Los diamantes de la discordia - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

El escenario de esta película es el pueblo de Oyo-Oke, un lugar sin mucho futuro en el que cuatro amigos adolescentes lo único que desean es emigrar cuanto antes. Las oportunidades escasean, la vida es monótona y aburrida, por eso todos se van del lugar, huyen hacia mejores opciones o, al menos, en busca de una esperanza aunque solo sea un espejismo.

El retrato social que se presenta parece real, y la sensación se incrementa cuando estos chiquillos -tres hombres y una mujer-, encuentran por casualidad un bolso que contiene unas piedras de vidrio que resultan ser preciados diamantes. El hecho desencadena todo: se despierta en ellos la ambición y también una incipiente codicia. Hay que venderlos para obtener recursos frescos, dinero contante y sonante que les puede permitir hacer realidad algunos de sus anhelados sueños.

Inesperadamente, y también osadamente, logran negociar un precio por la venta de cuatro diamantes y con lo que obtienen dan rienda suelta a un naciente espíritu consumista. Teléfonos caros y artículos electrónicos son su objetivo, los que ahora están a su alcance y que antes solo veían en fotografías o televisión.

Pero por supuesto lo que sucede no es gratis. Las piedrecitas preciosas tienen dueño, y además, varios otros interesados en apropiárselas a cómo dé lugar, no necesariamente de forma educada y pacífica. En ese momento, el “caos” del título original se hace realidad: los muchachos comprenden que en el mundo adulto, al que llegan de golpe y porrazo, las cosas son muy distintas a los juegos de niños.

Con guion de Tunde Babalola y dirigida por Kunle Afolayan, “Los diamantes de la discordia” -traducción libre pero apropiada-, es una película cuyo fuerte es la descripción de una realidad que puede suceder en cualquier lugar del mundo y que también resulta atemporal. La factura de la filmación es muy buena, con tomas que entregan credibilidad y verosimilitud a los ambientes que desean mostrar.

Algo ingenua en ritmo y en la construcción de la tensión, la cinta pone énfasis en los antivalores para con ello evidenciar que es un tema que varía según la perspectiva. Así emerge la corrupción, la ambición, el uso de la violencia como medio y como fin, junto a un sinnúmero de otras aristas que se van sucediendo en la medida que el metraje avanza.

En un poco menos de dos horas, “Ijogbon” logra cautivar a pesar de ciertas irregularidades. Las salvamos y pasamos, porque finalmente el fondo está dado por una cadena de situaciones, algunos buscadas y otras desafortunadas, que dan vuelta la vida del pueblo y con ello trastocan la de estos adolescentes que forzadamente deben lidiar con las consecuencias de sus acciones y madurar a la fuerza obligados por las circunstancias.

Interesante el hecho que otra película nigeriana vea la luz por estos días en Netflix, sobre todo para conocer otro entorno, otra realidad visual y social, y así salir de lo que estamos acostumbrados a observar. Más que interesante diría yo, una oportunidad apropiada para internarse en otro continente y, cual ventana al mundo, ser espectadores de contextos geo culturales y políticos muy diferentes a los ya habituales.

Ficha técnica

Título original: Ijogbon
Año: 2023
País: Nigeria
Compañías: Golden Effects Pictures. Distribuidora: Netflix
Género: Drama
Guion: Tunde Babalola
Reparto: Fawaz Aina, Ebiesuwa Oluwaseyi, Ruby Akubueze, Kayode Ojuolape Jr., Yemi Sodimu, Yemi Solade, Bimbo Manuel, Sam Dede, Femi Branch, Femi Adebayo, Gabriel Afolayan, Funky Mallam, Bolaji Amusan
Dirección: Kunle Afolayan

Flashback - Por Jackie O.

"Cambiar el destino"

Jess y Scott son una joven pareja que se conocen desde pequeños, actualmente son pareja y viven juntos. Se aman incondicionalmente.
Ella es instructora de yoga, y en una de sus clases cree ver la figura de Dr. Bones, un cuervo que era figura televisiva de su infancia (personaje muy parecido a Khonshu de Moon Nigh - mal), situación que le cuenta a su amiga, y por supuesto ella no le cree.

Una noche en casa, escucha un ruido y le pide a Scott ir a ver, pero un disparo la hace levantarse para ver cómo un ladrón en pánico le ha disparado a Scott y le dispara a ella, viendo en ese instante cómo su vida pasa ante sus ojos.
Sus técnicas de "yogista" hacen que se sienta consciente ante este viaje en el tiempo. Vuelve al pasado con el fin de revertir su futuro y así ninguno muera por un disparo.

Logra hacer lo que debía a sus 13 años, lo vemos, viajamos con ella... para volver al presente y darse cuenta que dio resultado su plan. Ya no hay disparo. ¿Pero a qué costo?

Otro corto que sacó este mes Netflix para sumarlo al mes del terror, pero este trabajo no tiene nada de terror, ni siquiera suspenso, ni sobresalto, nada de ese género. Malo, porque lo venden así.

Sí funciona muy bien como una apuesta diferente de drama, que nos habla del sacrificio en una relación amorosa, de lo que quieres, del bienestar en el otro, nuevas oportunidades; con toques de ciencia ficción con eso de viajar en el tiempo. Ahí funciona bien como base para ser un corto, ya que el movimiento de cámaras en 360' se ve genial, acompañado de la edición para ver el cambio físico de Jess.
Un corto que no necesita más adornos para contarnos y entender lo dramático que acabo de mencionar, por que ahí sí sirve.

Pero insisto, de terror, otro género o subgénero de esa área no. La imagen del buitre no impresiona, no logra generar tensión ni menos la situación.

Vendida por terror-suspenso para nada.

Como propuesta dramática, sí.
Con una mini escena entre créditos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Año: 2023
Duración: 12 minutos
País: Reino Unido
Dirección: Jed Shepherd
Guion: Jed Shepherd
Fotografía: Rick Joaquim
Protagonistas: Haley Bishop, Amar Chadha-Patel, Maya Graham, Scroobius Pip, y Jemma Moore.

Juego Limpio - Por Jackie O.

"Egos en juego"

La película gira en torno a Emily y Luke, quienes forman una linda pareja, ambos profesionales talentosos en el competitivo mundo de la banca de inversión. Pero cuando Emily obtiene un merecido ascenso por delante de Luke (que espera para sí mismo), y que lleva su carrera a nuevas alturas, marca un punto de inflexión en su relación.

Parece que el amor al otro no supera el amor propio, lo cual es bueno, ya que uno debe amarse primero, para que la vida fluya mejor. Lo dicen muchos especialistas incluso.
Pero qué pasa con otra visión del amor propio, esa egoísta, esa que duele, donde el amor al otro no es suficiente, porque se transforma en competitividad.

Luke y Emily se aman con locura, quieren casarse, no pueden estar sin el otro, pero deben planear cómo se lo dicen a su jefe y compañeros de trabajo, ya que era algo oculto por políticas de la empresa. Pero la madre de Emily se encarga de organizar la fiesta de compromiso y comentarle a quien más puede.

¿Qué malo podría tener esta joven y exitosa pareja?
El ego, la masculinidad tóxica de un hombre que se creía superior, y una mujer, su mujer, que fue mejor evaluada que él y le dan el puesto deseado.
Muchos hombres (y aunque no les pregunten pero les encanta ponerse el parche antes de la herida, hagan el ejercicio, saltarán sobre-explicándose), dicen "yo apoyo a mi pareja", "la ayudo a superarse", "me encanta que le vaya bien", pero lo dicen porque saben que ellos tienen una carrera mejor no solo en título sino que en remuneración. Porque cuando la mujer, su mujer, es más exitosa que ellos, y por la naturaleza que tienen prehistóricamente, se transforman; algunos sutilmente, otros como Luke.
No, no soy feminista tampoco machista. Solo me gusta observar y estudiar al ser humano.

El éxito de Emily desencadena una variedad de emociones en Luke, quien siente una mezcla de celos, frustración e inseguridad al punto de la ofensa. Eso genera que ella también desencadene emociones negativas.
Considerando los factores que los rodean como empleados, esta pareja no solo trabaja en la misma empresa sino también en un entorno altamente competitivo donde la presión y lo que está en juego es de altos estándares.

Esta cinta captura la dinámica y el comportamiento competitivo que se encuentran en muchas relaciones heterosexuales actuales. Al mismo tiempo ofrece una visión del género, los roles, la influencia y las ideas erróneas de ello.
La película nunca intenta convertir al personaje principal, Emily, en una mártir feminista, un símbolo o un héroe (en realidad es un personaje también defectuoso). Ambos personajes se enfrentan a desafíos cuando se cambian los estereotipos de género y los roles. Esta inversión de roles muestra la fragilidad tanto en la masculinidad como en la feminidad, y muestra una perspectiva diversa del costo que enfrentan ambos géneros.

¿Cómo se podrá balancear el éxito, sin que genere un conflicto como pareja?

Las actuaciones de Dynevor, quien sale de roles dulces o divertidos, y de Ehrenreich, quien había enterrado a Hans en su momento, los pone en lo alto. Tienen un manejo genial en los diálogos, en la química que ambos mantienen, sea en los buenos o malos momentos es muy creíble.

Un gran acierto de Netflix este año con esta película, con un tratamiento psicológico bien desarrollado, buena dirección para ser el primer largometraje de Chloe Domont. Un gusto como siempre, ver al inglés Eddie Marsan que pone esa cuota despiadada, fría, y que disfruta con la humillación, hace que la tensión vaya en aumento.

Una película que debe darnos lecciones de vida sobre soberbia, respeto, competicion sana, y mucho más. Que las peleas de "machismo" versus "feminismo" tan en boga, no se desvíen del foco.

Película violenta, para adultos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Fair Play
Dirección y guion: Chloe Domont
Música: Brian McOmber
Fotografía: Menno Mans
Protagonistas: Phoebe Dynevor, Alden Ehrenreich, Eddie Marsan, Rich Sommer
113 minutos. EEUU
Suspenso psicológico

Acusado - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Interesante propuesta de Reino Unido respecto de la sobredimensión que alcanzan en estos días las Redes Sociales.

Harri -Chaneil Kular-, un joven apacible y tranquilo, viaja a cuidar la casa de sus padres ubicada en las afueras de Londres. Su trayecto es de lo más habitual, deja a su novia en su casa, se encamina hacia Central London Station y luego aborda un tren suburbano. Ya en el último tramo de su viaje la noticia está en todas partes: una bomba ha explotado en la estación provocando muertos y heridos, un ataque presuntamente terrorista que logra encender todas las alarmas. Hasta ahí, solo confusión y muy pocos antecedentes, sin embargo cuando unas fotografías comienzan a circular justamente en las redes, el tema se torna tormentoso. ¿Por qué? Las fotos parecen ser de Harri, y todo indicaría que él es el sujeto causante del atentado. ¿Consecuencia? El #LondonBombing -con su imagen-, comienza a ser viral.

Creo que pocas cosas son tan angustiantes como ser sindicado de algo que no has cometido. ¿Cómo hacer frente a ello? ¿Intentar defenderse? ¿Tratar de demostrar inocencia? No es fácil saber qué hacer, y mucho menos cuando parece que no hay forma de evadir, incluso, algunas pruebas que parecieran irrefutables. Esto es lo que sucede con el protagonista de esta cinta de una hora y media de duración dirigida por Philip Barantini. Logra imprimir ese sentido de urgencia que aumenta exponencialmente en la medida que avanzan los minutos, y su desenlace se percibe extremadamente incierto.

Con pocos elementos, el guion de Barnaby Boulton y James Cummings aporta los datos precisos que necesitamos. No se excede y tampoco es mezquino con la información requerida para armar el cuadro que nos quiere mostrar. Es cierto que en la medianía del metraje encontramos algunos problemas de ejecución -tiempos muertos, escenas algo extensas, una pequeña baja inexplicable de la tensión-, pero también es comprensible que mantenernos siempre a tope no es posible, y que ese nervio central debe ser construido en una proporción adecuada y un tiempo limitado.

“Accused” funciona. Pone en relieve los errores que se pueden cometer producto de la inmediatez de las respuestas vírales, aquellas frases que son más pensamiento hablado que comentarios con algún grado de reflexión. El tema es que eso se transforma en una bola de nieve muy difícil de frenar y cuyas consecuencias pueden llegar a ser inimaginables, incluso pasando a llevar y destruyendo la integridad de las personas.

Buen thriller para una tarde de domingo, lo suficientemente tenso para no querer pararse del asiento, y que, tal vez sin querer, ejemplifica de buena forma lo despiertos que debemos estar frente a una inundación de informaciones que no siempre somos capaces de digerir y validar. Atención con este punto, pues no se trata de demonizar las redes sociales y tampoco de bajarles el perfil. Se trata de estar vigilantes, y ojalá nutrirse de otras vertientes informativas (primarias, secundarias o al menos complementarias) para poder encontrar un criterio de equilibrio que permita discernir adecuadamente el verdadero origen de las informaciones que consumimos.

Ficha técnica

Título original: Accused
Año: 2023
Duración: 88 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Sunrise Films, Three Little Birds Pictures. Distribuidora: Falcon Films
Género: Intriga
Guion: Barnaby Boulton, James Cummings
Música: Aaron May, David Ridley
Fotografía: Matthew Lewis
Reparto: Chaneil Kular, Nitin Ganatra, Frances Tomelty, Daly, Nila Aalia, Ajufo, Ollie Teague, Ben Mars
Dirección: Philip Barantini

Pearl - Por Jackie O.

"La soledad y el descontrol..."

Esta película es una precuela de "X" (2022) y sirve como una historia de origen para la villana titular.

Ambientada en el año 1918, vive la joven y dulce Pearl en una granja con sus padres mientras su marido está en la guerra. Su padre está paralítico total y además no habla; su madre es una estricta mujer religiosa llena de frustraciones. Pero Pearl solo sueña con una vida lejos de ahí, ser feliz y amada, una estrella a quien todos admiren, pero vive en este ambiente opresor.

Pearl es una campesina que busca formas para ser feliz en su soledad, realiza las labores que le encomiendan en casa aunque no de buena gana todas, le gusta la vida libre en la naturaleza, ver películas a escondidas, pero aún así, no deja de mostrar rasgos de que algo en su cabeza le carcome.

Estamos ante una cinta que se cuece a fuego lento, de a poco nos va mostrando esa parte retorcida que explotará.

Tenemos un descenso a la locura, se toma su tiempo para contarnos una ira contenida que se va desatando a medida que vemos su vida de miseria, frustraciones y penas. La desesperación cuando no se logran cumplir los más anhelados sueños de una joven que solo quieres ser amada y triunfar, y que se ve cada día más sola, porque en su lado dramático mantiene sentimientos de inseguridad y decepción. El torbellino que estaba ahí, en su interior, lo vamos viendo en diálogos largos e inquietantes, desatado, sin vuelta atrás.

En el mismo año Ti West se encargó de traernos dos obras que no dejaron indiferente al público. Filmadas exactamente una después de la otra, tanto "X" como "Pearl" (su precuela) dan muestra de una misma cara, con el mérito de presentarse desde épocas diferentes.

Técnicamente está impecable, con un gran acierto al estilo Technicolor que es algo característico de los años 20 a 50.

Ahora entiendo la rabia desatada en las redes el año pasado, al querer que nominaran a Mia Goth a los festivales como mejor actriz, está increíble. Mantiene un genial monólogo de aproximadamente siete minutos que es para erizar cada vello, y otros diálogos que nos sumergen en su mente perturbada.

Sin dejar de mencionar la fotografía de grandes planos, y con tomas de cámara en contrapicado a la protagonista para hacerla más terrorífica al verla, sin saber qué viene, preguntándonos que hará ahora.

Lo secundarios son un buen complemento, no se ahonda en ellos y me habría gustado que lo hicieran, pero aún así, nos da luces suficientes para saber las motivaciones de Pearl, y las características de cada uno.

Sin dejar de mencionar el vestuario, excelente maquillaje y buena banda sonora.

El trabajo de Mia me recordó mucho a la cinta "¿Qué le pasó a Baby Jane?", de Robert Aldrich, y “Carrie”, de Brian de Palma.

Ti West nos deja a otra mujer desquiciada en el cine, aquella que su psicopatía estaba guardada hasta que detonó. Nadie la olvidará.

Y no dejes de mirar su cautivante e inquietante toma final, ¡qué nervios!

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Dirección: Ti West
Guion: Mia Goth y Ti West
Música: Tyler Bates y Timothy Williams
Fotografía: Eliot Rockett
Montaje: Ti West
Protagonistas: Mia Goth, David Corenswet, Tandi Wright, Matthew Sunderland, Emma Jenkins-Purro
Año: 2022
País: EEUU
Género: Slasher y terror psicológico
Duración: 102 minutos

Los Asesinos de la Luna - Por Juan Pablo Donoso

Reciente estreno mundial de la última superproducción del laureado director estadounidense Martín Scorsese.

Basada en hechos reales del libro de David Grann, ocurre en Oklahoma de los años 20. Fatal momento en que surgió petróleo en la reserva ancestral de la tribu pielroja de los Osage, originalmente conocidos como «Ni-U-Kon-Ska» (gente de las aguas medias).

Las tradiciones primitivas y ecológicas de ese pueblo, unidas a su fragilidad diabética, despertó la codicia de magnates blancos quienes, aportando tecnología moderna, se instalaron como supuestos “benefactores” en la región.

En realidad, el plan a mediano plazo era siniestro. A los blancos que llegaban buscando trabajo se los premiaba por casarse con mujeres indias. Así, cuando ellas sucumbieran por su precaria salud, los maridos y sus hijos heredarían las tierras, con el consecuente petróleo.

A la cabeza del proyecto estaba William Hale (Robert de Niro), patriarca masón (Grado 32), quien oficiaba como mecenas para el progreso de la región y sus habitantes.

Cuando volvió de la 1° Guerra Mundial su sobrino Ernest Burkhart (Leonardo Di Caprio) en busca de subsistencia, su tío vio en él un valioso títere para acelerar sus planes de dominio y riqueza.

En primer lugar propició su matrimonio con Molly (Lily Gladstone), inteligente muchacha perteneciente a la familia india propietaria de las tierras. Y una vez consolidado como miembro de esa comunidad, lo involucró, gradualmente, en una cadena de misteriosos asesinatos de los miembros y mujeres aborígenes de buena situación.

Así fue surgiendo el dilema central de conciencia para Ernest: un bello y auténtico amor entre él y su esposa, versus la presión de los notables del pueblo por llevar a cabo el satánico proceso de exterminar a los propietarios originales, incluyendo a la madre de sus hijos.

La sucesión de crímenes anónimos, y sin solución, dio origen a una investigación procedente de Washington, de la cual nació el futuro FBI.

Como todas las famosas películas de Scorsese a lo largo de 63 años, esta mantiene su sello de excelencia. Argumento fascinante, eximias actuaciones, notable ambientación y esmerada factura.

Reaparecen aquí los temas constantes que atormentan y motivan a su creador: - Sociedades “civilizadas” susceptibles a contagiarse con el MAL, conservando aún semillas de AMOR, tanto de pareja como de respeto hacia familiares inocentes. - Codicia y afán de poder que inducen al crimen. - Protagonizadas por un individuo de bajo perfil, vulnerable, pero que aún posee CONCIENCIA de CULPA. - Enorme cantidad de personajes. - Evocación del ancestro mafioso italiano y del instinto justiciero irlandés tan vistos en Nueva York y Chicago (donde suelen transcurrir sus principales filmes). - Finalmente, por su raíz católica, en Scorsese hay siempre horizontes de REDENCIÓN.

Nos mantiene interesados, a pesar de su longitud, y al final nos depara una sorpresa en la que Scorsese se involucra personalmente, y con lágrimas en los ojos, por el relato recién presenciado.

Aconsejamos verla en pantalla grande.

UNA HISTORIA REAL, QUE TODO ESTADOUNIDENSE DEBERÍA CONOCER, REALIZADA MAGISTRALMENTE.

Ficha técnica

Título Original: Killers of the Flower Moon 

Drama, crimen, historia EE.UU. - 3,26 hrs. 

Fotografía: Rodrigo Prieto 

Edición: Thelma Schoonmaker 

Música: Robbie Robertson 

Diseño Prod.: Jack Fisk Guion: Eric Roth, Martin Scorsese, David Grann (novela) 

Actores: Leonardo di Caprio, Robert de Niro, Lily Gradsotne 

Director: Martin Scorsese

La libreta negra - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Nigeria aparece en el mapa Netflix gracias a este nuevo estreno que fluye por tres vertientes: el entorno social y cultural de un país africano que lucha contra su pobreza, la corrupción generalizada de personas e instituciones a cargo del estado, y la historia de un padre que ve cómo la vida se escapa de sus manos cuando incriminan a su hijo como autor de un bullado secuestro.

Esta cinta dirigida por Editi Effiong se toma un tiempo para mostrar sus cartas. La introducción es vibrante y confusa, porque quienes aparecen en escena, y que podrían ser protagonistas, finalmente no lo son. Se trata solo del contexto, el eje de una historia que pronto da paso a los verdaderos involucrados, Paul Edima -Richard Mofe-Damijo-, su hijo Damilola -Olumide Oworu-, y general Issa -Alex Usifo-. Podría resultar complejo entender quién es quién, entre policías, mafias, sicarios, periodistas, jefes y soldados, sin embargo el guion va develando lentamente esos detalles con el correr de los minutos.

Ya está dicho que el centro de la trama es adjudicar a un inocente un crimen que no ha cometido. El tema es que la situación de va de las manos y Paul -un devoto diácono-, no está dispuesto a aceptar explicaciones burdas que nada tienen que ver con la realidad, un encubrimiento a niveles indecibles que no podríamos siquiera de denominar como malas prácticas. Se trata de ausencia de la más mínima moral, una falta de probidad mayúscula que pasa por sobre los Derechos Humanos y la dignidad de las personas.

El guion, escrito por el propio director junto a Bunmi Ajakaiye, plantea varios niveles de desarrollo que la película no siempre acomete de buena forma. Si bien nos vamos sorprendiendo, hay ciertos giros y transiciones donde se observa mucha cadencia para ir de un tema a otro. Aquello no es un problema en sí mismo, sin embargo cuando afecta la continuidad se ven ciertos baches narrativos que pueden hacer que uno mire el reloj para saber cuánto lleva y cuánto falta.

Filmada con un grado de naturalidad importante, quizá el mayor mérito que tiene la película es mostrarnos una realidad que no es tan común en nuestros tiempos. Es cierto que historias de corrupción y de injusticias hay muchas, pero habitualmente las observamos en los mismos lugares de siempre, por lo que sacarlas de ese espacio reconocido ayuda a visibilizar otros elementos que también son importantes e inciden en los grados de violencia y crudeza que se alcanzan.

“The Black Book” decae en ritmo hacia el último tercio -a pesar de tener muchas, pero muchas balas- y solo recupera brío unos 10 minutos antes del final, con un operativo de incierto desenlace que activa nuestros sentidos más adormilados. Aunque se sienten sus dos horas, dejan un mejor sabor al recordarla, principalmente por sus temáticas cruzadas y aquellos antivalores que permiten tomar conciencia de la importancia que significa todo esfuerzo por mantener a raya el narcotráfico y la corrupción, aunque creamos que es una batalla perdida.

Ficha técnica

Título original: The Black Book
Año: 2023
Duración: 124 minutos
País: Nigeria
Compañías: Anakle Films. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller | Venganza
Guion: Editi Effiong, Bunmi Ajakaiye. Historia: Editi Effiong
Música: Kulanen Ikyo
Fotografía: Yinka Edward
Reparto: Richard Mofe-Damijo, Sam Dede, Shaffy Bello, Femi Branch, Alex Usifo, Ade Laoye, Ireti Doyle
Dirección: Editi Effiong

Juego Peligroso: Los asesinatos del legado - Por Jackie O.

"Herencia maldita"

Sinopsis: Una reunión familiar en una mansión remota, da un giro letal cuando quedan atrapados dentro y se ven obligados a jugar un juego de supervivencia mortal donde solo uno saldrá con vida.

Un viejo inválido cumple 80 años e invita a su familia para que pase el fin de semana con él en su lujosa y apartada mansión, donde vive con su mayordomo.
Al lugar llega su hijo Alec acompañado de su hija adolescente y esposa; su hijo mayor llega minutos después con su novia. Todo se pone tenso cuando aparece el hijo mayor del viejo, Kyle, con su nueva novia. Solo falta Virginia, la otra hija. ¿Llegará?
Al primer minuto vemos la tensión entre el viejo y su hijo mayor, hay antiguas rencillas y heridas que han hecho que ambos se detesten.
La supuesta fiesta de cumpleaños es tensa, indirectas van y vienen, y los insultos aparecen. Es hora de dormir, pero nadie puede hacerlo, y al juntarse nuevamente, se percatan que hay un nuevo regalo sin tarjeta, lo abren y es un juego (tipo Jumanji), donde una misteriosa voz les ordena jugarlo. Dicho juego viene con expedientes reales de asesinatos, donde al jugarlo irán destapando pistas que los llevarán al resultado final: se abrirá un acertijo que dará el nombre de un asesino serial, que es un miembro de la familia.
Por lo que la reunión no fue casual.

Kyle le recrimina a su padre como el que planeó todo. El viejo Ellison lo niega. Ahí se desata la furia y confusión en todos, donde esta voz que escuchan en alta voz les advierte que deben jugar, de lo contrario morirán.

Es así que algunos no toman en serio la amenaza y comienzan a buscar una salida de la mansión, donde puertas y ventanas están herméticamente cerradas, con consecuencias fatales; mientras otros están jugando para poder desenmascarar al asesino y, principalmente, salir de ahí.

Esta cinta tiene una mezcla de Scape Room, Clue y Juego del miedo, donde seguir pistas para descubrir a un asesino y a la vez salvar sus vidas, con explícitas lesiones y muertes, son la tónica. Lamentablemente no cuenta con un guion estructurado.
El maquillaje es bueno, las lesiones y muertes se ven bastante bien (salvo una excepción con un doble)
Las locaciones son buenas.
Pocas actuaciones buenas, en eso ganan y salvan la cinta los consagrados Rhys y Voight, ya que la mayoría son poco creíbles a malas, como Shaye, quien debe agradecer la amistad que tiene con Voight quien la involucra en algunos de sus trabajos.

Una cinta que no solo nos habla de un asesino serial, sino que de problemas filiales, de esos rencores familiares no sanos. De cómo grupos pequeños de familias tienen rabias al punto de odiarse, de no aclarar los problemas, de no buscar ayuda para lidiar con el asunto con seres tan cercanos.
De las enfermedades mentales hereditarias, de observar y observarse en temas de salud para pedir ayuda.
De que los padres no abusen de sus hijos, y así no crear adultos con problemas.

Una película con temas interesantes, que se diluyen en un guión poco convincente, donde varias actuaciones fueron deficientes.

Disponible en Paramount y Star plus.

Ficha técnica

Dangerous Game: The Legacy Murders
Año: 2022. País : Canadá
Duración: 96 minutos
Guion: Brian Buccellato
Música: Matthew Rogers
Fotografía: Adam Sliwinski
Elenco: Jonathan Rhys Meyers, Will Sasso, Jon Voight, Laura Mennell, Megan Charpentier, Kaya Coleman, Skyler Shay, Dylan Playfair, Bradley Stryker

Disco Inferno - Por Jackie O.

"Posesiones"

En 1955 dentro de una Iglesia suceden dos hechos terribles. Así comienza este cortometraje.
Una mujer desquiciada que confiesa haber robado a una bebé, pero comete suicidio dentro del lugar. La Iglesia es cerrada.

20 años después, en el lugar que había estado abandonado desde 1955, se construyó una discoteque, inaugurándola con una competencia de baile. Ahí, Mel y Brandon, una joven pareja se dispone a competir, pero Mel le confiesa a un amigo que está embarazada y no sabe qué hacer.
Minutos después, Mel comienza a escuchar la voz de una mujer, la hermana Lynn, la misma mujer del comienzo de la trama.
Atrapada por su voz, Mel comienza a buscarla dentro de los pasillos del lugar hasta encontrarse con el fantasma. Un fantasma que no descansa, que aún ansía la necesidad de tener un hijo, y al sentir que Mel está embaraza quiere quitárselo.
Mientras tanto, Brandon comienza a buscar a Mel, escuchándola gritar mientras pelea con este ser maligno.

¿Logrará salvarla junto al bebé que está por nacer?
¿Logrará descansar el espíritu de la hermana Lynn?

Un cortometraje que tiene una buena historia de base para hacerla largometraje, buenas actuaciones, así como la música y el vestuario que nos proyectan a la época disco.

No causa terror ni sobresalto pero, como dije, tiene una buena historia base y que por su duración vale ver.

Robos de infantes, suicidio, espíritus atormentados, donde nos hace preguntarnos si las almas pueden o no descansar después de cometer sacrilegio.

Dato: el nombre "disco enferno" puede confundirse con el nombre del álbum de banda estadounidense The Trammps, la cual ha tenido múltiples versiones posteriormente. O con otro corto del año 2015 de 12 minutos, de la directora Alice Waddington.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Año: 2023
Duración: 18 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Matthew Castellanos
Guion: Matthew Castellanos, Mike Ambs
Elenco: Soni Bringas, Esteban Ruffin, Helene Udy

La anunciada muerte de Willy Semler - Por Carlos Correa Acuña

La preparación de la obra de teatro de su vida, tiene a Willy Sembler -personificado por el mismo actor-, totalmente obsesionado. Con un pequeño grupo compuesto por tres personas quiere dar vida a un experimento con la adaptación de “Drácula”, y sus esfuerzos están en eso al cien por ciento cuando una noticia médica pone todo en jaque: sus exámenes de rutina han salido alterados y se sospecha algo maligno.

Willy sospecha lo peor, solo lo comparte con su pareja Fran -Francisca Rojo-, con el compromiso que no se lo comente al equipo, pero aquello es una utopía… en muy poco tiempo ya es portada de diarios y noticia nacional. No obstante, un giro radical cambia completamente el curso de los hechos. ¿Willy revelará la verdad justo cuando se aproxima al mejor momento de su vida profesional?

Con guion de Matías Celedón y Benjamin Rojo, esta película abusa con la utilización de cápsulas que intentan obtener una unidad que no logra conseguir. A lo que me refiero con esto es que, pese a los intentos en favor de la continuidad, es muy difícil enlazar un guion que se basa principalmente en compartimentos, en escenas relativamente cortas que tienen un inicio y un término definido, y que resultan ser piezas que se van sucediendo unas a otras en una cadencia que de pulso y ritmo narrativo tiene miuyb poco.

Un aspecto a destacar es la edición de algunas tomas y ciertas secciones de la banda sonora compuesta por Cuti Aste, quien también incursiona como protagonista de este filme, sin embargo estos dos tópicos no logran suplir el desequilibrio que se observa en sus 75 minutos de duración.

El argumento, la premisa sobre un error que pasa a ser una oportunidad, solo despega un poquito cuando emergen factores como el ego y la comodidad que se siente al ser famoso, independiente de la razón que provoca tal reconocimiento. En ese sentido, el juego con la realidad resulta interesante pero se siente forzado, no cuaja, no encaja con una trama que debería valerse por sí misma sin necesitar ayuda externas.

Es posible reconocer en “La anunciada muerte de Willy Semler” todos los méritos por el esfuerzo realizado, sin embargo el producto obtenido ofrece unos pocos nudos básicos, un argumento alargado a la fuerza, y un relato insustancial que solo se ubica al mismo nivel de las anécdotas de las que quiere dar cuenta.

En ese sentido, y ante este escaso desarrollo la pregunta que surge es con qué parámetros podemos medir entonces este trabajo cinematográfico. Sin aventurar una respuesta, queda esperar la recepción que tendrá en el público que la vea, porque para bien o para mal, esa es finalmente la vara que buscan superar todos quienes trabajan en la industria.

Ficha técnica

Título original: La anunciada muerte de Willy Semler
Año: 2022
Duración: 75 minutos
País: Chile
Compañías: Oro Films
Género: Drama. Comedia
Guion: Matías Celedón, Benjamin Rojo
Música: Cuti Aste, Benjamin Rojo
Fotografía: Eduardo Bunster
Reparto: Cuti Aste, Francisca Rojo y Willy Semler
Dirección: Benjamin Rojo

El bandido perfecto - Por Jackie O.

“El que diga que el dinero no da la felicidad, que me lo deposite a mí”

Sinopsis: Después de escapar de una prisión de Michigan, Gilbert Galvan Jr., un audaz criminal asume una nueva identidad en Canadá , y pasa a robar un récord de 59 bancos y joyerías mientras es perseguido por la Policía.

Basada en un hecho verídico, narrado en la obra “The Flying Bandit”, del novelista, actor y dramaturgo canadiense, Robert Knuckle, cuenta las idas y venidas de Gilbert Galvan Jr, que robó casi 60 bancos durante un período de tres años, un récord en Canadá, para no sentirse nada de orgulloso.
Por supuesto que la cinta mantiene su cuota de ficción.

Películas sobre robos a bancos las hay de todo tipo. Acá tenemos un hecho verídico, pero, ¿qué tan verídico es? La pregunta me “asalta”, curiosamente, debido al tono comedia que le dan, donde pareciera que robar es muy fácil.

Ambientada en la década de los 80, conocemos a Robert, quien es un solitario asaltante de bancos, simpático y no tan atractivo el personaje original (aunque la simpatía se lleva todo eso), ya que el actor que lo protagoniza da en el clavo para tenerle simpatía, y además es guapo (Josh Duhamel)

Luego de escapar de una prisión sin ninguna seguridad, quiso llevar una vida de ciudadano honesto huyendo de EEUU a Canadá, teniendo trabajos pequeños, durmiendo en albergues, pero no era lo que quería, y tampoco quería continuar con su vida de ladrón. Lo único bueno fue que se enamoró de la encargada del albergue, Andrea, por supuesto ocultándole su pasado, y de su futuro trabajo, ya que volvió a las andanzas.

Se asoció con Tommy Kay, un mafioso usurero al cual le pedía prestamos para sus atracos, que era vigilado por el detective John Snydes. Robert y Tommy con el tiempo se volvieron buenos amigos.

El tono de la película parece irrisorio, pero se deja ver por sus personajes muy carismáticos, y en más de una oportunidad nos desplegará una sonrisa por las situaciones torpes que se desarrollan, donde te preguntas “cómo no lo atraparon” “cómo le fue tan fácil robar”.
La forma de robar de Robert consistía en la no violencia y una encantadora actitud.

Mantiene sus diálogos profundos, aunque pocos, en cuanto a la ética de si robar al banco es correcto ya que ellos serían “los malos”, que se aprovechan y lucran con la necesidad de gente honesta con la subida de impuestos, hipotecas, etc., así como hablar del sentido de la amistad, reflejada en estos dos delincuentes, que no se traicionan y le dan un sentido profundo, ya que según los dichos de uno de ellos “nadie nace malo”. Las carencias los llevan a tomar determinado rumbo, lo que es objeto de discusión.

Estamos ante un antagonista simpático, que no tiene remordimientos en lo que hace, todo lo disfruta en familia, que curiosamente es cercano, aunque se cuestione su actuar delictual.

En cuanto al guion, es divertido y dinámico, pero decae al final dejando vacíos en sus personajes.
Las actuaciones son buenas, todos se notan afiatados, aunque Mel Gibson tiene un papel muy pequeño lo hace bastante bien, dándole toques de cierta profundidad al rol.

Buena banda sonora, así como la ambientación ochentera.

Al final, te da un pequeño resumen de que pasó con cada personaje, viendo al real ladronzuelo.

Película para pasar un buen rato ya que es amena, incluso puede ser hasta olvidable, porque pudo haber sido un gran thriller.

Disponible en Paramount, Claro video y StarPlus.

Ficha técnica

Título original: Bandit (El atracador perfecto)
Año: 2022

País EEUU
Duración: 121 minutos
Dirección: Allan Ungar
Guion: Kraig Wenman. Basada en la novela: Robert Knuckle
Música: Aaron Gilhuis
Fotografía: Alex Chinnici
Género: Thriller. Acción. Drama, Robos & Atracos. Basado en hechos reales
Reparto: Josh Duhamel, Elisha Cuthbert, Mel Gibson, Nestor Carbonell, Swen Temmel

Mansión Embrujada - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Disney+.

Algo no funciona bien en esta “Mansión Embrujada”. Veamos por qué.

Ante una premisa que puede resultar interesante, la historia de una casa habitada por entes fantasmales que se niegan a dejar tranquilos a quien traspase su umbral, es tal vez la gran cantidad de elementos lo que más le juega en contra a un guion que imaginativamente avanza, pero que le cuesta mucho cerrar cada capítulo que logra construir.

Primero, el protagonista, Ben Matthias -LaKeith Stanfield-, un astrofísico devenido en guía turístico que ha sufrido una dolorosa pérdida, descree de cualquier evento sobrenatural y se esfuerza, además, por demostrarlo. Después, madre e hijo, Gabbie -Rosario Dawson-, y Travis -Chase W. Dillon-, los nuevos inquilinos de la casa que parecen estar más curtidos que cualquier experto en fenómenos extraños. A continuación, el padre Kent -Owen Wilson-, que de “padre” tiene menos que una pulgada cuando trata de obtener beneficio propio en cada una de sus acciones. Y finalmente, Bruce Davis -Danny DeVito-, académico de “poca o ninguna monta”, junto a Madame Leota -Jamie Lee Curtis-, una síquica que ha quedado reducida y encerrada al interior de una bola de cristal.

Descoloca bastante que este elenco de primer nivel -en especial Wilson, DeVito, y Lee Curtis-, no alcance rescatar esta película de las fauces de lo intrascendente. Y claro, ante un guion irregular y por momentos anodino, es bien difícil conseguir un mejor resultado, amén tener buenas técnicas expresivas. El director Justin Simien hace sus mejores esfuerzos para conducir a buen puerto el escrito de Katie Dippold, sin embargo la cantidad de veces que naufraga en ese intento son tantas, que no es fácil recordarlas.

Analicemos un poco la filmación, el estilo. Mucha oscuridad, y está bien, debiera ser algo característico, pero cuando se abusa del recurso, se pierden las sorpresas y tenemos que estar adivinando los escenarios (al menos al verla en pantalla de TV), o subiendo la luz para poder apreciar mejor los entornos y alguno que otro detalle del diseño. No sé si esto se produce porque el objetivo original es la pantalla de Cine, o bien corresponde a un ajuste que finalmente resulta desequilibrado.

Vamos a la acción que sería el centro medular, y del que podemos decir que en varias oportunidades funciona bien. El problema es que si toda la película es solo una suma de aventuras, corridas, peleas, sustos y un cuanto hay de otros demases, llega un momento que eso ya no es divertido sino algo un poco agotador. Si a lo anterior sumamos una duración promedio de dos horas, pero que se hacen en verdad muy largas, es casi la tormenta perfecta: extensa, tediosa y dispersa.

Hay dos cosas a destacar, eso sí: primero, la banda sonora, una interesante partitura de Kris Bowers, que por momentos es mucho más atractiva que lo que observamos en escena; y segundo, la inigualable prestancia de Danny DeVito, quien en un papel minúsculo se las arregla para llenar la pantalla y al menos ofrecer algo de lo que promete la promoción de esta película.

“Haunted Mansion” queda al debe, no entusiasma y no deja un buen sabor. ¿Tal vez para la próxima? ¿Habrá una secuela, o una tercera versión? (recordemos que la actual es remake de la del 2003) Solo el tiempo lo dirá. Véala si tiene curiosidad y tiempo, en caso contrario, y ante tantas opciones que hoy tenemos, la puede dejar para un viaje en bus o en avión, donde pestañear está totalmente permitido.

Ficha técnica

Título original: Haunted Mansion
Año: 2023
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Rideback, Walt Disney Pictures, Walt Disney Productions. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Fantástico. Comedia. Terror | Comedia de terror. Casas encantadas
Guion: Katie Dippold
Música: Kris Bowers
Fotografía: Jeffrey Waldron
Reparto: LaKeith Stanfield, Tiffany Haddish, Owen Wilson, Danny DeVito, Rosario Dawson, Dan Levy, Jamie Lee Curtis y Jared Leto
Dirección: Justin Simien

Los Asesinos de la Luna - Por Jackie O.

"Codiciado oro negro"

Cinta basada en el libro del año 2017 del mismo nombre, de David Grann. Su trama se centra en una serie de asesinatos en Oklahoma, en la Nación Osage durante la década de 1920, cometidos después de que se descubriera petróleo en tierras tribales.

Gran superproducción nos trae Scorsese, en la cual nos obliga a estar tres horas y media mirando la pantalla, casi sin pestañear. Sí, porque cada detalle es deslumbrante.

A principios del siglo XX, el petróleo aportó una fortuna a la nación Osage, que se convirtieron de la noche a la mañana en una de las personas más ricas del mundo. La riqueza de estos nativos americanos atrajo inmediatamente a intrusos blancos, que manipularon, extorsionaron, robaron la mayor cantidad de dinero posible e incluso recurrieron al asesinato.

Tenemos a Ernest, un joven que llega de la guerra a la ciudad, a la casa de su tío William, quien se autodenomina el rey del valle, un sujeto muy respetado en el sector.
Vemos como los indios Osage son personas de muchos recursos económicos y los blancos trabajan para ellos, cosa que jamás nadie se habría imaginado. La convivencia se ve normal, pero solo es apariencia, pues extraños hechos (en realidad no) comienzan a sucederle a los indios, quienes comienzan a morir, sin que se investigue.
Los "blancos" se aprovechan de la ignorancia y vulnerabilidad de los indios, casándose con ellos, contratándoles seguros de vida, alcoholizándolos, enfermándolos, etc. Todo con el fin de quedarse, de forma inescrupulosa, con su dinero y bienes en general. Eso que les dio el petróleo.

William hace que Ernest se convierta en chofer, específicamente el de una nativa llamada Mollie. Ernest, ignorante y algo torpe, hace caso y pasa con ella el mayor tiempo posible. Como era de esperarse comienza el coqueteo entre la introvertida Molly y el hablador Ernest, hasta que se enamoran y se casan.
Ellos se aman, pero su tío está ahí atento, como un zorro al acecho, oliendo el dinero, fingiendo amabilidad; un ser inescrupuloso.

Pasan los años y los nativos mueren de a poco, nadie hace nada, el racismo es obvio, a nadie le interesan estos nativos. Viajan a la capital y entregan dinero a las autoridades. Ahí llega un grupo de agentes, encabezado por el agente Tom White, se da inicio al FBI. Investigan, y comienzan a atar cabos.

Racismo, corrupción, avaricia, mafia, se resalta mucho la amoralidad. Pero dentro de todo aquello malo que está abrazando la localidad, brilla el amor, el amor entre Mollie y Ernest, pero no sabemos si se mantendrá estando su tío cerca.

Estéticamente será una cinta muy nominada en los próximos festivales, mantiene una grandiosa fotografía, unos planos amplios deslumbrantes, vestuario muy acorde a la época, maquillaje y protésicos buenos. Las actuaciones son geniales de todos, creíbles, te involucras con ellos. El guion nos cuenta muchas historias, pues hay muchos personajes que aportan en cada momento.

En qué podría fallar es en su duración. Son tres horas y medias en las que no debes despegar la vista de la pantalla, nada de salir de la sala: lo haces y te pierdes algo importante.
Y lo otro que faltó, para mí, fue un tema central, una canción o melodía épica.

Una película hecha con respeto, con el fin de crear conciencia y no olvidar.

Ficha técnica

Killers of the Flower Moon
Director: Martin Scorsese
Guion: Eric Roth y Martin Scorsese
Cinematografía: Rodrigo Prieto
Edición: Thelma Schoonmaker
Musica: Robbie Robertson
Duración: 206 minutes
EEUU - 2023
Drama, crimen.
Protagonistas: Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Lily Gladstone, Jesse Plemons, Cara Jade Myers

Los Asesinos de la Luna - Por Carlos Correa Acuña

Dirigida y producida por Martin Scorsese, quien también co-escribió el guion junto a Eric Roth, esta película -basado en el libro del mismo nombre de 2017 concebido por David Grann-, narra una historia sobre lo sucedido a comienzos del Siglo XX, cuando la Nación Osage, en Oklahoma, Estados Unidos, descubre la existencia de petróleo en sus tierras. El inesperado suceso los hace inmensamente ricos, y al poseer esa fortuna incalculable atraen a buscavidas, intrusos y ladrones blancos que no vacilan en manipular, robar y extorsionar a tal nivel que incluso llegan hasta cometer asesinatos.

Son tres los personajes principales de este relato: Ernest Burkhart -Leonardo DiCaprio-, un joven inquieto y necesitado de nuevas oportunidades, William King Hale -Robert De Niro-, el acaudalado y autodenominado “rey” de la zona -además tío de Ernest-, y Mollie Burkhart -Lily Gladstone-, una nativa americana, cuya familia se ha enriquecido gracias a la abundancia del denominado “oro negro”.

Ernest llega, literalmente, con una mano por delante y otra por detrás, sin nada, solo con la ambición de ser alguien y de forjar un futuro prometedor. Su tío William parece querer ayudarle genuinamente, sin embargo se aprovecha de la inocencia del joven para mover sus piezas y así ganar posiciones ventajosas. Y Mollie, inicialmente reacia a entablar siquiera una conversación, de a poco va cediendo a los impulsos rudos y amables de este joven que ejerce el noble oficio de ser su chofer.

Innegable es la calidad de filmación que Martin Scorsese ofrece en este trabajo de tres horas y media de duración. Cada cuadro, cada escena, posee una fina referencia estética y una composición de primer nivel, algo que destaca naturalmente a primera vista. Y esta es la primera capa de la película, una mega producción que no descuida detalle alguno -notables tomas, movimientos laterales rápidos, y alejamientos sutiles, entre numerosos efectos-, y que construye lentamente cada uno de los rincones y pasillos por donde debe transitar un relato que necesita de un contexto sólido para poder desarrollarse en plenitud.

En un mundo naciente, de creciente ostentación, donde todo se mueve por interés y hacer negocios es lo más importante, no hay demasiado espacio para las relaciones humanas sinceras. Tal vez por eso no resulta sorprendente el enamoramiento y posterior matrimonio de Mollie y Ernest, porque se condice perfectamente con la posición aspiracional de él y las necesidades emocionales que ella presenta.

No sé si la duración del filme se justifica, porque aunque su extensión no es un problema, sí se siente. Dividida en tres partes claramente diferenciadas, son los quiebres los que marcan aquellos puntos de inflexión necesarios para pasar de un compartimento a otro. Y con esto nos introducimos a una nueva capa del metraje, aquella que permite bajar unos peldaños hacia la intimidad de los personajes, cada uno en perfecta sintonía con un desarrollo expresivo bastante cercano a lo teatral. Cuando las muertes parecen inundarlo todo, y los arreglos convenientes en torno al dinero son la tónica absoluta, entramos al valle de la cinta, una sección central que incluye planes turbios y movimientos estratégicos que logran cooptarlo todo con total impunidad. La llegada del FBI, encabezado por Tom White -Jesse Plemons-, marca el inicio del tercio final, una conclusión que va decantando y afinando cada elemento expuesto entregando una perspectiva rica en imágenes tan elocuente como significativa.

Las actuaciones son excelentes, todas, en especial la que nos entrega Lily Gladstone con una gran calma y serenidad para construir un personaje creíble y que despierta nuestra natural empatía. Robert De Niro sobresale como ese viejo zorro curtido por múltiples batallas, capaz de ocultar sus movimientos y verdaderas intenciones tras una piel de oveja que parece suave y generosa. Y DiCaprio sorprende una vez más con su especial acento, junto a muchísimos otros gestos y movimientos corporales que dan vida a un hombre en el que convive una mezcla de sentimientos difícil de describir, y que logra pasar de ser un simple recién llegado a un personaje fundamental de la intriga.

La codicia y la maldad constituyen el pan de cada día en esta realización. Casi no existe antagonismo valórico ante dicha lacra, algo que ni esa aparente consideración y cuidado familiar es capaz de contrarrestar en modo alguno. El aprovechamiento de las circunstancias, y la aniquilación de cualquier rivalidad, es el centro del relato, lo que deja poco margen para encontrar cosas positivas en una cinta que destaca por su honestidad, tanto conceptual como pragmática.

Mucho deja para la reflexión esta película. ¿Lograr la paz, superando una historia de abusos brutalmente concebida? ¿Un reconocimiento en justicia al pueblo de Osage? ¿Una historia de verdad y redención? Existe un sinnúmero de tópicos a analizar en esta nueva catedral de Martin Scorsese, que sin duda representa formalmente una propuesta arriesgada para los tiempos actuales. El personaje de Ernest Burkhart sufre constantes mutaciones en el transcurso de todo el relato pero quedamos siempre con la duda si efectivamente cambia en algún momento, si se arrepiente finalmente, o es todo una fachada que por esas cosas del destino fracasa en la última parte de su intento.

Dudas y más dudas, pasadas, presentes y futuras, que ni siquiera un juicio justo -en este caso el juicio de la historia-, podrá tal vez descifrar o poner en contexto en relación al sometimiento de una Nación que tuvo la “suerte” de enriquecerse de la noche a la mañana y atraer con ello todos los males, habidos y por haber, del mundo moderno.

Ficha técnica

Título original: Killers of the Flower Moon
Año: 2023
Duración: 206 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Appian Way, Apple TV+, Imperative Entertainment, Sikelia Productions, Apple Studios. Distribuidora: Paramount Pictures, Apple TV+
Género: Thriller. Western. Drama | Basado en hechos reales. Crimen. Años 20
Guion: Eric Roth, Martin Scorsese. Libro: David Grann
Música: Robbie Robertson
Fotografía: Rodrigo Prieto
Reparto: Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Lily Gladstone, Jesse Plemons, Tantoo Cardinal, John Lithgow, Brendan Fraser
Dirección: Martin Scorsese

Flora e Hijo - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV+.

Flora -Eve Hewson-, es una madre soltera que lleva una rutina por momentos agobiante. No faltan los problemas económicos en una vida que sin duda es muy diferente a la expectativa que siempre tuvo. Solo evasiones de la realidad, algunas fiestas nocturnas, prometen devolverle el ánimo, sin embargo no se llega a concretar por múltiples razones, en general ligadas a su hijo adolescente, Max -Orén Kinlan-, con quien mantiene una relación bastante tirante. Max no es un chico fácil. Por su afición al hurto se mete rápido en problemas, y ha desarrollado una animadversión hacia su madre que lo lleva a tratarla mal y a contestarle, incluso, en forma vulgar.

El escenario descrito es aún más complejo para Flora porque se siente sola y aún quiere que su ex pareja vuelva con ella. Al parecer la dejó por otra mujer, pero siguen encontrándose seguido, y aunque Flora esté al ataque permanentemente, no parece que hubiese ninguna posibilidad de arreglar las cosas.

Ante caminos que parecen cerrarse, y una evidente falta de motivación, Flora olvida el cumpleaños de su hijo, error garrafal que trata de enmendar mandando a arreglar una guitarra que encuentra tirada en la basura. Al entregársela como regalo, Max la ignora, un desprecio más dentro de los muchos a los que la tiene acostumbrada, sin embargo, a propósito de esa ingrata situación, Flora visualiza que ella podría aprender a tocar el instrumento. Sin nociones de ningún tipo, ni experiencia, ni nada, busca clases on line, tutoriales, videos, etc., hasta que encuentra un profesor que le llama la atención. Se trata de Jeff -Joseph Gordon-Levitt- quien vive en Los Ángeles y cobra 20 dólares la sesión, pero como se ve atractivo, se atreve a incursionar, y le toma el gusto… (a la guitarra y al profesor, obviamente).

Esta película, escrita y dirigida por John Carney, habla de la soledad y la tristeza vista desde varios ángulos. Obviamente está Flora, su baja autoestima, la falta de oportunidades y una búsqueda constante tan infructuosa como frustrante. Pero también vemos, en otra dimensión, la soledad de su hijo, refugiado en su mundo, incomprendido y socialmente excluido, más la de Jeff, de quien poco conocemos pero intuimos -al igual que Flora-, que es un hombre que ha sufrido mucho y que parece inundado de desesperanza.

Como Flora siente que no ha podido surgir y quiere agradar a otras personas, en especial a posibles parejas, se da cuenta que aprender guitarra y componer canciones puede ser una oportunidad para expresar su personalidad. Este viaje, un desafío importante dentro de un espacio íntimo e individual que debe lograr ser traspasado a otros a través de la música, es algo que la protagonista emprende con ilusión pero también con un importante freno de mano. No es fácil para ella soltarse, o dar a conocer sus emociones, bloqueadas seguramente por sus malas experiencias de vida.

El guion, aunque predecible, describe muy bien la corriente transformadora que es generada por la música. La sensibilidad que emerge con el correr de las clases sin duda produce cambios en Flora, y también en Jeff, quien sin quererlo tal vez, empieza a ver a su alumna con otros ojos. También, este nuevo curso de los hechos, sorpresivamente la une con Max, ya que descubren algunos puntos en común que deciden explorar y compartir, manteniendo siempre como base el imán poderoso que significa una expresión artística que también incide en otras dimensiones.

Ya está dicho, el hilo conductor es el entregado por la música y la magia que produce en las personas y en sus entornos. Desde allí, no es difícil entender los grados de comunión que se pueden dar, sobre todo si se está dispuesto a usar la imaginación y dejarse llevar. Luego viene el turno de la seducción, romántica y también filial, en un proceso donde el amor se abre paso y permite que con ello resurja la esperanza.

“Flora and Son”, tiene tanto de comedia como de drama, tanto de ilusión como de desilusión, sin embargo se abre paso gracias a un discurso que nunca abandona lo más preciado que tenemos los seres humanos y que se refiere a los vínculos y la búsqueda del amor sincero.

Ficha técnica

Título original: Flora and Son
Año: 2023
Duración: 94 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-Estados Unidos; Distressed Films, Fifth Season, Likely Story, Filmnation Entertainment, Fís Éireann/Screen, Screen Ireland, Treasure Entertainment. Distribuidora: Apple TV+
Género: Drama. Comedia | Música. Maternidad
Guion: John Carney
Música: Gary Clark Jr.
Fotografía: John Conroy
Reparto: Eve Hewson, Jack Reynor, Orén Kinlan, Joseph Gordon-Levitt
Dirección: John Carney

Emboscada - Por Jackie O.

"La innecesaria crueldad entre hermanos"

Sinopsis: Un grupo de comandos de élite liderados por el oficial Drummond (Aaron Eckhart), tienen la tarea de recopilar información altamente clasificada que puede cambiar el destino de la guerra.

¿La guerra es necesaria? ¿A quién le favorece? ¿Por qué es tan difícil estar en paz?

Muchas preguntas nos podemos hacer y quedar sin respuesta o especular muchas alternativas, es un tema para discutir que no nos dejará exentos de sentimientos molestos, de pesadumbres y más.

En el futuro estaremos llenos de cintas de dramas bélicos, sobre hechos que en este momentos están llevándose a cabo: Ucrania/Rusia y Israel/Palestina. Donde quienes ostentan los cargos altos necesitan un poder que va más allá de la imaginación, al punto de no importarles la ciudadanía, y ciudadanos que están dispuesto a todo por esa enemistad insensata que se les ha inculcado. Hoy está documentado en millones de videos y fotografías, pues tenemos la tecnología a mano, somos los reporteros. Antiguamente no era tanto de lo que nos podíamos enterar, mientras más atrás viajamos menos información tangible tenemos de guerras, todo se basa en el "de boca en boca", pero hay mucho que no sabremos porque mucha información se guardó bajo secreto.

Dentro de esas antiguas guerras famosas, y que el cine ha registrado en innumerables de trabajos es la guerra de Vietnam.

Muchas cintas consistían en misiones sobre rescatar a compañeros, ir a desarmar y someter al enemigo o eliminar su centro de operaciones. Esta historia se basa en ir a buscar unos documentos estratégicos de guerra, para lo cual el oficial Drummond le encarga al Capitán Mora (Gregory Sims) ir al punto fulminante de la batalla, lugar donde se hará la entrega. Al llegar se encuentra con un batallón liderado por el jovencito Cabo Ackerman (Connor Paolo) quien no es respetado por su grupo debido a su falta de carácter, inexperiencia y juventud. Su grupo es llamado los Ingenieros, ya que se encargan de cavar zanjas y trincheras. Dicho lugar será el punto de encuentro de estos antecedentes secretos, pero ocurre un ataque y dicha carpeta con antecedentes, que ya había llegado, desparece, por lo que Drummond da la orden, Ackerman y su equipo deben ser los encargados de ir a buscar esos antecedentes relevantes que pueden ser usados por el enemigo de forma tal, que los americanos puedan estar en una gran desventaja.

A ellos se les encarga la misión de bajar a las profundidades de la tierra, o no tan profundas, donde han encontrado pasadizos secretos y creen que dicha carpeta que les sustrajeron la tienen los vietnamitas ahí, y deben ir a buscarla. Se embarca Ackerman y sus compañeros, unos jovenes veiteañeros e incluso adolescentes, llenos de miedo, inexperiencia y confusiones.

Esta tarea también le es encagada al oficial Miller (Jonathan Rhys Meyers) quien, con un grupo aparte y su perro, debe supervisar que se lleve a cabo la misión, pero también le es encomendada una labor paralela a Crawdford (Mac Brandt), que es la de eliminar toda huella del cometido en determinado plazo.

Diferentes grupos que van avanzando por medio de una selva llena de trampas al igual que en los túneles, estos inexpertos jovenes se encuentran confundidos, donde el miedo les hace cometer errores fatales, debiendo madurar en segundos, pues es vivir con un sentimiento duro donde debes pensar en frío para sobrevivir o morir con miedo y cobardía. Así van moldeando su personalidad, donde la locura también se hace presente. A los altos mandos no les importa tu condición sino que, cumplir con la tarea encomendada, más que mal, estos altos mandos pasaron por lo mismo. Es una cadena de sufrimientos.

Los resultados finales, pueden traer aun mas confusión y mucha frustración.

Una historia interesante que sale algo de lo común de lo que se ha visualizado por años, con buenos actores y ambientación. Lo malo es que aunque se deja ver con facilidad, le faltó la tensión y la emocionalidad de un drama crudo.

Temas bélicos siempre dan material para mostrarnos dramas, heroísmo y miseria.

Disponible en Paramount, Starplus y Claro.

Ficha técnica

Título original: Ambush
Director: Mark Earl Burman
Guion: Mark Earl Burman, Michael McClung, Johnny Lozano y Dillon Slack
Cinematografía: Dan Frantz
Edited; Matthew Cassel
Musica: We Are Dark Angels
104 minutos

Año: 2023

El Justiciero: Capítulo Final - Por Carlos Correa Acuña

La película comienza con una operación en Sicilia. Robert McCall -Denzel Washington-, un ex agente gubernamental con un particular sentido de justicia, se ha propuesto recuperar el dinero de un robo cibernético. Eso le ha llevado a perseguir a una peligrosa banda internacional e internarse en las profundidades de un mundo criminal que no deja huellas porque simplemente lo destruye todo.

La misión sale bien hasta que Robert recibe un inesperado disparo por la espalda que lo deja a mal traer. No obstante su delicada condición, logra tomar el transbordador de regreso al continente hasta quedar inconsciente en la carretera de la costa de Amalfi, lugar desde donde es rescatado por un carabinieri de la zona.

La fortuna esta del lado de nuestro protagonista, pues prontamente es conducido a Altamonte, una localidad costera donde es atendido por el médico del pueblo, Enzo Arisio -Remo Girone-, un hombre bonachón y bien dispuesto que logra extraer la bala y le ayuda en su recuperación progresiva. Aún convaleciente, McCall comienza a conocer las bondades de esta pequeña comunidad y también el gran infierno que viven sus habitantes pues se encuentran sometidos por la Camorra, esa indecible e implacable mafia italiana. Desde ese momento, Robert ya sabe cuál será su próximo objetivo: liberar a sus nuevos amigos de este horroroso yugo que les impide gozar de su tan característica alegría y libertad.

Escrita por Richard Wenk y dirigida por Antoine Fuqua, esta tercera parte, y supuestamente final de la saga, ofrece mas o menos lo mismo que sus antecesoras, y ya no es mucha su novedad. Con ritmo lento, a veces lentísimo, Fuqua se toma todo el tiempo del mundo para construir los escenarios y tejer una trama que ya sabemos hacia dónde va: tomar justicia por sus propias manos.

Este thriller se cuece a tan bajo ritmo, que parece que las secuencias de acción rompen la dinámica. De hecho, al comienzo debo reconocer que estaba cansado, y como el inicio del metraje es en extremo pausado, solo con la primera escena violenta pude sacudirme una modorra que amenazaba inquietantemente con no dejarme ver la película. De ahí en más, la irregularidad es el factor principal siempre presente, porque hay esfuerzos para emprender el vuelo pero estos se caen, es decir, se intenta, se queda, se intenta de nuevo y se queda de nuevo, en ciclos cortos y largos, más o menos equidistantes y repartidos.

Bien filmada pero con baches importantes de ritmo y narración, Fuqua entrega luces, pistas y cabos para configurar un misterio que no es más que una suma de confusiones. De hecho, hay varias trampas en el relato que se refieren a los personajes que acompañan al solista, como Emma Collins -Dakota Fanning-, en un rol que permanentemente amenaza pero nunca llega a liderar realmente un contrapeso importante.

Lo mejor de esta película, de un poco menos de dos horas de duración, es su ambientación y escenarios, diferentes y menos comunes a los que estamos acostumbrados. Además, el hecho de dar cuenta de una pequeña comunidad, y la inserción de este extranjero al interior, también intenta un punto adicional, aunque no necesariamente logre su objetivo.

Marca registrada de “El Justiciero” son esas secuencias acción cronometradas al segundo, pocas pero intensas, y también aquellas raras analogías que por momentos se da el lujo de exponer como el superponer una procesión por la ciudad con la lenta agonía de uno de los mafiosos, en una suerte de “muerte en procesión”.

En “The Equalizer 3” convive la maldad con la bondad (hay que tratar de dilucidar las dosis eso sí), algo así como los buenos, con los malos y los más malos, situación en la que naturalmente emerge el valor de la amistad, la defensa y protección a cómo dé lugar. Cuando se trata de mafias, las aristas son muchísimas, y esta película las abre para proporcionar tantos ataques como la defensa de McCall pueda resistir, en una espiral que sabemos cómo empieza pero no siempre sabemos cómo termina.

Para el final una reflexión. ¿Hasta qué punto la defensa de alguien o de algo puede justificar la violencia? ¿Dónde está el límite? ¿Violencia positiva, violencia negativa, o violencia por violencia? Si hay alguna duda que estas preguntas no están resueltas, solo miremos la situación mundial actual, en las que las distintas visiones son tan diversas como antagónicas.

Ficha técnica

Título original: The Equalizer 3
Año: 2023
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos Estados Unidos
Compañías: Columbia Pictures, Escape Artists, Eagle Pictures, ZHIV Productions, Sony Pictures. Distribuidora: Sony Pictures
Género: Thriller. Acción | Secuela. Mafia
Guion: Richard Wenk
Música: Marcelo Zarvos
Fotografía: Robert Richardson
Reparto: Denzel Washington, Robert McCall, Dakota Fanning, Eugenio Mastrandrea, David Denman, Gaia Scodellaro, Remo Girone
Dirección: Antoine Fuqua

Los Langoliers - Por Jackie O.

"Viajeros"

La historia está basada en la novela corta de Stephen King del libro de antología de cuatro partes "Four Past Midnight", sobre diez pasajeros de avión que se despiertan y descubren que todos los demás en su avión con destino a Boston han desaparecido.

A mi parecer no estamos ante una película de terror, para mí es de ciencia ficción y fantasía, y quiso ser suspenso, que nos cuenta una buena historia de un avión que despega lleno de pasajeros, y en un momento determinado se duermen algunos de sus pasajeros, y al despertar lo hacen solo diez de ellos. La primera es una niña ciega que alerta al resto. Diez pasajeros totalmente diferentes los uno de los otros, como por ejemplo el desagradable ejecutivo, una cordial maestra, uno de los pilotos, un anciano que solo piensa en comer, y así vamos viendo diferentes personalidades. Todos quienes explicaciones, pero nadie sabe nada. Y al mirar por la ventana solo ven nubes. ¿Qué pasó?

Pero lo peor es que comienzan a ver especies de los pasajeros desaparecidos en sus asientos, como una peluca, relojes, etc. Y uno de los pasajeros comienza a actuar extraño.
Deciden bajar al aeropuerto más cercano, pero eso no cambia las situaciones extrañas, y la niña ya comienza a transformarse en vidente de males que los acechan.

La historia es buena y solo hizo que me dieran ganas de leerla, porque la ejecución está mal lograda. No quiero echarle la culpa al año 1995, ya que he visto películas con una mejor resolución de efectos visuales que son más antiguas.
Además, no logra la tensión en los momentos en donde el clímax debería estar alto. Las actuaciones son forzadas varias de ellas, e insisto, los efectos visuales malos.

La idea de viajar en el tiempo por un portal y que seres monstruosos pueden devorarlo todo, es buen guión. Lamentablemente se perdió en esta oportunidad.
Curiosamente, los dos capítulos que son larguísimos, no se hacen largos, porque esperas de alguna forma que algo pase.
Y cuando llega ese momentos, la forma de poder volver todos a la normalidad, en donde el peligro está latente, usando una buena estrategia... no logra redondearse bien.
Ni siquiera el cameo de Stephen sirvió, porque actúa muy mal.

Lo que se puede rescatar es lo que nos deja esta miniserie, y es el cambio que produce un evento traumático en las personas, en este caso, que ya la vida la aprecian de una forma diferente, y que enmendarán su situación en aquellas cosas que creen fallaron, bueno... si es que sobreviven para ello.

Disponible en Paramount, Claro y Amazon.

Ficha técnica

Director: Tom Holland
Based on "The Langoliers", by Stephen King
Escrita por Tom Holland (teleplay)
Género: Horror, Misterio, Science fiction, Thriller
Starring: Patricia Wettig, Dean Stockwell, David Morse, Mark Lindsay Chapman, Frankie Faison, Baxter Harris, Kimber Riddle, Christopher Collet, Kate Maberly, Bronson Pinchot
Musica: Vladimir Horunzhy
Duración: dos capítulos, total 180 minutos
Miniserie

Año: 1995

Un día y medio - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Uno de los aspectos más entretenidos de ver una película sin saber absolutamente nada con antelación, es que uno realmente se puede dejar sorprender de verdad. Y esto que escribo, claramente me juega en contra, al menos para quienes acostumbran leer estas líneas antes de ver las películas, porque es algo con lo que permanentemente debo enfrentarme: cuánto puedo contar de la trama, cuánto no debo contar; escribo para que se entusiasmen y la vean, o bien trato de analizar el filme, aportando perspectivas desde lo que a mí me ha producido el trabajo cinematográfico en comento. Debo confesarles que no es fácil la decisión y generalmente me quedo a medio camino entre ambas propuestas.

Pero bueno, las palabras del párrafo anterior son solo disquisiciones, vamos a la película entonces. La sinopsis señala que un hombre toma a su ex esposa como rehén y emprende un peligroso viaje por carretera a través de Suecia con la policía pisando sus talones. Y agrega que está basada en hechos reales. Dos puntos a observar, un secuestro y que la historia tiene antecedentes reales; dejémoslo solo allí para ser fieles y no entregar ninguna pista adicional.

Interesante resulta saber que el director protagoniza su propia película. Fares Fares, además coescritor del guion junto a Peter Smirnakos, encarna a un policía que debe mediar la situación sin siquiera imaginar que con el correr de los minutos se transformará en parte fundamental del relato. ¿Cuánto de real o de ficción tiene entonces “En dag och en halv”? Según el propio Fares, corresponde a una noticia que leyó en el diario sobre un hombre que había ido con un arma a un centro de salud para amenazar a su ex esposa para que lo dejara ver a su hijo. Sin más abundamientos ni explicaciones, solo eso.

Mérito indudable tiene este director al componer una obra que desarrolla una idea mínima y que además, como temática, ya la hemos observado innumerables veces. ¿Qué la hace diferente? Es probable que sean las actuaciones (de Fares Fares y Alexej Manvelov) primero, y luego, por la construcción de un entorno que resulta creíble, con un viaje que va resolviendo nudos y al tiempo que aumenta la tensión. Lo que parecía situarse dentro de cuatro paredes, pronto se abre, y los imprevistos del camino nutren el metraje de un aroma a thriller policial muy entremezclado con un profundo drama humano y familiar.

La cinta funciona muy bien, logra atrapar y además, permite empatizar con sus protagonistas. Claramente, cuando nos involucramos con los sentimientos de los personajes que observamos, nuestra apreciación cambia, incluso al punto de permitirnos tener algún grado de simpatía por quien comente un acto violento, y tener alguna antipatía por quien es su víctima. Esta aparente dicotomía no es más que nuestra reacción ante lo que observamos, porque si bien en esta película sueca ni los buenos son tan buenos ni los malos son tan malos, lo que sí salta a la vista es que hay hechos que no resisten ningún tipo de consideración. Hay acciones que no corresponden, que no pueden ser permitidas, y que además son delito, y por supuesto hay víctimas que requieren ser protegidas de manera estratégica para no poner en peligro su integridad física e incluso su vida.

“Un día y medio”, me parece, es una grata sorpresa dentro del catálogo de Netflix. Se trata de una buena historia, bien contada, bien filmada -linda fotografía de extensos paisajes verdes-, y un toque musical que no pasa inadvertido, colocando una disonancia en una secuencia melódica descendente que cada vez que aparece provoca una especie de alerta y anticipa algún cambio de acción o escenario. Muy buen trabajo del director Fares Fares, más que recomendada para una floja tarde de domingo.

Ficha técnica

Título original: En dag och en halv
Año: 2023
Duración: 94 minutos
País: Suecia
Compañías: Warner Bros. Television. Distribuidora: Netflix
Género: Acción. Thriller | Secuestros / Desapariciones. Basado en hechos reales
Guion: Fares Fares, Peter Smirnakos
Fotografía: Marianne Bakke
Reparto: Fares Fares, Alexej Manvelov, Alma Poysti, Jonathan Sand, Karl Larsson, Bella Klaus, Robin Niklasson, Stina Ekblad
Dirección: Fares Fares

Veneno - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Sinopsis: Cuando una serpiente venenosa se desliza por el estómago de un inglés en la India, su socio y un médico corren para salvarle.

En este último corto de la colección, también basado en un relato de Roald Dahl, Benedict Cumberbatch sencillamente se luce. Impresionan sus ojos, la inmovilidad que consigue, y la sutil articulación de pequeños movimientos cuando aquello es necesario.

Como una pieza de teatro, tanto monólogos como diálogos son tremendamente y transparentes y precisos. El narrador, que aparece algunos momentos en pantalla, es solo un eje conductor, porque cada personaje cumple con más de un rol sobre un escenario lúdico y florido que resulta bastante mágico.

Wes Anderson juega muy bien con la forma y composición en esta adaptación. Son solo 17 minutos los que transcurren, pero es tiempo más que suficiente para entregar una historia completa, generar tensión, e incluso tener una curva narrativa que haga desear un desenlace que esté a la altura tanto de la exposición como del desarrollo.

Con una edición pulida y, ya está dicho, excelentes actuaciones, solo queda gozar esta obra que nos entrega tomas que incluyen ángulos inesperados y que componen un escenario nítido. Anderson en pleno apogeo, y en este caso por partida doble: conciso y concentrado, como si del mismo “Veneno” se tratara.

Ficha técnica

Título original: Poison
Año: 2023
Duración 17 minutos
País: Reino Unido
Género: Drama. Intriga | Serpientes. Realismo mágico. Cortometraje
Grupos: Adaptaciones de Roald Dahl
Relato: Roald Dahl
Fotografía: Robert Yeoman
Compañías: Indian Paintbrush, American Empirical Pictures, The Roald Dahl Story Company. Distribuidora: Netflix
Reparto: Dev Patel, Benedict Cumberbatch, Ralph Fiennes y Ben Kingsley.
Dirección: Wes Anderson

El Justiciero: Capítulo Final - Por Jackie O.

"Solo tienes 9 segundos para tomar una decisión"

El año 2014 apareció por primera vez Robert McCall, de una trilogía de historias que vendría de este ex oficial de la Marina estadounidense y de la DIA, dándoles en segundos, oportunidades a los chicos malos o poniéndose él desafíos. Luego, el 2018 nos volvió a deleitar Antoine Fuqua con este hombre que con reloj en mano es un arma brutalmente mortal.
Ahora Fuqua se despide, nos quita un buen personaje, nos dejará con nostalgia de querer más historias de eĺ, pero los años pasan y es buen momento para que McCall descanse.

Ahora, McCall hace un trabajito pendiente en un viñedo de un rincón de Italia, por lo que en los primeros minutos ya vemos mucha acción violenta. Alguien, en quien menos piensa, lo daña y queda herido, yéndose del lugar quedando varado hasta que un Carabinieri lo lleva con el doctor del pueblo, quedando en que no le contarán a nadie lo sucedido hasta averiguar bien. Pasan los días y el doctor es prudente en hacerle preguntas a McCall. Ambos se llevan bien, y a McCall le encanta el pequeño pueblo de Alto Monte, su gente es agradable, los observa mientras se recupera, comparte con ellos y descubre los rincones de la ciudad. Hasta que se percata de cosas malas que suceden con los pueblerinos, ya a esas alturas sus amigos. La Camorra, la mafia Italiana, está haciendo estragos.

Paralelamente, y 20 años después en la vida real, Dakota se vuelve a reunir con Denzel, y esta vez es Emma Collins, donde Robert McCall hace una llamada telefónica anónima a esta oficial de la CIA, contestando Emma, una llamada no casual; él quería darle a ella la información sobre lo que pasó en la viña donde dejó innumerables muertos, de todo el tráfico ilegal de drogas disfrazado de transacciones comerciales normales que aparentaban, un gran golpe que sirvió a Emma para avanzar.
Pero ella comenzó a averiguar sobre este sujeto anónimo hasta dar con su paradero.
¿Por qué McCall contacta exclusivamente a Emma? Como ella en un momento determinado le dice, ¿Por qué yo?

Robert quiere vivir en paz, existe incluso un conflicto interno en su ser; religioso no, espiritual sí, pues él quiere paz, tranquilidad "Dios sabe que la quiero ", lo escuchamos decir. Pero pareciera que el destino le tiene encomendado la "limpieza ". Dicen que Dios obra de maneras misteriosas.
Las imágenes de santos y vírgenes lo rodean en cada paso que da por el pueblo.

Las escenas de acción son muy buenas, no tenemos la necesidad de ver a Denzel dar una patada voladora, nos muestra otras técnicas de combate. Los antagonistas están bien representados, seres que ansían el poder, humillando a su gente. La droga está muy presente, y por ende, el dinero.

Han pasado 20 años aproximadamente para reunir a Denzel y Dakota, y está última tiene una historia, como dije, aparte/paralela a la principal, que es necesaria para hacer la conexión entre ellos, pero sin esta historia la cinta habría funcionado igual muy bien.

El director cierra esta trilogía bien dirigida, que hace que sea fácil verla, no hay complicaciones de guión, dejándonos con la nostalgia de un buen personaje, el que le da tiempo al tiempo.

Una tercera parte, que como la anterior no están ligadas, es decir no es un continuará de alguna. Pero sí existe un cameo, que por supuesto, si no viste la anterior te lo pierdes (o pregúntalo) porque ahí está la respuesta a la pregunta de Emma.

Ficha técnica

The Equalizer 3
Dirección: Antoine Fuqua
Guion: Richard Wenk
Basada en The Equalizer, de Michael Sloan y Richard Lindheim
Cinematografia: Robert Richardson
Edición: Conrad Buff
Música: Marcelo Zarvos
108 minutos - 2023

Género: acción, secuela, mafia.
Protagonistas: Denzel Washington, Dakota Fanning, Eugenio Mastrandrea, David Denman

El Desratizador - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Sinopsis: En un pueblo inglés, un reportero y un mecánico escuchan a un cazador de ratas explicar su astuto plan para burlar a su presa.

En este tercer corto de Wes Anderson sobre textos de Roald Dahl, es la estética la que se roba mayormente los minutos, pues la simulación y figuración de los espacios abiertos está dada por escenarios y colores tan elocuentes como ficticios.

Acá también tenemos un narrador que entra y sale de escena, como eje conductor de un relato que abarca varios cuadros y que apela a nuestra imaginación para completar su unidad.

La habilidad y creatividad de Anderson está fuera de discusión y este trabajo es una muestra más de su particular estilo. El tratamiento de los personajes y su lograda construcción en breves segundos, forma parte de un oficio que es marca registrada del director.

Sin abusar de ningún elemento, “The Ratcatcher” combina muchísimos factores en un reducido espacio de tiempo y consigue plena efectividad. Adaptar el estilo literario de Dahl a una obra audiovisual es una tarea muy compleja, y Wes Anderson sale airoso, una vez más, gracias a su talento narrativo en un formato casi imposible pero que, para estos efectos, resulta más que apropiado.

Ficha técnica

Título original: The Ratcatcher
Año: 2023
Duración: 17 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Indian Paintbrush, American Empirical Pictures, The Roald Dahl Story Company. Distribuidora: Netflix
Género: Intriga. Comedia | Stop Motion. Roedores. Cuentos. Realismo mágico. Cortometraje
Relato: Roald Dahl
Fotografía: Robert Yeoman
Adaptaciones de Roald Dahl
Reparto: Ralph Fiennes, Rupert Friend, Richard Ayoade, Eliel Ford, Benoît Herlin, Till Sennhenn
Dirección: Wes Anderson