Siempre habrá un mañana - Por Carlos Correa Acuña

Película que destaca por ofrecer una muestra de la transición de la posguerra italiana, un período narrado desde muchos ángulos en el cine, pero que aquí enseña una nueva voz a través de la mirada de una mujer. La directora y protagonista, Paola Cortellesi, entrega una ópera prima que no elude el riesgo y se compromete a fondo con la temática abordada.

La historia se centra en Delia, -Cortellesi-, una mujer cuya vida transcurre entre tareas domésticas y pequeños trabajos como enfermera y costurera, mientras debe soportar el maltrato de su marido Ivano -Valerio Mastandrea-. La película parte con una bofetada, signo evidente de un machismo violento que se desenvuelve en un círculo vicioso extremo. Con su base neorrealista, la cinta da cuenta de una especie de fábula capaz de hacernos reflexionar, tanto sobre el tiempo que retrata, como sobre los distintos personajes representados.

La directora posee un manejo seguro y una visión clara de lo que quiere transmitir. Su habilidad se encuentra en el equilibrio de aquellos momentos más dramáticos con números musicales que funcionan como sueños y evasión, entregando un respiro momentáneo al drama al permitir que el espectador se sumerja en un anhelo imposible que se materializa a través de la música y el baile.

Las actuaciones resultan sólidas. Cortellesi alumbra su papel, mostrando una gama de emociones que despiertan desde la empatía hasta la admiración por su fortaleza. Mastandrea, por su parte, entrega una actuación convincente que encarna la opresión del patriarcado de la época. La fotografía en blanco y negro, a cargo de Davide Leone, captura fielmente la esencia de la época, utilizando luces y la sombras para resaltar la dualidad de la vida de Delia, entre la opresión y la esperanza. La edición complementa esta visión, con cortes que enfatizan tanto la tensión dramática como aquellos momentos de verdadera liberación.

La música juega también su papel. No solo acompaña la narrativa, sino que además se convierte en otro personaje que refleja estados emocionales junto a un contrapunto que marca la realidad. Los números musicales, utilizados de manera efectiva, permiten aligerar la tensión dramática y, al mismo tiempo, intensificar el horror de cada situación.

“C’è ancora domani”, a través de su particular estética y una narrativa posmoderna, encierra lo fundamental de una época pasada y también los desafíos contemporáneos al lograr combinar un tema serio y denso con apuntes originales. Si nos quedamos con lo evidente, el machismo y la violencia, es posible que nos abrumemos profusamente, pero tal vez sea bueno incursionar en una capa que contenga otra mirada, la del amor y el tremendo cariño de Delia por sus hijos, aquello que no le permite escapar del yugo para entregarse en cuerpo y alma por el bienestar de su familia.

Con toques de humor irónico, escenas musicales y una fuerte reivindicación del rol de la mujer, este filme italiano del año 2023 ofrece una experiencia rica y a la vez compleja para reflejar la realidad, al tiempo de entregar, también, una necesaria luz de esperanza.

Ficha técnica

Título original: C’è ancora domani
Año: 2023
Duración: 118 minutos
País: Italia
Compañías: Wildside, Vision Distribution, Sky Italia, Netflix, Ministero della Cultura
Género: Comedia. Drama. Romance | Familia. Años 40
Guion: Furio Andreotti, Giulia Calenda, Paola Cortellesi
Música: Lele Marchitelli
Fotografía: Davide Leone (B&W)
Reparto: Paola Cortellesi, Valerio Mastandrea, Romana Maggiora Vergano, Emanuela Fanelli, Giorgio Colangeli, Vinicio Marchioni, Alessia Barela, Francesco Centorame, Raffaele Vannoli, Paola Tiziana Cruciani
Dirección: Paola Cortellesi

Cómplices del engaño - Por Jackie O.

Sinopsis: Gary Johnson es un apacible profesor de psicología y filosofía en la Universidad de Nueva Orleans que también trabaja de incógnito con el Departamento de Policía de Nueva Orleans para ayudar en operaciones encubiertas, pero tras bambalinas. Cuando Jasper, un policía que interpreta a falsos asesinos a sueldo para solicitar confesiones de asesinato y pagos de los sospechosos, debe ausentarse, Gary es introducido involuntariamente en su trabajo, comenzando una nueva vida para él.

Inspirada en un personaje real, el director nos sumerge en esta historia que comienza lento al mostrarnos la rutina de nuestro protagonista, pero toma vuelo cuando este pasa a tomar otro rol en su trabajo, que es el de "asesino a sueldo", por supuesto que, falso asesino a sueldo, ya que trabaja para la policía resultando muy bien en su primera misión. Gary comienza a improvisar con disfraces con cada sospechoso que le toca entrevistar, pero todo cambia cuando conoce a una de estas "clientas", Madison, una bella joven que quiere deshacerse de su abusivo marido. La atracción de Gary, quien usaba el disfraz de un nuevo personaje llamado Ron, es inmediata y la disuade de cometer tal acto delictivo. Desde ese día la vida de ambos se transforma en pasión y peligrosos enredos.

Glen Powell nos ofrece otro protagónico en este año, el año de Glen prácticamente, un actorazo que casi siempre estaba de secundario, un buen soporte en las película que participaba y agradezco su visibilización al mundo, aunque haya sido por TopGun: Maverik, digo lamentablemente, porque han pasado muchos años desde que comenzó a realizar sus primeras película. Sobre Adri Arjona, solo hace poco supe que era la hija del cantante Ricardo Arjona, pero si escudriñamos un poquito, ella no es tan desconocida si menciono la serie Andor, o la película Morbius.

En cuanto a esta cinta, tanto Glen como Adria tienen una gran química, la dinámica en la cinta es de menos a más, todo comienza con una mentira, que parece todo bien, pero de a poco hay que salir de esa mentira y enfrentar la realidad.

¿Qué pasará cuando Adria sepa que de quien se enamoró no es Ron sino que es Gary? ¿Qué estaría dispuesto a hacer Gary por Adria, y cuántos peligros estarán dispuesto a asumir?

Enredos en este thriller con toques de comedia negra, al borde del absurdo, a veces, que nos entretendrán. Buena dirección, y actuaciones secundarias buenas sin destacar a nadie en particular.

Donde los temas de identidad, la ética y lo moral, son puestos en juego

Ficha técnica

Hit Man
Dirigida por Richard Linklater
Guión de Richard Linklater y Glen Powell
Basada en "Hit Man" de Skip Hollandsworth
Protagonizada por Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio, Retta, Sanjay Rao.
Cinematografía por Shane F. Kelly
Editada por Sandra Adair
Música por Graham Reynolds
2024 

115 minutos

Cómplices del engaño - Por Carlos Correa Acuña

Gary Johnson -Glen Powell-, es profesor de psicología y filosofía en la Universidad de Nueva Orleans. Con una vida rutinaria y nada especial, esconde un secreto: también trabaja de incógnito para el Departamento de Policía ayudando en operaciones encubiertas. Cuando Jasper -Austin Amelio-, un compañero que se hace pasar por un sicario falso para obtener confesiones y pagos, es suspendido, Gary lo debe reemplazar y asumir su papel. No está preparado, pero, a lo hecho, pecho.

Nuestro protagonista rápidamente se involucra y adopta una personalidad única para cada uno de los supuestos asesinos a sueldo, en una colorida muestra de representaciones que funciona muy bien en la pantalla, y también en la vida personal de Gary. Tanto es así, que al adoptar la personalidad de un hombre llamado "Ron" para desenmascarar a Madison -Adria Arjona-, una mujer casada que está tratando de conseguir a alguien que mate a su marido abusador, Gary se siente atraído por ella, al punto que cuando le quiere pagar, él rechaza el dinero y le sugiere que lo use para reiniciar su vida, causando gran decepción en sus compañeros de trabajo.

Liviana, simple y atractiva, “Hit Man”, escrita por el director Richard Linklater y por el propio Glen Powell, funciona gracias a varios elementos que se encuentran bien combinados y en su justa medida. Primero, es una cinta que va de menos a más, con un inicio un tanto lento, pero que poco a poco avanza y revela sus cartas haciendo que nos sumerjamos en un mundo bastante poco cierto pero al parecer real. Lo segundo que llama la atención es el carisma de Powell para disfrazarse, resultando simpático y oportuno, tanto en su diseño físico como en los acentos y personalidades empleadas en sus representaciones. Aunque son breves, cada uno de los sicarios que encarna sacan al menos alguna sonrisa, en un recurso que, aunque tal vez puede que se repita mucho, logra finalmente engancharnos.

El tercer elemento, quizás el más distintivo, es la excelente química que se da entre Powell y Adria Arjona, un efecto magnético que atrapa y sitúa al relato un peldaño más arriba, ya que no importa tanto lo que suceda con la trama -que se alarga y alarga dando vueltas sobre sí misma-, sino más bien pone el foco en la evolución de la relación de esta extraña pareja.

Glen Powell es el actor de moda, qué duda cabe, y su carrera va en vertiginoso ascenso. Su rol en esta película es otro botón de muestra, porque el peso de la película lo lleva él para sacar adelante una historia basada en hechos reales y de la que no sabemos cuánto condimento adicional le han agregado sus productores, Powell incluido.

“Cómplices del engaño”, con casi dos horas de duración, no deja de ser entretenida. Un buen ritmo y edición aportan lo suyo a una cinta que no será memorable, pero que sí resulta interesante para descansar, relajarse, reír un poco, y así disfrutar de una salida al cine una lluviosa tarde de viernes o sábado.

Ficha técnica

Título original: Hit Man
Año: 2023
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: AGC Studios, Barnstorm Productions, Detour Pictures, Cinetic Media, Aggregate Films. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Comedia | Basado en hechos reales. Comedia negra. Neo-noir
Guion: Richard Linklater, Glen Powell, Skip Hollandsworth
Música: Graham Reynolds
Fotografía: Shane F. Kelly
Reparto: Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio, Retta
Dirección: Richard Linklater

Siempre habrá un mañana - Por Juan Pablo Donoso

La talentosa actriz y guionista Paola Cortellesi (Perdóname por Existir - 2014) ahora incursionó en la dirección y superó sus marcas anteriores.

Reincide en su temática de reivindicar la dignidad de la mujer en nuestros tiempos.

Con humor agridulce nos presenta a Delia - esposa y madre de clase medía baja - durante la posguerra en los años 40 en Italia.

Junto con realizar variadas tareas para aportar dinero a la casa, recibía - ¡como algo natural! - las golpizas de su marido. Época en que una bofetada en la cara, pasaba como si nada bajo el menor pretexto.

Filmada con el nostálgico blanco y negro de los clásicos neorrealistas de Rossellini y De Sica, desde el comienzo atrae por su calidez actoral. Entrañable espontaneidad de los secundarios, incluyendo a los vecinos, abuelos y niños.

Tema verosímil que, solo en apariencia, se ve simplón y pedestre. La impotencia femenina bulle resentida bajo las convenciones sociales. Hay diálogos cotidianos que a ratos nos hacen reír, luego nos indignan para, ilusoriamente, vislumbrar rayitos de esperanza redentora.

Siendo tan realista en su tratamiento exterior, la cinta nos permite compartir las fantasías más íntimas de Delia. Así, las escenas de peor violencia se subliman en su corazón solo con bellas melodías y movimientos de danza liberada.

Pero un drama que pareciera destinado a nunca romper su monotonía, experimenta tres giros imponderables: la cena con los potenciales consuegros de la hija casadera, la recepción de una carta misteriosa que podría iluminar las tinieblas, y el muy inesperado evento final que - lejos de todo lo que nos han hecho suponer - entreabre las compuertas para la dignidad de las mujeres del futuro.

Con gran talento se nos demuestra cómo, sin claudicar de su femineidad, una esposa y madre común logra superar la estulticia del machismo ancestral.

ESTUPENDO MELODRAMA TRAGICÓMICO NARRADO EN MODO NEORREALISTA. AMENA Y MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica  

Título original: C’è ancora domani

2023 Tragicomedia familiar Italia - 1,58 hrs. 

Fotografía: Davide Leone 

Edición: Valentina Mariani 

Música: Lele Marchitelli 

Diseño Prod.: Paola Comencini 

Guion: Furio Andreotti, Giulia Calenda, Paola Cortellesi 

Actores: Paola Cortellesi, Valerio Mastandrea, Romana Maggiora 

Dirección: Paola Cortellesi

Siempre habrá un mañana - Por Jackie O.

“Levantarse y seguir con dignidad”

Roma, mayo de 1946. La ciudad está dividida al igual que el resto de Italia, entre la pobreza y la trágica devastación bélica dejada por la Segunda Guerra Mundial. Allí encontramos a Delia, una mujer casada con el maltratador Ivano, más sus tres hijos, y su suegro que yace postrado, quienes viven en la parte baja de un edificio.

Delia es una mujer muy esforzada, hace pequeños trabajos en diferentes lugares, donde va y viene, sin tener tiempo para ella. Su rostro mantiene tristeza y amargura, rara vez se le ve sonreír, pero no en su hogar. El dinero debe entregárselo a su marido quien lo gasta en lo que quiere, no hay que reclamarle nada. Además, la humilla y golpea diariamente; Delia no se protege, se entrega pues es algo habitual, es “normal” ser propiedad de alguien, es parte de lo que es un hombre en esta década de Italia, donde además la mujer no tiene derecho a nada. Su hija mayor está de novia y le urge casarse, no solo por estar enamorada, sino porque ansía salir de ese tóxico lugar. Los dos menores viven su mundo infantil.

Tenemos diversas historias, pero la violencia intrafamiliar y la enorme desigualdad de género, están muy marcadas, son el centro.

Su protagonista y también directora de esta, su primera película, utiliza el sarcasmo para contarnos una historia muy triste, eso hace que no nos devastemos tanto viéndola, de lo contrario sería para muchos llantos a mares. Nos muestra la vida de las mujeres en la postguerra romana, con desigualdad de género, la inexistente posibilidad de divorcio, la sumisión femenina que era vista normal, la violencia aceptada.

Maravillosamente construida en blanco y negro, hecho que no es fácil de hacer pues esa falta de color (que sigue siendo color) debe darse en enfoques de cámaras acertados, hace que su fotografía sea maravillosa.

Las actuaciones son fabulosas, desde su protagonista, esta mujer de cara triste, su infame marido, aquel antiguo amor, ese soldado cortés, la hija desesperada, las amigas que contienen, incluso aquellas vecinas copuchentas, le dan ese toque tan real que nos transporta a la época. El vestuario muy bueno. El maquillaje espectacular, con pequeños efectos visuales que pueden pasar desapercibidos, exquisitamente incorporados. La banda sonora muy acorde, incluso en aquellos momentos duros que los transforma en algo más liviano a la vista, pero que nuestra mente sabe lo que sucede.

Estamos ante la historia dura de una mujer que quiere y hace lo posible por el bienestar de sus hijos, de tratar de ella sobrevivir, de tomar fuerzas de flaqueza para revelarse, no importando las consecuencias. Con un final que avanza hacia la esperanza.

Gran película que ha tenido diversas nominaciones, premiada en el Festival de Roma, David Donatello, entre otros.

**No permitas que la violencia se tome tu hogar: Denuncia, pide ayuda:

Concurre a cualquier unidad de Carabineros, Policía de Investigaciones o Fiscalía.

Fono de orientación en violencia contra las mujeres (1455)

Toma medidas como, cambiar las chapas o cerraduras de puertas, avísale a familiares o amigos de la situación, bloquea su número de teléfono, no lo escuches hablar, etc.

Ficha técnica

C'è ancora domani
Dirección y guion: Paola Cortellesi
Música: Lele Marchitelli
Fotografía: Davide Leone
Italia. 2023. 112 minutos
Protagonistas: Paola Cortellesi, Valerio Mastandrea, Romana Maggiora Vergano, Emanuela Fanelli, Giorgio Colangeli, Vinicio Marchioni, Gabriele Paolocá, Francesco Centorame, Lele Vannoli

Varita Rota - Por Jackie O.

“Las diferencias generacionales”

Un joven preadolescente es enviado a la casa de su abuelo. El muchacho de mala gana llega al lugar totalmente hipnotizado por su video juego, ignorando a su animado abuelo quien lo recibe feliz. El abuelo, vestido de mago, lo trata de entretener con diversos trucos fallidos, pero eso hace que ni una mueca esboce este aburrido niño. Hasta que este abuelo se siente abrumado, recapacitando en su actitud este menor.

Un corto mudo que nos sumerge en las relaciones generacionales, nos va guiando a través de su música y colorido con dos personajes con rasgos muy definidos para expresarnos su sentir en cada segundo, lo que hace que estemos interesados en qué sucederá.

No conocemos las historias familiares de cada ser humano, si estas son buenas, cercanas o no, como para poder interpretar o censurar el actuar de cada persona. Y cuando las diferencias generacionales son muy notorias puede que no tengan intereses comunes como para acercarse, o hacer primar el respeto y poner atención al otro siendo amable ante los esfuerzos de brindar un buen momento.

Una corta historia reflexiva que nos hace pensar en cuantas “roturas” familiares existen solo por no saber comunicarnos, sin presiones y con respeto.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Broken Wand
Año: 2014. EEUU.
Duración: 3 minutos
Dirección y guion: Anne Yang, Michael Altman
Música: Wei-San Hsu
Género: Animación. Comedia. Magia. Cortometraje (animación)

Un Caballero en Moscú - Por Jackie O.

"Adaptarse o morir"

Nacido en San Petersburgo, Rusia, el 24 de octubre de 1889, Alexander Ilyich Rostov es un aristócrata recientemente llegado de Paris, el cual es condenado por un comité revolucionario en 1922 (la revolución de octubre), y aunque se esperaba que fuera declarado culpable, y ejecutado debido a un poema revolucionario atribuido a él, su vida se salva por su linaje, y se le impone arresto domiciliario de por vida por un tribunal bolchevique, en el lujoso Hotel Metropol en el centro de Moscú, donde estará sigilosamente vigilado por el camarada Osip Glebnikov, quien buscará cualquier momento en que ponga un pie fuera del hotel para matarlo sin piedad. Pero, mientras tanto, lo despoja de todos los lujos en los que vivía, llevándolo a la habitación mas pequeña y desolada en el ático del hotel. Pero sí lo deja disfrutar de las bondades del lujoso hotel en cuanto a comida y entretenimientos, esto último no era mucho, salvo leer el diario y conversar con los residentes.

Pero con lo que no contaba el camarada Glebnikov, y todos, era en la humildad, valentía, carisma y educación del Conde Rostov, que hacía que cada día no fuera el último, sino que, a medida que el régimen soviético cae en la tiranía, el Conde, quien en su vida nunca tuvo que esforzarse en nada, nunca trabajó, nunca necesitó nada, descubre el valor del amor, el coraje y la comunidad, donde vemos cómo. a medida que pasa un año, 2, 5, 10... y muchos más años, su relación con el camarada Glebnikov se va modificando en ciertos aspectos. La amistad que entabla el Conde con los empleados hace que sean su familia, el curioso lazo con una menor de edad, Nina, lo transforma. Y la llegada de la joven actriz Anna Urbanova le da esperanza. Pero su peor enemigo, con los años, radica bajo su mismo techo, teniendo que lidiar con él hasta el último momento.

Pero no hablamos de un hecho verídico, más bien es un personaje ficticio creado por el escritor Amor Towles en su novela de 2016, pero que nos hace reflexionar sobre la vida en esa época tumultuosa de Rusia, y por qué no, sobre la vida misma.

Estéticamente es un trabajo muy bien cuidado en todos sus detalles, la ambientación es asombrosa llevándonos, aunque con pocas instalaciones, a dicha época, sus escenarios están bien tratados, siendo parte de la vida del Conde con momentos de alegría y tristeza. La fotografía y las cámaras están bien posicionadas, la música con una elegante introducción, más la banda sonora en cada capítulo nos impregna de nostalgia. Las actuaciones son muy buenas, con un McGregor entregado al rol, donde es imposible no encantarnos con el personaje, un hombre quien vivió una lamentable situación que es la de estar privado de libertad sin haber cometido delito (al parecer), y por más que su entorno sea agradable, la sensación de encierro no la pierde, solo sabe de su exterior por el periódico y la radio, pero no puede salir a disfrutar o impregnarse de la situación país, o peor aún, con su familia.

Es un drama que carece de acción y que transcurre prácticamente en el Hotel, pero se transforma en una historia muy humana, que se destaca por la profundidad de sus personajes, ya que todos son un gran aporte para su desarrollo y de la historia que se va entretejiendo, es un mundo que se va abriendo en lo emocional. Con un humor que esta justo en la tónica ,va quebrando momentos de tensión, y, contada de forma pausada al comienzo, hace que el guion fluya con delicadeza.

En qué puede fallar: aunque sabemos que la inclusión forzada que tiene la miniserie pareciera ser necesaria en esta época, puede molestar a algunos pues difiere de la novela y del momento histórica en sí. Pero calma, los actores afroamericanos son muy buenos en su rol.

Lo otro, puede ser que su comienzo pausado no haga enganchar a algunos, pero tenedle paciencia.

Disponible en Paramount +

Ficha técnica

A Gentleman in Moscow
Género: Drama histórico
Guion: Ben Vanstone Nessah Muthy
Dirigido por: Sam Miller y Sarah O'Gorman
Protagonistas: Ewan McGregor, Mary Elizabeth Winstead, Fehinti Balogun, Johnny Harris , John Heffernan
Compositor: Federico Jusid
País: Reino Unido. 2024
Episodios: 8 - Miniserie

El Último Conjuro - Por Jackie O.

“Mala semilla”

El joven matrimonio compuesto por Miyuki y Naoto Ihara, tienen un hijo de siete años, Haruto; y vemos que disfrutan su cotidianidad de forma normal, más bien felices.

Y una tarde, el pequeño se impresiona al ver que una lagartija perdió su cola, pero su padre, para que lo tome a bien, le dice que de esa cola saldrá otra lagartija si la entierra y le reza un “mantra”, eso lo hace feliz y entierra la cola en el patio. Es un acto inocente.

Un día cualquiera, Miyuki tiene un accidente de tránsito con su hijo. Desesperado el padre, concurre al hospital y presencia la muerte de ambos. Pero las inclemencias del tiempo hacen que un rayo caiga justo en el hospital, específicamente en la sala del pequeño, reviviéndolo milagrosamente.

En un momento determinado, y mientras nadie se percata (menos nosotros), el pequeño se lleva de la morgue un dedo de su madre y lo entierra en el patio de su casa, con la intensión que vuelva a nacer como aquella lagartija, rezándole diariamente dicho mantra.

Paralelamente tenemos la historia de la joven Hiroko, una antigua compañera de trabajo y ex pretendiente de Naoto, quien trabaja en una cadena televisiva, y va al funeral a darle las condolencias a Naoto, comenzando a experimentar situaciones paranormales que ignora en un principio; sucesos que había experimentado en el pasado vuelven a atormentarla. Hasta que su canal, donde tiene un programa de “sucesos paranormales” que Hiroko encuentra que es una falsedad, entrevistan a un “vidente”, quien en una conversación privada con la joven, le señala que a ella la persigue un ente maligno.

Ambas historias se entrelazan, y nos vamos enterando sobre las situaciones paranormales que le suceden a Hiroko y que la conectan a la familia Ihara.

Naoto deja de trabajar y se dedica a su hijo, además de verse atormentado, su hijo pasa en el patio rezando y conversando con alguien que no vemos.

Hiroko y todo quien se le acerca a ella resultan accidentados o en horribles muertes, por lo que decide indagar más en la historia d este matrimonio, y descubre un maligno secreto.

El director Hideo Nakata, considerado dentro de los destacados en el género del suspenso y principalmente exponente de J-Horror, teniendo una fuerte filmografía que lo avala, nos trae en esta oportunidad una historia de celos, venganza y herencia, donde involucra, como en otras oportunidades, a mujeres y niños en problemas.

El montaje a cargo de Naoko Aono, es muy disperso. Salta de un estado a otro sin sentido, a veces, haciendo que la cinta vaya de más a menos y que, sin perder interés en la trama, no sorprenda. El guion no logra el equilibrio entre su parte terrorífica con la dramática historia de fondo.

Los efectos visuales están entre lo burdo y lo interesante, por lo que es una mezcla de momentos donde la atención siempre la mantenemos.

En cuanto a las actuaciones, los cuatro roles principales: la reportera ex colega, no alcanza a repuntar como personaje interesante, haciéndola poco creíble; el viudo es tolerable en su actuar; la fantasmagórica fallecida resulta escabrosa, tanto viva como espectral, atrapada en un maquillaje que resulta en momentos tan bello como gracioso. Y el pequeño, pareciera que es quien tiene la actuación más interesante.

Lamentablemente el director no les saca partido a otros personajes, poniéndolos en tono caricaturesco, como el médium Kenshin Daimon y su ayudante Kawasaki, e incluso la monja del orfanato donde creció Miyuki, pero pasan con demasiada rapidez en la historia y solo sirven para tener un par de secuencias atrayentes, u ofrecer información a los protagonistas y telespectadores sobre la trama.

Como señalé, Kurasawa vuelve a la tónica de mujeres y niños en problemas para volverlos malignos, recordándonos películas como “Cementerio Maldito” e incluso “El Aro”. Pero, esta vez, no ha explotado con profundidad una historia que pudo haber sido terroríficamente dramática.

A pesar de tocar temas de interés, como la pérdida y lidiar con ella, los celos, las herencias que traemos de nuestros progenitores, y otros, no logra provocar, solo nos hace ver algo que puede resultar interesante.

Ficha técnica

Título original: Kinjirareta asobi. (The Forbidden Play)
Título nativo: 禁じられた遊び
Guión: Karma Shimizu y Noriaki Sugihara
Reparto:
Kanna Hashimoto, Daiki Shigeoka, Minato Shougaki, Uika First Summer, Mayu Hotta, Yuki Kura
Fotografía: Takahiro Imai
Japón. 2023. 110 minutos.

El Último Conjuro - Por Juan Pablo Donoso

Un promisorio drama japonés de terror que falla por un guion disperso y mal depurado.

Una madre encantadora - Miyuki - y su hijito Haruto fallecen en un accidente de tránsito. Pero tras un relámpago, el niño resucita milagrosamente.

El padre, muy triste, y para consolar a su hijo le enseña un mantra - “Eloim Essaim”- como conjuro para constatar que la cola de una lagartija seguirá viviendo.

El niño, que guardaba sólo un dedo de su madre, lo entierra en el jardín, y con mucha fe le reza el mantra para que su mamá vuelva a la vida.

Esta es sólo una faceta del relato. En forma paralela, una joven camarógrafa - Hiroko Kurosawa - ex compañera de trabajo del padre, comienza a tener invisibles ataques a su integridad física.

De aquí en adelante la muchacha (Kanna Hashimoto) comienza a investigar la causa de esta maldición hallando su origen en la familia de su ex compañero laboral.

El director Hideo Nakata logra suspenso y momentos de acertado terror. Demostró su talento en filmes previos como El Aro 1 y 2 (1998 y 99) y Aguas Oscuras (2002). El éxito mundial de los “Aros”, motivó las versiones homónimas de Hollywood protagonizadas por Naomi Watts. La primera (Dir: Gore Verbinski) quedó casi mejor que la japonesa. Cosa diferente sucedió con la secuela (2005), paradojalmente dirigida por el mismo Nakata invitado a EE.UU..

A nuestro parecer este nuevo filme pecó de “facilismo”. El director sabe crear atmósferas siniestras, y dotarlas con suspenso. Domina su oficio. Pero se apoyó en personajes similares a los de sus éxitos anteriores: heroína/víctima periodista, niño vulnerable a los fantasmas, matrimonio en apariencia feliz y - lo más lamentable - un espectro femenino demoníaco que viene a cobrar venganza.

Justifican este relato con la sentencia: “el odio de los espectros vivientes es más fuerte que el de los muertos”. Por lo tanto, “debes destruir los cuerpos resucitados”. (¡!)

Si se hubieran centrado en el tema central: resucitar a una madre celosa (versátil actriz Uika Fāsutosamā) y decantar los pasos para combatirla, habrían evitado un relato que patina para muchos lados, con varios falsos finales, gratuidades ilógicas y la sensación de que ignoraban cómo terminarla.

Protagonismo difuso.

Grata canción en los créditos finales.

BUEN OFICIO TÉCNICO DE TERROR PARA UN GUION MAL PIVOTEADO. CELOS FEMENINOS LLEVADOS AL PAROXISMO MONSTRUOSO.

Ficha técnica      

Título Original: 禁じられた遊び - Kinjirareta asobi -

2023 Terror, suspenso Japón - 1,50 hrs. 

Guion: Karma Shimizu (su novela ), Noriaki Sugihara 

Música: RIM 

Efectos Visuales: Sherlyn Chng Yeen Ching 

Guion: Noriaki Sugihara, Karma Shimizu (su novela) 

Actores: Daiki Shigeoka, Kanna Hashimoto, Minato Shougaki 

Director: Hideo Nakata

Más allá del universo - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Dirigida por Diego Freitas y estrenada en Netflix el año 2022, esta cinta narra la historia de Nina -Giulia Be-, una talentosa pianista que lucha contra el lupus, una enfermedad que amenaza con destruir sus sueños musicales. A la espera de un trasplante de riñón, Nina conoce a Gabriel -Henry Zaga-, uno de sus médicos, con quien entabla una conexión profunda que la impulsa a perseguir sus anhelos con renovada energía.

La película es sensible respecto a los temas que aborda, como la enfermedad, la pérdida, la esperanza y el amor. Freitas nos presenta a una protagonista resiliente que, a pesar de las dificultades, nunca pierde la fe en sí misma ni en su pasión por hacer música. La relación entre Nina y Gabriel se desarrolla de manera natural, aportando muchos momentos de ternura y emoción a la trama.

Uno de los aspectos destacados de este filme es justamente su banda sonora. Junto a piezas clásicas, muy conocidas, escuchamos también canciones compuestas por la propia Giulia Be. Las melodías al piano son conmovedoras y transmiten las emociones de la protagonista. La fotografía también resulta preciosa, ya que captura la particular belleza de São Paulo, y al mismo tiempo es capaz de crear atmósferas íntimas y melancólicas.

No obstante lo anterior, esta película presenta algunas debilidades. Aparte de lo predecible de ciertas secuencias, el ritmo de la narración resulta un tanto lento en varios momentos. En ocasiones se extiende demasiado y en otras parece concluyente, como haciendo un guiño más a una serie que a una película propiamente tal. Además de los antes dicho, algunos de los personajes secundarios no están del todo desarrollados -o en algunos casos caricaturizados-, por lo que quedan, así, relegados a un segundo plano.

"Más allá del universo" es una película que contiene una historia inspiradora gracias a la química que se desarrolla entre Giulia Be y Henry Zaga, entregando una capa de autenticidad al romance y así lograr transmitir el mensaje de esperanza inherente a la excepcional belleza de la música.

Ficha técnica

Título original: Depois do Universo
Año: 2022
Duración: 126 minutos
País: Brasil
Compañías: Camisa Listrada. Distribuidora: Netflix
Género: Romance. Comedia. Drama | Comedia romántica. Música. Enfermedad
Guion: Diego Freitas, Ana Reber
Música: Ed Cortes, Giulia Be
Fotografía: Kaue Zilli
Reparto: Giulia Be, Henry Zaga, Leo Bahia, Viviane Araújo, Othon Bastos, João Miguel.
Dirección: Diego Freitas

No estás sola: la lucha contra la manada - Por Jackie O.

"Manada de canallas"

Estamos ante un documental sobre el caso de violencia sexual de los llamados "La Manada", que remeció al mundo, y que se produjo durante los Sanfermines de 2016, en Pamplona. 

Este trabajo nos advierte de algunas situaciones que veremos y escucharemos. Un hecho escabroso, que donde ocurra y a quien le suceda, la violencia física o psicológica o aprovecharse de la condición débil de la víctima, es inhumano, y la existencia de rufianes que se aprovechan para atacar cobardemente en solitario o en grupo, en este caso en una manada de cinco, es deplorable. 

Todo sucede en una festividad típica de un lugar de España, donde todo es alegría. Ahí sucede este hecho vil, pero la rapidez del actuar de personas que ayudaron a la víctima, y la policía que toma el caso seriamente, en poco tiempo, e increíblemente, da con los atacantes.
Nos muestran la forma de proceder, escuchamos a algunas autoridades hablar, y sabemos del relato de la persona afectada, es duro, triste...
Con imágenes de archivo, fotografías y entrevistas, vamos conociendo esta historia, y lo que va destapando en evidencias de estos sujetos que los incriminan más. Pero las autoridades y las leyes del sector deparan otra cosa, lo cual, esto último, es sujeto a debate, ya que se rigen por sus leyes. Defensa y fiscalía se enfrentan, cada quien aporta desde su punto de vista, lo cual no debe cuestionarse, a pesar de que podemos tomar, inevitablemente, un bando.

Ante ello, vemos el impacto mediático, donde un millón de personas, principalmente mujeres y jóvenes, toman las calles al grito de «Hermana, yo sí te creo» y rompen el silencio en las redes con #Cuéntalo.

Un relato que nos sumerge en esta historia que sucede lamentablemente siempre, donde el aprovechamiento de personas sobre otra y la poca empatía sobre el hecho, tristemente seguirán existiendo.

Una historia que nos hará reflexionar sobre la vida, sobre la responsabilidad que le compete a cada persona en su actuar, en la enseñanza sobre educación sexual y sobre el respeto.

Bien editada, bien dirigida, con un guión claro.
En qué puedo discrepar, es en la voz de la actriz que relata.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección y guion: Almudena Carracedo y Robert Bahar
Música: Jacobo Lieberman
País: España. 2024
Documental. 102 minutos 

Intensa-Mente 2 - Por Carlos Correa Acuña

Notable secuela de la exitosa película del año 2015. El mundo imaginativo de Pete Docter, el creador y director de la primera entrega, parece no tener fin. Basada en su idea “De cinco a veintisiete emociones”, y esta vez de la mano del director debutante Kelsey Mann, la cinta explora y desarrolla aún más el tema emocional, ampliando la cantidad de emociones presentes en la mente de Riley, en un tira y afloja sin pausa que jamás se detiene a lo largo de todo el metraje.

¡Qué hermoso ejemplo gráfico de un tema tan complejo y difícil! Ya lo vimos en la primera, donde solo cinco emociones se disputaban el control mental de una niña que transitaba velozmente por cambios conductuales impredecibles. Pero en aquella oportunidad solo vislumbrábamos que vendría ese evento todavía más desestabilizador -la pubertad y el comienzo de la adolescencia, justamente la base de este nuevo relato-, y que trae nuevos personajes, nuevas aventuras y una compleja trama colorida y desafiante.

La magia de la animación permite realizar representaciones que no se podrían conseguir con personajes de carne y hueso. Por eso, la repentina destrucción del centro de control para dar espacio a nuevos conductores es solo una señal de alerta de lo que vendrá. Alegría, tristeza, furia, temor y desagrado ya no están solas. Se suman Ansiedad, envidia, aburrimiento y vergüenza, y ahora la disputa es de marca mayor. ¿Quién se impondrá? ¿Habrá ganadores y vencidos? ¿Qué pasará con Riley? ¿Logrará aceptar sus cambios y controlar ese verdadero vendaval emocional que se parece más una vertiginosa montaña rusa?

Podríamos escribir y describir muchísimo esta estupenda segunda parte pero la idea es no adelantar nada. Para disfrutar a cabalidad la historia debemos descubrirla, dejarnos guiar por ella, porque lo más importante, quizás, no es tanto el argumento como aquello que logra trasmitir a través de las acciones de sus diferentes personajes. Ahí está la clave, lo fundamental, porque nos identificamos con cada uno de ellos -o más bien con lo que nos hacen sentir-, ya que hablamos de emociones que están presentes de forma permanente en nuestras vidas. A veces las identificamos, a veces podemos prever que llegarán, en otras nos vemos sorprendidos, sobrepasados, y la mayoría de las veces, aún teniendo muchos años de convivencia con ellas, nos pillan desprevenidos, sin saber cómo reaccionar adecuadamente.

“Intensa-Mente 2” es una película educativa, llena de valores, y principalmente, una fábula animada perfecta sobre un tema central de los seres humanos. A mi modo de ver, y a pesar de ser una película infantil, los adultos gozaremos con los diálogos mientras los más pequeños disfrutarán sus bellísimas animaciones, algo que se transforma en una conjugación fantástica para una historia que no debería quedarse solo en lo que muestra la pantalla, sino que bien podría ser un buen punto de partida para conversar en profundidad aspectos que muchas veces, por complicados y difíciles, se evitan o se esconden.

Las emociones nos condicionan y a veces parece que nos controlan. No podemos evitarlas ni tampoco camuflarlas. Siempre estarán y nos acompañarán en las buenas y en las malas. Conocerlas -conocernos-, y aprender a reconocer nuestras reacciones es el gran desafío, una tarea permanente y que, tal como lo muestra la película, es un proceso que no termina nunca.

Ps. No salgan rápido, disfruten los créditos y esperen la escena final.

Ficha técnica

Título original: Inside Out 2
Año: 2024
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures, Disney+
Género: Animación. Comedia. Fantástico. Aventuras | Adolescencia. Secuela. Pixar
Guion: Meg LeFauve
Fotografía: Animación
Dirección: Kelsey Mann

Intensa-Mente 2 - Por Jackie O.

“Montaña rusa de emociones”

La tan esperada película animada regresa, y nuevamente estamos en la mente de la ahora adolescente Riley, justo cuando la sede central de la mente está sufriendo una repentina demolición para dejar espacio a algo completamente inesperado: ¡nuevas emociones! Alegría, Tristeza, Furia, Temor y Desagrado, quienes llevan mucho tiempo en una exitosa operación en todos los sentidos, no están seguros de cómo sentirse cuando aparece Ansiedad, Aburrimiento, Envidia y Vergüenza.

Secuela de la película del año 2015, la cual recomiendo vean primero (Disney)

Riley está en otra etapa de su vida, una de varias que se vendrán, cumplió 13 años y tiene nuevas grandes amigas en el colegio, juega hockey, y está con sus amorosos padres, nada malo podría pasar. Hasta que le llega una invitación para que pase un fin de semana en un campamento de hockey donde estará su equipo favorito que son de la secundaria, algo que ella aspira integrar, más la entrenadora que está captando nuevos talentos. Todo esto provoca nuevos sentimientos en nuestra pequeña amiguita, dándole cabida a estas nuevas emociones que comenzarán a disputar la mente de la muchacha. Dos bandos, las emociones antiguas versus las nuevas, ¿Qué podrá pasar?

Una cinta animada genial, donde sabe de forma graciosa tocar temas muy delicados como son nuestros sentimientos y los cambios que se van produciendo en la media que vamos creciendo y/o adoptando nuevos desafíos. De cómo nuestra mente se va moviendo junto con las manecillas de nuestra cabecita, donde están trabajando todas nuestras emociones.

Nos hace reflexionar, se explica la realidad de la identidad, los desafíos de crecer y cómo superarlos. El simbolismo presentado muestra cuán complejas pueden ser nuestras emociones a lo largo de nuestro crecimiento y madurez. Todas las emociones reflejadas en esta cinta, algunas con más notoriedad que otras, brillan en su momento, y saben que decir o hacer en el momento adecuado. Están tan bien personificadas estas emociones, cada quien con su color, voz y personalidad propia que nos podemos sentir identificados con ellos desde ya, reírnos y emocionarlos con su actuar y lo que dicen.

Me atrevo a recomendar esta película de preadolescentes hacia arriba, creo que los infantes no entenderán la complejidad de sus diálogos, por lo mismo padres que insistirán igual en llevar a sus pequeñitos: explíquenles los conceptos de la película antes de verla con ellos. Aunque es claro que las emociones son difíciles y complejas de entender, incluso para los adultos, es preferible, creo yo, darles un adelanto ya que al ser tan pequeños pueden quedar confundidos, guíenlos para que vean lo que el mensaje de esta película intenta decir.

Estéticamente, teniendo a un nuevo director, la cinta resultó tan buena como la primera, un debut para Kelsey que le brindará muchos frutos pues las nominaciones a mejor película y otros le lloverán, y sus emociones se verán totalmente revolucionadas. El guion está de la mano de una de las coescritoras de la cinta anterior, siendo un texto totalmente satisfactorio. Y visualmente se encuentra muy bien animada en cuanto a forma y colores.

Además, Dacher Keltner profesor de la Universidad de Berkeley, colaboró nuevamente con el equipo creativo para asegurar que las nuevas emociones fueran fieles a la realidad psicológica de un adolescente. Según Keltner, el objetivo es que las antiguas y nuevas emociones coexistan para lograr el bienestar emocional de Riley, aunque el camino será desafiante.

La película no solo habla de una niña que pasa a otra etapa, sino también que nosotros, como adultos, nos podemos sentir reflejados al pasar por distintas etapas emocionales, laborales, familiares, etc. Una cinta que también enseña el valor de la amistad y los principios morales que has adquirido a lo largo de los años para conquistar todos los desafíos que encontrarás en la vida, y que te fortalecerá.

Ficha técnica

Inside Out 2
Dirección: Kelsey Mann
Diseño de producción: Jason Deamer
Guion: Meg LeFauve
Música: Michael Giacchino
Fotografía Jonathan Pytko
Guion gráfico: John Hoffman
Animación, comedia. 2024. 1hr 36 minutos
Personajes:
Kensington Tallman: Riley Andersen
Amy Poehler/ Cristina Hernández: Alegría.
Phyllis Smith/ Kerygma Flores: Tristeza.
Lewis Black/ Jaime Vega: Furia.
Tony Hale/ Moisés Iván Mora: Temor.
Liza Lapira/ Erika Ugalde: Desagrado.
Maya Hawke como Ansiedad.
Ayo Edebiri/ Nycolle González: Envidia.
Adèle Exarchopoulos/ Alicia Barragán: Ennui (on-wee) "Aburrimiento".
Paul Walter Hauser como Vergüenza.
June Squibb/ Ángela Villanueva: Nostalgia

Intensa-Mente 2 - Por Juan Pablo Donoso

Largometraje animado, muy inteligente, gracioso y de excelente realización.

Secuela del de 2015. Sus argumentos juegan con mostrar en paralelo los mundos externos e interiores de la psiquis de una niñita llamada Riley.

En la anterior veíamos cómo cada una de sus emociones básicas eran personajes diferentes que habitaban en su cabeza y corazón. Eran Alegría, Tristeza, Furia, Miedo y Disgusto. Ahí jugaban y se mantenían como un grupo de amigas de inocente picardía. Y lo que ellas hacían se reflejaba en la conducta de Riley, en su vida personal y familiar.

Pero cuando la niña entra en la adolescencia - INTENSA-MENTE 2 - se incorporan la Ansiedad, la Vergüenza y la Envidia. Con la presencia de estas nuevas hermanas, habrá convulsión en el universo psíquico de la niña, el que se manifestará en casi todas sus acciones exteriores: familia, amistades, competencias y conflictos de auto-identidad.

La gracia principal del cuento radica en que cada una de las emociones tiene un color, una forma, una voz y un carácter diferente. A todas les afecta lo que su ama hace en la vida exterior y, a la vez, ellas influyen en sus actos, pensamientos y sensaciones llevando a la niña a un estado de caos y dolorosas contradicciones en la búsqueda de sí misma.

En realidad, es un profundo retrato psicológico de aquel difícil período de la adolescencia. Sin embargo, al darle carácter de personajes a sus instintos y emociones, y hacerlos interactuar lúdicamente entre ellos en ese universo lleno de estrellas, luces y botones de la psiquis, el relato se torna gracioso, inocente y, a la vez, muy dinámico ya que demora mucho en estabilizarse.

Será esa turbulencia interior la que logrará - gradualmente - que la joven muchachita, eximia jugadora de hockey, recupere hasta donde sea posible, la confianza en sus talentos y la armonía con su propia identidad y con otras personas.

Ya sus títulos nos dan la clave de esta tragicomedia: Inside Out (en inglés) nos dice cómo lo de adentro incide en lo de afuera, e, Intensa-mente (en español) nos remite a la fuerte agitación existencial que sacude aquellos años difíciles en la formación de una personalidad definitiva rumbo a la madurez.

Si bien la animación es ágil, cómica y variada, por aludir a elementos esenciales de la psicología, nos atrevemos a recomendarla más a públicos adolescentes (y adultos nostálgicos) que a niños muy pequeños. Les podría resultar algo confusa y extenuante.

“Todo está cambiando… todo es inestable... como si todo estuviera en construcción…”, (Jonas Rivera, productor ejecutivo).

LÚDICA, GRACIOSA E IDENTITARIA PARA ADOLESCENTES Y ADULTOS QUE PUEDAN, Y QUIERAN, COMPRENDERLA. MUY BUENA.

Ficha técnica  

Título Original: Inside Out 2

Animación, aventuras, tragicomedia EE.UU. - Japón - 1,40 hrs. 

Fotografía: Adam Habib, Jonathan Pytko 

Edición: Maurissa Horwitz 

Música: Andrea Datzman 

Diseño Prod.: Jason Deamer 

Guion: Dave Holstein, Meg LeFauve 

Voces en inglés: Amy Poehler, Phyllis Smith, Lewis Black Director: Kelsey Mann

Observados - Por Carlos Correa Acuña

Inquietante inicio. ¿Qué es? ¿Quién es? Un hombre, un bosque. Ambiente tenso. Oscuridad, miedo, aves que pasan raudamente, sonidos extraños. Todo se torna negro.

De la mano de Ishana Night Shyamalan, la novela de A.M. Shine cobra nuevo brío. La historia pasa incluso a un segundo plano, detrás de unos paisajes hermosos y una fotografía que pone énfasis en los detalles más pequeños. La partitura de Abel Korzeniowski es otro personaje, cómo no, en una obra que se trata principalmente de sensaciones, una experiencia a nivel de los sentidos que requiere disposición y voluntad para dejarse conducir por un camino que en algún minuto está marcado por un punto sin retorno.

Ya hablamos del inicio y de ese germen misterioso. Vamos ahora con la protagonista y su historia, Mina -Dakota Fanning-, una artista de 28 años que queda varada en un denso bosque ubicado al oeste de Irlanda. Su misión es transportar un ave, pero su auto deja de responder en medio de la nada o del todo. Deambula sin saber qué hacer, y cuando encuentra un refugio, queda atrapada junto a tres extraños que, según dicen ellos, son observados y acechados por misteriosas criaturas cada noche.

Aunque de a poco se despejan algunas de las incógnitas, el misterio logra mantenerse. Se revela este encierro, extraño y poco comprensible, similar a un reality “retro” que se puede ver en la TV del lugar. Pero no es sostenible permanecer allí, el plan ahora es huir, pero entonces acechan los recuerdos. ¿Lo podrán conseguir?

Cuidada factura es la que ofrece Ishana Night Shyamalan en este metraje de 102 minutos. Su padre, M. Night Shyamalan, es el productor, y ya habíamos visto colaboraciones entre ambos en la particular y exitosa serie “Servant”. Cada enfoque y cada movimiento de cámara está muy pensado. Cada cuadro tiene iluminación perfecta. Cada secuencia constituye un tránsito, que en apariencia parece no tener movimiento externo pero posee gran tensión subterránea. Sí, es tensión y suspenso más que terror declarado. La reminiscencia retro ayuda, y los experimentos que vamos conociendo también. Hay algo de “Lost”, o de otras producciones que riman, pero el sello cinematográfico es absolutamente Shyamalan.

“The Watchers” tiene giros finales que se podrían o no anticipar, pero igual sorprenden. La cinta responde a un sentido de experiencia o una experiencia de sentidos, los propios miedos retratados, sueños inconexos y pesadillas de un pasado no superado que se hace vivo al atormentar un presente vulnerable. Al observar y ser observado, se adoptan otras formas, y tal vez aquello pueda llevar a superar traumas y lograr reencuentros. ¿Será esto posible?

Pd. Ojo con un “Apple Performa 475” que aparece en una escena clave. ¡Notable!

Ficha técnica

Título original: The Watchers
Año: 2024
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros., Blinding Edge Pictures, Inimitable Pictures, New Line Cinema. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Thriller. Terror
Guion: Ishana Shyamalan. Novela: A.M. Shine
Música: Abel Korzeniowski
Fotografía: Eli Arenson, Job ter Burg
Reparto: Dakota Fanning, Georgina Campbell, Oliver Finnegan, Olwen Fouéré.
Dirección: Ishana Shyamalan

Fallout - Por Jackie O.

“La vida es una lucha en el yermo”

La serie se ambienta en unos Estados Unidos alternativos en un universo que diverge del nuestro, con tintes “atompunk” (retrofuturista de 1945 a 1965, subgénero de era atómica y espacial) Es un futuro pos-apocalíptico provocado por la devastación nuclear, donde los ciudadanos de Los Ángeles deben vivir en búnkeres subterráneos para protegerse de la radiación, de los mutantes y los bandidos que viven en el exterior.

Fallout es una serie de videojuegos que se ha hecho muy famosa por sus adeptos, debido a ello es que encontraron que hacer una serie podría resultar atrayente, y sí, acertaron.

No habiendo jugado nunca este video juego, ni otro, no podría hacer una relación entre juego y serie. Dicho eso, me voy directo al trabajo cinematográfico.

Estamos ante un Estados Unidos post apocalíptico, donde las personas que sufrieron un ataque nuclear deben sobrevivir ante la radiación y un sinfín de otras situaciones que se van presentando, como mutaciones, enfermedades, escasez de recursos básicos. etc. Pero los privilegiados, la clase alta que pudo pagar por un cupo en los bunkers creados para tales efectos, viven una gran vida hasta que unos extraños irrumpen en el bunker 33 desatando una barbarie y secuestrando a su líder, donde Lucy no puede vivir con el secuestro de su padre saliendo “al exterior”, aquel que se ha hablado de generación en generación de su peligrosidad.

Así Lucy, una chica con una inocencia y bondad increíble que comienza a descubrir un mundo despiadado, y muy duro para su gente, sale a explorar este yermo extraño, en búsqueda de su padre; es así que en su camino se topa con Ghoul, un ser despreciable sin ninguna pizca de caridad, del cual vamos conociendo el por qué de su actuar, también se cruza en su camino con nuestro tercer protagonista, Maximus, un sujeto humilde que aspira a ser un gran soldado para ayudar al prójimo. Por lo que estos tres personajes van mostrándonos el mundo en que viven, y además con analepsias, donde conocemos de su pasado.

La serie es mezcla de géneros, predomina la ciencia ficción pura, con efectos visuales muy buenos y atrayentes, escenarios post-apocalípticos de devastación salvaje, deprimente, que, a su vez, combina perfectamente, con un estilo de Western clásico.

Los personajes están muy bien definidos, cada uno con su historia, que se entrelazan muy bien, el guion está bien construido en su totalidad, tal vez en algunos personajes faltó más desarrollo, por ejemplo “La Hermandad”, o había ocasiones en que Lucy me exasperaba por su muy inocente actuar. Reitero, no conozco el video juego, por lo que la comparación no puedo efectuarla y mil disculpas aquellos fans, aunque en las redes no se han quejado.

El vestuario, maquillaje y peinados muy buenos, ya que estamos en un pasado de década del 50, con una época futurista, que se ve bastante bien. Con buenos planos, nos sumergimos en este mundo.

Su guion desarrolla diferentes temas, como el capitalismo, los experimentos sociales, el poder, la ambición, la bondad, la esperanza y el perdón.

Y no necesité jugar el juego para entenderla, solo debe gustarte este tipo de género.

Lista para la segunda temporada.

Disponible en PrimeVideo.

Ficha técnica

Género: Drama, Ciencia ficción apocalíptica, Acción
Creado por Graham Wagner Y Geneva Robertson-Dworet
Basado en Fallout, de Bethesda Game Studios
Protagonistas: Walton Goggins, Ella Purnell, Kyle MacLachlan, Xelia Mendes-Jones, Aaron Moten, Moisés Arias
Compositor: Ramin Djawadi
País de origen: EEUU
N.º de temporadas 1
N.º de episodios 8

La vida de Jagna - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: La historia de una campesina, Jagna, obligada a casarse con un granjero rico y mucho mayor, Boryna, a pesar de que ella está enamorada de su hijo, Antek. Con el tiempo, Jagna se convierte en objeto de la envidia y el odio de los aldeanos, y tiene que luchar para preservar su independencia. Ambientada en la campiña polaca, en la cúspide de los siglos XIX y XX, los giros dramáticos de la historia se relacionan con los cambios de estación, el trabajo duro en el campo y las fiestas tradicionales locales.

Hermoso trabajo de DK Welchman y Hugh Welchman, quienes ya nos habían sorprendido en 2017 con “Loving Vincent”. Elaborada con el mismo método de animación -fotogramas grabados previamente frente a la cámara, repintados al óleo sobre lienzo-, corresponde a la tercera adaptación -después de las versiones de 1922 y 1973-, de la novela del mismo título de Władysław Reymont, que muestra el ciclo de la vida rural a finales del siglo XIX.

Luego de la animación, situada en un relevante primer plano, llama la atención la música que acompaña el relato. Simple y de raíces folklóricas, rescata tradición e historia, acompañando fielmente una cultura llena de ritos, obligaciones, y una marcada catolicidad.

La historia comienza en Otoño. El nudo se proyecta entre el amor y la obligación, donde cualquier diferencia es simplemente traición. Luego pasamos al invierno, época en la que el conflicto da paso a la sumisión mientras las peleas por el poder constituyen un punto de inflexión. La primavera llega junto con las primeras soluciones, imperfectas, y desesperanzadas, para dar paso a un tórrido verano, que cierra el ciclo con el signo de un desprecio inusitado.

Haciendo vivo el famoso dicho “pueblo chico, infierno grande”, esta bella película tal vez pudo profundizar más en una historia llena de recovecos y de líneas argumentales individuales potentes, sin embargo opta por privilegiar el arte por sobre el estado de las cosas. La técnica se impone gracias a un cuadro plástico admirable, el que por momentos nos deja boquiabiertos por el gran despliegue de colores, texturas y finas paletas -aunque aquello se coma un poco la sustancia argumental-, un deleite para la vista, estéticamente deslumbrante.

Ficha técnica

Título original: Chlopi
Año: 2023
Duración: 115 minutos
País: Polonia
Compañías: BreakThru Films, Polski Instytut Sztuki Filmowej
Género: Animación. Drama | Años 1900 (circa). Paint-on-glass
Guion: DK Welchman, Hugh Welchman. Novela: W.S. Reymont
Música: Lukasz Rostowski
Fotografía: Animación, Radosław Ładczuk, Kamil Polak
Reparto: Animación
Dirección: DK Welchman, Hugh Welchman

La vida de Jagna - Por Jackie O.

“Bella rebeldía en un espacio hostil”

Esta historia nos transporta a la campiña polaca del siglo XIX, donde conoceremos un pueblito pequeño, las tradiciones que se mantienen y las diversas historias de sus habitantes.

Mediante una travesía sacada de un cuadro vamos recorriendo diversas granjas que componen este pueblo, con marcadas notas de hermoso óleos, pues su apartado visual es sorprendente, original y cautivador.

Jagna es nuestra joven protagonista, quien vive en una humilde casa junto a su madre viuda, y como toda joven, debe casarse de acuerdo con las tradiciones y lo que imponga el jefe de hogar, en este caso es su madre. Pero Jagna es una jovencita inquieta, tímidamente siente cosas por su tierno y tranquilo vecino Jasio, tan joven como ella quien se va al sacerdocio. Pero también tiene sentimientos, aunque estos más pasionales, por otro vecino llamado Antek, es más maduro pero casado con hijos, aun así mantienen un romance secreto.

Todos en el pueblo quieren a Jagna, porque es tranquila y la más bella, pero no exenta del chismes del sector. Pero un día a su madre le llega la oferta que un maduro viudo quiere cortejarla y la madre ya acepta este matrimonio, es con uno de los granjeros más ricos y mucho mayor que Jagna, Boryna, pero ella no quiere casarse con un hombre tan mayor y menos, el padre de su oculto amante Antek. Dicha situación se transforma en algo caótico que destapa este romance, y otros coqueteos, que tal vez inocentemente Jagna comete por error, y que las mujeres del pueblo no tolerarán.

Los giros dramáticos de la historia se relacionan con los cambios de estación, el trabajo duro en el campo y las fiestas tradicionales locales. Todo visualmente estampado como un óleo mediante la utilización de la técnica rotoscopica. Donde cada estación bien representada en un trabajo artístico impresionante; mantiene sus conflictos, los cuales cada vez se van haciendo más difíciles de sortear entre los pueblerinos.

Técnicamente, como ya señalé, se usa la técnica de la rotoscopia, que da vida a una intensa obra de arte, lo que implica un gran trabajo delicado y bello. Específicamente se diseñan imágenes para películas de animación, tradicionalmente películas de dibujos animados, aunque puede usarse para ciertos efectos especiales. Aplicado a un dibujo animado, esencialmente, en reemplazar los fotogramas de una filmación real por dibujos calcados sobre cada fotograma.

Como dato, los directores usaron esta misma técnica en otro de sus trabajos “La Pasión Van Gogh” de 2017.

La música tradicional sea banda sonora de fondo o cantos que realizan algunos actores, están muy bien pensados, los efectos de sonido son bellísimos y las actuaciones buenas.

El vestuario y maquillaje es muy acertado.

La película es basada en la novela “Los Campesinos” del premio Novel de Literatura Władysław Reymont.

Estamos ante un deleite a la vista de principio a fin, en una atmósfera de belleza de colores como si estuvieras en un cuadro de Vermeer, van Gogh o Hammershoi, con expresiones, magnífica música tradicional todo a lo largo de las cuatro estaciones.

En qué podría fallar, que no es para todo público, por tomarse pausas prolongadas en momentos, y eso puede que canse a cierto grupo de espectadores. Pero atrévanse, y véanla.

Historia de una joven bella, rebelde y fuerte, que se verá enfrentada ante la dominación masculina, las rivalidades femeninas vengativas en su mundo patriarcal muy tradicional.

Ficha técnica

Título original Chłopi. (The Peasants)
Dirección y guion: Dorota Kobiela y Hugh Welchman
Protagonistas: Mirosław Baka, Ewa Kasprzyk, Małgorzata Kożuchowska, Sonia Bohosiewicz, Maciej Musiał
País: Polonia, Serbia y Lituania
Año 2023. Idioma: Polaco.
Género Animación
Duración 114 minutos

Sismo Magnitud 9.5 - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: En una prospera ciudad de China, se vive un día tranquilo y común como cualquier otro hasta que de pronto, un poderoso terremoto de magnitud 9.5 grados Richter azota a toda la población, desatando un absoluto caos entre sus habitantes al convertir sus hermosas calles en un trágico campo de desastre. Una de las zonas más afectadas es el distrito de Guancheng, en especifico un parque industrial donde se encuentra una enorme planta química. Tras el repentino terremoto, desencadena una serie de problemas relacionados con cientos de fugas y explosiones en las tuberías que envuelven al condado en una enorme área de humo espeso y un peligroso fuego abrasador. Con la ciudad transformada en una especie de zona de guerra, un equipo de valientes bomberos acuden rápidamente al rescate para combatir las llamas y salvar a todas las vidas posibles que estén en riesgo. En una carrera contra el tiempo, los bomberos tendrán que contener la calma para demostrar su coraje y determinación mientras se esfuerzan por proteger a la comunidad de la devastación total.

El despliegue escénico que tiene esta película destaca desde el primer momento. Y no hablo de los efectos especiales, que en el mundo global del cine actual parecen haberse estandarizado, sino de la cantidad de extras que participan en elaboradas coreografías. Cintas de desastres y calamidades tenemos por doquier, por tanto, ¿qué haría la diferencia entonces? Las respuestas son variadas: carismáticos protagonistas, escenarios realistas, historias personales cruzadas con la tragedia, redención, valentía, egoísmo, etc. ¿Y, qué tenemos acá? Veamos.

En primer lugar, este terremoto de magnitud impresionante no parece serlo tanto, al menos en un comienzo. Claro, en Chile estamos acostumbrados que se nos mueva el piso, y fuerte, sin embargo en otras latitudes no, y las reacciones son muy diferentes. Si en esta película esperamos que el desastre sea el epicentro del relato, tal vez nos iremos decepcionados. En esta ocasión, lo importante viene después, y abarca las consecuencias producto del sismo en una zona donde se encuentra localizada una planta química. Y no solo la reacción en cadena que ocurre, sino lo que podría venir después si no se logra controlar la emergencia.

En segundo término, no tenemos un único héroe o heroína. No, todo lo contrario. Es un equipo profesionalmente entrenado al más alto nivel el que asume el peso de sostener una trama que se torna más tensa con cada minuto que transcurre. Tal vez esta, la mayor diferencia, responde a una filosofía muy diferente al mundo occidental que habitamos, porque el espíritu de cuerpo no solo se evidencia sino que resulta ser lo más natural del mundo. La producción, que se aboca a mostrarnos el cómo enfrentar una emergencia, es muy realista y también alerta sobre otra forma de ver las cosas. Los liderazgos se imponen por la fuerza de la convicción y de los hechos, la disposición a ser equipo va más allá de los entrenamientos, se trae, probablemente, desde la misma cuna.

“Sismo Magnitud 9.5” es adrenalina pura durante sus casi dos horas de duración. Y digo casi, porque también la acción da paso a la emoción, hacia el final, cuando la historia comienza a resolver ciertos nudos personales que ganan bonos durante el metraje, sin sobresalir, pero construyendo vínculos que la parafernalia no logra arrancar de sus bien plantadas raíces.

Con un nivel de producción cercano a las grandes hazañas de Hollywood, el director Oxide Pang logra con creces su objetivo de sumergidos en un accidente de proporciones, pero más aún, en la mirada de una reacción coordinada, profesional, valiente y desinteresada de un grupo de personas que son capaces de arriesgar -y entregar-, la vida por el rescate de los demás, un ejemplo que, si lo pudiéramos imitar, nos permitiría pensar que el mundo puede ser mejor si ponemos el bien común como una aspiración verdaderamente sentida en nuestra sociedad.

Ficha técnica

Título original: Jing tian jiu yuan
Año: 2022
Duración: 114 minutos
País: China
Compañías: Asian Pacific China Films, Beijing Universe Cultural Development, Guangzhou Ying Ming Media Co, Lian Rui. Distribuidora: Universe Films Distribution Company, Clover Films, Golden Village Pictures, Intercontinental Film Distributors [Hong Kong]
Género: Acción. Drama | Catástrofes. Bomberos. Terremotos
Guion: Ran Wang, Daiyuan Yang, Hongtao Zhang
Fotografía: Chan Wai Lin
Reparto: Jiang Du, Qianyuan Wang, Liya Tong
Dirección: Oxide Pang

Sismo Magnitud 9.5 - Por Juan Pablo Donoso

Superproducción china de catástrofe, hablada en mandarín. Su propósito primordial es destacar la disciplina y el heroísmo de los bomberos de ese país.

Cuando anochecía sobrevino un sismo 9.5. Se rompió la carretera y desbarrancó un camión cargado con etanol. Al explotar lanzó fuego al inmenso parque industrial químico Guangcheng. El incendio produjo una gigantesca onda expansiva. Así comenzó a quemarse todo el complejo generando explosiones en cadena.

Es el pretexto para darnos a conocer la organización de bomberos en China. Asistimos a sus cursos teóricos impartidos por ingenieras especializadas. A sus violentos entrenamientos físicos. A su rigurosa disciplina militar. A la solidaridad de su compañerismo, y a la dificultad de formar hogares debido al constante peligro en que se encuentran sus vidas.

Con una vertiginosa edición fílmica los vemos entrar en acción en el Parque Industrial. Los estanques y edificios vecinos - incluyendo un parvulario - van explotando y derrumbándose uno tras otro.

El desafío es titánico, realizado con una producción cara y exhaustiva. El combate contra el fuego y los innumerables peligros que afrontan los bomberos, toman el 80% de la película.

Cuando se cree que el incendio va siendo dominado, se produce otro sismo, y ahora el peligro es peor ya que amenaza con expandirse a la ciudad entera.

Sin duda hay que tener “paciencia de chinos” para hacer una epopeya nocturna, tan larga y prolija. Pero se nos hace cansadora porque dosificaron mal los ritmos de tensión y distensión entre sus personajes. Además, postergaron el conflicto humano del relato (en dramaturgia un evento telúrico, por ser irracional, nunca es antagonista: debe tener carga volitiva).

Es por ello que - aunque tiene dos secuencias finales bastante sensibles - el relato adolece de una candidez que los filmes catastróficos de Hollywood ya superaron hace más de 40 años.

EXTENUANTE Y COSTOSA PRODUCCIÓN CHINA. ADMIRABLE POR SU REALIZACIÓN. PRIMARIA EN SUS ANÉCDOTAS Y UN NOBLE HOMENAJE AL HEROÍSMO DE SUS BOMBEROS.

Ficha técnica

Título Original: Jing tian jiu yuan

2022 Catástrofe, suspenso China - 1,54 hrs. 

Fotografía: Wai-Nin Chan 

Edición: Cheung Ca Fai 

Música: Anthony Chue 

Diseño Prod.: Yang Guangcai 

Guion: Ran Wang, Daiyuan Yang, Hongtao Zhang 

Actores: Jiang Du, Qianyuan Wang, Liya Tong
Director: Oxide Chun Pang 

La Reunión - Por Jackie O.

"Hermanos, un nudo difícil de desatar"

Sinopsis: Tres hermanos distanciados deben cruzar sus caminos a la fuerza, donde deberán confrontarse a un narcotraficante y hombre de negocios asesino en México.

Sam, un policía suspendido (Jhon Cena), Leo (un irreconocible Ethan Embry), un agente de finanzas con serios problemas económicos, y Douglas (Boyd Holbrook), un apuesto y coqueto ladrón veinteañero recién salido de la cárcel, son contactados por su hermana Nina (Amy Smart), debido al fallecimiento de su padre, anunciándoles una herencia que este les habría dejado bajo la condición que los hermanos deban trabajar en algún negocio juntos, el cual Nina debe supervisar.

Bajo enojo, ya que los hermanos mayores no se ven en años y no se soportan, y recién se enteran de que tienen un hermano menor, se dan cuenta que pueden hacer un negocio donde pueden hacer gala de sus habilidades, esto es, salvar a un millonario y cobrar el rescate.
Así que la aventura es entre EEUU y México, batiéndose en persecuciones, uno que otro golpe, y varias balas de por medio, donde deberán cuidarse las espaldas o morir en la pelea.

La cinta es muy masculina ya que los malhechores son malos malos y los protagonistas muestran su masculinidad en todo momento, la parte femenina se basa solo en dos personas que no son damiselas en peligro, ya que una cuida a sus hermanos, siendo querida y respetada por ello, y la otra es parte de esta persecución, siendo muy aguerrida.
Mantiene un guion muy básico, en el cual debieron haber sacado más provecho al conflicto familiar. Las actuaciones nada que destacar, pero sus protagonistas son muy agradables, y eso hace verla.

Película de acción para pasar el rato y hasta olvidable, pero tolerable.
Aún así, mantiene temas muy atingentes como, el distanciamiento familiar, el padre ausente y los rencores, el tratar de armar una nueva familia, saber perdonar, los lazos familiares, la ambición por el dinero y por supuesto el abuso de poder.

Disponible en YouTube y Prime Video.

Ficha técnica

The Reunion.
Dirección: Michael Pavone
Guion: Michael Pavone
Música: James A. Johnston
Protagonistas: John Cena, Ethan Embry, Michael Rispoli, Boyd Holbrook, Amy Smart
Estados Unidos. Año 2011
Género: Acción

Duración: 90 minutos

Furiosa: de la saga de Mad Max - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Al caer el mundo, la joven Furiosa es arrebatada del “Lugar Verde de Muchas Madres” y cae en manos de una horda de motoristas liderada por el Señor de la Guerra, Dementus. Arrasando el Páramo, se topan con la Ciudadela, presidida por Inmortal Joe. Mientras los dos tiranos luchan por el dominio, Furiosa debe sobrevivir a muchas pruebas mientras reúne los medios para encontrar el camino de vuelta a casa. Precuela de 'Mad Max: Furia en la carretera' (2015).

El rapto y la persecución nos llevan directo al desierto. Arenas pantanosas donde el castigo parece hundir al instinto. Primer capítulo, y entramos de lleno al mundo creado por George Miller, al interior de su esperada quinta entrega de una de las sagas más vibrantes de los últimos años. Entre líderes tiranos, con discursos dirigidos a masas informes, la opresión es el arma de control preferida en un mundo post apocalíptico insípido y absolutamente carente de humanidad.

Miller nos ha acostumbrado a una filmación que tiene un estilo único, en el que destacan complejas imágenes compuestas, entrelazadas por acercamientos súbitos e imprevistos. La edición, un lujo técnico y rítmico, ofrece perspectivas diferentes de cada acción y no para prácticamente nunca, un “perpetuum mobile” constante, abrasador y punzante.

La estética transversal de la saga se mantiene intacta. El amarillo intenso de un desierto inhóspito configura escenarios amplios y convincentes, en los que las grandes construcciones visuales sobresalen dentro de secuencias extensas, y acciones en grado puro, que muchas veces no resisten la pregunta sobre su real sentido. ¡Qué decir de las coreografías! Sensacionales, con movimientos que tienen una coordinación milimétrica y una cantidad de extras que, a pesar de ser masivos, no hace mella alguna en los minuciosos detalles que involucra cada toma.

La pérdida de su madre es lo que gatilla todo el desarrollo del personaje de Furiosa. Desde pequeña, sensiblemente interpretada por Alyla Browne, vemos cómo esta niña se ve enfrentada a un mundo hostil del que solo quiere protegerse y ojalá escapar. Al crecer, ya representada por Anya Taylor-Joy, la progresión se consuma, porque la venganza se va cociendo a fuego lento. Furiosa la prepara; observa, escucha, y aprende. Muda al inicio, y con escasas palabras después, son sus gestos e impresiones -¡en especial sus ojos!- los que trasmiten aquel mundo interior dañado que solo desea el premio que pueda darle final satisfacción: honrar la memoria de su progenitora liquidando a Dementus -Chris Hemsworth-, el denominado “Señor de la Guerra”, un personaje sádico y bestial, abominable y detestable, un objetivo que se transforma en su leit motiv, único y directo, razón suficiente para resistir y sobrevivir a las pruebas más duras y extenuantes que alguna persona jamás pueda enfrentar.

El centro del relato es la lucha de poder y la supervivencia. Se pelea por el agua, la energía, y el combustible, entre otros elementos de primera necesidad. La película corre, entonces, en dos planos paralelos, universos que están juntos pero claramente diferenciados aunque simultáneos: uno en la superficie y otro subterráneo, uno en el exterior de la persona y otro en su interior.

Lo que vemos en los dos últimos capítulos son los enfrentamientos finales, un todo o nada que resulta impresionante, sin pausa, sin tregua, sin anestesia. Por algo el final, el quinto, se titula “Más allá de la venganza”, porque es algo tan difícil de vislumbrar que debemos aguardar que suceda lo imposible, aquello que no podemos prever ni imaginar, pero que sabemos estará enlazado con “Fury Road”, en sintonía y calce perfecto.

“Furiosa: A Mad Max Saga”, es todo lo que esperamos del Cine en pantalla grande, es decir, una experiencia visual, sonora y sensitiva. Los efectos especiales, si bien son numerosos y se hacen notar, no afectan la continuidad de un relato mayormente basado en la imagen y en la acción. Las pausas, pocas pero muy bien ubicadas, sirven de enlace para tomar nuevos impulsos, porque, a diferencia de otras películas del género, esta literalmente vuela en su tercio final, haciendo que sus dos horas y media de duración sean como un grano en el desierto, una gota en el océano, una pequeña idea dentro de un universo de originalidad e imaginación que, a esta altura, parece no tener límites, al menos en la mente de George Miller, su carismático creador.

Ficha técnica

Título original: Furiosa: A Mad Max Saga
Año: 2024
Duración: 148 minutos
País: Australia
Compañías: Coproducción Australia-Estados Unidos; Warner Bros., Kennedy Miller Mitchell. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Ciencia ficción. Acción | Futuro postapocalíptico. Venganza. Precuela
Guion: Nick Lathouris, George Miller
Música: Junkie XL
Fotografía: Simon Duggan
Reparto: Anya Taylor-Joy, Chris Hemsworth, Tom Burke, Alyla Browne
Dirección: George Miller

X-Men 97 - Por Jackie O.

"Nostalgia"

Entre 1992 y 1997 se transmitió por TV "X-Men: La serie animada", quedando en una larga pausa que no retomó hasta ahora, donde volvió con una nueva historia, tomándose como una secuela de "X-Men: La serie animada", retomando la historia a partir de los acontecimientos con los que finalizó esa serie, poniendo al grupo de mutantes ante nuevos y peligrosos desafíos, luego de la pérdida de...
que es donde quedó dicha serie. Desde ahí se arma esta historia, de cómo nuestros adorables mutantes lidian con un duelo, luchan para ser aceptados por la humanidad, lo que cada vez se vuelve una relación hostil. Pero también vemos las complicaciones que se van desatando entre ellos.

Para quienes no se familiaricen con los cómics, y solo se guíen por las películas que hemos visto y que son muy buenas, encontrarán que hay ciertas situaciones, acercamientos y dichos diferentes a lo que vieron en las películas, pero las películas son adaptaciones a los cómics. Adaptadas para ser aceptadas por la audiencia y que puedan vender.

El ver a Scott Summers/ Cyclops, Jean Gray, Ororo Munroe/Storm, Logan/Wolverine, Morph, Anna marie/ Rogue, Henry McCoy/ Bestia, Remy LeBeau/ Gambito, Júbilo Lee/ Júbilo, Lucas Bishop/ Bishop, Erik Lehnsherr/ Magneto, Kurt Wagner/ Nightcrawler / Rondador Nocturno, Roberto da Costa/ Sunspot/ Mancha Solar, Dr. Bolivar Trask, Nathan Summers/ Cable, y muchos otros interesantes cameos que los fans especialmente estarán contentos de ver, se hace una serie agradable, donde somos impregnados con la nostalgia y de la esencia de su naturaleza.

 
El guion es muy bueno, las historias se entrelazan muy bien, nos hicieron estar en alegría, tensión, alegría y mucha pena. Nos habla de aceptación, redención, amor, amistad, paz, guerra, poder y más. Mantiene la fuerza de su predecesora.
Los dibujos, que si bien no son los mismos desde hace casi 30 años, la dirección artístico con estos nuevos diseños se ven muy bien.
La banda sonora es espectacular, la introducción y el final, con imágenes y datos de nuestros superhéroes, es genial.

En cuanto a si ver la serie animada de los 90 antes que esta serie (cinco temporadas), la última es lo ideal, ya que esta es una continuación de aquella. No verla, no te perderías en la historia actual, ya que hay elementos que van dándote contexto de los hechos anteriores.

A la espera de la siguiente temporada.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Género: Acción Aventura, ciencia ficción, superhéroe
Creado por Beau De Mayo
Basada en Comics Marvel
Música temática: Haim Saban y Shuki Levy
Compositor: Los hermanos Newton
EEUU. Episodios: 10.
2024. 35 minutos aproximadamente.