lunes, 30 de septiembre de 2024

Hijas - Por Jackie O.

"Paternidad tras las rejas"


Sinopsis: Unas niñas proponen un baile especial entre padres e hijas, pero no es cualquier baile, sus padres están encarcelados por crimen que cometieron, y esto es una oportunidad como parte de un programa único en una prisión de Washington DC.

Cada país, o estado, tiene sus propias leyes y sistemas carcelarios. En esta oportunidad estamos en Washington, donde las visitas de familiares a los presos no se hacen, todo debe por fono, y pagado por los mismos familiares. Para algunos debe ser bueno, para que entiendan en el escarmiento; para otros, un atentado contra sus derechos humanos más básicos como el ser padre. Pero son las reglas.

Un día en un colegio se haría un baile de padres e hijas, pero una de estas niñas dijo que no podía, su padre estaba en la cárcel, así se corrió la voz, y cuatro niñas se unieron para que las ayudaran a crear este baile con sus padres encarcelados, por lo que se debatieron en diversos trámites, permisos varios, conversaciones con variadas personas, quienes podían ser aptos para este "premio", psicólogos, etc.

Así se creo este programa de paternidad, un baile, donde padres que no ven a sus hijas desde hace años volverían a abrazarlas. Niñas que no recordaban a sus padres, otras mayores algo los recuerdan. Se entrevistan a varias pequeñas, todas menores de edad, vemos y escuchamos a niñas de entre 5 a 16 años contarnos espontáneamente como sería ese encuentro. Vemos en la cárcel a estos padres vestidos de naranja en un grupo de apoyo, preparándose emocionalmente para el encuentro.

Hasta que llega el gran día.

Estanos ante un documental que puede generar diversas reacciones, algunos empatía por la emoción del reencuentro, y otros sentir nada, ya que deben cumplir su pena y no tener beneficios para que entiendan que no deben cometer delitos. Sea la opinión que sea, son válidas ambas. Pero todos necesitamos otra oportunidad y también el escarmiento.

En cuanto a su trabajo, la edición no fue constante y no la hacía interesante en su relato, siendo un trabajo en sí interesante.

Las entrevistas fueron buenas porque eran naturales, espontáneas ante la inocencia de estas chicas. Como las niñas que nos hacen saber cómo afecta la ausencia de su padre en sus vidas, con palabras simples y sinceras.

También se entrevista a algunos padres, y cómo algunos recaen una y otra vez en delitos, que nos hace pensar "¿esta actividad los hará reflexionar?".

Así también, vemos a madres cumplir los roles de mamá, papá y empleada para mantener un hogar.

Un documental con un buen tema para reflexionar, el cual pudo haber sido más impactante si se hubiera arriesgado a más, con más dureza y con más emocionalidad.

Queda en interesante.

Este trabajo se presentó en el Festiva de Sundance, en enero de 2024, y ganó el premio del público.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Daughters
Directoras: Natalie Rae y Angela Patton
Cinematography: Michael "Cambio" Fernandez
Edición: Troy Josiah Lewis y Adelina Bichis
Music: Kelsey Lu
2024. EEUU
107 minutos

sábado, 28 de septiembre de 2024

Robot Salvaje - Por Jackie O.

"El valor de ser familia"


Robot salvaje es una película animada basada en la serie de libros del mismo nombre de Peter Brown, el primero del año 2016.

Nos cuenta sobre Roz 7134, un robot diseñado para ayudar a los humanos con cualquier tarea.

Un día, este super robot llega a una isla que está en medio de la nada. Desafortunadamente no hay humanos, lo que deja a Roz sin "propósito". Sin entender nada del lugar, debe aprender de forma muy rápida los variados idiomas de las diversas especies animales de la isla, hasta que logra entenderlos; y luego de un incidente, logra salvar un huevo de ganso de un zorro llamado Fink. Y sin saber qué hacer, una comadreja le hace saber su actual maternidad. Roz finalmente tiene un propósito: ser la madre del ganso bebé y prepararlo para la próxima migración de invierno. Pero el pequeño ganso, llamado Brillo, a medida que crece, tiene problemas para encontrar su identidad y encajar en la bandada.

¿Podrá Roz, asumiendo este nuevo rol para ella, de madre, ayudar al pequeño Brillo a sobrevivir en un mundo lleno de depredadores, y que pueda encajar con el resto de su especie?.

Estamos ante una asombrosa película familiar, a la cual le lloverán las nominaciones en los próximos festivales, y por qué no, alguno que otro premio, pues su mensaje es acerca de variados temas, como la maternidad y la aceptación, de vivir en comunidad, y cómo debemos trabajar juntos, incluso con nuestros enemigos cuando nuestra supervivencia está en juego, siendo mensajes claros y potentes que nos involucran a todos, lo que la hace muy atemporal y disfrutable. Es algo que hay que visualizar.

La dividiremos en tres actos: el primer acto es conocer y aceptar, el segundo te inmiscuirá en el amor familiar y de amistad, y el tercero te tendrá atento ante la incertidumbre del futuro de sus integrantes, sus inspiradores actos de sacrificio y desenlace.

Una cinta con efectos de animación cálidos y atractivos, un guion al más estilo Ghibli para cautivar, que pasa de la ternura, a la comedia, al drama, y a veces con su toque de humor negro hace que no dejes de poner atención.

De forma muy inteligente, sabe mostrar ese lazo de amor maternal en medio de la adversidad que se puede generar entre seres distintos. Nos recuerda las familias actuales, esas fuera de las convencionales, y que antaño no eran aceptadas, esas donde no necesitas procrear para ser la mejor madre (o padre), que los amigos son un gran apoyo, y en donde nos enseña, además, a aceptarse a uno mismo y aprender a volar solo sin temor en la vida.

Una película recomendadísima.

Ficha técnica

The Wild Robot
Dirección y guion: Chris Sanders
Música: Kris Bowers
EE.UU. Año. 2024
Género: Ciencia ficción, aventuras, animación y drama
Productora: DreamWorks Animation

Robot Salvaje - Por Carlos Correa Acuña

DreamWorks Animation lo hace de nuevo. De la mano de Chris Sanders, quien también elabora el guion, nos presenta “The Wild Robot”, película animada basada en el libro del mismo nombre escrito por Peter Brown. La historia es tierna y emotiva. Comienza con el accidente de un transporte que lleva unidades robóticas de la empresa Universal Dynamics. Solo queda entera una de ellas, la 7134, pero en un entorno totalmente diferente a cualquier patrón programado, por lo que después de vanos intentos, decide forzar su modo “aprendizaje seguro”, y con ello desarrollar herramientas para poder comunicarse con la vida silvestre local.

En eso está, ensayo tras ensayo, error tras error, cuando, por casualidad, rompe un nido de ganso pero salva un huevo de las fauces de un pequeño zorro apodado Fink. Lo que viene a continuación sigue con el nacimiento de un polluelo -Brightbill- y un proceso continuo de experiencias y aprendizajes que remarcan los vínculos que se forman entre la unidad y la criatura, junto al acompañamiento, ya no como amenaza, del amigo Fink.

“Roz” es una máquina que está diseñada para hacer tareas básicas pero hay algo que sobresale en su concepto de servicio. Quiere ayudar siempre, estar al servicio de quien lo requiera, nada ve con maldad. Al contrario, es de una ingenuidad pasmosa, literal, de manual podríamos decir, por lo que cada situación adversa se suma como modelo de enseñanza. Hay una vocación especial en Roz, su deseo de mejorar, de poder ser útil y disponer de todas sus herramientas para cumplir cada uno de sus propósitos.

Estamos ante una bella fábula animada, una aventura llena de lecciones sobre la vida, sobre la convivencia, y también sobre la tolerancia. El punto central es la adaptación, quizá lo más difícil para los seres vivos, pero al mismo tiempo impensado para un robot que solo tiene algoritmos elaborados para optimizar su labor. Observar cómo se derriban los estereotipos y se ingresa a un terreno inexplorado descoloca, pero de una forma gradual, lo que permite empatizar con las situaciones y acompañar genuinamente el proceso.

No vale la pena adelantar nada de la historia, ni sobre los escenarios en los que transcurre la acción. Es necesario descubrir cada parte y seguir sus movimientos, para poder ingresar lentamente al significado de las conexiones de la mano de una figura tecnológica que, por momentos, tiene gestos más compasivos que los propios seres humanos.

Técnicamente sólida, la animación también está al servicio de la historia en su conjunto. Las voces en inglés son un lujo, con Lupita Nyong’o, Pedro Pascal y Kit Connor en los papeles principales, un gancho comercial, sin duda, pero también un regocijo para los oídos. La recreación de ambientes logra mezclar la modernidad del mundo robótico con la belleza de un entorno selvático, que funciona incluso mejor y más ordenado que cualquier otro ecosistema proyectado con otro tipo de patrones.

Qué importante es tener una buena historia. La premisa no solo es interesante, sino que además es muy actual. Estamos en una época marcada por la irrupción de la llamada “inteligencia artificial” y el creciente temor de la desnaturalización de las cosas y la deshumanización progresiva del mundo. Tenemos acá una forma lúdica de enfrentar algunas aristas del problema para provocar una reflexión transversal al respecto, que pueda ser comprendida por niños, adolescentes y adultos.

“Robot Salvaje” hace hincapié en lo fundamental de la existencia, en los vínculos, aquellos naturales y también en los que se generan por las condiciones especiales que se dan en diferentes entornos. Estas últimas conexiones no son espontáneas o automáticas. La mayoría de las veces deben ser buscadas y trabajadas adecuadamente para concretarse. Incluso los vínculos íntimos necesitan una buena cuota de decisión más que de emoción, porque bien sabemos que tal vez el desafío más difícil de los seres humanos, y probablemente su talón de Aquiles, viene a ser, justamente, la capacidad de relacionarnos con otras personas, construir lazos profundos y vincularnos con ellos emocional y afectivamente mientras somos capaces de adaptarnos a las circunstancias, sobrellevando situaciones adversas y escenarios complicados y difíciles.

Hermosa película, toda una revelación, recomendada para todas las generaciones. ¡No dejen de verla!

Ficha técnica

Título original: The Wild Robot
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: DreamWorks Animation, Universal Pictures. Productor: Dean DeBlois. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Animación. Ciencia ficción. Aventuras | Robots. Animales
Guion: Chris Sanders. Libro: Peter Brown
Música: Kris Bowers
Fotografía: Animación, Chris Stover
Dirección: Chris Sanders

viernes, 27 de septiembre de 2024

Gracias por Venir - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Tras la muerte de su padre y enterarse que perderá la casa en donde él y su familia han vacacionado por más de 25 años, Nancho junto a su familia buscarán la manera de sabotear la venta y lucharán por no perder el lugar el cual les pertenece, donde han formado recuerdos y momentos inolvidables. Pero el apego y la porfía de Nancho llevará a la familia a tomar decisiones drásticas.


Esta película del director Taiyo Yamazaki tiene buenas ideas. Producida por Cine UDD (Universidad del Desarrollo), la cinta quiere “retratar una dinámica familiar en verano”, en palabras del propio realizador, quien añade que ademas su trabajo posee momentos de verdad y evoca mucho a la nostalgia.

En general son cámaras fijas las que plasman cada escena. Dejar quieto un cuadro, con un enfoque fijo, permite que los personajes entren y salgan con naturalidad, creando dinámicas que parecen no ser intervenidas por ninguna producción. Asimismo, estos marcos estáticos logran crear la sensación de una ventana, a través de la que podemos observar escenas completas, casi como contemplando una obra de teatro. Como recurso, funciona muy bien, sin embargo su constante repetición y ausencia de sentido en muchas secuencias, debilitan el principal efecto que pretende conseguir.

Los problemas se presentan con mayor agudeza en el guion, debido a la presencia de lugares comunes que se suceden unos tras otros. Es cierto, se filma lo cotidiano, pero son necesarias, a mi modo de ver, razones más poderosas para filmar un asado, mirar las estrellas, observar un juego, o el sencillo traslado a la playa por la bajada de un camino rústico, para entregar valor al relato. Es un fiel reflejo de las dinámicas, sí, pero ¿qué tanto aporta ver a personas tomando alcohol en exceso, jugando en la playa, bañándose alegremente, descolgando la ropa, comiendo, o durmiendo después de una borrachera, si a aquello no se le nutre de una línea conductora que desencadene en algo más?

Un aspecto ausente en esta película es el referido a los nudos de conflicto. Digo ausente, porque no es que no existan, porque lo que representa el problema central se ve y se siente claro, sin embargo no progresa en la medida que el metraje avanza. Lo anterior provoca una cierta planicie narrativa, que se acrecienta con una débil construcción de personajes que no logran configurar personalidades que podamos recordar posteriormente. Hay excepciones, sí, como la tierna menor, pero no es suficiente. Si a lo anterior le sumamos que técnicamente el audio es deficiente al encontrarse muy desequilibrados los sonidos respecto a los diálogos, el cuadro resulta complejo para una película con una prometedora premisa inicial.

En síntesis, y para no ser demasiado duro o enfático, “Gracias por venir” se siente como un proyecto experimental, un Cine de sensaciones y momentos que intenta ser diferente con elementos que conocemos, propuesta que, lamentablemente, se queda a medio camino en su desarrollo. Como aspectos positivos, sin duda, quisiera mencionar la intención fílmica, la confección de escenas, y su “estilo retrato”, acciones que intentan no interferir las tomas con cámaras intrusivas sino, por el contrario, permitir un desarrollo amplio en todo sentido.

Taiyo Yamazaki da un primer paso con algunos tropiezos. Posiblemente con más experiencia y más recursos, el director pueda dar un salto importante, porque se percibe el concepto y el talento que hay detrás. Muchas veces, lo sabemos, no es fácil llevar aquello a la práctica por múltiples razones. Entonces, la consigna es seguir trabajando, pues sin lugar a dudas, el que la sigue, la consigue.

Ficha técnica

Título: “Gracias por venir”
Duración: 72 minutos
Género: Ficción, drama
País: Chile
Compañía productora: Cine UDD
Producción: Nicolás Heimrich Morales, Abbril Ayala
Guion: Taiyo Yamazaki, Cristóbal Acevedo
Dirección de fotografía: Piero Bravo
Dirección de arte: Pedro Roca
Montaje: Antonia Quiroz Bruce
Sonido: Cristóbal Acevedo
Elenco: Daniel Candia, Alejandra Yañez, Igor Cantillana, América Navarro, Roberto Villena, Daniela Fredes, Alejandro Trejo
Director: Taiyo Yamazaki

Carnada - Por Juan Pablo Donoso

El título y el afiche adelantan el drama que nos espera.

Cuando el olfato de un tiburón le avisa que en el agua hay chapoteo, olor a sangre y orina, desde hace millones de años sabrá que hay comida para él. Por lo tanto, es inocente.

¿Serán culpables las cinco muchachas amigas que salieron a pasear en una lancha que se les hundió? Tampoco. Por lo tanto, fue un accidente.

¿Cuál es, entonces, el conflicto de esta involuntaria tragedia? Ninguno, ya que sus personajes carecen de un antagonista racional y responsable.

Luego, solo nos queda presenciar cómo el escualo se alimenta de las aterradas muchachas, una por una. En cuanto al naufragio, eso es todo.

En lo humano, con motivo de una próxima boda, hay un intento de reconciliar a dos amigas lesbianas que, tras un asalto homófobo de años atrás, se habían enemistado.

A fin de cuentas, ¿qué nos quiere decir esta película de bajo presupuesto y sangriento guion? Que las personas seguirán chapoteando felices en las playas, que los accidentes fortuitos ocurren, que los tiburones necesitan comer, y que las lesbianas también tienen derecho a casarse aprovechando una fastuosa ceremonia.

A diferencia de otras catástrofes donde el peligro proviene de elementos telúricos o animales irracionales, el conflicto proviene de algún antagonista humano (o humanoide) capaz de pensar y tomar torpes o perversas decisiones.

SUSPENSO Y MORBO COMERCIAL PARA VER EN TV A FALTA DE MEJORES OPCIONES. TRILLADA Y POCO NOVEDOSA.


Ficha técnica

Título Original: Something in the Water
2014 Suspenso, sobrevivencia - EE.UU., Francia, Inglaterra - 1,26 hrs. 
Fotografía: Niels Reedtz Johansen 
Edición: Pani Scott 
Música: Nainita Desai, Harry Peat 
Diseño Prod.: Claire Fleming Guion: Cat Clarke 
Actrices: Lauren Lyle, Hiftu Quasem, Natalie Mitson 
Dirección: Hayley Easton Street

jueves, 26 de septiembre de 2024

Carnada - Por Carlos Correa Acuña

¿Cuántas películas de tiburones atacando bañistas o náufragos hemos visto? Bastantes, ciertamente. “Algo en el agua” pareciera ser una más, pero ¿hay algo que la distinga y que merezca que le demos una oportunidad? Veamos.

Cinco amigas se reúnen en una paradisíaca isla. El motivo es celebrar la boda de una de ellas, por lo que el escenario resulta perfecto para compartir y divertirse. El tema es que dos de ellas llevan un año sin verse ni hablarse. Meg -Hiftu Quasem-, y Kayla -Natalie Mitson-, eran pareja hasta que un incidente grave las separó irremediablemente. Sus amigas, muy preocupadas, piensan que lo mejor es juntarlas para que puedan conversar y superar lo acontecido. El lugar promete ser ideal, y probablemente lo sea. La situación también, porque festejar el amor siempre viene bien. Sin embargo, el punto de inflexión viene por parte del descuido y también de la falta de previsión. Hacer un mini tour en una embarcación destartalada a una pequeño lugar desolado, sin señal de celular, y también aislado del mapa de protección del sector, configura un escenario que, con el correr de los minutos, se transforma en un verdadero suplicio. ¿Podrán sobrevivir? ¿Todas? ¿Cuántas de ellas? ¿Ninguna?

Como en todas las películas de este subgénero, la trama es bastante predecible, y sabemos desde ya varias cosas, como por ejemplo que hay tiburones en el agua. Por lo tanto, y no es spoiler ni nada que se parezca, tenemos claro que los escualos atacarán a nuestras protagonistas. Entonces las preguntas cambian. ¿Cuándo aparecerá el primero? ¿A quién atacará? ¿De qué forma? No voy a responder las interrogantes para dejar algo de suspenso, porque todo ello comienza pasados los veinte minutos de metraje.

Otro aspecto sobre el que nos preguntamos es el orden de los factores, es decir, quién va quedando en el camino y quiénes para el final. En este sentido, la película es lógica y sigue la premisa con la que introduce la historia sin innovar ni modificar nada, por tanto cumple perfectamente con lo esperable. Hasta ahora, manual de estilo seguido punto a punto, letra a letra.

¿Habrá algo más? Poco, muy poco, pero tratemos de sacarle punta a tres puntos que podrían darnos una pista y hacernos tomar una decisión. El primero, y mejor, es la filmación. Buen trabajo de Niels Reedtz Johansen para todas las escenas en el mar, verosímiles, creíbles, con una cámara en mano que se sumerge con las protagonistas y que da la sensación de estar en el mismo lugar. Segundo, el no abuso de los ataques y de las heridas. Aunque algo exageradas y poco creíbles, esas escenas están bastante acotadas, lo necesario para cumplir con la cuota de sangre y también con lo que mayormente pide la audiencia en una película de este tipo.

Dejo para el final el tercer punto, que es el eje de la historia, la relación de Meg con Kayla. Sin duda, eventos traumáticos suelen alejar a las parejas, pero también pueden ser un catalizador para unirlas con más fuerza. Algo de esto intenta tejer esta cinta, con escaso éxito eso sí, pero al menos lo propone. Si al comienzo vemos la introducción descolgada, en el tercio final observamos el correlato, y aunque debamos poner bastante de nuestra parte para intentar el rescate, al menos no nos quedamos totalmente con las manos vacías. Se percibe el deseo de no ser una película más, sino la de usar una excusa para dar cuenta que, finalmente, las relaciones no deben depender de eventos externos, sino que deben valorarse en sí mismas, como un largo continuo no exento de inconvenientes ni de problemas.

Ficha técnica

Título original: Something in the Water
Año: 2024
Duración: 86 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Studiocanal, Dan Films
Género: Thriller. Terror | Tiburones. Amistad. Bodas
Guion: Cat Clarke
Música: Nainita Desai, Harry Peat
Fotografía: Niels Reedtz Johansen
Reparto: Hiftu Quasem, Lauren Lyle, Natalie Mitson, Nicole Rieko Setsuko, Gabriel Prevost-Takahashi, Ellouise Shakespeare-Hart, Laura Costa
Dirección: Hayley Easton Street

Gracias por Venir - Por Jackie O.

“Lazos familiares”


Sinopsis: La trama gira en torno a Nancho, quien, tras el fallecimiento de su padre y recibir la noticia de que perderán la propiedad donde su familia ha vacacionado por más de 25 años, decide sabotear su venta. Donde el apego emocional de Nancho, los llevará a tomar decisiones drásticas para intentar salvarla.

La primera cinta de este joven director, nos trae una trama si mayores pretensiones, solo evocar con nostalgia lo que serían unas vacaciones de gente que no le importan las comodidades, sino que compartir en familia y mantener vivo los buenos recuerdos.

Nancho, su mujer, sus hijos y nieta, han viajado por 25 años a la playa, a la casa familiar, donde vive su padre, y este año no era diferente, salvo que estando todos juntos el abuelo muere. La situación provoca no solo la pena de la familia, sino que la angustia al enterarse que el tío de Nancho va a vender la propiedad, porque una inmobiliaria está dando buen dinero por todos los terrenos para construir un hotel. Pero Nancho y su familia se unen para, de alguna forma, hacer que el tío cambie de opinión y no venda, que va en agasajarlo con atenciones hasta llegar a la discusión.

La cinta nos lleva a un espacio familiar, vemos la cotidianidad de una familia muy común, de lenguaje y aspecto corriente, donde se ve una unión ya que comparten espacios, conversaciones y curiosamente, tan solo se menciona en una oportunidad un aparato tecnológico, ya que están totalmente alejados del teléfono, algo que hoy en día nos atrapa a todos. Solo disfrutan el momento de descanso en el sector playero. Pareciera una cinta ambientada hace muchos años, donde la fogata, el canto, los chistes, era la entretención, pero es actual, y eso nos invita a rememorar los buenos momentos en compartir.

También tenemos una dualidad que se vive mucho que es todos aquellos recuerdos que quieren que sigan prosperando en un terreno familiar, versus los avances inmobiliarios y el desprendimiento de lo material.

En cuanto a las actuaciones, estamos ante pocos actores, los mayores conocidos, y los jóvenes, nuevos talentos, lo cual hace que no sean del todo memorables. La ambientación es simple, pero cálida, se supo dar el toque hogareño y lo que se quiere reflejar con la cinta, que es lo familia y los recuerdos, con una agradable fotografía.

Una cinta simple, que nos lleva a enfocarnos en lo importante de la unión familiar, donde es bueno tener recuerdos, pero más que materialmente mantenerlos, es importante llevarlos en la mente y el corazón.

Ficha técnica

Título: “Gracias por venir”
Director: Taiyo Yamazaki
Género: Ficción, drama
Guion: Taiyo Yamazaki, Cristóbal Acevedo
72 minutos. Chile. 2024
Montaje: Antonia Quiroz Bruce
Sonido: Cristóbal Acevedo
Elenco: Daniel Candia, Alejandra Yañez, Igor Cantillana, América Navarro, Roberto Villena, Daniela Fredes, Alejandro Trejo

miércoles, 25 de septiembre de 2024

La Gran Exclusiva - Por Carlos Correa Acuña

Bajo la dirección de Philip Martin, esta cinta nos involucra en un juego de poder y periodismo que podría resultar peligroso. Sam McAlister -Billie Piper-, y Emily Maitlis -Gillian Anderson-, persiguen una entrevista que podría poner al príncipe Andrew -Rufus Sewell.-, al centro de un gran escándalo. Desde los primeros instantes, la tensión se hace notar; cada negociación viene a ser un pequeño paso que parece conducir al momento que pondrá en jaque a la realeza británica. La película explora, con ritmo tenaz, cómo el peso del poder puede comenzar a quebrarse ante una pregunta bien formulada frente a una cámara de Televisión.

Algo interesante en “Scoop”, es el aspecto formal de la ya famosa entrevista, la que lejos de ser una simple conversación, se transforma en un conjunto de escenas de gran tensión en la que el príncipe, con aires de superioridad, no solo se revela a sí mismo, sino que también deja entrever fallas en un sistema que se pensaba impenetrable. Con cada pausa incómoda, con cada balbuceo, la caída asoma como algo inevitable. Los espectadores, entonces, nos vemos atrapados en una espiral de incertidumbre y nos preguntamos a cada momento si la verdad prevalecerá o si será absorbida por las oscuras sombras del poder.

Quizá lo mejor de esta película corresponde a sus actuaciones. Cuando el nudo central es si la entrevista se va a conceder o no, o si el material que se grabe podrá salir a la luz pública sin ser censurado, tal vez aquello no alcance para provocar el nervio suficiente para sostener un relato de casi dos horas, más aún tomando en cuenta que la historia la conocemos, sabemos el final, y ese es justamente el gran enganche de la cinta. Pues bien, es allí donde el peso actoral adquiere un rol fundamental. Contar con Gillian Anderson, Rufus Sewell, y Billie Piper, en los papeles principales, aporta solidez para crear la tensión que el metraje necesita para llegar firmemente a buen puerto. Son los gestos, las miradas, los tonos de voz, y las pausas -de Anderson, en particular, ¡y con qué dicción!-, las que construyen el hilo fino al interior de una composición que va creciendo casi sin que nos demos cuenta.

“La Gran Exclusiva” funciona como película de nicho, probablemente. Las intrigas de Palacio y los vericuetos de la prensa, a veces se ven distantes para la opinión pública en general. Eso, hasta que escándalos de proporciones remecen la esfera social y ponen en entredicho todo lo que pensábamos que tenía una formulación diferente. Cuando las cosas turbias se destapan, cuan olla de grillos, no queda más que afirmarse, porque, ya está dicho: ante tamaños hechos, y a confesión de partes, relevo de pruebas. Afírmense todos, pues es probable que no quede títere con cabeza.

Ficha técnica

Título original: Scoop
Año: 2024
Duración: 103 minutos
País: Reino Unido
Compañías: The Lighthouse, Voltage TV. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Basado en hechos reales. Periodismo. Entrevista
Guion: Peter Moffat
Música: Anne Nikitin, Hannah Peel
Fotografía: Nanu Segal
Reparto: Gillian Anderson, Keeley Hawes, Billie Piper, Rufus Sewell.
Dirección: Philip Martin

Gracias por Venir - Por Juan Pablo Donoso

“La Patria es el paisaje de la infancia”. Gabriela Mistral

Una hermosa y sobria película chilena. En apariencia banal y poco llamativa, pero con un fondo sensible y una sorprendente madurez en los símbolos que oculta.

Minimalismo natural y espontáneo.

Tomas largas, reposadas, pero elocuentes. Permiten ambientarse y observar los paisajes con calma.

Bello tratamiento del color, con tonos pasteles, cuya falta de estridencia coincide con el carácter tranquilo y la condición social de sus personajes.

Se nota la mano de origen japonés de su joven director Yamazaki.

Aunque parecen casuales, todos los elementos de utilería cumplen con un propósito para el fondo del argumento.

Bien trabajadas las acciones en diversos planos de profundidad, tanto en la fotografía como en la ubicación de los actores en cada secuencia.

Trata de los recuerdos de juventud y de las tristes decisiones que debemos tomar.

Invitación a la inevitable conformidad que nos impone el avance del tiempo y el progreso.

La familia visita al abuelo que vive en Yeco, balneario al norte de Algarrobo, en la casa donde sus hijos y nietos siempre han veraneado. La súbita muerte del anciano justifica el título del filme. Partió de este mundo tras la alegría de verlos reunidos, y de entregar una poética lectura a su nietecita menor al contemplar juntos una estrella fugaz.

El drama vendrá cuando un tío, propietario del sitio, les comunique la necesidad de vender la propiedad a una empresa constructora.

El dolor de la noticia repercutirá en la nostalgia de Nancho, el padre de familia, generándole un exabrupto de irracionalidad. Mientras que para su hijita menor, será un paso de madurez espiritual. Aferrada a las cenizas de su amado abuelito, seguirá comunicada con él para siempre por medio de las estrellas fugaces.

Relato en apariencia cotidiano que esconde valores simbólicos de unión familiar, recuerdos de infancia, nostalgia de dichas pasadas, y de trascendencia amorosa instalada para siempre en las estrellas inamovibles del firmamento.

Admirable producto creativo de la Escuela de Cine de la Universidad del Desarrollo (UDD) de Chile.

ÍNTIMA, SERENA Y ENTRAÑABLE.MÁS PROFUNDA DE LO QUE PARECE.

Ficha técnica

2024 - Drama poético y familiar Chile - 1,12 hrs. 
Fotografía: Piero Bravo 
Edición: Antonia Quiroz Bruce 
Diseño : Pedro Roca 
Guion: Taiyo Yamazaki, Cristóbal Acevedo 
Actores: Daniel Candia, Alejandro Trejo, Alejandra Yañez, Igor Cantillana, América Navarro, Roberto Villena, Daniela Fredes
Director: Taiyo Yamazaki

Festivales: 
- Buenos Aires Province International Film Festival (FICPBA) 
- ExGround International Film Festival - Premiere Europea - Premiere Mundial

martes, 24 de septiembre de 2024

Se Presume Inocente - Por Jackie O.

“Secretos y engaños”


Rusty Sabich es un exitoso Fiscal, mano derecha del Fiscal de Distrito Raymond Horgan, quien este último está en plena campaña para ser nuevamente elegido, en donde repentinamente se ven enfrentados a un nuevo crimen, el de una colega.

Basado en la novela publicada en 1987 de Scott Turow, y que en el año 1990 se adaptó en una película dirigida por el gran Alan J. Pakula, protagonizada por Harrison Ford, Bonnie Bedelia, y Raúl Julia, entre otros, nos encontramos ahora con una adaptación hecha miniserie.

Pero sabemos el desenlace de la historia producto de aquél libro, o de aquella película que se adaptó casi fielmente al libro, entonces, ¿qué nuevo o sorprendente nos puede traer esta historia?

Estamos ante una cinta en donde el guionista echó a correr su imaginación incorporando más personajes, más historias y por ende más dramas, con el fin de justificar la extensión de la historia desarrollada en diversos capítulos. Pero el final... ahí no sabes si se dejará guiar por lo que ya sabemos, entonces si es así debe sorprendernos igual, o, traernos un giro inesperado.

Rusty, interpretado por Jack Gyllenhaal quien no necesita mayor presentación, tiene todo a su favor, una bien constituida familia feliz, un trabajo donde tiene el respeto y confianza que merece, estabilidad económica, incluso una amante. Pero un día, esta amante, quien resulta ser su colega, es encontrada muerta de una forma muy brutal. Y lamentablemente la vida de este exitoso abogado se desmorona, porque resulta ser el primer sospechoso. Así parte la pesadilla de este hombre, donde se van conociendo detalles de los otros participantes de esta obra con sus secretos, engaños, soledad, poder, y más, que van envolviéndonos en los primeros capítulos.

El hecho de incorporar más personas y más trama hace que las sospechas se extiendan en más personas, pero acá hay un punto negativo, donde no todas las actuaciones estuvieron buenas. Por ejemplo, los hijos adolescentes del protagonista no fueron bien aprovechados, la esposa, interpretado por Ruth Negga, a quien recuerdo como excelente actriz en especial en “Loving”, acá me pareció poco creíble su rol, era más bien apagado y cero química con su esposo Rusty. También mis reparos con la difunda Carolyn, faltó ver a esa mujer ambiciosa dispuesta a todo por conseguir sus propósitos o tipo femme fatal que obsesionó a Rusty. A diferencia de Peter Sarsgaard, quien se toma el papel del Fiscal Tommy Molo. Me pareció excelente su interpretación, traspasando ese ego herido, soberbia y ansias de poder a toda costa. El guion nos va atrapando en los primeros capítulos con este thriller legal que va decayendo de a poco, donde contribuyen buenas y más o menos interpretaciones, como señalé, donde los personajes femeninos principalmente, no están bien desarrollados. En cuanto al lenguaje legal utilizado, está bien tratado y lo hace interesante.

Jack sabe cómo mantener el ritmo con esa actitud de desmoronamiento, donde proyecta esa dualidad de querer recuperar a su familia y salvar también el honor de su amante.

La escenografía está bien realizada, ya que presenta una paleta de colores fría para sumergirnos en este misterioso dilema.

Al final… al final sabemos quién es la persona que mató a Carolyn resultando para mí un final poco intenso, es decir, no logró cautivar su forma.

Una historia que nos lleva a diversos temas donde el principal no solo es un asesinato, sino el engaño, vivir mintiendo no lleva a buen puerto y arrastra una serie de otras malas decisiones. Lo otro que se menciona es el valor de la familia, el respeto a las personas, los egos, la envidia, la justicia, y la lealtad.

Una miniserie a la cual le habría quitado un capítulo, pero de todas formas es una interesante miniserie de drama judicial.

Disponible en Apple TV.

Ficha técnica

Presumed Innocent
Género Thriller legal
Creado por David E. Kelley
Protagonizada por Jake Gyllenhaal, Ruth Negga, Bill Camp, O-T Fagbenle, Chase Infiniti, Nana Mensah, Renate Reinsve, Peter Sarsgaard, Kingston Rumi Southwick, Elizabeth Marvel
8 capítulos. Año 2024


lunes, 23 de septiembre de 2024

La Sustancia - Por Carlos Correa Acuña

La propuesta de la guionista y directora Coralie Fargeat resulta ser provocativa, visceral y hasta un poco delirante. Visualmente no es sencillo acercarse a esta pieza. Es cruda y por muchas razones.. Si hay películas donde capas entretejidas solo dejan entrever lo que existe más adentro, este filme no oculta nada desde un comienzo. Al contrario, acá lo explícito busca ser chocante, crear conmoción y finalmente movernos en los asientos. La tensión y algunas imágenes desgarradoras me tenían doblado casi sin darme cuenta, atrapado por un cuadro escénico profundamente perturbador, que no suelta por cerca de 140 minutos.

Vamos a su temática, porque la premisa es realmente interesante. Una celebridad cae en desgracia cuando es despedida de su trabajo por cumplir 50 años. Siendo instructora de fitness en televisión, Elisabeth Sparkle -Demi Moore-, ve cómo su jefe decide que es tiempo de cambiar, de desechar el modelo antiguo y buscar uno nuevo, más joven y atractivo. Esas circunstancias la llevan a probar una nueva droga promocionada en el mercado negro, una sustancia que replica las células y que crea temporalmente una versión más joven y mejor de sí misma. Lo que no se sabe, o tal vez esté en la letra chica, es que este uso -y abuso- tiene demoledores efectos secundarios.

Ganadora del Mejor Guion en el pasado Festival de Cannes, “La Sustancia” no se queda corta en las denuncias que explicita. El mensaje es claro, conciso y preciso: ante la angustia del paso del tiempo, bienvenida cualquier fórmula que prometa devolver la preciada juventud. Pero no es solo eso, hay entornos abusivos, contextos opresores, y una autoexigencia imposible de sobrellevar. “Juventud, divino tesoro” es una frase que hemos escuchado muchas veces, pero ¿y si se pudiera cumplir una promesa como la que se presenta en esta película? ¿Cuántas personas no harían lo imposible por hacerse de un producto que les devolviera los mejores años, sin pensar ni un segundo en las consecuencias?

Para un análisis más exhaustivo debemos separar lo visual de lo conceptual. La capa externa que ofrece Coralie Fargeat es compleja y seguramente a muchas personas podría impedirles entrar al meollo del asunto. Pieles sensibles se pueden ver vulneradas por imágenes fuertes y sin filtro, que arropan un hilo delgado que se despliega bajo la epidermis, un fino aliento que da vida a uno de los mayores temores del ser humano y que tiene que ver con la vida, con el paso del tiempo, la decadencia y, finalmente, la autoestima. El mayor daño de la protagonista es el golpe duro al amor propio, una inconformidad física manifiesta, cuyo punto neurálgico se traspasa a todos los ámbitos de su vida.

Demi Moore como Elisabeth configura un papel estupendo. Aparte de sus dotes físicos, porque en ella el tiempo parece haberse detenido, la profundidad que entrega a su personaje es muy potente. No solo vivimos su transformación, la sentimos, la acompañamos y también la juzgamos. Es un rol hecho para ella, con todas las líneas claras y también con sus límites, los que son traspasados, una y otra vez, en una espiral que crece sin cesar. Margaret Qualley, como Sue, su otro yo, es también deslumbrante. Tenemos que recordar que ambas mujeres son una, para no disociar lo que cada una hace durante los siete días que ambas alternan en su aparente vida normal; es decir son sus “alter ego”, de manera que las decisiones de una afectan inevitablemente a la otra. Excelentes papeles, complementarias, duales, y también antagónicos, en un ir y venir desatado que crece como bola de nieve. La contraparte masculina es una caricatura diabólica desde su primera escena. Dennis Quaid no debe esmerarse mucho para ser el convidado de piedra, una figura que solo aumenta los malos humores y degrada la condición masculina a niveles que están mucho más abajo que el subsuelo.

¿Qué es “La Sustancia”? ¿Una obra de arte, un despilfarro, o una sentida denuncia de los estereotipos vigentes en los tiempos actuales? ¿Es, acaso, un enfrentamiento con nosotros mismos? ¿Es extrapolable lo femenino que se presenta a lo masculino que existe entre líneas? Porque ojo, los otros personajes masculinos que aparecen son prototipos perfectos, delineados y esbozados con sutileza, pero también caricaturas al fin y al cabo. No se libra nadie de la pluma de la escritora, porque si se trata de declarar incomodidad, eso es lo que en verdad consigue.

Estamos ante una interesante película para debatir en profundidad. Insisto que debemos pasar varias capas para poder llegar al centro y eso es algo que a veces es difícil de conseguir. Sé de personas que no pudieron mirar mucho, y de otras que quitaron la vista en muchos momentos de la cinta. Pero no es lo visual lo trascendente, es lo que está adentro lo que finalmente más impacta. Hasta qué punto lo externo, o aquello que queremos aparentar, toma el mando. O, visto desde otra perspectiva, lo que presiona hacia lo nuevo, hacia lo fresco y jovial, aquella fuente primigenia de lo más inexplorado e inocente, lo que finalmente nos sustrae de la esencia básica del ser humano que es, primero, aceptar quienes somos, para luego conseguir nuestra mejor versión en base a la maduración y a la experiencia, algo que nada tiene que ver con atributos físicos ni prototipos de belleza.

Para terminar, porque no quiero extenderme mucho más, algunos puntos para reflexionar. “La Sustancia” es difícil de ver, incómoda y disruptiva. ¿Tiene mérito solo por eso? Claramente no, porque no se trata de elaborar algo que rompa los cánones y decir misión cumplida. Acá hay algo más, hay denuncia, y, principalmente, una alerta que no es nueva pero que vale la pena recordar una y otra vez y que tiene que ver con la propia valoración y los espejismos. Es difícil sustraerse a la opinión pública y a los modelos, pero si no luchamos, en buena lid, la existencia puede pasar a ser un suplicio de principio a fin. Llamados de atención desgarradores como este, aunque tormentosos, nos deben recordar, siempre, que debemos volver a nuestra esencia, a lo que está en nuestro interior, y de lo que debemos sentirnos siempre orgullosos. Nada externo define nuestra mejor versión, aquello está en nosotros.

Ficha técnica

Título original: The Substance
Año: 2024
Duración: 140 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Francia; Universal Pictures, Working Title Films. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Ciencia ficción. Terror. Drama | Body Horror
Guion: Coralie Fargeat
Música: Raffertie
Fotografía: Benjamin Kracun
Reparto: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid
Dirección: Coralie Fargeat

viernes, 20 de septiembre de 2024

Argylle - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV+.

Argylle, propuesta del director Matthew Vaughn, nos introduce en el fascinante mundo del espionaje internacional. Protagonizada por un elenco que incluye a Henry Cavill, Bryce Dallas Howard, Sam Rockwell, Bryan Cranston, Samuel L. Jackson y Emilia Clarke, la película tiene un poco de todo: acción, intriga y también un toquecito de humor negro.

Vaughn, a quien conocemos por la franquicia “Kingsman”, filma con un estilo dinámico que logra crear una experiencia atractiva visualmente. La película tiene muchas secuencias de acción, algunas trepidantes y otras más convencionales, desde persecuciones en coche hasta tiroteos en lugares bastante exóticos.

El guion, escrito por el mismo Vaughn y John Hodge, está basado en una novela gráfica aún no publicada, y la historia que representa sigue a Argylle, un agente secreto altamente calificado que sufre de amnesia. A medida que recupera la memoria, Argylle debe descubrir quién lo quiere muerto. Y, sobre todo, por qué.

Las actuaciones resultan más simpáticas que impactantes, con limitaciones en términos emocionales. Cavill, como Argylle, es carismático, y a la vez transmite la vulnerabilidad de un hombre que ha perdido identidad. Dallas Howard, como una agente del MI6, aporta talento para la comedia y la acción, mientras que Rockwell, Cranston y Jackson añaden experiencia y prestancia al elenco.

La narrativa de esta cinta es extraña. A pesar de ser ágil, puede resultar por momentos confusa. Los numerosos personajes y subtramas podrían llegar a abrumar al espectador, y con eso dificultarle la comprensión del hilo conductor de la historia. Además, la duración de dos horas y media y el ritmo casino en varios puntos, son dos elementos que juegan en contra de la tensión necesaria para no dejar esta película a medio camino.

“Argylle” funciona, sí, medianamente, como un thriller de espionaje con pequeñas dosis acción. Algunas secuencias son luminosas -más que nada el inicio vibrante-, las actuaciones agradables -díganme que ver a Bryan Cranston no es siempre interesante-, y el estilo visual es bastante llamativo. No obstante lo anterior, el enrevesado metraje junto con una duración excesiva, a mi modo de ver, restan puntos a esta película, aunque, sin pedirle demasiado, Argylle pueda resultar una opción válida para pasar una tarde entretenida.

Ficha técnica

Título original: Argylle
Año: 2024
Duración: 139 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Marv Films, Apple Original Films, Apple Studios, Cloudy Productions. Distribuidora: Universal Pictures, Apple TV+
Género: Thriller. Acción. Comedia | Espionaje
Guion: Jason Fuchs. Novela: Ellie Conway
Música: Lorne Balfe
Fotografía: George Richmond
Reparto: Bryce Dallas Howard, Sam Rockwell, Bryan Cranston, Catherine O'Hara, Henry Cavill, Dua Lipa, Ariana DeBose, John Cena, Samuel L. Jackson.
Dirección: Matthew Vaughn

La Sustancia - Por Jackie O.

"La esencia de lo que somos"


Elisabeth Sparkle, famosa por un programa de aeróbic, se enfrenta a un golpe devastador en su 50 cumpleaños, cuando su jefe la despide. En medio de su angustia, un laboratorio le ofrece una sustancia que promete transformarla en una versión mejorada de sí misma.

El miedo al fracaso, mantenerse en un trabajo exitoso, ser admirado, ser bello, ser joven, ser la mejor versión de uno. Quererlo no es malo, pero la obsesión sí.

Sparkle tiene una estrella en el paseo de la fama, un exitoso programa de aeróbic, es bella; pero su jefe, un sujeto grotesco, sin escrúpulos, la encuentra vieja, y sin un presente ni futuro prometedor, y la despide sin ninguna excusa, ni gentileza.
Una vieja de 50. Cuando ella está en su mejor versión de sí misma, solo que ella tampoco lo sabe.
Solo sabe que fue despedida por una persona que la hizo ver y sentir de lo peor, y eso no se lo puede quitar de su mente, lo piensa en cada momento, ni siquiera se detiene a reinventarse, a buscar otra forma de vivir. No, era el programa de aeróbic o nada, más cuando recuerda su menoscabo brutal por el productor
que no se concentra, y eso la hace tener un accidente, accidente en que no sufre ninguna contusión y eso le llama la atención a un enfermero. Ahí comienza esta pesadilla.

Estamos ante una película que es un grito de falta de amor propio, de una mujer que se odia, que no está conforme consigo misma, que busca algo que ya tiene y no se detiene a descubrir, que no desea reinventarse, que saca su otro yo más siniestro. ¿Pero, es ese otro yo el siniestro, o es ella misma en su interior el monstruo que se carcome?

Como Dorian Gray, quiere mantenerse joven como hace 30 años, y por siempre así. Estamos ante una Dr. Jekyll y su Mr. Hyde, pero no sabemos cuál es cuál, porque son una misma.
Con recursos visuales grotescos, exagerados y brutales, que puede "ser mucho", y no lo es, porque es la exageración la que nos remece; con protésicos y maquillajes nos estremecen en esta triste historia, sí, triste ante la falta de amor propio de gente que se menoscaba a sí mismo; ante la crueldad de personas que menoscaban a otras, y en este caso está personificado en este productor de TV, Harvey (que curioso nombre para esta historia), el guión fabuloso para hablar del mercado negro que ofrece múltiples salvavidas pasajeros, de la soledad, una historia oscura, cruel, violenta, absurda y satírica sobre la avaricia, la fama, el proceso de envejecimiento y, por ende, muy humana.

Demi Moore está espectacular, digna de premios y nominaciones a próximos festivales, así como Dennis Quaid, quienes no requieren mayor presentación por sus innumerables roles, o incluso Margaret Qualley, quien no hace mucho me sorprendió con su interpretación en "Maid", está digna de destacar. Un trío que se come la pantalla, como la cruel y retorcida historia de vida de estas mujeres.

La directora no solo toma referencias literarias como Gray o Dr. Jekyll, sino que podemos recordar cintas como "El Hombre Elefante", "Carrie", o "La Mosca" en su narrativa, para así sumergirnos en esta locura.
Una cinta profundamente inquietante, dentro de lo mejor que se ha presentado cinematográficamente este año, con una gran dirección. Movimientos de cámaras espectaculares para encuadrar una repulsión que nace del ser, y efectos de sonido que acompañan muy bien.

Una historia para reflexionar, porque la belleza no debe ser dolorosa.

Ficha técnica

The Substance
Guion y dirección: Coralie Fargeat
Cinematografía: Benjamín Kracun
Edición: Coralie Fargeat, Jerome Eltabet y Valentín Ferón
Música: Raffertie
140 minutos
Reino Unido y Francia
2024. Terror, body horror, drama

miércoles, 18 de septiembre de 2024

No Hables con Extraños - Por Carlos Correa Acuña

Este remake de la película danesa de 2022 del mismo nombre, dirigida por James Watkins, es una verdadera danza macabra, algo que funciona solo como alusión y pues no tiene nada que ver con el Poema Sinfónico de Camille Saint-Saëns. A primera vista, todo parece ser un juego de sonrisas, pero bajo la superficie existe una violencia tácita enérgica que espera el momento adecuado para emerger. Es como una tormenta que se siente en el aire antes que caiga la primera gota. Watkins nos sitúa en una casa rural, apartada y fría, donde las reglas del comportamiento civilizado parecen no existir y todo se vuelve mortal. Es la incomodidad convertida en imágenes, en las que lo que no se dice es mucho más aterrador que cualquier escena brutalmente explícita.

El guion está lleno de matices y ninguno resulta inocente. Lo que comienza con pequeños comentarios desubicados, o socialmente desadaptados, se convierte en una orquestación de tensión sostenida que nos deja casi sin respiración. Watkins, y sus coescritores Christian Tafdrup y Mads Tafdrup, saben que el verdadero terror no está en lo grotesco, sino en lo cotidiano. ¿Quién no ha sentido alguna vez la presión de mantener la calma en una situación incómoda, incluso cuando todo indica que algo está mal? Aquí, la amabilidad se transforma en una trampa mortal. En el fondo, el filme parece preguntar hasta dónde podemos aguantar antes de quebrarnos.

James McAvoy, como el inquietante Paddy, es el centro de la tormenta. Hay algo en sus miradas, una chispa de locura apenas contenida, que hace que incluso sus torpes bromas parezcan amenazas veladas. Junto a él, Mackenzie Davis da vida a Louise, una madre que se ve cada vez más sumisa a medida que la realidad de su situación la golpea. Las interpretaciones son también un juego de máscaras, en el que los actores se despojan lentamente de sus personajes hasta dejarnos ver el abismo que hay debajo. Scoot McNairy como Ben Dalton, y Aisling Franciosi como Ciara, añaden al cuarteto protagónico los complementos necesarios para acrecentar las sensaciones de intranquilidad, las que son aún más palpables en Alix West Lefler y Dan Hough, quienes interpretan con mucha verosimilitud a los hijos menores de ambos matrimonios.

Visualmente, la película es como un cuadro teñido de gris. La fotografía juega con luces y sombras dibujando un paisaje donde la serenidad puede ser tan peligrosa como cualquier forma monstruosa. Watkins no necesita abusar de efectos; el verdadero truco es cómo logra que la incomodidad inunde cada rincón de la pantalla. Los sonidos, o la ausencia de ellos, crean una coreografía en paralelo. Con cada crujido y cada respiración retenida tenemos un recordatorio sobre algo oscuro que se aproxima.

Más allá de cualquier horror, la película es una advertencia sobre los peligros de ignorar nuestra voz interior. ¿Cuántas veces el instinto nos ha dicho que huyamos, pero lo políticamente correcto nos ha hecho quedarnos? En “Speak No Evil”, la duda puede ser mortal. El mensaje es claro: no hay espacio para la cortesía cuando está en juego la supervivencia. Es en ese cruce entre lo humano y lo monstruoso donde esta cinta encuentra el verdadero mensaje, porque, al final, ¿quién es más aterrador, el asesino que muestra quién es verdaderamente, o el que se esconde detrás de una agradable sonrisa?

Ficha técnica

Título original: Speak No Evil
Año: 2024
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Blumhouse Productions, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Terror | Remake
Guion: James Watkins, Christian Tafdrup, Mads Tafdrup
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía: Tim Maurice-Jones
Reparto: James McAvoy, Mackenzie Davis, Aisling Franciosi, Alix West Lefler, Dan Hough, Scoot McNairy
Dirección: James Watkins

La Sustancia - Por Juan Pablo Donoso

Fascinante alegoría de una psiquis femenina que libera los demonios de la cara oculta de su Luna.

Cuando a una famosa estrella de TV le rescinden el contrato por motivos de edad, recurre a una sustancia clandestina para recuperar la juventud y su sitial de gloria.

Sustancia= Parte esencial de algo. En esta ocasión, tras el acertado título, nos evocan el mito de Mefistófeles de Fausto. ¿Qué sustancia es aquella capaz de liberar al deslumbrante demonio (Margaret Qualley) que habita en las mazmorras más recónditas del YO?

Una patética tragedia sobre el EGO y la VANIDAD.

El DOLOR de verse superada - y desplazada - por SÍ MISMA.

“Si me desprecio - ¿quién soy a fin de cuentas?”.

“¿En qué monstruo me convierto cuando por vanidad me niego reconocer la auténtica naturaleza de las cosas?”.

Palmario testimonio neurótico de cuando una mitad de la mente se niega aceptar la realidad de la otra.

Sátira feroz sobre las siniestras transformaciones que algunas mujeres llevan a cabo sobre sus cuerpos (body horror) con tal de seguir respondiendo al mandato hegemónico y patriarcal.

Resabios caricaturescos - en forma y fondo - de clásicos anteriores como Dr. Jeckyll/Mr.Hyde, Vértigo, Carrie y El Resplandor. Relectura feminista de 'El retrato de Dorian Grey'.

Delirante y onírico thriller de terror. Sinfonía de sangre, tripas y otras vísceras indefinibles. Paroxismo final desatado.

Aunque tiene concesiones gratuitas y personajes deliberadamente estrambóticos, es una película de estupenda realización, y apasionante argumento.

Oportunidad para que Demi Moore volviera a demostrar su talentoso carisma. Otro tanto aporta la nueva revelación - Margaret Qualley (Érase una Vez en Hollywood) - en su ascenso al estrellato.

Admirable labor de maquillaje que - sin generar repulsión - realza la calidad del género.

Gracias a la inteligencia, buen gusto y sensibilidad de su directora francesa Carolie Fargeat, las 2,20 horas de esta sátira social pasan volando y mantienen su vigencia. Es una de las grandes esperanzas del nuevo género gore.

ESPERPENTO GLAMOROSO DE UNA NEUROSIS AUTODESTRUCTIVA. CIENCIA FICCIÓN QUE DENUNCIA LA MONSTRUOSA VANIDAD.

Premio Mejor Guion - Cannes 2024

Ficha técnica

Título original: The Substance
2024 Horror corporal, drama, sátira social 
Reino Unido, Estados Unidos, Francia - 2,20 hrs. 
Fotografía: Benjamin Kracun 
Edición: Jerome Eltabet, Coralie Fargeat, Valentin Féron Música: Raffertie 
Diseño Prod: Stanislas Reydellet 
Actores: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid 
Guionista y Directora: Coralie Fargeat

lunes, 16 de septiembre de 2024

La Trampa - Por Carlos Correa Acuña

El eje de esta película es un concierto de música pop donde la tranquilidad se ve interrumpida por una operación encubierta del FBI. En el centro de la historia están Cooper -Josh Hartnett-, y su hija adolescente Riley -Ariel Donoghue-, quienes asisten al evento sin sospechar los peligros que se desatan a su alrededor. Ante la multitud, Lady Raven -Saleka Night Shyamalan-, una icónica estrella del momento, domina el escenario, mientras observamos cómo sale a la luz el pasado de algunos de los asistentes poniendo en riesgo sus vidas.

Lo que comienza como una relación normal entre padre e hija en un mega evento, crece en tensión cuando la policía comienza a cerrar el cerco alrededor de un objetivo primordial: atrapar a un asesino en serie que se encuentra en el lugar a quien llaman “El Carnicero”. Los asistentes al show se ven envueltos en situaciones que revelan ocultos secretos. Al mismo tiempo, las difíciles decisiones que deben tomar los protagonistas difuminan la línea entre cazadores y cazados.

El diseño visual y la ambientación de esta película son vibrantes. Estamos en pleno concierto, un verdadero caos repleto de enfervorizadas fanáticas de la joven Lady Raven. Mientras Riley está en éxtasis, Cooper observa meticulosamente el entorno. Tiene dudas, y no sabe bien qué es lo que sucede, porque el despliegue policial es, a todas luces, inusual. Aunque al principio casi nada se deja entrever, pronto el contexto se aclara y las sospechas se hacen cada vez más fundadas. No cabe duda de que el asesino está allí. Pero ¿quién es? ¿Lograrán atraparlo, o conseguirá escapar sorteando los obstáculos que le impiden salir?

Shyamalan desafía las lógicas habituales, creando un cine donde no solo los protagonistas compiten, sino que también nosotros, espectadores, nos sentimos parte de ese juego. Buscamos saber más, analizamos, y tomamos cartas en el asunto. Ademas, tomamos partido, porque empatizamos con personajes con los que no deberíamos sintonizar, pero a pesar de saberlo muy bien, igual lo hacemos. Durante una hora estamos dentro de un escenario acotado, con alta tensión e incertidumbre; sin embargo la situación cambia y nos vamos hacia otro lugar, con enfrentamientos directos y más suspenso. ¿Cómo sigue ahora? Shyamalan, en vez de decantar, sigue tejiendo mundos paralelos entre los que saben y los que no saben, mientras continua desarrollando la trama; el final se ve cada vez más lejano.

En “La Trampa”, el estilo del realizador se mantiene intacto. Personalmente me encanta. Disfruto con su cine, me gusta su manera de filmar y de concebir cada una de las acciones. Para mí, siempre es una experiencia, pero esta vez siento que Shyamalan alarga demasiado la conclusión, lo que provoca que la tensión de la película disminuya en su tramo final. Me atrevo a decir que abusa un poco de la extensión al punto de casi romper el elástico, en una resolución poco común en su filmografía. En vez de centrarse en sensaciones, como en sus últimos trabajos, Shyamalan se va por el lado práctico, en una decisión que hace que el desenlace pierda fuelle.

Prefiero el Shyamalan creador de atmósferas que el cineasta concreto, y quizás por eso “La Trampa” no será su mejor trabajo ni de los más recordados, pero ojo, tampoco es una obra menor, pues contiene todos los elementos característicos del carismático director que siempre se las arregla para aparecer unos minutos en pantalla. Lo dicho no es poco, porque aunque siempre esperamos más del creador de “Sexto Sentido”, nunca quedamos defraudados al término de sus películas.

Ficha técnica

Título original: Trap
Año: 2024
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Blinding Edge Pictures. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Intriga. Thriller | Crimen. Asesinos en serie. Música
Guion: M. Night Shyamalan
Música: Herdís Stefánsdóttir
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
Reparto: Josh Hartnett, Ariel Donoghue, Saleka Night Shyamalan, Hayley Mills, Alison Pill.
Dirección: M. Night Shyamalan

sábado, 14 de septiembre de 2024

Transformers One - Por Carlos Correa Acuña

Esta película nos lleva de regreso a Cybertron, al momento en que Optimus Prime y Megatron eran amigos cercanos, unidos por un mismo objetivo. Por supuesto, las cosas se complican rápidamente y, lo que comienza como una diferencia de ideas, se convierte en una feroz pelea que desata un caos generalizado en todo el planeta. Vemos aquí cómo esa amistad se desmorona progresivamente y ambos se transforman, literalmente, en los enfrentados líderes que todos conocemos. La historia se sumerge de lleno en un viaje en el que la traición y la ambición toman el mando, marcando el inicio de una lucha épica que va a cambiarlo todo.

Animada, entretenida y vibrante es esta precuela de la historia que nació en 1984 de la mano de los juguetes de Hasbro. Para ver efectos especiales y animación digital tenemos mucho donde elegir, sin embargo cuando además sumamos una buena historia gracias a un buen guion, la cosa cambia, y sin duda nos situamos en otro nivel. Esto es justamente lo que sucede con esta producción, impecable en términos técnicos, pero sobre todo bien ejecutada al contarnos sobre las raíces desconocidas de nuestros protagonistas.

El trabajo principal recae en los personajes. Orion Pax y D-16 tienen muchas cosas en común, pero un par de características los hacen muy diferentes. Ambos están bien abajo, son trabajadores mineros, pero tienen ambición, y luchan por lo que consideran que es lo más justo y lo mejor para ellos. Hay valores, sueños e ideales compartidos. Entonces, ¿cuándo se separan? ¿En qué momento esos caminos compartidos se tuercen, sin vuelta atrás?

Contar una historia necesita manejar muchos elementos. En este caso, volver a los orígenes, con una trama que permita desarrollo pero que se sienta enlazada a lo que ya conocemos, implica un desafío mayor para los guionistas Andrew Barrer, Gabriel Ferrari y Eric Pearson. Y lo superan con creces, porque el enfoque no está puesto en lo cotidiano sino en asuntos de fondo, arropados, claro está, con aparatos tecnológicos, artillería pesada, persecuciones furiosas y enconadas batallas, en una secuencia que parece no tener fin.

El director Josh Cooley logra unir cada aspecto de la cinta con perfecta naturalidad. El ritmo frenético que mayormente se impone, logra pausar su velocidad en los momentos adecuados, y cuando acelera nuevamente, no evidencia ningún bache, pues permite que los personajes se desarrollen en forma natural sin comprimir los elementos, consiguiendo remontar de nuevo el vuelo, y a gran velocidad.

“Transformers One” impacta visualmente, y seguramente no va a dejar a nadie indiferente. Con su construcción dinámica y llena de energía, está claro que será un éxito, y no solo por lo espectacular que luce, sino porque conecta fácilmente con distintas generaciones. La película no se queda solamente en los efectos especiales: cuando la ambición, la mentira y la opresión aparecen, la historia recuerda que la verdad, la justicia y la libertad siempre salen a pelear, y lo hacen con la fuerza que otorga el hacer lo correcto. Es de esas películas en las que uno disfruta en el asiento y, al mismo tiempo, abre lugar a la reflexión posterior. En resumen, toda una experiencia y una gran sorpresa. ¡Recomendada!

Ficha técnica

Título original: Transformers One
Año: 2024
Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Hasbro, Paramount Animation, New Republic Pictures, Di Bonaventura Pictures, Bay Films, Hasbro Entertainment. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Animación. Acción. Aventuras. Ciencia ficción | Robots
Guion: Andrew Barrer, Gabriel Ferrari, Eric Pearson. Historia: Bobby Rubio
Música: Brian Tyler
Fotografía: Animación, Christopher Batty
Reparto: Animación
Dirección: Josh Cooley

Shogun - Por Jackie O.

"Todo por un imperio"


Al mencionar Shogun se nos viene a la mente la icónica miniserie de los 80´, con Richard Chamberlain como el inglés John, pero ahora estamos ante un remake de la misma, hecha con otra tecnología y mirada, para contarnos e introducirnos de forma inmediata al complicado momento de la historia japonesa del siglo XVII.

Basada en la novela de James Clavell de 1975, la trama inicia con este barco inglés que llega a las costas de Japón, donde el choque cultural hace que nos atrape su historia desde el primer momento.

Un piloto inglés llega con algunos sobrevivientes de la tripulación en deplorables condiciones. Llevan meses deambulando por el mar, muchos murieron, hasta su capitán se suicida por creer haber fracasado. Pero no, llegan a tierra, pero nunca se imaginaron que era Japón, y los toman detenidos, pero John debe velar por sus hombres y se destaca por sobre el resto, y lo separan llevándolo donde el señor feudal del sector, para luego escalar a quien toma las decisiones. Así comienza esta historia, la de dos hombres ambiciosos: el Inglés John Blackthorne y Lord Yoshii Toranaga, acercamiento que creará lazos indestructibles, donde, a pesar de que cada uno esté en lugares diferentes, sus actos los unen, en especial por una mujer, Mariko, la protegida y leal sirvienta de Toranaga, una mujer demasiado inteligente, audaz y valiente, quien se transforma en el interés amoroso de John.

La excelente dirección y cinematografía al recrear este Japón feudal, nos involucra en esta narrativa en la que cada capítulo hace que no dejemos de perdernos ningún detalle y queramos saber qué más sucederá. Su vestuario, maquillaje y peinados son espectaculares. La atención a esos detalles específicos son realmente asombrosos.

Las actuaciones son realmente grandiosas, destacando a "el shogun", Toranaga, el magnífico actor Hiroyuki Sanada, quien ya había actuado hace poco junto con la otra protagonista de esta miniserie, Anna Sawaii, (miniserie Monarch: legado de monstruos),  quien es la traductora, y vive un tormentoso matrimonio, Mariko, quien es la que se enamora del marinero inglés, John Blackthorne, interpretado por Cosmo Jarvis. En realidad, todos los actores y actrices realizan un buen trabajo interpretativo.

Con un diseño de sonido espectacular, sin dejar atrás la banda sonora, hasta la introducción nos tiene mucho que decir.

Las tramas están bien contadas, un guion fluido y reflexivo, en especial el tema de la muerte, que siempre está rondando. Cada personaje está muy bien desarrollado en su propia historia, el guion nos trae todos los elementos que requerimos en drama, intriga política, celos, furia, guerra, melancolía, y toques muy leves de comedia. Con temas enriquecidos de historia donde nos muestra el honor y la cultura de la época.

Las coreografías se ven hermosas, casi danzantes algunas, viéndose de forma realista en su crudeza.

¿En qué puede fallar? Es en la relación amorosa de Mariko y John, que a pesar de actuar muy bien, no sentí la conexión.

Una miniserie que vale ver. Que ya cuenta con muchos premios y nominaciones, y con futuros premios más. Destaca y se merece ser galardonada en guion, actor, actriz, cinematografía, vestuario, maquillaje, peinados, y más.

Disponible en Star Plus.

Ficha técnica

Género Drama histórico, Bélico y Jidaigeki
Creado por Rachel Kondo y Justin Marks
Protagonistas Hiroyuki Sanada, Cosmo Jarvis, Anna Sawai, Tadanobu Asano, Takehiro Hira,Tommy Bastow, Fumi Nikaido
Compositor(es) Atticus Ross, Leopold Ross, Nick Chuba
País de origen EEUU, y Japón
Idioma(s) original(es) Inglés y Japonés
Miniserie de 10 episodios

viernes, 13 de septiembre de 2024

No Hables con Extraños - Por Jackie O.

"Huye mientras puedas"

Durante unas vacaciones en Italia, Ben y Louise Dalton, una pareja estadounidense que vive en Inglaterra, y su hija Agnes, conocen a Paddy y Ciara, una pareja inglesa, y a su hijo Ant, con quienes pasan agradables momentos. Dándose los datos de contacto al despedirse, luego Ben y Louise reciben una invitación de la pareja inglesa para pasar un fin de semana en su casa rural, aceptando. Al llegar al lugar, las situaciones ya comienzan a darnos pequeñas pinceladas de cosas incómodas, que Louise detecta al instante, pero Ben no ve nada malo, él más que todo necesita esa amistad que está forjando con Paddy, e ignora las advertencias de su esposa. Hasta que sucede una situación muy incómoda que los obliga a tomar una decisión.

Estamos ante una película que va de a poco escalando en tensión. Primero hay ciertos actos agradables donde se disfruta, luego pasamos a momentos incómodos donde sacan risas nerviosas, hasta llegar al momento donde el clímax se apodera del espectador.

Paddy y Ciaria tienen comportamientos que, a simple vista, incomodan a la mayoría, él en especial es demasiado "entrador", muy amigo y compinche del otro, avasallador. Ciaria es más joven que su marido y es sumisa-coqueta; a diferencia de Louise y Dalton, quienes pasan por un crisis matrimonial y están sin trabajo. Necesitan de alguna forma moverse de su zona de confort para arreglar su matrimonio y/o hacer contactos que los ayuden, por esa razón están ahí. Estas cuatro personas se pueden perfilar rápidamente: Paddy es quien tiene el control de todo, Ciaria la obediente, Louis la intuitiva, y Dalton es el que necesita reforzar su masculinidad y autoestima. Este último, un blanco más fácil.

Los hijos de ambos matrimonios mantienen necesidades especiales, en los dos niños se nota claramente la necesidad de contención emocional. Agnes usa un conejo de peluche para calmar su ansiedad, que en determinados momentos llega a ser algo insoportable, y Ant es un niño que "nació con una enfermedad" que le impide hablar, y por ende es retraído, pero hace buena amistad con Agnes, siendo este la llave para abrir la puerta de la turbiedad que oculta esa morada.

Estamos ante un thriller psicológico, donde vemos a personas adultas y profesionales que actúan de forma errática, donde el más astuto detecta el punto débil que todo ser humano tiene, y lo explota a su favor, y pone en evidencia su falencia. Eso hace que como espectadores entendamos lo errático en su actuar, a veces. Tiene un preámbulo largo, donde va dejando miguitas de sucesos que nos dicen que algo no anda bien y queremos saber más. El guion sabe contarnos una historia que va poco a poco haciendo que el espectador comience a querer más.

Las actuaciones son muy buenas, ya que empatizas y detestas, te involucras. Con todos te aflora algún sentimiento.

Como parte de la historia del Cine, no puedo no dejar de mencionar que esta película es un remake de una cinta Danesa del año 2022, o sea, hace muy poco, por lo que es una apuesta muy arriesgada. Y surgen las preguntas: ¿era necesario hacer un remake, y además tan pronto? Tal vez no. ¿Esta película es mejor que la original? Si y no, aunque no puedo dejar de mencionar que la original sí tiene varios puntos en que la supera pero no quita en que esta no sea correcta, al contrario, si no conoces la original esta cinta te atrapará. Y si viste la original, te encontrarás con algunas modificaciones que pueden sorprenderte.

Cinta donde se juega mentalmente con las personas, haciendo ver que todo ser humano podría ser objeto de manipulación donde el más fuerte usa eso para dañar. Nos hace ver que debemos ser fieles a nuestros valores y hacerle caso a las intuiciones. De observar bien y no dejarnos embaucar tan fácilmente. Y que la familia es lo más importante, velar por nuestra seguridad sin olvidar la seguridad de los menores de edad que estén a nuestro cargo.

Ficha técnica

Speak No Evil
Dirección y guion: James Watkins
Basada en Speak No Evil de Christian Tafdrup y Mads Tafdrup
2024
EEUU
Protagonistas: James McAvoy, Mackenzie Davis, Aisling Franciosi, Alix West Lefler, Dan Hough, Scoot McNairy

jueves, 12 de septiembre de 2024

Mi Amigo el Pingüino - Por Carlos Correa Acuña

Humana y familiar película que nos sumerge en una historia insólita y entrañable, la del pescador João Pereira de Souza y un pingüino, que se transforma en su inesperado amigo. Basada en hechos reales que sorprendieron al mundo el año 2016, esta cinta, dirigida por David Schurmann, narra cómo João rescata a “Din Dim” y describe el vínculo que se desarrolla entre ellos desafiando toda expectativa.

Con Jean Reno y Adriana Barraza como protagonistas, la película se desliza entre la lealtad, el cariño y esa conexión íntima que compartimos con el mundo natural. El guion, escrito por Paulina Lagudi Ulrich y Kristen Lazarian, esboza en forma sencilla la belleza de la amistad y la importancia de cuidar aquello que nos rodea. Las escenas de paisajes costeros, impregnados de la luz del atardecer, y los momentos tiernos entre el pescador y el pingüino, nos invitan a detenernos a contemplar lo esencial.

Simple, directa, y también emotiva, “My Penguin Friend”, solo nos quiere dar a conocer la historia pues carece de expectativas mayores al no resultar para nada pretenciosa. Este rasgo se convierte en un valor en sí mismo, pues tampoco lucha por aparentar más, ni tampoco pretende profundizar en ninguna de sus disyuntivas más complejas, la pérdida de un ser querido y el marco ético de las investigaciones científicas.

Estrenada en Francia el 7 de agosto de 2024, esta cinta ha sido valorada por su capacidad de ofrecer un mensaje de esperanza accesible para todas las generaciones. No es solamente una historia de amistad entre un hombre y un pingüino, es una película que nos recuerda, como si fuera una brisa marina, que la verdadera trascendencia está en las pequeñas cosas que nos emocionan.

Ficha técnica


Título original: My Penguin Friend
Año: 2024
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Brasil; City Hill Arts, Epic Pictures, Ocean Filmes, Schurmann Film Company
Género: Drama | Basado en hechos reales. Animales
Guion: Kristen Lazarian, Paulina Lagudi
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Reparto: Jean Reno, Adriana Barraza
Dirección: David Schurmann

miércoles, 11 de septiembre de 2024

Asesino por Naturaleza - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Un grupo de jóvenes se lleva un medallón de una torre de vigilancia contra incendios derrumbada en el bosque. Lo que desconocen es que esta sepulta el cadáver podrido de Johnny, un espíritu vengativo impulsado por un horrible crimen ocurrido hace 60 años. Y una vez se llevan el medallón, su cuerpo resucita con el único propósito de recuperarlo. El “no muerto” acecha al grupo de adolescentes de vacaciones responsables del robo y en su misión de recuperar el medallón procede a masacrarlos uno tras otro, junto con cualquiera que se interponga en su camino.


Se inicia lenta y repetitiva. Un grupo de adolescentes conversando temas obscenos y algunos cuentos; la cámara gira en círculo, sin sentido. Luego aparece “Él”, siempre de espaldas, seguido por una inquieta cámara en mano. Este es el contexto de lo que vemos. ¿La historia es real, o un falso mito?

Escrita y dirigida por Chris Nash, “In a Violent Nature” es presentada como el “slasher” del año. Claro. No es que desconozcamos lo que va a suceder porque lo sabemos, y muy bien. El tema es cuándo va a pasar y cómo. Nash se contiene, aguarda, atrasa; pero que viene, viene, y “con tutti”.

Muy poco ofrece esta cinta de una hora y media de duración. Es cierto, no me gusta el género, no me llama la atención, pero la pregunta acá es si el trabajo se hace bien o no, si cumple, si asusta realmente, o más bien provoca risa. Las respuestas pueden ser disímiles, pero para mí, esta película raya en lo absurdo desde el punto de vista del argumento y su contenido. Sin embargo, y para salir al rescate, funciona regularmente respecto a las secuencias que caracterizan las películas de este tipo porque vemos escenas creíbles que, aunque rayan en lo grotesco -producen asco y repulsión-, parecieran reales. Eso último tiene un check, al menos aprueba; el resto, francamente para el olvido.

Para finalizar me pregunto: ¿qué sentido tiene seguir a un ente que va descuartizando todo lo que se le cruza en el camino? ¿Es solo morbo o hay algo más? Con bastantes reparos para pieles sensibles; solo para seguidores.

Ficha técnica

Título original: In a Violent Nature
Año: 2024
Duración: 94 minutos
País: Canadá
Compañías: Shudder, Low Sky Productions, Zygote Pictures. Distribuidora: Shudder
Género: Terror. Intriga. Drama | Slasher
Guion: Chris Nash
Fotografía: Pierce Derks
Reparto: Ry Barrett, Andrea Pavlovic, Cameron Love, Reece Presley
Liam Leone, Charlotte Creaghan, Lea Rose Sebastianis, Sam Roulston, Alexander Oliver, Lauren Taylor
Dirección: Chris Nash

Asesino por Naturaleza - Por Juan Pablo Donoso

Casi sin argumento, vemos cómo un zombi ciego masacra a los jóvenes que le robaron una medallita.

Pertenece al subgénero “slasher” = descuartizador.

Un grupo de muchachos y niñas acampa en un bosque cerca de un cementerio. Cuando uno de ellos se lleva un amuleto de oro que colgaba de una tumba, de ella saldrá un gigantón sin ojos - (¡pero que ve!) - e irá descuartizándolos a casi todos hasta recuperar la reliquia que le dejó su madre 60 años atrás.

Como el relato se reduce solo a carnearlos, uno tras otro, para rellenar hay largas escenas en que los sobrevivientes hablan y hablan hasta que - ¡por fin! - los matan.

Ninguno de ellos genera empatía, ni siquiera una clara identidad. Por eso los crímenes poco nos importan.

Como el propósito es exponer brutalidad, cabezas partidas con hachas, decapitaciones, destripes y lentas mutilaciones, el realizador canadiense Chris Nash - cámara en mano - sigue por detrás al monstruo por el bosque para que admiremos su habilidad como matarife humano. ¡Por suerte nunca nos vio!

Los largos diálogos intercalados nada aportan. Solo el virtuosismo del camarógrafo caminando alrededor de ellos. Para, finalmente, rematar con el larguísimo discurso de una desconocida campesina (Lauren-Marie Taylor) quien, en vez de consolar a la única sobreviviente, la deja más aterrada que antes.

El título original es De Naturaleza Violenta (In a Violent Nature), nada que ver con la excelente Asesinos por Naturaleza (1994 ) de Oliver Stone.

AUNQUE PRETENCIOSA EN LA FORMA ES INFERIOR A VIERNES 13 Y LA BRUJA DE BLAIR. SOLO PARA LOLOS SÁDICOS Y OCIOSOS. SIN DUDA SERÁ UN ÉXITO.

Ficha técnica


Título Original: In a Violent Nature
2024 Terror, sangre, suspenso Canadá - 1.34 hrs. 
Fotografía: Pierce Derks 
Edición: Alex Jacobs 
Música: Christine Leslie 
Maquillaje: Audrey Barrett 
Efectos Especiales: Mike Hamilton 
Actores: Ry Barrett, Lauren-Marie Taylor, Reece Presley 
Guionista y Director: Chris Nash

Asesino por Naturaleza - Por Jackie O.

“Caminata de la muerte”

Sinopsis: Un grupo de jóvenes se lleva un medallón de una torre de vigilancia contra incendios derrumbada en el bosque. Lo que desconocen es que esta junto al cadáver podrido de Johnny, un espíritu vengativo impulsado por un horrible crimen ocurrido hace 60 años. Y una vez se llevan el medallón, su cuerpo resucita con el único propósito de recuperarlo. El no-muerto acecha al grupo de adolescentes de vacaciones responsables del robo y en su misión de recuperar el medallón procede a masacrarlos uno tras otro, junto con cualquiera que se interponga en su camino.

La premisa puede resultar interesante, en realidad cualquier premisa es interesante, ya que todo va en la ejecución. Ejecución que, para mí, falló con creces en esta cinta.

Un bosque de escenario, interesante. Escuchamos a unos jóvenes conversar, y vemos que uno de ellos toma un medallón que hay colgado en un fierro. Lo que no saben es que ese medallón es una especie de llave que mantiene calmado un cuerpo (espíritu) que ahí está sepultado. Sigue siendo interesante esta premisa, pero aún así la, hace aburrida visualmente.

Vemos que este muerto se levanta de su tumba y comienza a deambular buscando su medallón, es decir va tras estos jóvenes que están de vacaciones en el bosque.

Y seguimos escuchando a estos jóvenes conversar en una fogata sobre la leyenda que se teje sobre una cruel burla y muerte hacia un muchacho llamado Johnny, hasta esa historia la hacen aburrida cuando la cuentan. El guion crea un desinterés.

Cuan Jason, de viernes 13, comienza Johnny a matar a cada joven, pues no sabe quién tiene el medallón, pero a él es difícil de eliminar. Las muertes están llenas de salpicaduras de sangre y víseras a la vista, pues la bestialidad de este vengador se refleja con la ira que quiere el director plasmar.

La cinta es tan de principiante, su ejecución, que las actuaciones son muy poco creíbles. El guion es de lo más aburrido que no sabes para dónde va, y cuál es el fondo, ni la motivación correcta de este muerto en vida, que sí, quiere su medallón, pero no hay un contexto potente para poder entenderlo o sentir empatía por alguien.

El maquillaje es bueno, pero los protésicos malísimos, ya que se ve que tenemos a un muñeco en frente. Las actuaciones malísimas. Y cero tensión.

El director quiere traernos a un nuevo personaje que quede en la retina de todos, pues creo ya está planeando su segunda parte, a lo que le pido que se haga asesorar por buenos escritores y alguien que co-dirija con él, de lo contrario será él quien ande muerto en vida.

En cuanto al nombre de la cinta, debieron haber dejado el original, ya que se confunde con “AsesinoS por naturaleza”, gran obra de los 90.

Pero algo bueno tendrá: sí, los movimientos de cámara, teniendo cámara en mano, seguimos a este asesino desde atrás, como una especie de caminata con él para ver, “supuestamente”, su punto de vista en esta historia, así como movimientos de 360° a ratos. Y los efectos de sonido en momentos, esto es cuando nos quedamos con el sonido de la naturaleza.

En resumen: incongruente, anticlimático y errores de continuidad, que los amantes del slasher o gore omitirán, ya que solo hay interés en ver destripamientos.

Ficha técnica

Título original: In a Violent Nature.
Canadá. 2024. 94 minutos.
Dirección y guion: Chris Nash
Fotografía: Pierce Derks
Protagonistas: Ry Barret, Andrea Pavlovic, Cameron Love, Reece Presley, Liam Leone.