sábado, 30 de noviembre de 2024

Seraphine - Por Juan Pablo Donoso

Relato directo, gentil, ingenuo, tal como fue nuestro personaje principal.

Biografía de Seraphine Louis, del pueblito francés de Senlis (1864-1942). Una humilde aseadora de domicilios adinerados. Criada en un orfelinato de monjas, semi analfabeta, absolutamente autodidacta como pintora. Y sin embargo, sus cuadros cuelgan hoy en los principales museos y pinacotecas del mundo.

El director Provost entrega breves secuencias cronológicas, muy simples, las deja reposar, y luego cambia a la siguiente.

Evocación atmosférica, por iluminación, ritmo pausado y por los detalles de utilería.

Devota católica, elemental, sentía que su ángel de la guarda le ordenaba pintar - sin descanso - flores y plantas siguiendo sólo los impulsos de su intuición.

Como era muy pobre, para hacerlo utilizaba los dedos, vino ordinario, zumo de malezas del campo, y hasta la esperma que chorreaban las velas de la parroquia.

Estando de visita en una mansión aristocrática, el famoso coleccionista de arte - Wilhelm Uhde - halló por casualidad un dibujo botado en el suelo. Los trazos y colores llamaron su atención. Preguntó de quién era. Le dijeron que, por descuido, se la había caído a la sirvienta.

Uhde insistió en conocerla y visitar su miserable dormitorio de pensión. Al ver las pinturas allí acumuladas comprendió que estaba frente a un prodigio en bruto. Había descubierto a una de las más originales exponentes del arte “naive” del siglo 19.

De ahí en adelante siguió estimulándola para que continuara con su creación. Como el estilo era aún despreciado en París, el visionario curador la siguió financiando de manera particular.

Cuando estaban prontos a inaugurar una exposición parisina, sobrevino la 1ª Guerra Mundial. Los alemanes debieron huir de Francia, Seraphine volvió a su pobre covacha, cesante como aseadora e, incluso, mendigando alimentos.

Aunque después de la guerra recuperó el patrocinio económico de Uhde, la mujercita ya manifestaba síntomas de esquizofrenia. Inició una conducta errática que la llevó a pasar sus últimos años en un manicomio, tranquila - ausente - sentada bajo un árbol inmenso.

El gran valor de esta película, aparte de su delicado tratamiento, es revelarnos la existencia de una creadora inmortal.

Admirable interpretación de Yolande Moreau, como Seraphine, proyectando el misterio de un ser humano, con inteligencia casi primitiva, pero inconmensurable como criatura capaz de expresar las maravillas más recónditas de la naturaleza, guiada sólo por el instinto y la inspiración espiritual.

Filme ganador de siete premios César, versión gala de los Óscares, e incluyendo como mejor actriz a la protagonista.

Era capaz de ver las flores del Edén. Lo “naive” (ingenuo) es un humilde reflejo de la luz que ilumina las sombras del alma.

Eterno misterio del proceso creativo. Seraphine misma era una obra de arte.

Para los que creen que la vida es más que astucias, mentiras e hipocresía.

Visible en YouTube.

¿DÓNDE TERMINA EL GENIO Y COMIENZA LA LOCURA? SENSIBLE TESTIMONIO DE UN ALMA PURA Y GENIAL, PERO INSONDABLE EN SUS MOTIVACIONES.

Ficha técnica   

2008 Biografía, drama Francia, Bélgica - 2,05 hrs. 
Fotografía: Laurent Brunet 
Edición: Ludo Troch 
Música: Michael Galasso 
Diseño de Prod.: Thierry François 
Guion: Marc Abdelnour, Martin Provost 
Actores: Yolande Moreau, Ulrich Tukur, Anne Bennent 
Director: Marcel Provost

viernes, 29 de noviembre de 2024

Moana 2 - Por Carlos Correa Acuña

Han pasado tres años desde los eventos de la primera película y Moana parece estar más feliz que nunca al lado de su familia y de su gente, aunque persiste en ella una inquietud que no la deja tranquila. Moana quiere ir más allá y explorar. Intuye que hay un mundo desconocido que la espera y que es vital para el desafío de liderar a su comunidad.

Cuando se hacen presentes los antepasados, su llamado es clave. ¿La misión? Romper el maleficio del dios Nalo y conectar a la gente del océano a través de la isla oculta de Motufetu. El camino no es sencillo. Debe armarse de valor, formar su propio equipo y embarcarse hacia los lejanos mares de Oceanía. Pero no está sola. En esta aventura la acompañan sus inseparables amigos y, por supuesto, el semidios Maui, con quienes deberá enfrentar a viejos y nuevos enemigos, incluidos los Kakamoras y la diosa del inframundo Matangi.

Visualmente, esta segunda película de Disney resulta tan deslumbrante como la primera. Desde un comienzo existe preocupación máxima por infinitos detalles. Como muestra un botón: la composición del pelo de Moana y la forma ondulante cómo este se mueve. La música es arrebatadora. Colabora enormemente para marcar los caracteres de personajes que transitan por animaciones veloces que, en general, casi no dan tregua. ¡Qué decir del colorido! Exuberante, con una paleta vibrante que queda impresa en la retina, con verdes y azules intensos combinados con colores pasteles que brillan también dentro de un conjunto estético perfectamente organizado.

La trama aborda temáticas profundas de manera sencilla y lúdica. Destaca la presencia de los ancestros, estos valorados antepasados que sirven de guía y de compañía, y respetados debido a su conexión con la historia. Asimismo, el sentido de comunidad está presente siempre, al igual que el valor de la familia como vínculo fundamental, bellamente retratado en su relación con Simea, su pequeña hermanita. La diversidad es otro mensaje importante de la cinta, reflejado en las cualidades únicas de cada personaje, como también por lo que representan algunos otros secundarios que por momentos se roban la película.

En “Moana 2” la entretención está garantizada. Esta esperada segunda parte, llena de aventuras continuas y mucho humor, resulta graciosa, amable y tremendamente positiva. La forma de presentar la naturaleza y sus diversas criaturas es muy atractiva, y la relación que se da entre todos, a todo nivel, abre una ventana de esperanza para el mundo actual. Es cierto que es una película destinada a un público infantil; sin embargo es mucho más transversal de lo que parece. Los que somos niños de corazón también podemos disfrutar de esta fábula animada, pues abriga mensajes que pueden quedar resonando fuertemente, y que son ideales para conversar con los más pequeños después de verla.

“¿Quién dijo que todo está perdido?”, preguntaba Fito Páez en su canción. Moana nos enseña con su carácter, decisión y entrega, que hay mucho por hacer y que efectivamente no está todo perdido cuando se persigue honestamente el bien común. “Yo vengo a ofrecer mi corazón”, responde Fito, y Moana lo hace realidad con una generosidad a toda prueba, y literalmente, contra viento y marea.

Ficha técnica

Título original: Moana 2
Año: 2024
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Walt Disney Animation Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Animación. Aventuras. Fantástico | Secuela
Guion: Jared Bush, Dana Ledoux Miller. Historia: Jared Bush, Dana Ledoux Miller, Rebekah F. Smith
Música: Opetaia Foa'i, Mark Mancina, Abigail Barlow, Emily Bear
Fotografía: Animación
Reparto: Auliʻi Cravalho, Dwayne Johnson, Temuera Morrison, Nicole Scherzinger, Rachel House y Alan Tudyk
Dirección: David G. Derrick Jr., Jason Hand, Dana Ledoux Miller

Disco, Ibiza, Loco Mía - Por Jackie O.

“Ascenso meteórico, caída trepidante”


Cinta que nos cuenta los inicios del grupo revolucionario que fue Loco Mía a finales de los 80, y sus problemáticas en los 90.

Comienza un mensaje advirtiéndonos que está basada en hechos reales, y que de ficcionada tiene bastante.

Estamos en una reunión, una mediadora debe tomar una decisión, para lo cual escuchará a ambas partes: Uno de ellos es el grupo Loco Mía, encabezado por Xavi Font, junto a parte del grupo, y en especial con Lurdes, la quinta componente del grupo. Por otro lado, está el poderoso productor musical José Luis Gil, quien los demanda por incumplimiento de contrato. A partir de ahí, todas las partes rememoran los inicios de Loco Mía, un grupo de alocados ibicencos, que llegaron a ser más de 10 integrantes, que comenzaron bailando en las discotecas de Ibiza, mostrando sus arriesgados y exagerados diseños e inolvidables abanicos. Fue en una de esas fiestas en que el productor los descubrió y, pese a que no tenían ni idea de cantar, montó un grupo en torno a cuatro, que después fue variando en función de quién entraba y salía de acuerdo con su potencial.

Jose Luis era reconocido en el área, catapultó la carrera de muchos artistas, eso hizo que estos chicos se cruzaran con estrellas como Julio Iglesias, Tina Turner e, incluso, Freddie Mercury (que tiene especial relevancia para ellos por dos acontecimientos que figuran en la cinta)

Xavier y Lurdes, amigos entrañables que solo querían triunfar con sus extravagantes diseños de vestuario y calzado, junto a la pareja de él, Manolo, y a su hermano Luis Font, más otros amigos que iban llegando, armaron un pequeño taller de vestuario, consiguiendo trabajo de bailarines, ideal para mostrarse. Convivían todos juntos, noches y días, no solo de trabajo, también mucha fiesta, droga y sexo, al punto de transformarlo en orgías. Disfrutaban el aquí y ahora, a pesar de padecer en momentos carencias económicas.

En cuanto a la puesta en escena de esta película, está bien lograda, el uso de cámara con tonalidad ochentera nos remota a la época, trajes, peinados y vestuario muy acordes, en especial la exageración de la que eran presa nuestros protagonistas.

Las actuaciones, algo mediocres en la mayoría, no cuentan con la pasión con la que representaban sus bailes, tildándolos inclusos algunos de ser torpes. Salvo un irreconocible Alberto Amman, quien otorga poder a Jose Luis Gil, y Blanca Suarez como la quinta Loco Mía, entregan la pasión, que es la esencia del grupo.

El guion es débil, más bien caricaturesco, pudiendo haberse enfocado en una buena comedia dramática, deja a medias los géneros, incluso queriendo poner, en algún momento, coreografías sin estar en escenario, donde la falta de coordinación se nota. Lo que es terrible ver, son las escenas donde ellos actúan como grupo, una falta de pasión en el baile, y canto, que es vergonzosa. Ahí faltó mayor preparación a los actores.

La disputa de egos y la frustración, en momentos se siente, pero la fanaticada no estará conforme con esta cinta, que solo sirve para recordar que existió un grupo fenomenal, éxito del momento, y que sigue buscando un espacio en su historia con nuevos personajes y nuevo estilo, pero que lamentablemente es un rotundo “ya fue”.

Película ligera en el sentido de mostrarla más como comedia y que su director al parecer no quiso tomar nada muy en serio, muestra sin tapujo los problemas de egos, traiciones, excesos, soledad y amistad, pero que contiene escenas de desnudos y drogas, que no la hacen apta para todo público.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección: Kike Maíllo
Guion: Marta Libertad y Kike Maíllo
España. 2024. 104 minutos.
Reparto:
Jaime Lorente: Xavi Font
Alberto Ammann: José Luis Gil
Alejandro Speitzer: Carlos Armas
Iván Pellicer: Manolo Arjona
Pol Granch: Jaume (Frances)
Blanca Suárez: Lourdes Iribar
Javier Morgade: Luis Font
Albert Baró como Juan Antonio Fuentes

miércoles, 27 de noviembre de 2024

Los Hiperbóreos - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: La actriz y psicóloga Antonia Giesen decide filmar un guión revelado por una voz dentro de la mente de uno de sus pacientes. Buscando la colaboración del dúo de cineastas León & Cociña, elaboran un cruce de teatro, ciencia ficción, animación y biopic fabulado, poblado de mundos paralelos y perseguido por la sombra de un escritor nazi chileno, Miguel Serrano, como figura demoníaca.


Esta película lleva el sello de los directores Joaquín Cociña y Cristóbal León. Y tal vez eso es bastante más que un sello, porque estamos ante un estilo particular que mezcla varios géneros y se propone innovar en cada uno de ellos. Si vamos por parte, el argumento es bastante claro, hasta clásico podríamos decir, cuando reconstruye los pasos del mencionado escritor chileno. Pero esa es solo una línea, porque varias más se entrelazan a partir de la historia central presentada por la actriz principal en su faceta de psicóloga profesional, cuyas vertientes se funden con el protagonismo de los mismos directores.

En este trabajo prima la forma por sobre el fondo, al menos en mi percepción, y esta opción distrae y tiende a desenfocar, nublando el verdadero hilo conductor del relato. No resulta fácil comprender las secuencias, sobre todo porque constantemente se está moviendo el eje central. Pasamos de una arista a otra sin cerrar completamente, mientras se abren nuevas puertas hacia satélites que empiezan a brillar poco a poco.

Uno de los aspectos más interesantes es el montaje que propone esta obra audiovisual. No podemos anticipar ninguna jugada, porque todo va y viene con rapidez y frescura. Debemos estar atentos, porque la estructura se va llenando de símbolos y figuras etéreas. Todo esto se da, en parte, por la mezcla de acción en vivo, stop-motion, títeres y otros recursos artísticos que sirven para ilustrar una biografía poco convencional del poeta Serrano, reconocido por su cercanía con las filosofías neonazis.

“Los hiperbóreos” es una obra abstracta, propia de un surrealismo que desafía la imaginación y que puede transformarse en algo complejo e incluso desagradable. Por momentos, todos los elementos parecen estar en una batidora de la que no sabemos qué podría salir. Sin embargo, los realizadores logran sortear con éxito algunos nudos que podrían frenar en seco cualquier intento de avance multilineal.

En algo en que tal vez podemos estar de acuerdo con los cineastas es que lo que observamos se trata de un viaje. En ese sentido, surgen de inmediato algunas preguntas: ¿es un viaje interno, tiene algún destino, o está radicado en el mundo interior de sus personajes, enraizado como una búsqueda propia y vital? Aflora allí la temporalidad; el pasado, con los padres de Antonia -Chile, Alemania, el Nazismo-; el presente, con la recreación del momento; y el futuro, con la definición de diferentes avatares.

El que el guion remita a una película ya filmada, robada desde las oficinas de la producción, entrega el piso para construir una recreación de la misma en 360 grados, y que no distingue entre cuadros principales o accesorios complementarios. En la escena todo se funde, al igual que los elementos artísticos, la vida, la política, la historia de nuestro país y la llegada a esa “tierra hueca” que tal vez represente el vacío absoluto o la mayor de las esperanzas.

León & Cociña nos presentan un desafío. Se trata de cine experimental, un laboratorio que requiere ser analizado e interpretado. Sigue la línea de películas complejas de ver y ricas en elementos para debatir posteriormente. Es, sin duda, una apuesta que juega cartas altas con el riesgo de quedarse con el naipe en la mano, sin poder descartarse. Acaso este sería su mayor mérito; apostar a ganador con una propuesta diferente y enrevesada, una madeja llena de enlaces que debemos ser capaces de unir para intentar llegar a la esencia del mensaje a transmitir. ¿Podremos hacerlo?

Ficha técnica

Título original: Los hiperbóreos
Año: 2024
Duración: 71 minutos
País: Chile
Compañías: León & Cociña Films, Globo Rojo Films
Género: Animación | Surrealismo. Histórico
Guion: Joaquín Cociña, Cristóbal León, Alejandra Moffat
Música: Valo Sonoro
Fotografía: Animación, Natalia Medina Leiva
Reparto: Antonia Giesen, Francisco Visceral, Jaime Vadell, Marcelo Liápiz, Álvaro Morales.
Dirección: Joaquín Cociña, Cristóbal León

martes, 26 de noviembre de 2024

Mi otra yo - Por Jackie O.

¿Cómo sanas?


Tres amigas emprenden un viaje a un pueblo costero a un futuro transformador donde hacer las paces con su pasado, tomar decisiones que les cambien la vida y, finalmente, crear su propio otro yo.

La médico Ada, la abogada Sevgi, y la dueña de casa/influencer Leyla, son excelente amigas, treintañeras que bordan los 40 años que se conocieron en la Universidad, donde al poco tiempo Leyla dejó los estudios al enamorarse de un empresario millonario y convertirse en madre.

Ellas nunca se han separado, han compartido momentos de alegría y de tristeza, incluso la enfermedad de Sevgi quien lucha con un cáncer. Un día, mientras Sevgi concurre a su rutinaria visita médica, se encuentra con una paciente. Viéndola de buen ánimo, ante la sorpresa, le consulta qué ha hecho, manifestándole, ella, que no es solo gracias a la quimioterapia, sino que, además de ello, la ha combinado con una medicina alternativa, entregándole todos los datos.

Sevgi se arriesga, para ella todo es válido, pues está en una situación en que nada pierde.

La dirección la lleva a un pueblo costero donde conoce a Zaman Bey, un sujeto que realiza “costelaciones familiares”, participando de sus sesiones con buenos resultados, mejora su actitud y su semblante comienza a verse mucho mejor. Sus amigas al verla a las tres semanas en el pueblo costero, no tienen enfrente a Sevgi demacrada y triste. Entonces, ¿qué ha sucedido?

Una serie interesante, en lo personal no tenía idea de la existencia de una terapia alternativa llamada “costelaciones”. No es medicina de acuerdo a mis averiguaciones y lo que circula en redes, se trata de una dinámica terapéutica creada por el psicoterapeuta, pedagogo y ex-sacerdote católico, Bert Hellinger, que tiene el objetivo de abordar la resolución de conflictos, aumentar el autoconocimiento y favorecer el cambio personal. Vamos viendo la dinámica y en qué consisten estas constelaciones, ya que Sevgi les pide a sus amigas que la acompañen. Ada es la más escéptica de las tres, para ella todo es y debe ser ciencia. Pero las tres comienzan a internarse en un mundo diferente e increíble, algo que va más allá de la ciencia y la razón. Sus recuerdos más profundos, e incluso los que tenían olvidados aparecen. Imágenes de sueños que nunca pudieron descifrar, ahora saben su significado. En palabras más simples, todos somos parte de un clan, y muchas veces pasa que repetimos patrones de algún antepasado, y eso está en nuestro inconsciente. Las constelaciones, lo que tratan de hacer, es de alguna forma sanar esas heridas o sucesos que afectaron a nuestros antepasados, o que logremos entender por qué suceden.

¿Cómo nuestro pasado afecta nuestro presente?

Por supuesto, esto no es automático, va conforme avanza esta serie, donde se van explicando las situaciones que van experimentando las protagonistas, y conocemos cómo interactúan con los lugareños. Seremos testigos de cómo solucionan diversas problemáticas, y si es que tienen solución. Ahí está lo entretenido de la serie. Aparte de las complicaciones familiares, hay muchos líos amorosos que se van presentando. Todo en torno a la sanación interna.

Muchas personas requieren y van donde psicólogos para poder descifrar sus problemáticas. Esta es otra vía parecida y diferente a la vez. Sí, la serie exagera, porque vemos lo que están pensando, pero es un tema que borda la psicología. Algo muy discutible y que irá en las creencias de cada uno.

En cuanto a las actuaciones, es mixta, pues hay buenas y otras no tanto. Pero las tres protagonistas abordan bien sus roles, y la interacción entre ellas hace una buena química.

El guion es interesante al hablarnos de este hecho que existe y que tal vez no sea tan conocido aunque en algunos momentos el cliché telenovesco aflora.

Una serie muy femenina, en el sentido de marcar la presencia femenina de empoderamiento, de ser muy independientes al hacer las cosas solas, pero al final siempre requieren una compañía masculina, lo que no es malo, En entrelineas se ve así; por más empoderamiento que se vea por encima, en entrelineas el amor de pareja también lo necesitan. Porque el ser humano es así, y eso es natural y bello.

Las locaciones en playas turcas muy bonitas, y la banda sonora acorde al país y las situaciones vividas.

¿Ayuda o fraude? Solo queda a criterio de cada persona en cuanto a sus creencias.

La serie nos toca muchos temas interesantes aparte de la sanación interna. También está la amistad, la familia, el perdón, no solo al otro sino que a uno mismo, las despedidas, el aceptarse, el amor, volver a empezar y vivir en paz.

En un mundo donde lo superficial prima, es bueno detenerse y mirar desde adentro hacia afuera.

Una serie fácil y rápida de ver.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Zeytin Ağacı (Another Self)
Escrita por Nuran Evren Sit
Dirigida por Burcu Alptekin y Erdem Tepegöz
Protagonizada por Tuba Büyüküstün, Seda Bakan, Boncuk Yılmaz
País: Turquía
Temporada 1: 2022 (8 capítulos)
Temporada 2: 2024. (8 capítulos)

lunes, 25 de noviembre de 2024

Un muñeco de nieve para derretirse - Por Carlos Correa Acuña

¿Quieren desconectarse un poco en estos días? Tenemos aquí una opción liviana con un toque navideño, algo de comedia, y también uno que otro guiño reflexivo. ¿De qué se trata? Veamos.

Kathy Barrett -Lacey Chabert-, es dueña del Kathy's Kafe en pleno centro de Hope Springs, Nueva York. Recientemente ha perdido a su esposo por lo que se encuentra triste y deprimida. Además, problemas domésticos la agobian, tiene averiada la calefacción en su casa, el techo que gotea y una tabla de su escalera en pésimo estado. Al llevarle una colación a sus amigos de la tienda de ropa "Reclaimed Rags”, amorosamente le regalan una bufanda roja "destinada" para ella. La animan, con esto, a buscar felicidad después del duelo. Pero al regresar a casa, Kathy observa varias esculturas de nieve, pone la bufanda en un musculoso muñeco y le toma una foto. Sin que ella siquiera lo sospeche, el muñeco cobra vida, y sus aventuras comienzan a transitar entre el frío polar ambiente y el calor de hogar.

No resulta sencillo, sobre todo en estos tiempos, crear algo nuevo sobre las fiestas de fin de año. O son temas derechamente románticos y familiares, o bien aventuras en tono fantasioso que se escapan del ámbito de lo material y concreto. No obstante, en esta película, el guion escrito por Russell Hainline emprende camino hacia una arista que la hace un poquito distinta, aunque ya hayamos visto temáticas similares.

La idea de dar vida a un muñeco es de larga data, pero en este caso, la figura de nieve se transforma en la gran atracción para un pequeño pueblo que vive fuertemente el sentido de comunidad. Como un ángel caído del cielo, no solo para nuestra protagonista, Jack se las arregla para solucionar cada uno de los problemas con los que se encuentra en el camino. Dueño de una simpatía deslumbrante y un físico hecho a mano, el actor Dustin Milligan da vida a un personaje sencillo, ingenuo y libre de cualquier contaminación terrena.

“Hot Frosty” no desperdicia tiempo en detalles innecesarios y tampoco es necesario ser avezado para pronosticar lo que sucederá en el camino. La idea es disfrutar de esta entretención y dejarse llevar por un halo de misterio improbable que solo puede ser posible gracias a la magia que nos trae el tiempo de Navidad. Las formas de superar un duelo pueden ser muchas y diversas, pero tal vez la forma presentada sea una de las más reconfortantes.

Recibir un regalo de Navidad de esta naturaleza puede ayudar, y mucho. Pero también, aunque bastante oculto, podríamos encontrar el valor de dar vida que aún posee una persona que ha perdido lo más preciado para ella en el mundo. ¿Con cuál de estas dos hipótesis se quedan ustedes? A mí me gusta la segunda, pero solo si queremos ir un poco más allá en este filme grato y simpático, ideal para pasarlo bien una tranquila tarde de domingo.

Ficha técnica

Título original: Hot Frosty
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Muse Entertainment, Muse Entertainment LLC. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Romance. Fantástico | Comedia romántica. Navidad
Guion: Russell Hainline
Música: Ari Posner
Fotografía: Eric Cayla
Reparto: Lacey Chabert, Dustin Milligan, Katy Mixon Greer, Lauren Holly, Chrishell Stause, Joe Lo Truglio, and Craig Robinson
Dirección: Jerry Ciccoritti

domingo, 24 de noviembre de 2024

Azúcar y estrellas - Por Jackie O.

"Pasión y determinación"


Sinopsis: A pesar de una infancia difícil en hogares de acogida, Yazid aspira a ser pastelero. Con una determinación inquebrantable, practica sin descanso con el objetivo de ganar el campeonato de reposteros.
Inspirada en un hecho real.

Yazid Ichemrahen, un joven inmigrante en Francia, que ha tenido una vida muy difícil y eso ha forjado su carácter, siendo pequeño vivía con su descuidada madre y su hermano infante quien fallece por el descuido de esta mujer que nunca se preocupaba de sus hijos y abusaba del sistema.
Yazid era feliz en la familia de su tía (no consanguínea), pero tuvo que ser enviado a hogares de acogida donde nunca se esfumó el sueño de ser repostero. Sí, cometió errores, pero su alma noble y pasión por lo que amaba logró abrirle puertas a un mundo donde las estrellas fue su refugio, y el azúcar su destino.

Vemos el estresante mundo en la cocina, ahora no la entrada o plato principal, sino la delicia del término: el postre. Cómo se trasforma en un arte, no solo por la combinación de productos, sino que también por el cuidadoso detalle de su presentación.

Una cinta donde vemos la difícil vida de un niño y su sueño. De cómo forjó amigos y también enemigos en este mundo que muchas veces no es dulce. Pero su esfuerzo lo sacó adelante.
La película es contada con muchas analepsias de su presente y su infancia. Analepsias que no entorpecen el relato, sino que sirven de base para ver y entender la vida de este joven, por lo que la edición es buena.
Los efectos sutiles utilizados con movimientos de cámaras lentos al momento de la ejecución de los platos, dan toques de magia.
Ademas, mantiene acertados planos.
El primer largometraje de este director que supo jugar con los ingredientes. Tal vez faltó más sazón para darle más drama, ese dulzor que nos estremeciera más. Pero aún así, nos deja una bonita historia.

Un drama con final feliz, ya que nos habla de alguien que actualmente disfruta el éxito en base a su esfuerzo, pero que es necesario saber cómo forjó su camino, lo que puede servir de inspiración a muchos joven que no saben qué hacer de su vida.

Al final, cuan joven majos de tijeras, presenta su último trabajo, y el primero en abrirle las puertas al éxito, en un claro mensaje al perdón y la reconciliación.

Recomendada.

Ficha técnica

Título original: À la belle étoile
Duración: 110 minutos
Director: Sébastien Tulard
Guion: Cédric Ido y Yazid Ichemrahem
Música: Brice Davoli
Fotografía: Pierre Dejon
2023 / Francia

sábado, 23 de noviembre de 2024

Wicked - Por Jackie O.

"Las Apariencias engañan"


Una película de fantasía musical dirigida por Jon M. Chu y adaptada a la pantalla por Winnie Holzman y Stephen Schwartz de su musical de 2003 del mismo nombre, que a su vez se basa en la novela de 1995 de Gregory Maguire, del mismo nombre.

Todos conocemos la historia del Mago de OZ. Vimos a Dorothy, Toto y las Brujas del Sur y Oeste actuar. Pero esta historia es diferente, es sobre aquellas brujas.

Elphaba Thropp, es una chica inteligente honesta. En términos generales, estamos ante una persona normal, pero no, y por qué, se preguntarán. Ella es verde, sí, su piel es de color verde, lo que la hace diferente al resto y la miran mal, no la aceptan, la discriminan. Ella llega a una escuela especial para hechiceros. La autoridad del lugar intuye su potencial, pero entiende que nadie la quiere, pero aún así la asigna a la compartir habitación con la más popular del lugar, Ga-Linda.

Vemos como ambas no se soportan. Galinda es toda femineidad, rosadito y brillitos. Y Elphaba es de tonos oscuros y que solo sobresale por el verde de su piel. Hasta que... Algo sucede, algo las hace cambiar, algo detona que no son tan distintas la una de la otra, y se convierten en amigas, algo inimaginable.
Pero se interpone un hombre, llega un príncipe a la universidad, y Galinda, futura Glinda, pone sus ojos en él, y él los pone en ella, pero también en Elphaba, y lo tiene confundido.
Elphaba lo quiere en secreto pero no quiere lastimar a su amiga Glinda, por lo mismo se aleja. Glinda es una inocente y bien intencionada chica que no sospecha esta cercanía entre su príncipe y su amiga.

Por otro lado, Madame Morrible, directora de la Universidad de Shiz, tiene fe en Elphana, sabe su potencial, y no le gusta Glinda. Y tiene razón con Elphana. Ella tiene poderes que hay que explotar, por lo que mueve sus influencias y le concede una cita con el mago de Oz en ciudad Esmeralda, algo sumamente codiciado. Pero Elphaba es una buena chica, y lleva a su querida amiga Glinda, también una chica buena sin malas intenciones, solo algo torpe. Así es que ambas emprenden el rumbo a esta aventura en ciudad Esmeralda.

Película musical, casi toda es cantadita, donde sus protagonistas demuestran una alta calidad vocal y de actuación. Se siente la buena química en ambas. Pero debo quedarme solo con Adriana Grande, ella es espectacular, juega en su rol otorgándole gracia y autenticidad. Mi apuesta por ella en futuras nominaciones a Festivales.

Las coreografías, esto es canto y bailes, son minuciosamente tratadas y ser ven perfectas.
No soy fan de los musicales y tiendo a aburrirme, y aunque acá esta todo bien ejecutado, me aburrí igual en algún momento por la repetividad de situaciones que hacen que la cinta se alargue innecesariamente.
Escenográficamente esta bellísima, sabe destacar cada cuadro, los efectos visuales son buenos para mostrarnos un mundo de fantasía.
Vestuario, peinado y maquillaje perfectos nominados para mí.
Banda sonora buena, pero tratándose de un musical, no hay ninguna canción que destaque, que quede en la memoria, o que al escucharla se le relacione a esta película. Nada. Las canciones son buenas, claro, pero insisto, no destacan al ser un musical que es prioridad.

Galinda, Alias Glinda, y Elphaba, son personas buenas que vamos viendo que han sido usadas por una o más personas que aparentaban hacer el bien a otros pero en su fuero interno son malos y usan a inocentes para sus fechorías. ¿Lograrán engañarlas? ¿La maldad saldrá a la luz?
Primera parte de una historia de amistad, engaños y de sobreviviencia. Hay que esperar la segunda parte para ver su desenlace.

Temas abordados, el aceptar a otros con sus diferencias, más que todo dar la oportunidad de conocerlos. Nos muestra la maldad de quienes pregonan las buenas intenciones y en el fondo son seres malvados que buscan su bienestar usando a incautos, versus aquellos que creen malos por ser diferentes y más honestos, y son los que buscan el bienestar común, así como a los animales que vemos en la cinta; personas diferentes que solo buscan el bienestar y son atacados por ser diferentes y, peor aún, porque a los malvados no les conviene que existan quienes unen, sino que les gusta separar y ellos gobernar. Lo que nos habla de aprender a dar oportunidades para conocer bien al ser humano.
Como vemos, las películas no son solo fantasía sino que apuntan a hechos que se viven día a día.

Wicked parte uno, nos da una dosis de mucha música más que fondo y sustancia de una trama. Pero es entretenida por su puesta en escena y la simpatía de sus protagonistas.

Ficha técnica

Wicked: Part One
Dirección: Jon M. Chu
Guion: Winnie Holzman y Stephen Schwartz
Música: Stephen Schwartz
Fotografía: Alice Brooks
Vestuario: Paul Tazewell
2024. EEUU, Reino Unido
Género: Fantasía, musical y película basada en un cuento de hadas
160 minutos
Protagonistas: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum, Jonathan Bailey, Ethan Slater

viernes, 22 de noviembre de 2024

Deepfaked - Por Carlos Correa Acuña

Una cautivante premisa presenta esta cinta escrita y dirigida por Iñaki Velásquez. En solo 31 minutos, despliega una buena cantidad de elementos que actualmente se encuentran en el ojo del huracán. Veamos.

Los antecedentes señalan que estamos en medio de una campaña presidencial en la que deepfakes con contenido generado por inteligencia artificial se han vuelto un dolor de cabeza para la jefa del comando de la candidata Danka Marull -Katty Kowaleczko. Priscilla Ebers -Tamara Acosta-, sospecha que ha sido alguien de su misma oficina quien ha falseado contenido de su contrincante.

Primero surge lo más evidente. Una elección presidencial en Chile que enfrenta a dos candidatas mujeres. ¿Pasado? ¿Futuro? Aunque no es tan trascendente, porque el segundo punto es que la campaña ha traspasado varios límites. La película comienza con un video de la contrincante de Danka, el que puede otorgarle dividendos políticos, pero resulta que es falso. Dos temas acá. Uno, el logrado truco que hace parecer reales las declaraciones de la candidata; y dos, que la procedencia del video sea del comando opositor a ella.

Vamos un poco más adentro entonces. La pregunta que emerge es qué hacer con todo esto. Priscilla, asumiendo valientemente su responsabilidad, comienza a investigar, pide ayuda, consulta, pregunta, y lo que recibe de vuelta es una bofetada. Todo apunta a su comando, pero nadie asume nada. El encargado de Redes Sociales está “en llamas” con los últimos acontecimientos de la campaña. Solo importan los números, los “likes”, el impacto en la opinión pública. Y todo aquello va en alza sostenida. Entonces, Priscilla recurre directamente a la candidata, y es la misma Danka la que termina por sepultar toda posibilidad de esperanza. Priscilla se queda sola, sin piso, y en ese momento se hace evidente lo más trascendente: cuál es su convicción moral, aquellos principios intransables que pueden poner en riesgo el ganar una elección.

Dos subtramas se tejen en paralelo a la historia principal. El tema familiar de Priscilla, y su relación con Danka. Sin profundizar, el director deja claras las piezas para que armemos rápidamente el mapa y entendamos mejor las acciones que lleva a cabo la jefa de campaña. No es necesario ahondar más, los quiebres son tan claros como el agua, y el daño, profundo como un océano.

Excelentes actuaciones de Tamara Acosta y Katty Kowaleczko, sensibles, emotivas, y al mismo tiempo violentas, fuertes y sinceras. Es una lástima que los personajes secundarios no estén a la misma altura, porque la diferencia es demasiado grande, no solo en sus diálogos, sino que también en posturas corporales, miradas y actitudes.

El tema de la inteligencia artificial captura el debate actual. ¿Usarla, no usarla? Beneficios y ventajas, versus falencias y pérdida de autenticidad. La película no toma una opción, pero sí nos hace ver, al menos, algunos de sus peligros. Y no están en la tecnología, sino en la manera cómo la utilizamos. Hace mucho tiempo que la falsedad se ha tomado los espacios públicos digitales con audios falsos y videos falsos. No es de ahora, esto lleva años. El tema es que actualmente las herramientas para crearlos están disponibles casi para todo el mundo y de forma prácticamente gratuita, y tal vez por ello el riesgo es aún mayor.

Quizás sin proponérselo, esta apuesta de Iñaki Velásquez se decanta por sensibilizar acerca de este tema que está en boga aportando una mirada lúcida respecto a las prioridades que están en juego. Primero, la verdad, segundo, la convicción moral en el actuar, y tercero, firmes principios que hagan frente a potentes efectos desestabilizadores. ¿Cómo se consigue todo esto? No hay recetas, sin embargo intuyo que la respuesta va por el camino de la educación y el discernimiento en valores. Y esto ha sido y sigue siendo fundamental, con o sin inteligencia artificial.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original (Español): Deepfaked_
Título en Inglés: Deepfaked_
Formato: Cortometraje
Género: Ficción
Sub-género: Drama / Thriller
Duración: 31 minutos
Año: 2024
Productora: Prismático Cine / Mags Films

jueves, 21 de noviembre de 2024

Gladiador II - Por Jackie O.

"Sangre y arena"


16 años después de la muerte de Máximo Decimo Meridio, su hijo Lucio Vero vive refugiado con su esposa Arishat, en Numidia bajo el nombre de "Hanno". Hasta que el ejército romano, dirigido por el general Marco Acacio, invade la ciudad y durante la guerra, Arishat muere asesinada por órdenes de Acacio, mientras que Lucio es esclavizado tras la conquista de Numidia para ser obligado a luchar en la arena local como prueba para los traficantes que desean comprar esclavos como gladiadores.

Misma fórmula conocida: la venganza y recobrar un legado. Fórmula que funciona, ya que vemos camo Lucio está lleno de irá para cobrar venganza con Acacio por la muerte de su mujer, y eso lo lleva a destacar en la arena, ganar la confianza "de su comprador", Macrino, un sujeto inescrupuloso que busca sacar el máximo provecho de lo que sea, y por supuesto con Lucio, lográndolo, porque Lucio es el mejor y lo demuestra en cada pelea que vemos en pantalla. Pero cuando Lucilla se percata que está frente a su hijo, la historia comienza a tener otro rumbo, aquel de recobrar la herencia que por sangre le corresponde a Lucio, y que ha sido arrebatada por los emperadores desquiciados, Geta y Caracalla.

La historia está bien contada y actuada por su protagonista, Paul Mescal, su interpretación es creíble. Y aunque algunos señalen que trata de parecerse y no es Russel Crowe, pues les digo: debe parecerse, es su hijo, y Mescal trabajó en posturas y gesticulación similar. Denzel Washington, destacadísimo, digno de nominaciones en los próximos festivales. En cuanto a Pedro Pascal, está apagado, sin profundidad, un rol que cualquier actor, y hasta uno desconocido, lo habría realizado.

El guion es bueno, pero nada memorable, es efectiva, directa y violenta. Por supuesto que tiene fallas de historia universal, porque no estamos ante un documental, es una película ficcionada, hecha para taquilla.

Vestuario, maquillaje y peinado fabulosos.
Escenografías deslumbrantes, con mucho detalle interesante.
Efectos visuales, más o menos, nada que destacar.
Efectos de sonido buenos. Con la banda sonora hubo un acierto en colocar piezas de la banda de su predecesora.

Cinta que muestra situaciones de carácter social y político, donde la maldad humana está latente y es brutal, hasta el punto de incomodar, con diversos temas que van desde la venganza, envidia, amor, traición, lealtad, dolor, perdón y esperanza.

Ficha técnica

Dirección: Ridley Scott
Guion: David Scarpa
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: John Mathieson
Montaje: Claire Simpson
Protagonistas: Paul Mescal, Denzel Washington, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, May Calamawy, Connie Nielsen, Derek JacobiVer todos los créditos
Reino Unido. 2024
Género: Acción Drama, Histórico
148 minutos

El Nuevo Look - Por Jackie O.

"La moda en tiempos de guerra"

Sinopsis: La serie sigue la historia del gremio de la moda en la ciudad de París después del fin de la Segunda Guerra Mundial, con la llegada de los nuevos enfoques y de los nuevos diseñadores de moda que crearon tendencia, como Christian Dior (Ben Mendelsohn) y su línea de ropa y estilo The New Look, o la brillante Coco Chanel (Juliette Binoche).


La serie comienza con una entrevista a Dior, quien ante una pregunta incómoda, pero que él quiere aclarar, sobre su participación o no con nazis en la Segunda Guerra Mundial, y de cómo afrontó esa intervención, él comienza a explayarse mientras retrocedemos a los hechos visualmente.

Ahí vemos a jóvenes, y poco o nada conocidos, diseñadores de moda, que al escuchar sus nombres hoy los veneramos por el gran aporte a la industria de la moda. Vemos cómo comenzaron a escalar, pero los principales protagonistas son Christian Dior y Coco Chanel, esta última ya consagrada en ese momento. Ambos tienen historias separadas, cada quien con sus problemas, sean personales o de la industria del diseño. Pero los une la invasión nazi y cómo sobrevivieron a ella. De cómo Christian se entera que su hermana Catherine está involucrada en grupos de revolucionarios cansados de esta ocupación nazi y de cómo debe lidiar cruelmente con ellos.

Una biografía ficcionada que nos cuenta cómo la moda fue clave en ayudar a la sociedad a salir de la posguerra, de que no estamos ante, tal vez se cree, algo superficial o banal, sino que salvó a algunos y levantó un país.

Y aunque los protagonistas y posibles rivales de la industria que nos presentan, este apacible Christian Dior, y una odiosa y fuerte Coco Chanel, la serie no se centra del todo en la rivalidad de ambos, que tal vez se esperaba por los auditores. Sí sabe canalizar y unir las diversas historias que vamos viendo.

La introducción en cada capítulo está muy bien ejecutada, y se ve muy bella a pesar de su horror, ya que mezcla la belleza de la moda con los horrores de lo que conocemos en de la Segunda Guerra Mundial.

Vestuario, por supuesto que bello, y me habría gustado ver más.
Maquillaje y peinados buenos, así como la escenografía.
Las actuaciones, muy destacables de los protagonistas, aunque algunos secundarios se ven diluidos por momentos.

Una historia de los horrores de la Segunda Guerra Mundial contada desde otro punto de vista, donde algo que tal vez, como ya señalé, se crea superficial, como es la moda, ha servido para que muchos pudieran crecer y levantarse.

Disponible en Apple TV+.

Ficha técnica

Creado por Todd A. Kessler
Protagonistas: Ben Mendelsohn, Juliette Binoche, Maisie Williams, John Malkovich, Emily Mortimer, Claes Bang.
Compositor James S. Levine
EEUU. 2024
Temporadas: 1
Episodios: 10

miércoles, 20 de noviembre de 2024

Wicked - Por Carlos Correa Acuña

Una pregunta detona todo: ¿eran amigas? Hablamos de la Bruja Buena del Norte y la Bruja Mala del Oeste, las dos protagonistas de “Wicked”, compuesto por Stephen Schwartz, y que se convirtió en un verdadero fenómeno de taquilla luego de ser estrenado el año 2023. Broadway marca la pauta; era solo cuestión de tiempo para que este musical, el segundo más exitoso de la historia y uno de los “top 3” en superar el millón de dólares en recaudación, llegara a la pantalla grande.

Pasaron 21 años y ya tenemos el producto terminado, o al menos en su fase uno, pues esta película de 2024 se limita solo al primer acto de la exitosa obra. En un escenario anterior a los hechos narrados por Baum en la historia original, vemos a Galinda -Ariana Grande-, y a Elphaba -Cynthia Erivo-, cuando llegan a la Universidad Shiz para formarse como hechiceras. Es decir, esta primera entrega describe con lujo de detalles la juventud de las que serán futuras enemigas.

Elphaba, de piel verde y tímidos comportamientos, asiste principalmente para acompañar y cuidar a su hermana Nessarose -Marissa Bode-, pero destaca de inmediato debido a poderes que llaman la atención de Madame Morrible -Michelle Yeoh-, la directora de la institución. Elphaba y Galinda hacen cortocircuito, no se llevan por nada, marcando un inicio en el que son como agua y aceite, y que, con el correr de los minutos, va mutando hacia una gran amistad que les llevará a ubicarse en primera línea y emprender un viaje alucinante para conocer, nada más y nada menos, que al renombrado y misterioso Mago de Oz -Jeff Goldblum-.

Lo primero que destaca de esta mega producción es su sonido y filmación. La partitura de Stephen Schwartz es vibrante, y responde casi al cien por ciento de la esencia de este trabajo. Representa muy bien el ensueño, un mundo mágico muy bien llevado a la pantalla que combina coreografías y cantos, con un amplio despliegue escénico propio del mundo de las maravillas.

Si bien no es mucho lo que en acontecimientos sucede, la película se da todo el tiempo del mundo para explorar en las características de sus protagonistas, casi como si se tratara de un estudio acabado de personalidades. Y aquí, al menos, tenemos dos estereotipos básicos. Galinda, que representa la corrección absoluta, el deber ser, y el camino trazado con mucha anticipación; y el de Elphaba, en las antípodas, muy diferente y en extremo conflictuado, lleno de temores que provienen de un sinnúmero de situaciones no resueltas.

Aparecen dos conceptos clave a la hora de mostrar los caminos que finalmente emprenden ambas jóvenes. Uno, lo que implica ser popular; y dos, el enorme valor de la amistad. Galinda es popular, lo sabe y además lo usa. Tiene todo a su favor, sin embargo algo le dice que no puede dejar atrás a Elphaba. Es interesante cómo se va desarrollando este acercamiento, desde una enemistad odiosa, hasta una cercanía como si fueran hermanas de sangre.

A pesar de no ser fan de los musicales, “Wicked” me parece que está bien logrado. Si bien no me cautivó, reconozco sus méritos y percibo que tendrá un gran éxito, tal como su obra homónima. Los 160 minutos de duración, eso sí, se sienten, no pasan rápido, pero la música aliviana muchas escenas argumentalmente débiles gracias al desplante de los roles protagónicos. Dentro de los números, uno de los más logrados es “No soy esa chica”, un solo de Elphaba que corresponde a un momento de inflexión tanto dentro de la historia como también respecto a la propuesta vocal y musical.

“Wicked: Part One”, también tiene un par de cartas bajo la manga con las que quiero finalizar mi reflexión. La estrategia de lograr la unión en base a un enemigo común es tan vieja como el hilo negro, tanto como la premisa “divide para gobernar”. En este caso, aplican al cien por ciento, y su dureza se hace sentir. Aunque la historia parte con los hechos recientes y luego se remonta al pasado, parece que en miles de años el mundo no ha cambiado un ápice. La segunda carta se refiere al proteccionismo animal y sus consecuencias, algo que daría para otro comentario pero no es menester profundizar en estas líneas. Y como tercera, lo que representa la figura del Mago de Oz: ese gran poder de liberación que encarna y que logra cambiar el rumbo de la historia y, por supuesto, de sus protagonistas.

En un año más tendremos la segunda parte y se cerrará el ciclo. Solo 365 días de espera, nada más. Vamos por ello.

Ficha técnica

Título original: Wicked: Part One
Año: 2024
Duración: 160 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Fantástico. Aventuras. Musical | Tornados / Huracanes
Guion: Winnie Holzman, Stephen Schwartz. Musical: Winnie Holzman. Novela: Gregory Maguire. Personaje: L. Frank Baum
Música: Stephen Schwartz
Fotografía: Alice Brooks
Reparto: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Bowen Yang, Marissa Bode, Peter Dinklage, Michelle Yeoh, and Jeff Goldblum
Dirección: Jon M. Chu

lunes, 18 de noviembre de 2024

Aullido de Invierno - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Una pareja de adultos mayores, que sobrevivieron décadas de esclavitud dentro de un poderoso enclave en el sur de Chile, ahora vive aislada en la Patagonia. Su único propósito es vivir, en el presente, el pasado que nunca tuvieron, mientras luchan contra su mayor miedo: el olvido de la sociedad. Esta historia documental se combina con una historia de ficción, en la que una mujer, ante la inminente pérdida de su memoria, decide adentrarse en un bosque para desenterrar un secreto, y así intentar pedir perdón por una culpa que ha cargado toda su vida, que se vincula con el capítulo más oscuro de la historia reciente de Chile.


Tres partes, dos historias. Un documental y una ficción que se enlazan para narrar temas aparentemente muy distintos pero que tienen mucho en común. El director Matías Rojas Valencia dibuja el vértice entre ambas uniendo en un solo lamento la memoria y el olvido.

De Colonia Dignidad hemos conocido bastante, pero tal como en otros sucesos desgarradores y traumáticos, parece que nunca es suficiente. Esta vez, y desde una perspectiva íntima, el relato en primera persona de Ingrid Zsurgelis y Franz Bäa, resulta ser un testimonio vivo de años de sufrimientos y postergaciones que, a pesar de su extrema dureza, fortalecieron una relación de pareja que en el presente es más firme que una roca.

En cambio, la ficción corre por un camino opuesto. Vemos a una mujer que no quiere perder su recuerdo y que necesita redención por sus actos. Teme olvidar, cuando lo más sencillo tal vez sería hacerlo, para así desligarse de un pasado que le carcome y que tiene el peso de una mochila de acero.

“Aullido de invierno” es una historia de amor. La de los colonos, claro, pero también la de esa mujer que busca expiar su culpa. Puede parecer extraño, incluso una paradoja, sin embargo es necesario escarbar capas adentro para encontrar aquella significación. En Ingrid y Franz eso es clara como el agua, un amor que pudo ser destruido por las circunstancias que lo rodearon pero que sobrevivió y se concretó en forma sólida. En el otro caso, y esa es mi hipótesis, hubo una historia de amor que fue interrumpida bruscamente y lo que busca esa mujer es rescatarla, reconstruirla y recomponerla, esperando que no sea demasiado tarde.

“Aullido de Invierno”, ganadora del Sanfic 20, “ex aqueo”, quiere plantearse como un poema lleno de signos y melancolía. Si el invierno se pudiera asociar a la vida, lo podríamos plasmar en la historia presente de los colonos. Y si lo asociáramos a nuestra mente, bien podría corresponder al deterioro de la memoria de esta mujer que que deambula en busca de la luz. En ambos casos, invierno podría entonces ser sinónimo de frío y ocaso, una progresión hacia un final tan desconocido como inevitable, al que solo la fortaleza del amor y el perdón podría hacerle frente sin condiciones.

Tal vez la elección del Minuetto en sol menor de Handel representa figurativamente el invierno, y la Pasacaglia sobre un tema del mismo compositor inglés (de la Suite no.7, HWV 432), y arreglada como tema con variaciones por Johan Halvorsen, represente la redención y un paso más allá. ¿Qué piensan ustedes?

Ficha técnica

Título original: Aullido de invierno
Año: 2023
Duración: 98 minutos
País: Chile
Compañías: A Simple Vista Producciones, Clara Films, MaravillaCine. Distribuidora: Storyboard Media
Género: Documental. Drama
Guion: Matías Rojas Valencia
Fotografía: Andrés Cárdenas
Reparto: Ingrid Zsurgelis, Franz Bäar, Paulina García, Amalia Kassai, Patricia Cuyul y Clara Larraín
Dirección: Matías Rojas Valencia

sábado, 16 de noviembre de 2024

Niko: La aventura de las narices frías - Por Jackie O.

"Lo errores ayudan a crecer y aprender cuando se toman sabiamente"


Sinopsis: Niko, un joven reno volador, sueña con unirse al equipo del trineo de Santa Claus. Cuando accidentalmente pierde el trineo, su persecución para recuperarlo le enseña sobre la amistad y ser fiel a sí mismo.

Niko es un joven reno que quiere pertenecer al equipo de "Las fuerzas voladoras", que son los mejores renos encargados del trineo de Santa Claus, como su padre. Debe pasar por pruebas de habilidad, pero como no hay contrincantes, va a ser nombrado, pero aparece una jovencita para competir por el puesto, Estela, algo inusual que sea una chica, pero compiten. Niko es un jovencito amable y competidor, pero ella ansía más el puesto y está dispuesta a todo. Y antes de dar la última prueba, Niko en su inocente amabilidad, le da una sorpresa a Estela mostrándole el trineo. Pero la chica sin que nadie se percate roba el trineo, llevándoselo a su padre, un reno que nunca pasó la prueba para ser de las "fuerzas voladoras" y eso lo tiene con odio en su corazón hacia Santa Claus y todos sus renos, buscando venganza junto a los otros que no pasaron la prueba en el pasado.

Estela está siendo criada por su padre, quien tiene mucho odio en su corazón, y ella se ve una niña que es buena, pero no sabe qué hacer.
Lo peor, es que falta un día para Navidad y Niko sale en búsqueda del trineo junto a sus amigos, a pesar de los peligros que les espera.

¿Qué harán Estela y Niko? ¿Luchar por la familia, aunque den malos ejemplos? O, ¿irán por otro camino?

Una historia navideña especial para los pequeños del hogar que nos habla de la amistad, de la familia, de la competencia y también de la venganza. Todos estos temas, para conversarlos con los más pequeños, principalmente cuando se trata de competencias y de la venganza, de cómo llevar una competencia sana y eliminar el sentimiento de la venganza con el perdón y la bondad.

La animación es clara, luminosa y con personajes muy simpáticos, que hará que se pase rápido la historia.

Ficha técnica

Título original:Niko: Beyond the Northern Lights
Niko: Más allá de la aurora boreal
Dirección: Kari Juusonen y Jørgen Lerdam
2024. Finlandia
86 minutos
Guion: Kari Juusonen, Marteinn Thorisson y Hannu Tuomainen
Música: Craig Stuart y Eimear Noone

viernes, 15 de noviembre de 2024

Mi vecino Adolf - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: En mayo de 1960, el Sr. Polsky, un judío polaco, anciano y gruñón, sobreviviente del Holocausto, vive solo en un remoto campo de Colombia, pasando su tiempo haciendo jardinería y jugando al ajedrez. Un día, poco después del secuestro del criminal nazi Adolf Eichmann por agentes del Mossad en Argentina, un misterioso anciano alemán, Herzog, se muda a la casa de al lado. Polsky comienza a sospechar que el hombre no es otro que el propio Adolf Hitler, creyendo que Hitler fingió su propio suicidio, cambió su apariencia y huyó a América del Sur. A pesar de que nadie le cree, Polsky está decidido a demostrar su punto de vista, por lo que decide acercarse a Herzog para reunir pruebas.


El director Leonid Prudovsky, un poco en broma, un poco en serio, se sumerge en un estudio de personalidades con esta pieza íntima de corte teatral. Después de los primeros cinco minutos, un brusco salto temporal, de 1934 a 1960, nos sitúa directamente en el escenario en el que se desenvuelve la trama. Polsky -David Hayman-, como se ha mencionado, es un hombre solitario golpeado por la crudeza de la vida. De pocos amigos, nada le cae en gracia, menos aún cuando llega este nuevo vecino a revolucionar la tranquilidad de su entorno.

El rosal que Marek Polsky cuida con esmero resulta ser el mayor punto de conflicto, pues la cerca que separa ambas viviendas debería ir justo al medio de la plantación. Pero el rosal no se puede trasplantar; las flores morirían. Por eso, en un acto de desprendimiento, eso sí con condiciones impuestas al nuevo vecino, Polsky cede para que el conjunto quede ahora en la propiedad contigua. Pero el significado de las rosas es más trascendente, por lo que no puede dejar de cuidarlas de la noche a la mañana, hasta que… lo sabemos, Marek Polsky se convence de que su vecino es el mismísimo Adolf Hitler.

La película fluye con altos y bajos y con ritmo oscilante entre la comedia, el drama y los juegos. La banda sonora, compuesta especialmente por Łukasz Targosz, es interesante, especialmente al comienzo; sin embargo, pronto se torna repetitiva en sus motivos y pierde frescura al transformarse en un protagonista que se roba la escena. Y no está mal, por momentos es un verdadero concierto, pero desvía el foco hacia algo distinto provocando más una distracción que un natural acompañamiento.

Volvamos a la trama, porque es el acusado de ser Hitler quien da el primer paso para un posible acercamiento. Y es en torno al ajedrez, un tema que queda en el aire luego de un breve primer encuentro entre ambos. Y aquí un detalle. En medio de una de las partidas, escuchamos Bruckner de fondo. ¿Algún significado? ¿Algo más profundo? Bueno, sigamos, porque el punto de inflexión llega con la inesperada muerte del perro de Hermann Herzog. No entraré en detalles, pero este evento propicia la unión entre estos dos hombres. Lo que ocurre a continuación es predecible, ya que la película no busca innovar sino mostrar una intensa historia de amistad desde otra perspectiva.

“My Neighbor Adolf”, en una hora y media, habla sobre temores y pérdidas. También reflexiona sobre la soledad y una vida carente de motivaciones significativas. Cuando están juntos, estos dos hombres se reconocen en sus carencias, descubren que pueden complementar sus diferencias para finalmente abrirse a la posibilidad de interpretar las cosas de un modo diferente al convencional y establecido.

Ficha técnica

Título original: My Neighbor Adolf
Año: 2022
Duración: 96 minutos
País: Israel
Compañías: Coproducción Israel-Polonia-Colombia; 2-Team Productions, Film Produkcja, Tango Films, United King Films, Reisdor Productions
Género: Comedia | Años 60. Nazismo. Comedia dramática
Guion: Dmitry Malinsky, Leonid Prudovsky
Fotografía: Radosław Ładczuk
Reparto: David Hayman, Udo Kier, Olivia Silhavy, Kineret Peled
Dirección: Leonid Prudovsky

jueves, 14 de noviembre de 2024

Niko - La aventura de las narices frías - Por Carlos Correa Acuña

Procedente de Finlandia llega esta simpática animación dirigida por Kari Juusonen y Jørgen Lerdam. Con trazos sencillos, la película deja muy claros sus propósitos al ver cómo un joven reno volador sueña con ser parte del equipo del trineo de Santa Claus. Niko quiere ser grande. Desea salir de casa, enfrentar nuevos desafíos, desprenderse de la guía de sus padres y superar sus temores.

Cumplir su sueño no es sencillo. Pese a ser el principal candidato, debe competir por el puesto con una joven llamada Stella. Las pruebas se suceden una tras otra y se transforman en verdaderas aventuras en el aire y en el hielo. Solo hay un cupo, y ambos jóvenes dan lo mejor de sí para ganarlo.

Niko es amable y, en un acto de generosidad, le muestra el trineo de Santa a Stella. Sin embargo, ocurre algo inesperado: el vehículo de Papá Noel desaparece y el desconcierto es generalizado. ¿Qué pasó? ¿Quién lo robó? Con mucha alegría, la cinta comienza a avanzar para responder estas preguntas centrándose en la búsqueda del preciado trineo, y en el transcurso de su desarrollo descubrimos que hay otro bando, liderado por el padre de Stella, quien tiene una historia pasada que arrastra un fracaso aún no superado.

Con pocos elementos, esta película destaca temas importantes como la confianza y la traición. Casi como si se tratara de una fábula, la cinta no duda en plantear una interrogante profunda sobre qué es lo más valioso, si la misión o la familia. La relación padres-hijos, los lazos familiares, la fidelidad y la honestidad se ponen a prueba frente a numerosas dificultades, logrando que prevalezcan siempre los valores positivos.

“Niko: Beyond the Northern Lights” habla de la necesidad de la amistad, de reconciliarse y de trabajar por el bien común. El mejor ejemplo de esto lo ofrecen los Lemmings, esas adorables criaturas que pueden ser muy pequeñas, pero que todas juntas, enfocadas en un mismo propósito, pueden mover montañas.

Especialmente diseñada para los más pequeños, esta cinta de solo una hora y media de duración nos hace pasar un rato agradable entregando enseñanzas universales de forma lúdica y entretenida.

Ficha técnica


Título original: Niko: Beyond the Northern Lights
Año: 2024
Duración: 86 minutos
País: Finlandia
Compañías: Coproducción Finlandia-Alemania-Dinamarca-Irlanda; Distribuidora: Leonine Distribution, Bac Films, Bir Film, Bluelabel Pictures, Flins & Pinículas, Kino Swiat, Nos Lusomundo Audiovisuais, Pro Film, Svoe Kino, Vertigo
Género: Animación. Aventuras. Infantil | Cine familiar. Navidad. Secuela
Guion: Kari Juusonen, Marteinn Thorisson, Hannu Tuomainen
Música: Craig Stuart, Eimear Noone
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Kari Juusonen, Jørgen Lerdam

miércoles, 13 de noviembre de 2024

Gladiador II - Por Carlos Correa Acuña

La película comienza con una imagen sencilla. Granos de maíz tomados y revueltos por una mano con movimientos lentos. Puede tener muchas referencias, pero solo hacia el final entenderemos el significado de esta apertura. Al alejarse la cámara, vemos a Hanno -Paul Mescal-, quien vive tranquilo con su esposa e hijo en Numidia hasta que los soldados romanos, liderados por el general Marcus Acacius -Pedro Pascal-, asaltan la ciudad, causando muerte, desolación y destrucción.

Ya transformado en esclavo, Hanno es cedido a Macrinus -Denzel Washington-, un traficante y conspirador que maneja un ejército de gladiadores que participan frecuentemente en juegos de lucha. Hanno destaca por sobre sus pares. Fortaleza, rapidez y entereza le permiten salir airoso de duros combates a muerte. Gracias a eso se forja un nombre. Quiere su libertad, pero más quiere vengarse del hombre que mandó matar a su esposa, el victorioso general Acacius, adorado y respetado en el foro romano, y además, marido de Lucilla -Connie Nielsen-, descendiente de Marco Aurelio, una mujer poderosa y muy bien posicionada en la cúspide de la pirámide social.

Dos jóvenes emperadores gobiernan Roma en ese momento: Caracalla -Joseph Quinn-, y Geta -Fred Hechinger-, que parecen no tener nada mejor que hacer que invadir pueblos y divertirse a costa de espectáculos macabros y del sufrimiento de un pueblo reprimido. El Senado está pintado, con papeles decorativos que solo sirven para entregar su anuencia a los caprichos de los dictadorzuelos junto con soñar con una que otra idea suelta para intentar derrocarlos.

Así las cosas, el escenario es un cuadrilátero: Hanno y su sed de venganza; Caracalla y Geta, imponiendo la fuerza a sus anchas; Acacius y Lucilla preocupados por el bien de Roma; y Macrinus al acecho, moviéndose como pez en el agua, tratando de quedar bien con todos, y manejando los hilos, siendo el verdadero poder detrás del trono.

Ridley Scott vuelve en gloria y majestad a la arena que mejor resultado le ha dado en su exitosa carrera. Filmando un guion de David Scarpa, el octogenario director nos entrega una vibrante continuación de su gran éxito del 2000, sin dejar ningún detalle al azar. Esta nueva superproducción es grandiosa, tanto por los escenarios que presenta, como por los efectos especiales que contiene a lo largo de sus casi dos horas y media de duración. Es cierto, hay algunos CGI que son burdos, pero no importa. La recreación de los barcos de la época navegando las aguas y unos tiburones postizos, no le quitan muchos puntos a una cinematografía deslumbrante y que es acompañada por una partitura contundente y vigorosa escrita por Harry Gregson-Williams.

Mescal y Pascal brillan en sus roles. Si bien la interacción entre ambos es menor a lo esperado, sabemos de antemano que ahí está el punto mayor de choque, sin embargo, la historia contiene algunos giros inesperados que la hacen menos predecible de lo que suponíamos. Las caricaturas de los emperadores, muy desagradablemente interpretadas por Quinn y Hechinger, y consiguiendo plenamente su objetivo, no son más que distractores para ocultar el verdadero hilo narrativo de esta cinta. Y no es spoiler, porque sabemos desde antes que Hanno es en realidad Lucius Verus, el antiguo heredero del Imperio Romano e hijo de Maximus, el personaje principal de la película anterior. Por eso, cuando él ve a Lucilla, comienza su transformación. Y, por supuesto, también sucede en ella. Su hijo, a quien envió lejos para protegerlo, está vivo, y aquello pasa a ser lo más importante y, desde ese momento, su razón de ser.

Mención aparte para Denzel Washington y su interpretación de Macrinus. De menos a más, desarrollando un arco amplio, el actor se convierte en el eje de la película y realmente lo hace muy bien. Crece en importancia en la medida que avanza el metraje, y su comportamiento es, finalmente, el que depara las mayores sorpresas en un relato que, aunque tiene una construcción extraída de un manual, está muy bien ejecutada, y por cierto, cumple de sobra con las expectativas que su larga espera ha generado.

“Gladiator II” funciona muy bien. Aunque es extensa, pasa muy rápido. Es entretenida y elocuente, cruda y también sensible. Algunas escenas violentas son impactantes, y no las adelantaré para no privarles de la magia de descubrirlas. No se sorprendan si saltan en el asiento, miran para el lado, o se tapan los ojos. Les puede pasar, sobre todo con algunas secuencias que parecen muy reales y cuyos efectos están dentro de los mejores logrados.

Un mensaje final. Si bien, estamos ante una película que es entretención pura, que no refleja al pie de la letra la historia real, y que ficciona la mayoría de los sucesos, no es difícil advertir lo poco que ha cambiado el mundo en veinte siglos. Las intrigas de palacio, las ansias de poder, la venganza como motor de vida, parecen ganar la batalla, sin embargo hay algo más que puede ser más fuerte. El amor filial, la inspiración en valores que lleven al bien común, y el sacrificio rendido por ellos, parecen tener siempre la oportunidad de reivindicar la bondad por sobre el mal. Evitar enfrentamientos sangrientos, y luchar por ello aunque se corra peligro, podría ser la moraleja de esta segunda parte. ¿Podemos pensar que, como humanidad, aún tenemos esperanzas?

Ficha técnica


Título original: Gladiator II
Año: 2024
Duración: 148 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Scott Free Productions, Red Wagon Productions, Paramount Pictures. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Acción. Aventuras. Drama | Secuela. Antigua Roma. Cine épico
Guion: David Scarpa. Personajes: David Franzoni
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: John Mathieson
Reparto: Paul Mescal, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, Lior Raz, Derek Jacobi, Connie Nielsen, Denzel Washington
Dirección: Ridley Scott

Trapezium - Por Juan Pablo Donoso

Animación japonesa en la línea temática y visual de las antiguas Candy (+ de 45 años atrás) Frutillita, Dora la Exploradora, Heidi, etc.

Solo que ahora la heroína es una muchacha adolescente con los problemas, anhelos, vacilaciones y contradicciones propias de su edad.

Una historia de utopía - quiere ser “ídola”, es decir, estrella de la TV y aclamada por el público. Para ello, convence a tres compañeras de la Academia para formar un conjunto musical llamado Cuatro Estaciones.

Y serán exitosas al comienzo, pero la inmadurez de todas, el peso de la fama, y la confusión existencial las hará separarse por vagas desaveniencias.

El ahora “vacío de fama” será doloroso para Yuu Azuma quien caerá en depresión. Pero el filme se encarga de rescatarla a ella - y también a sus amiguitas compañeras - para descubrir que, si bien tuvieron éxito y lo perdieron, lo más importante fue la amistad, cosa que pudieron recuperar años más tarde siendo ya jóvenes adultas.

Un largometraje de bellas imágenes animadas tradicionales niponas, con algunas gratas canciones y bailes.

La estructura argumental es propia de las fábulas intrínsecamente femeninas, es decir, con leve conflicto antagónico, sin malos ni buenos, sumergidas las muchachas en una sucesión de avatares más emocionales que agresivos. Por ello se sentirá difusa - y casi sin propósito - para los espectadores varones que esperan más acción.

Sin embargo, hallará eco en muchas adolescentes que se sentirán representadas en sus ambiguas turbulencias anímicas propias de la edad y de su género.

Agradecemos que la copia viniera hablada en japonés - mérito de autenticidad - pero lamentamos que los subtítulos al español, en muchos momentos resulten difíciles de leer por venir con letras blancas sobre fondo también blanco.

UN GENTIL LARGOMETRAJE ANIMADO JAPONÉS, EN LA LÍNEA TRADICIONAL, QUE EXPLORA LAS VISCICITUDES DE LA IMADUREZ DE MUCHACHITAS ADOLESCENTES. RECOMENDABLE MÁS PARA PÚBLICO FEMENINO POR SU TERNURA Y DELICADEZA.

Ficha técnica

Título Original: トラペジウム 
2024 Animación, adolescencia, musical Japón - 1,34 hrs. 
Fotografía: Yoshihiro Sekiya 
Edición: Akinori Mishima 
Música: Masaru Yokoyama 
Diseño: Seiki Tamura 
Guion: Yûko Kakihara, Kazumi Takayama (novela) 
Voces: Asaki Yuikawa, Haruka Aikawa, Syoya Kimata 
Director: Masahiro Shinohara

Aullido de Invierno - Por Jackie O.

"La historia no se borra"

Sinopsis: Una pareja anciana sobreviviente de "Colonia Dignidad", lucha por vivir el pasado que les fue arrebatado. Mientras, una exagente de la dictadura busca redención frente a su pérdida de memoria.


Estamos ante un documental ficcionado. Por un lado tenemos a Ingrid, una alemana que llegó de muy joven a Chile a Colonia Dignidad, historia ya conocida, o que se puede googlear. Ahí conoció al joven chileno Franz, nombre que le dieron en el lugar; ahora ancianos viven su presente de la mejor forma que pueden, aislados en la Patagonia. Pero no olvidan, nos cuentan su historia de dolor, pero no desde el odio. Y es su vivencia que los hizo unirse más.

Paralelamente vemos a una mujer (ficción) que deambula por la montaña, pérdida, con una mochila a cuesta, una mochila literal y metafórica. Sus recuerdos no la dejan ser feliz, y necesita sanar.

Ambas historias se entrelazan, estos ancianos nos hablan de su relato, de cómo sobrellevan los recuerdos, versus otra mujer que necesita recordar para perdonarse.

Tal vez el tema de Colonia Dignidad sea muy repetitivo para algunos, pero nos lo cuentan de una forma diferente, que no nace del odio ni del rencor, sino de una forma de vivir la vida que se tiene y de lo que queda en paz con uno y hacia el otro. Que para olvidar no se necesita odiar, sino que sanar y perdonar, de acuerdo a tus capacidades, y con ayuda.

La parte ficcionada nos hace ver sobre la falta de memoria, el olvidar sin remordimiento, u olvidar por vergüenza. De la búsqueda del perdón.

Hay que tener presente que todo país tiene su historia oscura, lo que no hay que olvidar, sino que recordar educando y sin odio. Y salir adelante, buscando ayuda para que no sigamos con esa maldad y daño a cuestas.

Un trabajo bien editado, ambas historias se entrelazan bien. El guion es interesante, dinámico y natural.
Buena fotografía de parajes fríos como la historia, pero cubiertos por una chimenea que puede dar calor en la mente y alma.

Ficha técnica

Documental. 2023 . Chile
Duración: 98 minutos
Guion y dirección: Matías Rojas Valencia
Fotografía: Andrés Cárdenas

martes, 12 de noviembre de 2024

Operación Zombie: Resurrección - Por Carlos Correa Acuña

Ambientada en el sur de Tailandia durante la Segunda Guerra Mundial, Mok -Awat Ratanapintha-, junto a un escuadrón de jóvenes soldados, se lanza contra las fuerzas invasoras japonesas. Lo que él desconoce es que el enemigo carga consigo una horrorosa arma biológica capaz de borrarlos del mapa en cosa de segundos. Por otro lado, el suboficial Mek -Chanon Santinatornkul-, hermano mayor de Mok, recibe la orden de unir fuerzas con los japoneses cuando estos pierden el control del nuevo armamento, descubriendo que estas órdenes podrían significar hasta la muerte de su propio hermano.

En películas de zombies siempre asalta la pregunta respecto al momento en que veremos las primeras apariciones. En este caso, la duda se despeja pronto, a los 16 minutos, momento en el que hacen su entrada con toda propiedad. Y desde ese instante no paran más. Tal vez la única pausa del filme, lo más tranquilo y mesurado, está en los primeros minutos, en ese breve preámbulo que nos muestra la vida cotidiana de los soldados en un campamento sin que podamos siquiera advertir lo que acontecerá posteriormente.

En palabras del director, Kongkiat Khomsiri, “la película habla sobre la hermandad y los lazos fragmentados, con los zombies actuando como catalizadores de este quiebre. Siguen siendo los zombies que conocemos, pero les damos una razón creíble y plausible para su existencia. Siempre he creído que el terror no solo debe asustar, sino también reflexionar sobre las relaciones humanas”.

“Operation Undead” intenta tener una base de sustento diferente para contar una nueva historia sobre muertos vivientes. Lo consigue a medias, trastabillando, rozando lo grotesco, pero con espacio para intercalar algunos elementos de la cultura oriental. Lo que decepciona es que, a pesar de tener una plausible razón de ser, la película se refugia en lo conocido y no logra salir de su zona de confort. Y es que resulta muy difícil resistir la tentación de mostrar imágenes caníbales y secuencias enteras de enfrentamientos. Y hay que tener estómago para poder terminar de verla, porque si en algo destaca este trabajo es en sus espeluznantes efectos especiales.

Solo para fanáticos del género y que ademas tengan la piel muy gruesa.

Ficha técnica

Título original: Operation Undead
Año: 2024
Duración: 110 minutos
País: Tailandia
Compañías: IFA Media Productions, Threesixzero Productions, Kongkiat Production
Género: Terror. Drama. Bélico | Zombis. Años 40
Guion: Narit Pachoei, Kongkiat Khomsiri, Pass Patthanakumjon, Suebpong Srihatri
Música: Giant Wave
Fotografía: Pramett Chankrasse
Reparto: Seigi Ozeki, Awat Ratanapintha, Supicha Sangkhachinda, Chanon Santinatornkul, Nobu T Watanabe
Dirección: Kongkiat Khomsiri

lunes, 11 de noviembre de 2024

Código Traje Rojo - Por Carlos Correa Acuña

Santa Claus es secuestrado. Conmoción en el Polo Norte. Se activan las alarmas. Faltan menos de dos días para la Navidad. Callum Drift -Dwayne Johnson-, el poderoso jefe de seguridad, inicia un operativo gigante para dar con los captores.

Pero la historia no parte así. Se remonta 30 años antes en uno de los mejores inicios para una película navideña: la anti Navidad. En ese momento conocemos a Jack O'Malley -Chris Evans-, un niño que no tiene ningún problema en plantar cara y decir todo lo que piensa y sin filtro. Un infante contra la Navidad y contra Santa. ¡Qué contradicción! Pero en el presente, Jack no ha variado mucho su forma de ser. Por el contrario, ha acrecentado sus características, y podríamos decir que es todo un antisistema, un tipo que, oportunidad que ve, la usa para provocar o causar algún daño o algún problema. No en vano es un afamado hacker y, además, un reconocido cazarrecompensas.

Entonces, ¿cómo se juntan Callum con Jack? La necesidad tiene cara de hereje, se ha dicho por años, por lo que ante circunstancias acuciantes, todo vale. La misión de recuperar al señor Claus bien vale la pena. La Navidad no está en peligro pero sí la repartición de los regalos y todos los niños que ansiosamente los esperan. ¿Lograrán su objetivo, contra harto más que viento y marea?

Luego de una premisa y un comienzo prometedor, esta película dirigida por Jake Kasdan, y basada en una historia original de Hiram Garcia, va perdiendo fuelle con el paso de los minutos, desconfigurándose poco a poco. ¿Qué significa esto? El inicio elocuente y hasta la secuencia del rapto, la cinta funciona muy bien, pero, desde ese momento, las lagunas se van haciendo cada vez más grandes. La acción va decayendo, al tiempo que los momentos pausados y de diálogo no logran compensar un ritmo en declive que no logra ser sorteado ni siquiera por el reconocido carisma de sus protagonistas.

Y en esto quisiera detenerme un poco. Ambos, Dwayne Johnson y Chris Evans, no son unos aparecidos. No. Saben de qué se trata esto y muchas veces han debido soportar sobre sus hombros el peso de mantener películas enteras. Incluso, ya han trabajado juntos con éxito. Pero algo sucede en esta entrega. Es extraño, pero no hay mucha química entre ellos cuando están juntos en pantalla. Evans, solo, se las arregla para hacer un rol distinto a sus últimos papeles y realizarlo en forma convincente. Por otra parte, Johnson apaga un poco su habitual carisma para ser un frío jefe y despertar solo a goteras cuando las situaciones lo ameritan. Sin embargo, cuando los dos se reúnen, parecen imanes que no se juntan, como que se anulan en vez de aprovechar el potencial de una dupla que podría fácilmente encenderlo todo. Extraño. Como para darle más de alguna vuelta.

“Red One” no pasa de ser una película más que tiene la Navidad como excusa. Interesante en su concepto, pero con muy poco desarrollo. Y el problema, tal vez, son las expectativas que genera, porque lo que promete no lo alcanza a cumplir. ¿Entretiene? Sí, pero a medias. Se hace larga, sobre todo en su parte central, y su conclusión es tan evidente que ni siquiera guarda una sorpresa bajo la manga. Ni siquiera la mezcla de géneros ayuda mucho, porque lo fantástico se combina con temas familiares, y las demás tramas de la historia pasan a pérdida cuando no se mantiene un foco y un punto de llegada que resulte más preciso.

Bueno, no pidamos tanto. Tenemos una película para pasar el rato y luego olvidarla inmediatamente. Y aquello no es malo, es lo que hay, y nada más.

Ficha técnica

Título original: Red One
Año: 2024
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Seven Bucks Productions, Chris Morgan Productions, Detective Agency, The, Amazon MGM Studios
Género: Fantástico. Acción. Aventuras. Comedia | Navidad
Guion: Chris Morgan. Historia: Hiram Garcia
Música: Henry Jackman
Fotografía: Daniel Mindel
Reparto: Dwayne Johnson, Chris Evans, Lucy Liu, Kiernan Shipka, Bonnie Hunt, Nick Kroll, Kristofer Hivju, Wesley Kimmel, J. K. Simmons
Dirección: Jake Kasdan

domingo, 10 de noviembre de 2024

Deepfaked - Por Jackie O.

"La tecnología mal utilizada"


Un deepfake es un video, una imagen o un audio generado que imita la apariencia y el sonido de una persona. También llamados "medios sintéticos", son tan convincentes a la hora de imitar lo real, que pueden engañar tanto a las personas como a los algoritmos. Los deepfakes son generados por la Inteligencia artificial en directo, y sus formas más comunes de aplicación son en videos o en filtros de realidad aumentada.

Luego de esta pequeña aclaración sobre el nombre de este mediometraje, pasemos a lo cinematográfico que nos presenta este director.

Estamos ante elecciones presidenciales, donde dos contendoras que disputan voto a voto, Danka Marull (Katty Kowaleczko) y Adriana Arteaga (Catherine Mazoyer), buscan captar la atención del público para ganar. Pero alguien hace circular un falso video de Adriana, y Priscilla (Tamara Acosta) jefa de campaña de Danka, comienza a efectuar averiguaciones y se entera de que alguien en su oficina falseó contenido de su contrincante, jugando sucio en esta campaña.

Ahí estará en juego la moral y ética de Priscilla, para dejar eso ahí, o continuar y desenmascarar a quién sea.

El trabajo cinematográfico presentado está muy bien realizado como mediometraje, no necesitamos agregarle más minutos, es corto, preciso y conciso. Nos toca un tema real y las implicancias de su riesgo, un tema actual que es una buena herramienta para ser utilizada de muchas formas para el beneficio de terceros, pero cuando cae en manos equivocadas, para perjudicar a otros, puede llegar a ser mortal.

Las actuaciones son creíbles, y vienen de la mano de connotados actores y actrices, un guion fluido y claro, con un mensaje de alerta para tomar buenas decisiones, tener precauciones y profesionalismo con los avances tecnológicos, y que la moral no se vea corrompida.

Disponible desde el 10 de noviembre en YouTube.

Ficha técnica

Chile. 2024
Genero: Drama / Thriller
Duración: 29 minutos
Director: Iñaki Velásquez

sábado, 9 de noviembre de 2024

La Matriarca - Por Carlos Correa Acuña

Nueva Zelanda, plena década de los 90. Sam -George Ferrier-, estudia en un internado y su padre lo busca para llevarlo a casa por un fin de semana. Como buen adolescente, Sam no quiere nada y apenas accede a viajar con él. Motivos hay muchos, pero se agrega uno muy poderoso para no querer ir. Su abuela paterna estará de visita pues necesita recuperarse de una intervención a sus piernas.

Así comienza “Juniper”, una película que lentamente va mostrando sus cartas y que captura nuestra atención desde el primero momento. Hay muchas cosas que no sabemos pero que vamos conociendo cuadro a cuadro. Hay un duelo, una pérdida que tiene a Sam en extremo deprimido.

Para pesar del joven, la abuela llega a ocupar la pieza de su madre, y, aunque trata de evadirla, el temido encuentro con ella ocurre más temprano que tarde. Y no es afortunado ni grato. Por el contrario, se trata de un enfrentamiento declarado, una confrontación que no se guarda nada, ni en la forma, ni en el fondo.

El guionista y director Matthew J. Saville, muestra su talento desde la entrada. Con pocos elementos, es capaz de delinear perfectamente los perfiles de cada uno de sus personajes. Basta un encuadre, un diálogo corto y preciso, o bien un pequeño gesto, para comprender perfectamente el papel que tiene cada uno, incluso con sus rasgos característicos potenciados sin la necesidad de entregar mayores explicaciones.

Después del primer round abuela-nieto, el segundo llega muy pronto. El padre de Sam debe viajar a Inglaterra y su madre no puede quedarse sola al cuidado de su enfermera personal. Es imprescindible que el joven participe en el cuidado y pueda auxiliar a la anciana cuando la asistente no pueda estar presente. La necesidad es clara pero Sam no quiere asumirla. Es totalmente obligado a cumplir la instrucción de su padre.

A esta altura ya conocemos un poco más. Ruth -Charlotte Rampling-, requiere mucha atención, ya que no puede valerse por sí misma ni siquiera para ir al baño. Sin asistencia, no puede hacer nada. La situación no solo es ingrata, sino que se hace insoportable pues el carácter de la señora, además, es del terror. Autoritario es poco decir. En verdad es una persona complicada con letras mayúsculas, pero lo que no sabemos es por qué es así. Un encuentro con un sacerdote anglicano entrega un par de luces al respecto, cuando ella se niega a recibir ayuda espiritual. En sus propias palabras, ella “ya está en el infierno”.

Desde el momento en que el joven nieto y la anciana abuela se quedan solos, la brutalidad y los maltratos, por parte de Ruth, aumentan. Sam se desespera, no ve ninguna salida, su vida se torna todavía más frágil; debe tomar una decisión.

El director sabe llevarnos de la mano a través de una historia que va creciendo en intensidad en la medida que conocemos más detalles que no es bueno adelantar. Sí podemos decir que se trata de una película sobre relaciones madre - hijo, padre - hijo, y abuela - nieto, tres generaciones marcadas por eventos que han dejado cicatrices en cada uno de ellos.

Estamos también en presencia de un cuidadoso estudio de personalidades que ocultan o niegan emociones y sentimientos en presencia de sus seres más queridos. los conflictos son subterráneos y persistentes, revelándose en las capas profundas de la narrativa que se vuelve más interesante con cada minuto que transcurre.

La lista de problemas no resueltos es grande. La ausencia y la posibilidad de otra pérdida gatilla aún más temores. La soledad emerge como la principal amenaza. Ante la dificultad para sentir, el antídoto parece ser no quedarse solo, la necesidad de estar acompañado.

Soberbia actuación de Charlotte Rampling encarnando a Ruth, muy bien secundada por George Ferrier quien da vida a su nieto Sam. La tensa relación entre ambos y los paulatinos cambios de comportamiento, se sienten naturales. En ningún momento se nota algo que haga forzadas sus caracterizaciones. Al contrario, la frescura de las actuaciones permite pensar que, incluso, algunas escenas pudieron hasta ser improvisadas.

Cocinada a fuego lento, Juniper (traducida como La Matriarca, título en español que no le hace justicia), es una película reflexiva que contiene un importante mensaje en el interior. Hablamos de la necesidad de la reconciliación para aceptar y sanar heridas, un proceso vital para enfrentar la pérdida de los seres queridos, y preparar el corazón para poder seguir adelante. Cuando eso no está, la vida resulta imposible y no hay forma de ver alguna luz. La posibilidad de transformarnos internamente pareciera ser la respuesta, la que generalmente proviene desde donde menos lo esperamos.

Ficha técnica

Título original: Juniper
Año: 2021
Duración: 94 minutos
País: Nueva Zelanda
Compañías: Distribuidora: Transmission Films
Género: Drama | Vejez / Madurez. Alcoholismo
Guion: Matthew J. Saville
Música: Marlon Williams, Mark Perkins
Fotografía: Martyn Williams
Reparto: Charlotte Rampling, George Ferrier, Marton Csokas, Edith Poor
Dirección: Matthew J. Saville