Un gato con suerte - Por Carlos Correa Acuña

Me encantan las películas animadas. Trato de ver todos los estrenos en el cine, sin embargo a veces la vorágine no lo permite, o bien, no coinciden necesariamente los horarios. Esto me pasó con esta propuesta, me demoré en verla, pero no hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague. Además, los buenos comentarios recibidos por esta animación se justifican plenamente, ya que se trata de una sencilla fábula animada con un protagonista encantador, un personaje que, además, está a medio camino entre varios de sus congéneres archiconocidos.

Vamos por parte. La historia corresponde a Beckett, un gato mimado y un poquitín egoísta que se siente pleno por la buena suerte que ha tenido en la vida. La película se centra en su transformación, pues tras perder su novena vida, se embarca en una serie de reencarnaciones que le enseñan lecciones importantes sobre el amor, la vida y el apoyo mutuo.

Lo que primero observamos es la forma cómo Rose lo rescata de morir atropellado. De ahí en más, viene la vida cotidiana, ese lazo y vínculo que se forma entre ambos, en especial al comienzo, cuando Beckett es aún un pequeño gatito, una ternurita que dan ganas de no soltar jamás. Pero bueno, crece, y bastante, y en eso llega un tercero, el ex novio de Rose, y la cosa se complica porque obviamente se siente desplazado, tiene celos, y todo termina mal. Se acaban, entonces, sus nueve vidas.

Beckett llega al cielo y suplica por clemencia. Un “Guardián” le permite regresar a la Tierra con otras nueve vidas. Pero esto no es una repetición de lo anterior, pues, con esta nueva oportunidad, nuestro gatito experimenta diversas formas de existencia a través de las que debe aprender, a la fuerza, sobre la importancia de las relaciones y sobre el amor desinteresado.

En paralelo se encuentra el tema de las abejas con las que Rose trabaja en diversos experimentos cuyo fin es salvarlas del exterminio, con un jefe preocupado y sistemático pero que oculta un gran secreto. No adelantaré nada de esta trama para que la puedan descubrir, porque es otra de las lindas enseñanzas que destaca en esta simpática película.

Volviendo a Beckett, la experiencia de ser pájaro, perro, pez y caballo, entre otros, no le sienta muy bien, está perdido, y lo único que quiere es poder volver a estar con Rose, tal como era antes.

En el interin, la maldad a su alrededor va en aumento, y cuando nuestro protagonista se da cuenta, no duda un segundo en sacrificarse para proteger a su querida Rose. Por eso, cuando ya el segundo racimo de vidas está por terminar, comprende, tal vez, la mayor lección de todas, esa que reza que “cuando amas con todo tu corazón, solo una vida es lo que necesitas”.

Dirigida por Mark Koetsier y Christopher Jenkins, “10 Lives”, su título original, seduce por la simpatía y simpleza que tiene al momento de entregar su mensaje. Beckett no solo aprende sobre el amor al prójimo y el valor de la vida, sino que también se enfrenta a una profunda transformación que lo lleva a encontrar la mejor versión de sí mismo, un tema valórico primordial traducido a un lenguaje sencillo que, además, permite que grandes y chicos lo disfruten al máximo. Y me incluyo, naturalmente, entre los “chicos” grandes.

Ficha técnica

Título original: 10 Lives
Año: 2024
Duración: 78 minutos
País: Reino Unido
Compañías: GFM Animation, Original Force, 10 Lives Productions, Align, Caramel Film, Netflix Animation
Género: Animación. Comedia | Gatos. Cine familiar
Guion: Ken Cinnamon, Karen Wengrod
Música: Geoff Zanelli
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Mark Koetsier, Christopher Jenkins

Desafiantes - Por Carlos Correa Acuña

Dirigida por Luca Guadagnino (“Llámame por tu nombre”), “Challengers” es una película bien construida, porque lo que escenifica sobre el mundo del tenis logra tener credibilidad en variados aspectos y tal vez el más evidente es respecto la recreación de los partidos. A través de interesantes tomas y ángulos interesantes, realmente se mete dentro de la cancha, un efecto que se ve enriquecido por un sonido de gran calidad. Los golpes de las raquetas los sentimos tan cercanos que es como si estuviéramos realmente en el lugar. Un segundo tópico es todo lo que rodea a los campeonatos, y que está representado como el espectáculo que es, pero también al mostrar como contraste una parte de la vida íntima de los participantes del tour, algo que generalmente desconocemos. Un tercer tema, y quizá el más importante, es el que se refiere a las relaciones personales, el descubrimiento de las nuevas promesas, su crecimiento y desarrollo para llegar a ser profesionales, y su posterior vinculación con un medio en el que sobreviven solo algunos, los más fuertes, tanto física como mentalmente.

“Desafiantes” -una traducción literal que no le hace justicia-, es una película que propone una buena inmersión en el competitivo mundo del tenis, y que entrelaza la pasión por el deporte con las complejas relaciones humanas. La historia sigue a Tashi Duncan, interpretada por Zendaya, una talentosa y ex estrella juvenil que ha reorientado su carrera deportiva para convertirse en entrenadora. Con férrea determinación y una estrategia implacable, Tashi se enfrenta al desafío de revivir la competividad de su esposo, Art Donaldson -Mike Faist- un gran campeón que está transitando por una época de declive, con malos resultados y una muy mala racha. Sin embargo, el plan gira inesperadamente cuando Donaldson debe competir en un torneo de menor nivel conocido como “Challenger” -de allí el título original y lo que da el sentido global a la cinta-, contra Patrick Zweig -Josh O'Connor-, el ex mejor amigo y antiguo amor de Tashi.

El momento presente de Art es complicado. Ha perdido sus últimas presentaciones y la falta de confianza producto de aquello lo ha llevado a estar prácticamente en blanco; no sabe qué hacer. Patrick, por su parte, no lo pasa mejor, vive al tres y al cuatro, con deudas y sin dinero, ni siquiera tiene crédito para pagarse un alojamiento decente mientras intenta desesperadamente competir. Son dos vidas diferentes, escenarios distintos, uno al lado del otro, como los dos lados de una cancha de tenis que están separados por una ligera red que por momentos parece invisible.

La película regresa al pasado para ilustrarnos la historia completa, 13 años atrás, cuando estos dos jóvenes talentosos eran dos amigos irreductiblemente inseparables, una amistad a toda prueba que tiene un punto de quiebre cuando ambos se enamoran de Tashi, la estrella femenina del momento. Surge allí una competencia que trasciende el campo de juego y lo deportivo, donde las reglas ya no son las mismas, y comienza a imponerse el deseo y el amor.

A medida que los personajes navegan por sus conflictos pasados y presentes, la tensión se intensifica, llevando a Tashi a cuestionarse el verdadero precio de la victoria. La exploración intensa de la competitividad extrema, tanto dentro como fuera de la cancha, y del triángulo amoroso entre Tashi, su esposo y Patrick, se transforma en el eje central de un metraje que tiene un punto de inflexión cuando conocemos que una lesión ha truncado la carrera de la joven promesa.

Con actuaciones estupendas de Zendaya con su desbordante magnetismo, de Josh O'Connor en altísimo nivel, y de Mike Faist mostrando una íntima contención, “Challengers” abarca muchas temáticas, como por ejemplo el valor de la autoestima, las decisiones vitales y los caminos a seguir en la vida, el capricho diferenciado del amor, el despecho, la competencia, las motivaciones, las cuentas pendientes, la vida familiar, los fantasmas de un pasado no superado, y el desafío que implica poder optar y elegir libremente.

Un partido decisivo -la final de este Challenger previo al US Open-, es el ícono transversal que guía el relato. La tensión se palpa en cada punto, en cada juego y en cada set, momentos que son recorridos a lo largo de toda la cinta y que se van enlazando con diferentes facetas y múltiples recuerdos de los protagonistas, en una interesante construcción no lineal que nos mantiene en vilo, casi siempre, al borde de la cancha.

Si bien la secuencia del incierto final resulta un poquito extensa, alargada con cámaras lentas que pierden efectividad producto del exceso de repetición, la película logra mostrar estas relaciones amor-odio ejemplificadas como imágenes y metáforas de la vida, insertas en una cancha de tenis. Esa delgada línea que divide esos sentimientos opuestos -que tienen en común el desenfreno y la pasión-, perfectamente podría verse representada tanto por la malla divisoria central, como por las líneas que separan el campo en sus seis cuadros.

“Challengers” se constituye como una muy buena propuesta. Gracias a su interesante narrativa, logra unir el mundo del deporte con los sentimientos profundos de sus protagonistas, aspectos que muchas veces no logran ir de la mano.

Ficha técnica

Título original: Challengers
Año: 2024
Duración: 131 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pascal Pictures. Distribuidora: United Artists Releasing
Género: Drama. Romance | Drama romántico. Tenis
Guion: Justin Kuritzkes
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
Reparto: Zendaya, Josh O'Connor, Mike Faist
Dirección: Luca Guadagnino

Contra Todos - Por Jackie O.

“Venganza sin límites”

Sinopsis: “Boy” es un joven sordomudo que deberá enfrentarse a la matriarca de la desquiciada familia “Van del Koy” que tiene a toda la población bajo su yugo. Tras vivir una trágica infancia, un enigmático chamán le ha convertido en un instrumento de venganza listo para hacer justicia.

Una película donde vemos el maltrato físico y emocional de un preadolescente. Así es, un chamán en una selva quién sabe dónde, entrena con fiereza a este muchachito quien perdió brutalmente a su familia en manos de los “Van del Koy”, por lo que es entrenado como arma letal para acabar con la cabecilla de dicha familia, Hilda van der Koy.

Careciendo de comida, abrigo y contención, sordo y mudo, además, no conoce nada del mundo exterior, salvo algunas veces que va al pueblo a vender sus verduras.

Ya de adulto, y en una de esas idas al pueblo, ve a parte de esta familia, que prácticamente como mundo post apocalíptico tiene tomado el pueblo con sanguinarias reglas, procediendo a seguirlos para cobrar su venganza, no estando de acuerdo su chamán, pero nada puede hacer al respecto.

La cinta nos muestra feroces peleas muy ágiles, pero muy violentas, con sangre a borbotones y mutilaciones varias. Peleas muy fantasiosas donde al “jovencito” no le pasa nada y al resto sí. Cuenta con un guion bastante absurdo, donde trata de ser gracioso no siéndolo, donde mezcla temas como de “Los Juegos del Hambre" más John Wick”, pero en versión pobre.

Sí debo confesar que en su tramo final hay un giro interesante, que se veía venir por lo menos parte de él, trayéndonos una sorpresa extra. Lamentablemente hay que esperar hasta el final para ver que lo interesante es en su último tramo.

Bill Skarsgård es excelente en películas de acción, buen actor protagonista en esta comedia sangrienta, donde lo muestra como un gran exponente en esta área. Su rol consiste solo en movimientos, ya que la voz es interpretada por H. Jon Benjamín, actor que más se ha especializado prestando su voz en video juegos, la que se ajusta perfecto.

Excelentes coreografías de los actores y sus dobles de acción, con buena puesta en escena.

Los actores secundarios son tan absurdos como el guion, pero cumplen, donde vemos a algunas caras conocidas y lo hace atrayente.

El debut del director, aunque deficiente, hará que por la temática de esta cinta, pueda considerarse con los años de culto, y en un personaje de video juego o vengan secuelas.

Película que toma como tema central la venganza, lo cual como alguien dijo por ahí “mata el alma y la envenena”, y también nos muestra diversas formas de maltrato.

Cinta para amantes de la acción desenfrenadamente sangrienta.

Y atención, contiene una mini mini mini escena post créditos.

Ficha técnica

Boy Kills World
Dirección: Moritz Mohr
Guion: Tyler Burton Smith y Arend Remmers
Música: Ludvig Forssell
Protagonistas: Bill Skarsgård, Jessica Rothe, Michelle Dockery, Brett Gelman, Isaiah Mustafa, Andrew Koji, Famke Janssen, Sharlto Copley, Yayan Ruhian
País: Alemania, EEUU, South Africa
Año: 2023

Género: Acción

Profesión Peligro - Por Carlos Correa Acuña

“The Fall Guy”, adaptación de la serie de televisión de los años 80 del mismo nombre dirigida por David Leitch, presenta a Colt Seavers -Ryan Gosling-, un doble de acción que enfrenta desafíos tanto en el set como fuera de él. Después de un accidente que casi termina con su carrera, Colt debe encontrar a una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración, y reconquistar al amor de su vida, todo esto mientras continúa realizando espectaculares acrobacias.

Desde un inicio, y con un interesante plano secuencia, se vaticina lo que viene: una película bien narrada y bien filmada que resulta cercana y, de verdad, muy simpática. David Leitch filma con agilidad una historia entretenida que se introduce al interior de las escenas, con buenas ubicaciones de cámaras, movimientos en 360 grados, y tomas largas que hacen referencia a muchos elementos del cine que ponen en relieve el papel de los arriesgados dobles de acción.

Ryan Gosling y Emily Blunt se ven radiantes. ¡Qué manera de brillar, y cómo sacan chispas cada vez que sus ojos se encuentran o la cámara se les acerca con primeros planos certeros! El carisma de ambos no lo vamos a descubrir ahora, sin embargo la naturalidad de estas actuaciones entregan valor agregado a una película que fluye de comienzo a fin, y que pareciera no tener puntos bajos. Y ojo con Hannah Waddingham (“Ted Lasso”), realmente hilarante en su rol, con una prestancia única, un papel que muta varias veces durante la escena y que se transforma en el un eje fundamental del relato.

Si bien las temáticas presentes representan una mirada ombliguista de la industria, el fondo retratado no deja de ser interesante. El componente humano destaca por sobre todas las cosas -aún ante el riesgo de ser relegado por el brillo de los fuegos artificiales, en este caso las escenas de acción-, gracias a la importancia que adquieren las decisiones que el protagonista toma luego del accidente que casi le cuesta la vida. Aparece allí el miedo y la depresión, las causas mayores de los problemas que debe enfrentar, y para los que debe buscar algún tipo de escape o solución en la medida que la historia avanza.

Muchas otras aristas asoman en este relato de un poco más de dos horas de duración. A los temas internos de la industria se suma el rol de los productores, y el lugar que, en general, tienen quienes participan en el rodaje de cada cinta. Vemos mucho de lo que ocurre tras las bambalinas, lúdicamente, como un juego, en una “película dentro de la película” que se siente liviana, renovada y muy fresca.

“The Fall Guy” funciona y muy bien. Hace tiempo que no me divertía con una comedia/drama que no solo intenta entretener sino que también quiere plantar temas para conversaciones posteriores. Y esto es un gran mérito, sobre todo hoy en día, donde lo que manda es el corte de boleto y las visualizaciones, dejando a un lado, muchas veces, uno de los aspectos más importantes que tiene asistir a una sala de cine: vivir, presencialmente, una experiencia, única, irrepetible, e irremplazable.

Ficha técnica

Título original: The Fall Guy
Año: 2024
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 87North, Management 360, Hyde Park Entertainment, Parkes+MacDonald Image Nation, WWE Studios, Arcana. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Acción. Comedia. Drama | Cine dentro del cine
Guion: Drew Pearce
Fotografía: Jonathan Sela
Reparto: Ryan Gosling, Emily Blunt, Winston Duke, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Stephanie Hsu
Dirección: David Leitch

Contra Todos - Por Juan Pablo Donoso

Tema central: La Venganza

¿Qué pasaría si estos seres de historietas futuristas y video juegos fueran “verdaderos”?

Su guionista y director alemán, Moritz Mohr, nos presagia combates - sangre - mutilaciones e inclemencia.

Tremenda envergadura audio-visual, donde en los momentos más crueles y sanguinarios escuchamos dulces melodías populares.

Irracionales instintos desatados, con leves toques de sentimientos humanitarios.

Nada ni nadie es lo que parece. Los personajes son ladinos, torvos y multifacéticos.

Criaturas inicuas sin más motivación existencial que hacer daño y aniquilar a la humanidad.

Una corrupta dinastía post apocalíptica deja huérfano, sordo y sin voz a Boy, un niño pequeño. Un misterioso chamán oriental (Rayan Ruhian) lo entrena para convertirlo en un instrumento de muerte.

El heroísmo del “jovencito bueno” (Bill Skarsgård) se justifica como una escapatoria para los resentimientos. Sordo- mudo para ellos, narrador para nosotros, y dialogante con el fantasma de su rebelde hermanita pequeña.

Con semejante paladín luchando solitario “contra todos” los malvados surge un nuevo ídolo de culto. Los medios y redes sociales nos hacen admirar a un guerrero astuto y despiadado. (¡Gran ejemplo para delincuentes de nueva generación!).

¿Inciden de alguna forma los video-juegos bélicos en la psiquis inmadura de niños y jóvenes cuando también tienen algún trauma o resentimiento?

Filmada en África es mezcla de antiguos filmes de artes marciales orientales, con gore italiano y desvaríos esquizofrénicos polacos.

Ignoramos si la calidad del filme, y la tensión que logra en el público es una premonición que nos pone en alerta, o solo una epopeya muy entretenida para ganar millones de dólares dondequiera se exhiba.

ADMIRABLE ACCIÓN Y VIOLENCIA EN UN MUNDO FUTURISTA SIN VALORES. CRIATURAS QUE SOBREVIVEN POR INSTINTO, Y/O APENAS UNA BRISA DE NOSTALGIA.

Ficha técnica  

Título Original: Boy Kills World

2023 Violencia, venganza, acción Alemania, Sudáfrica, Estados Unidos - 1,55 hrs. 

Fotografía: Peter Matjasko 

Edición: Lucian Barnard 

Música: Ludvig Forssell 

Diseño Prod.: Mike Berg 

Guion: Tyler Burton Smith, Moritz Mohr 

Actores: Bill Skarsgård, Jessica Rothe, Michelle Dockery 

Director: Moritz Mohr

La boda de mi ex - Por Jackie O.

"Encontrarás al que te entienda"

Frank y Lindsay, tienen un mal comienzo en el aeropuerto, no se agradan, pero lamentablemente toman la misma pequeña avioneta y van al mismo lugar.
Qué mala jugada les da el destino.

Ambos no son personas sociables, en realidad más Frank que Lidsay. Pero fueron invitados a una boda, ahí se dan cuenta que tienen algo en común: no les cae bien ni la novia, ni el novio, ni les gusta la ceremonia, ni ellos mismos, ni los demás. Entonces, ¿por qué están ahí?

Frank es hermano del novio, pero no se llevan bien, solo fue para saber con quien fracasará, y también, ver a sus arruinados padres que tratan de celarse. Lidsay es la ex del novio, sí la ex, fue invitada y aceptó porque para ella es una forma de cerrar una relación que la marcó, a pesar de que terminaron hace seis años, aún lo recuerda.
Ahí, entremedio de todos, el destino los une en todas las actividades ya que el pueblo es chico, y a pesar de no caerse bien, les gusta hablar de los otros de forma negativa, desanimarse entre ellos, son el espejo que no quieren ver, y las personas que nadie quiere cerca. A pesar de que Lidsay tiene chispa su lengua es afilada y Frank es un pesimista.
Lo bueno, es que solo se deberán soportar tres días, luego... luego cada quien su vida ¿o no?

Estamos ante la típica comedia romántica como aquella de los 90' donde es predecible, pero cuenta con un guión simple pero efectivo, y unos protagonistas fantásticos, que verlos juntos hacen una gran dupla. No creo que haya tenido problemas el director, pues Keanu y Winona se mueven como pez en el agua.
Una cinta donde los secundarios están de complemento, porque perfectamente podrían estar solo ellos, es más, me la imaginé como obra de teatro, sería un éxito.

Película para pasar el rato, entretiene, y da esperanzas en el amor: todos tienen a alguien que tiene algo en común a ti, o se entiendan y complementan, aunque sean diferentes, pero está por ahí.

Disponible en Prime Video.

Ficha técnica

Destination Wedding
Dirección y guion: Victor Levin
Música: William Ross
Fotografía: Giorgio Scali
Montaje: Matt Maddox
Protagonistas: Winona Ryder y Keanu Reeves
País: EEUU

Año: 2018
Género: Comedia romántica
Duración: 86 minutos

El Después - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

“El después” es un cortometraje británico dirigido por Misan Harriman, un reconocido fotógrafo que hace su debut en el cine con esta obra. En solo 18 minutos, Harriman narra la historia de Dayo -David Oyelowo-, un padre que, producto de un violento ataque, sufre una pérdida irremediable, e intenta sobrevivir al dolor y a la culpa manejando un taxi por las calles de Londres. Un día, cuando recoge a Amanda -Jessica Plummer-, una joven que resulta ser una sobreviviente del mismo ataque, Dayo ya no puede seguir huyendo de su destino. ¿Podrá ser capaz de enfrentarlo y seguir adelante?

Emotiva y conmovedora resulta esta pieza que aborda el tema del trauma y del duelo con impactante realismo y sensibilidad. La atmósfera construida, de íntima cercanía y de gran tensión, permite que empaticemos en todo momento con el protagonista de la historia, quien no necesita hablar para transmitir el enorme sufrimiento y desesperanza que le toca vivir.

Nominado a Mejor cortometraje de ficción, el pilar de esta pieza es el guion escrito por el propio Harriman junto a John Julius Schwabach, un texto que cuestiona el sentido de la vida, el azar y el destino, cuando la esperanza, el perdón y la redención, se ven cada vez más lejos, y sujetos a un incierto azar.

Probablemente lo que sucede con Dayo lo podamos imaginar pero nunca comprender si no nos toca de cerca, o en forma directa. ¿Se podrá seguir viviendo luego de un hecho de esta naturaleza, sumando las condiciones trágicas e intempestivas en que sucede? Esto no quiere decir que hay pérdidas de primer o segundo orden, sino que más bien pone de relieve las circunstancias en que aquello sucede, al agregar factores que hacen aún más difícil procesar el duelo para lograr algún tipo de consuelo.

“The After” toca el corazón en muy pocos minutos. Y lo hace sin anestesia, consciente y directamente. Nunca estamos preparados para algo así, y menos para reconstruir la vida posteriormente. Por eso, no hay mejor título que “el después” para esta pieza, porque es justamente ese “después” lo que ahora está en juego, lo que marca la historia desde ese momento, si es que de verdad existe un “después”.

Ficha técnica

Título original: The After
Año: 2023
Duración: 18 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Neon Films, Yoruba Saxon Productions. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Familia. Cortometraje
Guion: John Julius Schwabach. Historia: Misan Harriman
Música: Francesco Le Metre
Fotografía: Si Bell
Reparto: David Oyelowo, Jessica Kate Plummer, Sule Rimi, Izuka Hoyle, Alan Williams
Dirección: Misan Harriman

Bebé Reno - Por Jackie O.

"Y todo comenzó por una una taza de té"

Donny se presenta en la estación de policía, su aspecto es demacrado o más bien perdido, pues ha estado seis meses en una pesadilla: es acosado por una mujer que ha hecho de su vida insostenible.

Pero, ¿por qué demoró tanto en denunciarla?

Donny viaja a Londres para ser comediante, es su sueño, hace lo necesario para ello al punto de vivir con su ex suegra para ahorrar, mantienen una gran amistad. Y además, trabaja en un bar para sobrevivir, y es en este lugar donde la pesadilla comenzó.

Hay trabajos como en este bar, donde se debe ser cordial con el cliente para así poder tener más ventas o simplemente te generan empatía determinadas personas, y Donny creyó que siendo amable con Martha, una obesa mujer de mediana edad que se sienta con la mirada perdida sin consumir nada porque señala que el dinero no le alcanza, iba a ser como un día cualquiera, o tal vez creyó estar haciendo una buena obra humanitaria. Bastó su amabilidad y ofrecerle a cuenta de la casa una taza de té, para que a Martha se le encendiera "la luz de la vida", se sintió viva, alguien le prestaba atención, y lo hacía un joven agradable. Desde ese día Martha no faltó ningún día en ir a ver a su nuevo amigo, y Donny se sentía bien con esa mujer que lo alagaba constantemente. Pareciera que ambos se necesitaban.

Pero Martha quería más, en su mente había todo un mundo con Donny, comenzando a perseguirlo, incluso virtualmente. Donny comienza a sentir la incomodidad, pero su personalidad débil no le permite decir basta. Porque además tiene otro problema: la escurridiza fama, aparecen oportunidades, o es lo que cree, donde el mundo del artista, el ser tomado en cuenta, trae consecuencias graves. Donny pasa un infierno, es atormentado emocionalmente y vejado físicamente cuando cree tener una oportunidad que cambiaría su vida profesional, donde su personalidad y esencia es pisoteada, haciendo que dude de sí mismo, de quién es, de lo que quiere, de sus ganas de vivir.

Donny vive dos infiernos, el acoso constante de Martha, quien lo sigue a donde vaya, y como dije, además virtualmente, pero no solo a él, sino a quien lo rodee; y también lidiar con quien hizo que su esencia como ser humano fuera puesta en duda y lo atormentara en la red de las drogas y el sexo.

Una historia real, sí, basada en lo que a nuestro protagonista le sucedió, él escribe el guion y lo actúa, quién más que él puede lidiar con su propia experiencia. La realidad supera la ficción.

Su vida no podía ser peor, una mujer lo acosaba a él, su familia, amigos y pareja, más la tortura personal de la que a duras penas sobrevivía por poder ser parte de la fama. Le llovía sobre mojado, ¿cómo salir de estas situaciones agobiantes?

Una cinta cruda y muy realista. ¿Cuántos hombres son acosados y cuántos se atreven a denunciar? ¿Cuántos necesitan sentirse escuchados, vistos, sentirse con vida? ¿Cuántos se aferran a lo primero que los hace sentir que valen? ¿Cuántos están dispuestos a todo para conseguir, o a lo menos acercarse, a las promesas de fama? ¿Cuántos están dispuestos a alejarse de la toxicidad humana que provocan algunas personas, que los atraen contradictoriamente como un imán? ¿Cuánto tiempo es el prudente para algunos, denunciar una violación o abuso sexual, o maltrato psicológico? ¿Te llegas a dar cuenta de la pérdida de tu identidad?

Muchas preguntas nos deja esta miniserie, muchas angustias nos hace sentir, muchas sensaciones de diversos tipos nos provoca.

Porque es dura, cruel, provocadora, destructiva, insoportable, triste, así y más, es esta serie que nos sumerge en la mente del ser humano, de las enfermedades mentales, y el poco peso que se le da, pues tanto nuestra "antagonista" como el protagonista tienen graves problemas mentales, así como autoestima baja, soledad profunda, traumas no tratados, empatía, indiferencia, dolor, autenticidad, negación, temor, acoso, obsesiones, frustración, secretos, rabia...

El trabajo mantiene buenos planos, ya que juega con la cámara al darnos de primerísimos planos a planos generales que hablan por sí solos.

Las imágenes se mezclan con mensajes de texto con muchas faltas ortográficas, y son los mismos que esta mujer le enviaba a él, los mismos, cientos de ellos sin parar, lo que la hace visualmente aún más atractivo este trabajo.

La música se mezcla de acuerdo a la época y el momento que vive cada personaje.

Un guion envolvente.

Una historia que vale ver, para adultos con criterio formado, que permita una conversación sobre diversas problemáticas actuales.

Y por qué "Bebé Reno" se preguntarán, bueno... la explicación se da en la misma miniserie.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Baby Reindeer
Género Dramay Thriller
Creado por Richard Gadd
Basado en Bebé Reno, de Richard Gadd
Dirigida por Weronika Tofilska y Josephine Bornebusch
País: Reino Unido
Idioma: Inglés

Año: 2024
Episodios: 7  de 28 minutos cada uno aprox.
Protagonistas:
Richard Gadd como Donny Dunn, una versión ficticia de Gadd.
Jessica Gunning como Martha Scott
Nava Mau como Teri
Tom Goodman-Hill como Darrien O'Connor
Hugh Coles como Francis
Michael Wildman como Greggsy

Guerra Civil - Por Carlos Correa Acuña

Estados Unidos se encuentra sumido en una guerra interna. Un grupo de periodistas liderados por la fotógrafa Lee Smith emprenden un viaje peligroso por carretera hacia Washington D.C. con la esperanza de entrevistar al presidente de la nación antes que la Casa Blanca sea asaltada por fuerzas rebeldes. A lo largo del trayecto, encuentran desafíos que reflejan el estado fracturado del país, desde fanáticos armados que disparan a todo, hasta lugares que viven una extraña normalidad. Los más de 1.300 kilómetros recorridos dejan una huella profunda en los protagonistas. Estados Unidos ha cambiado, y nada volverá a ser como antes.

La secuencia de inicio de esta película escrita y dirigida por Alex Garland es impactante. Sin mayores antecedentes, de pronto nos vemos inmersos en el caos absoluto de una guerra sin precedentes. Una vez más, el uso del silencio como elemento dramático resulta sobrecogedor, resaltando un momento angustiante que traspasa la pantalla porque parece que estuviéramos ahí mismo, en pleno centro de la acción.

Lee Smith -Kirsten Dunst-, está atormentada. Su oficio en el periodismo no logra hacer frente a sus recuerdos, horrores y pesadillas. Le acompaña Joel -Wagner Moura-, un periodista de Reuters de Florida, con quien pretende documentar los hechos que remecen a los Estados Unidos. Existe un objetivo, deben realizar un viaje. Se trata de llegar cuanto antes a Washington D.C. porque al gobierno actual le queda poco tiempo. Las fuerzas avanzan y la derrota es inminente a manos de los dos estados que se han rebelado a la autoridad: Texas y California.

Jessie Cullen -Cailee Spaeny-, una joven aspirante a fotógrafa, proveniente de Missouri se suma al grupo, al igual que Sammy -Stephen McKinley Henderson-, un veterano reportero del New York Times y mentor de Lee. Los cuatro emprenden una verdadera odisea en este camino hacia la capital, donde los daños, la destrucción y la desolación campean por doquier, configurando una cuenta regresiva que se mide en kilómetros, días, horas y segundos.

El oficio de periodista gráfico o foto-periodista es rudo y crudo a la vez. La necesidad de retratar, de buscar “la foto”, puede ser una tarea compleja, sobre todo cuando la propia vida corre peligro. Al mismo tiempo, imagino que también, y en muchos momentos -tal vez en los más riesgosos-, la vida entera debe pasar por delante, cubriendo con un manto de dudas e inseguridad cualquier propósito o tarea previamente establecida. Algo de esto le sucede a Lee -muy bien leída en las miradas, gestos y silencios de Kirsten Dunst-, porque en varias oportunidades, y en milésimas de segundo, reflexiona sobre su vida y también sobre lo que ven sus ojos a través de su lente.

En ocasiones, el grupo ve de lejos la guerra, pero saben que puede llegar fácilmente. Al minuto ya está encima, y la decisión de sacar o no sacar una foto podría ser la línea entre la vida y la muerte. ¿Cuál es el rol de buscar estas fotografías, entonces? También encuentran mundos separados en este camino árido y sangriento, unas burbujas que funcionan normalmente, abstraídas de lo que sucede en el resto del territorio. ¿Cómo es eso posible? Estas dicotomías funcionan como metáforas, quizá, tal vez como un oasis en un desierto, o como la paz que se anhela si se está al medio de un escenario dantesco.

Esta cinta muestra más consecuencias que enfrentamientos. Dedica muchas secuencias a la contemplación y a la reflexión, para dejar abiertas interrogantes respecto a las motivaciones y fines últimos de los combates y peleas, una guerra que parece una locura, que no tiene sentido, y que lo único que provoca es miedo y terror.

¿Qué vale más, retratar la historia o lo que realmente está pasando al lado mío? Hay acá un dilema ético - moral. ¿ Se persigue una historia para comunicarla, o se busca la consagración personal con una exclusiva? Tampoco están claras las fuerzas combatientes, solo se suponen, no se justifican pero se entienden. Al parecer corresponde al derrocamiento de un dictador, pero hay pocas luces al respecto, aunque tal vez las suficientes para mirar un poco más allá del metro cuadrado que les rodea.

La secuencia final, el asalto conclusivo de “Civil War” es notable. Explícito y decidor, muestra el acorralamiento que sufre el poder de manos de quien detenta más poder aún, la artillería pesada, las armas inmisericordes, el avance sin transar que tienen las tropas para conseguir eliminar todo aquello que se interpone en su camino. Y en estas circunstancias, ni siquiera la prensa tiene derecho a algún tipo de consideración, porque en medio de un conflicto de estas proporciones, no hay vencedores ni vencidos, es la humanidad entera la que pierde.

Ficha técnica

Título original: Civil War
Año: 2024
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; A24, DNA Films, IPR.VC. Distribuidora: A24
Género: Acción. Drama. Thriller | Distopía. Política. Periodismo
Guion: Alex Garland
Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury
Fotografía: Rob Hardy
Reparto: Kirsten Dunst, Wagner Moura, Cailee Spaeny, Stephen McKinley Henderson, Sonoya Mizuno, Nick Offerman y Jesse Plemons
Dirección: Alex Garland

Garra de Hierro - Por Carlos Correa Acuña

The Iron Claw es un drama deportivo biográfico escrito y dirigido por Sean Durkin sobre los Von Erichs, una familia de luchadores profesionales visitados por constantes tragedias. La película muestra las luchas de los hijos del propietario de la compañía de lucha libre, Fritz Von Erich, para lograr el éxito para el que su padre los preparó, desde 1979 hasta principios de la década de 1990.

Inspirada en hechos reales, esta cinta evidencia la personalidad dominante y obsesiva de un progenitor que tiene, entre ceja y ceja, el sueño de obtener el título mundial en el cultivo de una disciplina deportiva seguida por millones de aficionados y que, por su naturaleza, tiene, también, numerosos detractores

Determinado a cumplir su objetivo, que en su momento no pudo conseguir como deportista, Fritz - Holt McCallany- vuelca toda su pasión en la formación y entrenamiento de sus hijos. No pocas veces hemos visto a personas cegadas en busca del triunfo y que por ello caen fácilmente en conductas cercanas al abuso debido al exceso de presión que imponen a sus dirigidos. Lo grave, en este caso, es que es un padre el que ejerce este dominio, y es su querida descendencia quien sufre las consecuencias producto de sus actos.

¿Cómo se rompe este círculo vicioso? ¿Cómo se sale de una relación tóxica, tanto personal como profesional? El daño es enorme, y muchas veces a estas conductas se le baja el perfil disfrazándolas de competencia y exigencia, una falsa noción respecto a la necesidad de ser fuertes y resistirlo todo. Esta es exactamente la dinámica en la que se mueven los Von Erich, donde la figura paterna resulta absolutamente indiscutible e incontrarrestable.

El desarrollo de la película abarca todo este ambiente y entrega luces respecto a las condiciones de vida de quienes practican un deporte rudo, peligroso y tremendamente demandante. Como contraste, la escritura de este drama dibuja con una pluma la escasa sensibilidad llega a florecer en hombres cercenados emocionalmente, exigidos físicamente, y denostados, intelectualmente hablando.

Kevin -Zac Efron-, lleva el peso del relato, es el eje pivote para sus hermanos y también el contrapunto respecto a sus padres. Resistiéndose al destino, Kevin logra elevar la mirada para ver fuera de su propia zona, separar aguas, e intencionar cambios de rumbo y actitud. Pero eso no es suficiente. La corriente es fuerte y cuesta mucho ir en contra. La lucha de Kevin pasa del cuadrilátero a la vida familiar, donde los ideales y las opciones se contraponen en un cruce de realidades difícil de llevar y comprender.

Sin abusar de los combates, algo que se agradece porque además están bien ejecutados, esta cinta es abundante en valores como la resiliencia, la unidad familiar, la integridad, el amor fraterno, el sacrificio y la perseverancia. El problema es que muchos de estos valores chocan entre sí por ser principios fundantes, lo que muchas veces trastoca el camino y complejizan la elección del rumbo a seguir.

Las actuaciones destacan por las coreográficas peleas, pero también por esa contención emocional tan propia de la época. Todos, Jeremy Allen White como Kerry, Harris Dickinson como David, y Stanley Simons como Mike, son aportan su talento en una construcción colectiva que logra traspasar la pantalla no obstante el ritmo lento que se come la sección intermedia del metraje. De la misma forma, los papeles femeninos están resignados a ser solo acompañamiento, un rol sin mucha sustancia que representa perfectamente la postergación de las mujeres en la sociedad, más aún, cuando el foco principal es la fortaleza física y la ebullición permanente de altas dosis de testosterona.

“Garra de Hierro”, permite acercarse a una historia triste desde una perspectiva que al final se transforma en una luz de esperanza. Con elementos clásicos, el relato logra emocionar, más por el fondo que por la forma eso sí, con secuencias bien desarrolladas, personificaciones creíbles, y apropiados escenarios. Si bien no es del todo brillante, el resultado es satisfactorio pues se trata también de conocer algunas de las motivaciones que existen detrás de la lucha libre y qué mejor hacerlo de la mano de una familia que se entregó a ello, literalmente, en cuerpo y alma.

Ficha técnica

Título original: The Iron Claw
Año: 2023
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; BBC Film, Access Entertainment, House Productions, A24. Distribuidora: A24
Género: Drama | Biográfico. Wrestling/Lucha libre. Años 80
Guion: Sean Durkin
Música: Richard Reed Parry
Fotografía: Mátyás Erdély
Reparto: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Maura Tierney, Stanley Simons, Holt McCallany, Lily James
Dirección: Sean Durkin

Garra de Hierro - Por Jackie O.

"La maldición de los deseos perdidos"

Una cinta que nos transporta al siglo pasado, donde esta familia, comenzando por su padre, se hicieran muy conocidos por el deporte de la lucha libre. Pero en vista que el padre, Friyz Von Erich, no logró en su momento conseguir el "tan" preciado título de campeón mundial, instó (los obligó) a sus hijos a ser deportistas de dicha área con el fin de traer a casa ese cinturón, ese premio. Una frustración que mantenía Friz que no lo dejaba vivir en paz. Su alegría es que tuvo solo hijos varones, su sueño comenzaba a ser realidad, los educó en esa área, y los mantenía activos, vemos como se entrenan y como los hostiga.

El centro de la cinta, está en estos cuatro hijos (eran cinco pero nos cuentan la ausencia del quinto), los que mantenían un vinculo muy estrecho, de apoyo y contención, esto último de acuerdo a sus enseñanzas, es decir la familia mantenía valores cristianos, pero era muy fría entre ellos. Y el respeto al padre era algo indiscutible, por lo que no cuestionaban las desiciones de él, y esto significaba cumplir ese sueño.

Pero los problemas vinieron, desgracias tras desgracias por una "maldición a la familia", era lo que ellos indicaban con el fin de justificar tanta cosa negativa que les iba sucediendo, a pesar de ser cristianos, principalmente la madre, la maldición de algo que no está claro, los mantenía nerviosos. Y las tragedias corroboraban esa inquietud.

Una película que no nos llena solo de momentos de lucha libre, sí vemos preparación, arreglos, lesiones y más; sino que también nos inserta en esta familia que existió y padeció de mucho sufrimiento. Y aunque la historia no nos muestra la vida de ellos en exactitud, igual el director deja volar su imaginación para atrapar al espectador y logra captar la esencia de la cinta, que es, los golpes. Y no me refiero a los golpes en el ring, es su doble lectura de los golpes del corazón y el alma.

Una cinta que nos muestra como estos jovenes no tuvieron la oportunidad de tomar sus propias elecciones en qué hacer con sus vidas, sino que se les impuso dicha disciplina. De cómo unos padres, quienes deben velar por el bienestar de sus hijos, no los protegen como tales. De como la frustración de uno, se traspasa a la generación siguiente sin ánimo de parar, y buscar ayuda.

De cómo las creencias en hechos "espirituales" o con el fin de buscar una explicación a lo inexplicable se basa en situaciones intangibles, como el temor a una "maldición" que es una leyenda de boca en boca, sin sustento real. Y de cómo, ante la adversidad, la familia es algo que se protege con fuerza.

El guion, que nos guía por esa toxicidad masculina, por la soledad y la desesperación, por el triunfo y los retos, igual carece de profundidad. Eso no quita que nos conmueva, y es gracias a las actuaciones de todos, quienes provocan con su cuerpo, pues hacen que ese guion débil cobre fuerza con gestos y miradas. La música muy acorde y vestuario dio de buena forma con la época que se desarrollan los hechos.

Puedo reparar en el peinado y maquillaje, pues creo firmemente que cuando se trata de cintas biográficas, el aspecto físico debe ser muy parecido, así como su voz y gesticulación con el verdadero personaje, quienes no todos cumplieron con ellos.

Una buena película, que nos hará reflexionar sobre muchos aspectos de la vida, como las malas desiciones, los excesos, las frustraciones, la familia y más.

Ficha técnica

The Iron Claw
Guion: Sean Durkin
Música: Richard Parry
Fotografía: Mátyás Erdély
Montaje: Matthew Hannam
País: EEUU, Reino Unido
Año: 2023
Género: Drama, cine biográfico y cine deportivo
Duración: 132 minutos
Zac Efron como Kevin Von Erich
Jeremy Allen White como Kerry Von Erich
Harris Dickinson como David Von Erich
Maura Tierney como Doris Von Erich
Stanley Simons como Mike Von Erich
Holt McCallany como Fritz Von Erich
Lily James como Pam Adkisson

Abigail - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: A una banda de delincuentes se les ha encargado secuestrar a Abigail, una bailarina de doce años hija de una poderosa figura del inframundo. Su misión requiere también vigilarla durante la noche para poder cobrar un rescate de 50 millones de dólares. En una mansión aislada, los captores comienzan a desaparecer, uno por uno, y descubren, para su creciente horror, que la pequeña niña con la que están encerrados no es normal y está mostrando su verdadera naturaleza.

Una introducción con la música característica de “El lago de los cisnes”, muestra danza clásica junto a los créditos iniciales, algo que da poca cuenta de lo que veremos a continuación. Y es interesante, porque uno se pregunta si será solo eso o habrá alguna ramificación posterior, respuesta que se obtiene desde la zona media de un relato que va de más a menos y que posee muchas aristas que en vez de conectarse, se separan irremediablemente.

Vamos viendo. El inicio, diría los primeros veinte minutos, es un buen preludio, porque la trama es clara y los personajes están bien delineados. Hablamos de la banda, del secuestro, se la secuestrada y de los entornos, elementos bien diseñados y mejor ejecutados. El problema parte cuando llegan a la mansión donde deben esperar el rescate. Predecible, cómo no, es allí donde empiezan los comportamientos misteriosos y las secuencias sobrenaturales, momento donde la historia comienza a desdibujarse completa y absolutamente.

Pero ojo, es mi opinión, porque un fan del género tiene todo el derecho a rebatirme, e incluso a demandarme mayor grado de objetividad, porque -reconozco-, la película ofrece efectos “aterradores”, junto a suficientes golpes de cámara para movernos, al menos un poco, de nuestros cómodos asientos. Yo salté un par de veces, y eso es mérito, sin duda, porque uno, aunque sabe lo que viene, igual salta, y dejarse llevar es parte del juego en películas de este tipo.

Mención aparte para las actuaciones. Flojas, en general, nada destaca demasiado en un elenco cuyo desempeño plano se acentúa con el correr de los minutos. A veces uno se pregunta qué hace tal o cual personaje, o qué rol representa, aparte de ser una caricatura poco agraciada, o una representación estereotipada a más no poder. Y no hay respuesta. Un ejemplo es Giancarlo Esposito: ¿alguien me puede explicar a quién representa y cuál es su fondo, si cuando aparece por segunda vez en escena ni nos acordábamos que había aparecido una primera vez y que debía volver a entrar?

En fin, “Abigail”, es solo para amantes de estas películas. Baños de sangre, ríos de peleas y torturas sin mayor sentido inundan la pantalla. Y hay algo más que me inquieta. Alisha Weir es quien personifica a la niña protagonista, tiene actualmente 14 años, y es, obviamente, menor de edad. Pero lo que se ve en pantalla no es para menores, de ninguna forma, lo que se traduce en clara inconsistencia. ¿Qué pasa en estos casos? ¿Es esto prudente? Al menos debemos preguntarnos por estas situaciones, porque una cosa es el misterio o la intriga, y otra muy diferente es cuando se explicitan conductas que claramente son ficciones, pero que al actuarlas deben parecer reales. ¿Será hilar muy fino, o está en juego el correcto tratamiento de las personas, y en especial, los menores? No tengo respuesta, es solo una inquietud que se agudiza, tal, vez, por el magro resultado cinematográfico ofrecido.

Ficha técnica

Título original: Abigail
Año: 2024
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Irlanda; Radio Silence, Project X Entertainment, Wild Atlantic Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Terror. Fantástico | Monstruos. Vampiros. Secuestros / Desapariciones
Guion: Guy Busick, Stephen Shields
Música: Brian Tyler
Fotografía: Aaron Morton
Reparto: Melissa Barrera, Dan Stevens, Kathryn Newton, William Catlett, Kevin Durand, Angus Cloud, Giancarlo Esposito, Alisha Weir
Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett

Guerra Civil Por - Juan Pablo Donoso

¿Cómo sería hoy día una Guerra Civil en Estados Unidos?

Este filme se pone en tal situación. Acompañamos a un equipo de periodistas que deberán recorrer miles de kilómetros por tierra, desde Nueva York rumbo a Washington DC, para entrevistar al Presidente… ¡si es que llegan!, y lo encuentran aún con vida.

Más que un conflicto entre individuos es, como sub-género, una película “de carretera”. Importa lo que va sucediendo en el camino, y los imponderables que van surgiendo.

Al recorrer un tramo tan largo de territorio el paisaje humano es variado y, obviamente, peligroso e impredecible.

Esta ficción revela, de manera muy cruda, cómo personas civilizadas durante la paz se transforman, de la noche a la mañana, en bestias asesinas o, peor aún, en criaturas anestesiadas, incapaces de reconocer el infierno que los rodea.

Como aperitivo, el guionista y director Alex Garland ((Ex Machina, Aniquilación, 28 Días Después) abre el relato con cinco minutos iniciales estremecedores. Nos deja preparados para las contingencias que vendrán.

Cada reportero del cuarteto - 2 hombres y 2 mujeres - entrega un ángulo humano diferente de lo que significa cubrir una eventualidad tan potencialmente suicida como esta.

Durante todo el viaje, además de conocer sus motivaciones personales, el relato nos mantiene tensos sin saber qué abominación, o desquicio, nos espera unos kilómetros más adelante.

Aunque ficticia en este caso, es una realidad hoy día en países del Medio Oriente, y lo fue con todo salvajismo en Vietnam.

La brutalidad de cada incidente va impactando a la joven e intrépida Jessie (Cailee Spaeny) a través de quién nosotros, los espectadores, vamos madurando en el verdadero significado de un conflicto bélico interno entre hermanos de un mismo país.

Por fin Kirsten Dunst (Fargo- 2015 /María Antonieta-2008, Vírgenes Suicidas-1999 ) recupera un rol que le demande expresar una gama psicológica que va desde la insensibilidad profesional ante las masacres, pasando por la soledad periodística, hasta dejar que broten en ella los dormidos instintos maternales.

Acertada inclusión de Stephen McKinley Henderson, obeso actor interpretando al anciano redactor Sammy, cuya vida se identifica a plenitud con la vocación noticiosa.

Apoteótica secuencia final cuando llegan a la Casa Blanca.

PARA RECORDARNOS EL HORROR QUE SIGNIFICA UNA GUERRA CIVIL, SIN ROMANTICISMOS CINEMATOGRÁFICOS NI EUFEMISMOS INTELECTUALES. PROVOCATIVA, IRRACIONAL, E IMPACTANTE.

Ficha técnica             

Título Original: Civil War

2024 Acción, tragedia EE.UU., Inglaterra - 1,49 hrs. 

Fotografía: Rob Hardy 

Edición: Jake Roberts 

Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury 

Diseño Prod.: Caty Maxey 

Actores: Nick Offerman, Kirsten Dunst, Wagner Moura 

Guionista y Director: Alex Garland

Garra de Hierro - Por Juan Pablo Donoso

Mérito biográfico de conocer a la familia de los Van Erich, campeones de lucha libre estadounidenses en los años 80.

Una familia cristiana, siempre unida, llena de amor y armonía, dedicada por completo a superarse en ese violento deporte/ espectáculo.

Un padre (Holt McCallany), que fue casi campeón mundial de lucha libre, proyecta su frustración en hacer que sus 4 hijos varones lleguen a serlo.

El filme tiene elementos de dulce y de agraz. Muy prolija fotografía, montaje y producción; mas, los actores hacen lo posible por salvar un guion que filtra agua por muchos lados.

Se siente larga y plana. Ello porque carece de un antagonista sólido y equivalente. El único factor que pareciera oponérseles sería una supuesta “maldición” esotérica que les acarrea desgracias personales. Pero como contra ese intangible enemigo nadie puede luchar, el relato es sólo una sucesión de etapas, triunfales y/o dolorosas, en el ascenso hacia la gloria deportiva.

Diálogos obvios, innecesarios y ramplones, para informar de la historia de esa familia.

Hemos conocido, en los años 70, otras admirables películas del mundo interno de lucha libre. En especial una de sólo mujeres, de una crudeza impactante.

Era la vida antes de Internet y las redes sociales. Las hazañas de fuerza, resistencia y atletismo físico tenían que ser presenciadas en persona y vistas con los propios ojos, o en pequeñas pantallas de TV.

Gratificante retorno a la pantalla de Maura Tierney (ER), como la sumisa esposa y madre, luego de su delicada enfermedad. La personalidad de cada uno de los hijos está bien diferenciada. El relato se detiene, preferencialmente, en Kevin (Zac Efron), hermano mayor y único dispuesto a crear una familia propia. Pero, más allá de los matices de interpretación actoral, se apoya en el constante brillo, muy carismático, de sus ojos.

Como en cualquier historia familiar, hay quienes cometen excesos criticables (aquí era el padre). Sin embargo, su motivación fue siempre noble, amorosa y altruista.

Excelente coreografía de los combates para los aficionados a esta rama deportiva (a menudo manipulada de antemano por afanes comerciales). Lo triste es que los luchadores - apasionados por el éxito - nunca logran la fortuna económica que alcanzan sus organizadores.

VÁLIDA COMO BIOGRAFÍA, DÉBIL COMO CONFLICTO DRMÁTICO, EMOTIVA COMO VIVENCIA PERSONAL. GARRA DE HIERRO = UNA ESPECIAL MANERA DE SUJETAR LA CABEZA DEL CONTRINCANTE CONTRA LA LONA.

Ficha técnica

Título Original: The Iron Claw

2023 Biografía, drama famkiliar, deporte EE.UU. - Reino Unido - 2,10 hrs. 

Fotografía: Mátyás Erdély 

Edición: Mateo Hannam 

Música: Richard Reed Parry 

Diseño Prod.: James Precio 

Actores: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson 

Guionista y Director: Sean Durkin

Un Gato con Suerte - Por Juan Pablo Donoso

Engañoso largometraje animado que entrega mucho más de lo que aparenta. Al punto de ser aclamado en el último Sundance Festival de Estados Unidos.

Es raro que una película animada infantil tenga su estreno mundial en un festival como Sundance, pero daremos nuestras razones del motivo.

Plantea una premisa profunda e ingeniosa para quien quiera verla. Si bien hasta los niños pequeños disfrutarán con estos encantadores “monitos”, sus realizadores Christopher Jenkins y Mark Koestler - como de modo casual - nos entregan una visión de mundo provocativa, y dentro de una escala de valores de honda madurez.

Un gatito imprudente -Becket - (ya este nombre alude al santo de Canterbury) al ser rescatado por Rosa, una estudiante de buen corazón, da por sentada su buena suerte.

Cuando por insensato pierde su novena vida, y sólo le resta desaparecer, un Ángel del Cielo gatuno, le permite emprender un nuevo viaje transformador. Podrá regresar a la Tierra con un conjunto completamente renovado de vidas.

Lo inesperado es que cada una de estas nuevas vidas lo verá regresar en forma de distintos animales; cada uno enseñándole una lección difícil, cómica y novedosa.

Sobre el proceso, Jenkins confiesa: “Como soy fanático de Looney Tunes abordé este delicado tema como una comedia, una payasada. Así, el espectador que tenga ojos para ver, que Vea”.

Si la vemos con la Inteligencia, el Corazón y el Alma ABIERTOS, recibiremos un mensaje maravilloso para cada una de esas dimensiones.

Conjunto armónico de símbolos que se disimulan tras lo lúdico del tratamiento animado.

Hasta los ojos zarcos del gato protagonista nos hablan de las dualidades éticas del ser humano. Otro tanto entrega la silenciosa abuelita gata blanca quien, en la sala de espera, teje la bufanda interminable de la PACIENCIA, TOLERANCIA y PERDÓN.

Tantos niveles de lectura y todos claros, alegres y trascendentes.

Guion de perfecta estructura clásica: cada personaje bien motivado, y cada diálogo coherente con la Premisa Central.

Cada espectador - según su edad - puede disfrutarla si la recibe con la debida disposición.

Sugerencias - ¡sin pedantería! - de respeto a los ciclos de la Naturaleza, a los procesos evolutivos y al equilibrio ecológico de cada ser viviente, por muy pequeño o insignificante que parezca a primera vista.

Bellos dibujos, pocas y oportunas canciones, transmitidos con el más encantador sentido de Humor.

EXTRAORDINARIA Y SORPRENDENTE PARA QUIEN SEPA APROVECHARLA. UN SABIO Y GRACIOSO PROCESO DE PURIFICACIÓN VITAL. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica  

Título Original: 10 Lives

2023 Animación, familiar Reino Unido, Canadá.- 1,28 hrs. 

Música: Tom Howe, Geoff Zanelli 

Edición: Lynn Hobson, Mirenda Ouellet 

Diseño Prod.: Ruben Hickman 

Guion: Ash Brannon, Ken Cinnamon, Leland Cox 

Voces: Mo Gilligan, Simone Ashley, Sophie Okonedo 

Dirección: Christopher Jenkins, Mark Koestler

Arácnidos - Por Juan Pablo Donoso

Si el objetivo era hacer una película fea, confusa y desagradable, lo lograron plenamente.

Casi siempre oscura, abundancia de planos muy cerrados en los rostros, en las arañas, y mucha cámara en mano en constante movimiento.

Hay un grupo de jóvenes semi drogadictos, en su mayoría islámicos, habitantes de un enorme edificio de departamentos en los suburbios de la ciudad.

Abundante exposición de artículos de marca Nike, auspiciadora del filme.

Cuando a uno de los jóvenes, coleccionista de arañas, se le escapa de la caja la más venenosa, comienza el infierno para todos los inquilinos del edificio. El bicho comenzará a ovular millones de nuevas arañitas que extenderán sus telas por todos los pisos dejando a los moradores en calidad de moscas para devorarlos más adelante.

Para que la película pudiera durar más tiempo, y acumular más desgracias, en vez de escapar cuando les era posible, se dedican a discutir con angustia, a recordar tiempos pasados, hasta quedar atrapados definitivamente.

Más que terror, la película produce desagrado, confusión por el enredo de personas y diálogos, y un anhelo constante de que surja cualquier solución… cosa que tarda demasiado en ocurrir.

Montaje demencialmente acelerado y asmático (tomas cortas). Lo mejor es la música incidental.

MORALEJA: Cuídate de los animales exóticos que cultivas en casa. Algunos deberían permanecer en sus hábitats originales, como lo demuestra la primera secuencia desértica del filme, donde ya nos preconizan del peligro que viene.

SÓLO PARA QUIENES GUSTEN DE SUFRIR, ASFIXIARSE ENTRE TINIEBLAS, E INTENTAR EN VANO HALLAR ALGÚN PERSONAJE RELATIVAMENTE AMIGABLE ENTRE ESE GRUPO DE JÓVENES. HAY GUSTOS PARA TODO (decía una vieja y…).

Ficha técnica

Título Original: Vermin

Terror, angustia, epidemia Francia, EE.UU. - 1,46 hrs. 

Fotografía: Alexandre Jamin 

Edición: Thomas Fernández, Nassim Gordji Tehrani 

Música: Xavier Caux, Douglas Cavanna 

Diseño Prod.: Arnaud Bouniort 

Guion: Florent Bernard, Sébastien Vanicek 

Actores: Théo Christine, Sofia Lesaffre, Jérôme Niel 

Director: Sébastien Vanicek

Cielo Rojo - Por Carlos Correa Acuña

"Roter Himmel" presenta la historia de cuatro jóvenes que se encuentran casualmente en una casa de veraneo. La película se desarrolla en un verano excepcionalmente seco en el mar Báltico, donde la belleza del entorno contrasta con la amenaza de un incendio forestal descontrolado, creando un telón de fondo que resulta tan cautivador como aterrador.

El director Christian Petzold ofrece una historia de amor y desamor, con pinceladas de una realidad a veces ruda y otras veces poética. Existen luces y sombras en este breve y profundo viaje emocional, principalmente por la forma de construir cada uno de los personajes que integran la escena y las temáticas abordadas respecto a la masculinidad y el narcisismo.

Leon, el protagonista, interpretado por Thomas Schubert, es un escritor absorbido por su propio ego e incapaz de conectar con quienes le rodean. La relación entre Leon y Nadja -Paula Beer-, se transforma rápidamente en el corazón de la película. Petzold explora la dicotomía del artista y su musa inspiradora, componiendo un diálogo entre la originalidad de la creación y la necesaria admiración, algo que es tan complejo como la propia vida.

Felix -Langston Uibel-, y Devid -Enno Trebs-, completan el cuarteto juvenil circulando por caminos diferentes. Felix es el amigo que trae a Leon a la casa de su familia sin siquiera saber que allí encontrarían a Nadja, esta trabajadora estacional de un hotel y sobrina de una compañera de trabajo de la madre de Félix. Devid, por su parte, el activo salvavidas del sector, es pareja ocasional de la joven, lo que se manifiesta en aventuras nocturnas que impiden que los recién llegados concilien el sueño por las noches.

Leon, de por sí escueto de carácter, parece hundirse aún más en sí mismo, aislándose del entorno y acentuando sus carencias afectivas. Se encuentra terminando un nuevo libro que debe presentar a su editor, Helmut -Matthias Brandt-, quien en cualquier momento se deja caer, implacable, calificador y exigente, aumentando, día a día, su tensión interior, una clara dicotomía respecto a lo que debería ser un tiempo estival dedicado al descanso y la recreación.

“Cielo Rojo” es una honesta reflexión sobre la condición humana, sobre el amor y la pérdida, y también sobre la búsqueda de significado en un mundo que, a menudo, parece indiferente a las luchas particulares. Petzold brinda una película que tiene tanto de crítica social como de exploración de la intimidad humana, un cine que incursiona paralelamente en el arte y en la reflexión, pero, por sobre todo, en la humanidad de sus personajes.

Ficha técnica

Título original: Roter Himmel
Año: 2023
Duración: 102 minutos
País: Alemania
Fotografía: Hans Fromm
Género: Drama. Comedia | Literatura
Guion: Christian Petzold
Reparto: Thomas Schubert, Paula Beer, Langston Uibel, Enno Trebs, Matthias Brandt.
Dirección: Christian Petzold

¿Qué hizo Jennifer? - Por Jackie O.

"Nadie sabe lo que sucede en un hogar... menos en la cabeza de alguien"

Sinopsis: Documental que trata sobre la investigación de un violento crimen que sacudió una tranquila ciudad canadiense. Donde unos misteriosos intrusos irrumpieron en la casa de unos inmigrantes vietnamitas, aterrorizaron a la familia y dejaron como única testigo a una hija traumatizada.

La familia Pan, compuesta por un trabajador matrimonio de inmigrantes vietnamitas, mantiene una buena vida en base al mismo trabajo y al ahorro, con una veinteañera hija, Jennifer Pan, tienen una vida a simple vista tranquila. Pero una noche, tres extraños entran a su hogar causando la muerte de la madre y lesión gravísima al padre, la hija, escondida y alterada en su dormitorio llama a la policía, y se libra de ser lastimada.

Es un barrio con gente tranquila, ¿por qué les pasó esa desgracia? Nadie se explica. ¿Estaban involucrados en algo, fue un hogar al azar, se equivocaron de personas... ¿qué pasó?

La policía comienza a indagar, la única testigo es la hija que está traumatizada, pero debe ser interrogada. Así como a otros que son vistos como sospechosos. Pero unos videos de seguridad, hacen que la policía tome otro rumbo.

Este trabajo está basado en imágenes de archivo de interrogatorios y de entrevistas a los policías a cargo, quienes relatan los hechos y nos muestran técnicas de interrogación para dilucidar la verdad y descubrir por qué pasó lo que pasó.
Un trabajo interesante, ya que estamos ante hechos verídicos, algo que como telespectador nos atrapa, donde vemos y escuchamos a los reales involucrados, pero insuficiente para armar un thriller psicológico impecable si el director hubiera ahondado más en ello.
Sobre técnicas de interrogación, no encontré nada novedoso, pero el resultado dio los frutos esperados, esto es, descubrir quién lo planeó. Aunque al "por qué" faltó sacarle más provecho, ya que hay temas muy potentes sobre la mente del ser humano, que hay que escudriñar.

Breve y rápido es este documental, sin preámbulos ni tensión, ni hacernos dudar o jugar con nuestra mente o inquietud, lo que habría sido muy interesante.
Aún así, no se pierde el tiempo viéndola.

Crímenes reales, la morbosidad nos atrae.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

What Jennifer Did
Dirección y guion: Jenny Popplewell
Género: documental, true crimen
Año: 2024

País: Reino Unido
Duración: 87 minutos

Rescate Imposible - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Reaper -Russell Crowe-, es un piloto de drones de la Fuerza Aérea que apoya una misión especial en el sur de Filipinas. Tras ver movimiento en la jungla durante su reconocimiento aéreo, la situación toma un vuelco inesperado. El equipo de tierra, en el que se encuentran el sargento Kinney -Liam Hemsworth-, y sus compañeros, es atacado de manera fulminante y capturado por un grupo de insurgentes. Reaper tiene 48 horas para remediar lo que se ha convertido en una salvaje operación de rescate de alto riesgo.

Difícil escribir sobre esta película dirigida por William Eubank, pero para ello vale la pena hacer algunas distinciones. Comencemos con lo que la hace fuerte, es decir, con las escenas de acción, las tomas aéreas, los sangrientos enfrentamientos, y todo el material bélico, elementos que, literalmente, son todos arrojados a la parrilla. Si tomamos en cuenta eso, solo eso, resulta bien, porque es justamente lo que ofrece para sostenerse, porque si escarbamos en la trama o en la profundidad argumental, o algún sustento narrativo, la verdad, poco, poco; muy poco.

Analicemos la acción entonces, aquellas secuencias activas, porque, incluso en eso, al filme le cuesta despegar. Por lo menos son unos treinta minutos en los que no sabemos para dónde va la micro aunque el escenario esté bastante claro. Por un lado, encontramos al equipo en terreno, la misión especial, arriesgada y peligrosa, donde todo parece estar bien encaminado. Pero hay problemas con el dron, tanto con el operador como con el aparato; todo es confusión, sin embargo ese es el punto de inflexión desde el que comienza el vértigo. Es cierto, tal vez un poco tarde, pero en ese momento se da comienzo a la verdadera “tierra del mal”, que es su título original.

Mientras todo se mueva, y rápido, el metraje funciona relativamente bien, aunque sí, con algunos reparos respecto a la excesiva y explícita violencia. Estamos ante un entretenimiento que parece más un video juego que un largometraje de elaboración. Incluso, a veces, tuve la sensación que algunos personajes podrían “recargar vidas”, o repetirse algunas “etapas”, pero eso, afortunadamente no se da, porque el movimiento sigue su curso hasta la hora final, impulsado por un cronómetro que nunca se detiene.

Russell Crowe luce de veterano y se nota incómodo con un rol que está entre lo paternal y esa cercanía forzosa con tipos de un par de generaciones anteriores. Como que no funciona tan bien, y menos con esos toques de humor sarcástico que, o no se entienden, o bien son tan absurdos que es mejor saltárselos de forma olímpica, por lo que tampoco camina esa parte. En la otra vereda, Liam Hemsworth compone mejor a ese combatiente que se va forjando sobre la marcha, porque comienza con una valentía y temeridad reducida, pero cuanto más avanza el minutaje, y producto de las extremas circunstancias que debe enfrentar, saca fuerzas de flaqueza para sobreponerse a una realidad que, sin duda, sería capaz de superar a cualquiera.

Raya para la suma: “Land of Bad” es violencia, balas, sangre y muerte, en dosis no menores para cada metro cúbico de filmación, secuencias que son interrumpidas por cadencias que se muestran algo flojas para unir un relato que se disuelve tan fácil como polvo en el agua. La película gana bonos en pantalla grande, qué duda cabe, pero honestamente no sería ningún pecado esperar a verla en streaming, y/o en un vuelo de unas dos horas en el que, incluso, hasta podría funcionar como un buen inductor del sueño.

Ficha técnica

Título original: Land of Bad
Año: 2024
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Broken Open Pictures, Highland Film Group, Volition Media Partners, R.U. Robot, Short Porch Pictures
Género: Acción. Thriller | Ejército
Guion: William Eubank, David Frigerio
Música: Brandon Roberts
Fotografía: Agustín Claramunt
Reparto: Liam Hemsworth, Russell Crowe, Luke Hemsworth, Ricky Whittle, Milo Ventimiglia
Dirección: William Eubank

Vidas Separadas - Por Jackie O.

"¿La naturaleza o la sociedad define tu identidad?"

Documental que cuenta la vida de David Kellman, Eddy Galland y Bobby Shafran, ¿Qué tienen en común?, eran trillizos separados al nacer, y no tenían idea de la existencia del otro.

Nueva York de 1980, y la vida de un chico de 19 años que ingresa a su primer día de universidad da un vuelco total cuando es confundido por los otros alumnos por un joven llamado Eddy, y a pesar de él señalar que no se llama así; todo cambia cuando el mejor amigo de Eddy se hace presente y se descubre todo: ¿era su doble?, no, era su hermano. Ahí comienza este documental de forma ágil y rápida para internarnos en esta historia que tiene un final feliz cuando se juntan estos dos gemelos que habían sido adoptados, y ellos eso lo sabían, pero resulta que a los días descubren al tercero y la fama se presenta en sus vidas, todos quieren entrevistarlos y ellos aceptan, están dichosos de encontrarse. Nosotros tenemos esa sensación de gratificación, hasta que... descubrimos que no todo es felicidad.

Los jóvenes sabían que eran adoptados, pero sus padres no sabían de la existencia de los otros niños, nunca les dijeron que eran trillizos y que fueron separados y dados en adopción a familias muy diferentes, uno se fue a una familia de clase obrera baja, otro a una de clase media y el tercero a una familia de clase alta. Además, dichas familias ya tenían adoptadas a una niña mayor que los muchachos. ¿Coincidencia?

De lo curioso que resulta todo y la dinámica de la historia que la hace entretenida, da un giro, pues periodistas y los mismos muchachos comienzan a indagar más, donde se comienza a destapar un experimento que lo catalogaría de siniestro, donde una agrupación judía está involucrada, algunos médicos e incluso a Anna Freud se le vio en dicho orfanato, al cual se le cuestionan adopciones de dudosa tramitación.

Este documental y la curiosidad periodística de profesionales, van destapando un hecho que se ha realizado de antaño, y tal vez, se siga realizando a escondidas.

La ciencia es relevante para así conocer a la humanidad, incluso para detectar enfermedades y otras cosas que ayudan, pero ¿a costa de qué, o de quién?.

A medida que avanza el documental, se va convirtiendo más oscuro y lamentable.

Estamos ante una historia bien contada, con archivos fotográficos y de videos combinados con entrevistas actuales de sus participantes, quienes nos cuentan en primera persona su punto de vista y vivencias, y hacen que sea un trabajo bien editado, dado en un tiempo adecuado para hacernos reflexionar sobre asuntos psiquiátricos, familia, abandono, fama, experimentos, mafia, etc.

Historia ideal para un guion de largometraje conspirativo dramático, donde la realidad supera la ficción.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Three Identical Strangers
Año: 2018

Reino Unido
Duración: 96 minutos
Dirección: Tim Wardle
Guion: Grace Hughes-Hallett
Género: Documental
Música: Paul Saunderson
Fotografía: Tim Cragg

La Quimera - Por Juan Pablo Donoso

Una película hermosa, pero de fondo evanescente, como todas las que realiza Alice Rohrwacher.

En apariencia neo-realista, se centra en un personaje extraño, lo hace convivir con personas simples, para culminar con un mensaje mágico.

Así fue con su bella obra LAZZARO FELIZ (SIGNIS - 4 diciembre 2020). Se centraba en un muchacho del cual ignorábamos si era retardado mental o un santo. Aquí, Arthur, es un ex presidiario inglés, entre agresivo y neurótico, poseedor de un DON EXTRASENSORIAL: detecta dónde hay tesoros etruscos milenarios debajo de la tierra.

Cuando regresa al hogar campesino en el cual vivió su fallecida novia Beniamina, los gañanes lugareños le exigen que detecte objetos valiosos para venderlos a buen precio en el mercado negro.

Y a eso se dedicarán durante todo el transcurso del filme. Vivirá en una covacha de la montaña, e irá entregándoles los cacharros que ambicionan.

Durante el desarrollo del discurso fílmico, y con la intervención de acogedoras mujeres campesinas, ignoramos adónde conducen las aventuras de huir de la policía y ser explotados por una empresaria inescrupulosa.

A nuestro parecer, las conductas erráticas de Arthur, y el uso de su DON, tienen un sólo objetivo final: reencontrar bajo la tierra su más añorada quimera, la fallecida Beniamina, que lo guía hacia ella con una delgada hebrita de lana roja.

Tratamiento poético, con fondo muy sutil, que vislumbra la influencia conjunta de un Federico Fellini y un Vittorio De Sica.

HERMOSA REALIZACIÓN DE UN RELATO AMBIGUO, LLENO DE SÍMBOLOS, PERO AGRADABLE DE SEGUIR HASTA EL FINAL.

Ficha técnica

Título Original: La Chimera

2023 Tragicomedia, folklore, fantasía Italia, Francia, Suiza - 2,10 hrs. 

Fotografía: Hélène Louvart 

Edición: Nelly Quettier 

Diseño Prod.: Emita Frigato 

Guion: Alice Rohrwacher, Carmela Covino, Marco Pettenello 

ctores: Josh O´Connor, Carol Duarte, Isabella Rossellini 

Directora: Alice Rohrwacher

Domina - Por Jackie O.

"Quién manda a quién"

Una serie que nos muestra las luchas de poder de la antigua Roma, pero desde una perspectiva femenina, y tal vez mas peligrosa.

Una serie que en sus dos primeros capítulos nos presenta a los protagonistas, una quinceañera Livia y un veinteañero Cayo, acompañados de sus familias, amigos, enemigos, en sus ambiciones, y de cómo estos mismos preparan las uniones matrimoniales por solo mantener estatus y alcanzar más su poder. Pero lamentablemente los actores que personificaban estos papeles en esta etapa, no cumplieron con las personalidades de ambición y seducción necesarias para el rol. No así ya en su versión adulta, quienes personifican muy bien el perfil requerido.

Una serie que en cada capítulo nos atrae por su puesta en escena y la intriga que nos deja por su guion, ya que las traiciones están ahí y no se sabe en quién confiar; pero también están aquellos leales, que son los mínimos. Los personajes son muchos y las historias también.

La cinta se centra principalmente en Livia Drusila, a quien le arrebataron todo, que como toda mujer de la época es usada, esto es, casada sin su consentimiento, sin tener voz ni voto para nada, solo el deber de obediencia; pero ella estará dispuesta a cambiar eso y a recuperarlo todo, cueste lo que cueste, y la forma de interactuar ella con su entorno, en especial otras mujeres, es de astucia brutal. Cuando vemos a los varones en profesiones de poder, como el senado, siendo soldados, comerciantes, etc., las mujeres deben lidiar con los quehaceres de su hogar y la crianza, algo que se ve simple ya que sus esclavos ayudan, pero están tras esos varones, y acá lo vemos, cómo con su belleza y/o astucia mueven los hilos para lo que ellas quieren; pero también les puede jugar en contra.

Pero no estamos ante una serie feminista, es solo conocer la historia desde otro punto de vista.

Lo que podría señalar como negativo, fue el cambio temporal que se desarrollo en determinado momento en que consideré muy brusco, ya que suceden hechos importantes que pasan muy rápido y debieron haberlos profundizado mejor. Y para los más "históricos", puede molestarles la adaptación a hechos que sí sucedieron y que se encuentran estampados en los libros de historia, y que acá se maquillan o cambian.

Buena escenografía, asi como su vestuario y maquillaje, también se ven los hábitos de las personas en su día a día que son bien adaptados.

Aún así es una serie interesante de ver, que atrapa para saber su desenlace en una primera temporada en donde quieres saber más.

Su segunda temporada ya fue efectuada el 2023, hay que buscar la plataforma correspondiente para saber el desenlace de todo.

Historia: Livia casó en primeras nupcias con Tiberio Claudio Nerón, a quien dio dos hijos: Tiberio Claudio Nerón, futuro emperador, y Druso, gran general. Fue abuela de Germánico y Claudio, bisabuela de Calígula y Agripina la Menor y tatarabuela de Nerón.

Cayo Julio César Octaviano, y Livia se conocieron en el año 39 a.C., el padre de ella, Marco Livio Druso Claudiano, había combatido junto a los cesaricidas en contra de Octaviano, al igual que su marido, Tiberio Claudio Nerón. Livia se divorcia y se casa con Cayo por un tema político.

Primera temporada en Max.

Ficha técnica

Creado por Simon Burke
Compositor: Samuel Sim
Idioma original: inglés
8 episodios de 50 min. aprox.
Protagonistas:
Kasia Smutniak como Livia (Nadia Parkes)
Matthew McNulty como Cayo (Tom Glynn-Carney)
Ben Batt como Agripa (Oliver Huntingdon)
Christine Bottomley como Escribonia (Bailey Spalding)
Colette Dalal Tchantcho como Antígona (Melodie Wakivuamina)
Claire Forlani como Octavia (Alexandra Moloney)
Enzo Cilenti como Tiberio Nerón

Himno - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Viaje musical que se pregunta cómo la canción “El pueblo unido jamás será vencido”, compuesta hace cincuenta años en Chile, ha sido reconocida e interpretada en las más diversas latitudes. Proponiendo un montaje ágil, conjuga materiales de archivo inéditos, testimonios, música, grabaciones sonoras y pasajes experimentales. Este documental explora en el poder de las canciones y la búsqueda de transformaciones sociales por parte de diversos movimientos. Sobre la base de una investigación en profundidad y con testimonios de músicos y músicas de Chile, Portugal, Francia, Alemania, Finlandia y Japón, se adentra en los distintos usos y significados que este himno ha alcanzado alrededor del mundo.

Interesante propuesta de Martín Farías sobre un icono de la música popular chilena. Difícilmente alguien desconoce o no ha escuchado nunca esta canción, sobre todo en los tiempos convulsos del estallido del 2019, o en muchas otras marchas, protestas, actos de todo tipo, convocatorias, y campañas políticas, entre otras.

Este documental analiza varios factores de esta emblemática canción compuesta por Sergio Ortega. Conocemos el surgimiento de la melodía y del texto, sus primeras interpretaciones, su éxito prácticamente inmediato, y las variadas circunstancias que la llevaron a ser conocida en diferentes lugares del mundo desde la década de los 70 hasta nuestros días.

Hay mucho de romanticismo en este relato, y de política también. Sobre lo primero, la inspiración en Brahms, particularmente en el “Andante, ma Moderato” de su primer Sexteto para Cuerdas. Al escucharlo, es imposible no asociarlo a la melodía de la canción, sobre todo en el inicio, aunque después derive en otros giros y movimientos que indudablemente se independizan y cobran vida propia, algo que el mismo Ortega confirma sin temor y con ciertos visos de orgullo. Sobre lo segundo, se trata de la asociación con el Comunismo y sus vertientes, porque es indivisible esa relación debido a su famosa consigna -“El pueblo unido jamás será vencido”-, la que poco a poco va derivando en este verdadero Himno que representa, entre otras, la lucha contra la tiranía y la opresión de las masas.

“Himno” es el resultado de un muy buen trabajo de investigación, un hallazgo que al menos da cuenta de dos significativos objetivos. El primero, recoger la historia de la composición y homenajear a sus creadores e impulsores; y el segundo, recoger los frutos de una inspiración que trasciende fronteras, un clásico que probablemente nos acompañe siempre como parte fundamental e insoslayable de nuestra historia como país, una canción emotiva musicalmente hablando, y con un contenido que es un fiel reflejo de la realidad social y política del Chile de fines de los años sesenta y comienzo de los setenta.

Ficha técnica

Duración: 70 minutos
Año de producción: 2023
País: Chile
Idioma: Español, Inglés, Francés, Japonés
Subtítulos: Inglés y Español
Producción y asistencia de investigación: Eileen Karmy
Sonido directo: Eileen Karmy, Martín Farías
Postproducción de imagen: Daniel Dávila (DA Cine imagen diseño)
Postproducción de sonido: Sonamos SCL
Mezcla: Roberto Espinoza y Roberto Zúñiga
Diseño gráfico: Pablo de la Fuente

Dirección, investigación, guion y montaje: Martín Farías