosexuales se reúnen en el departamento de Michael (Jim Parsons) para celebrar el cumpleaños de Harold (Zachary Quinto), el más elegante, cínico e insolente de todos ellos.

A la fiesta se incorporan - por casualidad - dos nuevos individuos que influirán en el catártico desenlace.

La historia sucede en una época en que dicha condición era aún motivo de escándalo, desprecio y rechazo. Para comprender y empatizar con esos personajes es necesario prescindir del destape mundial que los movimientos de LGBT han logrado después en casi todas las sociedades contemporáneas.

Cada uno de estos 9 individuos representa un caso distinto y particular de sentir, afrontar y llevar su inclinación en un mundo oficialmente adverso.

Aunque fingen estarse divirtiendo, brotan inevitables ironías envueltas en juegos crueles e insultos solapados. Es imposible impedir que el dolor oculto en el corazón de cada uno emerja como un dardo venenoso y mordaz contra los demás.

Lo que siempre está en juego es la honestidad para reconocerse homosexuales. Algunos son más valientes que otros. Deben luchar con la mentira hacia afuera o contra sí mismos.

Con la excepción de algunos “raccontos” - para explicar traumas de infancia - todo sucede esa noche en aquel departamento en lo alto de un edificio de Nueva York. La variedad de personajes cubre una gama que va desde un distinguido profesor universitario hasta un negro, un latino, y un ingenuo prostituto vestido de vaquero contratado sólo para ir a besar en la boca al homenajeado. Cada uno, a su manera, y en su lenguaje, expone su tormento y tantea la forma de seguir adelante con su vida diaria.

El más protagónico es Michael como dueño de casa. Se arrepiente de haber desatado el Juego de Verdades y haber herido a casi todos sus compañeros. Explica que son crueles porque se odian a sí mismos. Dice citando: “Muéstrame un homosexual feliz y te mostraré el cadáver de un gay”.

El catolicismo de Michael le tiene trastornada la mente con CULPA y DERROTA. Igual, sólo le queda refugiarse en la misma religión.

Como corolario, seguirán acompañándose - y agrediéndose unos a otros por ser iguales - lo acepten, lo oculten, o lo nieguen.

DRAMA CLÁSICO DE NUESTROS TIEMPOS QUE YA VISLUMBRA HORIZONTES DE MAYOR TOLERANCIA E INCLUSIÓN. EXCELENTE DRAMATURGIA. 

Ficha técnica                                                                                                                      

Título Original: The Boys in the Band

2020 Tragicomedia, homosexualidad EE.UU. - 2,01 hrs. 

Fotografía: Bill Pope 

Edición: Adriaan van Zyl 

Diseño Prod.: Judy Becker 

Guion: Mart Crowley y Ned Martel Actores: Jim Parsons, Zachary Quinto, Matt Bomer 

Director: Joe Montello

Jorge Novak - Siclum Apostol - Por Juan Pablo Donoso

Bello documental argentino que difícilmente podría suscitar objeciones. 

Se trata del fallecido obispo de Quilmes - Jorge Novak S.V.D. - cuya causa de beatificación se encuentra en proceso muy avanzado en el Vaticano.

Fue el primer obispo de aquella diócesis. Desde que asumió su cargo - en 1976 - se destacó por su amor hacia los más pobres, y por su enérgica defensa de los derechos humanos durante la dictadura cívico-militar autodenominada Proceso de Reorganización Nacional. Fue además cofundador del Movimiento Ecuménico por los Derechos Humanos.

Aunque ostentaba el título de Doctor en Historia de la Iglesia, obtenido en Roma poco después de su ordenación, rechazó desde un comienzo toda postura acomodaticia con el Gobierno. Siempre estuvo junto a los más necesitados y los perseguidos.

Al crearse la nueva díócesis declaró públicamente: “Yo abrí las puertas del obispado, y entró un río de dolor”. Y jamás, hasta su muerte en 2001, dejó de luchar contra los abusos ni consolar a los afligidos. “Las primeras personas que me golpearon la puerta fueron las madres de los desaparecidos, y eso me cambió la vida”.

En la película muchos dan testimonio de su mística y de su obra. Parientes y colaboradores dicen: “El pastor da la vida por sus ovejas” y como buen pastor lo cumplía”. Otros agregan que durante varios períodos políticos hubo en el país un progresivo “Genocidio social” y lo citan expresando: “La Iglesia que no está enclavada en la Historia de cada día, no es Iglesia”.

Concretó en Quilmes su Mística en base a 4 objetivos: 1) Opción por los pobres, 2) la misión evangelizadora, 3) la causa de los Derechos Humanos (y humanitarios), y 4) el ecumenismo Sinodal - SÍNODO = un caminar juntos como Iglesia. (1981 - 83).

Ante el temor e ignorancia de tantas familias campesinas dio curso a la Misión con las Carpas, con suelo de tierra o pasto, para atraer a los más humildes que temían ingresar a un templo… y menos a una Catedral.

En sus últimos años lo afectó el síndrome de Guillian-Barré: parálisis del cuerpo, pero con plena lucidez mental. Y en silla de ruedas siguió celebrando misas, recorriendo los campos, denunciando el secuestro de personas y acompañando a esas madres desoladas e impotentes ante la autoridad.

Falleció a los 73 años dejando un legado de coraje, justicia y amor cuyos sucesores continúan ejerciendo hasta hoy.

El documental es grato, ameno y cercano. Bellísimos paisajes de la región, en especial los atardeceres, usados como nexos para cambiar de capítulos. Sólo ignoramos qué significa el inserto tan largo de niños y niñitas alemanas jugando y bailando bajo el sol.

Cordial mensaje del Papa Francisco en pro de la canonización de Novak.

Ver en Vimeo:  https://vimeo.com/422590088 

POTENTE DOCUMENTAL SOBRE UN OBISPO ARGENTINO MUY BIEN TITULADO SICLUM APOSTOL (Apóstol del Siglo). 

Ficha técnica                                                                                                

Documental. Biografía. Catolicismo - 2020 Argentina - 0,57 hrs. 

SIGNIS ARGENTINA 

Operadora de Drones: Mayra Albornoz 

Edición: Sergio Flamminio 

Música: Pablo Pol, Baccaro, Marcelo Cecel Alves 

Guion: Natalia Soledad Segura, Adrián Baccaro 

Testigos: Pdre. Arlindo Pereyra Díaz, Tarcisio Novak, Alberto Bahl, Carlos Custer, Damián Alvarado, Teresa Novak 

Dirección: Adrián Baccaro

Pienso en el final - Por Jackie O.

“La soledad y la locura. Un proceso doloroso de indecisiones y falta de riesgos”. 

Es bueno siempre saber quien escribe y dirige una película para saber a lo que vamos, y eso no significa que seamos más o menos inteligentes que otro, pues el arte también trata de sentimientos, de lo que captas, de lo que crees.

Por lo que esta película puede ser confusa o aburrida para muchos, ya que debes estar muy atento porque no es lineal, no es la típica historia, mantiene saltos temporales, es la mente, los sentimientos.

La vida se mueve entre el pasado, el presente y/o futuro, debemos estar atentos. Todo ocurre en la mente de una persona, una mente donde los pensamientos se mueven a la velocidad de la luz.

Su estilo es denso y tenso a la vez.

Vemos a una chica que lleva dos meses de pololeo/noviazgo con un sujeto que la lleva a conocer a sus padres, un viaje aburrido para ella, de mucho pensar en qué está haciendo.

Un viaje que al llegar a su destino es un desastre, donde quiere solo huir, donde ve muerte, desolación, soledad e incomodidad.

Ella solo quiere escapar de ese lugar.

¿Qué sucede? ¿lo estoy soñando? ¿qué ha pasado? Hay que salir de aquí.

Un drama psicológico que no debe nadie pestañear, que los sentidos deben estar alertas.

Que su guion nos enloquece con sus alegorías a diversas películas, libros, artistas y personajes, donde las imágenes nos pueden confundir.

Técnicamente es muy interesante pues con los colores, escenario, ropas y la comida no están puestos al azar, nos muestra el tiempo y los ánimos.

La psicológica, la locura, la mente que nos juega mil pasadas buenas y malas. Recuerdos, sueños, arrepentimientos, temores, y mucho más.

Porque la vida hay que sostenerla con la misma fuerza que las cadenas en la nieve.

Finalmente vemos la triste realidad de una persona olvidada. Un ser introvertido que no consiguió nada.

Una película que no pasará inadvertida.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Fecha de estreno: septiembre de 2020
Director: Charlie Kaufman
Adaptaciones de: I'm Thinking of Ending Things
Guion: Charlie Kaufman
Cinematografía: Łukasz Żal

¿Por qué no te mueres? - Por Jackie O.

“1, 2, 3 que el diablo no me dé”. 

Sinopsis: Las cosas no salen según lo planeado cuando una joven le pide a su novio que mate a su padre, un sujeto sorprendentemente fuerte y resistente. 

Directores como Lev Kuleshov, Aleksandr Sokúrov, Serguéi Eizenshtéin (con frecuencia escrito “Eisenstein”), y Dziga Vertov son grandes nombres del cine ruso, con grandes cintas. Y a este joven director ruso hay que comenzar a ponerle atención.

Ya que esta comedia negra me sorprendió, lamentablemente ha pasado inadvertida.

¿"Why don't you just die?, se basa en los estilos cinematográficos de los directores favoritos de este joven cineasta: Sergio Leone, Martin McDonagh, Park Chan-wook, Martin Scorsese y, por supuesto, Quentin Tarantino. Según lo que expresó en una entrevista.

En este el primer largometraje de este joven director, supo efectuar una buena mezcla de comedia negra, acción y tensión. Dándonos los primeros, de varios, 8 minutos de frenetismo violento al comenzar la cinta. Con unos cuantos personajes y poquísimos escenarios, principalmente uno, logra recrear una adrenalinica situación provocada por el engaño y la ambición.

Tenemos a un padre agresivo y dominante, una madre sumisa y poco colaborado en hacer cambios en su entorno, una hija ambiciosa, un joven enamorado, y el amigo del padre un policía corrupto.

Todo gira en torno a un dinero mal habido del padre con su amigo, la hija le miente al enamorado para que éste vaya a matar a su padre, pero ella solo quiere el dinero. Desatándose el caos en dicho hogar.

La narrativa está contadas en capítulos para entender que pasa con cada uno de nuestros protagonistas. Un buen montaje. Los mejores momentos son cuando hay silencios, provocando una atmosfera tensa.

El director crea una estética personal con un guion que mantiene un humor negro, mucha violencia física explicita con sangre exagerada (tipo Tarantino), vocabulario agresivo, tensión en las miradas llevadas al máximo (tipo wester de Leone), y nos muestra a gente sin moral. Lo que la hace una película para mayores de edad.

La música empleada es una mezcla de géneros musicales, bien incorporados de acuerdo a la situación que se presente. Además de buenos efectos especiales y maquillaje.

Destaco las interpretaciones de los adultos, Vitaily Khaev como el Padre agresivo, y de Elena Shevchenko, la madre sometida. A los jóvenes les falta más credibilidad en su actuar.

Hay una paleta de colores mezclada con las luces que hacen de una fotografía espectacular.

Una comedia sarcástica, violenta, mucho gore, de montaje frenético y con giros argumentales, un films exagerado muy bien armado técnicamente.

Una cinta que nos muestra gente inmoral, llevados solos por la ambición, en donde el único honesto al final es el joven, quien por amor y bajo el engaño de su novia hace un acto violento solo para ayudarla a ella. 

¿Qué sucederá al final? Hay que verla, porque vale la pena y se pasa volando el tiempo.

Disponible en Movistar Play.

Ficha técnica

Título original: Papa, sdokhni 
Director y guion: Kirill Sokolov
Cinematografía: Dmitry Ulyukaev
Año: 2018 

País: Rusia

Duración: 1,40 hr.
Reparto: Aleksandr Kuznetsov, Vitali Khayev, Evgeniya Kregzhde, Michael Gorevoy, Yelena Shevchenko, Igor Grabuzov ...
Género: Thriller. Comedia negra

Loco y estúpido amor - Por Jackie O.

“El amor es loco y a veces nos poner estúpidos… dicen”.

Cal tiene la vida perfecta, lleva casado con Emily 25 años, mantiene un buen trabajo, lindos hijos, una bella casa; pero llega el momento en que Emily le pide el divorcio de forma inesperada dejando atónito a nuestro enamorado Cal. Emily le confiesa una aventura con un compañero de trabajo, David.

Atónito al máximo debe irse de su casa cayendo en depresión, y comienza a ir diariamente al mismo bar a llorar sus penas.

En una de esas noches conoce a un galán de galanes, un don juan, ese hombre apuesto, bien vestido, con recursos económicos, simpatía y el don de la palabra llamado Jacob. Éste le pide que deje de lamentarse y haga algo con su vida. Así comienza Jacob a enseñarle a Cal todos aquellos secretos para conquistar a una mujer. Además de que comience cambiando su actitud y aspecto.

En el mismo bar, Jacob conoce a una hermosa mujer, siendo la primera que lo ignora, una hermosa e inteligente egresada de derecho llamada Hannah, la cual tiene un novio muy torpe.

Por otro lado Emily sigue saliendo con Jacob, sus hijos están con ella por ser menores de edad, pero los cuida una adolecente niñera. Sin dejar de mencionar que su hijo de 13 años está enamorado de esa niñera, pero ella tiene sus ojos posados en otra persona.

Todo va bien, Cal ya tiene su autoestima en alto al lograr conquistar a una chica llamada Kate, y de ahí una y otra mujer caen rendidas a sus pies, está feliz con su amistad con Jacob el hombre que lo salvó de la depresión. Pero aun así, en silencio sigue enamorado de su esposa y quiere estar con ella. 

Enredos por aquí y por allá ya que resulta que casi todos los personajes están conectados uno con el otro sin saber, algo que es fácil darse cuenta ya que como dije es una película predecible pero no aburrida.

La película resulta agradable verla por su gran elenco y saber entrelazar las historias que nos cuentan. Una comedia romántica que habla del primer amor, del amor prohibido, del amor adulto, del flechazo, del amor fugaz, de la búsqueda del amor y de las decepciones. Incluso de la monotonía de la vida cuando creemos que la relación de pareja está “segura”.

En que pudo fallar para mí, recuerden que el arte tiene apreciaciones diferentes, es en su final. Su correcto final al punto de ser forzado. A que me refiero, para no entrar en spoiler, a que hacen lo obvio sin arriesgarse las parejas a tomar cada quien otros rumbos.

Lo bueno: el elenco incluso aquellos en donde su participación fue mínima (Kevin y Marisa), y la parte casi final en donde todo se enteran del enredo en casa de Emily.

Una entretenida película disponible en YouTube.

Ficha técnica

Dirección: Glenn Ficarra Y John Requa
Guion: Dan Fogelman
País: EEUU Año 2011
Género: Comedia romántica
Duración: 118 minutos
Música: Christophe Beck y Nick Urata
Fotografía: Andrew Dunn
Montaje: Lee Haxall
Elenco
Steve Carell como Cal Weaver.​
Ryan Gosling como Jacob Palmer.
Julianne Moore como Emily Weaver.
Emma Stone como Hannah Weaver.​
Jonah Bobo como Robbie Weaver.
Analeigh Tipton como Jessica Riley.
Marisa Tomei como Kate Tafferty.
Kevin Bacon como David Lindhagen.

The Children Act - Por Carlos Correa

Disponible en Amazon Prime. 

Esta película merece atención. Basada en la novela de Ian McEwan y adaptada al cine por el mismo autor, presenta la historia de Fiona Maye -Emma Thompson-, jueza de la División de Familia del Tribunal Superior de Justicia de Inglaterra y Gales. Fiona debe tomar decisiones importantes en el Tribunal, la mayoría de las veces referidas a casos complejos, donde la ética y la moral se vinculan con fuerza a los hechos que se presentan a juicio. En su vida personal, Fiona vive con su marido, el académico Jack Maye -Stanley Tucci-, con quien lleva casada más de 20 años, pero el matrimonio está en crisis; Jack reclama atención, ella no tiene tiempo para él.

A la corte de la jueza Maye llega un caso muy particular. Un joven de 17 años, Adam Henry -Fionn Whitehead-, padece leucemia. El hospital donde es atendido debe realizar una transfusión de sangre para poder efectuar el tratamiento completo. El joven y sus padres se niegan, son Testigos de Jehová y no lo aceptan porque va en contra de sus principios bíblicos. Ante esta disyuntiva, la jueza decide visitar a Adam en el hospital para conocer directamente su versión y así tomar una decisión.

Esta cinta está basada en valores. Lo que está en juego es precisamente un conflicto valórico de la mayor trascendencia. Por un lado la posición de la familia. Su libertad implica decidir si aceptan o rechazan el tratamiento. Es bastante claro que ese principio es fundamental, salvo el hecho que el joven es aun menor de edad, todavía no cumple 18 años, por lo que está a cargo de sus padres y legalmente no tiene la posibilidad de ser autónomo en su decisión. Aquello complica las cosas porque desde la otra parte tenemos la impugnación del hospital y del equipo médico para hacer todo lo posible por salvar su vida. Se sabe que sin el tratamiento, sin la transfusión, lo que viene es la muerte.

Este choque de valores, la libertad por una parte y la defensa de la vida por la otra, es tremendo. Mientras escuchamos los alegatos, es fácil coincidir con ambas partes. Los argumentos son de peso y ambos tienen razones fundadas y atendibles desde muchos puntos de vista. ¿Cómo se decide lo que es justo? ¿Cómo se puede aplicar justicia cuando se reclaman dos posiciones que tienen valor y verdad en sí mismas? Difícil tarea para un Tribunal y más aun para la persona que debe tomar la decisión. Es un dilema ético, valórico, social y humano de envergadura mayor.

Por cierto que en este conflicto tenemos la presencia de otros valores. Se trata del sentido de la vida, el vacío existencial cuando se está frente a una enfermedad grave. También cómo las enseñanzas religiosas influyen en la visión de una condición y las consecuencias que acarrea su tratamiento. Hay temor. Los padres saben que si autorizan la transfusión serán rechazados por su comunidad. Es crudo, no parece haber opción posible. Adam está convencido también. Prefiere morir y aceptar las consecuencias de la decisión de sus padres pues también la ha hecho propia.

Observamos una búsqueda de sentido, una ilusión y un sueño detrás del rechazo al tratamiento, pero también una contradicción, que no es evidente, pero que está presente en este joven de 17 años. Una decisión autónoma depende de la edad, y en este caso, él no tiene esa posibilidad. Otros deben decidir por él.

La película cuenta con actuaciones muy precisas. Emma Thompson interpreta su papel con seguridad y convicción, Stanley Tucci, si bien tiene un rol de soporte, entrega un plano personal importante y decisivo, mientras que Fionn Whitehead construye su personaje con una delicada complejidad, sin exagerar y dejando mucho espacio para que sus sentimientos fluyan adecuadamente.

El sentido de la cinta es apreciable desde varios ángulos. Junto al dilema valórico principal, se presentan otros que también tienen trascendencia moral. Es el caso de la crisis matrimonial de Fiona y Jack. Este conflicto, aparentemente menor en relación al primero, es relevante porque cruza transversalmente el relato. El arte se hace presente también, como una forma de conexión íntima con el ser, como un valor sustancial. Fiona toca el piano y también en ocasiones canta. En dúo con la voz lírica de otro abogado, su emoción artística es mayor que su expresión emocional como jueza, dejando traslucir conflictos interiores que no han sido resueltos y un nivel de contradicción imposible de ocultar. Cerca del final, una música paralela y superpuesta expresa inmejorablemente los sentimientos encontrados que conflictúan a la protagonista. Es de los momentos mejor logrados, porque la música entrega sentido y marca el camino hacia la resolución de la historia.

“The Children Act” tiene también mucho de arte, poesía y música. Podemos verla como una lección y una enseñanza. El conflicto de valores, si bien se inclina por un camino, no se resuelve porque es algo imposible de zanjar, menos en una sentencia judicial. “Mi elección”, “libre”, palabras en boca de Adam, cobran sentido en una conclusión que nos dejará con más dudas que certezas. Un plano abierto, que lentamente cobra altura y se aleja, cierra un trabajo que abre paso a una profunda reflexión.

Ficha técnica

Título original: The Children Act
Año: 2017
Duración: 105 minutos
País: Reino Unido
Productora: BBC Films, Filmnation Entertainment, Toledo Productions
Género: Drama | Drama judicial. Enfermedad
Guion: Ian McEwan (Novela: Ian McEwan)
Música: Stephen Warbeck
Fotografía: Andrew Dunn
Reparto: Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead, Jason Watkins, Ben Chaplin, Rupert Vansittart, Anthony Calf, Rosie Cavaliero, Andrew Havill, Nicholas Jones, Dominic Carter, Micah Balfour, Nikki Amuka-Bird, Des McAleer, Eileen Walsh, Alex Felton, Honey Holmes, Chris Wilson, Daniel Eghan, Flor Ferraco, Ty Hurley
Dirección: Richard Eyre