Blue Jasmine - Por Juan Pablo Donoso

En este filme se integran el talento y la madurez de Woody Allen quien, a los 78 años sigue deleitando a sus admiradores con historias cotidianas.

En varias de sus cuarenta y tantas películas anteriores ha incursionado en tratamientos inspirados en otros directores. Por ejemplo, en INTERIORES quiso narrar a la manera de Ingmar Bergman.

Esta vez, con BLUE JASMINE (mal traducida como El Jazmín Azul) se sintonizó con Tennessee Williams, y para ser más precisos con El Tranvía Llamado Deseo.

Creó personajes centrales muy parecidos a aquellos, pero ambientados en San Francisco y Nueva York de hoy. Y el recurso le funcionó gracias a que su sello es inconfundible, y su ritmo siempre fascinante de seguir.

Cate Blanchett – extraordinaria actriz australiana – es Jasmine French, que fue casada con un supuesto triunfador en los negocios, pero en verdad era un megalomaníaco  estafador (Alec Baldwin).

Cuando  es apresado y se suicida, ella, que con tal de disfrutar de lujos y “socialité” siempre prefirió ignorar las fechorías de su marido, queda pobre y solitaria; porque hasta su hijo escapa del hogar al enterarse que su padre era un fraude.

Jasmine, entonces, decide instalarse en el departamento de su hermanastra, Ginger, (adorable interpretación de Sally Hawkins), quien a su vez, junto a su ex marido fueron arruinados por el marido de Jasmine.

Ambas están ahora sin marido y necesitadas de amor. Vivirán amagos de nuevos romances saliendo triunfadora Ginger gracias a su inteligencia para acatar la realidad, y aceptar sus limitaciones.

Jasmine, en cambio, que ya manifestaba notorios síntomas de esquizofrenia, es incapaz de reconstruir su vida y se sumerge gradualmente en su mundo de recuerdos y fantasías.

Uno de los tantos meritos en la construcción argumental de esta tragicomedia es que Woody Allen, sin previo aviso, mezcla lo actual con los raccontos de ambas hermanas. Y, prodigiosamente, todo mantiene claridad y los personajes nos llegan sinceros y vulnerables.

Quienes conozcan, y recuerden bien El Tranvía Llamado Deseo de T. Williams verán las similitudes de ciertas circunstancias, y las motivaciones de sus personajes principales.  

Admirables las actuaciones de Blanchett, Hawkins, Cannavale y la mayoría de los secundarios.

UN  DELEITE  DE  OFICIO  ARTÍSTICO, INSPIRADO EN  TENNESSEE WILLIAMS, PERO CON EL ENCANTO INDISCUTIBLE DE  UNA  OBRA  DE  WOODY ALLEN.

Ficha técnica

Titulo Original: Blue Jazmine

Distribuidor: BFD

Calificación: 14

Duración: 98 minutos

Género: Comedia - Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Peter Sarsgaard

Director: Woody Allen

Blue Jasmine - Por Carlos Correa

Woody Allen no da tregua a sus 78 años. Con un ritmo vertiginoso y una película filmada cada año, realmente el oficio y maestría para lograrlo es admirable. Su última entrega, "Blue Jasmine", es nuevamente un drama recubierto de esa comedia que sólo Allen puede proponer. Jasmine -Cate Blanchett en un papel construido de forma extraordinaria- es una mujer acostumbrada a los lujos, a los viajes, y a las grandes cenas de la alta sociedad de New York. Su marido Hal -Alec Baldwin- la ha consentido toda su vida, sin condiciones, al menos aparentemente. No obstante, su vida cambia radicalmente pues luego de un giro radical, endeudada y destruida, debe migrar a San Francisco, y llegar a la modesta casa de su hermana Ginger -Sally Hawkins-, mujer trabajadora, separada, madre de dos hijos y con una vida dedicada al trabajo.

"Blue Jasmine" no es sólo la historia de Jasmine y Ginger, ambas hermanas adoptadas por sus padres. Es una historia de vida, de búsqueda de sentido que dos mujeres intentan desde veredas opuestas. Y acá, Allen -el maestro-, sabe perfectamente dar el tono justo al relato, con una mezcla de temporalidad que nunca pierde el horizonte y con un guión excelente, de ritmo creciente y permanente tensión. Cate Blanchett deslumbra con su personaje. Ella es Jasmine, no hay duda. Siempre lo fue y lo será. Conseguirlo así es gracias a su extraordinario talento, el que, unido a la batuta del director, realmente enciende la pantalla y la llena de emoción. Tantos gestos, actitudes, situaciones diferentes, bipolares estados de ánimo, y todo lo que podamos imaginar, pasan por el rostro de una mujer que ha sufrido y mucho. Bajo esa gran capa de apariencias -una coraza casi infranqueable- vive una mujer sensible, que ha querido sobreponerse a la vida y que se ha postergado pensando que ese era su camino. En la otra esquina está su humilde hermana Ginger, una mujer sencilla, trabajadora, sin grandes ambiciones, lo que le permite sobrevivir día a día y leer claramente la realidad que le toca enfrentar. Jasmine es el Cisne; Ginger, el patito feo, pero sólo en apariencia.

Woody Allen tiene un sexto sentido para retratar a las mujeres. Sus personajes femeninos están llenos de una carga emocional tremendamente fuerte. En cambio los hombres o son sustanciosos proveedores o bien elementos decorativos que sólo cumplen provocando conflicto. Las mujeres son, en general, quienes sostienen los relatos, quienes llevan la responsabilidad sobre sus hombros y en quienes se puede profundizar hasta las raíces mismas del alma.

"Blue Jasmine" es una excelente película. Es bueno no saber más de la historia porque podrían perderse algunos detalles y adivinarse parte de la historia. Sin embargo, acá la historia no es lo fundamental. La composición, la forma de desarrollar la trama y la humanidad de sus protagonistas es el verdadero centro. Es lo que nos hace despegar de la butaca y pasar a ser parte del relato, sufrir y gozar con sus personajes; aquello que siempre esperamos del cine y que es cada vez más escaso. En esto, Allen, con puntos más altos y puntos más bajos, en general no decepciona com su filmografía. Su sello personal, su lectura de la realidad y su traspaso a la pantalla grande son notables, con una fuente inagotable de creatividad y originalidad. Ojalá nos siga entregando mucho más en los próximos años, porque su lenguaje cinematográfico, visual y emotivo, tendrá siempre ansiosos espectadores esperando disfrutar y admirar su trabajo.

Ficha técnica

Titulo Original: Blue Jazmine
Distribuidor: BFD
Calificación: 14 años
Duración: 98 minutos
Género: Comedia - Drama
Año: 2013
País: Estados Unidos
Elenco: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Peter Sarsgaard
Director: Woody Allen

Hembra - Por Juan Pablo Donoso

Momentos de virtuosa fotografía. Banda sonora creativa. Actriz hermosa y sensual.

Riesgosa indefinición entre video-arte y drama materno-existencial.

La explicación conceptual y simbólica de sus realizadores – ¡en vivo! - salvan a la cinta de ser sólo una disquisición autoreferente de su autora. 

CON MAYOR SELECCIÓN Y SÍNTESIS NARRATIVA PUDO SER MÁS CLARA Y EMOCIONANTE.

Ficha Técnica

Guión y dirección: Isis Kraushaar y Cristóbal Vargas

Actriz: Isis Kraushaar

Fotografía y edición: Cristóbal Vargas

Chile – 76 minutos

Fantasía poética – experimento de cine-arte

Info BF Distribution

Metegol - Por Carlos Correa

Juan José Campanella, el premiado director Argentino y ganador del Oscar por “El secreto de sus ojos” incursiona en un género diferente con “Metegol”, una cinta animada basada en el cuento “Memorias de un wing derecho”, del escritor argentino Roberto Fontanarrosa. La historia que cuenta la película es la de Amadeo, un joven solitario y tímido, cuya pasión es pasar horas y horas jugando al metegol, popular juego que en Chile llamamos “Taca-Taca”. Enamorado de Laura, aunque ella no lo sabe, Amadeo vive en un pueblo pequeño y anónimo, trabaja en un bar y su sencilla rutina le permite ser por lejos el mejor jugador del popular juego. La vida de Amadeo y de su pueblo se ven seriamente amenazadas cuando Mato Grosso, un joven del pueblo convertido en el mejor jugador de fútbol del mundo, regresa para cobrar revancha de la única derrota sufrida en su vida. En ese momento, Amadeo, con la ayuda de los jugadores del metegol que cobran mágica vida, se embarca en una gran aventura para rescatar a Laura y salvar a su pueblo de las manos del egocéntrico futbolista.

Campanella, si bien enfoca la cinta hacia un público infantil, usa un lenguaje que abarca a todo tipo de público. El relato está lleno de caracterizaciones que dan un gran valor a cada personaje. Y en los jugadores del metegol los tenemos todos: el canchero, el poeta, el “capo”, el soñador, los extranjeros y muchísimos más. Los valores auténticos representados por Amadeo y Laura se contraponen a los antivalores de Mato Grosso, quien sin ser un real villano, ha perdido cualquier rasgo de humildad gracias al éxito desenfrenado, una gran fortuna y un ambiente adulador e interesado solo en su brillante carrera.

La animación lograda por esta coproducción argentino-española es de gran calidad técnica, donde hay un lugar para cada detalle y una cuidada puesta en escena. Cuando la animación pasa a ser solo la forma de contar una buena historia, creo que el objetivo está logrado. Y Campanella, una vez más, nos ofrece cine de calidad, donde lo que más llama la atención es la humanidad de sus personajes y donde es capaz de retratar con muy pocos elementos, la vida sencilla, aquella vida que surge no de los grandes éxitos sino aquella vida que se forma desde las mayores crisis, donde cada uno forma parte de una comunidad y está dispuesto a jugarse por ella, donde todos y cada uno de sus integrantes, asumiendo sus limitaciones y aprovechando sus talentos logran formar un verdadero equipo para conseguir un objetivo común. En ese sentido, “Metegol” es audaz no solo por ser la primera película argentina de animación en 3D, sino por transformarse en una linda fábula animada para ser disfrutada por grandes y chicos, ofreciéndonos amor, amistad y pasión con el fútbol como telón de fondo.

Ficha técnica

Titulo Original: Metegol

Distribuidor: ANDES

Calificación: TE

Duración: 106 minutos

Género: Animación

Año: 2013

País: Argentina - España

Elenco: David Masajnik, Pablo Rago, Horacio Fontova, Diego Ramos y Miguel Ángel Rodríguez.

Director: Juan José Campanella

Círculo de Críticos de Arte de Chile premia lo mejor de 2013

Estos son los premios otorgados por el Círculo de Críticos de Arte de Chile para el año 2013:

CINE

Internacional (Ficción): 

"Amour", de Michael Haneke

2 menciones especiales: "La separación", de Asghar Farhadi - "Gravedad", de Alfonso Cuarón

Internacional (Documental): 

"Woody Allen, el documental", de Robert B. Weide

Nacional (Ficción): 

"Gloria", de Sebastián Lelio

Mención especial: "La pasión de Michelangelo", de Esteban Larraín

Nacional (Documental): 

"El otro día", de Ignacio Agüero

2 menciones especiales: "El salvavidas", de Maite Alberdi - "La última estación", de Cristián Soto y Catalina Vergara

TELEVISIÓN 

(Premio que sólo se entrega a producciones chilenas)

"Ecos del desierto" (dirigida por Andrés Wood, emitida por CHV)

ARTES VISUALES

Internacional: 

"Regalos de la tierra", de Hugo Zapata, exposición en la Galería Isabel Aninat.

Nacional: 

"Formas", de Carolina Yrarrázaval, exposición en el MAC Parque Forestal.

NUEVOS MEDIOS

Internacional: 

Premio ex aequo para "Vanitas", de Joel-Peter Witkin, exposición fotográfica en el Museo Nacional de Bellas Artes, y para la exposición de obras de Georges Rousse, en el MAC Parque Forestal y Espacio Arte Abierto de Fundación Itaú. 

Nacional: 

"Arqueología anticipada", del Colectivo Aninat-Swinburn, exposición en la Galería Isabel Aninat. 

TEATRO 

Internacional: 

"La tempestad", de Shakespeare, dirigida por Declan Donnellan, como parte del Festival Santiago a Mil, en el Teatro Municipal de Las Condes.

Mención especial: GAM, por su programación de ciclos internacionales.

Nacional:

"Castigo", de Strindberg, dirigida por Cristián Plana, en el Teatro La Memoria.

Mención especial: "Ánimas de día claro", de Sieveking, dirigida por Nelson Brodt, en el Teatro Nacional Chileno (Sala Antonio Varas). 

DANZA

Internacional: 

Dos ciclos presentados en el Centro Cultural GAM: el Ciclo Sol Naciente y el Ciclo de Danza Contemporánea de los Países Nórdicos.

Mención especial: "El centauro y el animal", creada y dirigida por Bartabas, como parte del Festival Santiago a Mil, en el Teatro Municipal de Santiago.

Nacional:

Ex aequo: "La colorina", de Luis Eduardo Araneda, en Matucana 100 - "Mayerling", de Kenneth MacMillan, en el Teatro Municipal de Santiago (se premia el espectáculo completo, incluyendo la coreografía, solistas y cuerpo de baile, producción escénica, dirección e interpretación musical)

Mención especial: Luis Ortigoza y Natalia Berrios, por "Mayerling"

MÚSICA 

Internacional: 

Cuarteto Borodin, en el Teatro Municipal de Las Condes, como parte de la Temporada de la Fundación Beethoven.

Nacional: 

Serenata para tenor, corno y cuerdas de Britten, en el Teatro Universidad de Chile (se premia la interpretación de todos los artistas que participaron: las cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Chile dirigida por Juan Pablo Izquierdo, y como solistas el tenor Rodrigo del Pozo y Matías Piñeira en corno francés)

2 Menciones especiales: ex aequo, para dos importantes debuts de músicos chilenos, el pianista Gustavo Miranda en el Teatro Municipal de Santiago y el director Paolo Bortolameolli al frente de la Orquesta Filarmónica, con "La consagración de la primavera" en el Teatro Caupolicán. Y además se reconoce la consolidación de la Orquesta de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile y la Banda Sinfónica de la Universidad de Chile. 

ÓPERA

Internacional: 

"Billy Budd", de Britten, en el Teatro Municipal de Santiago (se premia el espectáculo completo, incluyendo la producción, cantantes, coro, dirección musical)

Nacional: 

Paulina González, soprano, por su participación en las óperas "Romeo y Julieta", de Gounod, en el Teatro Municipal de Santiago, y en "Così fan tutte", de Mozart, en el Teatro Municipal de Las Condes. 

Mención especial: el auge de la opera en circuitos no tradicionales y en regiones, incluyendo en Santiago las producciones de "El retablo de Maese Pedro" y "Così  fan tutte", el estreno en Chile de "La violación de Lucrecia", el estreno mundial de "Gloria" y funciones en ciudades como Temuco, Concepción y Antofagasta, de óperas como "La traviata", "Don Pasquale", "Carmen" y "Las bodas de Fígaro".

La sospecha - Por Juan Pablo Donoso

Si consideramos que dura más de dos horas y media, el director Denis Villeneuve y su equipo sin duda manejaron bien el suspenso, el misterio, las actuaciones y el pulso narrativo.

Gran mérito también del guionista Aaron Guzikowski al tejer tantas peripecias argumentales y personajes sin confundir al espectador.

Alguien secuestra a dos niñas muy pequeñas en un pueblito del Norte de Estados Unidos. Ambas familias viven su angustia al máximo. Hay un detective solitario, sin familia, cuyo orgullo es jamás haber dejado un caso sin resolver.

Pero esta vez la investigación se va complicando cada vez más y confundiendo las pistas. El padre de una de las niñas decide hacer justicia con su mano contra el principal sospechoso, dejado en libertad por falta de pruebas. Este padre secuestrará por su cuenta al sospechoso – un débil mental –, lo torturará sin misericordia con la esperanza de que confiese dónde están las pequeñas y quiénes fueron sus cómplices.

El relato sigue en secuencias paralelas el dolor de las familias, los intentos del detective, y las erráticas pistas que surgen sin definirse.

Sobresale la actuación de Hugh Jackman (Jean Valjean en Los Miserables), al proyectar sus diversas emociones con fuerza y, a la vez, mesura. El ya conocido Jake Gyllenhaal (El Secreto de la Montaña), como el persistente detective vuelve a demostrar su talento y carisma. Los roles femeninos irradian dolor con verosimilitud.

Se trata de un filme de suspenso policial que ni cansa ni aburre, gracias a su atmósfera, al oficio de sus intérpretes y realizadores, y a los misterios que van aflorando gradualmente.

Si bien las secuencias finales recurren a consabidos desenlaces felices de filmes estadounidenses para dejar al público contento, sus méritos logran un resultado por encima de la media habitual.

MISTERIO Y SUSPENSO POLICIAL EN UNA TRAMA COMPLEJA, BIEN ACTUADA, QUE CONSIGUE RETENER EL INTERES A PESAR DE SU LONGITUD.

Ficha técnica

Título: La sospecha (Prisoners, Estados Unidos/2013)

Dirección: Denis Villeneuve

Guión: Aaron Guzikowski

Fotografía: Roger Deakins

Música: Jóhann Jóhannsson

Edición: Joel Cox y Gary Roach

Diseño de producción: Patrice Vermette

Elenco: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard, Melissa Leo y Paul Dano

Distribuidora: Alfa Films

Duración: 153 minutos

Calificación: apta para mayores de 16 años con reservas

La sospecha - Por Carlos Correa

El secuestro de niños es un tema tremendo y además complejo de enfrentar. El director canadiense Denis Villeneuve aborda el relato desde diferentes perspectivas con el fin de situarnos y de estar permanentemente enfrentados al discernimiento que propone la acción de todos los involucrados. Durante la celebración del Día de Acción de Gracias de dos familias amigas, las hijas menores de ambos matrimonios -Hugh Jackman y Maria Bello, por un lado; y Terrence Howard y Viola Davis, por el otro- desaparecen de manera totalmente inesperada. Keller Dover -Jackman- encabeza una desesperada búsqueda que parece no conducir a nada. Solo la pista de una casa rodante y la aparición de un sospechoso abre una venta de luz a un relato que conmueve por lo cruel y real que resulta ser.

Prisioners -su título original- presenta varias dualidades. Una de ellas es la forma de reaccionar ante una situación crítica y dramática por parte de las familias. La desesperación lleva a tomar decisiones no siempre afortunadas y de las que posteriormente pueden arrepentirse. Por otra parte está la justicia, esta vez encarnada por el detective Loki -Jake Gyllenhaal, en un papel que cobra protagonismo con el correr de los minutos- que en ocasiones parece atada de manos para investigar a fondo un hecho extremo. Estamos en una permanente disputa entre los sentimientos y la razón, entre lo correcto y lo incorrecto, entre lo que se debe hacer y lo que dicta el corazón. ¿Esperar la acción de la justicia o tomar justicia por las propias manos? Este es tal vez el dilema más importante de la película y es justamente Jackman, con su gran actuación, quien nos hace dudar permanentemente durante el relato. ¿Qué opción tomaríamos nosotros ante un hecho de esta naturaleza? ¿Acaso no haríamos todo lo que en nuestras manos estuviera para resolverlo? Los valores principales, ¿son transables cuando un ser amado está en peligro y estamos seguros que sabemos quién es el responsable?

“La sospecha” sostiene una tensión permanente durante sus 153 minutos. Y logra que no decaiga la atención del espectador gracias a un guión firme, una edición fluida y un relato visual que es capaz de transmitir la emoción de sus protagonistas. Denis Villeneuve encabeza un equipo de lujo y sabe sacarle partido con diálogos profundos, primeros planos que conmueven y una fotografía realista y cruda. Si a esto agregamos un tratamiento apropiado de temas moralmente complejos -sentimientos paternos, acción policial, justicia y cruda violencia-, tenemos un filme que nos mantiene en suspenso, que provoca, cuestiona y de alguna forma nos obliga a tomar posiciones durante el relato. Una historia que perfectamente podría ser real y que puede estar más cerca de lo que siquiera imaginamos.

Ficha técnica

Título: La sospecha (Prisoners, Estados Unidos/2013)

Dirección: Denis Villeneuve

Guión: Aaron Guzikowski

Fotografía: Roger Deakins

Música: Jóhann Jóhannsson

Edición: Joel Cox y Gary Roach

Diseño de producción: Patrice Vermette

Elenco: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard, Melissa Leo y Paul Dano

Distribuidora: Alfa Films

Duración: 153 minutos

Calificación: apta para mayores de 16 años con reservas

Los juegos del hambre: en llamas - Por Carlos Correa

Esta segunda parte de la exitosa trilogía de Suzanne Collins, muy esperada por todos sus fieles seguidores, comienza a introducirnos en la vida de Katniss Everdeen -Jennifer Lawrence- y Peeta Mellark -Josh Hutcherson- luego de ganar la edición número 74 de los “Juegos del hambre” para el distrito 12. El Capitolio -poder central a cargo del Presidente Snow -Donald Sutherland-, no está tranquilo. Ve signos de rebelión en los distritos y quiere a toda costa aplacarlos. El “Tour de la victoria”, un recorrido de los ganadores por todos los distritos, podría ser una buena herramienta, sobre todo si se logra consolidar el romance entre Katniss y Peeta, que sin convencer a la mayoría, entrega una dosis de sentimiento al sufrido pueblo de Panem. No obstante, las dudas persisten y al aproximarse la versión número 75, “el Vasallaje”, Snow junto a Plutarch Heavensbee -Philip Seymour Hoffman-, el nuevo vigilante de los juegos, deciden que los “tributos” serán elegidos de anteriores vencedores, por lo que Katniss deberá nuevamente representar a su distrito.

Esta secuela tiene cambios sustantivos respecto a la primera en varios aspectos. El primero y que surge a simple vista es el cambio de director. Luego que Gary Ross no aceptara continuar, la responsabilidad quedó en manos de Francis Lawrence quien imprime a la saga un ritmo menor y un relato mucho más pausado que el de la primera versión. Con una fotografía mucho más oscura y un metraje más denso, esta segunda parte se inclina más por la historia y los diálogos que por la acción. El guión da por supuestos muchos elementos que, si no estamos atentos o carecemos de ayuda, podrían complicar el cabal entendimiento de la trama que soporta la película. No basta conocer a los principales personajes, pues la cinta agrega elementos que no necesariamente estaban descritos en la primera sino que otros simplemente se dan por sabidos y carecen totalmente de un desarrollo apropiado. Pasa por ejemplo con el personaje de Gale -Liam Hemsworth-, cuya importancia en el relato solo se vislumbra al comienzo para luego pasar directamente al congelador.

“En llamas” profundiza la temática del Imperio sobrepoderoso contra un pueblo totalmente oprimido. La fuerza y acción militar no tiene contrapeso. El Capitolio puede detener, decidir, apresar y matar a cualquiera sin dar ninguna explicación. Y esta forma bárbara de actuar, similar a cualquier dictadura, no puede tener sino una sola forma de oposición: la rebelión de las masas, con sus símbolos y sus líderes. La cinta vuelve a poner en relieve este “Circo Romano” que son los “Juegos del hambre”. No solo es una competencia despiadada y sin sentido. Es el mayor show televisivo de Panem, donde se concentran las miradas de todo el mundo y donde cobra vida la manida frase de los gobiernos autoritarios: “circo para el pueblo”.

Tal vez podríamos escribir mucho más sobre esta cinta y su temática, sin embargo gran parte de ello está en el análisis de la primera entrega. Sorprende encontrarnos con un guión más débil, menos desarrollado, con un tratamiento del relato fraccionado y que se cae en varios momentos. En general no logra sostener un ritmo creciente y ello hace que los 146 minutos de duración se hagan extensos, perdiendo la oportunidad de seguir un hilo conductor más concreto y preciso, basado en los valores y antivalores presentes por doquier. Desde el punto de vista de la producción, mantiene un notable nivel, no obstante hubiéramos esperado una mejor escenografía y una fotografía mucho más cuidada. La cinta seguramente dejará contentos a sus seguidores, sin embargo queda al debe desde el punto de las expectativas generadas dado el éxito de su primera entrega. Y esto es algo no menor, tomando en cuenta que la tercera parte -Sinsajo- ya se anuncia dividida en dos películas, porque si quiere mantener el éxito de la saga será muy necesario dotarla de más relato, de más historia, es decir, en síntesis, de más cine.

Ficha técnica

Titulo Original: Hunger Games: Cathing Fire

Distribuidor: BFD

Calificación: 14

Duración: 146 minutos

Género: Acción, Aventura y Ciencia Ficción

Año: 2013

País: EEUU

Elenco: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Elizabeth banks y Sam Claflin.

Director: Francis Lawrence

Los Elegidos - Por Juan Pablo Donoso

La historia se inspira en la frase del gran escritor de ciencia ficción Arthur C. Clarke: “Hay dos posibilidades… o estamos solos en el universo, o no lo estamos; y ambas son igualmente aterradoras”.

Una familia como tantas, con dos hijos, comienza a percibir extraños sucesos en su hogar. Han sido “elegidos” por alienígenas para fines ignorados; vivirán experiencias  desquiciantes frente a la incredulidad de quienes los rodean.

Predomina el suspenso psicológico por sobre el terror y los efectismos audiovisuales. Se agradece la carencia de golpes musicales y de imágenes monstruosas que nos asaltan sin lógica. Los alienígenas afortunadamente sólo se vislumbran; así sortean la vulgaridad del cliché. Se apoyaron más en la historia y las actuaciones que en efectos especiales. Esto permitió un presupuesto menor en comparación con otras producciones menos logradas. 

Aunque en términos generales es predecible, mantiene al espectador atento a las peripecias de la trama, y se agradece también el guiño final que nos permite suponer que vendría una secuela. Carismática Keri Russell, como la madre, y los niños se manejan con agradable soltura.

ACEPTABLE COMBINACIÓN DE SUSPENSO Y TERROR PSICOLÓGICO QUE EVITA EFECTISMOS DE MAL GUSTO.

Ficha técnica

DIRECTOR: Scott Stewart

ACTORES: Keri Russell, Jake Brennan, Josh Hamilton

EE.UU. – 97 minutos

Terror Ciencia Ficción

Info BF Distribution

La Mujer de Iván - Por Juan Pablo Donoso

La factura fotográfica (Daniel Vivanco) y musical (Ángelo Solari) fueron más eficientes que el guión. 

Hermoso talento expresivo  de María de los Ángeles García (nos evocó a Giulietta Massina en La Calle de Fellini). Interpreta a una adolescente secuestrada por un adulto enigmático, introvertido y atormentado. 

Pero por falta de antecedentes motivacionales de sus personajes, la obra se hace distante, lenta y reiterativa.

El tema se ha tratado muchas veces con resultados más conmovedores: El Coleccionista, La Calle, Baby Doll, La Niña en la Palomera, y otras. 

Por mucho que el discurso cinematográfico se concentre casi todo en las expresiones faciales y momentos íntimos del hogar de la pareja, el conflicto de fondo sigue insustancial.

Después de todo son dos “personas”, por lo tanto, ¿quiénes son, cómo son y por qué están así?

¿El secuestrador es sólo un tipo “raro”, que se enamora de ella, y nada más?

 

El posible suspenso que genera la progresión de cómo el secuestrador va dando holgura a su prisionera – aunque también la viola - debería revelarnos más de la naturaleza psicopática de sus personajes. Resultan obvios los anhelos de la muchachita por ir al supermercado o por conocer el mar. 

La autora se inspiró en la relación de amor/odio que brota entre una mujer secuestrada y su victimario; se mezcla la necesidad femenina de dependencia y el deseo de liberación que, por lo demás, se manifiesta en muchas relaciones de pareja consideradas “normales”. 

En este filme, la falta de antecedentes históricos, psicológicos y motivacionales de sus personajes hacen que el relato se perciba dramatúrgicamente cojo. Son insuficientes las pataletas y fantasías de la muchacha, y el autoerotismo insatisfecho de su celador para empatizar con el fondo trágico de la historia. ¿Cuál es el conflicto? Pareciera que las cosas son así, y punto. Después de todo sería sólo una extraña “historia de amor”; entonces ¿para qué darle más vueltas? (¡!).

Incluso el final abierto – en este caso – nos deja aún más desconcertados sobre la postura ideológica de la autora frente al impulso reivindicador del género femenino en nuestra época y sociedad occidental.

¿Es un filme machista o antimachista? ¿Feminista o antifeminista?

UN TEMA DE ENORME POTENCIALIDAD DRAMÁTICA Y PSICOLÓGICA SE  QUEDÓ  EN  LA  SUPERFICIE  DE  LAS  PEQUEÑAS  EMOCIONES COTIDIANAS. LE FALTÓ MADURACIÓN. 

Ficha técnica

Director: Francisca Silva

Actores: María de los Angeles García – Marcelo Alonso

Director de Fotográfía : Daniel Vivanco

Música: Angelo Solari

Chile – 90 minutos

Info BF Distribution

Lista de Premios

- Mejor Director 17th International Film Festival of Kerala, India, 2012.

- FIPRESCI International Critics Prize. 15th Flying Broom International Women's Film Festival. Turkey, 2012.

- Círculo Precolombino de Oro Mejor Película 28 Festival de Cine de Bogotá. Colombia, 2011.

- Jury Special Mention New England Festival of Ibero American Cinema, NEFIAC. USA, 2011.

El Ciudadano Kramer - Por Carlos Correa

Stefan Kramer posee un talento increíble no cabe duda. A sus naturales dotes de imitador, suma una creatividad y eficacia que hacen admirable su trabajo. Y cuánto trabajo hay al realizar una película prácticamente actuada sólo por él mismo, interpretando a un sinnúmero de figuras públicas, políticas y de la farándula, y sosteniendo 100 minutos de metraje. ¡Mucho, sin duda! Kramer es un observador agudo de la realidad. Acentúa y en muchos casos exagera cada gesto, cada palabra y tono de voz de sus personajes, al punto de recrearlos con una singularidad que ya le es propia. Y esta vez, en su segunda cinta, Kramer sigue absolutamente fiel a su estilo.

Stefan Kramer -él mismo, la persona real, el ya famoso imitador- ha cumplido un ciclo con su espectáculo y siente que deber renovarse, encontrar un nuevo show para reencantarse y reencantar a su público. Busca ideas sin dar con un camino claro, hasta que una conmovedora visita de Iván Fuentes -una de las caracterizaciones de las más logradas- le hace ver que la política podría ser la fórmula a explorar. Junto a sus fieles colaboradores -Arturo y el "negro"- Kramer emprende el desarrollo de un nuevo montaje ("Gobernar es un show), donde aprovecha la campaña presidencial para promoverlo, llegando a confundir a tal grado los papeles que termina convirtiéndose en un candidato ciudadano, aclamado por las multitudes y odiado por toda la clase política del país.

La cinta transcurre lentamente entre la suma de imitaciones y las apariciones de personajes reales que participan como ellos mismos en la historia. Kramer se apoya en su familia y en su esposa -Paloma Soto en la cinta y en la vida real- para dar vida a un guión, que aunque más elaborado que el de su predecesora, naufraga dada su evidente debilidad, una fragilidad que, al no tener un hilo conductor claro, carece de los elementos básicos que permiten contar una buena historia. Nuevamente nos vemos en presencia de una suma de muy buenos momentos de humor -algunos realmente jocosos-, cuadros y escenas que se juntan para armar un show televisivo más que una película propiamente tal.

No obstante lo descrito, "El Ciudadano Kramer”, a diferencia de “Kramer vs Kramer”, intenta entregar un mensaje un poco más elaborado. O varios mensajes, tal vez, que podríamos clasificar de varias maneras según las propias lecturas. No estoy seguro si se trata de farandulizar la política, politizar la farándula o solo reírse de la contingencia, pero se acerca de alguna manera a esos conceptos y nos muestra algunos caminos carentes de sentido, donde la imagen y el éxito es lo importante y las verdaderas causas quedan abandonadas en el camino a la espera de tener una real oportunidad de expresión. Es sabido que gracias al humor podemos tomar el pulso de la realidad, y si hacemos esa lectura, me arriesgo a pensar que tenemos que tomar urgente conciencia de lo que estamos enfrentando como sociedad chilena en estos momentos, ad portas de un nuevo ciclo político, cultural y social.

Ficha técnica

Titulo Original: El Ciudadano Kramer

Distribuidor: FOX

Calificación: TE

Duración: 100

Género: Comedia - Humor

Año: 2013

País: CHILE

Elenco: Stefan Kramer, Paloma Soto, Carolina Paulsen

Director: Stefan Kramer/Javier Estévez

Jobs - Por Juan Pablo Donoso

Biografía del empresario Steven Jobs. Fue el creador del sistema Apple y Macintosh en computadores. Sus comienzos idílicos como un joven que busca en el budismo la iluminación espiritual van derivando en una pasión por innovar en la tecnología, ir donde otros aún no llegan, por su audacia comercial, hasta transformarse en uno de los máximos billonarios del mundo.

Como biografía queda externa y superficial ya que sólo muestra hitos de triunfo y decepción en su carrera.

Desfilan decenas de personas con las cuales trabajó, explotó y pisoteó. Siendo él mismo víctima de los ejecutivos de sus empresas quienes, lo enviaron a un exilio laboral para después rogarle que reasumiera cuando las finanzas empezaron a decaer. El filme es un canto a la codicia y al talento empresarial despiadado.

El personaje central, Steve Jobs, resulta poco interesante como ser humano por su falta de profundidad psicológica, afectiva y emocional. Por muy ambivalente que se lo muestre, ni siquiera despierta compasión ni rechazo. Da lo mismo.

  

POR ABARCAR DEMASIADO QUEDÓ SUPERFICIAL, SIN CONFLICTO Y PUERILMENTE MENSAJOSA

Ficha técnica

Titulo Original: JOBS
Distribuidor: BFD
Calificación: TE
Duración: 129 minutos
Género: Acción - Drama
Año: 2013
País: EEUU
Elenco: Ashton Kutcher, Josh Gad, James Woods, Dermot Mulroney y J.K. Simmons
Director: Joshua Michael Stern

Jobs - Por Carlos Correa

Esta cinta dirigida por Joshua Michael Stern, cuenta una parte de la vida de Steve Jobs, fundador de Apple Computers, un visionario emprendedor que redefinió y cambió el mundo de la tecnología y de la computación personal, junto con modificar nuestra forma de relacionarnos con los dispositivos digitales. Es difícil separar la película de la historia, sobre todo para quien escribe estas líneas, pues soy usuario Apple desde 1987, es decir desde hace 26 años. Aprendí computación gracias a un Macintosh Classic y los "Mac" me han acompañado fielmente desde entonces, razón por la cual pudiera no ser muy objetivo en ciertos aspectos. Expuesto lo anterior, intentaré comentar esta cinta tanto desde la perspectiva cinematográfica como también desde el personaje al que esta historia le da vida.

Jobs -Ashton Kutcher en una personificación bien lograda y que por momentos parece revivir- fue un hombre controvertido desde el comienzo. Rebelde de las formas y a la vez amante de ritos, descubrió muy temprano que su futuro no eran los estudios sino los negocios. Su inigualable pasión por la perfección y la funcionalidad, junto a su búsqueda permanente de la belleza, configuraron una personalidad obsesiva y egocéntrica que en más de una ocasión le generó incontables problemas. En ese sentido, esta película retrata mucho más al Jobs del día a día, aquel capaz de despedir a alguien espontáneamente o gritonear a medio mundo, que el genio al que muchos tal vez idealizaron y vieron en él sin conocer la historia más a fondo. El guión permite aquello, justamente al elegir un periodo de tiempo que va desde sus abandonados estudios universitarios hasta el lanzamiento de una de las mayores revoluciones nacidas en Apple y que cambió la industria musical: el primer iPod presentado en el año 2001.

Sin duda estos años no fueron sencillos para Steve Jobs. Funda Apple, crece con la compañía y crece su fortuna, es relegado primero y luego despedido por su propio directorio debiendo emprender nuevos rumbos y vuelve finalmente para recomponer su empresa con una visión y una pasión pocas veces vista. El metraje por momentos se oscurece y los diálogos no son del todo fluidos. Es que hay mucho que contar, mucho contenido importante y la decisión de qué se debe mostrar se hace ciertamente difícil. Hay temas técnicos, económicos, ideas, desarrollos, relaciones, etc. A la vez, hay otras escenas que son realmente luminosas y épicas, como los lanzamientos de productos innovadores y cautivantes, reuniones de equipos creativos y todo ese ambiente que de alguna manera rodea de misterio y admiración el trabajo de Apple.

Los momentos emotivos también son importantes y destacados en la cinta y están referidos al "otro" Steve -Wozniak, “Woz”, co-fundador de Apple-, en una entrañable caracterización de Josh Gad, a los primeros colaboradores de la compañía y por cierto a Lisa, hija de su primera relación amorosa, a quien Jobs también abandona, siguiendo inconscientemente a sus propios padres que le habían dejado en adopción recién nacido.

Podría escribir mucho más de esta cinta y sería más bien escribir sobre la historia de Steve Jobs. La biografía de Walter Issacson es por lejos la mejor referencia al respecto y les animo a leerla. Por ello, y haciendo un esfuerzo para centrarme en la realización cinematográfica, veo que estamos ante un buen trabajo tomando en cuenta el poco tiempo invertido, bien filmado, con actuaciones capaces de convencer -en especial la caracterización de Kutcher- y que logra, al menos en mi opinión, retratar al quien logró conectarnos con la tecnología, haciéndonos "pensar diferente".

Ficha técnica

Titulo Original: JOBS

Distribuidor: BFD

Calificación: TE

Duración: 129 minutos

Género: Acción - Drama

Año: 2013

País: EEUU

Elenco: Ashton Kutcher, Josh Gad, James Woods, Dermot Mulroney y J.K. Simmons

Director: Joshua Michael Stern

Séptimo - Por Carlos Correa

Esta cinta del director Patxi Amezcua desarrolla un thriller de suspenso ambientado en la ciudad de Buenos Aires. Sebastián -un requerido abogado interpretado por el siempre sólido Ricardo Darín- recoge a sus hijos, Luna y Luca, en el departamento de su ex mujer Delia -Belén Rueda- para llevarlos a la escuela. Y como es habitual, repite el juego de todos los días donde ellos bajan por las escaleras y él por el ascensor. Sin embargo, esta vez Sebastian llega primero y los niños no aparecen. Algo sucede, han desaparecido sin rastro, a pesar de buscar intensamente en el edificio. Puede ser un secuestro, la policía se pone en marcha y la agenda en tribunales del abogado sencillamente queda postergada.

Darín le da a la cinta un importante peso dramático. Su interpretación entrega múltiples gestos y transmite emociones con cada plano y en cada escena. De alguna forma la cinta se sostiene en él, y todo lo demás gira en torno a ello. Belén Rueda, en mi opinión, entrega un papel más débil, con poca conexión con Darín y tal vez con un compromiso emocional menor al esperado por sus trabajos anteriores como por ejemplo en "Los ojos de Julia". El modo de filmar sin duda ayuda a generar un contexto de inseguridad y vulnerabilidad que la cinta aprovecha en su desarrollo. Cámaras cercanas, primeros planos bien logrados, giros y quiebres inesperados, dan movilidad a la acción. No obstante, el metraje avanza por diferentes caminos y por momentos da la impresión que se inmoviliza. La duda se siembra y cala profundo. El conserje, el policía que habita en el edificio, los litigantes del juicio, etc. Todos pueden ser culpables y la desesperación de los padres aumenta en la medida que las incógnitas son mayores que sus respuestas.

"Séptimo" es una buena película, cumple con lo que propone, poniendo sobre la mesa un tema no menor que es el secuestro y las acciones que un padre es capaz de hacer por sus hijos, su tesoro más preciado, tal vez transando para ello sus valores fundamentales. Las sospechas y la falta de confianza dan al relato una tensión permanente, un suspenso que tal vez aún atrapando al espectador, alarga demasiado su punto de clímax y se desdibuja hacia el desenlace.

Ficha técnica

Titulo Original: Séptimo

Distribuidor: FOX

Calificación: TE+7

Duración: 90 min.

Género: Thriller

Año: 2013

País: Argentina y España

Elenco: Ricardo Darín, Belén Rueda, Luis Ziembrowski, Osvaldo Santoro y Manuel Callau.

Director: Patxi Amezcua

7 Días en La Habana - Por Juan Pablo Donoso

7 historias contadas por 7 directores sobre la vida actual en Cuba.

     

Acompañamos a un visitante del Medio Oriente que se limita a observar de lejos a personas solitarias en las calles o malecones; un joven empresario español se fascina por una cantante mulata y le ofrece llevarla a Europa para hacer carrera; el director de cine Emir Kusturica recibe un premio, pero en vez de participar en los agasajos oficiales prefiere internarse en una cantina y conocer el talento de humildes músicos locales; ceremonias de santería erótica; una prestigiosa psicóloga de TV debe sobrevivir haciendo dulces y pasteles, y una abuela moviliza a todo el cité para construirle un santuario a la Virgen María en su casa porque la madonna, supuestamente, se lo pidió.

     

Nada es muy impactante en estos relatos costumbristas, pero nos permite acercarnos al día a día de sus personajes, convivir con sus dificultades, y dejarnos tocar por su conmovedora humanidad. 

7 HISTORIAS COSTUMBRISTAS QUE NOS ACERCAN AL CORAZÓN DEL PUEBLO DE CUBA HOY DÍA

Ficha técnica

Directores y Guionistas: Laurent Cantet – Benicio del Toro – Julio Medem – Gaspar Noé – Elia Suleiman – Juan carlos Tabío – Pedro Trapero

Actores: Josh Hutcherson – Daniel Brühl – Emir Kusturica – Elia Suleiman – Fidel Castro – Melissa Rivera – Jorge Perugorría.

Francia – España – 129 minutos 

Woody Allen, el Documental - Por Juan Pablo Donoso

Este es el documental más completo y profundo realizado hasta la fecha sobre el actor, director, guionista y comediante Woody Allen.

La labor de Robert B. Weide es un modelo de excelencia en este género fílmico.

Quienes sean admiradores, y hayan visto la mayoría de los filmes de Woody Allen, quedarán profundamente satisfechos; y con la sensación de haberse acercado como nunca antes a la persona, y personalidad, de tan notable artista del cine contemporáneo.

Además de sus propias declaraciones, la cinta viene plagada de testimonios de familiares, esposas, amigos, colegas, actores y productores que lo han acompañado a lo largo de su vida.

Desde su primera infancia se nos muestra el desarrollo del carácter, de sus multifacéticos talentos como humorista, clarinetista, director e intérprete.

En la selección de trozos de sus 40 filmes vamos comprendiendo sus temores existenciales, su prodigiosa clarividencia de las debilidades del ser humano, de sus incursiones en temas alejados de lo cómico, y de cómo su propia y asumida neurosis le permite retratar con abismante sencillez y claridad el dolor de sus personajes cotidianos.

Y tanto en las comedias como en sus temas dramáticos se trasluce la profunda desazón de su propia existencia.

Termina confesando: “A pesar de lo bien que me ha ido en mi carrera, sigo sintiendo que en algo más hondo he fallado”.

Es una biografía tan lograda que ningún amante ni estudioso del cine debería omitir.

UNA JOYA COMO DOCUMENTAL BIOGRÁFICO

Fiche técnica

Director y Guionista : Robert B. Weide

Protagonistas: Woody Allen, Mia Farrow, Diane Keaton, Martin Scorsese, Leonard Maltin, Marshall Brickman y muchos más.

EE.UU. – 113 minutos

Documental biográfico

Cacería Macabra - Por Carlos Correa

“You're Next”, (tu eres quien sigue), no es solo una clásica película de terror a la que meridianamente estamos acostumbrados dentro del género. Cumple con todas sus características principales -aunque en un comienzo podemos pensar que abusará de los efectos y sustos a la audiencia- y lo hace bien. Sin embargo, no es ello lo que más destaca en esta cinta del director Adam Wingard, sino lo que sorprende realmente es una variante de lo típico que es una dosis de humor negro que está presente a lo largo de sus 95 minutos.

Los Davidson, una adinerada familia, decide celebrar su aniversario de matrimonio en la casa de campo invitando a sus cuatro hijos junto a sus parejas. Por cierto, el comienzo es confuso y tal vez bastante lento ya que la película se da tiempo de mostrar a sus personajes, aunque sin explicar mucho los detalles. Los hermanos no se llevan bien, lo que es un dato de la causa, y en medio de una discutida velada, la familia es atacada ferozmente por enmascarados desconocidos quienes desatan un caos total y una violencia tremendamente brutal.

Hasta allí, una trama clásica de terror. Sin embargo, junto con comenzar la acción destinada a todos los fanáticos del género -porque baños de sangre, mutilaciones, y muertes hay para todos los gustos- la película incorpora pasajes de ironía e ingenio que permiten desalojar la tensión que provocan sus fuertes escenas. Y allí, es justamente Erin -Sharni Vinson-, la novia de Crispian, uno de los hermanos, quien se roba la película actuando como la heroína del relato y asumiendo un papel protagónico, rara vez entregado a una mujer en este tipo de cintas.

“Cacería macabra”, su traducción al español es interesante, tiene giros notables en la historia -algunos predecibles y otros que realmente esperamos pero no sabemos cómo van a llegar- y es finalmente entretenida a pesar de su exagerado dramatismo. Y gracias a su negrísimo humor, sostenido hasta el último segundo, destaca un nivel por sobre el promedio y la hace recomendable para los fans del cine de terror -claramente mayores de 18 años-, y para quienes no les molesta la violencia gráfica y explícita en el cine

Ficha técnica

Titulo Original: You're Next

Distribuidor: Diamond Films

Calificación: 18

Duración: 95 minutos

Género: Terror

Año: 2011

País: EEUU

Elenco: Sharni Vinson, Rob Moran, Ti West, Barbara Crampton y Wendy Glenn.

Director: Adam Wingard

Palabras robadas - Por Juan Pablo Donoso

Una historia dentro de otra, y dentro de otra más. 

A un joven escritor le rechazan todas las novelas que escribe. Vive con  la ayuda económica de su padre. En su luna de miel en París, visitando una tienda de antigüedades encuentra dentro de un bolsón un manuscrito anónimo. Lo lleva de vuelta a EE.UU. y, después de leerlo, decide copiarlo literalmente. El libro se transforma en un éxito y encumbra al joven plagiario como autor famoso y adinerado. 

Pero el verdadero escritor del manuscrito es un anciano pobre que trabaja en un herbario en el campo. Éste se encarga de revelarle su identidad al joven, y confirmarle que vivió con sangre y dolor lo descrito en el texto. Esto trae un gran conflicto de conciencia al joven quien pierde el cariño y respeto de su esposa, quedando completamente sólo y optando por escribir una nueva novela que narre su drama personal como usurpador del talento y las palabras de un viejo desdichado. 

Y es entonces cuando se nos revela el juego dramatúrgico de un tercer relato inserto en los otros dos anteriores.

Producción prolija, ambientada en EE.UU. y Francia, con ambientación de post guerra, oscila entre el melodrama romántico y las disyuntivas éticas de una sociedad consumista donde sólo los triunfadores acceden a la supuesta felicidad, aunque sea a costa del amor y la soledad. 

Rory deberá hacer frente a cuestiones como la creatividad y la ambición.

Una vez más Jeremy Irons hace alarde de su talento como el anciano autor y héroe de la novela, y Dennis Quaid sorprende por sus momentos de cinismo y tormento interior. En general, todas las actuaciones logran un alto nivel de rendimiento y presencia emocional.

La realización tiene tratamiento y diálogos convencionales para evitar que el espectador se pierda en estas capas argumentales superpuestas que, como con las matrioshkas, se van destapando gradualmente.

La idea rectora es “cuando tomas en la vida una decisión, debes asumir sus consecuencias para el resto de tu vida”.

COMPLEJO  DRAMA  ROMÁNTICO  Y  MORAL  QUE  LOGRA COMUNICARSE  CON  CLARIDAD  HACIENDO  ALGUNAS CONCESIONES  NARRATIVAS.

Ficha técnica

Directores y Guionistas:: Brian Klugman y Lee Sternthal

Actores: Bradley Cooper, Jeremy Irons, Dennis Quaid, Olivia

Wilde, Zoë Saldana, J.K. Simmons, Nora Arnezeder, Ben Barnes, Michael

McKean.

EE.UU. – 107 minutos

BF Distribution

El abogado del crimen - Por Carlos Correa

Ridley Scott vuelve a escena con este drama sobre el narcotráfico y el lado más oscuro y brutal de los carteles involucrados en el negocio de la droga. Con un reparto estelar (Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem y Cameron Diaz), Scott lleva a la pantalla un guión original de Cormac McCarthy -"Sin lugar para los débiles", "La Carretera"- quien imprime a la cinta una gran profundidad literaria.

El abogado -Fassbender- es el protagonista de la historia. No conocemos su nombre, sólo su profesión y que da origen al título original del relato. Su pareja es Laura -Cruz-, una atractiva mujer de la que está profundamente enamorado. Su socio es Reiner -Bardem-, magnate de la droga y que lleva una vida de lujos y excesos junto a su pareja Malkina -Diaz-. Un quinto actor es el vaquero Westray -Pitt-, tan enigmático como práctico, quien parece mover los hilos de todo lo referente al negocio.

El guión es interesante. La historia se va presentando fragmentada y desde muchos ámbitos, como quien va armando un puzzle pieza por pieza, agregando elementos, recuerdos, personajes, acción e intriga. Sin embargo, su extensión y exceso descriptivo en largos pasajes, hacen que el relato caiga en ciertas lagunas difíciles de sobrellevar a pesar del oficio de Scott y el natural talento de sus actores. La filmación es cruda, impacta en algunas escenas con su realismo y las cámaras están siempre ubicadas en muy buena posición para hacernos parte de la acción. No obstante este notable cuidado, es en los relatos, las conversaciones y en la filosofía poética donde la cinta puede tener su mayor valor y también su mayor debilidad. Es como mezclar dos mundos, dos lenguajes diferentes y hacerlos convivir forzadamente. Uno prima sobre el otro, y en este caso el que pierde es el lenguaje del cine y su desarrollo, pues el relato resulta tan fragmentado que dificulta el ritmo y la fluidez de la historia.

"The counselor" tal vez puede decepcionar un poco a primera vista tomando en cuenta el reparto estelar y su director, sin embargo no es, por lejos, una mala película. Irregular, podríamos decir, porque genera mayores expectativas de las que finalmente cumple, y es, de todas maneras, una muestra oscura, cruda y realista del narcotráfico. Un trabajo delicado, bien filmado, pero que no entusiasma mucho sobre todo viniendo de un director que se ha caracterizado por épicas cintas logradas con el excelente manejo de la tensión creciente. Podríamos decir que es mucho más literatura visual que un drama cinematográfico, lo que no es poco, aunque de todas formas finalmente quede un poco "al debe".

Ficha técnica

Titulo Original: The Counselor

Distribuidor: FOX

Calificación: 14

Duración: 124 min.

Género: Comedia - Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem y Cameron Diaz.

Director: Ridley Scott

La noche de la expiación - Por Carlos Correa

Este thriller parte de una premisa futurista. Corre el año 2022 y Estados Unidos presenta unas cifras que asoman impresionantes. El desempleo es cercano al 1%, la delincuencia está en su nivel más bajo y la economía crece año tras año. ¿Qué han hecho para conseguirlo? Los nuevos "padres" de la patria, los re-fundadores de la nación, los llamados "Nueva Fundación de los padres de América", han implementado doce horas al año donde los crímenes son legales, incluso los asesinatos. A esta noche le llaman "The Purge" (la purga) y consiste en plena libertad para que la población libere el odio acumulado en 12 meses y se exprese en una catarsis colectiva de magnitudes no dimensionables, donde no funcionan los servicios de urgencia ni la policía. Según se entiende, es justamente esta "limpieza" anual la que ha logrado combatir con éxito la pobreza, la marginación y la desigualdad y ha dotado a esta renacida nación con posibilidades de desarrollo impensadas.

Una familia acomodada, los Sandin, que vive en un exclusivo condominio y cuyo padre James -Ethan Hawke- es un exitoso encargado de la venta de sofisticados sistemas de seguridad, se transforma en una víctima de las mismas reglas del juego cuando son amenazados por un grupo que busca su objetivo de expiación en un vagabundo que se ha encerrado en la casa gracias a que Charlie -Max Burkholder-, el hijo menor del matrimonio, compasivamente le ha abierto la puerta de su fortaleza.

Desde el punto de vista sociológico y valórico, esta película tiene varios temas que analizar. Uno de ellos es la reflexión sobre cuán dañada puede estar una sociedad para instaurar una "auto limpieza" legal que por una parte extermine aquello que no queremos ver de nuestra sociedad y a la vez sea cauce de una premisa también asumida por el filme: la violencia intrínseca de los seres humanos. Otro aspecto es el trastoque absoluto de los valores. Una medida de este tipo discrimina aún más la sociedad. Siempre serán los más ricos quienes puedan defenderse y también atacar a los más desposeídos, quienes desde su posición sólo aspirarán a conservar su vida en un desigual campo de batalla. Sumamos a estos aspectos fundamentales la presencia de valores universales que son mostrados en contraposición. Vemos la inocencia de Charlie, quien no comprende aún el por qué de esta purga y se conmueve ante el clamor de un pedido desesperado de ayuda; las dudas de sus padres al respecto, especialmente de la madre, Mary -Lena Headey -, su instinto de protección y supervivencia; la indiferente posición de su hermana adolescente Zoey -Adelaide Kane-, que se margina hasta vivir en carne propia las consecuencias de una sociedad que claramente ha virado su rumbo; junto con el valor de la familia y su unidad, que a mi modo de ver es finalmente el centro, lo más importante y sagrado de defender, incluso posiblemente a costa de concesiones y sacrificios.

La película es interesantísima. Propone una temática que no nos deja indiferentes y entrega un punto de vista claro y directo. DeMonaco filma fuerte, las escenas son en extremo violentas y entregan un marco de mucho realismo a los 82 minutos de metraje. Los actores son convincentes en sus papeles y los efectos especiales están todos al servicio de un guión muy bien armado que va de menos a más en dramatismo y tensión. En suma, una película que sobresale del resto en su género y que además nos aporta claves de discusión sobre la sociedad “moderna” que estamos construyendo. Es de esperar que no sea ya muy tarde para poder enmendar el camino.

Ficha técnica

Titulo Original: The Purge

Distribuidor: ANDES FILMS

Calificación: 18

Duración: 82 minutos

Género: Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Ethan Hawke, Lena Headey, Max Burkholder, Adelaide Kane, Rhys Wakefield,Edwin Hodge, Tony Oller, Tom Yi, Tyler Jaye, Alicia Vela-Bailey y John Weselcouch.

Director: James DeMonaco