Vincenzo - Por Jackie O.

"El mal es poderoso"

Siendo pequeño, Park Joo-hyung fue adoptado por una familia italiana. En dicho país se convierte en abogado, y principalmente en consigliere de la mafia, en ese trabajo es "adoptado" por Don Fabio, jefe de la Familia Cassano, siendo rebautizado como “Vincenzo Cassano”, convirtiéndose en mano derecha de él.

Cuando don Fabio muere, Paolo, el hijo biológico de él y el nuevo líder de la familia Cassano, intenta matar a Vincenzo, pues no soporta que su padre lo haya querido más a él, y le haya dado poder al morir.
Por tener precio su cabeza y evitar problemas, porque miedo no tiene, Vincenzo prefiere irse a su país natal, Corea (Seúl), pero su ida a esa ciudad es por algo más importante, irá a recuperar toneladas de oro que ayudó a un magnate chino a esconder en un sótano de un viejo edificio llamado Geumga Plaza. Este magnate murió, y solo dos personas saben de este oro, porque a los trabajadores que construyeron esa bóveda fueron asesinados para que no difundieron este secreto. Pero no le resulta fácil sacar ese oro a Vincenzo y su aliado, porque una empresa llamada Babel Group, se ha apoderado ilegalmente del edificio, y Vincenzo debe usar sus habilidades para reclamar el edificio con el fin de recuperar el oro. Pero eso no termina ahí, hay algunos inquilinos en el edificio que se han negado a dejar su fuente laboral y hogar. Debiendo ingeniárselas para sacarlos del lugar.

Los inquilinos están compuestos por, el bufete de abogados Jipuragi dirigido por Hong Yoo-chan junto a su asistente, quienes velan por los intereses de dichos inquilinos y a otras personas que merecen justicia. Hong tiene una hija, Hong Cha-young, con la cual se lleva mal ya que ella defiende a empresas inescrupulosas, y a ella solo que le paguen bien. Y por supuesto será el "posible" interés amoroso de Vincenzo. El resto de los inquilinos: el matrimonio de la casa de empeño, el maestro de danza, la maestra de piano, los dos monjes budistas, el cocinero que se cree italiano, una madre con su hijo preadolescente que tienen una cocinería, y el dueño de una lavandería. Todos ellos ocupan el tercer piso, y no quieren irse del lugar. A pesar de que "Babel" les envía matones para hostigarlos.

Pues Babel es una empresa corrupta que ha comprado a las autoridades máximas que operan el país: sistema administrativo, legislativo, judicial, a la prensa, policía, políticos, financieros, etc. Todos los que manejan el país vendidos al presidente de esta empresa, su líder los tiene comiendo de su mano. Transformándose en otro gran enemigo para nuestro protagonista.

¿Podrá Vincenzo sacar a los inquilinos? ¿Podrá derrotar al líder del grupo Babel? ¿La mafia lo encontrará para asesinarlo?
¿Podrá recuperar el oro y largarse de Seúl?

Una serie que tiene mucha comedia, pues los inquilinos son divertidos, muy caricaturescos, donde a veces exageran sus cualidades y defectos.
Vemos como las personas al conocerse, o darse esa oportunidad, pueden cambiar para mejor.

Pero no es una serie familiar, ya que hay mucha corrupción, muchos asesinatos, droga, y maldad explícita.
Vemos mucha bondad en algunas personas, justicia en favor de los más desposeídos, pero prima mucho las cosas negativas que nacen por la ambición en dinero y poder, así como la falta de valores.

Para maratonearla.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Creado por Studio Dragon
Guion: Park Jae-bum
Director: Kim Hee-won
Protagonistas: Song Joong-ki, Jeon Yeo-been, Ok Taec-yeon, Kwak Dong-yeon,Jo Han-chul, Kim Yeo-jin, Yoo Jae-myung
País: Corea del Sur
Género: Crimen,Romance, Comedia negra
20 capítulos, 1 hr 20 min. aproximadamente, cada capítulo

Año 2021

Indiana Jones y el Dial del Destino - Por Carlos Correa Acuña

La apertura de esta quinta entrega de “Indiana Jones” nos remonta a 1944, postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, y ese contexto es importante porque vemos en Europa al Dr. Henry Jones -un incombustible Harrison Ford-, con la misión de recuperar preciados objetos robados por los nazis, además de evitar, junto a su colega y amigo Basil Shaw -Toby Jones-, que Jürgen Voller -Mads Mikkelsen-, un excéntrico científico nazi, obtenga el Arquímedes Dial, complejo dispositivo capaz de permitir viajes en el tiempo.

Pero pasan 25 años y el tiempo no transcurre en vano. Jones, al borde de jubilarse de su cátedra y aún con muchos devenires, se siente incómodo por la carrera espacial -Estados Unidos versus Unión Soviética-, debido la inclusión de ex nazis en los diversos programas Apolo. Por supuesto que nuestro protagonista tiene toda la razón, porque Voller se ha infiltrado allí al conseguir un protagónico cargo, y aún mantiene su obsesión de obtener el “Dial”, cueste lo que cueste. Son tantos los potenciales peligros que esta situación conlleva, que Indiana, junto a la hija de Basil (y además su ahijada), Helena Shaw -Phoebe Waller-Bridge-, emprenden una arriesgada cruzada para detener a este loco desenfrenado, de paso proteger al mundo, y, lo que no es menor, impedir que la historia sea reescrita.

James Mangold dirige esta nueva secuela con pulso firme. La apertura es grandiosa -mucho más que solo un guiño a las tres primeras cintas de la saga-, y observamos, casi con nostalgia, aquello que en su momento fue el sello distintivo que marcó nuestra niñez y adolescencia. Las secuencias iniciales están hechas a la más pura esencia de “Indiana Jones”, y por supuesto es algo que conocemos de memoria y además hemos visto muchas veces. ¿Entonces, por qué no pierde fascinación, al menos para mí? Es difícil describirlo, pero cuando uno ha estado inmerso por décadas en este fantástico mundo, tal vez nada sobra, y los excesos lejos de ser un pecado son, por el contrario, justamente lo que queremos y buscamos presenciar.

Cuando la película avanza, con ese salto de 25 años, comienza a construirse una nueva historia, y creo que allí está la mayor particularidad de esta entrega, pues sin lugar a dudas su énfasis está en el momento de la vida en que “Indy” se encuentra. No es al azar que el artefacto permita hacer viajes en el tiempo aprovechando aperturas o grietas. Tampoco lo es que su inventor, milenios antes, lo haya separado en dos partes para que ojalá nunca fuera encontrado. Y claro, los descubrimientos de Basil, sumados a esos códigos ocultos que también deben ser hallados, definitivamente entregan sentido a la obsesión de Voller por modificar -desde fases tempranas-, el curso de la historia. ¿Pero, qué tiene que ver en esto la edad del protagonista? A mi modo de ver, tiene completa relación, porque a fin de cuentas lo que estamos haciendo es viajar con él y acompañarlo en un periplo que es mucho más extenso que esta película; y me arriesgo aún más: la invitación es a vivir con él el paso del tiempo y todo lo que eso significa, es decir, cuestionar si existe un futuro, si todo está dicho y es tiempo de retirarse a los cuarteles de invierno, o bien constatar que ya no existe un fin último o una razón poderosa para continuar en este mundo.

Harrison Ford está notable, no solo por su habitual prestancia sino por la solidez que logra impregnar en cada una de sus secuencias. No flaquea en ningún momento, y sostiene siempre el relato en sus hombros con una serenidad que solo la experiencia de los años es capaz de entregar. Phoebe Waller-Bridge lo acompaña de forma estupenda, poniendo el contrapunto femenino y también esa diferencia generacional que la película se encarga de remarcar a cada instante. Por cierto, el personaje que Mads Mikkelsen logra construir, resulta certero y muy interesante, porque no es solo un villano sin escrúpulos, sino que además es inteligente y posee un fondo -absolutamente cuestionable por cierto-, que tiene toda lógica y sentido. Podríamos decir, incluso, que es un malvado culto, astuto y hasta con buenos modales y buen gusto, un deschavetado “con clase”, muy a la altura de los eruditos a los que debe enfrentar.

Párrafo aparte para John Williams, el maestro, el compositor; me aventuro a decir, casi co director. La cinta, en sus dos horas y media, es un verdadero concierto, un manjar musical, con una partitura que vuela por sí misma y que nos hace preguntarnos -como siempre-, qué sería de la escena sin este personaje sonoro que marca los ritmos, señala los cambios de acción, anticipa emociones, y nos pone en alerta cada vez que se vislumbra una nueva variante de la trama. ¡Sencillamente de excepción!

“Indiana Jones and the Dial of Destiny”, es para fans, no tengo dudas. Solo me pregunto el grado de aceptación y alcance en generaciones más nuevas que no conocen la historia o simplemente no han descubierto aún este mundo. Tal vez allí la película no funcione del todo, porque tiene muchas reminiscencias y códigos que para nosotros son totalmente naturales. Y claro, tal vez no existe modo de hacerla más transversal porque sería traicionar su esencia y posiblemente allí correría el riesgo de alejarse del nicho sobre el que camina con paso firme y seguro.

Entretenida, vertiginosa, aunque quizá un poquito larga, esta entrega final no defrauda en absoluto. Tiene todos los condimentos que esperamos, y por eso salimos del cine encantados, una vez más, felices de presenciar un acto de magia, una transportación única que nos hace, literalmente, viajar en el tiempo para volver al momento de nuestra propia historia cuando fuimos testigos -y además nos hicimos amigos- de las primeras aventuras del inmortal Indiana Jones.

Ficha técnica

Título original: Indiana Jones and the Dial of Destiny
Año: 2023
Duración: 154 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Amblin Entertainment, Lucasfilm, Paramount Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Aventuras. Acción | Secuela
Guion: Jez Butterworth, John-Henry Butterworth, James Mangold. Personajes: George Lucas, Philip Kaufman
Música: John Williams
Fotografía: Phedon Papamichael
Reparto: Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridge, Antonio Banderas, John Rhys-Davies, Toby Jones, Boyd Holbrook, Mads Mikkelsen
Dirección: James Mangold

Indiana Jones y el Dial del Destino - Por Jackie O.

"La nostalgia de una aventura que siempre quedará"

Sinopsis: El gran arqueólogo y temerario Indiana Jones, corre contra el tiempo para recuperar un dial legendario que puede cambiar el curso de la historia. Acompañado por su ahijada, pronto se enfrenta a Jürgen Voller, un exnazi que trabaja para la NASA.

Indiana, un personaje que pasó a la historia de grandes personajes de la pantalla, e interpretado por un excelente actor, nos ha regalado cuatro buenísimas historias de aventura y fantasía. Ahora, en su quinta y última entrega, no deja de deleitarnos.

La historia se centra en un instrumento que tiene la particularidad de viajar en el tiempo, y por ende, poder viajar al momento que queramos, y tal vez, cambiar el curso de la historia; a muchos les parece más que interesante esa situación.
Vemos a Indy y su amigo Basil, a fines de los años 30, en pleno conflicto nazi buscando una lanza muy particular, pero terminan encontrando el "Dial de Arquímedes", hecho que nos lleva a intrépidas peleas y mucha acción. Para luego ver a este viejo amigo, ya en su etapa de jubilación, encontrándose con su ahijada, hija de Basil, quien busca esa preciada pieza. Pero no es la única que la busca, llevándonos nuevamente a las persecuciones, peleas y situaciones adrenalínicas que solo Indiana Jones sabe dar.

Nuestro antagonista, un malvado sin escrúpulos ex nazi, pero que ahora trabaja para la Nasa y responsable del éxito del hombre a la luna, tiene planes nada de buenos con el Dial de Arquímedes.

Vemos persecuciones en diversas ciudades, acción en tierra y mar, buenos diálogos, toques de humor justos y en el momento preciso, buen elenco en su mayoría (un gusto ver a viejos amigos), muy buena puesta en escena, con vestuario y maquillaje acorde. Efectos visuales buenos y justificables. Esto último, fue criticado en su momento cuando se lanzaron los trailer, pero cuando vean la película se darán cuenta que están totalmente justificados esos "filtros rejuvenecedores".
Harrison Ford, espectacular, a sus 80 años aún nos fascina con películas de acción, tiene mucho aún para seguir entregándonos.

Bellos parajes hacen una fotografía destacada, con o sin cgi. Nos transportan en el tiempo.

En que puedo reparar, un poco en Phoebe Waller-Bridge y Ethann Isidore, personajes que, si bien realizaron un buen trabajo, en lo personal no terminaron de convencerme en un 100%. Algo faltó para que le dieran más profundidad a sus personajes.

Ambiciones desmedidas por el poder, sacar provecho económico, amistad, lealtad, y preservar la historia a toda costa, y mucho más nos entrega esta entretenida cinta.

En resumen, una buena película y un gran cierre para un gran personaje.

Ficha técnica

Indiana Jones and the Dial of Destiny
Director: James Mangold
Story by: George Lucas, Philip Kaufman
Música: John Williams
Protagonista: Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridge, Antonio Banderas, John Rhys-Davies, Toby Jones, Boyd Holbrook, Mads Mikkelsen
154 minutos 

EEUU

Indiana Jones y el Dial del Destino - Por Juan Pablo Donoso

Quinta y última secuela de la exitosa saga de Indiana Jones, creada originalmente por Steven Spielberg y George Lucas en 1981.

Esta vez, muy bien conducida por James Mangold, nos encontramos con el legendario aventurero a los 80 años cansado, solitario, deprimido, pasando sus días en paños menores. Quien antes llegó a librar en el Santo Grial hoy bebe whisky en una vieja petaca mientras en la calle se festeja la llegada del primer hombre a la luna.

Asistimos, antes de jubilar, a su última clase de Arqueología en la Universidad frente a un grupo de alumnos aburridos, y solo interesados en leer sus celulares.

De visita entre ellos hay una oyente ocasional, la única obstinada en persuadir al viejo maestro de ir a Siracusa, en Italia, en busca de un antiguo artefacto creado por Arquímedes (276 a C) capaz de alterar el tiempo y retroceder en la historia.

La mujer ahora adulta, es Helena (Phoebe Waller-Bridge), ahijada suya de quien perdió el rastro hace demasiado tiempo. Era hija de Shaw (Toby Jones), un científico con quien Indy vivió peligrosas aventuras tratando de recuperar tesoros saqueados por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Para la codiciosa Helena recuperar el mecanismo sumergido significaría sólo ganar dinero. Pero ante la posibilidad de que un antiguo oficial nazi, hoy convertido en un sabio de la NASA, obtenga el aparato, y logre alterar el curso de la Historia, Indy desempolva su viejo sombrero calañés y el látigo, para adelantarse en rescatar el prodigioso artilugio.

Al igual que en todas la aventuras anteriores esta película desborda, desde su primera secuencia, titánicas escenas de acción. Habrá persecuciones en frágiles vehículos por callejuelas de diversos países, combates cuerpo a cuerpo y, lo evocativo será el reencuentro con viejos amigos de gestas anteriores, todos nostálgicos por revivir momentos de pasados riesgos y triunfos.

El despiadado enemigo será el Dr. Jürgen Voller (carismático villano Mads Nickelssen), caricatura perversa de lo que pudo haber sido un desquiciado Werner von Braun. Y como culminación esotérica del mágico poder del “dial del destino”, su posesión nos permite volver al siglo III a.C. y mantener un encuentro humanitario y decisivo, ni más ni menos, que con el mismísimo Arquímedes.

El director James Mangold, y los dos guionistas Butterworth, más David Koepp, supieron mantener la vara alta en esta saga de 2,32 hrs. combinando la intensa acción con diálogos precisos, momentos de buen humor y, muy acertadamente, contar con el protagonismo de Harrison Ford quien, a sus 80 años, demuestra que aún puede dar vida y emoción a su legendario Indiana Jones.

BRILLANTE CAPÍTULO FINAL DE UNA SAGA QUE FASCINÓ CON SUS AVENTURAS A VARIAS GENERACIONES DURANTE LOS ÚLTIMOS 42 AÑOS. EMOCIONANTE Y AMENA PARA TODOS LOS PÚBLICOS. MUY RECOMENDABLE EN SU GÉNERO.

Ficha técnica

Título Original: Indiana Jones and the Dial of Destiny

2023 Aventuras EE.UU. - 2,34 hrs. 

Fotografía: Phedon Papamichael 

Edición: Andrew Buckland, Michael McCusker, Dirk Westervelt 

Música: John Williams 

Diseño Prod.: Adam Stockhausen 

Guion: Jez Butterworth, John-Henry Butterworth, David Koepp 

Actores: Harrison Ford, Karen Allen, Mads Mikkelsen 

Director: James Mangold

El Pueblo - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Kamonmura es el escenario de esta película del realizador Michihito Fujii. Se trata de un pueblo hermoso, rodeado por montañas y valles, alejado del mundanal ruido de la gran ciudad. Mejor definido como una villa, los pocos habitantes del lugar se mueven en torno a un proyecto que ha modificado por años el entorno, un vertedero de basura a gran escala cuyas perjudiciales consecuencias se encuentran a la vista.

Pero no toda pasa por la incidencia que la gigantesca planta produce en el medio ambiente. Para obtener sustento, muchas personas realizan labores de selección y clasificación de basura, incluso de noche, en precarias condiciones de trabajo. Uno de ellos es Katayama Yu -Yokohama Ryusei-, un tímido y desesperanzado joven que lucha por pagar las deudas de su madre y que además debe lidiar con una historia familiar que ha limitado sus posibilidades de cara al futuro.

Yu lo pasa mal. Su bajo perfil no le ayuda en nada para enfrentar las bromas y el maltrato de sus compañeros. Tampoco logra sobreponerse a las presiones sociales que le obligan a hacer cosas contra su voluntad. Sin embargo, una luz de esperanza emerge cuando Nakai Misaki -Kuroki Haru-, su novia de la infancia, regresa de Tokio luego de 10 años. El reencuentro marca un antes y un después, un punto de inflexión, un impulso. Yu se empodera e incluso acepta nuevas responsabilidades en la empresa, justo en un momento en que las cosas comienzan a complicarse, tanto en el ámbito personal, como también en su entorno social.

El reposado tránsito que propone Michihito Fujii incluye una gran diversidad de temas. El más explícito, naturalmente, es la vida de Yu y su transformación, pero subterráneamente surgen otras aristas que podrían describirse como metáforas, referidas tanto a algunas situaciones cotidianas como a otras muy profundas: por ejemplo, la misteriosa ceremonia "Takigi Noh", o la frustración que expresa Misaki por tener que retornar a su lugar de partida. Asimismo, la cinta explora las marcadas desigualdades sociales -acentuando aquello de pueblo chico, infierno grande-, los ambientes de trabajo insanos, la falta de oportunidades, el abuso de poder, la corrupción y la ludopatía, entre otros temas.

El ritmo impreso al metraje es verdaderamente una preparación a fuego lento, sin embargo también resulta un poco irregular, lo que se manifiesta en el desarrollo de cada uno de los tramos de la cinta y en la configuración de sus personajes, en especial en quienes cumplen los roles de soporte. Cierta delgadez en algunos de ellos, en comparación con la excelente actuación de su protagonista, Yokohama Ryusei, pone de relieve un desequilibrio que, aunque por momentos sea leve, podría causar algún grado de desconexión y desatención en algunos espectadores.

Llama la atención la forma en que Fujii va dibujando el relato. Entrando bastante en él, las pistas son poco claras y el derrotero no se percibe diáfano. Aún así, y sin urdir mayores explicaciones, el guionista se arriesga abriendo más temas con caminos de difícil anticipación, mezclando algunas capas y sumando incertidumbre a una resolución que puede resultar imprevista e inquietante.

“Village”, en sus dos horas de duración, se aparta un poco de la clásica mirada del cine japonés al sumar elementos de thriller a los siempre cuidados detalles, una nebulosa que impregna el ambiente y que nos hace dudar de todo lo que observamos. Es inevitable que hagamos inferencias, aunque no resulten del todo acertadas, lo que se transforma en un mérito de este director que logra incursionar con su cine de autor en una plataforma de streaming masiva en la que no estamos acostumbrados a ver trabajos de este tipo, obras aparentemente tranquilas y reposadas que contienen una profunda carga y peso interior.

Ficha técnica

Título original: Village
Año: 2023
Duración: 120 minutos
País: Japón
Compañías: Star Sands
Género: Drama
Guion: Michihito Fujii
Fotografía: Tomoyuki Kawakami
Reparto: Ryusei Yokohama, Haru Kuroki, Arata Furuta, Shido Nakamura, Wataru Ichinose, Daiken Okudaira, Ryuto Sakuma, Tetta Sugimoto, Naomi Nishida, Hana Kino
Dirección: Michihito Fujii

La Diplomática - Por Jackie O.

"La diplomacia"

Sinopsis: La serie se centra en Kate Wyler, la nueva embajadora de Estados Unidos en el Reino Unido, que tiene que desactivar las crisis internacionales, forjar alianzas estratégicas en Londres y adaptarse a su nuevo lugar en el centro de atención mientras intenta salvar su matrimonio con el diplomático de carrera Hal Wyler.

No podemos decir que la política no nos interesa ya que vivimos de ella, todo lo que se mueve para estabilizar un país es en base a políticas, donde los "líderes" definen nuestra vida: qué comeremos, cómo nos transportamos, dónde viviremos, en qué lugar podemos estudiar, incluso si vamos a guerra, etc., todo es en base a personas que son elegidas democráticamente (es la idea, aunque aún en algunos lugares del mundo no es así).

Es así que, Kate Wyler debe verse enfrentada a la toma de decisiones como representante de un país, para lo cual debe también tener presente las costumbres del país en el que está, le guste o no, rodeándose de un buen equipo que supervisa desde lo que vestirá hasta las opiniones que emitirá. Con un marido, ex embajador, que aún no supera no ser él la autoridad, haciendo lo posible por entrometerse en situaciones que no le corresponden, hace que el matrimonio vaya en desgaste, en crisis; pero les ordenaron no divorciarse, son políticos y representan un país, no pueden mostrarle al mundo que no son capaces de mantener estable y en armonía un matrimonio.

El estrés no se detiene, pues siempre se debe estar tomando desiciones, pareciera que no hay minuto de descanso. Y esta mujer, con poder, se mueve con prestancia, cordura (a veces), estabilidad y desestabilidad, ante momentos en que una sola palabra puede cambiar el rumbo de un país.

Cuando creemos que las autoridades están para el servicio de su país, un servidor público, nos encontramos con gente que abusa de esa estabilidad y poder a su beneficio, hecho repudiable. Las traiciones y atentados contra la vida solo por poder, por beneficio personal, dejando de lado los intereses de una nación, son cometidos sin escrúpulos. Temas que nos golpean ya que no es ficción, es real lamentablemente en muchos lugares (o todos).

A pesar de que trata temas actuales mencionando países que se encuentran en conflicto y con diálogos interesantes, estos son repetitivos, donde hay momentos en que cansa, ya que extienden innecesariamente hechos, y agregan situaciones que quieren hacerlas graciosas que no funcionan. Con algunos personajes interesantes y bien actuados, aunque la mayoría son aburridos que no llaman la atención, sí debo destacar a los protagonistas Keri Russell y Rufus Sewell, como este matrimonio que deberá tomar la decisión de estar juntos o separarse, qué es más fuerte, el deber como país o el descanso emocional... ambos mantienen roles creíbles, tienen química y soltura para desenvolverse en un ambiente hostil, donde hay que cuidarse las espaldas.

Aunque la puesta en escena y el vestuario es bueno como sus protagonistas, es un trabajo que no termina de convencer.

Y se viene segunda temporada.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Creado por Debora Cahn
Protagonistas: Keri Russell, Rufus Sewell, Ali Ahn, David Gyasi
EEUU

Año: 2023
Temporadas: 1
Episodios: 8
Género: Drama y Suspenso político

Misión de Rescate 2 - Por Carlos Correa Acuña

Secuela de la película del 2020, esta segunda parte nos sorprende con la recuperación milagrosa de Tyler Rake -Chris Hemsworth-, este ex operador australiano de SAS reconvertido en un mercenario que realiza operaciones secretas. Milagrosa, sí, porque lo dejamos al borde de la muerte y perfectamente podría haber cruzado ese umbral, sin embargo, gracias a su gran fortaleza interna, mucha ayuda técnica y gran apoyo humano, Tyler ha podido salir adelante e iniciar un duro camino de recuperación.

En eso está, en una alejada cabaña montañosa de Austria, cuando llega un extraño personaje a solicitarle una nueva misión, el rescate de la hermana de su ex mujer, Ketevan -Tinatin Dalakishvili-, y sus dos hijos, Sandro -Andro Japaridze- y Nina, encarcelados en la prisión de Tkachiri en Georgia junto al marido gángster de Ketevan, Davit Radiani -Tornike Bziava-.

El operativo es claro como el agua, y también conlleva un riesgo muy alto. Por eso, Tayler pide ayuda a Nik Kahn -Golshifteh Farahani-, y a su hermano Yaz Kahn -Adam Bessa-, con el objetivo de conformar un escuadrón que, sabemos, procede de forma pulcra hasta en las condiciones adversas más extremas. Lo que viene después es un manjar de acción. Corresponde al ingreso y extracción de los objetivos a través de diversos laberintos, con peleas descomunales, y con un despliegue escénico espectacularmente retratado desde los cuatro puntos cardinales. El tema es que muy pronto se deja caer la mano de la venganza, esta vez de parte del hermano de Davit, el brutal Zurab -Tornike Gogrichiani-, y allí sí que las cosas se complican bastante más de la cuenta.

“Extraction 2”, dirigida por Sam Hargrave, ejecuta correctamente el texto de Joe Russo, quien junto a su hermano Anthony Russo, son productores del filme. Si bien podríamos decir que lo que vemos en pantalla es un poco más de lo mismo, otra cosa es hacerlo bien, en forma acertada, y que, por cierto, logre capturar nuestra atención. Esos tres aspectos los encontramos en esta película, además del carisma del protagonista -en un rol diferente al archiconocido Thor-, el que contribuye a crear el mito de tipo invencible, increíble, imbatible, es decir, alguien que casi no es de este mundo.

La filmación es atractiva, tanto en sus tomas como en la edición de sus diferentes secciones. Cada etapa tiene sus ritmos, se intercalan con precisión, y tal como en la cinta anterior, su sello principal, aquello que resulta deslumbrante, es la escena central, filmada como plano secuencia, el que esta vez se extiende por cerca de 21 minutos. Un ojo entrenado podría distinguir los posibles momentos de corte, bastante imperceptibles por lo demás, pero eso no le quita ningún mérito a una secuencia impactante que involucra destreza, entrenamiento y estudiadas coreografías, todo aquello supervisado por un notable equipo de producción pendiente de cada detalle pues allí se juega todo.

“Misión Rescate 2” es entretención y adrenalina en estado puro. Vibrante y tensa, no permite que nos despeguemos de la pantalla, salvo en algunas escenas de descanso que afortunadamente no producen un corte o un bajón en su ritmo frenético, sino que, por el contrario, se agradecen para bajar las pulsaciones y poder respirar con un poco más de calma.

Aunque segundas partes no son buenas -se dice-, esta, al menos, se sitúa al mismo nivel de su predecesora, lo que es bastante decir, ya que no contiene muchas novedades, y repetir recursos no siempre es la fórmula ideal para asegurar el éxito. Bien, entonces, por la experiencia de los hermanos Russo, y bien también por los deseos que esta historia se transforme en saga, universo o multi lo que sea. Si consigue la atención necesaria y además logra encantar, seguramente tendremos muchas más, y es de esperar que puedan logra un adecuado desarrollo. Ojalá tomen más riesgos, y diversifiquen la trama de las ya expuestas aristas que entregan sus diferentes protagonistas, dos puntos que considero importantes a la hora de continuar las aventuras de un nuevo aspirante a personaje de culto.

Ficha técnica

Título original: Extraction 2
Año: 2023
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Netflix, AGBO, Wild State, TGIM Films. Distribuidora: Netflix
Género: Acción | Secuela
Guion: Joe Russo. Historia: Ande Parks, Anthony Russo, Joe Russo. Novela gráfica: Ande Parks, Fernando León González
Fotografía: Greg Baldi
Reparto: Chris Hemsworth, Golshifteh Farahani, Adam Bessa, Olga Kurylenko, Tinatin Dalakishvili, Andro Japaridze, Miriam y Marta Kovziashvili, Tornike Gogrichiani, Tornike Bziava
Dirección: Sam Hargrave

Anna Nicole Smith: Tú no me conoces - Por Jackie O.

"Todo sea por la fama y el dinero".

Una de las conejitos PlayBoy más famosas del mundo, y su bullada vida y muerte.
Un documental en donde escucharemos el testimonio de la ex conejita de Playboy convertida en actriz, modelo y farandulera, de su propia voz, por archivos de ella, también de su familia, amigos y conocidos, que nos hablarán quien fue Vickie Lynn Hogan, quien se transformó luego en Anna Nicole Smith. De cómo siempre quiso triunfar, ganar mucho dinero y ser conocida. De cómo se sabía bella y le encantaba atraer a los hombres, y su vía de escape fue un temprano matrimonio con alguien que no la trataba bien.
Pues según ella, debía escapar de su madre maltratadora, y luego escapar de un esposo abusivo. Junto a su pequeño hijo, toman rumbo a la gran ciudad, donde se dedica a stripper; sabía como llamar la atención y como atraer a los hombres y que la desearan.

Con el pasar del tiempo se hizo conocida, ese era su objetivo, y por ende, el dinero llegaba en grandes cantidades. Mujer bella, llamativa, grande, pero se decidió aumentar el busto, que la hicieron ver más voluptuosa, en una época donde las modelos eran muy delgadas. Producto de dicha operación, comenzó a tomar calmantes en forma desmedida.

Con el pasar del tiempo conoce a J. Howard Marshall, y se enamorarán, o por lo menos así lo dicen. El escándalo fue mayor, pero a ella le encantaban las cámaras, cuando se casaron, y luego él murió. Generándose una polémica batalla legal con el hijo de Howard, por la herencia de su marido, que se prolongó por mucho tiempo.
Ella rehízo su vida y se embarazó, ahí hubo otro gran escándalo. Todos a su alrededor estaban involucrados en esto, y en realidad en todo lo que fue su vida, llena de escándalos y drogas, y de muchas mentiras.

Escuchamos a parientes y amigos, que señalan que los dichos de Ann son falsos. Que todo lo que señaló es una mentira, necesitaba la fama y el dinero, y nada le importaba.
Su hijo sufrió la consecuencias de esto, ella no fue feliz.

Pareciera que el dinero no hace la felicidad, que los excesos en droga, fiestas, sexo, y escándalos que significaron buena paga, no es suficiente.¿ Por quá al tener familia y amigos, no se dedican a ellos y descansan? ¿Por qué Ann no paró?
Cuál es el sentido de matarse de a poco, e ignorar la belleza de la vida, que aunque haya malos ratos estos se van, si están con la persona adecuada.

¿Por qué mentir para llamar la atención, por qué estar dispuestos a ridiculizarte por fama?
¿Cuándo parar? ¿Por qué no pedir ayuda? ¿Por qué no dedicarse enteramente a su hijo?
La soledad es el peor enemigo.

¿Quién fue realmente Anna Nicole Smith?

Interesante trabajo, bien editado, pero me faltó más intromisión y menos pudor.
Más que mal, Anna lo hubiera querido así. Con todo, o si no pa'qué.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Anna Nicole Smith: You Don't Know Me
Directora: Ursula Macfarlane
Año 2023 / EEUU
Duración: 116 minutos
Música: Jessica Jones
Documental / Biografía

Víctima/Sospechosa - Por Jackie O.

"No es no"

La periodista de investigación Rae de Leon descubre y examina el patrón de mujeres jóvenes ignoradas por las autoridades después de denunciar agresiones sexuales.

Ser víctima de agresión sexual (abuso sexual o violación) debe ser traumático, es más, ni siquiera lo podemos imaginar. Dolor, rabia, vergüenza, impotencia, un sinfín de emociones deben pasar por esa mente.

¿Qué hacer ante una agresión de este tipo? ¿Denunciar o callar?
¿Qué sucede cuando la evidencia señala que fui voluntariamente con mi agresor? ¿Que subí sin fuerza a su auto, que caminé a su lado tranquila, que lo invité a mi hogar o fui al de él?
Eso es lo que le pasa a la mayoría de las víctimas de este documental, y lo peor, es que la policía se lo señala una y otra vez.

Se entrevista a alguna de estas víctimas, la rabia e impotencia contra el sistema es alta, que de ser víctimas pasaron a ser detenidas por "denuncia falsa".
Doblemente víctimas.

Se muestran videos reales de interrogación, pero hay que tener presente, que quienes "tienen" que tomar declaraciones o interrogar, deben estar capacitados en ello, o mínimo tener un sentido común. La evidencia es muy relevante, ya que eso es lo que vale principalmente, no tu historia. Sí, cruel y duro leerlo, pero hay miles de historias falsas, y por eso es que hay que saber detectar esas mentiras, y la evidencia ayuda. Pero hay que ser prudentes.

No es no. Cualquier persona puede voluntariamente estar con alguien, y en estado íntimo puede arrepentirse, y el otro debe aceptar ello. Solo los animales no entienden eso.
Y tú, ¿eres un animal?

Interesante documental, pues nos muestra archivos reales y entrevistas a intervinientes. Hechos de la vida real.
Pero le falta profundizar el material, solo nos abre una ventana en cuanto a poner atención en como se efectúan los casos de denuncias de este tipo en cierto sector del mundo.

Tener presente que no hay que usar al sistema para tus mentiras, pero sí confiar en ello para tus verdades.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Año: 2023 EEUU
Título original: Victim/Suspect
Director: Nancy Schwartzman
Music by: Morgan Kibby
Duración: 90 min.
Fotografía: Jenni Morello

Elementos - Por Carlos Correa Acuña

Ambientada en “Ciudad Elementos”, esta nueva película animada de Disney - Pixar, narra la historia de convivencia entre seres de aire, tierra, fuego y agua, en un mundo muy similar al Nueva York real, fuente de inspiración para su creador y director Peter Sohn gracias a su propia experiencia como hijo de inmigrantes coreanos en la década de los setenta.

Al representar los cuatro elementos fundamentales, la película es muy clara en mostrar las diferencias radicales entre diversos grupos de habitantes presentes en un mismo lugar. Tal vez es por eso que la historia se centra en dos opuestos, el fuego y el agua, polos antagónicos cuya unión resulta imposible ya que cada uno extingue al otro por causa de su propia naturaleza.

Ember y Wade, los protagonistas, son además ejemplos perfectos de los efectos que su esencia produce en sus respectivas personalidades. Ella -fuego-, es intensa, irascible, y un volcán energético, mientras él -agua-, es reflejo perfecto de transparencia, ductilidad y adaptación ante circunstancias extremas. La combinación entre ambos, absolutamente improbable, sencillamente no es posible, y por lo mismo, se transforma en el punto de partida de una historia que no solo les involucra como individuos sino que además incluye a sus respectivas familias y personas cercanas.

Haciendo honor a la reputación de Pixar, la película es rica en construcción de escenarios. El colorido que logra y la plasticidad de la animación, dan cuenta de una ficción que perfectamente se asemeja a nuestra propia realidad. Bellos detalles configuran un mundo lúdico, un constante juego que se mueve entre un sinfín de conceptos básicos, aunque no menos profundos, que representan disímiles historias familiares. Por un lado, la de Ember representa el esfuerzo, la perseverancia y la constancia de una familia inmigrante que ha debido luchar y sobreponerse a toda adversidad para ganar un espacio al establecer su propia tienda de mercaderías. En la otra vereda, la extensa familia de Wade representa aquellos códigos de quienes habitan el lugar por generaciones, y que muchas veces no tienen plena conciencia de las dificultades que otros tienen, en especial respecto a ser acogidos y la compleja convivencia que deben enfrentar.

En la construcción de personajes, la cinta encuentra uno de sus puntos altos. Ember es irritable, mal genio, con poca paciencia. Sueña con encargarse del negocio familiar, pero su padre le insiste que aún no está preparada ya que ante cualquier carga que la abrume, explota fácilmente. Y ella no puede controlarlo, desconoce si la causa es interna o externa, si tiene que ver con sus propios conflictos, o bien con definiciones que no logra aún descubrir.

Por su parte, Wade es la otra cara de la moneda. Cuando aparece en escena, luego de un arrebato de Ember que destruye una tubería, se presenta como un joven simpático y dócil en sus formas, incluso hasta asertivo en su rol de inspector que debe cumplir con la tarea de informar todo lo que no está en regla en el subterráneo de la tienda.

Evidentemente la combinación, la convivencia de todos los diversos elementos en esta especial ciudad resulta un natural caos. Es obvio que se repelen entre ellos, por tanto buscan relaciones solo con sus mismas especies. Este tema es clave, asimilable con nuestra realidad, y además muy actual, un acierto desde el punto de vista simbólico y también desde el aspecto práctico que se cuela en nuestra realidad.

Un cruce de fuego con agua es prácticamente imposible. ¿Habrá algo más diferente y distinto que el agua y el fuego? Probablemente no, sin embargo, lentamente, paso a paso, estos jóvenes comienzan a conocerse, y casi sin querer se dan una oportunidad para avanzar primero hacia una genuina amistad. Pasan tiempo juntos, se ríen mucho, y quien lleva la iniciativa es Wade, mientras Ember se resiste todo lo que más puede. Sin embargo, cuando ambos descubren la causa del gran problema que afecta la ciudad, esa presa que se rebalsa y causa las inundaciones, se dan cuenta que pueden colaborar mutuamente al usar sus propias características al servicio de una solución en beneficio de toda la comunidad.

La moraleja de esta fábula animada es que ante tantas formas diferentes, ante tanta diversidad, es vital poder reconocer los talentos particulares que potencian lo mejor de cada persona, independiente de su grupo de pertenencia. Asimismo, esta película pródiga en valores y principios, saca a la luz lo referido a los sueños -los propios y también los que podrían desprenderse de tradiciones familiares-, poniendo en relieve la importancia del discernimiento en la búsqueda del camino individual y la definición de la propia identidad. Es justamente en ese tránsito donde la película acierta en pleno, destacando cómo la honestidad es vital para encontrar la propia esencia, ese trabajo personal que siempre tiene como motor principal la fuerza del amor y el respeto familiar.

“Elemental” es una película simple y a la vez compleja. Si la dejamos entrar y que toque nuestra fibra, es posible que nos logre emocionar. Pero, si por el contrario nuestra coraza es mayor, posiblemente resbalará y pasará sin pena ni gloria. En mi caso me conmovió, tal vez por el momento que estoy transitando en mi propia vida, lo que demuestra, una vez más, que somos co-constructores de los relatos y que una buena parte de su elaboración depende de nosotros, sus espectadores activos.

Una mención especial al corto animado que precede la película. Se trata de “La Cita de Carl”, siete mágicos minutos desprendidos de “UP”, que llegan al corazón y nos preparan para recibir con sensible disposición lo que presenciaremos a continuación.

Ficha técnica

Título original: Elemental
Año: 2023
Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Animación. Fantástico. Aventuras | Pixar
Guion: John Hoberg, Kat Likkel, Brenda Hsueh. Historia: Peter Sohn, John Hoberg, Kat Likkel, Brenda Hsueh
Reparto: Animación
Música: Thomas Newman
Fotografía: Animación
Dirección: Peter Sohn

El nombre de la rosa - Por Jackie O.

"Buscando a dios encontraron la muerte"

Estamos ante una miniserie que nos cuenta que en la Italia de 1327, el fraile franciscano Guillermo de Baskerville, acompañado del joven Adso de Melk, llegan a una aislada abadía benedictina para participar en una disputa entre representantes de la Orden Franciscana y el Papado de Aviñón. Tras su llegada a la abadía, ambos se ven involucrados en una cadena de misteriosas muertes.

Basada en el libro del mismo nombre, y que fue llevado a la pantalla el año 1986, y de la cual escribí en su momento en este enlace, creyeron necesario hacer una miniserie para contar con más detalles lo que con muchas ganas nos dejaron después de leer el libro, y ver la película de Jean-Jacques Annaud.

Es así que nace esta miniserie, que nos cuenta más detalles y por ende agrega más historias y personajes, algunos muy diferentes a los conocidos. Por ejemplo, no tenemos a la sexy salvaje sino que ahora vemos a una dulce y bella jovencita, o el deforme Salvatore ahora llegamos solo a un feo y torpe sujeto mayor, pero lo curioso es que sabemos algo sobre sus vidas, y así suman los personajes de los cuales conoceremos algo más íntimamente.

¿Pero se ajustará a la película o al libro conocido?

La historia base está, la del fraile Guillermo con su joven novicio Adso, que concurren a la Abadía donde se discutirán temas donde la Iglesia, que representan al Papa, más franciscanos, entrarán en una acalorada discusión. Pero al llegar se encuentra con un fraile muerto, y las capacidades detectivescas de Guillermo afloran de inmediato y de una forma impresionante. Así vemos como los hombres de Dios, son solo de nombre pues de bondadosos tienen casi nada, o nada, pues en dicha Abadía reina la corrupción, sodomía, amenazas, ambición y locura. ¿Alguno será de verdad cristiano?

Como señalé, sabremos más a fondo de algunos personajes y las motivaciones para hacer lo que hacen, en especial aquellos pensamientos de los dignos -o no tanto- representantes de la Iglesia, totalmente perdidos, principalmente el de su Inquisidor Bernardo Gui (personaje que sí existió en la vida real), en este encuentro de "hombres de dios", expondrán temas esenciales para el futuro del cristianismo: ¿debe la Iglesia imitar la vida de Cristo en su pobreza o, por el contrario, ha de ser un institución opulenta facilitándose con ello un mayor alcance religioso?

Buena puesta en escena, el ambiente medieval se ve bien, aunque algo moderno. Muy buen vestuario y maquillaje.

Unos irreconocibles Rupert Everett y Stefano Fresi, el primero muy buena actuación como el antagonista repudiable.

Se necesitaba una miniserie para poder desentrañar más esos misterios y muertes, pero acá extendieron situaciones que no eran necesarias y por ende hacían que fueran poco interesantes, o sea uno o dos capítulos menos habría estado bien, ya que cada capítulo es de aproximadamente una hora.

Necesité ver más fealdad, y algo de oscuridad bien tratada. Extrañé los degenerados gestos y otros maquiavelicos de algunos monjes.

Aunque John Turturro con su voz suave efectúa un buen rol, pues le impregna su estilo, igual está el fantasma de Sean Connery. Aún así Turturro defiende dignamente su puesto.

Era una apuesta difícil: un libro genial y una película más que genial. Pero interesante verla.

Disponible en LionsGate Plus.

Ficha técnica

Título original: The Name of the Rose
Año: 2019 

País:Alemania
8 capítulos
Dirección: Giacomo Battiato
Música: Volker Bertelmann
Fotografía: John Conroy
Género: Serie de TV. Intriga. Drama. Edad Media. Siglo XIV. Crimen. Religión. Remake

Nidal - Por Carlos Correa Acuña

Primer trabajo documental de la carrera de Cine de la Universidad del Desarrollo, un proyecto trabajado por casi tres años y película de egreso de sus realizadores. Estas son las credenciales de “Nidal”, un filme que tiene a las Dunas de Concón como marco de fondo pero que no solo se refiere a la incidencia de las inmobiliarias en ese hábitat natural, sino que aporta una mirada particular sobre un entorno que ha debido evolucionar obligadamente producto de las circunstancias, exigiendo la búsqueda de nuevas formas de adaptación para lograr su subsistencia.

Lo primero que destaca de esta realización codirigida por Josefina Pérez-García y Felipe Sigala, estrenada mundialmente en el Festival Internacional de Cine de Thessaloniki, es una preciosa fotografía compuesta por cuadros muy bien compuestos. Muchas tomas constituyen verdaderos aciertos, proezas logradas gracias al talento y perseverancia de sus autores, y, por cierto, a lo imprevisible que es aquello que capturan sus lentes.

“Nidal” nos muestra en forma clara la invasión sobre un lugar que posee una naturaleza privilegiada. La destrucción del medio ambiente es presentado como un crimen, un hecho a todas luces cuestionable, tanto desde el punto de vista ético como desde el punto de vista del necesario equilibrio que un ecosistema debe tener para poder mantenerse activo y en armonía.

Al mostrar la naturaleza en pleno esplendor en sus diversos entornos, lo que surge primeramente es la forma de convivencia que debería primar para mantener la estabilidad y permitir el desarrollo de cada una de las especies que habitan el lugar. De lo adverso o amigable que resulte, depende el futuro, el que fluctúa entre dos extremos; subsistencia o exterminio.

Para mí es inevitable preguntarme finalmente qué quiere comunicar este trabajo. La verdad es que no lo tengo nada claro. Primero percibo que es una sentida denuncia, pero luego creo que es un llamado a la conciencia sobre ciertos sucesos que modifican nuestra forma de vida en un sentido que se escapa a lo que en realidad queremos como sociedad. Después, al reflexionar un poco más, pienso que en realidad lo que reflejan las imágenes es un testimonio de los cambios que se han ido produciendo en el tiempo, una constatación empírica -aquel contraste naturaleza/cemento-, de aquello que conlleva un desarrollo que poco tiene de complaciente y que tal vez sin querer arrasa con todo a su paso.

Profundizando en el contenido de este trabajo, me cuesta distinguir el fin último que han buscado sus autores. Incluso leyendo sus palabras o entrevistas, se desdibuja, de acuerdo a lo observado, el verdadero sentido de lo que en pantalla nos exhiben. Es muy cierto que una imagen vale más que mi” palabras, sin embargo en este caso el discurso se torna un poco difuso. La técnica de cuadros fijos, donde lo que sucede entra y sale de pantalla, es realmente de un gran valor agregado, sin embargo, y al menos en este caso, la ausencia de textos o diálogos no ayudan a dilucidar el núcleo mismo del mensaje.

“Nidal”, aún sin ser explícito en su motivación final, es un trabajo cinematográfico excelente, cuidado y preciso, que logra plasmar en imágenes una realidad que a veces escapa a nuestros ojos. Desde el punto de vista de la belleza, es pulcro en sus detalles y encuadres, un esfuerzo encomiable por encontrar aquellos ángulos perfectos que puedan abrir ventanas y habilitar una búsqueda más allá de cualquier consideración y que necesita de los espectadores para poder interpretar una tesis que no resulta tan sencilla de dilucidar.

Ficha técnica

Título original: Nidal
Género: Documental
Duración: 61 minutos
Idea original: Matías Zúñiga
Dirección: Josefina Pérez-García y Felipe Sigala
Dirección de fotografía: César Rivas
Edición: Josefina Pérez-García
Producción: Josefina Pérez-García y Felipe Sigala
Casa Productora: Cine UDD

Elementos - Por Juan Pablo Donoso

Una de las animaciones tecnológicamente más evolucionadas de PIXAR. Superproducción admirable en su género.

Gigantesca epopeya de aventuras, llena de personajes e incidentes menores que, a pesar de crear un universo de fantasía, recurre a la infalible premisa de amor propuesta por Shakespeare en el siglo 16: la tragedia de Romeo y Julieta.

En una ciudad imaginaria hay barrios con diferentes etnias. En vez de comunidades humanas ellas son “elementos”. Allí moran el Fuego, el Agua, la Tierra y el Aire.

En la comuna del Fuego, habita una familia ígnea cuya hija menor Ember, de cabellos llameantes, es dura, ingeniosa y valiente. Los antepasados legaron a sus descendientes el mandato de jamás casarse con alguien ajeno al Fuego.

En otro ghetto urbano viven amables familias con forma y color de Agua. En una de aquellas casas hay un joven llamado Wade, ingenuo y bonachón quien, desobedeciendo las consignas familiares, entabla amistad con Ember; emprenden aventuras juntos, para terminar profundamente enamorados.

Las peripecias intermedias los hacen interactuar con los habitantes de otros sectores - Tierra (maderas y vegetales) y Aire (vientos y nubes de variados colores). Van en busca de dos arcanos y poderosos tesoros: la flor del vivisterio, única resistente al agua y al fuego, y la llama de Azul Nítido que calienta sin quemar.

El peligro de conciliar a estos Capuletos y Montescos radica en que un ser acuático podría extinguir la llama vital de Ember. Por su parte, los hídricos temen que la proximidad de los fogosos evaporen a los suyos transformándolos en nubes.

La concatenación de aventuras que vive la pareja tras la búsqueda de los mágicos tesoros dejará en evidencia la estulticia de los temores enemigos. La conquista y posesión de aquellos bienes les demostrarán que habiendo amor y cuidado mutuo, más que destrucción nacerá un poder nuevo aún más sublime: aquel que integra - gracias al Amor - los diversos elementos de la Naturaleza reconciliando el propósito divino de la Creación.

La metáfora de dotar elementos naturales con cualidades tan básicamente humanas corre el riesgo de sentirse algo rebuscado para los niños, en especial con el humor. Sin embargo, la historia de amor central es conmovedora, sus personajes son empáticos, y está magníficamente producida.

La realización técnica de PIXAR ha dado un nuevo paso adelante en el uso algorítmico de IA (inteligencia artificial). Presenciarla será un banquete para quienes siguen el avance de tales recursos visuales y auditivos. Para el resto del público será una bella y contundente aventura de romance y fantasía.

LA INMORTAL ANÉCDOTA DE ROMEO Y JULIETA RECREADA COMO FANTASÍA DE ACCIÓN, HUMOR, Y ADMIRABLE TECNOLOGÍA. (Premio Cannes 2023)

Ficha técnica

Título Original: Elements

2023 Animación, aventuras, fantasía EE.UU. - 1,43 hrs. 

Fotografía: David Juan Bianchi, Jean-Claude Kalache 

Edición: Stephen Schaffer 

Música: Thomas Newman 

Diseño Prod.: Don Shank 

Guion: John Hoberg, Kat Likkel, Brenda Hsueh 

Voces originales: Leah Lewis, Mamoudou Athie, Ronnie Del Carmen, Shila Ommi 

Tema y Dirección : Peter Sohn

La Cita de Carl - Por Juan Pablo Donoso

Corto animado, muy breve (sólo 7 minutos), que se nos entrega como aperitivo del largometraje ELEMENTOS.

Esta pequeña película viene siendo un “spin-off” de Disney/PIXAR. Una nueva empresa nacida a partir de otra para convertirse en una entidad por sí misma.

La Cita de Carl es una mini secuela de aquel otro largometraje - UP - ganadora de un Óscar en 2009.

Al igual que ELEMENTOS, exhibe los últimos avances tecnológicos algorítmicos de PIXAR. Por eso las exhiben juntas.

Nos vuelven a reunir con el anciano Carl, viudo inconsolable, y su fiel y dialogante perro Dug.

El tema de este corto se centra en la invitación que una antigua amiga le hace a Carl por teléfono. Le propone un coqueto encuentro de almas solitarias.

Carl, olvidado de todo protocolo de cortejo, se pone torpe y nervioso. Su fiel compañero canino lo tranquiliza dándole consejos perrunos de cuando él conoce a una nueva perrita: olerse mutuamente las partes pudendas. Como la sugerencia es insólita para el vacilante Carl (¡al menos en la 1ª cita!), opta por llevarle un regalo más tradicional, y hacerse acompañar de su noble consejero, por si acaso...

El relato es tan breve y fugaz que pareciera ser el primero de una serie de otros cortos por venir.

ANÉCDOTA DIMINUTA Y GENTIL PARA LUCIR LA MODERNA TECNOLOGÍA DE PIXAR.

Ficha técnica

Título Original: Carl´s Date

2023 Animación, comedia, spin-off 

EE.UU. - 7 minutos 

Fotografía: Ryan Michero 

Guion: Pete Docter 

Director: Bob Peterson

Nidal (Dunas) - Por Juan Pablo Donoso

Un bello y sereno lamento ecológico.

TEMA: agresión ambiental.

La industria inmobiliaria ha perturbado el entorno natural de la antigua caleta de Concón, junto a la desembocadura del río Aconcagua, obligando a su fauna y habitantes a encontrar nuevas formas de adaptarse y sobrevivir.

Su título - Nidal - cumple con todas las acepciones: a) Nido de aves. b) Lugar acogedor donde acudir con frecuencia. c) Motivo de que suceda o prosiga algo.

Mientras los grandes edificios en altura se van comiendo las dunas, e invadiendo el paisaje natural, los niños juegan inocentes en las playas pobladas de bañistas, y las refinerías contaminan el aire con el humo espeso de sus chimeneas

Los habitantes originales son las lechuzas. Ignoran y escapan de los invasores humanos con sus carreras de autos, excavadoras, carreteras, rieles y trenes con materia prima.

Maravillosa fotografía con abstracciones plásticas iniciales dignas de premio. Pacientes y oportunas imágenes de aves en charcos y lagunillas.

¡Una hermosura visual! Composiciones pictóricas con elocuentes secciones áureas verticales y horizontales.

La vida marina silvestre se refleja invertida en los ventanales de nuevos edificios costeros.

Además de cuadros bien compuestos, personas y animales tienen sus propias y espontáneas coreografías en contrapunto con las olas sobre la arena.

Las gaviotas- como espigadas bailarinas - parecieran saber que las están filmando.

La sinuosidad lúbrica de las dunas contrasta con los ángulos rígidos de las construcciones de fierro y concreto. Mientras por el cielo pasan las nubes gozando todavía de su vaporosa libertad.

Todo se transforma en metal y humo ante la mirada atónita, y cada vez más ajena, de un búho solitario.

El reposo de cada toma cuenta una historia propia de su hábitat.

Presencia reiterada de un parapente que, como guardián observador, pareciera proteger la holgura festiva de las aún folclóricas caletas de pescadores.

En toda la película NADIE DICE UNA SOLA PALABRA. Como música de fondo, sólo el graznido de las gaviotas, la risa de los niños bañándose en el mar, el deslizar espumoso de las olas versus el bronco vozarrón del motor de las máquinas y los vehículos.

Amanecer diáfano de las aves acuáticas contrapuesto con la frialdad de luminarias nocturnas sobre calles de concreto sin habitantes. .

Cierre con nuevos “parangones” telúricos seguidos por fuegos artificiales invadiendo el cielo negro, sin luna, de una noche sarcástica de Año Nuevo.

UN POEMA VISUAL QUE, SIN PERDER BELLEZA, LLORA LA DESTRUCCIÓN DEL PAISAJE NATURAL BAJO LA INEXORABLE MÁCULA DEL PROGRESO. (Premiada en 6 festivales).

Ficha técnica

Documental

2021 Ecología Chile - 1,01 hrs. UDD 

Fotografía y cámara: César Rivas: 

Guion: Matías Zúñiga 

Editores y Dirección: Josefina Pérez-García, Felipe Zigala

El ciego que no quería ver Titanic - Por Carlos Correa Acuña

Profunda e incómoda película del realizador Teemu Nikki. Presenta a Jaakko -Petri Poikolainen-, un hombre discapacitado por su ceguera y su esclerosis múltiple quien, luego de enterarse que Sirpa -Marjaana Maijala-, que conoce solo a través de llamados telefónicos, ha sufrido un deterioro en su delicado estado de salud, decide emprender un viaje en solitario para visitarla en su hogar.

Jaakko es un cinéfilo empedernido. Claro, no nació ciego, perdió la vista hace algunos años y sigue amando las películas de John Carpenter. Por el contrario, y de ahí el título del filme, aún mantiene el DVD del famoso filme de James Cameron con su envoltorio original, sin ninguna intención de modificar una decisión que al parecer iría contra todos sus principios.

Con Sirpa hablan todos los días. La mujer se ha convertido en su cable a tierra, su fuerza motriz, probablemente lo que le incita a seguir viviendo, pues, producto de su condición, la rutina diaria se hace cada vez más compleja e insoportable al no valerse por sí mismo.

Poco conocemos de la familia de Jaakko salvo las llamadas de sus padres que parecen no aportar demasiado. Además, sus vecinos no apoyan mucho, y solo tiene ayuda de la persona que le asiste para las cosas de la casa y uno que otro pedido o demanda específica.

Cuando toma la decisión de hacer el viaje, lo que comienza es una verdadera odisea. Jaakko lo tiene todo planificado: de la casa al taxi, del taxi a la estación, luego al tren, después a otro taxi hasta el destino final. Pero eso es en la teoría, porque en la práctica, enfrentado a una realidad desconocida y totalmente desamparado, no es más que una presa fácil y abordable para quienes, sin ningún escrúpulo ni moral, están decididos a pasar a llevar la integridad de este ser humano solo para obtener aunque sea una mísera ganancia.

Teemu Nikki filma su propio guion, inspirado tal vez en la realidad de su actor principal, Petri Poikolainen, quien también es ciego y sufre de esclerosis múltiple. Sabemos que no es su propia historia, pero sí una base clara para un argumento que se desarrolla desde un punto mínimo y se va ampliando en la medida que transcurre el metraje. Es interesante la técnica usada por Nikki, con primeros planos muy cercanos del protagonista enlazados con fondos borrosos que solo insinúan los entornos. La permanente incomodidad de Jaakko es manifiesta, traspasa la pantalla y se anida en nosotros pues logra atraparnos en un mundo que desconocemos y que también nos descoloca profundamente.

Por otra parte, cada vez que aparece un nuevo personaje, tampoco vemos mucho, dudamos, nos confundimos, produciendo una sensación muy particular que logra que empaticemos inmediatamente con el protagonista. La cámara resulta certera a pesar del riesgo que implica filmar tan de cerca las diferentes emociones del rostro de Jaakko, quien prácticamente está todo el tiempo bajo la lupa, en un seguimiento constante, y que a fin de cuentas resulta muy fluido.

“El ciego que no quería ver Titanic”, un título que no es mayormente ilustrativo -puede tener más de una interpretación y generar también más de algún prejuicio-, es una película diferente y que posee una profunda alma humana. Muy alejada de un lamento, o de una carta que produzca sentimientos compasivos, la cinta releva la fuerza interior y gran voluntad de un hombre enamorado que está dispuesto a correr un riesgo, sin medir consecuencias, para cumplir su objetivo. Esa convicción y esa osadía, se transforman claramente en una lección para todos nosotros, pues bien sabemos que quien no está dispuesto a asumir desafíos difícilmente cruzará el río. Un drama, una comedia, una fábula, un todo en uno especial y diferente, llama a la reflexión para reconocer la importancia de la inclusión de aquellas personas para quienes la vida se les presenta como una carga pesada, casi insuperable sin la ayuda de una comunidad consciente verdaderamente colaboradora.

Ficha técnica

Título original: Sokea mies, joka ei halunnut nähdä Titanicia
Año: 2021
Duración: 82 minutos
País: Finlandia
Compañías: It's Alive Films. Distribuidora: IntraMovies
Género: Comedia. Drama. Romance | Enfermedad. Discapacidad visual
Guion: Teemu Nikki
Fotografía: Sari Aaltone
Reparto: Petri Poikolainen, Marjaana Maijala, Hannamaija Nikander, Samuli Jaskio, Rami Rusinen, Matti Onnismaa
Dirección: Teemu Nikki

El ciego que no quería ver Titanic. - Por Jackie O.

"Amor, solidaridad, empatía y crueldad".

Sinopsis Jaakko y Sirpa nunca se han visto en persona, pero suelen hablar por teléfono todos los días. Cuando él se enteró de que su salud estaba deteriorándose, decidió ir a verla a otra ciudad, y ahí fue cuando ella vio su discapacidad.

Una cinta agridulce, que nos muestra la vida de un hombre ciego y con parálisis en la parte inferior de su cuerpo, quien vive solo. Una persona va a verlo para hacerle las cosas del hogar y mandados, sus padres lo llaman todos los días, sus vecinos se burlan, y él trata que todo marche bien, pues no soporta dar lástima. Ya que él no nació así, las circunstancias de una enfermedad lo llevaron a ese estado.

Es un gran cinéfilo, veía muchas películas y sus diálogos se basan en muchas cintas donde nosotros disfrutamos las relaciones de algunos personas que él hace en su día a día.
Sabemos que en un momento determinado conoció a Sirpa vía online, ya que hablan todos los días por fono; ella también padece una enfermedad, pero diferente a la de Jaakko. Se acompañan a la distancia. Ella es su motor para despertar, la siente como alguien auténtico, no lo compadece, no se burla, solo es él un ser humano, igual que ella.

Pero en un momento Jaakko se entera de que la enfermedad de su amiga, y amor, está empeorando y decide como sea ir a verla. Le da lo mismo ir solo, lo planea y va a esa otra ciudad, encontrándose con las dificultades de una ciudad con gente amable y otras despiadadas.

Una cinta agradable de ver, pues sus diálogos son ingeniosos ya que abarca una gama de personajes de cine que hacen que sea una cinta cercana y no lacrimógena o de compadecimiento, sino que de respeto. Él no se autocompadece, no soporta que lo traten como un bulto, es ingenioso para sobrellevar esta enfermedad, aunque vemos sus duras dificultades.

 
Luego la historia se transforma en un momento de tensión, donde no dejas de empatizar con él, y no entiendes por qué la crueldad de algunos seres humanos está presente. Les da lo mismo el otro, cuando a cualquiera nos puede suceder un accidente que haga que nuestra vida de un giro por completo... qué falta de solidaridad existe. Y ese momento se transforma en algo angustiante, pues no sabes cuál será su desenlace.

Película con unos movimientos de cámara que nos hace participes, fondos borrosos para inmiscuirse en la vida de nuestro protagonista, primeros planos de sus reacciones en donde el director quiere que estemos ahí.

Petri Poikolainen, nuestro protagonista, también es ciego, con esclerosis múltiple que apareció repentinamente como el personaje de la película, pero no es su historia. Junto al director, quisieron atreverse a realizar una historia ficticia que puede ser la historia de muchos que viven solos, que tienen esta enfermedad u otra, que la compañía es un teléfono o Internet para saber de afuera y mantener un contacto agradable con alguien que les da esperanzas para seguir viviendo.
Pues la soledad carcome, y si está asociada a una enfermedad que no te vales de ti mismo es peor, la vida parece ser un infierno.
Así nos pone un "pare", para no pensar solo en nosotros o quejarnos por nimiedades, de no ser nosotros ciegos ante las maravillas que podemos disfrutar.

Seamos más solidarios, no sintamos lástima por el otro sino que respeto por su situación. Respeto por ser ser humano, porque quienes padecen alguna enfermedad quieren eso, e integrarse dignamente.

Actualmente, esta película la puedes ver gratis en el festival de cine europeo que está hasta el 29 de junio, solo debes buscar en qué sede lo están dando a lo largo del país, en su web www.festivalcineeuropeo.cl

Si lees esto después de esa fecha, búscala en alguna plataforma streaming o YouTube, pues vale verla.

Ficha técnica

The Blind Man Who Did Not Want to See Titanic.
Sokea mies, joka ei halunnut nähdä Titanicia
Director: Teemu Nikki
Año :2021 / Finlandia
Duración: 82 minutos
Fotografía: Sari Aaltonen

¿Dónde está Ana Frank? - Por Jackie O.

"Recordar para no volver a dañar".

Sinopsis: El personaje principal de esta película animada no es Ana Frank, sino Kitty, la amiga imaginaria a la que Ana Frank escribió su diario en forma de cartas.

"Querida Kitty" sale del diario, cobra vida y lleva a los espectadores en su búsqueda para descubrir la historia de Ana Frank y el significado de su diario. En el proceso, no solo se discuten temas históricos como el auge del nacionalsocialismo, la vida en el Anexo Secreto y la historia del Holocausto, sino también temas de actualidad como los derechos humanos y los refugiados.

En la actualidad, Ana Frank es un personaje que es reconocido en todo el mundo, y un símbolo en Alemania, en una época donde los Derechos Humanos fueron violentados descomunalmente.

En dicho país, principalmente, su nombre está en todos lados, y la casa de Ana Frank, donde pasó escondida durante dos años y medio con su familia y otros, se transformó en un museo, donde cada día muchas personas transitan por sus habitaciones; ahí comienza esta historia. Una historia original para contarnos la vida de esta niña, pero ahora de la perspectiva de su amiga imaginaria Kitty.

En una noche de tormenta, el lugar donde se encuentra sagradamente su diario se ve dañado, "saliéndose" de esas páginas escritas en los 40, a este mundo actual. ¿Y con qué se encuentra?

Con un mundo diferente, donde nadie la ve, hasta que sale del museo a buscar a su amiga, encontrándose con un mundo diferente, donde va enterándose de las razones de por qué no encuentra a su gran amiga Ana.

En su trayecto, no solo conoce los cambios de la ciudad, sino que se encuentra con diversas personas, buenas y no tanto, que le tienden la mano o la comienzan a perseguir como criminal.

Una cinta que repasa una parte de la historia, que nos recuerda hechos horribles acaecidos en algún momento, y que no deberían volver a ocurrir. Vemos cómo se genera una amistad en base a la necesidad de contención, de cómo la falta de libertad afecta la salud mental y física, de que la libertad es un derecho esencial en el ser humano. De cómo la unión familiar es relevante, pues vemos que no todos en la familia son afiatados, pero las circunstancias extremas vividas los hace acercarse, pero principalmente conocerse y aceptarse.

También incluye en esta historia a los inmigrantes actuales y de cómo son discriminados, una historia de nunca acabar, donde solo se pide vivir en paz, refiriéndome a gente buena que quiere progresar y aportar, no a quienes se mueven para hacer daño.

La historia es contada de manera original, diferente a todo lo visto en cuanto a historias de Ana y/o su familia, contada de forma atractiva, no solo por ser de animación, sino por cómo se relata.

La técnica de animación es clara, con mucho detalle, con ángulos donde nos hace creer que una persona va con cámara en mano, con esos toques de sobrenatural mezclado con la realidad bien configuradas.

En qué podría fallar, en la falta de emotividad, aunque la tiene, se ve a veces forzada. Pero no quita que sea una cinta interesante para compartir en familia, aunque a los más pequeños puede que su "seriedad" los abrume un poco y no sea de su interés.

Como dato, el director junto al ilustrador ucraniano David Polonsky, adaptaron El diario de Ana Frank a un Cómic dirigido a un público joven. Y debido a la buena recepción, Ali Forman se atrevió de llevar dicha historia de Ana Frank a esta película, pero bajo la iniciativa de Anne Frank Fonds Basel (una organización sin fines de lucro fundada por Otto Frank en 1963), y fue desarrollada en asociación con la UNESCO, la Conferencia de Reclamaciones, la Fundación de la Memoria de la Shoah y varias otras organizaciones.

Actualmente, hasta el 29 de junio, puedes encontrar esta película gratis en algunas salas a lo largo de Chile, solo revisa en www.festivalcineeuropeo.cl

Si lees esto después, y te topas con ella en alguna plataforma o YoutTube, no dudes en verla.

Ficha técnica

Where Is Anne Frank
Dirección y guion: Ari Folman
Basada en "El Diario de Ana Frank" de Ana Frank
Música: Karen O. y Ben Goldwasser
Fotografía: Tristan Oliver
Montaje: Nili Feller
Países: Bélgica, Luxemburgo, Israel, Países Bajos, Francia
Año: 2021 (estrenada en Cannes con muy buena aceptación)
Género: Drama histórico, animación.
Duración: 99 minutos

Idioma: Inglés

Flash - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Los mundos chocan en "Flash" cuando Barry utiliza sus superpoderes para viajar en el tiempo y cambiar los acontecimientos del pasado. Barry intenta salvar a su familia, pero sin saberlo altera el futuro y queda atrapado en una realidad en la que el general Zod ha regresado y amenaza con la aniquilación, pero en la que no hay Superhéroes a los que recurrir. A menos que Barry pueda persuadir a un Batman muy diferente para que salga de su retiro y rescate a un kryptoniano encarcelado... aunque no sea el que está buscando. En última instancia, para salvar el mundo en el que se encuentra y regresar al futuro que conoce, la única esperanza de Barry es luchar por seguir vivo. Pero ¿este último sacrificio será suficiente para reiniciar el universo?

“The Flash” comienza en forma vertiginosa, con un despegue intenso y prometedor. Los 15 minutos iniciales, probablemente son de lo mejor que se ha visto de DC Studios en el último tiempo, una apertura frenética y vigorosa que parece no tener techo. Sin embargo, algo así es imposible difícil de mantener, y la cinta naturalmente va perdiendo tensión, interés, y decae en el desarrollo de su propia historia. Al momento de recuperar su esencia, esto sobre el último tercio, las extensas batallas provocan un poco de agotamiento, no solo por su exageración sino porque se dan vueltas una y otra vez sobre el mismo eje.

Desde el punto de vista argumental la premisa es muy simple. Alterar el pasado tiene consecuencias que no son dimensionables, por lo tanto quien se arriesga a hacerlo se expone a sufrir consecuencias incluso más dramáticas que aquellas que pretende corregir. A partir de esto se desprende tanto la moraleja como el mensaje principal que podemos atribuir a la película: como no podemos cambiar el pasado, debemos construir el presente y con ello definir el futuro.

Andy Muschietti dirige un guion de Christina Hodson que es pródigo en valores relevando lo fundamental que es el amor familiar. Barry -Ezra Miller-, actúa bajo esa motivación. Sus acciones están definidas por aquellos vínculos y lazos arraigados que han sido generados por sus padres, por tanto cualquier sacrificio en ese sentido tiene para Barry un valor inconmensurable. La sensible pérdida temprana de su madre es un dolor no superado. Su soledad es indescriptible, y la sensación de ausencia se acrecienta por lo que ha sido su obsesión de los últimos años: demostrar la inocencia de su padre, injustamente acusado del crimen de su esposa.

El camino del protagonista conforma un sendero pedregoso, que comienza con una fuerte rebeldía y lucha permanente contra lo que no considera que es justo. Eso lo lleva a actuar emocionalmente, sin medir consecuencias. El punto es que cuando comienza a tomar conciencia sobre los enormes cambios que provoca una alteración particular en el tiempo, el golpe es tan fuerte que le obliga a tomar otro tipo de decisiones y reconsiderar su proceder. Allí asoma lo más importante, primero levemente, en forma de pequeñas luces, y luego con más fuerza, que es la aceptación de su propia realidad y también la de su entorno más cercano. Solo de esta manera le es posible vislumbrar un posible camino de sanación, un proceso tan profundo y difícil como el mismo proceso de maduración al que se ve enfrentado casi por obligación.

Es interesante cómo la película intenta profundizar en algunos valores. La importancia de la familia, la amistad, el trabajo conjunto, la honestidad, el apoyo mutuo, el sacrificio y la búsqueda del bien común, son ejemplos destacados que están transversalmente presentes en una cinta que no esconde el alto grado de violencia que despliega, pero que, sin embargo, logra encausarla para situarla en un plano de menor impacto, como defensa y apoyo de lo más importante que constituye la supervivencia de la humanidad.

Si en algo peca esta película es en el desarrollo de sus personajes. No exhibe demasiada elaboración -salvo en su protagonista-, lo que redunda en caricaturas más o menos acertadas de cada uno de ellos, pero sin proponer nada muy profundo. La trama es entretenida, indudablemente, aunque algo reiterativa por momentos. La música constituye un aporte a destacar, una banda sonora compuesta por Benjamin Wallfisch que resulta sólida y consistente, lo que contrasta con algunos efectos especiales que, sobre todo al final, no se encuentran dentro de lo más logrado de la producción. Dejo para el final de este párrafo lo concerniente al hilo narrativo. En general, observamos un ritmo irregular, que donde más se nota es en el largo espacio de tiempo en que mantiene en pantalla a solo dos personajes. El resultado es una sección extensa que se siente delgada, y aunque significa un gran desafío técnico, no alcanza la solidez necesaria como para sostener firmemente el relato.

Como raya para la suma, “Flash” es un espectáculo para ver en pantalla grande, ojalá las más grande disponible. Allí se puede apreciar, en gloria y majestad, la magia del cine, y me arriesgo a decir que en TV es muy probable que pierdan demasiadas características importantes. Estamos frente a un entretenimiento puro, a pesar de ir perdiendo brío y progresivamente el interés medular al hacerse predecible, aunque un desfile de personajes históricos apelen a la nostalgia, al igual que múltiples cameos que estamos llamados a descubrir y disfrutar.

Y por supuesto, el aviso de rigor: no salgan corriendo porque, aunque los créditos son largos, hay una simpática escena final que no tiene muchas pistas pero que por cierto algo insinúa.

Ficha técnica

Título original: The Flash
Año: 2023
Duración: 144 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Acción. Aventuras. Drama. Fantástico. Ciencia ficción | Superhéroes. Cómic. DC Comics
Guion: Christina Hodson. Personajes: Gardner Fox, Harry Lampert
Música: Benjamin Wallfisch
Fotografía: Henry Braham
Reparto: Ezra Miller, Ben Affleck, Michael Keaton, Kiersey Clemons, Sasha Calle, Michael Shannon, Temuera Morrison, Maribel Verdú, Ron Livingston
Dirección: Andy Muschietti

Transformers: El despertar de las bestias - Por Jackie O.

"De vuelta a las pistas, a rodar".

Sinopsis: Optimus Prime y los Autobots asumen su mayor desafío hasta el momento. Cuando surge una nueva amenaza capaz de destruir todo el planeta, deben unirse a una poderosa facción de Transformers conocida como Maximals para salvar la Tierra.

Transformers es una tremenda franquicia de entretenimiento, con juguetes, series animadas, películas, Cómic, videojuegos, etc., que ha sido un éxito mundial.
El hilo argumental de esta franquicia se basa en dos facciones robóticas: los Autobots y los Decepticons, originarias del planeta Cybertron.
El significado de "Transformer" se deriva de la capacidad que poseen estos robots para transformarse en formas alternativas, como vehículos y animales.

Pero ya esto tiene su historia en películas, live action, una saga: Transformers (2007), Transformers: la venganza de los caídos (2009), Transformers: el lado oscuro de la luna (2011), Transformers: La era de la extinción (2014), Transformers: The Last Knight (2017), Transformers Bumblebee: The Movie (2018), Transformers: Rise of the Beasts (2023)

Esta vez tenemos tres historias que se unen para darnos una entretenida película; estamos en un Brooklyn de 1994, nuestro protagonista es un joven latino ex militar, Noah Diaz, que se ha metido en algunos problemas legales y eso hace que le cueste encontrar trabajo, y es experto en electrónica. Y ante su desesperación por la falta de dinero, su madre trabaja mucho y su hermano pequeño y mejor amigo mantiene una enfermedad cara, acepta el trabajito que su amigo Reek le da, y es robar un Porsche 911 para venderlo, pero se encuentra con la sorpresa de que ese bello auto es un Autobot llamado Mirage. Por otro lado está Elena Wallace, una trabajadora de un museo, es muy inteligente pero su jefa se lleva el crédito en todo. Y llega al lugar una extraña escultura en forma de ave con extraños símbolos, en donde accidentalmente la abre descubriendo que es la mitad de la llave Transwarp escondida en su interior. Por supuesto ella no sabe lo que es, generando dicha llave una señal que solo nuestros robots pueden ver. Dicha llave abre un portal donde podrían los autobot volver a su hogar, pero un enemigo llamado Scourge tambien quiere la llave, pero para destruir la tierra.
Así se unen estas historias, Noah, Elena y nuestros transformers.
Noah decide ayudar debido a un trato hecho por Mirage, y Elena también, debido a que su expertis argeologica al descubrir símbolos y el lugar exacto donde estaría la otra mitad de esta llave, comenzando una hilarante aventura, atentos al enemigo que está siguiéndolos.

La película nos lleva a una historia llena de efectos visuales, robots que se transforman en diversos autos, motos o aviones, para luego cambiar nuevamente en robots, pero lo más genial es haber visto a los Maximals, robots-animales que se ven geniales al "transformarse" y moverse de un lugar a otro.
La fotografía nos otorga imagenes bellas de Perú, como Machu Picchu, Cuzco, Tarapoto, San Martín, Montreal, Brooklyn, entre otros lugares.
Algunos efectos visuales no se veían limpios, pero no impidió que se disfrutara de tanta pirotecnia.
Las actuaciones estuvieron bien, química en todos los actores y eso se agradece.
Qué decir de las voces de nuestros robots, se escuchan geniales.

Película que aunque sea de muchos efectos visuales, nos deja sus mensajes, como el amor a la familia que siente Noah por su hermano y vicerversa, y por supuesto su madre. La confianza y alentar positivamente al otro, esto se ve en estos hermanos. Y entre humanos y robots, que van aprendiendo.
Así como el trabajo en equipo, se dan cuenta de ello cuando saben que es la única forma de salvar el planeta. Cuando todos quieren el mismo bien, la individualidad no funciona aunque quieras destacar, a veces un grupo bien afiatado con las mismas buenas intenciones, pueden sacar algo más beneficioso, solo debes buscar el equipo correcto.

Y al final... ¿esto continuará? Quién sabe, hay mucho combustible aún. Y puede que haya una unión con algo más... solo esperemos que pasa.

No olviden una escena post créditos.

Ficha técnica

Transformers: Rise of the Beasts
Director: Steven Caple Jr.
Escrita por Joby Harold, Darnell Metayer, Josh Peters, Erich Hoeber, Jon Hoeber
Historia de Joby Harold
Protagonistas: Anthony Ramos, Dominique Fishback, Dean Scott Vazquez, Ron Perlman, Pete Davidson, Michaela Jaé Rodriguez
127 minutos

Año 2023

The Flash - Por Jackie O.

“¿Si pudieras retroceder en el tiempo, lo harías?”

Barry Allen (The Flash), usa sus superpoderes para viajar en el tiempo y salvar la vida de su madre, y a la vez salvar de la cárcel a su padre como único acusado, todo ello a pesar de que Bruce Wayne (Batman) le advierte que no lo haga por las graves consecuencias que podría ocasionar.

Cuántas veces hemos dicho, o hemos escuchado, “retrocedería el tiempo para… si pudiera volver atrás haría… etc”, muchas, y sin pensar en las consecuencias de qué sucedería, pero retroceder en el tiempo no existe. ¿O sí…?

Pero sí en el mundo cinematográfico, como por ejemplo: "Proyecto Adams", "X-Men: Días del futuro pasado", "12 monos", "Mirai mi hermana pequeña", "La máquina del tiempo, TimeCop", y una docena de otras más, sin dejar de mencionar “Volver al futuro”, la cual se prestará para muchas situaciones anecdótica en esta película.

Barry, ya inserto en la vida común y compatibilizándola con su rol de super héroe, teniendo de mentor a Batman (Ben Affleck), comienza a pensar cómo sería su vida sin la pérdida de sus padres, algo que le carcome el alma, donde Batman le señala que no cometa locuras, pero… suceden estas locuras al no escuchar ni pensar en las problemáticas que pudiera acarrear cambiar los hechos de la vida. Barry está cegado con hacer justicia a sus padres, por ende usa sus superpoderes para viajar en el tiempo y cambiar los eventos del pasado, eso para él es lo correcto. Con su súper velocidad, Barry queda atrapado en una realidad “alterna", donde se encuentra con su yo del pasado con los eventos que él quería cambiar ya efectuados, pero no se percata que cambió su vida pasada y complicó la del resto de los mortales.

Porque su alteración hizo que los universos, o multiversos, chocaran y tenemos la presencia del general Zod, no existiendo en ese momento superhéroes a quien recurrir, salvo Batman, pero uno muy diferente, con el cual deberá buscar y rescatar al hombre kryptoniano de un lugar muy alejado, pero no es quien buscaba. Es así como con su yo del pasado, un Batman y Superman diferentes a lo esperado, deberá lidiar con una batalla, la cual está dispuesto a ganar a como dé lugar, pues Barry se fía de su facilidad de viajar y alterar el tiempo.

Una película muy entretenida, con un buen elenco, que nos hará pasar un grato momento. Es una cinta que pasa de la comedia al drama, para volver a la comedia nuevamente.

Una historia que nos habla de que no todos los problemas tienen solución, y que hay que dejar ir, aunque duela. Seguir nuestro camino y tener enseñanzas de lo vivido. Vivir el presente, hacer que nuestra instancia y el futuro sean mejor, y dar oportunidades para vivir en paz.

Lo bueno: La doble interpretación de Ezra estaba muy bien sincronizada, a pesar de que me cargó mucho al comienzo el Barry del pasado.

Muchos cameos, algunos entrañables, fue prácticamente un repaso de los personajes DC.

Las brillantes actuaciones de: Michael Shannon como el General Zod, siempre es un gusto verlo. A Sasha Calle como Kara Zor-El/Supergirl, que sin necesidad de parecerse a la del Comic (a veces los puristas reclamamos por ello), desarrolla un buen papel. Michael Keaton como Batman, nos dio las mejores escenas de acción, sin que tenga poderes como el resto.

Muchos efectos visuales buenos, con escenas de acción y coreografías sobresalientes, por lo que en esto último hay que destacar, cosa que no se hace con regularidad, a los dobles de acción, que se esmeran en proporcionarnos grandes escenas.

Buena banda sonora. Muy buen vestuario y maquillaje. Buen montaje.

Lo malo: Los “medios sintéticos”, más conocidos como “deepfake”. Algunos, reconozco, se veían bien, pero la mayoría exagerados e incluso irreconocibles

Algunos efectos visuales mal efectuados, pero fueron pocos.

Lo muy malo: Ezra Miller como persona, mientras a Johnny Deep lo crucificaron prácticamente por la denuncia en su contra de violencia intrafamiliar (cargo del cual fue absuelto), Warner lo retiró de sus filas, mientras a Ezra, quien tiene múltiples delitos acumulados en su haber, agresiones a una fan, robos donde ha sido arrestado, grooming a menores, maltrato físico y psicológico, amenazas y otros, lo han dejado realizar esta película sin cuestionamientos, hecho que me parece de doble estandar, doble moral inaceptable.

Y por supuesto, deben como toda película DC (y Marvel), quedarse a ver la escena post créditos.

Ficha técnica

Dirección : Andy Muschietti
Guion: Christina Hodson
Historia: John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Joby Harold
Basada en Personajes de DC
Música Benjamin Wallfisch
Fotografía Henry Braham
Montaje: Jason Ballantine y Paul Machliss
País: EEUU 

Año 2023
Género Ciencia ficción, acción, aventuras y cine de superhéroes
Duración 144 minutos
Protagonistas: Ezra Miller, Sasha Calle, Michael Shannon, Ron Livingston, Maribel Verdú, Kiersey Clemons, Antje Traue, Michael Keaton