Un like de Navidad - Por Carlos Correa

Una joven aspirante a “influencer”, Catalina -Sara Buzeta-, se ilusiona con ver a su papá para Navidad. Él vive lejos y siempre tiene mucho trabajo, sin embargo este año sí puede ser que se concrete su visita. Pero no, la verdad es lapidaria: una vez más no vendrá. La decepción de Catalina es absoluta, al punto que decide irse con todo en contra de la Navidad..

Comienza criticando algunos signos, extranjeros por cierto, como los pinos y la nieve, pero en realidad ella odia la Navidad por muchas más razones. Sus poco fans la siguen, sus videos tienen likes, pero todo cambia antes de una importante entrevista pues comete una imprudencia que provoca que las redes la cancelen y la destruyan. Más frustrada aún, publica un post sincero y muy triste que sin embargo llama la atención de un inesperado seguidor. Se trata de alguien que dice ser el mismísimo viejito pascuero y que, conmovido por ese honesto mensaje, quiere pasarla a ver en esta Noche Buena. Catalina, por supuesto, no le cree nada y junto a su mejor amiga y manager, Karyn -Ignacia Antonia-, urden un plan para atrapar a este impostor y dar a conocer su identidad.

Basada en una idea original de Joaquín Matamala, con guion de Diego Ayala y Boris Quercia, y dirigida por el propio Quercia, “Un like de Navidad” resulta ser una película ingenua, boba, algo torpe y básicamente innecesaria.

La historia es inocente y predecible, entonces los puntos se deberían inclinar hacia una eficiente elaboración. ¿Y qué encontramos? En realidad muy poco, y sí muchos problemas técnicos: audio desfasado de la imagen, un aura falsa en las actuaciones, caricaturas, estereotipos, y clichés por doquier, edición discontinua, y un “placement” comercial que podría, al menos, haberse tratado de una forma más artística y menos burda.

Es cierto que tiene temas rescatables: el reencuentro, la familia, la amistad y, en general, un mensaje positivo, pero todo está dentro de un formato discutible y cuestionable. Podríamos obviar las fallas técnicas, pero es como escuchar un concierto desafinado. La música está, es bella, pero suena mal. Lamentablemente me quedo con esa sensación. Un mal gusto difícil de superar.

Tenía más expectativas, pero mi decepción es mayor a la de Catalina. Boris Quercia es reconocido como un excelente actor, guionista y director, y tal vez por lo mismo es que le exigimos más. Acá, en mi opinión, queda muy al debe, por lo que espero que en el futuro tenga una nueva oportunidad.

Ficha técnica

Título original: Un like de Navidad
Año: 2022
Duración: 91 minutos
País: Chile
Compañías: Atacama Pictures, Poston Works
Género: Comedia | Navidad
Guion: Diego Ayala, Boris Quercia. Historia original: Joaquín Matamala
Música: Alekos Vuskovic
Reparto: Ignacia Antonia, Rodrigo Salinas, Sara Buzeta, Ricardo Fernández, Francisca Imboden, Elvira Cristi, Carolina Paulsen, Bárbara Ríos, Diego Orthusteguy
Dirección: Boris Quercia

Hermanos de Sangre - Por Jackie O.

"-Abuelo, ¿fuiste un héroe de guerra?

-No, pero serví en una compañía de héroes".

Ambientada en la Segunda Guerra Mundial y basada en el libro del historidor Stephen Ambrose, 1992.

La acción se centra en lo experimentado por la Compañía Easy del 506.º Regimiento de Infantería de Paracaidistas, de la 101.ª División Aerotransportada del Ejército de los Estados Unidos.

Una miniserie que ha envejecido muy bien. Luego de casi 20 años de su estreno, aún conmueve e impacta.

Comienzan y terminan sus capítulos con los verdaderos veteranos, quienes nos cuentan su experiencia sobre el capítulo que veremos/vimos.

Protagonizada por grandes actores, los cuales me dio gusto ver, pues tienen una capacidad de personificar diferentes roles, lo cual destaco y agradezco mucho, y que son poco valorados, algunos, por la mayoría del público.

Nos encontramos con la guerra, un acto que no debiera existir. ¿Pero, por qué siempre caemos en ella? ¿Por qué el ser humano no logra la paz y vivir en armonía?. Por qué siempre habrá "líderes" que quieren el poder total y tener a sus pies otras potencias extranjeras, e incluso a sus propios compatriotas. ¿Qué pasa por la mente de estos "líderes"?

Esta miniserie nos muestra a un grupo de soldados enlistados para pelear por su país, quienes deben enfrentar en primera instancia un duro entrenamiento, no acostumbrado por la mayoría de ellos; y quien está a cargo del entrenamiento es el duro Teniente Herbet Sobel, quien no se gana el cariño de ninguno de los soldados, y es común ver que en toda película de este tipo pasa eso, pero algunos de estos entrenadores llegan a cambiar en ciertos aspectos y/o se ganan el respeto de todos. Pero acá no es el caso, hasta piden que lo saquen de su cargo, pues ni siquiera como líder de batalla es apto. Eso generará diversos problemas mayores para los soldados, pero para ellos la mejor recompensa es seguir a alguien capaz, como el alferes Richard Winter, quien, por supuesto, sube de grado, pues gracias a su humanidad dentro de tanta perversidad como es la guerra y su gran dominio de liderazgo, se gana el respeto y amistad de sus compañeros.

La primera misión, en el Día D, donde sufren múltiples bajas, y dispersos por el campo enemigo van encontrándose por camino peligrosos, llenos de miedo, angustia e incertidumbre. Su capacidad mental comienza a cambiar, pues los traumas de ver las atrocidades que solo se ven esos lugares, los va transformando de a poco, el miedo los paraliza y solo quieren huir, a otros los vuelve agresivos, e incluso a otros, más sensibles. La hermandad del grupo va creciendo cada vez más.

Las inclemencias del tiempo, la falta de medicamentos, comida, agua y la ropa adecuada hace que se debiliten y enfermen, ya que están muchas veces desamparados, solo se tienen ellos.

En cada capítulo vamos conociendo historias y personajes diversos, como la labor de los médicos/enfermeros, quienes son otro soldado más, que debe desdoblarse prácticamente para socorrer a todos quienes puedan, muchas veces no lográndolo, lo que implica una carga emocional mayúscula, incluso, al decidir a quién prestarle ayuda y a quién no. Euge Roe es uno de ellos, y vamos viendo cómo su cariño, miedo y dureza va desarrollándose a medida que avanzan los capítulos, hecho que le va a sucediendo a todos.

Muchos rostros se transforman en líderes a pesar, a veces, de no tener el grado para ello, pues cuando les incorporan a un nuevo jefe de equipo, la experiencia es muy importante, y esos oficiales recién salidos de la escuela no la tienen, por lo que se ven enfrentados a ganarse el respeto, lo que muchas veces no sucede. Ahí deben interceder soldados como intermediarios, hasta el punto de transformarse en psicólogos para calmar los ánimos, un trabajo también arduo el tratar de calmar a otros, cuando uno mismo está en condiciones débiles. El sargento Lipton se transforma en un referente de respeto en esto, al igual que otros soldados.

Lo crudo, sí, hay más crudeza que las batallas que vemos en cada capítulo, es cuando llegan a los campos de concentración nazi, de cómo enfrentaron las condiciones de esas personas. Nos conmueve, nos preguntamos ¿por qué el ser humano trata así a otro ser humano? ¿cuán grado de locura pasa por esas mentes?

Diez capítulos que nos cuentan una historia brutal, con un gran diseño de producción, donde estamos ahí, vivimos la guerra, los desastres, la angustia. El maquillaje realista, la banda sonora acompaña muy bien en cada momento, sea reflexivo (que hay muchos) o los agresivos, así como los efectos de sonido.

El guion junto al montaje, es muy adecuado para contarnos la historia en la que vamos involucrándonos. Y con unos planos secuencia grandiosos, incluso aquellos estáticos.

Una miniserie que ganó múltiples premios Emmys, Globos de Oro, y otros, muy merecidos.

Cuenta con un elenco realmente bueno. Pero si la googleas, te encontrarás con fotos de actores muy reconocidos actualmente por la taquilla, pero lamento decepcionarlos, su participación es muy secundaria, e incluso a veces los ves una vez y no sabes si volvieron a aparecer; me refiero a los entonces jovencísimos James McAvoy, Tom Hardy y Michael Fassbender.

Una miniserie cruda y sensible, y que, por algún momento, nos puede servir para reflexionar por la tan ansiada, y muchas veces nombrada, paz.

Gran producción cinematográfica.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Band of Brothers. (también conocida como Hermandad en la trinchera)
Género: Bélico, drama
Basado en el libro Band of Brothers, S. Ambrose.
Guion: Erik Jendresen, Bruce C. McKenna, John Orloff, Tom Hanks, otros
Dirigido por Mikael Salomon, David Frankel, Tony To, otros...
Coproducida por Steven Spielberg y Tom Hanks
Banda sonora: Michael Kamen
Protagonistas: Damian Lewis, Ron Livingston, Matthew Settle · Neal McDonough · David Schwimmer · Donnie Wahlberg · Eion Bailey · Michael Cudlitz · Dale Dye · Rick Gómez · Scott Grimes · James Madio · Rene L. Moreno, Marc Warren
Año 2001

Mejor Imposible - Por Jackie O.

"Integrarnos y comprendernos"

Sobre esta película puedo señalar que es una gran comedia que no me canso de verla, conformada por un gran elenco.

Nuestro protagonista es Melvin Udall, un exitoso escritor que es odiado por su actitud por muchos, y sufre de T.O.C, donde nos muestra toda una gama de conductas repetitivas, no controlables e impulsivas, que interfieren su entorno, principalmente, para tener una vida normal. Una enfermedad complicada al máximo, pero que el Director supo manejarla al punto de hacerla una comedia con tintes dramáticos.
¿Una comedia de algo tan delicado?
Y por qué no, me pregunto.

Pero eso no es todo, Melvin es realmente odioso, tienen un humor negro detestable, es ermitaño, ególatra y más. Pero tiene su corazoncito oculto, porque está enamorado de Carol, una camarera.
La película se desarrolla con muchas situaciones anecdóticas que pasan desde un manager "negro", su vecino homosexual (ojo, que quienes vieron la película sabrán que al señalar aspectos de los protagonistas es porque Melvin los recalca bastante), hasta el tiernucho perro Vendell. Y todos estos personajes hacen que la vida de Melvin dé un vuelco.
¿Y ese vuelco será para bien o para mal?

Como señalé, cuenta con grandes actuación (no pudieron haber escogido a un mejor actor que Jack Nicholson para esta interpretación), mantiene un guion maravilloso que la hace una comedia inolvidable (según yo), con un humor inteligente, buena banda sonora y más. Trata de una complicación médica que viven muchas personas, y las mantienen totalmente, algunas, en una ansiedad, porque saben que muchas veces no pueden encajar en todos lados. Pero acá, la hace una película humana y cercana, donde debemos aprender a entender y compartir con todos, de quitarnos, a veces, los prejuicios, incontrolables en algunas oportunidades; de integrarnos.

En este trabajo cinematográfico, los personajes tienen subidas y bajadas de ánimo (como todos), pero la unión de ellos hizo que mermaran sus estados, y así los une una felicidad, comprensión y compañía.

Al final, ¿quién, con afecto, no se siente mejor?

Actualmente la encuentran en arriendo en Google Play.
Filme que ha recibido muchos premios.

Ficha técnica

As Good as It Gets
Año: 1997 ( EE .UU) 139 minutos.
Director: James L. Brooks
Música compuesta por Hans Zimmer
Historia de Mark Andrus
Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding, Jr.

Aftersun - Por Carlos Correa

Los protagonistas de esta cinta son padre e hija. Calum -Paul Mescal-, treinta y tantos, idealista, soñador; Sophie -Francesca Corio-, once, muy inquieta y curiosa. Están en Turquía, fines de los 80, en un resort cómodo pero no el más lujoso. De hecho, tienen una sola cama en la habitación (habían pedido dos), y al carecer de la pulsera no pueden acceder a todos los beneficios de un preciado “all inclusive”.

A pesar de las contadas limitaciones, ambos buscan entretención. Asiduos a la piscina, toman helados, participan en uno que otro karaoke, van de paseo, descansan tendidos al sol, etc. Algún encuentro casual y alguna fiesta, complementan pasajes diversos de un verano que comparten un padre y una hija que durante el año viven separados.

La guionista y directora Charlotte Wells menciona que esta cinta tiene una buena cuota de su propia experiencia. Y acá, esa perspectiva es importante, porque por rendijas se cuela Sophie ya mayor, repasando esas cintas grabadas con una cámara casera que permiten rehacer aquella memoria de unas vacaciones que tal vez le marcaron para siempre.

Wells utiliza muchos recursos para imbuirnos en esos recuerdos. Ángulos diversos, planos diferentes y tomas espejo, configuran una fotografía sutil, delicada y suave, que envuelve las varias capas que tiene un relato que profundiza si nos dejamos cautivar por él.

Existe calma, mucha calma en el transcurso de cada minuto. No es lentitud, es un tránsito paciente, elaborado, profundo. Es la descripción de un viaje de descubrimiento y maduración, donde sale a relucir la ternura filial y también amenazantes signos anímicos: desolación, incluso depresión.

La rutina cotidiana abarca largas secuencias. Así, lo más importante es la compañía mutua, el estar juntos, tal vez “solo estar juntos”. Eso no es fácil para esta niña curiosa de 11 años, que siente admiración por su padre pero que también lo desafía y lo comienza a cuestionar. Emergen sentimientos íntimos gracias a una sutil y frágil memoria que se recompone unos 20 años después, tal vez idealizando lo bueno y morigerando lo malo, una perspectiva que adquiere ribetes diferentes con el paso de los años.

Una excursión, un cumpleaños. Las imágenes caseras se entremezclan dentro de una cotidianeidad que resulta natural y pausada. Y hay metáforas en ello; el cielo, el barro, el agua y el horizonte. Puntos de partida y de llegada, procesos internos, algunos más desarrollados, otros tal vez ocultos, sin emerger, como esperando la ocasión de hacerlo.

Hay nostalgia en este relato, una interioridad siempre presente a través de actitudes más que palabras. Destellos, trazos, o pinceladas de emociones denotan una sensible soledad. Los recuerdos son ambiguos, y se ven a través de ventanas pequeñas cuyos cristales filtran el paso del tiempo.

“Aftersun”, con nominaciones a premios del cine independiente en Inglaterra y en Estados Unidos, es una película diferente, de sensaciones, muy de piel, de roce emocional, cordial y a la vez incisiva. Es un trabajo sobre el amor y la conexión íntima entre hija y padre, una cinta que imprime un sello particular y que no pretende resolver las dudas que presenta. Las reflexiones debemos hacerlas nosotros, porque “Aftersun”, básicamente, nos deja preguntas, algo que siempre es incómodo pero que tal vez es el mejor desafío que nos puede plantear un trabajo de autor.

Ficha técnica

Título original: Aftersun
Año: 2022
Duración 98 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC Film, Creative Scotland, AZ Celtic Films, PASTEL, Unified Theory, BFI Films. Productor: Barry Jenkins. Distribuidora: A24
Género: Drama | Años 90. Adolescencia
Guion: Charlotte Wells
Música: Oliver Coates
Fotografía: Gregory Oke
Reparto: Paul Mescal, Francesca Corio, Celia Rowlson-Hall, Kayleigh Coleman, Sally Messham, Harry Perdios, Ethan Smith
Dirección: Charlotte Wells

Pantera Negra: Wakanda para siempre - Por Jackie O.

"Una aventura sin el rey".

La reina Ramonda, Shuri, M'Baku, Okoye y otros, luchan para proteger a su nación de las potencias mundiales que intervienen tras la muerte del rey T'Challa, uniéndose con aliados que permitan forjar un nuevo camino para su amado reino.

Wakanda es un país ficticio del mundo Marvel, siendo representado como si estuviera en Africa. Apareció por primera vez en “Fantastic Four N° 52 (julio de 1966), creado por Stan Lee y Jack Kirby.

Sabíamos que no estaría Boseman en esta película, así es que había que hacer ajustes a esta nueva historia en Wakanda por lo que en la película su madre, mientras tanto, debe reinar. ¿Y quién será él-la nueva Pantera Negra? Sabemos la respuesta, pero ¿por cuánto tiempo será?

La película comienza y termina homenajeando a Boseman, lo cual se vio bien, sin ser lacrimógeno.
Con un Wakanda que debe estar siempre atento a los países que buscan su vibranio, con el fin claro de crear armamentos y estar por sobre el resto en base a amenazas o guerras.
Algo que el ser humano no cambiará.
Representado muy bien por la "ONU".

Hasta que producto de una súper máquina creada por una joven prodigio de las ciencias, que sirve para detectar vibranio, los norteamericanos llegan a encontrarlo al fondo del mar, pero cómo, ¿no era que solo en Wakanda había?
Descubrimos que no.
Hay un mundo submarino, y no es Acuaman quien aparecerá. Es Namor (personaje que nació en los Cómic a finales del año 30), de Talokán, en las profundidades del océano, quien va a solicitar ayuda a Wakanda, ya que los “humanos” comenzarán a invadir su reino. Pero al final los amenaza si no le entregan algo que les pide, además de su ayuda, lo que inevitablemente los lleva a enfrascarse en una guerra.

A mí la película me pareció más o menos a bien. Y acá trataré de dar mis razones.

Invierten millones de dólares en estas súper macro producciones, y por ello no perdono nada. Abusan del fondo verde, cuando podrían aprovechar la naturaleza de vez en cuando, que es belleza absoluta. Pero vale verla en pantalla grande, por todos esos fuegos artificiales que tiene, sean buenos o malos, es otra experiencia.

¿Qué ví? Mucha gente, varios escenarios. Faltó consistencia en el guion, por querer contar varias historias, desiguales.
El homenaje a Chadwick Aaron Boseman estuvo bueno, pero muy largo a mi parecer, y muy apresurada su forma de presentarlo. Recuerdo el Cómic del Capitán Marvel cuando murió, se hizo un trabajo emotivo mejor, que pudo haber utilizado esta película.

La película acierta centrándose en la reina Ramonda (Angela Bassett), que hace una actuación impecable, mostrando cómo lidia con el duelo, y la responsabilidad del reino.
Tenoch Huerta (Namor), su rol fue digno de un villano (o antihéroe). Brilla a lo largo de toda la película. Reconozco que empaticé con sus motivos, pero ninguna guerra justifica nada. Es más, acepté su decisión final en la pelea, porque se demostró que no fue a propósito.
Letitia Wright, Shuri, no la considero buena actriz, y aunque en la primera no me gustó su interpretación, la prefiero ahí, que a la vengativa y llena de odio que la que ví ahora (obvio que cambió); no me convence para nada. La prefiero como aporte tecnológico que como líder.
Danai Gurira, Okoye, me encanta como Generala y su entrega total, y en el momento en que la reina la despoja de sus atribuciones, ambas geniales en sus argumentos y pasión. La mejor escena o dentro de las mejores pocas escenas de la película.
Dominique Thorne, Riri Williams/Ironheart: No fue bien escogida la actriz y muy apresurada su intervención, traje horrible. Y ojo, no tiene nada que ver con Ironman, no hagan ese sacrilegio de que se mencionen juntos, no es Rescue, ni pariente, ni nada con ellos.

Me gustó que se le diera más participación a las guerreras Florence Kasumba, Ayo, y Michaela Coel, Aneka, eso hace que se refuerce la idea de que las mujeres literalmente se tomaron esta película para bien.
Encuentro que Michael B. Jordan, N'Jadaka /Erik "Killmonger" Stevens, es un gran personaje y actor, muy poco explotado.

La puesta en escena me gustó, a pesar del exceso de fondo verde que a veces abruma y se ve mal. Pero me gustaron los detalles, eso que nadie o casi nadie ve. Como por ejemplo que @historiamaya, asesoró a la película respecto de los detalles Maya contando su antigua historia (no es una película Maya, no es documental, esto es ficción), entonces tomaron ideas.
Lo que ví y me gustó fue tener ciertos aciertos como: El trono de Namor, ¿se fijaron que es la mandíbula de un tiburón? Si vamos a la historia, desde la etapa Omeka han tenido repercusión, algo también muy adorado en las culturas Mayas; o por qué del color de las joyas, o la forma de saludarse, o la inspiración de este mundo subacuático en las tierras bajas del norte en la península de Yucatán. Por ende, me gustó más este que el de Acuaman. Y un sinfín de otros detalles que hace que la parte diseño de producción sea muy bien vista, y por ende, destacada en los festivales por los expertos.

Buenos, el efecto de sonido, la banda sonora, en especial las canciones “Laayli’ kuxa’ano’one" y "Lift Me up", esta última de Rihanna. Para qué decir el vestuario, los detalles son esenciales en una película o serie cuando vean. Acá, los buenos diseñadores encabezados por la gran Ruth E. Carter se entregan, se preocuparon. Recordemos que Ruth se encargó del vestuario de Pantera Negra el 2019 y ganó múltiples premios, así como en otras películas como, Dolemite Is My Name, y otros.
Y también colaboraron, Adidas, y las marcas de lujo Iris van Herpen, Mugler, Hervé Legér, y más.

En resumen, una película entretenida, muy muy larga, pero vale verla en el cine por toda su pirotecnia, y lo ya detallado.

Ficha técnica

Black Panther: Wakanda Forever.
Historia y director: Ryan Coogler
Guion: Ryan Coogler y Joe Robert Cole
Cinematografía: Autumn Durald Arkapaw
Music: Ludwig Göransson
Año: 2022

161 minutos.
Marvel, CsiFi, Aventura.

Un Mundo Extraño - Por Juan Pablo Donoso

Mucha acción, criaturas fantásticas, humor, igualdad de género y excelente animación.

Como es habitual en los últimos 85 años, la empresa Walt Disney aplica fórmulas de éxito seguro para elaborar sus historias. El objetivo es deleitar a públicos mayoritarios - de niños y adultos - sin correr riesgos artísticos, ni menos comerciales. Y lo ha logrado con sus películas, sus revistas, libros infantiles y gigantescos parques de diversión (Disney World, etc.,) en muchos países desarrollados del mundo.

Su objetivo humanitario es aportar entretención, comicidad, valores tradicionales y, obvio, crecer comercialmente sin cesar.

Sus mujeres dejaron de ser frágiles princesitas de antaño. Las actuales heroínas son aguerridas, físicamente fuertes, y capaces de desempeñar rudas tareas, y combates, a la par con los hombres.

Tal vez por su longitud - 1,42 hrs. - y por el exceso de periplos, personajes y aventuras será más del gusto de adolescentes y adultos que de niños muy pequeños.

Otra novedad que trae este producto es la falta total de secuencias musicales con cantos y bailes. La trama desbocada se concentra en la acción, los giros sorpresivos, el humor, la ternura y una muy notoria carencia de sentimentalismo dulzón.

Cuando la fruta mágica del hortelano Searcher - con que abastecía a la ciudad - comienza a descomponerse, llega el momento de bajar al fondo de la tierra para descubrir qué está envenenando a sus raíces. Junto a su mujer, hijito, vecinos y a unas audaces pilotos de naves voladoras emprenden la expedición. Allá se encontrarán con Jaeger, el padre montañés y explorador que nunca volvió a casa.

Serán innumerables batallas en las profundidades de la tierra contra monstruos multípodos. El humor lo aportan 2 mascotas: un perrito con 3 patas y una infantil ameba celeste llamada Splot. La larga epopeya culmina con el reencuentro familiar, el respeto a las vocaciones y un homenaje a los valores de convivencia y coraje.

A diferencia de tantos largometrajes animados que saturan el mercado de cines y TV, esta, sin claudicar de las fórmulas y mensajes típicamente de Disney, se adapta con inteligencia al lenguaje de género actual y emotivo de nuestros tiempos.

EXHUBERANCIA, FANTASÍA, BELLEZA VISUAL, Y UN TREMENDO PRESUPUESTO QUE JUEGA SIEMPRE A GANADOR.

Ficha técnica

Título Original: Strange World

2022 Animación, acción, aventuras EE.UU. - 1,42 hrs. 

Edición: Sarah K. Reimers 

Música: Henry Jackman 

Guion: Qui Nguyen Voces en inglés: Jake Gyllenhaal, Dennis Quaid, Lucy Liu 

Dirección: Don Hall, Qui Nguyen (co-director)

Bros - Más que Amigos - Por Juan Pablo Donoso

Una romántica comedia de LGBTQ+ hecha especialmente para las comunidades homosexuales.

Dos hombres con problemas de inseguridad personal intentan una relación de pareja. En paralelo con la evolución del romance asistimos a la creación del 1° Gran Museo LGBTQ+ en la historia de EE.UU.

En su afán de desmitificar el fenómeno, ni siquiera se salva Abraham Lincoln.

Desarrollo de un romance homosexual que debe superar muchos escollos culturales que aún existen y, en particular, para ellos mismos.

Salpicada con chistes sólo para iniciados, y otros para público en general.

Sin duda resultará execrable para homófobos, neo-nazis, puritanos o fundamentalistas intolerantes.

Salvo por algunos momentos en que el conflicto pareciera perder el rumbo (por diluir lo que está en juego), en general resulta amena, simpática (porque todos los personajes parecen divertirse mucho), y también elegantona.

Propugna educar a los niños, desde pequeños, en la aceptación y el desprejuicio hacia las libres opciones sexuales en cualquiera de sus múltiples (y nuevas) variantes.

Hasta el concepto tradicional de AMOR se plantea bajo una óptica diferente y poco definida.

Hay una gentil justificación de la promiscuidad como otra faceta igualmente válida del AMOR DE PAREJA.

Escenas de besos, caricias y diálogos bastante impúdicos tratados con naturalidad. Si bien hay ciertos cuestionamientos existenciales - ¡jamás morales! - ellos se resuelven con la misma liviandad del resto de la comedia.

Hay alegres representantes de todas las corrientes eróticas…y hasta de pasadita, ¡una más tradicional de padre, madre e hijos!

Un sabroso festín para homosexuales, y una aberración para los homofóbicos.

COMEDIA GRACIOSA Y AMENA PARA QUIENES CARECEN DE ESCRÚPULOS Y HOMOFOBIA. REFUERZA ESTEREOTIPOS TRILLADOS

Ficha técnica

Comedia, romance - 2022 - EE.UU. - 1,55 hrs. 

Fotografía: Brandon Trost 

Edición: Daniel Gabbe 

Música: Marc Shaiman 

Diseño Prod.: Lisa Myers 

Guion: Billy Eichner, Nicholas Stoller 

Actores: Billy Eichner, Luke Macfarlane, Guy Branum 

Director: Nicholas Stoller

Argentina, 1985 - Por Carlos Correa

Disponible en Amazon Prime Video.

1985, Argentina. Hace solo dos años se ha restablecido la democracia. El recién asumido Presidente de la Nación, Raúl Alfonsín, aún tiene a los militares cerca, rondando, preocupados, muy alertas. Las numerosas violaciones a los Derechos Humanos, los detenidos desaparecidos, las víctimas de torturas y de apremios ilegítimos que ha dejado la brutal dictadura militar, es algo que ya se encuentra en el inconsciente colectivo. No se discute ni se desconocen los hechos, pero hay temor. Temor de enfrentar a los causantes, miedo de destapar la verdad, un terror ambiental a ser escuchado, denunciado, perseguido, e incluso asesinado.

Este es el escenario que encuentra el fiscal Julio Strassera. Ascendido hace poco tiempo, la disyuntiva que se le presenta no es menor. El 13 de diciembre de 1983, el decreto 158 marca el comienzo del proceso judicial. Dos días después, se instituye la Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas (CONADEP). Y durante 1984, se confirma que la fiscalía debe llevar a Juicio a las Juntas Militares, todo en un breve lapso de tiempo tanto para reunir al equipo de trabajo como para recopilar materiales y pruebas.

Strassera -Ricardo Darín-, duda naturalmente. Siente que corre peligro, no solo él sino, principalmente, su familia. Por otro lado, es presionado para tomar la causa y no encuentra personas con las que formar un grupo fuerte de análisis e investigación. Aparte, se le asigna un fiscal adjunto, Luis Moreno Ocampo -Peter Lanzani-, una persona sin experiencia, un joven del mundo de la academia y más encima con un historia personal vinculada al mundo militar. Todo parece estar en contra. ¿Ayuda? Ninguna.

Sin embargo, este ruido ambiental no impide que emerjan sus convicciones profundas. Si no existe un equipo de personas con reconocida experiencia, entonces se debe formar un equipo nuevo, joven, donde la mayor virtud debe ser el anhelo de proveer justicia y conseguir visibilizar los atroces crímenes ejecutados por militares de diferente rango, y cuyos líderes deben asumir, por jerarquía, la correspondiente responsabilidad de mando.

El breve tiempo para formar la causa permite recopilar 709 casos que se presentan en un juicio que se inicia el 22 de abril de 1985. El proceso penal se prolonga hasta agosto de ese año, comprendiendo unas 530 horas de audiencias y la declaración de 839 testigos. Toda una proeza, un récord, algo pionero y a la vez histórico.

Esta cinta dirigida por Santiago Mitre se siente cercana, no solo por lo que representa la historia particular de nuestros vecinos sino por lo que también ocurre en Chile durante la dictadura militar de Augusto Pinochet. Mitre se distancia de la política y la judicatura al poner énfasis en la vida personal del fiscal Strassera. Y claro, tiene en Darín un cómplice perfecto. Lo dota de una personalidad difícil (el loco), por momentos amarga, cascarrabias, pero siempre con un indiscutible deseo de justicia que exuda a través de cada facción de su rostro.

Strassera, amante de la música de Wagner, no está solo en esta gran cruzada. El muy bien elegido Peter Lanzani para representar al fiscal adjunto Moreno Ocampo, complementa perfectamente el liderazgo de Darín. Es juventud y experiencia, es impulso vital y sabiduría. No es una competencia por cámaras, ni menos por algún reconocimiento o fama. La dupla así lo transmite. Ojalá con bajo perfil, pero con incidencia, con constancia, perseverancia y convicción, aquella que nace del tener plena conciencia que están en una causa que marcará la historia, lo que no les desvía un ápice del verdadero fin y sentido de su trabajo: justicia y reparación.

Si bien la película es extensa, no se hace larga. Combina bien los elementos judiciales con los familiares, las relaciones laborales, y la vida de ese momento histórico. El ambiente corresponde a una Argentina dolida y dañada, que tiene el deseo de, primero, conocer la verdad, y luego lograr que el Poder Judicial dictamine condenas consecuentes al daño infringido.

“Argentina, 1985”, carta trasandina al Óscar 2022, expone un trozo particular y doloroso del insensible legado de una dictadura que aniquiló los cuerpos y también los sueños de miles de personas. Es una película que debemos ver, necesaria, cruda, pero a la vez esperanzadora. Resuena el alegato final, espléndido, del fiscal Strassera, una prosa honesta, emotiva y convincente. Resuena también el “nunca más”, porque volvemos a tomar conciencia que situaciones como las descritas, y además vividas en muchos países latinoamericanos en esos mismos años, en verdad no pueden volver a repetirse. ¡No pueden volver a repetirse!

Ficha técnica

Título original: Argentina, 1985
Año: 2022
Duración: 140 minutos
País: Argentina
Compañías: La Unión de los Ríos, Kenya Films, Infinity Hill, Amazon Studios. Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales. Drama judicial / Abogados/as. Años 80. Dictadura argentina
Guion: Santiago Mitre, Mariano Llinás
Música: Pedro Osuna
Fotografía: Javier Juliá
Reparto: Ricardo Darín, Peter Lanzani, Alejandra Flechner, Carlos Portaluppi, Norman Briski, Héctor Díaz, Alejo García Pintos, Claudio Da Passano, Gina Mastronicola, Walter Jakob, Laura Paredes, Gabriel Fernández
Dirección: Santiago Mitre

La Sra. Harris va a Paris - Por Jackie O.

“La Tentación de Venus”.

En Londres, en la década de 1950, una limpiadora viuda desea fervientemente tener un vestido de Dior. Tras ahorrar el dinero necesario con esfuerzo, la mujer viaja a París, donde, contra todo pronóstico, cambiará el futuro de la firma de moda.

Una historia fresca, liviana y esperanzadora.

Una mujer madura casada y asesora de hogar, sin hijos. Abnegada trabajadora de diferentes hogares, donde además, debe escuchar los problemas de sus “patrones”, en donde, incluso, algunos le deben dinero, no cambia su actitud, siempre es pasiva, amable y sigue trabajando para ellos.
Su marido fue a la guerra y no ha sabido nada de él. Es más, no quiere saber nada, le llegan cartas y no las abre por miedo a lo que pueda encontrar. Hasta que un día lo hace junto a su mejor amiga, y se entera que él ha muerto hace años en batalla.

Ese es un vuelco para ella, pues en su calidad de viuda, siente que la esperanza va decayendo.
Un día, en una de estas casas donde trabaja, ve un vestido Dior, hermoso, y eso fue un detonante para ella. Puede sonar vanidoso, pero no, este mensaje está caricaturizado con un vestido, pues eso a ella la hizo darse cuenta que merecía todo, y ya no debía postergarse más.

De a poco, se va dando cuenta que la suerte la acompaña en temas monetarios, pues ve en todo una señal de su marido desde el más allá. Y que él le envía esa buena suerte.
Con ello, junta el dinero y va a Paris a comprar el vestido de sus sueños

Al llegar a la casa Dior, se ve enfrentada a prejuicios de algunos del lugar, y la amabilidad de otros. Hasta que logra estar en un desfile, y ve el vestido más bello jamás visto, una real tentación.
Y lo quiere comprar, viéndose con problemas, hasta que se queda con el segundo más lindo que vio.
Ahí mantiene una aventura única en dicho país y ciudad, jamás vivida, conoce gente buena y le cambia la vida a todos. Pues ella con su bondad y honestidad positiva, se transforma en el hada madrina de muchos.

El final es como ella, bondadoso, y sin querer, la vida la sigue retribuyendo.

En la parte estética, la actriz principal es maravillosa, los secundarios aportan mucho en la historia, desarrolla muy bien un hilo conductor, y para qué decir del vestuario ma ra vi llo so. Quien estuvo a cargo de ello fue Jenny Beavan, quien ya nos impresionó con su trabajo en "A Room with a View", "Cruella" y "Mad Max", ganando en las tres el premio de la Academia, y por supuesto, muchos otros trabajos como "Lo que queda del día", "Sentido y sensibilidad", y un largo etc., donde su profesionalismo hizo que hablara con la curadora de los vestidos que se mantienen de Dior, para hacer réplicas e inspirarse en su estilo.
La puesta en escena estuvo buena, al igual que maquillaje y peinado.

Una película que nos enseña a ser mejor persona, no mirar en menos a nadie, que la amabilidad abre puertas, que todos somos iguales, pues un día estamos arriba y en el otro podemos darnos un gran porrazo. De atrevernos a soñar.

La dedicación por otros, sea familia, trabajo, etc. a veces nos hace postergarnos, pero debemos aprender a querernos también. Y eso no significa ser egoístas. Al contrario, si estamos bien, irradiamos buenas energías.

Ficha técnica

Mrs. Harris Goes to Paris.
Director: Anthony Fabian
Guion: Olivia Hetreed y Anthony Fabian
Basada en La señora Harris va a París de Paul Gallico
Música: Rael Jones
Fotografía: Felix Wiedemann
Montaje: Barney Pilling
Vestuario: Jenny Beavan
Año: 2022 

Duración: 116 minutos
Género: Drama, Comedia
Protagonistas: Lesley Manville, Isabelle Huppert, Jason Isaacs, Lambert Wilson, Alba Bautista

Pantera Negra: Wakanda por Siempre - Por Carlos Correa

El reino de Wakanda ha quedado sin su rey. T'Challa ha muerto. Con ello no solo se ha ido su líder sino, y más importante aun, ya no está “Pantera Negra” para defenderles de las intrusiones externas. Es que Wakanda posee y utiliza “vibranio”, un potente y escaso metal que le permite al reino trabajar y desarrollar una innovadora tecnología. Por supuesto, por ser un bien codiciado, las grandes potencias lo buscan afanosamente.

La muerte de T'Challa tiene consecuencias imprevisibles. Primero, expone una debilidad ante el mundo, y segundo, deja vulnerables a los wakandianos a posibles ataques. Es por esto que cuando una expedición SEAL de la Marina de los E.E.U.U. en conjunto con la CIA, destinada a encontrar depósitos de vibranio debajo del agua es atacada, todos creen que Wakanda es responsable de los hechos. Pero el asunto no es así. Existe otro reino submarino llamado Talokan, que es también es rico en el metal, y cuya mayor preocupación es mantener estrictamente ese secreto. Ellos son quienes atacan la expedición porque conocen los vínculos de Wakanda con los interesados en obtener el preciado tesoro. Necesitan neutralizar esta amenaza, saber quién está detrás de la máquina que logra detectar la presencia del componente. Es una situación de vida o muerte, y ponen en jaque a la reina Ramonda.

Shuri -Letitia Wright-, hermana menor de T'Challa, es quien adquiere notoriedad y protagonismo. Como detrás de la máquina detectora está una joven científica, Riri Williams -Dominique Thorne-, estudiante del MIT, Shuri encabeza una misión para poder ubicarla. Allí es donde se encuentra con Namor -líder de Talokan- y ambas son capturadas. Ante la proposición de una alianza para destruir los pueblos de la superficie y el escape de las jóvenes, Namor exige colaboración a Wakanda, porque, en caso contrario y a la vuelta de una semana, aniquilará totalmente el reino.

Dirigida y co-guionizada por Ryan Coogler, “Black Panther: Wakanda Forever” es un sentido homenaje a Chadwick Boseman, quien murió en 2020, poco antes de comenzar las filmaciones de esta segunda parte. Se pudieron tomar muchas decisiones, imágenes digitales, o recreaciones, pero Marvel optó, en esta, su película 30 del MCU, por hacer un giro al guion y continuar la historia heredando tanto roles como responsabilidades.

La cinta se observa consistente. Es vibrante y a la vez pausada. La cinematografía da cuenta de un mundo especial, siempre amenazado, que no es violento pero que sí debe tomar acciones para defenderse. Son gente de paz, pero si los violentan, no dudan en hacer valer el uso de la fuerza para combatir al enemigo externo. Y no son precisamente intrusos que ya conocen, sino figuras que comparten el uso de vibranio. Por eso, la lucha es bastante más compleja y claramente la ausencia de Pantera Negra resulta ser un handicap importante.

La continuidad de esta secuela fluye bien a pesar de ser un poco extensa. A mí modo de ver, a la hora se cae un poco, se estira una parte central que, si bien entrega argumentos importantes para la trama, perfectamente podría haberse resumido un tanto mejor. Es cierto que permite respiro entre las secuencias de acción, pero cuidado, no confundamos respiros con baches narrativos de los que cuesta bastante más recuperarse.

Aún así “Wakanda por Siempre” no pierde interés. Sabe conquistar a los fans y a los que no lo son tanto. Hay pistas y enlaces con otras películas Marvel -pocas tal vez, porque es una historia diferente, paralela, un poco más autónoma-, y tiene algunos mensajes de fondo en capas interiores. Hablamos de la protección de los recursos naturales, del medio ambiente, del abuso del poder, del mal uso de las capacidades y de la fuerza conjunta para hacer el bien, entre muchos otros temas. De acuerdo, no profundiza, porque es entretenimiento puro y duro, y en eso cumple su papel. La dinámica es acción, y la acción está bien hecha, bien filmada y bien construida.

“Pantera Negra” regresará. No se pierdan la escena después de los créditos porque es una pista hacia donde se espera conducirán las futuras entregas. El reino de Wakanda está huérfano pero por poco tiempo. Vendrán secuelas, tal vez precuelas y otros spin off. Todo es esperable en la creatividad de Marvel, que ya sabemos son capaces de adaptarse a los cambios, especialmente al dar por concluida la fase 4 de su MCU con esta película. Tal vez sea por ello que resuena aún más fuerte su gran grito guerrero: “Wakanda Forever”

Ficha técnica

Título original: Black Panther: Wakanda Forever
Año: 2022
Duración: 161 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Marvel Studios, Walt Disney Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Acción. Aventuras. Ciencia ficción | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics
Guion: Ryan Coogler, Joe Robert Cole. Historia: Ryan Coogler
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Autumn Durald
Reparto: Letitia Wright, Angela Bassett, Winston Duke, Danai Gurira, Florence Kasumba, Lupita Nyong'o, Martin Freeman, Tenoch Huerta, Dominique Thorne, Michaela Coel
Dirección: Ryan Coogler

Jeepers Creepers: Reborn - Por Jackie O.

"La muerte de una trama"

Una pareja de jovenes enamorados, Chase y Laine, se dirigen al festival Horror Hound, que se celebra por primera vez en Luisiana.

Ella no está muy entusiasmada, ya que esos temas no le llaman la atención, pero por su novio va. Él está obsesionado con todos los monstruos, en especial la leyenda que se ha creado sobre Jeepers Creepers. Y dicho festival será la noche que se cumplen los 23 años de su hibernación, saldrá. Pero es solo un mito.
Mientras más se acercan a su destino, Laine, comienza a experimentar premoniciones inexplicables, visiones inquietantes asociadas al pasado del pueblo, a Creeper y ella.

Esa es la trama. Como se podrá dilucidar, efectivamente Jeepers aparece, y ya deja de ser un mito para algunos de los del festival, ya que los comienza a seguir, pero otros están enfiestados, llenos de sustancias que los alegran o adormecen, y no saben lo que pasa.

La película tiene nada técnico bueno que se pueda rescatar.
Efectos visuales deficientes al máximo, donde el fondo verde estaba mal utilizado, unas actuaciones para morirse, de verdad mal. Vestuario, maquillaje, música, nada que resalte. Guion, ¡puf! Ni hablar.

La trilogía principal que ya les conté en su momento, dirigida por Salvo y actuada por Breack, en las que solo las dos primeras valen ver, y sigo manteniendo lo dicho, después de haber visto esta número cuatro.

Aunque, aunque, dicen, que esta no sería una cuarta película, sino una nueva trilogía que se empiezan a armar. También por existir un problema legal, de propiedad intelectual con el nombre, lo cual, pido a todos los astros que no sigan, o hagan un milagro para levantar a Jeepers que se ganó un sitial, pues el personaje es muy bueno, y realmente esta producción lo mata de verdad.

Ahora, dirigida por Timo Vuorensola, que tiene una escasa filmografía de CSI sin mucho éxito, y escrita por Jake Seal y Sean-Michael Argo; y como Jeepers, Jarreau Benjamin, dejaron muy mal a un buen personaje.

Disponible actualmente en Cines.

Ficha técnica

Protagonista: Sydney Craven, Imran Adams, Dee Wallace, Gary Graham, otros.
Año 2022
88 minutos

La Sra. Harris va a Paris - Por Carlos Correa

Perseguir un sueño es tal vez lo más motivante de la existencia. A veces se trata del sueño de toda la vida, y en otras ocasiones surge de una vivencia o una simple casualidad. Pareciera que esto último es lo que le sucede a Ada Harris -Lesley Manville-, una señora que se dedica al aseo y a ordenar casas y departamentos en el Londres de 1957. Por años ha estado sola, desde la guerra a la que su marido fue a combatir, un tiempo largo en el que no ha querido tener noticias para mantener la esperanza de su regreso. Pero ese tiempo, inexorable, pasa, y una carta por años evitada contiene el infortunado informe.

Desolada y desesperanzada sigue su rutina habitual, casa por casa, pero en una de sus jornadas descubre algo que llama su atención en el closet de una de sus clientas: un hermoso vestido le provoca fascinación, se enamora de él a primera vista. ¡Es lo máximo!, y a la vez un sueño imposible porque cuesta 500 Libras. ¿De dónde puede obtener ese dinero, y además, recursos para viajar a Paris, nada menos que a la Casa Dior, que es donde se confecciona?

Ada no se queda en el sueño, se dispone y se propone perseguirlo. Junta dinero por aquí y por allá, apuesta -con mala fortuna-, pero aún así, la suma no alcanza. Pero el destino le tiene reservada una sorpresa: recibe una buena suma de dinero por la muerte de su marido. Entonces decide dar el paso. Vuela rumbo a Paris a buscar ese vestido del que está encaprichada como si fuera una quinceañera. Pero llegar a Dior es una cosa y poder comprar un vestido allí es otra cosa. Comienzan, de esa forma, las aventuras y desventuras de esta londinense en la ciudad luz.

Esta tercera adaptación cinematográfica de la novela del año 1958 “Mrs. 'Arris Goes to Paris” de Paul Gallico, fluye como una sencilla fábula, como un cuento mágico que contiene en su fondo una completa historia de vida. Es una cinta liviana pero de mensajes profundos. Parte con un sueño, una búsqueda, algo que denota empuje y tesón, la perseverancia propia de una señora que siempre la ha tenido para trabajar y que ahora pone al servicio de su preciado deseo.

Anthony Fabian dirige acertadamente una historia cuyo fondo es el camino personal e íntimo de la Sra. Harris. Es un recorrido, en formato comedia, de la aceptación, la transformación, el descubrimiento, y el empoderamiento de una persona que por años se postergó a sí misma.

El desarrollo tenue de esta cinta, expresado con leves puntos de conflicto y una mínima, aunque siempre perceptible, tensión, se compone gracias a un argumento lineal, fluido y gracioso. A su buena realización -vestidos, decorados y ambientes-, se suma una música agradable -aunque es inevitable mencionar que es muy parecida a “UP”-, y también imágenes emblemáticas de la capital francesa. El vestido de Dior es una parte importante del sueño, pero también se convierte en una excusa, tanto para la protagonista como en una historia que cautiva por su inocencia y candidez.

Lesley Manville resulta encantadora y luminosa. Es sencilla, creíble, y adquiere mayores matices en la medida que avanza el metraje. Tiene una simpatía única que despierta inmediata empatía, mientras que su contraparte, Isabelle Huppert, que interpreta a la insoportable gerenta de Dior, Claudine Colbert, solo se morigera gracias a la presencia de una pareja que les secunda bien con sus roles de sustento. Ellos son Alba Bautista como Natasha y Lucas Bravo como André Fauvel, quienes logran el contrapeso apropiado para equilibrar el relato y conducirlo hacia un esperado desenlace.

Qué personalidad más amable y llena de valores tiene la Sra. Harris. Ella tiene amigos de verdad y amistades leales. Sus buenas acciones parecen no buscar recompensa pero la obtienen, y este es un mensaje lleno de esperanza que nunca pasará de moda. Pueden cambiar los temas, los sueños y las diferentes opciones, pero la bondad es algo que nunca deja de ser esencial. “La Sra. Harris va a Paris” es justo eso: irradia encanto, honestidad y una buena cuota de verdad.

Ficha técnica

Título original: Mrs. Harris goes to Paris
Año: 2022
Duración: 92 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Hungría; Moonriver Content, Superbe Films, Hero Squared
Género: Comedia. Drama | Años 50. Moda
Grupos: Adaptaciones de Paul Gallico
Guion: Carroll Cartwright, Anthony Fabian, Olivia Hetreed, Keith Thompson. Novela: Paul Gallico
Música: Rael Jones
Fotografía: Felix Wiedemann
Reparto: Lesley Manville, Jason Isaacs, Anna Chancellor, Isabelle Huppert, Alba Baptista, Rose Williams, Lucas Bravo, Lambert Wilson, Christian McKay, Roxane Duran, Ellen Thomas, Guilaine Londez, Delroy Atkinson
Dirección: Anthony Fabian

Resurgir (Causeway) - Por Carlos Correa

Disponible en Apple TV+.

Daño físico, sensorial, intelectual, emocional. Daños en varios frentes, muchos daños. Por un lado, como secuelas de la guerra. Por otro, producto de un accidente automovilístico con fatales consecuencias. Dos almas heridas, muy heridas, que se encuentran casualmente. Todo es sutil, casi sin querer. Caen barreras, emergen sentimientos difusos. ¿Será que se abre paso la vida?

Lynsey -Jennifer Lawrence-, soldado estadounidense destinada en Afganistán, regresa a su casa en New Orleans luego de sufrir severas lesiones al explotar su convoy atacado a quemarropa en una misión operativa. Su madre la acoge luego de un proceso de recuperación física, sin embargo existen bastantes problemas en casa; Lynsey, en verdad, poco y nada puede contar con ella.

Si algo tiene la protagonista es que es una mujer luchadora. Quiere salir adelante, su objetivo es recuperarse pronto para volver a ser asignada a su trabajo, al campo, al terreno. No duda en conseguir un empleo y limpiar piscinas. No le hace el quite al esfuerzo, lo que se propone lo consigue.

Una falla de la antigua camioneta de su madre la conduce a un taller de reparaciones. Allí está James -Brian Tyree Henry-, un tipo bonachón, amable, cordial y servicial. La máquina es del 85, le dice, una joya que se debe reparar. Parece ser solo el carburador pero no tiene el repuesto, hay que encargarlo. Un encuentro breve y preciso, pero significativo para ambos, a partir de ese momento se suceden giros inesperados. Comienza una relación tímida, velada, pausada, que va para allá, que va para acá, tan indefinida como incierta.

Con guion de Elizabeth Sanders, Luke Goebel y Ottessa Moshfegh, y dirigida por Lila Neugebauer, “Resurgir” (“Causeway”, su título original), es una cinta sobre el dolor, el agobio, la presión, la depresión, la angustia y el sinsentido de la vida luego de sufrir una experiencia traumática. Los cuestionamientos íntimos emergen de muy diversas formas, y dan paso a preguntas de fondo sobre la existencia, preguntas más implícitas que explicitas. Ante esta clase de situaciones, ¿dónde se encuentra nuevamente la motivación para vivir?

La cinta está relatada en forma apacible y sin apuro alguno. Hay mucha contemplación, largas secuencias, abundantes silencios. La mayor parte de las expresiones son gestualidades, donde los diálogos -justos y precisos-, enmarcan una comunicación no verbal que se nutre de la profundidad expresada por cada uno de sus actores.

Jennifer Lawrence construye muy bien su personaje. Es creíble desde un inicio, cuando se muestra con problemas físicos importantes, motricidad limitada, y mirada inerte al vacío. Luego, la acción cotidiana, su trabajo, su afán por recuperarse y volver, es consistente. ¿Para qué se esfuerza tanto? ¿Qué es lo que realmente quiere? ¿O solo está tratando de encontrar un camino, una vía, y tal vez a través de ello descubrir el sentido?

Brian Tyree Henry parece ser un perfecto complemento protagónico. Refleja una personalidad que arrastra remordimientos y culpas, un sentido familiar destrozado, una soledad aparentemente asumida pero a la vez desesperanzada.

¿Qué buscan ambos en el fondo de sus corazones? ¿Están huyendo? ¿No quieren enfrentar, en lo más profundo de su ser, una realidad que saben que no pueden cambiar?

“Resurgir” es una cinta triste, melancólica y dolorosa. Es una película sobre procesos profundos y fundamentales, donde el espacio principal lo tiene la amalgama entre dos personas que no necesariamente saben lo que quieren pero que perciben algunas luces sobre lo que necesitan. Es la formación de vínculos aquello que mejor retrata esta película; esa amistad, ese cariño, esa empatía que nace desde un genuino acompañamiento.

“Causeway”, es un filme que conecta emociones interiores y que, a través de cuestiones fundamentales, muestra delicadamente el tránsito hacia una esperanzada resiliencia.

Ficha técnica

Título original: Causeway
Año: 2022
Duración: 92 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, Excellent Cadaver, IAC Films. Distribuidora: A24, Apple TV+
Género: Drama | Ejército. Enfermedad. Guerra de Afganistán
Guion: Elizabeth Sanders, Luke Goebel, Ottessa Moshfegh
Música: Alex Somers
Fotografía: Diego García
Reparto: Jennifer Lawrence, Brian Tyree Henry, Stephen Henderson, Linda Emond, Russell Harvard, Donald Paul, Jayne Houdyshell, Clyde Jones, Timothy Carr, Jaylen Moore
Dirección: Lila Neugebauer

La Caída - Por Juan Pablo Donoso

Inspirada en hechos reales, la guionista y directora argentina Lucía Puenzo (El Niño Pez - 2009 - Señorita 89 - 2022) nos entrega un relato que penetra muy hondo en la sensibilidad femenina.

Historia de anhelos, de sueños de superación, y esperanzas rotas por el abuso de quienes debieran ser los mejores maestros.

Mariel (Karla Souza) es una galardonada clavadista acuática mexicana. Por edad, su carrera deportiva está cerca de terminar. Sólo le falta competir por última vez en las Olimpiadas, ganar medalla de oro y acogerse a retiro.

Durante los arduos entrenamientos, su compañera de salto sufre una lesión y debe ser reemplazada por Nadia, una muchachita adolescente muy promisoria. Ambas competidoras son, y han sido, entrenadas por un experto profesor llamado Braulio (Hernán Mendoza). De hecho, es él quien ha llevado a la cumbre a Mariel a lo largo de su carrera de triunfos.

Mientras se preparan con rigor para la inminente Olimpiada, somos testigos de cómo los años de entrenamiento han afectado la salud física, psíquica y sexual, de la deportista. Se ha postergado como mujer para alcanzar su meta de campeona mundial.

Su fe ciega en la tutoría del entrenador comienza a flaquear cuando nota que el vínculo entre él y la nueva aspirante se estrecha, incluyendo un sesgado erotismo.

Próxima a cumplir 30 años, toma conciencia de que por triunfar debió permitir licencias libidinosas de su maestro en el pasado. Como lo importante era el éxito, recién ahora descubre el uso de tácticas similares hacia la nueva aspirante.

El título - La Caída - ilustra el gradual, y sinuoso, descubrimiento de cómo la fe en un prestigioso guía puede obnubilar a tal punto la moral de los jóvenes que siguen una quimera.

Durante el desarrollo del filme se van revelando verdades ocultas, y causas de la actual condición psíquico/física de Mariel; de la culpa de los padres que - por orgullo -desviaron la mirada, y de cómo la protagonista fue capaz de tomar la decisión más dolorosa de su vida para salvar su propia dignidad.

El tratamiento es sutil. Delicadamente femenino. Se apoya más en las emociones tenues que en la obviedad de la premisa. Junto a las bellísimas tomas de clavados acuáticos, acompañamos el amargo despertar de tantos jóvenes idealistas ante las turbias realidades de la vida.

DOLOROSA DENUNCIA, NARRADA CON SUTILEZA. LA MADUREZ DE UNA AUTOINMOLACIÓN.

Ficha técnica   

Drama, deporte - 2022 Argentina, México, EE.UU. - 1,34 hrs. 

Fotografía: Nicolás Puenzo 

Edición: Misael Bustos 

Música: Rubio 

Diseño Prod.: Marcelo Chávez 

Guion: Mónica Herrera, Samara Ibrahim 

Actores: Karla Souza, Hernán Mendoza, Deja Ebergenyi 

Dirección: Lucía Puenzo

Albertina y los muertos - Por Jackie O.

"Costumbres y respeto".

Un documental interesante. ¿Por qué?
Porque nos muestra más de nuestra cultura, más de rincones del país que pueden ser pasados por alto.

Cada país tiene su historia, y es muy importante conocerla. Hay muchas historias, sí, difícil, a veces saber sobre todas, pero mientras tengamos la oportunidad de enterarnos de alguna, averigüemos. Podemos encontrar joyas.

Esta historia, es un trabajo de mucho tiempo de recopilación de datos y archivos siguiendo a doña Albertina, su familia, y su afinidad con la muerte.

Albertina tiene 79 años, es la matriarca de una comunidad, todos la respetan. Ella dice tener sueños premonitorios, y no se lo cuestionan. Ella, además, no deja de celebrar a la muerte, de hacer actividades para honrarla, y por sobretodo aquellas que auguran buena suerte y espantan el mal.

Las supersticiones son parte del ser humano, así como las creencias, tanto a Dios, al universo, los espíritus, a nada, incluso, o más. Todos tenemos una creencia, sea la que sea, se debe respetar.

Albertina es una mujer que ha trabajado y cuidado de los suyos toda la vida. Vive en Arica, valle de Azapa en una zona con un cementerio indígena.

Este documental nos muestra sus costumbres, que no dejan de asombrarnos, y de cómo, después de su muerte, la costumbre y ritos siguen por ella, por una historia que hay que cuidar.

Vida y muerte. Lo terrenal y espiritual. Acá lo podemos ver.

El ser humano se asusta de la muerte, se llora por los cercanos pues no quieren desprenderse de su ser querido. Y es normal. Acá lo vemos, vemos la pena, pero prima por sobretodo, el festejo ante la muerte pues se pasa a otro mundo. Al mundo de lo que cada uno cree.

El director cuando supo de la historia de esta mujer, de a poco se fue acercando a su entorno para poder plasmar su historia. Le tomó, tal vez años.
Una historia que nos muestra que hay más Chile que lo que conocemos.

Ficha técnica

Dirigida por: César Borie
80 minutos

Chile
Guion: César Borie y Melisa Miranda
Dirección de fotografía: César Borie, Marco Herrera y Wenceslao Miranda
Montaje: Melisa Miranda
Sonido: Sebastián Concha

La banda del guante verde - Por Jackie O.

"La tercera edad, tiene mucho que entregar".

Tres mujeres de la tercera edad, muy amigas, Zuza (Magdalena Kuta), Kinga (Malgorzata Potocka) y Alicja (Anna Romantowska), se han dedicado por años a robar. Por diferentes razones llegaron a eso, pero lo importante es que se encontraron. Y en su último robo, Kinga, quien es la más coqueta y despreocupada, le capta la cámara de seguridad su tatuaje de la muñeca, y comienza la policía a buscarlas. Ante eso, ellas se refugian en un hogar de ancianos, creyendo que si están por un tiempo allí dejarán de buscarlas.

Al llegar a dicho lugar, inventan diferentes males como una ciega, la otra con problemas de memoria, y la tercera problemas a la cadera.
Mientras dos policías, uno a punto de jubilar y una joven, las están buscando, en especial la joven, quien se obsesiona con "la banda del guante verde", pues dejan ellas su marca en cada atraco.

Así comienzan a conocer gente de tercera y cuarta edad, solos, aburridos, desamparados. Y la dueña del lugar, de aspecto siniestro.
En el lugar comienzan a ver que la funeraria va mucho al lugar, muere gente y desaparecen joyas. La curiosidad de estas mujeres hace que comiencen a indagar. Y están dotadas de mucha tecnología que traen a cuestas, y una buena capacidad física (dobles, por su puesto)
Descubren lo turbio del lugar, que está administradora está asociada a la funeraria y a la casa de empeño para cometer fechorías.

Estas tres mujeres descubren la vida en este asilo, la soledad de estas personas al no tener a nadie en sus vidas, o los pocos que van es solo para pedirles dinero o sus bienes, no tienen cariño, fueron dejados y olvidados ahí porque eran una carga, y, además, comparten muy poco entre ellos, por la misma soledad.
Y estás mujeres, desinhibidas y de mucha astucia, comienzan a ayudar a esos y otros ancianos, presa fácil de muchos inescrupulosos. Les cambian la vida.

La serie, la que augura una segunda temporada, es de capítulos de no más de media hora. Se pasan rápido, es una comedia, que a pesar de mostrarnos una dura realidad con los ancianos, le da su toque de humor negro aveces.

La serie tiene varios momentos medios inverosímiles, pero se aceptan.
Lo interesante, creo yo, es que la mayoría del elenco es de tercera y cuarta edad, demostrando que tienen mucho que aportar, en este caso, la parte cinematográfica.

Y aunque la vejez es un futuro incierto, esta historia nos da una sacudida a todos en preocuparnos por los viejos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Gang Zielonej Rękawiczki
8 capítulos

Año 2022

Polonia
Dirección: Tadeusz Sliwa
Reparto: Magdalena Kuta, Malgorzata Potocka, Anna Romantowska, Beata Bandurska, Karolina Rzepa, Miroslaw Zbrojewicz

La Traviatta, mis hermanos y yo - Por Carlos Correa

Vacaciones de verano, preciosas playas, abundante sol. Un improvisado partido de baby futbol es el marco con el que comienza esta película escrita y dirigida por Yohan Manca, basada en “Hédi Tillette” de Clermont Tonnerre. Juegan fútbol los tres hermanos de Nour -Maël Rouin Berrandou-. Parece una vida placentera la que llevan, sin embargo muy pronto nos damos cuenta que es otra la realidad por la que atraviesan.

Nour lleva el relato. Nos describe lo que sucede. Pronto sabemos que su madre está en coma, y se turnan entre todos para cuidarla en una casa asignada por el municipio. No tienen dinero, lo deben conseguir por las buenas y también por las malas. Abel -Dalí Bensalah-, el hermano mayor, es quien asume las mayores responsabilidades, con autoridad y exceso de brío. Mo -Sofian Khammes-, es mecánico, pero se desenvuelve en oficios más lucrativos. Hedi -Moncef Farfar-, es el hermano más rebelde y complicado: está metido en tráfico y varios otros otros dobleces.

Los trabajos de servicio comunitario dan cuenta que han pasado por prisión, o bien están en la mira del servicio social. Nour también, y es asignado a pintar la pared de un establecimiento educacional donde se hacen algunos cursos de verano. Y la música que sale de una de las salas de inmediato le llama la atención. ¿Por qué? En su casa, Nour hace que su madre escuche arias de ópera con la esperanza que se recupere, o al menos se sienta más cómoda con esa música que alguna vez su padre le cantó para conquistarla.

Al interior de la sala desde donde provienen los sonidos se encuentra Sarah -Judith Chemla-, cantante y profesora de varias alumnas que se sorprenden al ver en la puerta a este niño inquieto, de pocas y duras palabras. Sin embargo, y por el interés que ve en sus ojos, Sarah lo acoge y lo incentiva. Asoma “Una furtiva lágrima”. Es la pieza que Nour comparte a su mamá, y sí que la conoce. Intenta cantarla, trata, pero lo descubre el supervisor y se debe ir. De este encuentro casual se desprende lo que vendrá a continuación, una historia profundamente humana, sensible y conmovedora.

En esta película, el arte toma protagonismo como alimento del espíritu. Observamos un descubrimiento, un proceso, un enamoramiento, una pasión. La música es, entonces, un punto de inflexión para Nour, significa una apertura a un mundo distinto, un camino incierto pero posible, tal vez sin un destino definido, pero que se presenta como una oportunidad hacia algo diferente.

En otro carril avanza la situación social de estos hermanos, con su madre en estado de coma. Son altamente vulnerables, deben complementarse, hacer sacrificios, conseguir dinero para medicamentos, algo que se hace más complicado aún por la mala relación entre ellos, peleas continuas, recriminaciones, y una inherente violencia. Pese a todo son una familia, aunque los conflictos hagan de sus vidas algo bastante insostenible.

Que los trabajos comunitarios se desarrollen en ese lugar es algo del destino. El gusto por la ópera de su madre, otro punto coincidente. Se alinean los astros. Nour coloca la música sin saber lo que descubrirá en esas “furtivas” clases. Y va cambiando, tal como la partitura; pasa ahora al “Brindis”, de La Traviatta, y se acerca mucho más a la raíz de la cual nace todo en su hogar. Emerge su sensibilidad, su comprensión, se transporta a otra esfera. La música como sanación para su madre y principalmente para él mismo.

Cámaras inquietas y cercanas entregan primeros planos rudos, retratos crudos, grietas en la piel y en el alma de los protagonistas. Otras imágenes panorámicas entregan contexto, más alejadas, quizá más objetivas, como visualizando un punto de llegada que no sabemos dónde se encuentra.

Hay en “Mes frères, et moi” un relato triste y esperanzador a la vez. ¿El arte es un escape, un reinicio, una llama de bondad o un sentimiento? Caminos cruzados y en proceso, mundos interiores sufrientes. Esto es similar a estar en coma pero en plena vida, despegados de la realidad pero con los pies en una tierra que no es firme, que es de barro, brumosa y difusa.

El relato de Yohan Manca no se aleja de lo que hemos visto más de alguna vez, pero está construido con pilares sólidos, sobre los hombros de actores que resultan naturales, donde muchos diálogos parecen improvisados, usando palabras que surgen espontáneamente y cruzan el aire en espera de encontrar un punto de llegada. Manca tal vez puede ser convencional pero logra contar una historia que lleva a reflexionar, y que nos sumerge en un mundo que ve la esperanza a través del prístino cristal de una melodía.

Ficha técnica

Título original: Mes frères, et moi
Año: 2021
Duración: 108 minutos
País: Francia
Compañías: Single Man Productions
Género: Drama | Familia. Música. Adolescencia
Guion: Yohan Manca. Historia: Hédi Tillette de Clermont Tonnerre
Música: Bachar Mar-Khalifé
Fotografía: Marco Graziaplena
Reparto: Maël Rouin Berrandou, Judith Chemla, Dali Benssalah, Sofian Khammes, Moncef Farfar, Luc Schwarz, Olivier Loustau
Dirección: Yohan Manca

La Sra. Harris va a Paris - Por Juan Pablo Donoso

Un elegante y encantador cuento de hadas contemporáneo.

Hubo una versión anterior en 1992, interpretada por Angela Lansbury y Omar Sharif. Tal vez por ser aquella la primera la recordamos como aún mejor que ésta. La recreación de la novela de Paul Gallico trae ahora algunas diferencias que, manteniendo la fábula original, aporta algunas gratas novedades.

Decimos “cuento de hadas” porque trae reminiscencias de La Cenicienta. Solo que esta vez la pobrecita postergada es una señora madura londinense cuyo rol fue siempre ser aseadora de mansiones adineradas.

Ada Harris, viuda de un sargento fallecido durante la 1ª Guerra Mundial, se asombra de cómo un día cualquiera toda la suerte confluye a su favor. En concurso que se meta ganará. Aprovechando su racha monetaria tomará la decisión de viajar a París a comprar un a vestido que la fascinó en la vitrina de una tienda.

Una vez en París, irá directamente donde Christian Dior para solicitar un vestido similar al de sus sueños. Pero allí será rudamente rechazada por su condición. Gracias a su buena suerte se irá abriendo camino, conocerá milagrosos mecenas, conseguirá su objetivo, volverá a casa y, mediante un bello giro argumental, su generosidad será aún más premiada que al comienzo.

Protagonizada por Lesley Manville (El Hilo Invisible) podremos - ¡por fin! - confirmar el enorme talento de esta actriz británica, a la que a menudo veíamos en filmes anteriores encarnando mujeres duras y antipáticas. Aquí desborda ternura y exquisitos subtextos con solo su mirada. Quien ahora jugará como odiosa será la consagrada Isabelle Huppert.

Todos los personajes secundarios fueron bien escogidos, tanto los ingleses (descollando Ellen Thomas, su amiga negra) como los franceses.

Asistiremos a deslumbrantes desfiles de moda, con un actor muy parecido al verdadero Dior, a cordiales encuentros e ilusiones fugaces, para terminar con la demostración de que a veces el justo lugar en la sociedad es tanto mejor que el falso oropel de los soberbios y poderosos.

GRACIOSA, TIERNA Y MUY ENTRETENIDA. DEJA UNA LECCIÓN DE JUSTICIA Y HUMILDAD. PARA TODOS LOS GUSTOS.

Ficha técnica

Título original: Mrs. Harris Goes to Paris

2022 - Tragicomedia  -1,55 hrs. 

Reino Unido, Canadá, Francia, EE. U.U., Hungría, Bélgica

Fotografía: Felix Wiedemann 

Edición: Barney Pilling 

Música: Rael Jones 

Diseño Prod.: Luciana Arrighi 

Actores: Lesley Manville, Isabelle Huppert, Lambert Wilson 

Guionista y Director: Anthony Fabian

Trilogía Jeepers Creepers - Por Jackie O.

"La creación de un buen personaje".

Se viene la parte cuatro pronto, y ¿valdrá verla?... veremos.
Acá te contaré su historia, o lo que nos mostraron, y qué me parecieron.

El año 2001 nos presentaron una propuesta interesante y horrible. De las películas de terror, de esas con ese monstruo que todos esperan. Un ser que cada 23 años, por 23 días sale a comer, es como si invernara, o ¿tendrá una razón en particular la fecha?

Mientras más come, se va transformando en algo parecido a un ser humano, o por lo menos con miembros y postura.
Su nombre y forma se ganó un sitial en los monstruos asquerosos y reconocidos en el séptimo arte.

Vamos con las películas:
La primera. Una pareja de hermanos va camino a ver a sus padres, por la típica carretera donde no hay un alma, encontrándose con un extraño, oxidado y viejo camión Chevrolet coe 1946, que los asusta. Y al pasar por la casa de este "chofer", en una iglesia, lo ven arrojando unos bultos a un tubo, por lo que deciden ver qué hacía realmente.
Este hecho hace que el joven descubra algo escalofriante, y sean perseguidos incansablemente por este ser. Unos policías tratan de ayudar infructuosamente, después de no haberles creído.
Descubrimos cómo es este demonio, qué busca y para qué.
Las actuaciones son buenas y creíbles, aunque la chica me tenía harta de tanto que hablaba.
Pocos personajes, hizo un buen relato. La puesta en escena es buena. Y el maquillaje muy bueno, pues nuestro personaje parece real.
Un final terrible, donde deja la puerta a otro capítulo.

2. Año 2003. Otro momento de la vida de alguien, horas antes de cumplirse el año número 23, Jeepers se prepara y rapta a un niño. Su padre y hermano comienzan a tratar de saber qué pasó, dando con una navaja que al demonio se le cayó ese día.
En otro punto, cerca, un bus con jóvenes se queda varado en la carretera donde no anda nadie. Recurso que es muy utilizado para que un psicópata o monstruo los persiga.
Y llega la noche donde se cumple el año 23, y Jeepers comienza atacar a los del bus, y a quien se cruce.

¿Se acuerdan del padre y hermano del chico desaparecido? Bueno, están atentos con una radio donde escuchan todo, en especial hechos extraños como le sucedió a su hijo, para ir por él. Y no dudarán en enfrentarlo.
Las actuaciones son variadas, el espanto lo personifican bien.
Ya sabemos lo que quiere y cómo, le encanta el miedo, lo huele y busca a "esa" víctima con el mejor olor, y también por su contextura, pues acumula cuerpos para otros fines, lo vimos en la primera.
Acá, Jeepers le agrega una pizca de humor negro, ante tanta brutalidad. La incertidumbre está, se siente.
El maquillaje es muy bueno, otra vez, y los efectos visuales se ven bien.
Casi todo sucede en el autobus o sus alrededores, eso es meritorio para toda película: una locación.
Lo diferente de esta a la anterior, es que le dan más pelea al monstruo.
Y termina mostrándonos 23 años después, menos 3 días, más o menos. ¡chan!

3. Ya llegamos al 2017, y que nos traen ahora. ¿La continuación de la anterior? No.
Los hechos ocurren entre la primera y segunda película, en donde uno de esos policías de la primera película, el sargento Tubbs, tratará de atrapar y destruir a este ser demoniaco, encontrándose con gente que conoce a nuestro demonio.
Además,  hemos visto en ambas películas que el demonio fabrica sus propias armas, con ciertos símbolos, así que las seguimos viendo acá, cómo equipa a su vehículo, y que prácticamente cobra vida.

La idea de esta película es saber los orígenes de este demonio.
Pero se comienza a desgastar la historia, como en toda saga explotada.
Nos muestra a muchos jóvenes que estorban más que aportan. Eso hace muchos escenarios y diálogos vacíos. Así como adultos que tratan de atrapar a este ser.
Vemos muy poco a este demonio, y cuando lo vemos, tiene ciertos cambios.
La trama es lenta y aburrida. Un guion que no fue bien armado, después de tanto años debieron haber pensado en su trama, debieron haber creado algo bueno. Una decepción.

Jeeper mantiene buena imagen, vestuario, y en especial maquillaje. Es lo único destacable, pues se perdió la tensión.
Varios personajes, varios escenarios, nada interesante.
Y lo peor, nunca sabemos sus orígenes, que fue lo que vendieron.

Disponibles en Youtube, Amazón prime,Movistar Play, Apple Itunes.

Las tres películas fueron escritas y dirigidas por Victor Salva.
Y como Jeepers Creepers, el actor Jonathan Breck.

El Ángel de la Muerte - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Sigiloso es el actuar de Charlie Cullen -Eddie Redmayne-, un experimentado enfermero que llega a cubrir un turno nocturno al Parkfield Memorial Hospital, en Nueva Jersey. La principal beneficiada de esta “mano” adicional es Amy Loughren -Jessica Chastain-, quien sufre una cardiomiopatía y no tiene seguro médico. Su condición es delicada -tanto física como laboralmente-, porque si la revela, podría incluso ser despedida. Necesita al menos cuatro meses activa como enfermera para poder adquirir el seguro y acceder a un transplante de corazón. Charlie se entera de ello y le ofrece una ayuda desinteresada: principalmente mantener el asunto en secreto y cuidar a sus hijos.

La empatía que surge entre Amy y Charlie parece genuina. La confianza entre ambos aumenta progresivamente, y es por ello que cuando surgen los primeros casos de complicaciones inexplicables sufridas por algunos pacientes en tratamiento, nada hace prever que pueda haber algo extraño con este amable enfermero. Si bien existe una investigación en curso, llevada por dos agentes que se enfrentan a la burocracia del hospital, Amy ni siquiera sospecha lo que Charlie realiza en extremo secreto: arrebata vidas, silenciosamente, de forma brutal. Inimaginable.

Basada en la novela de Charles Graeber y con guion de Krysty Wilson-Cairns, “The Good Nurse” está inspirada en hechos reales. Lo que sabemos es que Cullen podría haber estado implicado en la muerte de casi 400 personas, usando un modus operandi casi indetectable, y que poco a poco se va revelando a través de este relato.

La cinta, dirigida por Tobias Lindholm, posee un andar lento. Su punto fuerte es la construcción de personajes, donde donde consigue solidez gracias a la relación que surge entre los dos protagonistas. No es algo efervescente, es más bien íntimo, a fuego lento, rodeado de un halo de misterio, y cuyo elemento principal, la sospecha, recién se cuela en la medianía del metraje.

Jessica Chastain y Eddie Redmayne realizan actuaciones carismáticas y de mucha energía interna. Es cierto que no expresan o tal vez no tienen tanta química entre ambos, pero eso resulta complementario. Es más, creo que es bueno que sea así, porque hay acercamientos pero también bastante resistencia, especialmente de parte de ella, algo que quizás no se puede describir del todo pero que se nota en los gestos y en el actuar de ambos. Los personajes secundarios, eso sí, resultan algo toscos, en especial los detectives interpretados por Nnamdi Asomugha y Noah Emmerich. Adquieren poca profundidad, como que son observados muy de lejos, poco imbuidos en un relato que se sustenta casi exclusivamente en los hombros de Chastain y Redmayne.

En la cinta encontramos una buena descripción de los ambientes intrahospitalarios. Son creíbles, sobre todo el reflejo de la desidia de unos empleadores que, aun teniendo fundadas sospechas, no quieren involucrarse o, seguramente, no quieren arriesgar alguna demanda por negligencia, falta de control o sencillamente por inacción.

La historia de fondo que presenta este filme es más cautivante que la película en sí misma. La correcta realización cinematográfica no oculta lo irregular de su ritmo, el que no logra una velocidad que imprima mayor sentido de urgencia, es decir, que queramos saber prontamente mayores detalles acerca de un desenlace que conocemos. El resultado es una cinta sin demasiado vuelo, cuya tensión mayor solo sobreviene desde la sección intermedia y que, de ahí en más, surca con ciertas dificultados sus intermitencias narrativas.

Sostener un filmación de dos horas sobre una temática interesante, pero sin entregar mayores elementos de tensión, y además dejando casi totalmente la responsabilidad entregada a los roles protagónicos, es algo osado, un riesgo y una apuesta que puede, o no, dar resultado. En este caso me parece que estamos ante una cinta interesante e inquietante, y que, aunque no cuaje del todo, despierta interés por conocer más detalles de este llamado “ángel de la muerte”, su ininteligible personalidad, sus secretas motivaciones, y especialmente, el por qué de su silencioso y criminal actuar.

Ficha técnica

Título original: The Good Nurse
Año: 2022
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Filmnation Entertainment, Protozoa Pictures. Productor: Darren Aronofsky. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller | Basado en hechos reales. Crimen. Asesinos en serie
Guion: Krysty Wilson-Cairns. Novela: Charles Graeber
Música: Biosphere
Fotografía: Jody Lee Lipes
Reparto: Jessica Chastain, Eddie Redmayne, Nnamdi Asomugha, Kim Dickens, Noah Emmerich, Ajay Naidu, Devyn McDowell, Chris Henry Coffey, Brooke Stacy Mills, Alix West Lefler, Marcia Jean Kurtz, Victor Cruz, Gabe Fazio
Dirección: Tobias Lindholm

Raymond & Ray - Por Carlos Correa

“Marca paterna”

Dos hermanos distantes. Ambos quieren olvidar -y desconectarse- del pasado. Siguen caminos diferentes, pero la muerte de su padre los reúne y todo cambia. Se trata de Raymond -Ewan McGregor-, quien visita a Ray -Ethan Hawke-, para contarle la noticia y, además, compartir que el último deseo del fallecido progenitor es que los dos concurran a su entierro. Las dudas son naturales, y la reticencia inicial de Ray es bastante entendible. Un padre duro, exigente, terrible, a quien recuerda falto de cariño y de protección, ¿por qué querría él ir a despedirlo? ¿ Y por qué Raymond parece tan convencido de asistir?

Pese a sus cruzados impulsos, a regañadientes deciden ir. En el lugar encuentran a otras personas, diferentes, y todas con vínculos distintos con, a esta altura, esa especie de ogro de las montañas. Y la lista de últimos deseos aumenta la cuota emocional y la carga afectiva; son todos difíciles, complejos, con indicaciones en extremo rigurosas. Por supuesto surgen sorpresas a poco andar y hay dos preguntas que se repiten una y otra vez: ¿en verdad conocieron a su padre? ¿Se conocen ellos realmente?

A veces no se dimensiona cuánto puede afectar la relación paterna en los hijos, como los representados por Raymond and Ray. Por supuesto, depende del lado en que se esté, siendo hijo o siendo padre. Recuerdo que de niño admiraba a mi padre, algo que fue decayendo naturalmente con los años, situación que se ha revertido profundamente, en especial luego de su muerte después de cumplir largos 90 años. Esta película me llevó a recordar aquello, porque ese rencor-odio, versus ese amor-cariño que sienten estos hijos por su padre está separado por una delgada línea que se mueve a través de emociones explícitas (las menos) e implícitas (las más y más profundas). Es que el silencio dice mucho, y las miradas y gestos contienen una enormidad de sensaciones y de sentimientos que a veces los textos no son capaces de transmitir apropiadamente.

Tal vez esta película, escrita y dirigida por Rodrigo García, no tiene un vuelo cinematográfico tan alto, pero en mi caso, me llega en forma bastante directa, producto de mis recuerdos. Tenemos que tener claro que cada uno es su propia historia y que el camino es siempre hacia adelante. No es posible volver atrás -al menos en este tipo de situaciones-, por lo que debemos de verdad asumirlo así. A veces olvidamos esto que es tan básico y que significa dar vuelta la página de todo aquello que no podemos cambiar; debemos sencillamente continuar.

Tal vez la reflexión en este caso se aleje un poco de la película y de la historia. Y esto es un ejemplo más que a cada uno, los relatos nos tocan de manera diferente. A lo mejor estoy construyendo mi propia película a través de “Raymond & Ray” lo que, en esencia, no es para nada reprochable. ¿Será que el mensaje principal de esta cinta tiene que ver con el destino? Hay algo de conformismo, tal vez, o de aceptación de la realidad, o de pasar nuevamente por el cedazo un sin fin de situaciones vividas, y comprendidas ahora de una manera diferente. Puede ser un poco de todo esto y tal vez más. Quizá, es lo que con el correr del tiempo y de los años llamamos madurez: una visión calmada, crítica, especial y diferente, con otra perspectiva, y permeada por la experiencia de la vida.

Ficha técnica

Título original: Raymond & Ray
Año: 2022
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Apple Studios, Mockingbird Pictures. Distribuidora: Apple TV+
Género: Drama. Comedia | Familia
Guion: Rodrigo García
Música: Jeff Beal
Fotografía: Igor Jadue-Lillo
Reparto: Ethan Hawke, Ewan McGregor, Sophie Okonedo, Maribel Verdú, Tom Bower, Maxim Swinton, Chris Silcox, Chris Grabher, Vondie Curtis-Hall, Todd Louiso, Gina Jun, Laura Linda Bradley
Dirección: Rodrigo García