Clean - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

La premisa es sencilla, presenta la historia de un basurero apodado “Clean” -Adrien Brody-, quien desempeña un trabajo rutinario en zonas peligrosas de Utica, Nueva York. Entre bandas criminales y delincuencia callejera, Dianda, una adolescente que vive sola con su abuela -interpretada por Chandler DuPont-, viene a ser la protegida del protagonista. Él está siempre pendiente e intenta ayudarla de diferentes maneras.

El barrio es complejo. El negocio de las drogas está desatado, y el jefe del sector, Michael -Glenn Fleshler-, lo lidera con especial rudeza. Es quizá por eso que la debilidad de su hijo Mikey lo saca de quicio y es algo que simplemente no acepta. En las calles se hace carne la ley del más fuerte, del que grita más alto y también la del que golpea o dispara primero, en una suerte de selva sobre cemento, donde la violencia se combate con más violencia, y solo sobrevive quien está dispuesto a arriesgarse y sortear con éxito las condiciones del entorno.

El nudo del conflicto tarda bastante en aparecer, y es predecible. Obviamente, Clean y Michael se van a cruzar, pero tal vez de un modo diferente, porque avanzando el metraje conocemos chispazos de la vida anterior de Clean, quien, sin duda, no ha estado exento de eventos de extrema violencia. Es cosa de tiempo para que los fantasmas del pasado que aun le atormentan, emerjan por defender a su protegida, dejando al descubierto cicatrices y heridas que no han sanado, y que están lejos de ser superadas.

Dirigida con mucha parsimonia por Paul Solet, este filme es de esas películas cortas que desafortunadamente se hacen largas. Le juega en contra que le entregue demasiado peso a la actuación de Brody -actor, coguionista, productor ejecutivo-, y que tome demasiado tiempo en configurar su escenario. Es más, cuando se decide a actuar, es decir, pasar concretamente a la acción, ya es tarde. Tanto se venía anticipando lo que ocurriría que ya no sorprende y tampoco logra conquistar nuestra atención.

Hay un trasfondo importante en la historia, pero aquello no se transmite. El pasado se deja entrever, es difuso y tormentoso, implica mucho sufrimiento y pérdidas irreparables para el personaje de Brody quien lo actúa muy bien porque dice mucho con su mirada y con sus ojos, pero aún así eso no se logra traspasar al relato. Me parece que, además, contiene baches narrativos importantes y un ritmo irregular que no le permite equilibrar correctamente el desarrollo del metraje.

“Clean” tiene como portaviones a Adrien Brody, pero no alcanza a levantar el vuelo. Es una película que queda al debe, que podría haber quedado mejor resuelta y que, también, podría haber resultado un tanto más atractiva. Cine para una tarde sin ninguna otra opción a la vista, con Adrien Brody como su mayor activo y al que, pese a no despuntar, siempre resulta interesante de observar.

Ficha técnica

Título original: Clean
Año: 2021
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Adrien Brody, Daniel Sollinger
Género: Drama. Thriller | Crimen
Guion: Paul Solet, Adrien Brody
Música: Nick Fevola, Steve Juliani, Steve Kempster, Austin Wintory
Fotografía: Zoran Popovic
Reparto: Adrien Brody, Glenn Fleshler, Richie Merritt, Chandler DuPont, Michelle Wilson, John Bianco, Dinora Walcott, Pat Buck, Aaron Callahan, Michael Callahan, Sonia Conlin, Gerard Cordero, Alex Corrado
Dirección: Paul Solet

El Proyecto Florida - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Mubi.

Una obra atípica que nos atrapa desde el comienzo. Más aún por la realidad que expone, y por el encanto y conmiseración que sus personajes nos despiertan.  

Tratamiento neorrealista a la manera estadounidense. Humor cotidiano que esconde un drama subyacente. 

Para ocultar su tenue argumento, opta por hacernos acompañar durante mucho rato a los niños de un condominio pobre en sus juegos y pillerías. Nos evoca aquellas inocentes series de los años 40 llamadas Little Rascals (Pequeños Traviesos). Pero con mucha más crudeza. Ahora, esos niños tienen como trasfondo las amargas realidades de sus mayores.  

Siendo casi todos los personajes muy verosímiles, los principales serían Halley (magistral interpretación de Bria Vinaite), una joven y desinhibida madre soltera de una pequeñita de 7 u 8 años llamada Moonee (admirable Brooklynn Prince) quienes sobreviven el día a día en medio de otros también pobres vecinos del vecindario. 

El conserje, gozosamente interpretado por el famoso Willem Dafoe ( La Última Tentación de Cristo), intenta mantener con dificultad el orden en aquella comunidad proletaria. Para ello recurre a la severidad, pero también a la compasión por esos seres con tan pocas posibilidades de mejorar su nivel de existencia. Hasta asume el rol de padre putativo para proteger a esos niños que disfrutan con inocencia del verano en un barrio contiguo a Disneylandia en Orlando, Florida. 

Y cuando aludimos a una especie de neorrealismo, nos referimos al bajo presupuesto de la película, y a que gran parte se filmó usando un celular. La clara motivación humanitaria de su creador y editor, Sean Baker, (Mandarina - 2015, Cohete Rojo - 2021) le permitió captar momentos impagables de improvisación, y rearmar varias secuencias en beneficio de la autenticidad que iba captando. Sólo así pudo lograr tanta verdad en niños tan pequeños, y tan viscerales reacciones en actores más experimentados. 

Incluso acertó dejando la resolución abierta para que el destino - y/o la Divina Providencia - se encargaran del futuro de esas niñitas provenientes de tantos hogares disfuncionales enclavados en uno de los centros millonarios más visitados por los turistas de todo el mundo.  

Un doloroso contraste que casi nadie ve.  

TODO QUEDÓ BIEN HECHO. ESPONTANEA. CERTERA EN SU RETRATO SOCIAL, Y REBOSANTE DE AMOR POR SUS PERSONAJES DESVALIDOS. 

Ficha técnica    

Título Original: The Florida Project

2017 Drama social EE.UU. - 1,51 hrs. 

Fotografía: Alexis Zabe 

Edición: Sean Baker 

Música: Lorne Balfe 

Diseño Prod.: Stephonik 

Guion: Sean Baker, Chris Bergoch 

Actores: Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Willem Dafoe 

Director: Sean Baker 

Bestia - Por Jackie O.

"¿Quién es la bestia?"

El Dr. Nate Samuels, quien acaba de enviudar , junto a sus hijas adolescentes Meredith y Norah, llegan a la Reserva de Mopani en Sudáfrica para pasar unas vacaciones.
Nate ahí se reúne con un viejo amigo, Martin Battles, biólogo y gerente del lugar. Y estando en el lugar , concurren de paseo al pueblo donde creció la esposa de Nate. Dicho viaje tiene como fin, que Nate pueda reencontrarse con sus hijas, sin saber que se transformarían en unas vacaciones terroríficas .

Un viudo, quien se culpa de haberse separado de su esposa justo antes de que falleciera, y a eso le agregamos que su hija mayor lo recrimina por ello, cree que un paseo familiar, en las tierras de la madre, los podrá acercar como familia. En dicho lugar, con parajes hermosos, salen de excursión a lugares donde no habría problemas, pero estaban equivocados, pues un feroz león está cazando a todo lo que se mueve.

Pero esto no comienza ahí. La película nos muestra, en los primeros minutos, escenas escalofriantes de ataque y muerte, donde cazadores ilegales destruyen manadas con sus ataques. Eso hace que un león, al quedar solitario, cobre su venganza natural; al calor y ferocidad del lugar, nadie está a salvo.

Una película que nos muestra una drama familiar, pero también la horrible matanza de animales ante despiadados cazadores, además de quienes pagan por obtener partes de esos animales.

Violencia sangrienta física, y violencia en esas personas que dañan la naturaleza.

Los efectos visuales estaban buenos, el león protagonista se veía muy real, aunque la pelea final muy irreal, pero se perdona, ante un guion simple pero muy bien armado.
En cuanto a las actuaciones, todas buenas menos, para mí, las niñas, a quienes no encontré naturales al actuar.
Movimientos de cámara muy acertados, como su fotografía y dirección.
Una película que entretiene.

Ficha técnica

Beast
Dirigido por Baltasar Kormákur
Guión: Porryan engle
Historia de James Primak Sullivan
93 minutos. 

Estados Unidos

2022
Idris Elba, Dr. Nate Samuels
Iyana Halley, Meredith Samuels
Leah Sava Jeffries, Norah Samuels
Sharlto Copley, Martin Battles

Crimes of the future - Por Carlos Correa

Disponible en Mubi.

No se guarda nada David Cronenberg en su nueva cinta. Estamos ante una película comprometida y visceral que resulta tan incómoda como provocativa. Es ciencia ficción pura, pero muy conectada con la biotecnología, con la interacción máquinas-humanos, dando cuenta de una evolución biológica impensada. En un mundo del futuro que Cronenberg tiñe con una capa de denuncia, observamos una cinta de horror y terror cuyo centro está configurado por diversas “performances artísticas” que demuestran claramente un gran cúmulo de obsesiones.

La pareja central está compuesta por Saul Tenser -Viggo Mortensen-, y su compañera Caprice -Léa Seydoux-. Ambos montan cuidados espectáculos que revelan la metamorfosis producida en algunos órganos de Saul. Crecimientos anormales y mutaciones sustantivas, se transforman en una particular forma de vanguardia cuando las extracciones se realizan “en vivo” y en un ambiente calculado que está en la mira de las autoridades gubernamentales.

Cuando Timlin -Kristen Stewart-, una investigadora a cargo de seguir de cerca sus pasos, toma contacto con Tenser, logramos darle sentido al crudo inicio del relato: hay un grupo de personas, evolucionistas radicales, cuyo fin es revelar lo que viene, la próxima etapa de la especie humana; han modificado su aparato digestivo para nutrirse de plásticos y residuos. Por eso es que Timlin busca a Saul, para que se involucre, se infiltre, sin siquiera sospechar que esta comunidad, a través de su líder Lang -Scott Speedman -, también quiere utilizar al artista para dar a conocer su trabajo.

El metraje es cine de autor, ciertamente, y tiene el sello Cronenberg estampado en sus 107 minutos de duración. Mediante una anticipación de un futuro sin fecha, el realizador expone una nueva cultura que puede ser tanto adaptativa como regenerativa. Desde allí emerge su denuncia sobre este mundo que estamos, al mismo tiempo, transformando y destruyendo; Cronenberg propone el cómo responde la evolución natural ante aquello, y también la forma cómo operan las pulsiones más oscuras del ser humano ante circunstancias que comienzan, poco a poco, a escapar de su control.

Con un equipo actoral vigoroso más una notable banda sonora, una brillante composición, y un montaje con efectos especiales vibrantes, visualizamos una película que, considero, no es apta para todo público. Naturalmente se sale de cualquier espacio de confort y por momentos se hace difícil de ver, tal vez provocando distancia o incluso repulsión. Sin embargo, es justamente allí donde radica su mayor valor artístico, porque plantea una tesis transgresora que es, al mismo tiempo, desafiante y atractiva. “Crimes of the Future” recomiendo verla, discernirla y comentarla con tiempo, y reposadamente.

Ficha técnica

Título original: Crimes of the Future
Año: 2022
Duración: 107 minutos
País: Canadá
Productora: Coproducción Canadá-Grecia-Reino Unido-Francia; Serendipity Point Films, Argonauts Productions S.A, Ingenious Media, Téléfilm Canada, Bell Media, Canadian Broadcasting Corporation (CBC), Ekome, The Harold Greenberg Fund
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Terror
Guion: David Cronenberg
Música: Howard Shore
Fotografía: Douglas Koch
Reparto: Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart, Scott Speedman, Welket Bungué, Don McKellar, Lihi Kornowski, Tanaya Beatty, Nadia Litz, Yorgos Karamihos, Yorgos Pirpassopoulos, Denise Capezza, Ephie Kantza, Jason Bitter
Dirección: David Cronenberg

¡NOP! - Por Juan Pablo Donoso

El autor nunca decidió si hacer una sátira de ciencia-ficción, un relato de misterio, un filme de vaqueros, un thriller de suspenso o una pesadilla surrealista. Tiene de todo un poco, pero sin médula central.

¿Sabría Jordan Peele (Nosotros -2019, ¡Déjame Salir-2017) lo que quería comunicarnos o, simplemente, tiró de un “cuantuay” a la parrilla para que nos quedáramos con lo que más nos impresionara?

En la hacienda de unos criadores afroamericanos de caballos para el cine, empiezan a caer súbitos dardos desde el cielo. Y más tarde, escondido en una nube inmóvil hay un platillo volador que, cuando decide salir, se traga a las personas que lo miran o se le ponen debajo… y nunca más las devuelve.

¿Cómo registrar y/o huir de tan siniestro glotón? De eso trata la película, pasando por múltiples torpezas, peleas y vacilaciones.

A ratos se pone ágil e inquietante, luego se ralenta y alarga, para llegar a una resolución tan caprichosa como todo lo que ya vimos.

Tanto los actores negros como los vaqueros chinos (¿?) de California parecen divertirse con esta especie de pesadilla del autor. Tal vez la soñó y con lo que recuerda armó el guion.

Por su extraño vocabulario nos resulta difícil identificarnos con cualquiera de los personajes. Sus reacciones son más erráticas que coherentes. Para colmo nos inician - y preparan el ánimo - con un chimpancé asesino que poco tiene que ver con el resto de la catástrofe.

Los chistes sucumben porque caen fuera de contexto. Parecieran decirnos “¡Cuidadito, no se vayan a reír con esto!”.

Con razón la llamaron en inglés “Nope!” que en chileno sería “¡Si puh!!”… o lo que Uds. quieran entender.

ACTUACIONES POTENCIALMENTE ÁGILES DESPERDIGADAS EN DEMASIADAS FANTASÍAS SONORAS, EFECTOS ESPECIALES Y, TAL VEZ, ALGO DE COMEDIA NEGRA.

Ficha técnica

Título Original: Nope

2022 Tragicomedia, misterio, ciencia ficción 

EE.UU., Japón - 2,10 hrs. 

Fotografía: Hoyte Van Hoytema 

Edición: Nicholas Monsour Música: Michael Abels 

Diseño Prod.: Ruth De Jong 

Actores: Daniel Keluuya, Keke Palmer, Brandon Perea 

Guionista y Director: Jordan Peele

El Rey Arturo - Por Jackie O.

"Leyendas que no se olvidan"

Quién no conoce la historia de “La Espada en la Piedra”, “Excalibur”, “Rey Arturo", etc. Todos crecimos escuchando a Merlin, Arturo y todo lo demás. Y Guy Ritchie nos trae su propia versión. Al muy estilo Guy.

La película está lejos de las historias con las cuales crecimos. Ahora nos encontramos con un Arturo adulto, guapo, forzudo, visualmente atractivo, el cual se crió en un prostíbulo, salió a robar a las calles, trabajó duro, fue maltratado y entrenado para pelear por un gran maestro. Junto a sus amigos se convierten con el tiempo en unos “respetables pandilleros”, y creció sin saber sus orígenes reales.
Nunca se imaginó ser el heredero al trono, hasta que por casualidades muy poco épicas, logró sacar la espada en la piedra.

La presentación de este nuevo guapo ARTURO atrajo mucho a la masa femenina. Además, mantiene escenas muy rápidas, como le gusta a su director.
Jude Law como el malvado tío, tiene una interpretación que a muchos no gustó, pero no fue mala. Fue interesante ver como desarrolla su ambición hasta las últimas consecuencias.
La pelea de Arturo y su tío no fue del todo mi gusto, muy rápida, que a veces te pierdes y con partes algo rebuscadas con el fin de hacer que gane Arturo.

Lo malo: chistes no tan graciosos, ropa no adecuada a la época del desarrollo (medieval) sino que con toques más contemporáneos. Una pelea final con gusto a poco.
Una mesa redonda que parece queso o pizza.

Lo bueno: la escena del niño que niega a su padre y luego ve su muerte; genial.
Un guapo Arturo.
Música acorde a la rapidez de las escenas.
Buenos efectos especiales y acrobacias.
Y la actuación de David Beckham como “Blackleg Leader” estuvo buena.

No es una obra maestra, pero es una entretenida película de acción-fantasía.
De todas formas, no se aburrirán

Disponible en Netflix

Ficha técnica

Director: Guy Ritchie
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: John Mathieson
Año: 2017
Reparto: Charlie Hunnam, Astrid Bergès-Frisbey, Jude Law, Djimon Hounsou, Eric Bana, Aidan Gillen, Freddie Fox, Craig McGinlay

El Ascensor del Diablo - Por Juan Pablo Donoso

Si la mayoría del cine de terror vietnamita es así, con todo respeto les pedimos que se abstengan de enviarnos nuevos ejemplares.

Luego de la desaparición de una colegiala, su amiga y compañera - ¡claustrofóbica, por supuesto! - decide meterse, de noche, en el mismo ascensor de un hospital abandonado desde el cual desapareció la anterior.

Como dice el título, el elevador la conducirá a las dependencias del demonio. Con estos ingredientes básicos, y un buen guionista de terror, aunque de tema ya conocido, podría asustarnos. Pero aquí optaron por otro camino.

Muchachitas escolares se miran al espejo y se ven monstruosas. Con larguísimos diálogos llenos de obviedades se convencen de explorar el hospital maldito.

Entretanto, nuestra protagonista tiene conflictos semi-eróticos con su padrastro, desaveniencias con su madre, y una interminable lista de miedos traumáticos.

El resto es una abigarrada sucesión de tormentos, donde una satánica Dama de Negro la persigue por los pisos, donde se le pierde una gesticulante primita de aventura, y donde la confusión se apodera de todo el relato, aliñándolo con golpes de música y parientes deformados por la maldad.

Cuando al final suponemos que resolverán tanto suplicio, parece que todo fue un mal sueño, que papá y mamá son buenos…, pero siempre queda la sospecha de que la protagonista era más psicótica de lo que parecía (¡!).

INTENTO DE TERROR VIETNAMITA. CONFUSA. LLENA DE ARTIFICIOS GRATUITOS. DIÁLOGOS INÚTILES Y RECURSOS ELEMENTALES. OJALÁ ASUSTE A ALGÚN ESPECTADOR NOVATO. 

Ficha técnica  

Título Original: Tang May

2020 Terror Vietnam - 1,15 hrs. 

Fotografía: Domingo Pereira 

Edición: Tran dat

Música: Jerónimo Leroy 

Actores:Yu Duong, Xuan Hiep Nguyen, Mai Bich Tram 

Guionista y Director: Peter Morougaya

Bestia - Por Carlos Correa

Basada en una historia de Jaime Primak Sullivan y con guion de Ryan Engle, estamos ante una película bien hecha que denota el oficio de su director, Baltasar Kormákur. Tiene tomas largas, en plano secuencia, que resultan admirables, y además de su excelente fotografía y edición, logra el cometido de mantener la tensión en forma constante. 

La trama presenta al Dr. Nate Samuels -Idris Elba-, quien regresa a Sudáfrica luego de enviudar recientemente. Vuelve al sitio donde conoció a su esposa, y en este viaje pretende recorrer el lugar con sus dos pequeñas hijas, Meredith y Norah, tomando como base de operaciones una reserva de caza liderada por un viejo amigo que oficia allí como biólogo de vida silvestre.

El comienzo de la cinta es crudo. Dan ganas de escapar, y es porque presenta la brutalidad de los cazadores clandestinos que matan animales para venderlos en el mercado negro. Sin embargo este comienzo le entrega contexto al relato, porque es justamente la creciente amenaza de un león salvaje la que pone en jaque a la familia Samuels de una manera totalmente inesperada.

Estamos ante una trama lineal y clásica. La historia es simple, presenta sus personajes y rápidamente llega a establecer los conflictos que se encuentran presentes tanto en el propio lugar como en las relaciones de este padre con sus hijas. El desarrollo del metraje es lento pero intenso, con capas que por momentos resultan muy violentas y que, no obstante aquello, conducen adecuadamente al clímax de la cinta y a su posterior resolución.

Las actuaciones son sólidas. Destaca, por supuesto, Idris Elba y las dos niñas realmente se desempeñan muy bien. Los efectos especiales se notan, es cierto, pero así y todo logran el objetivo que no nos despeguemos de la pantalla.

“Bestia” es de esas películas cuyo suspenso atrapa. No necesitamos pensar mucho, solo sufrir con lo que sienten los protagonistas. Eso es suficiente para que su hora y media de duración sea efectiva y pase muy rápido, tal vez tanto como el temor que hace sentir el Rey de la Selva cuando ve amenazada su manada y su territorio.

Ficha técnica

Título original: Beast
Año: 2022
Duración: 93 minutos
País: Estados Unidos
Género: Thriller. Drama. Terror | Supervivencia. África. Animales. Familia
Productora: RVK Studios, Universal Pictures, Will Packer Productions. Distribuidora: Universal Pictures
Guion: Ryan Engle. Historia: Jaime Primak Sullivan
Música: Steven Price
Fotografía: Philippe Rousselot
Reparto: Idris Elba, Sharlto Copley, Iyana Halley, Leah Jeffries, Mel Jarnson, Anzor Alem, Billy Gallagher, Dorian Hedgewood, Kate Grisley, Travis Lemrick, Robby MacIsaac, Damon Burtley, Hudson Anne-Black
Dirección: Baltasar Kormákur

Frederick Douglass: En cinco discursos - Por Jackie O.

"El representante de color de los EEUU"

Sinopsis: Estamos ante un trabajo que está inspirado en la biografía de David Blight, ganadora del Premio Pulitzer, "Frederick Douglass: Prophet of Freedom", en donde el documental da vida a las palabras del activista antiesclavista más famoso de EEUU.

Tenemos a actores que interpretan parte de algunos discursos de Frederick Douglass, también con lecturas de sus autobiografías, para ilustrar cómo sus palabras sobre la injusticia racial aún resuenan profundamente en la actualidad, con la narración de diferentes profesionales como:
Henry louis Gates jr., Crítico literario estadounidense.
David Blight, historiador. Keidrick Roy, historiador.
Kenneth B Morris Jr, Third Great Grandson Of Frederick Douglass
Sara Lewis, Historiadora en arte, entre otros.

Frederick nació en febrero de 1818, de una familia de esclavos, así que fue criado como tal en una plantación de Maryland.
Siendo muy pequeño sintió tener un espíritu cristiano, según relata en su biografía, pues atribuyó que la divina providencia estaba de su lado, ya que lo enviaron a la ciudad con una buena familia para servirles, quienes lo trataron bien. La señora comenzó a enseñarle a leer, hasta que fue descubierta por su esposo, el amo, quien le prohibió seguir pues señaló que eso podía alentar a los esclavos a sublevarse y, peor aún, "a pensar". Pero él no se quedó con eso, ya que de alguna forma buscaba leer, entre textos bíblicos, todo lo que encontrase.

Pasó un tiempo y decidió huir. Era un esclavo que tenía que permanecer oculto, pero lo hizo por poco tiempo, ya que su espíritu aventurero y capacidad de dialogar lo hicieron merecedor de ser un orador. Un día, William Lloyd Garrison, un hombre blanco muy importante, daba un discurso en contra de la esclavitud, e invitó a Douglas a hablar, que contara su experiencia. Desde ahí, Douglas no paró de dar discursos públicos.

Era inteligente, culto y negro, desafió a la gente de Norteamérica en el siglo XIX, y se estaba convirtiendo en un peligro. Conoció a gente buena, pero también a detractores.

Hasta que un día hizo lo impensado por cualquiera: se presentó en la Casa Blanca y pidió hablar con el presidente Abraham Lincoln, y este lo recibió. Fue tal la calidez y honestidad de dicho encuentro que se transformó en una experiencia muy alentadora para ambos.

Su discurso, con los años, tuvo tanta repercusión que se dice, ayudó a la abolición de la esclavitud en EEUU.
Con los años se convirtió en una persona importante ocupando grandes cargos.
Siempre tuvo amigos y enemigos, pero no solo gente blanca, se unieron algunos como él, de raza negra.

Estamos ante una historia interesante, con buen trabajo en edición, que nos lleva a conocer a otra persona que luchó por una vida mejor, no solo para él, sino que para miles de miles de personas. Un ser humano que pensó en el otro.
Un sujeto que dejó también trabajos escritos que vale leer.

¿Qué es la libertad?
Es solo romper cadenas que aprisionan físicamente, o también aquellas espirituales que todos podemos llevar. En algún momento nos sentimos presos de ello, y está en nosotros pedir la ayuda para salir airosos.

Hoy en día la esclavitud sigue, oculta, pero está. Y se debe erradicar, ya que todo ser humano debe decidir por su vida y caminar libremente.

Actualmente este documental está nominado a los Emmys en la categoría "Mérito excepcional en la realización de documentales".

Disponible en HBO Max.

Ficha técnica

Título original: Frederick Douglass: In Five Speeches
Año: 2022

País: EEUU
Dirección: Julia Marchesi
Duración: 58 minutos 

Documental, Historia.
Música: Matthew Head

Tren Bala - Por Carlos Correa

El escenario de esta película es un Tren ultrarrápido que viaja de Tokyo a Kyoto. “Ladybug” -Brad Pitt-, un ex asesino profesional, ha recibido la misión abordarlo y robar un preciado maletín, un encargo que, luego de la mala suerte que le persigue desatando múltiples tragedias cada vez que interviene, pareciera ser un trabajo bastante más sencillo. Lo que “Ladybug” desconoce es que en el Tren viajan otros asesinos que también tienen alguna relación con dichoso maletín, y claramente no tienen buenas intenciones. 

Mientras recibe permanentes instrucciones telefónicas de parte de su supervisora, Maria Beetle, el protagonista rápidamente pone manos a la obra y logra ubicar el objeto buscado y que es transportado por los llamados gemelos “Tangerine” y “Lemon”, dos sicarios tan especiales como diferentes. Pero eso no es todo, en Primera Clase viaja “El Príncipe” -Joey King-, quien a su vez es perseguida por “El Padre” -Andrew Koji-, por haber dejado a su hijo en coma. También irrumpen en la acción “El Lobo”, un asesino mexicano que busca venganza, y “The Hornet” -Zazie Beetz-, una asesina estadounidense especialista en venenos, quienes completan una pléyade de maleantes que indudablemente se enfrentarán a bordo mientras “White Death” -Michael Shannon-, el líder de la mayor organización criminal del mundo, les espera en la estación terminal de Kyoto.

Esta entretenida película de dos horas de duración es vibrante y por momentos en extremo frenética. Dirigida por David Leitch, destaca un gran esfuerzo de producción y avanza gracias una edición tan vertiginosa como su propia acción. Al ser una adaptación de la novela japonesa “Maria Beetle” -publicada en inglés como Bullet Train-, de Kōtarō Isaka, el guion escrito por Zak Olkewicz resulta enrevesado y complejo, lo que requiere atención para comprender y no perderse los detalles presentes en flashbaks que interrumpen cada cierto tiempo un metraje que irradia energía y vigor.

Filmada durante la pandemia sobre tres vagones fijos con pantallas de movimiento es sus ventanas para sumergir a sus actores en esta recreación, la cinta posee algo más que ciertos guiños a Tarantino. Podríamos decir, incluso, que podría estar inspirada en el estilo del director, pero de manera alocada, casi desbocada, con enormes dosis de violencia, sangre a borbotones, aunque cuidando algunos excesos y dando rienda suelta a otras pulsiones que ciertamente transgreden algunos márgenes un poco más allá de lo acostumbrado.

Fiel a un formato de comedia negra, mantenido a lo largo de todo el metraje, la película tiene cameos de varios famosos, quienes aparecen en los momentos menos pensados y entregan un toque especial al humor presente en el filme desde el primer minuto. En esta especie de “broma fílmica” hilarante y desopilante, solo encontramos algo de distensión luego de la máxima tensión que impone y que nunca deja de complicar las cosas, intenta explicar cada uno de los detalles que abren en el relato.

“Bullet Train” constituye una apuesta diferente; no es la típica película que pensaríamos encontrar. Ni siquiera el trailer logra transmitir con certeza lo que veremos en pantalla, más bien solo algunos esbozos y una que otra secuencia que deja ver muy poco de lo que contiene su desarrollo. Dicho lo anterior, me parece que está cinta no es para todo tipo de público pues podría herir sensibilidades. Además, cualquier prejuicio es mejor dejarlo fuera de la sala de cine, o del mismo tren, porque mientras más abiertos y receptivos estemos ante esta propuesta, mejor será nuestra experiencia.

Ficha técnica

Título original: Bullet Train
Año: 2022
Duración: 126 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 87North, CTB Inc, Fuqua Films, Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Acción. Thriller. Comedia | Comedia negra. Trenes / Metros
Guion: Zak Olkewicz. Novela: Kotaro Isaka
Música: Dominic Lewis
Fotografía: Jonathan Sela
Reparto: Brad Pitt, Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry, Andrew Koji, Hiroyuki Sanada, Michael Shannon, Sandra Bullock, Zazie Beetz, Logan Lerman, Masi Oka, Miraj Grbic, Bad Bunny, Johanna Watts, Pasha D. Lychnikoff
Dirección: David Leitch

Bestia - Por Juan Pablo Donoso

Si se trata de angustiarnos hasta el punto de querer huir del cine, esta película logra plenamente su objetivo.

Plantea la interrogante de quién es la verdadera “bestia”: un león macho a quien le diezmaron toda su manada de hembras y cachorros, o los cazadores furtivos sedientos de aniquilar la fauna salvaje.

Admirables plano-secuencias con cámara en mano. Excelentes efectos especiales que a menudo parecen reales. Remansos algo forzados de drama familiar. Cierto lirismo - también algo rebuscado - en los sueños delirantes del protagonista con su esposa muerta.

Hay cosas plausibles, como la realización, la manipulación de leones verdaderos con otros de similor, y la música incidental que prepara bien los momentos climáticos de terror y masacre.

Por alguna misteriosa razón omiten los nombres del Director de Fotografía y/o camarógrafo quienes merecen los mayores elogios. Sin embargo, la plana de animadores de efectos especiales es interminable.

Algunos combates cuerpo a cuerpo con leones resultan inverosímiles: nadie saldría vivo, ni siquiera mal herido.

En términos generales, el filme irradia un velado afán turístico invitando a visitar y valorar las savanas de Sudáfrica, unido a la denuncia contra quienes, por su codicia de ganar dinero matando animales salvajes, han logrado que la naturaleza se revele contra toda la raza humana. Para ello se incluye a este buen doctor negro, a su amigo conservacionista, y a sus dos hijitas adolescentes que, a ratos, pecan de insensatez para darle más tensión a la película.

BIEN REALIZADA AVENTURA DE SUSPENSO. MUY ANGUSTIANTE. UN MANJAR PARA ESPECTADORES SADOMASOQUISTAS QUE BUSCAN EMOCIONES FUERTES.

Ficha técnica

Título Original: Beast

2022 Aventura, suspenso, terror Sudáfrica, EE.UU. - 1,33 hrs. 

Música: Steven Price 

Diseño Prod.: Jean-Vincent Puzos 

Guion: Ryan Engle, Jaime Primak Sullivan 

Actores: Idris Elba, Sharlto Copley, Iyana Halley 

Director: Baltasar Kormákur (islandés)

Moon Knight - Por Jackie O.

"Por el poder de la luna".

El personaje debutó en los cómics en "Werewolf by Night" #32 (Agosto de 1975 ), creado por Doug Moench con arte de Don Perlin.

Esta miniserie fue entretenida y ágil, nos lleva al mundo de Egipto y, además, juega con una tensión psicológica. Y si le sumamos buenos actores, un guion en términos generales bien armado, con espectaculares trajes y buena música, se presta atención.
Pero tiene sus detalles que no la hacen excelente. Vamos viendo.

Una historia de problemas psicológicos como trastorno de identidad disociativo, maltratos, culpas, soledad y otros factores están presentes, y se mezclan con una fantasía de superhéroes/antihéroes y villanos.

Una historia fácil de ver, que entretiene, es adictiva no solo para quienes seguimos temáticas Marvel y/o cómics, sino también para quienes les guste la fantasía y acción.
Y aunque no tenía en mi biblioteca interna conocimientos de este caballero de la luna, me atrapó y me interesó conocer más de él, por lo que no podré señalar si se asemeja o no a su base.

La trama sigue la rutinaria vida de Steven quien trabaja en un museo. Él quiere ser guía porque sabe mucho de historia, pero tiene unos extraños sueños además de inseguridades, y es muy tímido. Hasta que comienza a tener ciertos encuentros "consigo mismo" que se ven alterados producto de la aparición del mercenario Marc Spector, pues tienen algo muy en común: comparten el mismo cuerpo, por lo que comienzan a investigar los misterios de los dioses egipcios, uniéndose a ellos Layla, esposa de Marc, quien sabe que él es el enigmático Moon Knight.

Todos ellos cruzarán su vida con Arthur Harrow, un sujeto que es un fanático religioso y líder de un culto asociado con la diosa egipcia Ammit que busca hacer justicia usando extraños poderes. Es genialmente personificado por Ethan Hawke, quien te puede confundir en ciertos momentos, no sabiendo si es o no el real villano.

Nos encontramos con la relación de dioses egipcios con sus avatares, pero no me convencieron en cuanto a su manejo de poder. Su dinámica fue sin profundidad, pero me encantó escuchar a F. Murray Abraham.

De lo ya dicho, puedo agregar que mantiene buenas escenas coreográficas, efectos visuales y fotografía.
Y aunque la presencia femenina fue poca, solo puedo destacar a May Calamawy, Layla.

Por último, me pareció muy interesante e ingenioso el hecho de que dejen pistas para leer su cómics, en los capítulos.

Disponible en Disney +.

Ficha técnica

Moon Knight
Género: Acción Aventura, Fantasía, Terror psicológico, superhéroe. Marvel.
Creado por Jeremy Slater
Compositor: Hesham Nazih
6 capítulos
Protagonistas: Oscar Isaac, May Calamawy, Karim El Hakim, F. Murray Abraham, Ethan Hawke, Ann Akinjirin, David Ganly, Khalid Abdalla, Gaspard Ulliel

Generación de la abundancia - Por Jackie O.

"Ten cuidado con lo que deseas"

El retrato de una cultura materialista.
Este documental se trata de un ensayo histórico y de un viaje personal, a la vez, de la directora. En él, trata de reflejar el auge y la caída de la economía, la corrupción del sueño americano, y los costos humanos del capitalismo, el narcisismo y la avaricia en los últimos tiempos.

Hacer y deshacer para luego arrepentirse; así es la vida del ser humano ayer, hoy y mañana.

Este documental nos muestra a distintas personas que vivieron el mundo del exceso, de la necesidad de querer más, sea en trabajo, dinero, drogas, el cuerpo perfecto, el tan anhelado éxito, lo que sea que un ser humano tenga en mente, pero en grado de exageración.
Personas que lo viven todo al precio que sea, que no ven a su alrededor sino lo que quieren ellos individualmente. Acá no hay un nosotros.

Muchos de ellos se mienten y le mienten al resto al decir que lo hacen por sus hijos. Mentira. Lo hacen por ellos mismos. "Trabajo en exceso porque quiero comprar una casa a mis hijos"; "Voy a hacer un negocio y estar poco en casa, porque quiero darle la educación que yo no tuve a mis hijos". Mienten, el auto, la casa, los viajes son para cada uno. Porque siempre el ser humano compite con el de al lado, porque el ser humano quiere y necesita cosas para aparentar, porque se tiene una pugna con el vecino, con el colega, porque el otro cambió de auto yo debo tener uno mejor. Debo demostrar a otros que yo tengo más cosas materiales, que viajo al extranjero, etc. Y es por mí, no por los hijos. Dejen de mentir.

Porque no es malo querer cosas, hacer cosas; lo malo radica en esa exageración desmedida, cuando ya comienza un daño, no solo a uno, sino a otros.

En este documental tenemos a varios hombres y mujeres, padres ausentes, ambiciosos, codiciosos, lujuriosos, gente que quiere más y más dinero, más y más éxito, sin importarles su familia, su vida, sin importarles nada.
Luego tocan fondo, ven a su hijo morir, a su familia alejarse, a estar presos, a caer en la perdición misma para ahí recién hacer "esa reflexión" forzada.
¿Y ese arrepentimiento, será verdadero?
La verdad es que no sé; cuando tocas fondo puedes hacer o decir lo que sea por la ayuda, por justificarte...

Un documental en donde la misma directora se reencuentra, en parte, con ella misma, cuando su familia le hace ver que también ella es parte de ese "exceso".

Querer cosas no es malo, lo merecemos, el problema es cuando se cae en ese exceso incontrolable. Porque el dinero no hace la felicidad, pero vaya que calma los ánimos.

Un trabajo al que le faltó mayor profundidad en el relato, pero que consigue captar la atención y tocar un tema interesante: navegar por lo que es un culpable-victimizado. Algunas personas que solo por el golpe reaccionaron, pero la puerta queda abierta ante la posibilidad de volver a actuar de la misma forma, pues la riqueza y ostentar, llama.

Porque el ser humano aprende a golpes o simplemente llora para volver a repetir la historia.
Más en una época en donde las redes sociales se transforman en otro exceso para la sociedad.
Interesantes entrevistas y mundos, para no solo hablar de patologías psicológicas y psiquiátricas, sino que sociológicas.

Disponible en Amazón. Y es para adultos por su contenido.

Ficha técnica

Título original: Generation Wealth
Dirección: Lauren Greenfield
Año: 2018 / EEUU
Duración:106 minutos
Guion: Lauren Greenfield
Música: Jeff Beal
Fotografía: Robert Chappell, Lauren Greenfield, Shana Hagan, Jerry Risius, Lars Skree

Buena suerte Leo Grande - Por Carlos Correa

Escrita por Katy Brand y dirigida por Sophie Hyde, “Good Luck to You, Leo Grande” sorprende gratamente por el buen desarrollo y tratamiento de un tema aún considerado tabú. Una película de este tipo, franca, abierta y sin prejuicios, sitúa sobre la mesa un sinnúmero de aspectos que habitualmente se ocultan, se abordan a medias, o simplemente se pasan por alto, especialmente por tratarse de temas que dicen relación con el placer sexual femenino y su anhelada satisfacción.

Nancy Stokes -Emma Thompson-, ya está jubilada. Hace un tiempo falleció prematuramente su marido Robert, con quien compartió 31 años conformando un hogar con dos hijos. No obstante el indudable cariño, Nancy nunca estuvo satisfecha con sus relaciones íntimas. Para ella, el sexo era una obligación, algo que se debía hacer, tal vez sin cuestionamiento alguno, lo que ni siquiera le daba oportunidad de rebelarse ni menos solicitar alguna consideración especial.

En una decisión alejada de su formal estilo, Nancy concibe una fantasía, una aventura para descubrir aquello que por años le fue negado. Entonces, toma un riesgo y contrata un trabajador sexual para llevar a cabo una acotada y clara una lista de pendientes, algo así como lo que siempre soñó, y que ahora podrá finalmente hacerse realidad.

En una habitación de hotel, Nancy recibe a Leo -Daryl McCormack-, un apuesto joven que resulta ser aun mejor de lo que ofrecen sus fotos. El nerviosismo de Nancy se agiganta, sus contradicciones se hacen aun más fuertes, emergen sus miedos y la posibilidad de arrepentirse se ve cercana. ¿Qué es lo que sucede? ¿Qué hace variar el escenario? Es la actitud de Leo, experimentado en estas situaciones, la que produce efecto. Su escucha atenta y empática, la calidez de la conversación que proporciona, y su clara concepción de lo que significa para Nancy el paso que está dando, son factores que provocan que, lentamente, ella baje la guardia y pueda iniciar una aventura tan desconocida como gratificante.

Esta película, y en un particular estilo, se desarrolla como si de una obra de teatro se tratara: dos protagonistas en un espacio cerrado, mínimos elementos y una sustancia basada en un texto que no deja ningún detalle al azar. El excelente guion aborda los miedos y traumas del pasado de Nancy y los enfrenta con las nuevas expectativas y la realidad con la que ella de pronto se encuentra.

Este camino de transformación que vive la protagonista a lo largo de cuatro sesiones, se convierte en un viaje íntimo y profundo, donde los diálogos dan cuenta de la contención, el entendimiento y el acompañamiento que Leo le proporciona a lo largo de sus programados encuentros. La película se sustenta principalmente en las relaciones humanas de sus protagonistas y por largos momentos es muchísimo más una terapia que encuentros sexuales pactados.

A lo largo del metraje conocemos algo más de Nancy, su verdadero nombre, su profesión -ex profesora de Religión-, anécdotas de su marido y también la decepción que siente por sus hijos. Y también conocemos más a Leo. Aunque en un tono más bajo, pero no menos importante, sabemos de su madre y de su hermano, y sobre la manera de ocultarles su accionar haciéndose pasar como trabajador de una plataforma petrolera, no por vergüenza de lo que realiza, sino por diferentes consideraciones que comprenderemos hacia el final de la película.

“Buena suerte Leo Grande” es una película de sanación y aceptación, y que en ningún caso resulta obscena. Con diálogos chispeantes, precisos y contundentes, reafirma la credibilidad de sus vibrantes actuaciones. Emma Thompson luce espléndida, tímida y recatada, empoderada y complaciente, mientras Daryl McCormack la acompaña con un carisma que brota espontáneamente. Ambos actores construyen, con esmero, una cinta reflexiva que, gracias a su transparente naturalidad, permanecerá por un buen tiempo en nuestra memoria.

Ficha técnica

Título original: Good Luck to You, Leo Grande
Año: 2022
Duración: 97 minutos
País: Reino Unido
Productora: Genesius Pictures, Cornerstone Films
Género: Comedia. Drama | Prostitución. Sexualidad y pornografía
Guion: Katy Brand
Música: Stephen Rennicks
Fotografía: Bryan Mason
Reparto: Emma Thompson, Daryl McCormack, Isabella Laughland, Charlotte Ware, Carina Lopes
Dirección: Sophie Hyde

Tren Bala - Por Jackie O.

"Sin escala, sin respiro".

Cinco asesinos, un codiciado maletín, venganzas por cumplir, y todos en un mismo tren bala en Japón ¿Quién logrará salir con vida?

"Catarina" tiene la misión de robar un maletín que está dentro de un tren, y que lo portan "Limón y Mandarina", pero dicha misión se transforma en algo imposible, pues las diversas situaciones que van sucediendo con diversas personas que van dentro del tren, que son situaciones inverosímiles, sin sentido, sin o con conexión todas ellas, hacen que dicho maletín sea un verdadero dolor de cabeza, o una odisea sin fin.

Una película en que cada situación, por muy desconectada que sea, por muy loca que se vea, por muy incoherente que sea su relato, sus analepsias hacen que sea entendible, aunque sea a la fuerza, pues es inevitable tomarse la cabeza a dos manos y decir "pero qué es esto" "cómo es posible que suceda algo así!", y así, un sin fin de exclamaciones. El guion está hecho para divertirte, no para analizar, pero astutamente hecho para que todas esas incoherencias se crucen de un personaje a otro.

Estéticamente, se nota la mano de David Leitch, vemos la dinámica entre los partícipes, los efectos visuales exagerados se ven muy bien. Notable mantener esta hilarante comedia negra dentro de un tren. Las actuaciones son muy destacables, se nota que todos la pasaron muy bien, y en cada rol, por muy pequeño que sea, cumplieron.

El maquillaje y peinado estuvieron muy buenos, incluso me demoré en identificar a algunos actores. Existen muchos cameos de situaciones muy simples a cosas notorias o que pueden pasarse de largo, lo que le agrega una dosis de entretención aún mayor.

El ritmo de la película es frenético, no paras de reírte por cómo presentan los hechos, pues vemos a personas que se dejan llevar por la ambición y la venganza.

Pero al final ya no te importa lo que dicen, ni los motivos que se tengan para hacer lo que hacen, pues sabemos que esto es una cadena de coincidencias y errores.

Una película llena de diversión, una real comedia negra, muy bien actuada, vestuario bueno, y música adecuada.

Pero no olviden que es una película para mayores de edad, pues tiene una violencia muy explícita.

Ficha técnica

Bullet Train
Dirección: David Leitch
Guion: Zak Olkewicz
Basada en Maria Beetle de Kōtarō Isaka
Música: Dominic Lewis
Fotografía: Jonathan Sela
Montaje: Elísabet Ronaldsdóttir
Año: 2022
Género: Acción y suspenso
Duración: 127 minutos
Reparto: Brad Pitt, Joey King, Andrew Koji, Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry, Zazie Beetz, Masi Oka, Michael Shannon, Logan Lerman, Hiroyuki Sanada, Karen Fukuhara, Bad Bunny

Tren Bala - Por Juan Pablo Donoso

Una experiencia cinematográfica extraordinaria. Humor, masacres, sicarios, intriga, gore mafioso japonés; toda una sátira desbocada en la línea de lo que hubiera hecho Tarantino. 

Los personajes son caricaturas. Unidimensionales. Poco importan sus motivaciones realistas. 

Realizada con un presupuesto estimado en US$ 85.900.000 cualquier disparate puede suceder, mientras el tren bala japonés siga corriendo a 300 kms. por hora entre Tokio y Morioka. 

Casi nadie es quien dice ser, pero eso carece de importancia mientras tratan de conseguir un peligroso maletín lleno de dinero. 

En cualquier momento aparece - o desaparece - un nuevo personaje, incluyendo a una serpiente venenosa que se incorpora al juego de matanzas como todos los demás.  

Llena de giros inesperados y caprichosos con tal de mantener la acción vigorosa, salpicada de frases y reacciones cómicas, ignorando deliberadamente cualquier lógica. 

Quien trate de entender el relato en su conjunto se verá a menudo confundido por la inmensa maraña de contradicciones e imponderables. 

La única - ¡relativa! - motivación de los bandidos se nos entrega por medio de “raccontos” que tampoco son demasiado aclaradores, sólo pintorescos. 

Recomendamos dejarse llevar por el flujo desbocado de acción, violencia, sangre y humor negro, para disfrutar de una sátira loca que nos mantendrá entretenidos, riendo, y a la espera de cualquier sorpresa que brote inesperadamente.  

Varios cameos de actores y actrices conocidos irrumpen en los momentos menos pensados con alguna reflexión absurda y/o extemporánea. Aportan un respiro al desenfrenado chorro de astracanadas. 

Admirable edición. Tal vez ni los actores entienden el sentido general de la trama. Pero sin duda se divierten mucho tratando de animar las pampiroladas del alambicado guion.  

Hasta en medio de los títulos finales hay una yapa también desopilante. 

UNA VALIENTE LOCURA FÍLMICA DE ACCIÓN, VIOLENCIA Y SANGRE, REALIZADA CON ENORME PRESUPUESTO, PARA MANTENER AL PÚBLICO EN UN HILO TRATANDO DE DESCIFRAR SEMEJANTE MAJAMAMA. ADMIRABLE EN SU PROPÓSITO DE EMULAR UN TARANTINO GROTESCO Y DESBOCADO. 

Ficha técnica  

Título Original: Bullet Train

2022 Humor negro, intriga y violencia Japón, EE.UU. - 2,06 hrs. 

Fotografía: Jonathan Sela 

Edición: Elísabet Ronaldsdóttir 

Música: Dominic Lewis 

Diseño Prod.: David Scheunemann 

Guion: Kôtarô Isaka(basado en "Maria Beetle") y Zak Olkewicz 

Actores: Brad Pitt, Emelina Adams, Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry 

Director: David Leitch (La Rubia Atómica y Deadpool 2)

Escalera al Infierno - Por Juan Pablo Donoso

Pretencioso intento irlandés de trenzar lo demoníaco con disquisiciones matemáticas.

Una adolescente rebelde desaparece bajando al sótano de una mansión inquietante. El último escalón la sumerge en otra dimensión.

Del afán de sus padres por buscarla brotarán los enigmas esotéricos y las presencias malignas invisibles. Una añeja resonancia de Poltergeist (1982).

Sobran pistas falsas que obstaculizan la angustia maternal de la protagonista (Elishia Cuthbert). Inercia de la policía, inoportunas reuniones laborales del matrimonio, y la peregrina asesoría de un ex hombre torpe quien - gracias a un golpe en la cabeza - se convirtió en un físico genial (¡!).

Con más rostros de susto que decisiones lógicas, hay una pugna entre madre e hija usada como metáfora del “Gato de Schrödinger”, encerrado en una caja que existe pero que, tal vez, nunca estuvo ahí si nadie lo miró (clásico axioma cuántico). Compleja hipótesis metafísica insertada en un envase de terror manipulado.

Igual, nos permite incursionar en la disyuntiva esotérica del guionista/director versus el tratamiento cinematográfico escogido. Pero queda en la superficie de ambos campos narrativos: corto en uno y sobreabundante en el otro.

Hay símbolos hebreos en todas las puertas que ordenados dicen Leviatán=serpiente del abismo. Y la reiterada consigna hermética del averno: “Disolver y Coagular Eternamente” (¿aporta alguna clave? ¡Quizás!).

Provocativa como ambientación, pero insuficiente como hipótesis. Optó por refugiarse en el facilismo de lo tétrico.

Predomina más la pavorosa parafernalia que el verdadero meollo de lo que se quiere denunciar.

Todos los miembros de la familia se van alienando con la enumeración cuántica de la siniestra bestia de 7 cabezas. ¿Seguirán poseídos para siempre siguiendo los números malditos rumbo al Infierno?

Si el espectador va más allá de los efectos tenebrosos del relato, podría entretenerse elucubrando alguna explicación.

Mal pivoteada entre la supuesta premisa central - “el infierno se lleva a los habitantes de esa casa” - y el desarrollo para llegar a la solución del enigma.

Algo se logra al final, pero ya es demasiado tarde para el ambicioso y recargado proceso.

Síntesis: faltó selección para equilibrar la propuesta dramática entre fondo y forma.

Sin duda el autor se metió en camisa de 11 varas de la que apenas pudo salir. Cosa que bien resolvieron antes Stephen King y Stanley Kubrick en El Resplandor (1980).

DEMASIADOS INGREDIENTES EN LA CACEROLA SERVIDOS ANTES DE ALCANZAR LA COCCIÓN FINAL. 

Ficha técnica

Título Original: The Cellar

2022 Terror, misterio, esoterismo Irlanda - 1,39 hrs. 

Fotografía: Tom Comerford 

Edición: Mairead McIvor 

Música: Stephen McKeon 

Diseño Prod.: Owen Power 

Actores: Elisha Cuthbert, Eoin Macken, Dylan Fitzmaurice 

Guionista y Director: Brendan Muldowney

Escalera al Infierno - Por Carlos Correa

La historia que observamos presenta a la familia de Keira Woods -Elisha Cuthbert-, su esposo Brian -Eoin Macken-, y sus hijos Ellie y Steven, llegando a su nueva casa. Y no es cualquier casa, pues naturalmente se nos muestra misteriosa, lúgubre y sombría. Eso por eso que, cuando Elli desaparece de improviso, lo que presumíamos se hace realidad: algo poderoso y muy antiguo parece tener el control del lugar. Está relacionado al Leviatán y a Baphomet, una deidad pagana asociada con lo oculto. 

Escrita y dirigida por Brendan Muldowney, esta cinta no se apura en la dinámica de sus hechos. Debe transcurrir una hora para ver una escena que, al menos a mí, recién logró ponerme los pelos de punta. Este terror meridiano, mezcla de suspenso y de misterio, se alarga demasiado, se estira como cicle, y más o menos funciona en la consecución de su objetivo.

Es cierto que no abusa de clichés -lo que es bueno y se agradece-, sin embargo, aquello no le permite provocar muchas sorpresas. También, como muchas otras cintas de este tipo, se cae en la explicación final de la sustancia que la trama nos presenta. Las actuaciones tampoco ayudan demasiado, son planas y poco creíbles. La teoría detrás del misterio, o más bien, la búsqueda por desentrañarlo, resulta más interesante, no obstante su debilidad al ejecutarla y transmitirla.

Con una buena ambientación, una música adecuada y una apropiada banda sonora, “The Cellar” no es ningún descubrimiento mágico y tampoco algo, a priori, descartable. Su punto más débil es la carencia de tensión que posee su primera mitad, una lentitud que podría hacernos abandonar la aventura. Pero si decide quedarse, lo mejor es que esta película es corta, solo 94 minutos para llegar al final de un camino que no avanza demasiado pero que tiene elementos que podrían lograr capturar en algo nuestra atención.

Ficha tecnica

Título original: The Cellar
Año: 2022
Duración: 94 minutos
País: Irlanda
Productora: Epic Pictures, TYM Productions, SP Films, Wrong Men North. Distribuidora: Wildcard Distribution, Front Row Filmed Entertainment, Shudder
Género: Terror | Casas encantadas
Guion: Brendan Muldowney
Música: Stephen McKeon
Fotografía: Tom Comerford
Reparto: Elisha Cuthbert, Eoin Macken, Dylan Fitzmaurice Brady, Abby Fitz, Aaron Monaghan, Andrew Bennett, Tara Lee, Michael-David McKernan, Marie Mullen, Amy Conroy
Dirección: Brendan Muldowney

El espía inglés - Por Carlos Correa

Disponible en Amazon Prime.

El marco escénico de esta película es la Guerra Fría, específicamente, la crisis de los misiles cubanos. Ante la inminente amenaza nuclear y su efecto devastador, el MI6 y la CIA deciden utilizar a un ciudadano común, un hombre de negocios llamado Greville Wynne -Benedict Cumberbatch-, para que, so pretexto de la búsqueda de nuevas oportunidades comerciales, viaje en forma seguida a Moscú para tomar contacto con Oleg Penkovsky -Merab Ninidze-, un funcionario soviético de alto rango con acceso a información reservada.

El objetivo de los contactos es permitir que Penkovsky siga entregando a occidente numerosos informes clasificados sobre los planes nucleares rusos, y con ello poder anticipar decisiones vitales en una carrera peligrosa y de incierto desenlace.

“The Courier”, su título original, está inspirada en hechos reales. Aporta una mirada diferente del conflicto y refleja fielmente lo que significa la lealtad y la traición, sobre todo en momentos en que la amenaza de una guerra nuclear desestabiliza el bien común y La Paz mundial.

Dirigida por Dominic Cooke, la cinta también se sumerge en las familias de los protagonistas, la vulnerabilidad que acarrea cualquier decisión y, por supuesto, los secretos que se deben mantener para poder llevar a cabo la misión.

El hecho de usar a una persona común como mensajero podría ser novedoso, sin embargo es una estrategia bastante habitual. En este caso, lo que representa Greville Wynne resulta perfecto para los fines, es decir, una persona formal, totalmente en su hábitat natural -negocios-, con excelente disposición, alguien que incluso le agrega imposiciones al deber asumido. Wynne va al sacrificio, conoce los riesgos, sabe que puede sobrevenir el sufrimiento pero estoicamente lo acepta. Por otro lado Penkovsky es consciente que su vida depende de no ser descubierto. El fin último que tienen ambos, ¿vale el sacrificio, vale la pena, vale la vida?

“El espía inglés” podría definirse como una película correcta. La historia es más que su realización aunque aporte conocimientos sobre un hecho relevante, lo que indudablemente no es un mérito menor. Las actuaciones son sólidas y creíbles. Los diálogos también son valiosos. En mi opinión particular, eso sí, se siente algo encapsulada, abusa un poco de los estereotipos y caricaturas de los rusos, y demora en encontrar el punto central de tensión. Aun así, resulta interesante y merece apreciar sus casi dos horas de duración no solo por la capacidad actoral de Benedict Cumberbatch para sostener el relato, sino que, además, para asimilar un guion firmado por Tom O'Connor que nos instruye sobre una vertiente menos conocida del conflicto diplomático entre Estados Unidos, la Unión Soviética y Cuba en octubre de 1962.

Ficha técnica

Título original: The Courier
Año: 2020
Duración: 111 minutos
País: Reino Unido
Productora: 42, SunnyMarch, Filmnation Entertainment
Género: Intriga. Drama | Guerra Fría. Espionaje. Basado en hechos reales
Guion: Tom O'Connor
Música: Abel Korzeniowski
Fotografía: Sean Bobbitt
Reparto: Benedict Cumberbatch, Rachel Brosnahan, Jessie Buckley, Merab Ninidze, Angus Wright, Kirill Pirogov, Elina Alminas, Joseph Balderrama, Russell Balogh, Deano Mitchison, Laurel Lefkow, Arthur Wilde, Andrey Kurganov
Dirección: Dominic Cooke

El estafador de Tinder - Por Jackie O.

"El príncipe encantador".

Estamos ante un documental que narra los delitos del estafador israelí Simon Leviev, a través de una aplicación de citas.

Buscar el amor, la compañía de alguien especial, o simplemente buscar amigos... todo ser humano necesita y merece tener a alguien a su lado.
Y este documental nos sumerge, en un comienzo, en lo que creemos es un cuento de hadas. Una cita romántica perfecta.
Todo se ve genial, todos son felices.

Pero, como espectadores somos engañados, pues la verdad se revela, y la fantasía romántica se cae; del sueño dorado pasamos a una pesadilla, ya que nos narra como un sujeto ingresa a la aplicación de citas llamadas Tinder, pero no con el fin de buscar amistad o amor, sino que para engañar a mujeres incautas que creen en el otro.

Su "modus operandi" era ingresar a esta aplicación con fotografías que llamasen la atención. Eso hacía que sus "víctimas" fueran a su perfil y comenzaran a revisar su entorno, dándose cuenta que era Simón Leviev, hijo de un empresario en Diamantes, quien llevaba una vida lujosa de Jet y caviar. Y eso lo hacía más deseable por las mujeres.
La alegría era máxima para estas chicas cuando él y ella eran compatibles y debían reunirse. Él las agasajaba de lujos desde la primera cita, sin dejar de lado de que era guapo y muy simpático.
Qué más podían pedir estas chicas, era joven, guapo, muy atento y millonario, ¿cómo no encantar?

Luego de varias salidas donde las hacía viajar lujosamente, además de hacerles creer en una posible convivencia, procedía a pedirles dinero, aludiendo que era preso de persecuciones y amenazas. Estas mujeres, en vista de su amor y dependencia emocional hacia él, le entregaban el dinero solicitado, endeudándose si fuese necesario. Pero lo que no sabían era para qué usaba ese dinero.

Algunos dicen que ellas se lo buscaron por ambiciosas, otros que se aprovechó de su vulnerabilidad de enamoradas. Sea lo que sea, fueron víctimas de un engaño.

Ellas quedaron endeudadas, su estado emocional devastado, su vida destrozada. Y a él no le importó.

Buscando alguna forma de venganza, pero no estando exentas de la vergüenza y pena que esto les provocó, comienzan las denuncias, primeramente a un diario, pues considera, una de estas mujeres, que eso puede surtir efectos. Y así se comienza una cacería a este estafador, donde periodistas se involucran y actúan, encontrándonos con antecedentes que nos develan que estamos ante un sujeto con aires de grandeza.

"Simón" (nacido como Shimon Hayut, israelí) ha señalado que todo es falso, pero existen los antecedentes de su engaño, sin embargo, al parecer no son suficientes, ya que cada país tiene su propia regulación jurídica para actuar.

¿Creer o no en redes sociales o aplicaciones de citas?
Queda en cada uno, y como una de las entrevistadas dijo, "el problema no es la aplicación". Y así es, los problemas son las personas que mal utilizan las redes y abusan del otro.

No nos queda más que estar atentos y vivir en un estado de alerta constante, y todo por culpa de gente como Simón.

Nominado a los Emmy en: Documental o No Ficción, Guion para un programa de no ficción , Composición musical para una serie documental o especial (partitura dramática original), edición de imágenes sobresaliente para un programa de no ficción, edición de sonido excepcional para un programa de no ficción o realidad (una o varias cámaras).

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

The Tinder Swindler
Dirección: Felicity Morris
Producción: Bernadette Higgins
Música: Jessica Jones
País: Reino Unido

Año: 2022
Género: Documental
Duración: 114 minutos

El Violín de mi Padre - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Melodrama familiar turco, bien realizado, sin novedades argumentales, destinado a entretener y emocionar a públicos diversos y poco exigentes.

Y, al igual que la catarata de teleseries turcas que invaden la TV occidental, entrega una historia sencilla, muy púdica en lo sexual, con personajes vulnerables, mujeres hermosas, elegantes y bien peinadas, y con resoluciones que dejan contenta a la mayoría de sus seguidores.

Aquí tenemos el drama de una pequeñita colorina de 8 años que, junto a su padre violinista (Selim Erdogan) y a un grupo de músicos callejeros se ganan la vida recibiendo limosnas de los transeúntes. Pero que también deben huir constantemente de la policía por ejercer en la vía pública sin autorización.

Antes de fallecer, el agónico padre le pidió a su hermano Mehmet (Engin Altan Düzyatan) que se hiciera cargo de la pequeña. De lo cual este se negó por existir entre ellos una antigua enemistad y resentimiento.

El cargo de conciencia de Mehmet - famoso y consagrado violinista internacional - acicateado por Suna (glamorosa Belçim Bilgin) su esposa con la que nunca tuvo hijos, hará que la pequeñita entre y salga del Servicio Social de Bienestar Infantil, para vivir temporalmente en el hogar de su tío.

Con el tiempo, y el abandono de su esposa, el egocéntrico Mehmet sucumbirá ante la inocencia y talento de su sobrinita. Se aclarará el motivo de la vieja enemistad entre hermanos, se reunirá el matrimonio, y la pequeña Ozlem será la hija que nunca tuvieron.

Son méritos de este previsible melodrama la estupenda actuación de la pequeña Gülizar Nisa Uray, capaz de transmitir carácter y emociones con mucha verdad; hermosas tomas de calles y barrios de Estambul filmados con drones; una abundante banda musical que combina trozos clásicos con canciones populares; actores y actrices apropiados para generar simpatía; argumento bien estructurado, aunque un poco alargado hacia el final, y un rasgo muy típico de las tragicomedias turcas: nadie es intrínsecamente malo ni perverso, sólo son víctimas de circunstancias y/o malentendidos.

Distendida, pudo ser una grata miniserie turca, hoy tan en boga en los canales de TV occidental.

SENSIBLE Y CLARA, SIN ESTRIDENCIAS NI MALABARISMOS EFECTISTAS. PARA DISFRUTARLA EN FAMILIA.

Ficha técnica

Título Original. Babmin Kimani

2022 Drama familiar, música Turquía - 1,53 hrs. 

Fotografía: Firat Lita Sözbir 

Edición: Ellie Durak 

Música: Soheil Bostani, Taskin Sabah 

Diseño Prod.: Ridvan Demirci 

Guionista: Palaspandiras 

Actores: Engin Altan Düzyatan, Belçim Bilgin, Gülizar Nisa Uray 

Director: Andaç Haznedaroglu