Yo soy Rocky - Por Carlos Correa Acuña

La historia la conocemos, pero vale la pena recordarla. Sylvester Stallone -Anthony Ippolito- persigue un gran sueño: convertirse en actor. Sin embargo, a duras penas consigue subsistir. Ha crecido en la pobreza, incluso viviendo en la calle, y ni siquiera usa su nombre real -se hace llamar Mike- como una forma de renunciar a un pasado que lo atormenta y no lo deja en paz. A sus veintitantos, parece todo perdido hasta que un trabajo de acomodador en un cine le permite conocer a Sasha Czack -AnnaSophia Robb-, con quien comienza una relación que cambiará su vida.

La joven pareja se casa y se muda a Los Ángeles, pero el sueño de Sylvester aún está lejos de concretarse. No obstante, ahora el impulso es otro. Sasha lo anima a usar su nombre real y a escribir, pero los resultados no llegan. Una noche, en un bar, al ver la pelea de Muhammad Ali contra Chuck Wepner, Sylvester encuentra la chispa de lo que será la historia de un boxeador desvalido que, a punta de esfuerzo y sacrificio extremo, logra llegar hasta el final. En apenas unas horas consigue completar la escritura para presentarla a dos altos ejecutivos de un estudio de cine. La recepción es increíble. Ambos alaban la historia y su desarrollo, pero hay un punto en el que no están de acuerdo: que el propio Sylvester Stallone sea quien interprete al protagonista, Rocky Balboa.

Por ahora, dejemos los antecedentes porque es interesante que descubran ustedes las idas y vueltas de esta aventura -real, por lo demás- escrita por Peter Gamble Robinson y dirigida por Peter Farrelly, basada en una biografía sobre Sylvester Stallone. En poco más de dos horas, la película fluye de comienzo a fin. No estoy seguro de si es por la memoria colectiva en torno a Rocky o por la trayectoria de Stallone, pero lo cierto es que esta cinta revive muy bien el impacto que produjo en su momento el trabajo original. Los principales elementos están: las largas sesiones de entrenamiento, las escenas íntimas, las famosas escalinatas y la música, todo combinado en una historia de resiliencia que devuelve la fe en que todo es posible.

Sin duda que la figura gravitante en todo esto es quien protagoniza el filme. Y su elección no pudo ser más adecuada. Anthony Ippolito hace un gran trabajo en el papel de Sylvester Stallone. Desde las primeras escenas de agobio y frustración hasta el proceso de filmación de la película, Ippolito logra el tono para entregar una caracterización sólida de un personaje extremadamente conocido. Interpretarlo constituye un desafío mayúsculo y el joven actor lo sortea con credibilidad y soltura, agregando algunos detalles adicionales que merecen atención. En el fondo, él no solo debe interpretar a Stallone; también debe interpretar a Rocky durante la recreación del rodaje original, y es justamente esa simbiosis entre el hombre y el actor la que Ippolito configura de manera convincente.

La dirección de Peter Farrelly no defrauda en absoluto. No es fácil hacer cine dentro del cine, pero el director se desdobla y consigue imprimir un ritmo que pocas veces decae durante el metraje. De hecho, parece divertirse mucho al retratar a John G. Avildsen -Jay Duplass-, el director original de “Rocky”, dado que abundan guiños y situaciones que seguramente representan muy bien las dificultades presentes en un rodaje. En el resto del elenco, destaca naturalmente la representación de los dos productores originales. Se trata de Irwin Winkler -P. J. Byrne- y Robert Chartoff -Toby Kebbell-, dos figuras imprescindibles que lograron concretar un proyecto que enfrentaba obstáculos casi infranqueables. Otro personaje al que la cinta otorga bastante importancia, es uno compuesto por varios ejecutivos de United Artist. Se trata de Sandy Maddox -Tracy Letts-, el verdadero antagonista de la película, quien reúne todas las características necesarias para que la audiencia lo culpe de todas las desgracias.

“I Play Rocky”, cuyo título original resulta difícil de equiparar con “Yo soy Rocky” dado que alude precisamente a la porfía de Sylvester Stallone por interpretar él mismo a su personaje, es una película gratificante y un ejercicio de memoria sobre el suceso de 1976. Por cierto, no tiene un peso similar, pero consigue involucrarnos en el trasfondo de lo que significó para Stallone luchar primero contra sí mismo y luego contra las convenciones y prejuicios de una industria difícil de abordar.

Tal como señalaba al comienzo, la historia la conocemos y vale la pena recordarla. Pues bien, ver esta película es una muy buena manera de hacerlo.

Ficha técnica

Título original: I Play Rocky
Año: 2026
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos Estados Unidos
Compañías: Baha Productions, Fireside Films, Amazon MGM Studios, Eden Rock Media. Distribuidora: Amazon MGM Studios
Género: Drama | Biográfico. Basado en hechos reales. Cine dentro del cine. Años 70. Boxeo. Pobreza
Guion: Peter Gamble Robinson. Biografía sobre: Sylvester Stallone
Música: Dave Palmer
Fotografía: Sean Porter
Reparto: Anthony Ippolito, AnnaSophia Robb, Toby Kebbell, P. J. Byrne, Jay Duplass, Matt Dillon, Stephan James, Tracy Letts
Dirección: Peter Farrelly

Todo Vale - Por Jackie O.

“Color y brillo legal”

Qué interesantes son las historias de bufete de abogados con diversos casos, para profundizar en ellos y ver la dinámica en la que se desenvuelven. Acá no es el caso.

Esta trama se centra en un grupo de brillantes e implacables abogadas de divorcio en Los Ángeles. Y tras abandonar un bufete dominado por hombres que las relegaban a un costado sin que emitieran opinión, deciden fundar su propio despacho. A partir de ahí, se enfrentan a separaciones de alto perfil de celebridades y millonarios, lidian con escándalos mediáticos y navegan por complejas alianzas dentro y fuera de los tribunales.

Un grupo de inteligentes abogadas están en un bufete donde los socios son solo hombres, pero llega un momento en que la mayor de ellas, Dina Standish (Glenn Close) insta, a algunas de ellas, a irse y brillar fuera de ahí. Tres se unen para formar su propio bufete, pero dejan a una cuarta fuera de esta iniciativa, Carrington Lane (Sarah Paulson), desatando en esta, un odio al grupo de mujeres por sentirse abandonada, creando su propio bufete con el fin de destruirlas. Esto lo cuentan en cinco minutos y dan un salto temporal de 10 años.

Estas tres mujeres encabezadas por Allura Grant (Kim Kardashian), crecen y se consolidan como las mejores en su área. Cada una tiene su estilo y su aporte: Emerald Greene (Niecy Nash-Betts) fue policía y es la mejor amiga de Allura, dejando a veces un poco de lado a su otra socia Liberty Ronson (Naomi Watts), quien en momentos siente ese desaire por su carácter más reservado. Hasta que se les une su mentora, Dina Standish. Eso hace que Carrington estalle más en furia, tratando de aumentar los casos para ser oponente de ellas.

Hasta ahora no hay nada malo, dirán al respecto, pero debo desmenuzarla estéticamente.

Las actuaciones: Que Kim Kardashian participe en algo, da señales inmediatas de que no andará la cosa bien. Su personaje es demasiado robotizado. Pareciera que estuviera pensando en cada momento que paso debe seguir. Actuación forzada y artificial. Con Niecy Nash-Betts, siempre está en un tono comedia que agota, más cuando hay situaciones realmente graves, y es como si no importara. Lo que me da a pensar, ¿qué es esto? ¿Estamos ante un drama o una comedia? Aún así, no se entiende la dirección que les dieron.

Los otros personajes se desenvolvieron en el rol dado: Dina la mentora, Carrington la malvada y Liberty la chica buena. Pero caricaturizadas, por lo que da pena no tomarlas en serio.

Sí, sé que a Ryan Murphy le encanta la exageración, que no es malo. Pero no espero ridiculización gratuitamente, lo que habla mal de la dirección.

No puede ser que la peor actriz sea protagonista, y no sé si actriz es mucho decir. Me refiero a Kim Kardashian, por si no sabían de quién hablo. Y que talentos como Naomy y Glenn queden relegadas casi a rematar los dichos de la anterior, es inaudito.

Guion: se dice que es un drama legal. Vemos casos de divorcios respecto de diferentes situaciones, que pueden resultar muy interesantes, pero no hay ninguna lógica entre lo que dicen y hacen. No hay emotividad, menos tensión. Hay momentos en que hay que ponerse serios, pero no veo ninguna pizca de eso, porque lo más importante es “no quebrarse una uña” o “que el sombrero no se desalinie en la pantalla”.

Parece más un reality que una serie legal, ya que vemos a Kim y Niecy tal cual viven en su vida real. Y están más pendientes de tener una buena toma para que sea vea todo el vestido, el auto que usan y que comen caviar en sus casas.

El enfoque que quisieron darle, con el tan manoseado término “empoderamiento femenino” -y puede tomarse de ese lado, ya que unidas salieron de algo que las agobiaba para crecer juntas en un nuevo proyecto y funcionó- está demasiado ridiculizado. Y sobre temas de sororidad, no siempre se ve. Defienden a mujeres que serán despojadas de todo por sus maridos, pero vemos también en estas mismas abogadas mucha vanidad, codicia, envidia y sentido de venganza, más que una justicia genuina y lealtad. Lo que más me reafirma que no es una serie seria legal.

Tener a Kim Kardashian como protagonista, y repito: Kim, es un insulto para el resto del elenco. Pero fue la que puso, al parecer, más dinero para este proyecto, y el dinero ganó ante el talento.

Estamos ante una serie en la que no vemos un desarrollo de personajes. Sabemos que se fueron de un aburrido y gris lugar que no las tomaba en cuenta a trabajar solas donde brillaron. Ese cambio solo lo vemos en el primer capítulo con la psicología del vestuario. Sobre el odio de una contra las otras, interesante, pero no se maneja bien en esta historia; una lástima. Y cada caso se olvida rápidamente porque no se le da el tratamiento para retenerlo por unos segundos en la mente. Todo es muy vacio.

¿Qué te pasó Ryan?

Pero debe haber algo bueno. Sí, el vestuario es una pasarela de alta costura. Impresionante cada atuendo. Es un deleite a la vista. Aunque en momentos carece de glamour.

Mala dirección, indefinido guion, actuaciones entre caricaturizadas y poco creíbles.

Buena puesta en escena y excelente vestuario para una fiesta o salida, pero la mayoría no es para un bufete de abogadas (díganme aburrida).

Y ya está la segunda temporada para ser vista en Hulu (Disney)

Ficha técnica

All's Fair.
Creado por Ryan Murphy, Jon Robin Baitz y Joe Baken
2025. primera temporada de 9 capítulos

Ju-on: El grito - Por Jackie O.

"Energía oscura que permanece"

Un clásico del cine japonés que inspiró a crear una franquicia. Y más de 20 años después, despierta los mismos temores.

En una casa de Nerima, Tokio, Takeo Saeki asesina brutalmente a su esposa Kayako, a su pequeño hijo Toshio y al gato de la familia, en un ataque de celos. Y Ahí quedan almas sin descanso.

Contada de forma no lineal, vamos conociendo a cada personaje de la historia, y de cómo una maldición familiar, un cruel crimen, sigue arraigado en una morada, y quien llega ahí termina con fatales circunstancias.

 
Pareciera que nadie repara en la escala de crímenes que suceden. Los fantasmas habitantes de un hogar, ¿merecen paz o merecen venganza?

Las costumbres japonesas tienen muchos rituales y alguien tendrá que velar por ponerle un fin a los hechos que ocurren en ese hogar. No puede ser que sigan desapareciendo personas que ingresan a ese lugar. No puede ser que los fantasmas los sigan hasta torturarlos mentalmente.

Destaco la dirección, ya que al ser una producción de bajo costo grabada para DVD, la película rompe con el cine de terror típico de Hollywood y establece las bases estéticas del J-Horror moderno. Así como la fotografía, usando una iluminación fría y opaca que la hace ver más natural y de alto impacto visual, con excelentes primeros planos.

No se usaron grandes efectos visuales, por lo que se ve mas grotesco. El maquillaje es simple, sin entrar en tantos detalles igual destaca, basándose en rituales de bailes.

Pero lo mejor, para mí, fueron los efectos de sonido, el sonido ambiente, el crujir, incluso el no sonido, y en especial el estertor gutural de Kayako (producido por el propio director manipulando un peine y su garganta). Funciona como un leitmotiv sonoro minimalista. Fascinante.

Puede que tanto efecto visual a medida que pasan los años, las nuevas generaciones no aprecien estas joyitas. Pero denle la oportunidad.

Temas que trata: la violencia intrafamiliar, la ira, los traumas, y por qué no, la fe.

Ficha técnica

呪怨, (Ju-on: The curse)
Terror/Misterio ‧ 1h 10m
Protagonistas: Yūrei Yanagi, Chiaki Kuriyama, Hitomi Miwa
Japón
Escrita y dirigida por Takashi Shimizu.

Cocaína Negra - Por Juan Pablo Donoso

Novedoso y revelador semi-documental sobre el asesinado bioquímico Eugenio Berríos Sagredo (1947/92).

Ardua labor del director Cristóbal Valenzuela B. (Robar a Rodin - 2017, e Isla Alien - 2023).

A partir de un casual hallazgo de cintas magnéticas grabadas por el mismo Berríos, el director Valenzuela esclarece detalles inéditos del funesto personaje político.

Es la voz - e imágenes - de uno de los individuos drogadictos más misteriosos y polémicos de un período histórico donde se mancomunaron el poder, el crimen y la clandestinidad.

Más que reconstruir una biografía de manera convencional, “Cocaína Negra” utiliza esas grabaciones para adentrarse en la psiquis y el entorno de su protagonista. A través de ellos, sigue su ascenso y posterior caída, en un recorrido que también permite observar las huellas de una época marcada por la violencia y las estructuras encubiertas.

Desde su relación con la dictadura y la fabricación de venenos hasta sus conexiones con el narcotráfico, el recorrido de Berríos atraviesa laboratorios secretos, y redes de poder que se extienden más allá de las fronteras chilenas.

"El hallazgo de cintas de audios son la base para la reconstrucción de su auge y caída… una delgada línea negra que cruza nuestra historia con venenos letales y cerros de cocaína. Una vida política tan aciaga que terminó configurando su propia autodestrucción".

La historia conduce finalmente hasta el asesinato de Berríos fuera de Chile, ocurrido durante los primeros años de la democracia. El caso, que involucró también a Uruguay, permanece como uno de los episodios más inquietantes de ese período.

La cocaína negra (o coca negra) es una mezcla de cocaína regular con otras sustancias para ocultar su apariencia, color y olor y así burlar los controles policiales y aduaneros.

Premio Festival internacional de Guadalajara - 2026

SINIESTRO TESTIMONIO SEMI-DOCUMENTAL: RECREA ALGUNOS MOMENTOS CON ACTORES.

Ficha técnica

2026 - Semi-documental Chile - 1,24 hrs. 

Fotografía: David Bravo 

Edición: Juan Eduardo Murillo 

Música: Jorge Cabargas 

Dir.de Arte: Amparo Baeza, Mónica Talamas 

Guion: Cristóbal Valenzuela Berríos, Juan Eduardo Murillo, Pilar Gil 

Actores: Claudio Arredondo, Patricia López 

Director: Cristóbal Valenzuela Berríos

Cocaína Negra - Por Carlos Correa Acuña

Este trabajo documental dirigido por Cristóbal Valenzuela reconstruye algunos pasajes de la vida de un controvertido colaborador civil de la dictadura militar chilena. Se trata del bioquímico Eugenio Berríos, un hombre nacido en 1947 que a temprana edad formó parte del movimiento Patria y Libertad para luego ser un miembro activo de la DINA, el aparato represor del régimen del General Augusto Pinochet. Vinculado a crímenes cometidos durante esa época, como el asesinato del excanciller Orlando Letelier en Washington, en septiembre de 1976, es indudable que Berríos fue una figura determinante, no solo por sus conocimientos científicos que le permitieron crear el famoso gas sarín, usado para asesinar opositores, sino también por sus características personales, muchas de las cuales este documental se encarga de relevar.

Cristóbal Valenzuela tenía una idea de cómo construir la historia. Sin embargo, el hallazgo de grabaciones realizadas por el propio Berríos, propició un cambio de mirada. Estas cintas, recuperadas por Nelson Jofré, quien se unió a la PDI en los 80 y luego fue parte del equipo que investigó los crímenes del régimen militar, se transformaron en un material fundamental para descubrir una faceta más personal del químico. Usando técnicas de sincronización labial, Valenzuela convocó a Claudio Arredondo para interpretar al personaje principal, a Patricia López para recrear a su esposa, Gladys Schmeisser, a Juan Cristóbal Jürgens para dar vida a Manuel Contreras y a Benjamín Westfall para representar a Michael Townley.

El formato elegido es un acierto. Desde un comienzo, los signos de una cuidada filmación resultan evidentes. Más adelante, cuando el docudrama pasa a dominar el metraje, la atención del espectador ya se encuentra capturada, mientras la fluidez del ritmo da cuenta de una inquietud constante: ¿quién es verdaderamente este exótico personaje que es capaz de endeudarse sin límite para ofrecer a otros fiestas y diversión y que, por otro lado, en su trabajo parece no tener ningún tipo de compasión por las víctimas?

Valenzuela es responsable de un interesante trabajo que aborda aspectos desconocidos de Eugenio Berríos. Resulta dinámico pasar de un tema a otro sin perder continuidad, incorporando nuevas capas que permiten comprender el contexto de Berríos y su relación con el entorno. A primera vista, no parece sencillo conseguir unidad entre las grabaciones. Sin embargo, allí reside el talento del guionista y de la dirección: una narración que tiene coherencia y que va cruzando algunos de los hitos más reconocidos dentro de los oscuros capítulos en los que Berríos estuvo involucrado.

En 84 minutos, este drama que contiene pinceladas de comedia se abre un espacio dentro de las múltiples historias de la dictadura. Esta vez lo hace desde una vereda diferente, desde aspectos personales y cotidianos que contribuyen a presentar una imagen bastante banal del personaje. Ese era Eugenio Berríos. Su historia no termina con el descubrimiento de sus restos en Uruguay, a mediados de los años noventa. La denominada cocaína negra, sustancia cuyo origen se vincula al Chile de mediados de los ochenta, específicamente a Talagante y a la figura del químico, ha terminado por trascender fronteras.

Ficha técnica

Título original: Cocaína negra
Año: 2026
Duración: 84 minutos
País: Chile
Compañías: Blume Producciones
Género: Documental | Dictadura chilena
Guion: Cristóbal Valenzuela, Pilar Gil, Juan Eduardo Murillo
Música: Jorge Cabargas
Fotografía: David Bravo
Reparto: Documental, Intervenciones de Douglas Hübner, Pablo Hübner, Aldo Duque, Gladys Schmeisser, Eliana González, Marcel Pommier, Manuel F. Contreras, Nelson Jofré
Dirección: Cristóbal Valenzuela

Godzilla Minus Zero - Por Jackie O.

“La esperada guerra Kaijū”

Continuación de la película “Godzilla Minus One” (2023) ganadora del Oscar a mejores efectos visuales.

Ahora vuelve ambientada en 1949, dos años después de los hechos anteriores. La historia sigue a la familia Shikishima mientras intenta reconstruir su vida en un Japón de posguerra, que apenas empieza a recuperarse. La frágil estabilidad de la nación se hace añicos cuando otra gran amenaza cae del cielo, y además, reaparece un Godzilla completamente regenerado, más grande y feroz, que regresa desde el océano.

Tenemos a los mismos personajes pasados, y eso es agradable. Kōichi Shikishima (Ryūnosuke Kamiki) es un héroe, ya considerado un experimentado piloto, quien vive con su familia de forma tranquila y ve alterada su rutina cuando se le informa de una nueva amenaza aérea en la que debe desplegar toda su expertis con nuevos pilotos. Por su parte, Noriko Ōishi (Minami Hamabe), tras haber sobrevivido de forma milagrosa al ataque masivo de Godzilla, trabaja apoyando un orfanato junto a su hija Akiko, ocultándole al resto, menos a su marido, un secreto que la atormenta: puede ver alterado no solo su futuro como familia, sino a nivel país. Por otro lado, Kenji Noda (Hidetaka Yoshioka), el brillante científico que ayudó a derrotar a Godzilla en su momento, es ahora director de la Oficina de Respuesta a Grandes Desastres, y es quien debe dar la terrible noticia de una nueva amenaza llamada Gidorah. Además, descubre que Godzilla no fue destruido por completo, ante lo cual debe ejecutar con su equipo, el que cuenta con una mujer experta en meteorología y gran aporte a la trama, Makoto Aoyama (Masami Nagasawa), una estrategia militar para la destrucción de dos titanes que emergen.

Como un nuevo personaje, tenemos al profesor Kanji Murakami (Min Tanaka), un biólogo que está lidiando con el trauma que fue la pérdida de su familia en Hiroshima. Eso hace que su intervención muestre otra faceta en esta historia, que es la de los soldados y los efectos post guerra. Es, también, quien descubre el secreto de Noriko Ōishi. Él también formará parte del equipo para la destrucción de estos dos grandes titanes.

La película está bien contada, y aunque es levemente, para mí, inferior que su predecesora. Se encuentra centrada principalmente en darnos a conocer otro monstruo que es el ser humano. Eso hace que su dinámica sea de corte psicológico, lo cual es muy bueno, ya que la humanidad con la que se cuenta la historia hace que la mezcla con los titanes esté muy bien combinada. Y es una delicadeza que solo los japoneses saben brindar a sus narraciones.

Estéticamente, como señalé, tiene un guion que opta por darle más cabida a la psicología de los personajes que mostrar a los titanes desplegados en primera plana -que puede ser, para quienes están acostumbrados a las películas Hollywoodenses sobre los titanes, un reclamo, al no ver que se llene de destrucción de elementos la pantalla en todo momento-. Acá, en esta historia japonesa, es la destrucción de la mente. Por esa razón, la intervención de los titanes es menor, pero no por eso menos digna; al contrario, verlos en pantalla en todo su esplendor es lo máximo.

Mantiene unos efectos visuales dignos de ser premiados nuevamente en los futuros festivales, con unos efectos de sonido impresionantes. Y las actuaciones, aunque en algunos casos puede rozar en la exageración, son adecuadas a la historia que nos narran, porque están llenas de dolor, culpa, miedo, y valentía.

Emoción y satisfacción en todo su despliegue técnico.

Ideal para disfrutarla en Imax.

Como dato: actualmente hay 39 películas oficiales de Godzilla.

Y por favor antes de ver esta, vean Godzilla Minus One, actualmente en Netflix y en arriendo en AppleTV.

Ficha técnica

ゴジラ-0.0 (Gojira Mainasu Zero)
Director: Takashi Yamazaki
Efectos visuales: Kiyoko Shibuya, Takayuki Ueki y Eishin Okubo
Japón. 2026.
2 horas 15 minutos

Godzilla Minus Zero - Por Juan Pablo Donoso

Gigantesca superproducción japonesa - secuela de Godzilla Minus One (2023) - que incluso supera a aquella por su espectacular realización y elaborado argumento.

Por primera vez filman la saga de Godzilla con cámaras digitales de alta definición, y optimizada en sonido e imagen para pantallas IMAX.

Desde que apareció este monstruo marino en 1954 (Gojira) se han realizado más de 12 epopeyas, todas con enorme éxito comercial. Las tres versiones estadounidenses, a pesar del mayor presupuesto, nunca superaron el impacto de las niponas del estudio Toho.

El director Takashi Yamazaki (Godzilla Minus Uno - 2023 / El Eterno Zero - 2013- con temáticas humanitarias de la Guerra), con este filme confirma su talento para combinar la ciencia ficción de “kaijus” (bestias gigantes mitológicas) con el drama familiar de personajes cotidianos, logrando un equilibrio narrativo que conmueve, a la vez que nos impacta con efectos apocalípticos.

La Segunda Guerra Mundial dejó a Japón en ruinas. Pasaron dos años y el país siguió luchando por reconstruirse y volver a la normalidad. Pero las armas nucleares estadounidenses crearon una bestia gigantesca - Godzilla - similar a un dinosaurio que emergió del mar, y siguió demoliendo las ciudades y también la psiquis de los sobrevivientes.

Ese fue el origen del monstruo en Godzilla Minus Uno, y de cómo creyeron haberlo aplacado. Pero ahora, en esta secuela, surge otro peor - Gidorah - aún más grande, capaz de regenerar sus heridas y multiplicar sus cabezas y fauces de dragón.

Ante la inminente destrucción planetaria, la única solución será despertar a Godzilla y enfrentarlo a Gidorah, para que ambos, en un combate descomunal de “kaijus” se aniquilen entre sí.

El padre de la familia Shikishima - ex -kamikaze y héroe de la gesta anterior - deberá poner a prueba nuevamente su fortaleza, provocando a los monstruos, arriesgando su vida y el futuro de su hogar.

La historia amplía la trama de “Minus One”, cuenta con un sólido desarrollo argumental, e involucra a una galería de personajes secundarios bien motivados.

Hasta nos depara un inesperado giro temático al final. Ello hace aún más clara la advertencia sociológica oculta tras los símbolos de monstruos casi imbatibles provocados por las guerras nucleares.

UN FASCINANTE ESPECTÁCULO VISUAL Y AUDITIVO QUE INCLUYE VALORES FAMILIARES Y DILEMAS PSICOLÓGICOS. RECOMENDAMOS VERLA EN IMAX PARA DISFRUTARLA EN TODA SU DIMENSIÓN.

Ficha técnica

Título Original: ゴジラ-0.0

2026 Acción, drama social, ciencia ficción Japón - 2,05 hrs. 

Fotografía: Kôzô Shibasaki 

Edición: Ryûji Miyajima 

Música: Naoki Satô 

Diseño Prod.: Akira Maguchi 

Actores: Minami Hamabe, Miou Tanaka, Ryûnosuke Kamiki 

Guionista y director: Takashi Yamazaki

Caballo Salvaje Nueve - Por Jackie O.

“Western isleño”

Sinopsis: Poco antes del golpe de Estado chileno de 1973, los agentes de la CIA, Chris (John Malkovich) y Lee (Sam Rockwell) son enviados desde Santiago de Chile a la Isla de Pascua por su jefe, MJ (Steve Buscemi). Entre los moais de la isla, y mientras los compañeros de larga data lidian con sus oscuros pasados y conspiraciones presentes, el nuevo vínculo de Chris con un par de estudiantes (Mariana di Girolamo y Ailín Salas) amenaza con desviar el viaje de todos en este remoto paraíso.

Con un guion lleno de sátira política con un toque de drama, vemos cómo interactúan estos dos agentes de la CIA que no nos dejan indiferentes, causándonos más de una sonrisa (o risa nerviosa, tal vez) cada vez que abren la boca, pues la cinta se basa en una tensa conversación que nos mantiene en constante atención sobre lo que se dirá y qué no se dirá entre estos dos amigos. Su guion está tan bien estructurado que mezcla política, mucho humor negro y drama de forma muy inteligente, con el espionaje de estos dos hombres tristes, su amistad inquebrantable, sobre la soledad, la muerte, la moral, la culpa y la búsqueda de la tan ansiada redención.

Con dos personajes principales, reitero, que llevan el tema político y dramático a un punto de soberbia y paranoia en sus roles de forma magistral, teniendo una muy buena química.

No puedo dejar de mencionar a la actriz chilena, Mariana Di Girólamo, quien realiza una gran actuación. Su personaje comienza con el repudio a este agente senil, para luego pasar a la compasión y hasta la empatía, pudiendo, su intervención, alterar la misión a la cual están convocados estos agentes.

Destaco, además, la bella fotografía de la Isla de Pascua, la que es digna de admirar, así como la buena escenografía, al recrear con vestuario, maquillaje, utilería y espacios de los años 70.

Una gran película que está lejos de gustar, tal vez, a quienes les fascina la adrenalina y llenarse de “fuegos artificiales”, pero a quienes invito que la vean, ya que tenemos una diferente forma adrenalínica en un discurso tenso, una historia que nos da contexto, emoción y admiración al ver a sujetos de moral cuestionable siendo queridos.

Solo puedo terminar diciendo que estará nominada en los futuros festivales en dirección, guion, actuaciones. Y ¡denle ya el Oscar por favor a John Malkovich! Acá está fenomenal.

Ganadora de la “Copa Volpi” para John Malkovich y Premio Fanheart3 - Barco de Plata a la Mejor Pareja protagónica (OTP).

Ficha técnica

Wild Horse Nine
Escrita y dirigida por Martin McDonagh
117 minutos. 2026.
Países: Reino Unido, Estados Unidos, Chile

El gato con sombrero - Por Jackie O.

“Divertirse con responsabilidad”

Tomando de referencia el libro infantil de 1957 del Dr. Seuss, vuelve un largometraje del gato.
En el año 2003 fue un Live Action; en 1971 se realizó un especial musical para la TV; y en el 2010, una serie educativa animada de tres temporadas.

Ahora comienza el Seussiverse. Sí, dicen que se está trabajando en llevar los cuentos del Dr. Seuss a la pantalla en una colaboración entre Warner Bros Pibture y Dr. Seuss Enterprises, y se comenzaría con esta película. El proyecto arroja que en el futuro viene "Thing One and Thing Two", película musical enfocada en los alocados personajes de Cosa Uno y Cosa Dos; y ¡Oh, los lugares a los que irás! película musical animada, con lanzamiento proyectado para 2028, entre otras ideas que podrían venir.

Pero vamos a la nueva adaptación de este cortito cuento. Toma la idea de un gato que llega a cambiarles la vida a unos niños en su casa, pero como es largometraje la alarga, a veces innecesariamente, adornándola en demasía. Como por ejemplo, que el gato tiene un trabajo y es para la empresa I.I.I.I. (Instituto para la Institución de Imaginación e Inspiración). Ahí está el jefe aburrido de este gato que cumple con alegrar a los niños, pero dejando un caos en el camino. Y se le da un ultimátum. Su nueva misión consistente en alegrar a Sebastian y Gaby, dos niños que se mudaron sin estar contentos con la nueva vida que llevarán, Lo debe hacer sin dejar caos; sin embargo, el gato, quien es un ser mágico que actúa de buena fe, no puede dejar de lado su esencia alocada, ansiosa e imprudente, generando un desorden descomunal, liberando unas criaturas llamadas “cosas”, y además, despertando a un monstruo mayor en un mundo mágico donde se transportan.

La cinta es visualmente hermosa, llena de colores y personajes agradables que a los niños les puede atraer. Hay tres estilos en su ejecución: la base es 3D, así como trazos a mano y tinta, y crea un hiperrealismo con texturas neón.

El doblaje estuvo bastante bueno si la quieren ver en español. El personaje a destacar, para mí es wafles, el pez, quien tiene la mejor intervención.

En lo que podría reparar es en su duración. Muy extensa para infantes donde se les pueda mantener atentos. Y es porque desarrollaron varias subtramas que, a veces, se sienten hasta innecesarias, llegando a pensar ¿a qué público quiere llegar?

Por último, puedo señalar que es una cinta familiar donde los padres pueden conversar con los niños sobre los mensajes a rescatar de la historia, y que es la esencia del cuento en sí: la responsabilidad sobre las acciones que se toman, los límites que hay que poner en la vida, y que hay que dejar que los niños liberen su creatividad (por supuesto siempre supervisados por un adulto responsable).

Ficha técnica

The Cat in the Hat
Dirigida y escrita por Erica Rivinoja y Alessandro Carloni
2026. 1hora 50 minutos.
Personaje - Elenco Original - Doblaje Latino
El Gato con Sombrero - Bill Hader - Alfonso Herrera
Gabby - Xochitl Gomez - Danna Alcalá
Waffles - Matt Berry - Fernando Guallar
Sebastián - Tiago Martinez - Jorge Rafael
Carmen - America Ferrera - Berenice Vega
Sr. Hoogeboom - Giancarlo Esposito - Octavio Rojas

Entrega al límite - Por Carlos Correa Acuña

Inverosímil pero entretenida. A toda velocidad, esta película tiene pocas secuencias que den tregua a una acción que parece no terminar nunca. ¿De qué se trata?

Hank Malone -Alan Ritchson-, un rudo ex agente de las Fuerzas Especiales del Ejército, trabaja como repartidor de artículos en la ciudad de Brisbane, Australia. Se trata de un oficio particular, pues su jefe Iggy no discrimina respecto a la procedencia de los encargos, los que pueden ser incluso ilegales. La clave es no preguntar; solo cumplir los encargos para ganar una buena suma de dinero.

Una mañana, y ante un pedido especial, Hank ve trastocada su vida. Le han solicitado el transporte de un órgano humano destinado a una niña de siete años que necesita un trasplante urgente de hígado. La tarea no es difícil. Sin embargo es crucial llegar a tiempo. A pesar de mantenerse en un refrigerador portátil, la duración del órgano es limitada. Pasado cierto tiempo, se pone en riesgo la factibilidad del procedimiento.

En el aeropuerto, Hank conoce a quien trae el paquete. Se trata de Ben Bishop -Owen Wilson-, un hombre excéntrico y parlanchín cuya misión es asegurarse de entregar personalmente el encargo. Las chispas saltan de inmediato: Hank trabaja solo y no acepta compañía, pero Ben no está dispuesto a dejar en otras manos algo que reviste vital importancia. A regañadientes, Hank emprende el viaje hacia un destino distinto del indicado por Ben, una primera pista de que algo no anda bien. Advierten que los están siguiendo y las intenciones de sus perseguidores son clarísimas. ¿Decidirán proteger el órgano y cumplir con la entrega o salvar sus vidas?

Vertiginosa y con secuencias que resultan sorprendentes, en “Runner” destaca el trabajo de dirección de Scott Waugh. No es sencillo mantener el pulso durante un poco más de 90 minutos sin caer en la tentación de combinar forzadamente los elementos. En este caso, Waugh toma el timón y no lo suelta. Es decir, aunque la columna vertebral del relato sea la acción pura, el panorama completo se va desplegando poco a poco y fluye adecuadamente.

Un punto alto de esta cinta es la química que brindan Alan Ritchson y Owen Wilson. Me sorprendió, no la esperaba, sobre todo por el lado de Wilson. Su aporte va más allá de los papeles típicos que le conocemos y amplía su registro con un personaje que fácilmente podría caer en los clásicos estereotipos. Ritchson permanece siempre en lo suyo, casi sin inmutarse, mientras se enfrenta a dificultades sobrehumanas que va superando como si de un videojuego se tratara. El complemento de estos dos perfiles se potencia cuando Rodrigo Santoro entra en escena interpretando a Damián Zaldívar, el jefe del cartel que está tras el encargo. Los tres funcionan bien como ejes principales y la tensión no para hasta el final.

“Entrega al límite” es entretenida, pasa volando y cumple lo que promete. ¿Debilidades en la historia? Por cierto, porque todo lo que sucede es altamente improbable y no me refiero a la premisa, sino a su desarrollo. ¿Alguna profundidad? Para nada, porque el argumento es una excusa para desplegar una lograda y eficiente pirotecnia, aunque los temas de fondo -la donación de órganos, el comercio ilegal y el poder del narcotráfico- sean solo el tapiz.

Con todo, hay más aspectos positivos que negativos en una película que tiene mucha violencia. Por suerte no abruma; sabemos que es ficción y lo bueno es que eso no se olvida a lo largo de sus 97 minutos de duración.

Ficha técnica

Título original: Runner
Año: 2026
Duración: 97 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 2521 Entertainment, A Higher Standard, AllyCat Entertainment, Bright White Light, Broken Road Productions, G2 Dispatch, Industry Entertainment, International Media Funds Management, Nickel City Pictures
Género: Thriller. Acción
Guion: Miles Hubley, Tommy White
Música: Charlie Nguyen Kim
Fotografía: Lorenzo Senatore
Reparto: Alan Ritchson, Owen Wilson, Rodrigo Santoro
Dirección: Scott Waugh

Wildwood: el Bosque Salvaje - Por Juan Pablo Donoso

Una compleja epopeya animada, bellísima de mirar, con pocas, pero gratas canciones para distender la cantidad de eventos que suceden.

Después de que su hermanito bebé, Mac, es secuestrado por una parvada de cuervos, la adolescente Prue McKeel (voz-Peyton Elizabeth Lee) inicia una misión de rescate hacia el Bosque Impenetrable: una selva encantada, oculta poco más allá de Portland, Oregón.

Acompañada por su torpe pero leal compañero de clase, Curtis Mehlberg (voz-Jacob Tremblay), se sumergen en un mundo prohibido con animales parlantes, bandidos, místicos druidas y facciones en guerra, dominados por Alexandra (voz - Carey Mulligan), una figura aquejada por el duelo, el despecho y la ambición.

Una aventura arrolladora sobre amor filial, el sacrificio y la magia que se revela cuando nos atrevemos a explorar más allá de lo cotidiano.

Deberá enfrentar a Alexandra, la Gobernadora viuda que perdió a su hijo y lo reemplazó por otro mecánico, y luego, resentida y desquiciada quiere matar al pequeñito Mac.

Ella encabeza un conflicto que amenaza el equilibrio del bosque mismo.

Prue, entonces, descubrirá la fuerza y la fe que nunca supo que poseía. Si quiere salvar a su hermano y proteger el frágil futuro de Wildwood, tendrá que arriesgarlo todo.

Es una película tremenda: por su argumento, conflictos, personajes y, sobre todo, por su titánica realización con Stop-motion. Tardó siete años en filmarse.

Stop-motion: técnica de animación que da movimiento a objetos estáticos. Se coloca un objeto o figura frente a una cámara y se le toma una fotografía. Se mueve el objeto ligeramente de forma manual. Se toma otra fotografía, se vuelve a mover un poco más, y se repite este proceso miles de veces. Al reproducir todas las fotografías a una velocidad constante (12 o 24 cuadros por segundo), el cerebro percibe un movimiento fluido y el objeto parece cobrar vida.

Esta técnica tan minuciosa, cuyos pioneros más emblemáticos fueron el checo Jiří Trnka -1912 - 1969 - (Sueño de una Noche de Verano - 1959) y el canadiense Norman McLaren - 1914- 1987 - (Vecinos - 1952), de lentísima ejecución, nos deslumbra en Wildwood por la exuberancia de sus detalles más ínfimos.

Larga y recargada, pero igual, fascinante de seguir. Historias dentro de historias. Muchos personajes. Casi todos con sus previas motivaciones. Ausencia de malvados gratuitos.

Animales grandes y pequeños que hablan y participan en la gesta.

Por el exceso de ingredientes - escenas de violencia y longitud - sería cansadora para niños pequeños.

Ingeniosos créditos finales: con interminables participantes.

De LAIKA, el estudio nominado al Óscar y ganador del BAFTA (los premios más importantes del Reino Unido que reconocen la excelencia en el cine, la televisión y los videojuegos).

UNA OBRA ANIMADA GIGANTESCA, DIGNA DE CONOCERSE. REBOSANTE DE FANTASÍA Y MAGIA. CARGADA DE HUMANIDAD Y PATETISMO. UNA JOYA EN FONDO Y FORMA.

Ficha técnica   

Título Original: Wildwood

2026 Fantasía épica, animación stop-motion EE.UU., Reino Unido, Canadá - 2,12 hrs. 

Fotografía: Caleb Deschanel 

Edición: Christopher Murrie-Green 

Música: Dario Marianelli 

Diseño Prod.: Nelson Lowry 

Guion: Chris Butler, Carson Ellis, Colin Meloy (novelistas) 

Voces: Peyton Elizabeth Lee, Jacob Tremblay, Carey Mulligan 

Director: Travis Knight

Entrega al Límite - Por Juan Pablo Donoso

Cumple con su objetivo de suspenso mediante violencia, sangre, malos muy perversos y, aunque inverosímil, es entretenida de comienzo a fin.

Una baraja con todos los clichés de acción y “cebolla” conocidos, pero con un guion bien escrito, una dirección ágil, una voluminosa producción, y héroes empáticos para el público.

Bellas tomas de algunas ciudades de Australia.

Hank Malone (Alan Ritchson) ex militar, sin familia - alcohólico rehabilitado - trabaja como chofer en transportes delicados. Ahora, junto a Ben (Owen Wilson), un mensajero muy parlanchín, deberá llevar a tiempo el órgano vital de un donante, para salvar a una niñita de siete años que agoniza.

Pero la misión se complica cuando un poderoso jefe del crimen (Rodrigo Santoro) se lanza tras la valiosa carga para salvar a su propia madre.

Es un escuadrón de bandidos malolientes intentando arrebatar la caja frigorizada con el codiciado hígado. Por las calles de la Costa Dorada australiana comienza una feroz carrera contra el reloj, en la que cualquier atraso sería fatal.

El musculoso Alan Ritchson ha encarnado a dos superhéroes de DC Comics: Arthur Curry/Aquaman y Hank Hall/Hawk. Va camino de convertirse en un nuevo ídolo del cine de acción. Por su habilidad para noquear y degollar maleantes sigue los pasos legendarios de Schwarzenegger, Segal y Jason Statham, entre otros.

Por su parte, Owen Wilson, (uno de los co-productores) aprovecha de interpretar un personaje gracioso, imprudente y, a la vez, entrañable. Con su torpeza habitual, su nariz quebrada e hiperkinesis, recibiendo su buena dosis de palizas por el camino, logra que los dos protagonistas muestren una química excelente.

El brasileño Rodrigo Santoro - como el “malo- malo” - aunque exagerado, nos conquista con su carisma tan desquiciadamente perverso. (Xerxes en 300 y Paulo en la serie de TV Lost). Anhelamos verlo sucumbir.

Y destacamos la actuación de Scarlett Crabtree, niñita australiana muy talentosa, quien junto a su madre (Lelia George) y las doctoras dentro del hospital aportan el drama paralelo mientras en las carreteras los héroes y los crápulas se masacran con cuchillos, hachas y ametralladoras.

Que nadie espere reflexionar. Solo dejarse llevar por las sensaciones.

Una trama de acción tan básica como esta requiere del dulce toque femenino para resultar agradable.

Como carece de un cierre romántico, quedamos listos para que el invencible Ritchson enfrente solitario nuevas aventuras.

UNA FÓRMULA TRADICIONAL MUY BIEN REALIZADA. AMENA, SANGRIENTA, SENTIMENTAL Y ENERGÉTICA.

Ficha técnica

Título Original: Runner

2026 Acción, suspenso, violencia Australia, EE.UU.. Reino Unido - 1,38 hrs. 

Fotografía: Lorenzo Senatore 

Edición: Matt Villa 

Música: Charlie Nguyen Kim 

Diseño Prod.: Enzo Iacono 

Guion: Miles Hubley, Tommy White 

Actores: Alan Ritchson, Owen Wilson, Rodrigo Santoro, Leila George 

Director: Scott Waugh

Medium - Por Jackie O.

"Muertos vivientes"

La serie está protagonizada por Patricia Arquette como Allison DuBois, una médium (psíquica) que trabaja como consultora para la fiscalía de Phoenix. Allison y su esposo Joe (Jake Weber), un científico, son padres de tres hijas menores de edad (Sofia Vassilieva, Feodor Lark, y Madison Miranda Carabello), quienes heredaron el don de Allison, lo cual se ve en el transcurso de la serie.

La serie comenzó el año 2005 y se basó inicialmente en las experiencias de la médium Allison DuBois (aún viva), quien afirma haber colaborado con agencias policiales de todo el país en investigaciones criminales. Su caso fue cuestionado por muchos y avalado por otros.

En cuanto a la serie, que consta de 7 temporadas, solo hablaré de la primera temporada de 16 capítulos.

En ella narra que Allison es amiga del Fiscal Manuel Devalos (Miguel Sandoval), y este la contrata como consultora, ya que sabe que ella tiene visiones que lo ayudan a esclarecer crímenes. Ambos realizan un pacto para trabajar juntos sin que nadie sepa de su don. Ella estudió leyes, lo que dejó para ser dueña de casa, pero esos estudios le sirven para ser contratada como asistente de Fiscal. Así, van esclareciendo diversos crímenes ayudados por un detective, quien descubre el don de Allison y es otro aliado.

Este trabajo nos muestra la dinámica de una mujer que tiene constantes sueños (y pesadillas) que no solo la alteran a ella, sino también su vida familiar, la que a veces pende de un hilo. Vemos lo difícil que es lidiar con un don, o maldición; ayuda a otros pero eso la lleva a tener problemas personales y eso la pone en una encrucijada: deja todo o ayuda a otros.

La serie se muestra cercana porque no estamos ante pociones, magias o monstruos recurrentes en temas místicos, sino que con situaciones más cercanas de cómo lidiar con algo que sucede en su mente, de ver lo peor del ser humano, temas que siempre la confundena ella y al telespectador en un comienzo, lo que nos hace detectives, ya que sus primeras visiones no son tan claras.

Nos muestra la cotidianidad de su trabajo con un Fiscal y un detective, de cómo hacer que su don se mezcle con las leyes y las pruebas tangibles. Y cómo se mueve su vida personal; su marido la conoció y la ama con ese don, pero ¿qué tanto les puede afectar como familia?

Interesante trabajo, que le valió un premio Emmy a Patricia Arquette en la primera temporada. Las actuaciones de todos están muy buenas y creíbles. Y cada capítulo es una historia diferente.

Disponible gratis en Pluto TV y en DGO.

Creado por Glenn Gordon Caron

Clayface - Por Juan Pablo Donoso

Una lograda versión de horror corporal y psicológico inspirada en el personaje homónimo de DC Comics.

Clayface (cara de greda) es uno de los villanos más antiguos y peligrosos del universo de Batman. Solía ser secundario en las historietas, pero en esta película es el personaje central.

Matt Hagen es un joven galán de cine (Tom Rhys Harries) a punto de obtener el Premio Máximo en ciudad Gótica.

Seducido por la novia de un malvado mafioso, y sorprendido en el acto, queda con el rostro brutalmente desfigurado, lo que destruye su carrera.

Abandonado por su equipo, sin nada que perder, y ansioso por recuperar su apariencia, acude a una científica de color, Caitlin (Naomi Ackie), quien experimenta con un suero para restituir la piel.

El tratamiento químico, exitoso al principio, falla después y lo transforma en un monstruo de arcilla maleable. Lo lleva a un trágico descontrol de su cuerpo. Le afecta su percepción de la realidad, sumiéndolo en una espiral destructiva de venganza.

Puede adoptar la apariencia física exacta de cualquier persona, imitando rostros, complexiones e incluso detalles biológicos (ADN). Hasta inmune a los ataques mentales y telepáticos.

Los méritos de este filme son atribuibles al inteligente guion de Hossein Amini y Mike Flanagan. A diferencia de otras similares, desarrolla el conflicto con lógica proporción de causas y efectos. En todo momento los personajes se sienten verosímiles a medida que crece el descalabro.

Por su parte, el director británico James Watkins (Atentado en París - 2016 y No Hables con Extraños - 2024), aprovechando el presupuesto de US$ 40.000.000 pudo ambientar las atmósferas, escoger actores adecuados, e imprimir un ritmo de creciente ascenso progresivo.

Reconocimiento especial merecen los diseñadores y escultores de elementos prostáticos Satinder Chumber y Dixie George quienes, junto a los efectos visuales, consiguen que compadezcamos a las víctimas de esta tragedia, y empaticemos con la aniquilación de los malvados que la causaron.

RELATO PSICOLÓGICO Y DE HORROR CORPORAL CUYO TALENTO NARRATIVO NOS SUMERGE EN EL UNIVERSO DEMENCIAL DE SUS PERSONAJES. RECOMENDABLE PARA QUIENES DISFRUTAN CON ESTE TIPO DE CIENCIA FICCIÓN.

Ficha técnica

2026 Horror corporal y psicológico, mundo del espectáculo Reino Unido, EE.UU. 1,48 hrs. 

Fotografía: Rob Hardy 

Edición: Jon Harris 

Música: Volker Bertelmann 

Diseño Prod: James Price 

Guion: Hossein Amini, Mike Flanagan 

Actores: Tom Rhys Harries, Naomi Ackie, David Dencik 

Director: James Watkins

Clayface - Por Jackie O.

“Puedes ser muchos y ninguno a la vez”

Clayface, es un alias utilizado por varios personajes que aparecen en los cómics publicados por DC desde la década del 40. El Clayface original fue Basil Karlo, un actor no famoso que cae en la locura cuando va a ser reemplazado. Mientras que Matt Hagen, es la segunda versión de ClayFace, un cazador de tesoros que cae a un líquido radioactivo donde queda desfigurado. Ambos tienen su historia que también en algún momento se ven unidas, junto a otros ClayfaceS, que no vienen al caso; este comentario es para mencionar que la película se basa en la combinación de historias.

La película tiene de premisa a un Matt Hagen, una exitosa y nueva figura de la actuación, pero queda desfigurado por culpa de un mafioso y las mentiras de una mujer. Además, dejan su reputación manchada y es desechado en la industria del espectáculo, por lo que busca recuperar su rostro, y así su fama, para lo que se somete a diversas cirugías que lo único que hacen es desbancarlo económicamente. Hasta que da con un nuevo y revolucionario estudio y acepta ser sujeto de prueba de una científica que intenta restaurar su apariencia, pero algo sale mal, provocándole efectos secundarios que no solo afectan su apariencia física, sino que desata un caos mental, buscando asesinar de la forma mas brutal a todo quien lo traicionó, o que él crea es un impedimento para su beneficio.

La película tiene una buena premisa, una historia que sucede en Gotham con un guion que es tan retorcido, sucio y peligroso como la ciudad. La historia es también muy triste y es una mezcla que hace el guion al desfigurar mentalmente a una buena persona; un descenso a la locura, una transformación inevitable, llevándonos hacia el horror corporal y psicológico.

La cinta tiene el tono de diversas películas, tales como "El fantasma de la ópera", "La mosca" o "La substancia", entre otras, que hace que nuestro protagonista no solo tenga una grotesca transformación física, sino que mental, donde va perdiendo su identidad en el proceso, perdiéndose el humano y encontrando al monstruo.

Y aunque Clayface es un villano clásico en el mundo Batman, esta cinta es independiente de él, pues ya de Batman o Bruce Wayne hemos visto mucho, y puede que a algunos esta parte no les guste y busquen incansablemente al caballero oscuro, criticándola negativamente.

Sí puedo señalar que el tema romántico no me convenció mucho. A pesar de que ella es una excelente actriz, faltó más desarrollo.

Hay variados temas tratados en esta cinta que, si la desmenuzamos, tenemos a la industria televisiva que, cuando no le sirve alguien, lo bota y se olvida de ello, lo que hace que la desesperación de estas personas los lleven a cometer locuras para seguir en la industria. Va de la mano del abandono de las amistades, o supuestas amistades.

El abuso de poder, los mafiosos que amenazan a las personas para sus beneficios, o el corrupto que se deja manipular por unos cuantos miles o millones. La venganza, que nos lleva a la violencia. Vemos muchas personas que no tienen ética ni moral. Pero también están aquellos que buscan la justicia o realizan actividades para poder ayudar a otros.

La desfiguración física y mental de Matt lo lleva a preguntarse quién es él al final, y hasta qué puede llegar a ser.

Buena puesta en escena, buen maquillaje y protésicos. Buenas actuaciones, fotografía y dirección.

En algunas de estas categorías debería, mínimo, ser nominado.

Y por mucho DC y cómic sea, esta es una película para mayores de edad, debido a su contenido violento del subgénero Body Horror y Gore.

No tiene escena post créditos.

Ficha técnica

Dirección: James Watkins
Guion: Mike Flanagan y Hossein Amini
Protagonistas Tom Rhys Harries, Naomi Ackie, Max Minghella, Eddie Marsan
2026. 105 minutos

Lo dejamos acá - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Los primeros minutos de esta película muestran a Ricardo Darín cómodo y relajado en lo que mejor sabe hacer: entregar un sentido discurso. La voz, las inflexiones y su particular estilo dan credibilidad a un monólogo que nos adelanta parte de lo que veremos a continuación.

Darín interpreta a Ulises Verón, un psicoanalista que, poco a poco, se aleja de las fórmulas convencionales con el fin de obtener mejores resultados con sus pacientes. Si existía una línea roja, Verón la traspasó hace bastante tiempo. Eso es lo que vemos en sus primeras intervenciones, que no solo descolocan, sino que se encuentran totalmente reñidas con cualquier límite ético.

El escenario se amplía cuando un escritor de renombre, Martín Bouchard -Diego Peretti-, llega a su consulta. Ulises, distante y reticente, no logra empatizar con el problema de Martín. No da crédito ni a su bloqueo creativo ni a su adicción al alcohol, y las chispas saltan de inmediato. Lo que en un comienzo parece un choque de trenes, pronto se transforma en lo que realmente sostiene la película: un magnetismo perfecto entre dos perfiles tan distintos como complementarios, un paciente insólito y un médico incontenible.

Escrita por Emanuel Diez y dirigida por Hernán Goldfrid, esta cinta, más que explorar ciertas temáticas, intenta romper con moldes establecidos. Y lo hace con evidentes exageraciones, aunque algunos aspectos, por descabellados que sean, tengan una mínima cuota de verosimilitud. Por supuesto, no podemos tomar nada en serio y tampoco pretender que algo de lo que se presenta en pantalla pueda ocurrir en la realidad. Pero, ¿es descartable que comportamientos patológicos se amplifiquen cuando profesionales consiguen éxito y renombre?

Darín y Peretti se mueven como peces en el agua. La química entre ambos es instantánea. Sus diálogos, la forma de decir las cosas, sus miradas desafiantes y sus perfiles bien delineados aportan gran fuerza al relato. Es el aspecto fuerte de un metraje que desdibuja a sus personajes secundarios -la hija de Ulises y los otros pacientes-, al reducir los personajes secundarios a pequeñas caricaturas que acompañan a dos portaviones que, hagan lo que hagan, resultan siempre rutilantes.

“Lo dejamos acá” parece no querer ir más allá de una entretención pasajera. De esto da cuenta una construcción que pierde fuelle en el último tercio, no solo por algunas situaciones imposibles, sino por la manera de resolver algunas intrigas que podrían haber tenido una mayor sustancia. Aun así, se pasa un momento agradable que, aunque no perdure, es suficiente para cumplir la promesa inicial. Y para quienes seguimos a Peretti y Darín, verlos juntos justifica la inversión de 98 minutos de nuestro tiempo.

Ficha técnica

Título original: Lo dejamos acá
Año: 2026
Duración: 98 minutos
País: Argentina
Compañías: Kenya Films. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Drama
Guion: Emanuel Diez
Música: Roque Baños
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
Reparto: Ricardo Darín, Diego Peretti, Antonia Bengoechea, Inés Efron, Andrea Politti, Patricia Echegoyen, Carlos Santamaría, Miriam Odorico
Dirección: Hernán Goldfrid

El Sanador - Por Jackie O.

"Los granjeros del mundo y la libertad"

La historia sigue a tres personas aparentemente sin conexión que terminan unidas por un trágico incidente ocurrido en 1992, cuando un grupo de amigos operaba una estación de radio pirata.

 
Seo Jung-hoo, es un joven mensajero nocturno de élite conocido con el alias de "El Sanador". Chae Young-shin, es una joven reportera entusiasta de un portal de noticias de espectáculos de segunda categoría y Kim Moon-ho, es un exitoso y reconocido reportero de una gran cadena televisiva. Este último contrata al Sanador para hacer una investigación: buscar a una persona específica, para lo cual indaga en varias hasta que da con la correcta; la joven reportera. ¿Por qué ella?

Moon-Ho era un niño en 1992, cuando cinco jovenes amigos eran unos apasionados reporteros que indagaban una red de corrupción, y algunos de ellos fueron asesinados. La única mujer del grupo vivió luego de un accidente, pero quedó con una herida peor que las del accidente.
El sanador, persona capacitada para realizar el trabajo que le pidan, menos matar, tiene la nueva misión de cuidar a la joven reportera Young-shin y, por supuesto, se enamoran.

Su guion nos lleva a una diversidad de géneros, caricaturiza a personajes, algunos al extremo, y tiene variados temas, principalmente la corrupción política, la libertad de expresión, una serie de secretos que tiene que ver con los hechos ocurridos entre la décadas del 80 y 90, que en la actualidad se intentan desenmarañar y eso trae consigo diversas conspiraciones. Vemos la soledad de sus protagonistas, el amor, la amistad, la manipulación de los poderosos, la familia sanguínea y la elegida.

El primer capítulo no es muy amigable para enganchar al telespectador, pero luego va aumentando su intriga y también la diversión. Al final, no todos los temas quedan aclarados para el telespectador, pero es por el bienestar de algunos personajes, si lo analizamos más a fondo. De todas formas decae la edición un poco.

Lucha del poder, dinero, corrupción, mucho amor cursi y libertad de expresión encontrarás en esta serie.

Disponible en Netflix y Vix.

Ficha técnica

Healer (en hangul, 힐러 )
Corea. 2014 - 2015
20 capítulos
Protagonistas: Ji Chang Wook, Sam, Yu Ji-tae, Kim Mi-kyung, Do Ji-won

Tres Adioses - Por Carlos Correa Acuña

Reflexiva película de la directora Isabel Coixet. De manera natural, sin exagerar ningún aspecto, este drama fluye cadencioso a través de una constante vital.

La introducción al tema es breve. Marta y Antonio tienen una discusión, aparentemente sin importancia, que traerá consecuencias. El conflicto se desencadena rápido y Antonio decide dejarla. En poco tiempo, el escenario cambia radicalmente.

La separación de la pareja tiene efectos inmediatos. Marta, algo tímida y reservada, sigue con su rutina de entrenadora en un colegio, pero se nota golpeada. A su comportamiento retraído se suman la falta de apetito y los vómitos espontáneos. Por su parte, Antonio, un chef con una carrera en ascenso, se refugia en su trabajo. A pesar de haber sido él quien tomó la decisión, no consigue olvidar a su pareja. Cada rincón de la ciudad le recuerda a Marta; definitivamente la extraña.

Mientras tanto, la soledad y el miedo se apoderan de Marta. Ni siquiera es capaz de abrirse con su hermana, y menos aún de encontrar allí empatía. Evita cualquier contacto más allá de lo necesario; sin embargo, su permanente deambular y crecientes molestias físicas revelan que algo no está bien en su cuerpo.

Desde los primeros minutos atraen los detalles de esta historia, adaptada por Enrico Audenino e Isabel Coixet a partir de la novela publicada en 2023 por Michela Murgia dos años antes de morir. Al intentar descubrir qué le ocurre, la cinta inmediatamente se abre, permitiendo explorar sutiles capas que comienzan a resonar emocionalmente. El enfoque de la directora resulta tremendamente humano. Es tan sincero que contemplar la contención de Marta logra matizar el sabor agridulce de su situación. Al avanzar un poco más, se revelan detalles importantes. Roma pasa de ser solo el escenario a jugar un papel importante en el recorrido de los personajes. Las calles estrechas, el río Tevere y sus rincones adquieren cada vez más fuerza. Asimismo, los recuerdos de ambos, filmados con las marcas del paso del tiempo, remiten a una felicidad que probablemente no volverá.

Las actuaciones representan otro punto alto de la cinta. Marta expresa emociones sin necesidad de decir una sola palabra. Su mirada refleja el interior de su personaje: transparente, por momentos en apariencia vacío y en constante transformación. Antonio es la contraparte. Duro y decidido al comienzo, su viaje es más corto que el de la protagonista, aunque no por ello menos significativo. Este complemento, a pesar de no estar juntos en pantalla, ofrece otros matices y permite un tipo de iluminación diferente para el relato.

Isabel Coixet presta mucha atención a las sutilezas, un hilo conductor casi invisible que atraviesa la historia. Allí encontramos objetos que se transforman en símbolos y también el papel que juega la comida. Tal vez la caducidad de los alimentos puede convertirse en una metáfora de la vida, un recorrido cuya fecha de vencimiento desconocemos.

“Tres Adioses” posee más aspectos a desarrollar. Por ejemplo, otros personajes rodean la historia de Marta y Antonio, pero es mejor que sean descubiertos por ustedes. También podrán encontrar otras lecturas al interior, en la medida que el reposo y la reflexión se apoderen del recuerdo de lo visto. Por mi parte, me quedo con algunas claves: soltar, descubrir y vivir. No debemos saltar las etapas; debemos evolucionar dentro de ellas, tomar conciencia de nuestras sensaciones y sentimientos, atender nuestra intimidad y, con ello, avanzar, siempre avanzar, pese a todas nuestras humanas limitaciones.

Ficha técnica

Título original: Tre ciotole
Año: 2025
Duración: 120 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-España; Cattleya, Ruvido Produzioni, Bartlebyfilm, Buena Pinta Media, BTeam Prods, Colosé Producciones, Perdición Films, Vision Distribution
Género: Drama. Romance | Drama romántico
Guion: Enrico Audenino, Isabel Coixet. Novela: Michela Murgia
Fotografía: Guido Michelotti
Reparto: Alba Rohrwacher, Elio Germano, Francesco Carril, Silvia D'Amico, Galatea Bellugi, Sarita Choudhury
Dirección: Isabel Coixet

Hope: El Primer Impacto - Por Juan Pablo Donoso

Se dice la producción coreana más cara de la historia: US$ 74.000.000. Averigüemos la causa y el resultado.

Con 2,40 hrs. es una extraña mezcla de cine catastrófico de alto nivel, con aventuras alienígenas desenfrenadas propias de películas de serie B.

Sucede en Hope, una pequeña aldea en la zona desmilitarizada: frontera que separa las dos Coreas.

La policía investiga la presencia de una misteriosa criatura que, además de matar el ganado, ha destruido casi por completo, y masacrado a la mayoría de los habitantes del pueblito.

Pronto se desestima que podría ser un tigre por la destrucción de edificios y vehículos. Es algo mucho mayor y poderoso.

Mientras el sheriff y ayudantes recorren sigilosos las ruinas, un grupo de cazadores se interna en el bosque buscando la presa. En vez de ella encuentran una gran nave extraterrestre abierta y desocupada. Solo en su quilla habita una pequeña criatura huidiza.

Toda esta primera parte del filme hace alarde de gran producción escenográfica, misterio y pavor ante lo desconocido. Hasta que un campesino denuncia en la comisaría haber hallado el cadáver de una pequeña criatura monstruosa que guardó en el frigorífico de su tienda. Para asombro de la policía, se trata de un bebé alienígeno sin vida.

Y aquí se nos aclara la causa del desastre: unos inmensos endriagos buscan a la guagüita por la región sin hallarla.

Y cuando ya los esperpentos se hacen visibles y comienzan a perseguir a nuestros héroes - recién incluida una policía llamada Sung Ae (Hoyeon) imbatible en el uso de todo tipo de armas - la película irrumpe de plano en el género de aventuras inverosímiles con personajes que sobreviven a palizas impúdicamente ridículas.

Lo más espectacular es la penúltima secuencia en que los héroes - en una camioneta, y de a caballo - son perseguidos por la carretera por el más feroz de los monstruos.

Y decimos “penúltimo”, porque luego viene una escena en que aparece la Reina J¨aur (Alicia Vikander) hermosa alienígena con ramas óseas en la espalda quien, junto a su siervo Ma’veyyo (Michael Fassbender) presencian la caída de la nave que venía a rescatarlos. Deberán, por tanto, permanecer en la Tierra, pronosticándonos sucesivas secuelas del filme.

¿Hallarán la guagüita?

Tensa, dinámica y vigorosa. El brusco cambio de rumbo final impide que la obra cuaje del todo. Grandiosa realización técnica sin mayor profundidad en sus personajes.

El exitoso director Na Hong-jin ((El Extraño - 2016 / Hwanghae - 2010), optó por el misterio inicial y las aventuras de matinée siguientes para lograr que el público del estreno aplaudiera entusiasta por las emociones vividas.

INTENSOS COMBATES CON ALIENÍGENAS, TANTO MONSTRUOSOS COMO MITOLÓGICOS, PARA SATISFACER A PÚBLICO DE TODAS LAS EDADES. PRONTO VENDRÁ LA SECUELA.

Ficha técnica

Título Original: 호프

2026 Acción, suspenso, ciencia ficción Corea del Sur - 2,40 hrs. 

Fotografía: Hong Kyung-pyo 

Música: Michael Abels 

Efectos especiales: Paul Bourcart 

Diseño Prod.: Lee Hwo-kyoung 

Actores: Hwang Jung-min, Zo In-sung, Hoyeon

Guionista y director: Na Hong-jin

Animales - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Una película sobre un secuestro a menudo llama la atención. Si bien es una temática abundantemente explorada, siempre existen elementos distintivos capaces de despertar expectativas. En este caso, tenemos bastantes, por lo que en las siguientes líneas intentaré descifrar si esta nueva película protagonizada y dirigida por Ben Affleck cumple con lo que promete.

Mark Kimball -Affleck- postula para ser el próximo alcalde de Los Ángeles, California. La campaña ha sido dura. El ánimo está encendido, aunque las últimas encuestas indican que todavía faltan algunos puntos porcentuales para lograr el triunfo. El tema es que no solo se trata del resultado. El costo económico del proceso ha sido tan alto que una derrota lo llevaría a un pozo sin fondo

La familia de Mark también se encuentra comprometida con la campaña, pero algo más lejos. Abigail Kimball -Kerry Washington- y su hijo Denny constituyen su soporte emocional. Sin embargo, las exigencias de la campaña han provocado un distanciamiento difícil de dimensionar.

Cuando, en la noche de Halloween, Denny sale a pedir dulces junto a Cecilia -Adriana Paz-, la asesora del hogar latina, y su hijastro Héctor, se produce un hecho que cambia por completo las reglas del juego: Mark recibe una llamada que le informa que su hijo ha sido secuestrado y que, para liberarlo, debe pagar siete millones de dólares en efectivo antes de la medianoche.

Lo primero que llama la atención en esta película escrita por Connor O. McIntyre, Billy Ray y el mismo Ben Affleck es su apertura. El discurso de la candidatura de Kimball es perfectamente aplicable en cualquier latitud. No se ven aspectos que lo diferencien de otros. Puede ser un guiño al contenido vacío de la política actual o una debilidad del guion, pero poco aporta al desarrollo de los hechos.

Un segundo aspecto es el tema del dinero. Sin plata no se compran huevos. Así de simple. Por ello, endeudado hasta más no poder, Mark no tiene otra opción. Si quiere ganar, debe inyectar más recursos aunque ello signifique poner en riesgo lo que más valora: su estabilidad familiar. Acá, la figura del jefe de campaña es vital. Sam Allison -Steven Yeun- tiene claro que el voto latino puede entregarles el impulso que falta para ganar, por lo que centrar los esfuerzos en ese grupo resulta fundamental.

Una tercera dimensión corresponde al tema de la verdad. Y este tema sí que es central, porque la honestidad en la relación entre Abigail y Mark se ha visto comprometida. Él ya no le consulta ciertas decisiones y ella parece tener algunos intereses paralelos. Cuando ambos se ven cuestionados por Dayle Burton -Gillian Anderson-, una poderosa mujer a la que han debido recurrir para obtener el dinero para el rescate, los principios tambalean y el pragmatismo se apodera rápidamente de la acción.

Como pueden observar, varios temas se cruzan en esta cinta. Poder, dinero y familia juegan a tres bandas, mientras los acontecimientos se van desarrollando en forma lineal. Lamentablemente, ninguno va más allá de un tratamiento superficial o de algunas capas apenas esbozadas.

Ben Affleck dirige en forma efectiva una cinta que no pretende perdurar. AAunque se utilizan numerosos drones, el trabajo de cámara es, en general, limpio y apropiado para la historia que quiere contar. ¿Falta nervio? Indudablemente. ¿Falta acción? En más de alguna sección. ¿Cumple sus promesas? Parcialmente, porque sin duda entretiene, aunque deje una extraña sensación de vacío.

Una consideración final. Solo por Gillian Anderson y Kerry Washington vale la pena ver este trabajo. Sus minutos, aunque breves, son los mejores, en especial cuando ambas coinciden en pantalla. Al final, eso es lo que queda, porque los dilemas morales y la decisión de hacer lo correcto, aquellos mensajes que están en el fondo del filme quedan tan en entredicho que terminan difuminándose rápidamente.

Ficha técnica

Título original: Animals
Año: 2026
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Netflix, Artists Equity, Makeready, Fifth Season. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller | Crimen. Secuestros / Desapariciones. Política
Guion: Connor O. McIntyre, Billy Ray, Ben Affleck
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Ben Affleck, Kerry Washington, Gillian Anderson, Adriana Paz, Luis Gerardo Méndez, Steven Yeun
Dirección: Ben Affleck

Vuelvo donde nunca estuve - Por Jackie O.

"Los ancestros nos cuidan desde el firmamento"

¿Cómo sabemos cuáles son nuestros orígenes?

 
Todos queremos saber nuestra raíz. Y en base a documentos, investigación y antecedentes que acrediten legalmente nuestra identidad, entre otros trámites para poder atribuirnos un legado, podemos aclararlo.

Fernanda Olivares debió haber hecho todo tipo de trámites. De acuerdo a sus indagatorias, su bisabuelo Selk'man, en 1895, fue uno de los tantos niños sacados a la fuerza de su hogar y llevado a otra ciudad a trabajar. Fue bautizado por la nueva familia colona, como todos los niños que robaron de los hogares Selk'man, a vista y paciencia de las autoridades. Y siendo un adulto, se emparejó con una de las niñas que venía de una colonia Belga. He ahí que reconstruye sus lazos.

Los Selk'man se dieron por extintos, pero no fue así y busca registrar sobre ellos lo que más puede junto a la directora en este documental. Fernanda decide irse de Santiago a vivir a Porvenir para reencontrarse con sus orígenes. En este trabajo, no solo nos muestra, en fotografías o videos, lo que muchos hemos visto en algún momento, sino que leemos dramáticos testimonios existentes sobre la maldad ejercida por los colonos sobre los indígenas, de la brutalidad y miseria que los Selk'mam tuvieron que sufrir.

Este trabajo documental tiene un gran acierto fotográfico. La belleza de cada rincón del sur de Chile se mezcla con la miseria de una triste historia. Una dualidad de belleza con brutalidad que nos toca a fondo.

Un trabajo que duró aproximadamente seis años en realizarse y mantiene una buena edición. Vemos desde el día que Fernanda se va al sur, pasando por la indagación de archivos, de conocer a su pareja, su lucha de reconocimiento indígena, la Ley 21.606, en octubre de 2023 sobre inclusión del pueblo Selk'nam dentro de la Ley Indígena de Chile, y sobre sus sueños presentes y futuros.

Identidad, raíces, reconocimiento, perdón, resiliencia.
Vale verla.

Disponible en cines @redsalas

Ficha técnica

Chile. 2026.
Dirección: Constanza Vásquez Palau y Andrés Morales Zambra.
75 minutos

Tres Adioses - Por Juan Pablo Donoso

¿En quién nos convertimos, y a quién queremos a nuestro lado cuando la vida nos pone a prueba? Esta película sugiere una hermosa forma de responderlo.

Sosegada y sin excesos. Sensibilidad conmovedora. Las emociones se sienten reales, y los personajes verosímiles.

Asistimos al dolor de Marta - una mujer a quien su marido abandona y que, de inmediato, recibe la noticia de tener una enfermedad terminal.

Michela Murgia escribió la novela después de conocer su propio diagnóstico.

El título en italiano - Tre Ciotole= tres cuencos o pocillos de greda concuerda con la traducción de Tres Adioses - porque alude al momento en que una persona descubre cuáles son las tres cosas más valiosas que debe legar una vez que haya partido.

Dejamos al espectador el placer de dilucidar, durante el discurso narrativo, cuáles fueron aquellos tesoros dignos de dejar tras sus pasos.

La directora catalana Isabel Coixet (La Vida sin Mí - 2003/ La Vida Secreta de las Palabras - 2005) sintetiza la esencia del libro de manera magistral.

Se agradece la sutileza con que evitó abrumarnos sentimentalmente. Predominan los retratos íntimos - y sin juicio - de todos los personajes por sobre la complejidad narrativa.

Tanto Alba Rohrwacher (Marta) como los demás actores ofrecen una interpretación sobria, honesta y sin estridencia acorde a cada circunstancia.

Bellos y muy plásticos encuadres. El director de fotografía - Guido Michelotti - retrata Roma y el barrio del Trastevere con el mismo encanto cotidiano de todo el filme.

Gratas canciones incidentales respaldan la historia con familiaridad evitando la monotonía.

El único elemento mágico en el proceso realista de Marta lo aporta su relación - tan íntima, casi erótica - con el afiche de Jirko, un joven cantante coreano, cuya imagen recogió en la calle y ocultó en su closet. Sólo con él comparte sus anhelos más inefables. Y será, precisamente, el espíritu de Jirko quien emerja del armario, cuando el departamento quede vacío, llevándose para siempre los secretos que sólo a él confidenció.

Marta: “Ojalá lo hubiera sabido antes”. Aunque abandonemos este mundo, todo, en verdad, sobrevive si aceptamos la presencia del AMOR.

UNA BELLA REFLEXIÓN SOBRE LA MUERTE, EL DESAFECTO, Y LA IRRUPCIÓN MADURA DEL AMOR VERDADERO. DEJA UNA SENSACIÓN DE LUMINOSIDAD ESPIRITUAL CUANDO TERMINA.

Ficha técnica

Título Original: Tre Ciotole

2025 - Drama psicológico Italia - España - 2 hrs 

Fotografía: Guido Michelotti 

Edición: Jordi Azategui 

Música: Alfonso de Vilallonga 

Diseño Prod.: Sanda Bonacchi, Federico Cera 

Guion: Enrico Audenino, Isabel Coixet, Michela Murgia 

Actores: Alba Rohrwacher, Elio Germano, Silvia D´Amico 

Directora: Isabel Coixet

Premios: 2025: Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a Mejor Película - Espiga de Oro. 2025: Premios David di Donatello (Italia): Nominada a Mejor actriz secundaria.

El Caballero de los 7 Reinos - Por Jackie O.

“El juicio de los siete”

Precuela de Juego de Tronos que sigue la historia de Ser Duncan El Alto y su joven Escudero Egg (209 AC)

Como referencia, los hechos transcurren casi un siglo antes de Juego de Tronos (298 AC), mientras la Casa del Dragón transcurre dos siglos antes (año 112 AC).

Nos encontramos con un reino gobernado por los Targaryen y los recuerdos de lo que fue la tenencia de dragones aún se mantiene fresco en la memoria de los habitantes, ya que se extinguieron hace 50 años. Pero el fondo de su historia no será de grandes batallas ni política intrigantes, sino que es la historia personal entre dos seres que sus caminos se unen casualmente: un caballero errante llamado Duncan, alias Dunk, quien señala haber sido convertido caballero por su antiguo Ser y que desea participar de las justas que se desarrollarán; y la de un menor de edad que lo sigue a escondidas, transformándose en su escudero.

Duncan es un hombre imponente a la vista pero de gran humildad, lo que hace que se haga de buenos amigos en el momento, como también de aprovechadores. Mantiene el código de caballero intacto, esto es, defender a los más débiles, actuar con honor y lealtad. Y va aprendiendo de todos a quienes conoce, como por ejemplo, que debe tener un escudo y nombre propio, llamándose Ser Duncan el Alto (bisAbuelo de Brienne de Tarth GOT) y creando su escudo, el olmo con la estrella fugaz. Y aceptando a este pequeño calvo que lo seguía como su escudero, el cual es muy hablador y educado. Y llegan hasta el torneo, donde Duncan busca todos los medios para entrar a la justa, lográndolo con diversas dificultades, pero enterándose del secreto que el joven Egg le ocultaba.

La serie que ya anunció su segunda temporada. Es ágil, liviana y amena, sus cortos capítulos la hacen muy maratoneable, en especial para quienes somos seguidores y viudos de GOT. Sin querer parecerse a Got o la casa del Dragón, su guion apuesta por algo nuevo, nada de intrigas políticas, sino que enfocado particularmente en dos personajes y por supuesto su entorno. Hace énfasis en la dignidad de la persona en un entorno que es realmente injusto e infame, con toques de humor que en momentos parece un poco chocante, hasta encontrar su punto medio.

No estamos frente a batallas campales por un trono, eso puede decepcionar a algunos. Y aunque no nos lleva a grandes batallas, sí tiene momentos de violencia.

Los personajes son agradables (y odiables) bien personificados. La puesta en escena es un gran logro, llevándonos por el reino de Westeros con una fabulosa fotografía. Además, el vestuario, maquillaje y peinados están muy bien logrados.

Una serie que se ve rápida, disfrutable, con varios valores a rescatar dentro de su violencia.

Disponible en HBO

Ficha técnica

Género Comedia dramática, Fantasía dramática
Creado por Ira Parker y George R. R. Martin
Basado en Cuentos de Dunk y Egg de George R. R. Martin
Protagonistas Peter Claffey y Dexter Sol Ansell
6 capítulos. 2026.

Aniquilación - Por Carlos Correa Acuña

Entrenamiento riguroso en el desierto. Suenan disparos y los objetivos caen, uno a uno. Quien practica es Celeste Cross -Adria Arjona-, una francotiradora que administra un lugar de casas rodantes y cuya rutina de tiro al blanco la mantiene en permanente estado de alerta. Una cuenta regresiva en pantalla indica que faltan 11 horas y fracción.

La escena se mueve a otro sitio. Allí, Hans Kammler -Dan Stevens-, un científico nazi, aborda un helicóptero que se dirige a unas instalaciones ultrasecretas. Ahora faltan 10 horas y algo más.

Celeste tiene una hija, quien llega de pronto. La trae su ex, que trató de avisarle sin éxito, pues no puede quedarse esos días con la pequeña. El divorcio no ha sido fácil; la custodia está en disputa.

De esta manera, se desarrollan dos situaciones paralelas con procesos en desarrollo: un experimento militar secreto y una madre que debe cuidar a su hija.

Escrita por Simon Barrett y Adam Wingard, y dirigida por el propio Wingard, “Aniquilación” resulta previsible desde sus primeros compases. ¿Por qué? Sin ser adivinos, sabemos que habrá ataque y defensa. Lo que no sabemos es cuándo ocurrirá, las razones de aquello y, por supuesto, el resultado final. Pero está claro que los dos escenarios mencionados terminarán juntándose.

Sin entregar muchos detalles, aunque también se pueden prever, el experimento se sale de control, dejando a la deriva a tres ex soldados que han sido manipulados y transformados en máquinas de matar. La masacre se avecina, inexorablemente. Y del temporizador que avanzaba, nunca más supimos nada.

Hay buenas ideas en la fotografía de esta película. Oren Soffer logra captar finos detalles diurnos del desierto y combinarlos con oscuridad y movimientos sigilosos en tomas nocturnas. Estéticamente se ve bien; sin embargo, la falta de sustancia del relato termina pasando la cuenta. Por ejemplo, la relación entre madre e hija es demasiado estática. La madre la protege como puede, mientras ella solo corre y grita. Otro personaje, que podría haber tenido un mayor peso, Josiah -Reginald VelJohnson-, un veterano de la guerra de Vietnam, también se diluye fácilmente con el correr de los minutos.

Otras tres caracterizaciones se encuentran presentes en la historia: Kovacks -Eric Wareheim-, un oficial de policía vecino de Celeste; Baylor -Michael Biehn-, un agente del gobierno estadounidense que revisa el trabajo secreto de los supersoldados; y Hanna Kammler -Rebecca Hall-, la esposa del científico nazi, quien parece ser la persona detrás de todas las decisiones. El punto es que, como hay tantos roles secundarios, ninguno logra destacarse mayormente dentro de un mar de caricaturas y estereotipos que no aportan demasiado valor.

“Onslaught” -Ataque-, es corta en duración pero larga en desarrollo. Adria Arjona se echa al hombro el peso mayor, pero su caracterización resulta delgada. Se nota la ausencia de un soporte, de una textura narrativa que le dé más consistencia a una historia que, aunque se base en una premisa interesante, se difumina demasiado rápido. Aunque la estructura está perfectamente equilibrada -al tercio se configura el problema y a los dos tercios se produce el enfrentamiento-, el tramo final se siente flojo y sin un norte sólido. Ir de más a menos casi siempre trae más de un problema, lo que en esta cinta queda totalmente en evidencia.

Ficha técnica

Título original: Onslaught
Año: 2026
Duración: 92 minutos
País Estados Unidos
Compañías: 828 Productions, A24, Breakaway Civilization, Lyrical Media, Ryder Picture Company. Distribuidora: A24
Género: Terror. Thriller. Acción. Ciencia ficción | Robots
Guion: Simon Barrett, Adam Wingard
Música: Matthew Pusti
Fotografía: Oren Soffer
Reparto: Adria Arjona, Dan Stevens, Alex Pereira, Drew Starkey, Rebecca Hall, Eric Wareheim
Dirección: Adam Wingard