Sonríe - Por Carlos Correa

Estamos ante una cinta que tiene muchos elementos que, probadamente, dan susto. Por ejemplo, una banda sonora que crece y decrece en tensiones, el sonido de teléfonos que interrumpen el silencio, o un timbre. También cortes de sonido abruptos, y para qué hablar de cuchillos, de la oscuridad, de la confusión o gritos que se suceden a lo largo de un peregrinar efectista que conocemos sobradamente. Mientras las tomas nos muestran cámaras que van y vienen, de lento a rápido y viceversa, imágenes aéreas y otras “patas para arriba”, la película juega con su principal arma que es lo repentino, aquello que sabemos que viene pero no sabemos cuándo viene. ¿Funcionan todos estos ingredientes? ¿Nos ponen los pelos de punta? La respuesta es sí.

La historia se centra en la doctora Rose Cotter -Sosie Bacon-, quien, luego de presenciar un serio incidente causado por una paciente del centro donde ejerce, comienza a sentir y vivir experiencias que le provocan pánico y terror. Hay mucho de inexplicable en los sucesos. Nadie la comprende. Ella los ve pero nadie más; algo no está bien, su centro se va perdiendo y la desesperación la carcome por fuera y por dentro. En la búsqueda de explicaciones emerge su pasado con una gran cantidad de situaciones no resueltas, en un camino que se torna horrible y peligroso.

Parker Finn escribe y dirige esta cinta que encuentra su mejor punto al elaborar espacios prolongados que logran construir y describir atmósferas. Hay vacíos, donde pareciera no pasar nada pero pasa todo. Allí conviven la realidad con la irrealidad y no sabemos si lo que nos resulta inverosímil, es o no verdadero. ¿Es un sueño? ¿Corresponde a una posesión? ¿Hay una presencia maldita que se traspasa de persona en persona? El guion parece enfocarse en ese lento proceso que implica perder la cordura. ¿Será esto el volverse loco? ¿Todos esos sucesos extraños, son fuerzas externas o más bien internas?

Existe una cadena de acciones y consecuencias. ¿Se debe romper? ¿Rose debe escapar y huir, o por el contrario, la opción es enfrentar esa soledad, esos miedos, ese pasado amenazante que no quiere retroceder? ¿Hacer frente a una historia que necesita explicaciones o al menos una comprensión que va más allá de las capas superficiales?

“Sonríe” se maneja bien durante sus casi dos horas de duración. Los recursos típicos están correctamente dosificados y funcionan correctamente. Nada es muy exagerado o se pasa de revoluciones. Hay marcos, sí, pero amplios, un movimiento que permite flexibilidad para aumentar los minutos de una historia que no afloja y que exige su desenlace.

Al contrario de otras películas de su género, “Smile” tiene buen remate. No es descabellado pero sí contiene giros, reales o no, que entregan más contenido, más argumento, y más sustento a una película que, si bien no reescribe lo que ya conocemos, combina bien los elementos -casi de manual-, dándole vida a un thriller que engancha y que consigue su objetivo.

Ficha técnica

Título original: Smile
Año: 2022
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Temple Hill, Paramount Players. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Terror. Thriller | Thriller psicológico
Guion: Parker Finn
Música: Cristobal Tapia de Veer
Fotografía: Charlie Sarroff
Reparto: Sosie Bacon, Jessie T. Usher, Kyle Gallner, Caitlin Stasey, Kal Penn, Rob Morgan, Judy Reyes, Gillian Zinser, Kevin Keppy, Scot Teller, Nick Arapoglou, Sara Kapner, Setty Brosevelt
Dirección: Parker Finn

El Abismo del Infierno - Por Jackie O.

"Dios y el Diablo se sientan uno al lado del otro, tienen un acuerdo"

En 1957 un inocente será asesinado; la escena que vemos nos recuerda a "The Omen", más, cuando avanzamos 30 años y comienzan a inmiscuirnos en la historia. ¿Qué nos deparará?

Estamos en un monasterio de Polonia, apartado de la ciudad, lugar que dicen, "sana a los atormentados", donde un joven cura hace su aparición debido a eventos que ahí están ocurriendo. Pero descubrimos que no es un cura, sino que un policía encubierto que debe averiguar la desaparición de algunas mujeres en ese lugar.

La película nos muestra que en dicho Monasterio se efectúan exorcismos. Algunas personas creen ello y otras no, pero es un buen recurso para traernos escalofriantes historias.

En el lugar todo es misterioso y sombrío. Quiso adoptar un estilo de "El nombre de la Rosa", pero está muy lejos de ella, ya que no desarrolla bien el misterio, no aprovechando el lugar para llenarnos de pistas y todo eso, pues el lugar tiene mucho que explorarle.

Cada día que pasa en este Monasterio, este joven experimenta diferentes e inexplicables sucesos que lo mantienen desconcertado, pero aún así no se olvida de su misión. Busca incansablemente pistas que lo lleven a estas mujeres desaparecidas, pero se encuentra con cosas oscuras que comienzan a atormentarlo.

Hasta que descubre que hay una leyenda de un "elegido" que traerá a la vida al demonio que gobernará a vivos y muertos, donde un grupo de seguidores del demonio tienen esa misión.

Cuando es descubierto, busca la forma de escapar y es infructuosa la salida, debiendo enfrentar oscuros ritos, maléficos espíritus, pero por sobretodo, el mal del ser humano.

La película comienza de manera interesante por su puesta en escena, pero dura muy poco la emoción ya que diluye todo lo que queremos en misterio y suspenso para transformarse en algo aburrido, sin una edición que la haga interesante. Todo hasta llegar a los últimos 15 minutos de la trama, donde da un giro al ocultismo y demoníaco, que hace captar nuestra atención.
Da un giro dejando todo "pies arriba", como una cruz invertida.
Dejando moralejas que pueden ser interpretadas de diferentes formas, ante figuras grotescas.

La vida puede ser un desafío máximo y misterioso, en que el cielo puede explotar para que la vida y muerte se mezclen, y tal vez se caiga en un abismo sin retorno.
No sabemos qué puede ser el bien y el mal. Si Dios y el Diablo actúan en conjunto, o separadamente. Todo es interpretable.

Película que tiene buena puesta en escena, pero no se aprovecha del todo.
Un buen maquillaje, realista. Buena banda sonora y vestuario.
No aprovecha su género, un guion que pudieron haberle sacado mejor partido.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Nombre original: Hellhole ( polaco: Ostatnia wieczerza)
Director: Bartosz M. Kowalski
Guion: Bartosz M. Kowalski y Mirella Zaradkiewicz
Edición: Ajakub Kopec
Musica: Carl-Johan Sevedag
Año: 2020

Duración: 88 minutos
Protagonistas: Piotr Zurawski, Olaf Lubaszenko, Sebastián Stankiewicz, Lech Dyblik, Rafael Iwaniuk

1976 - Por Jackie O.

“El valor de ayudar al prójimo”.

Sinopsis: Película ambientada en el Chile de 1976. Nos cuenta sobre Carmen, quien se va a la playa para supervisar la remodelación de su casa. Pues su marido, hijos y sus nietos van y vienen en las vacaciones de invierno. Cuando el sacerdote de su familia, le pide que cuide a un joven que está alojando en secreto en la iglesia. Por lo que Carmen se adentra en territorios inexplorados, lejos de la vida tranquila a la que está acostumbrada.

Películas chilenas ambientadas en la década del 70, tienden a ser ya aburridoras por usar el único tema que parece que se les ocurre a los directores y guionistas: dictadura. Da la impresión que tienen muy poca imaginación para armar nuevas historias, o poco conocimiento de la historia de Chile, la cual es muy amplia y nutrida en eventos. Principalmente eventos terribles, si es la temática que se quiere contar.

Esta película, como trata la sinopsis, nos cuenta la vida de Carmen, una mujer de buena situación económica, que viaja a la playa a supervisar los arreglos de su casa, para recibir a la familia en las vacaciones de invierno. Ella es una mujer bondadosa que le gusta ayudar, en especial al cura del sector. Y en un momento determinado, el cura le pide que vaya a prestarle ayuda médica a un joven “ladrón” que está escondido en la iglesia, pero que no le puede decir a nadie porque lo pueden detener; y como Carmen estuvo en la Cruz Roja, y su marido es médico, mantiene conocimientos en dicha materia.

Así va conociendo a este joven, sin conversar mucho en un comienzo, solo se dedica a cuidarlo. Hasta que descubre que el joven es un extremista.

Lo interesante de esta película, y lo muy rescatable, es el tema humano. Nos olvidamos en parte del tema dictadura aunque traten de que sea “el tema”; lo recuerdan en cada momento en situaciones como el toque de queda, noticias y discursos del presidente de la época, etc. Pero el fondo, creo yo, es la humanidad que tiene esta mujer, y sus dudas ante lo mismo.

Ella solo quiere ayudar y lo hace: les lee a los ciegos, busca médicamente para aportar, cuida a este joven, etc. Y al decidir ayudar a este muchacho a poder contactar a sus amigos, comienza para ella una aventura pero no muy feliz, pues lleva y trae recados lo que le provoca estrés y ciertos delirios de persecución, ya que cree que ha sido descubierta en esta actividad riesgosa.

Cada día que pasa se debate en la angustia de este secreto.

Ya que lo que cree es una ayuda humanitaria en tiempos difíciles, duda si lo que hace está bien o no, si se encuentra traicionando a su familia y entorno, o debe seguir con sus valores y de ayudar al prójimo.

Aline Küppenheim, nuestra protagonista, efectúa un excelente trabajo, su contención y emociones están muy bien trabajadas. Hugo Medina, fue un agrado verlo de nuevo; todo el elenco cumple bien sus roles.

Martelli, realiza una muy buena dirección, y hay planos muy bien empleados.

La puesta en escena es buena, cada detalla está muy bien cuidado: vestuario, decorados, periódicos, etc.

En qué puedo reparar es en la música de fondo, cada silencio que había era interrumpido con una música muy alta que quiebra el momento, y a veces molesta.

Una película con toques de thriller muy interesante.

Ficha técnica

Título original: 1976
Año: 2022 Duración: 95 minutos
País: Chile
Dirección: Manuela Martelli
Guion: Manuela Martelli, Alejandra Moffat
Música: Mariá Portugal
Fotografía: Soledad Rodríguez.
Reparto: Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Carmen Gloria Martínez, Antonia Zegers, Marcial Tagle
Género: Drama, Años 70

1976 - Por Carlos Correa

Carmen -Aline Küppenheim-, prepara sus vacaciones de invierno en la casa familiar de la playa. Corre el año 1976 y Chile se encuentra convulsionado a tres años del Golpe Militar que tiene en el poder al dictador Augusto Pinochet. Carmen, bastante abstraída de dicha realidad pues tiene un pasar acomodado, piensa en remodelar su casa y pintarla, recibir a su marido, a sus hijos y a sus nietos cuando puedan visitarla y atenderles de la mejor forma posible. Su tranquilidad se ve trastocada cuando el sacerdote del balneario, el padre Sánchez -Hugo Medina-, amigo íntimo de la familia, le pide atender y cuidar a un joven herido -Nicolás Sepúlveda-, que se encuentra escondido en la casa parroquial. Carmen acepta, sin embargo ese sí la conduce por caminos complejos y peligrosos que modifican completamente su vida.

Escrita y dirigida por Manuela Martelli, esta cinta describe un camino, el tránsito íntimo sobre la toma de conciencia de una mujer que vive, al menos hasta ese momento, ajena a un entorno que cada vez resulta más visible. En su hogar no se habla de política, se evade el tema para no discutir, para que no signifique un punto de desunión o conflicto. A raíz de aquello, se cancela cualquier realidad diferente; pero existen las caras opuestas, coexisten las visiones antagónicas que Carmen va descubriendo con algunos signos que se abren paso vertiginosamente.

Los desenfoques de cámara se pueden interpretar como la manera de plasmar esa nebulosa que tiene ella respecto al mundo real. Como efecto -y también como una precisa decisión de la directora-, resulta muy apropiado, al igual que la presencia de una banda sonora moderna, inquietante, que transmite marcada tensión, a pesar de exponer un volumen tal vez demasiado fuerte en algunas escenas.

Desde el punto de vista del guion, observamos una progresión ascendente del pulso narrativo. Así, sin más, el último tercio apura el conflicto y desata la incertidumbre. Emerge entonces un thriller que necesita resolución y que concluye acertadamente, con sagacidad y también con gran sentido de continuidad.

Observamos, a través de sus 95 minutos, interesantes ángulos y delicados movimientos de cámara. Un ejemplo es la muy buena escena donde el Cura se confiesa ante Carmen, lo que significa un punto clave y de inflexión en el tramado de la historia.

La actuación de Aline Küppenheim es sobresaliente. Siente y vive su personaje, está imbuida, inserta en una fusión tan ineludible como inseparable. Hugo Medina también logra convencer, se muestra honesto y creíble como un sacerdote carismático, jugado y conflictuado a la vez. La gran cantidad de personajes secundarios dificulta un poco el andamiaje, lo que sin embargo aquello no afecta el resultado de la configuración del relato. Si bien no todo el reparto logra el mismo nivel de proyección, cumple con el objetivo de dar cuenta de una realidad, de ese entrono que Carmen comienza poco a poco a descubrir.

Primerísimos planos muestran pequeños gestos de la protagonista, y son muy buenas esas capturas de mínimos detalles. Asimismo, la ambientación resulta muy real. Está muy bien hecha la recreación de la época, por ejemplo el calefont de la casa, o el valor de la micro, aspectos a veces ignorados o pasados por alto en producciones de nivel.

Manuela Martelli desarrolla un trabajo muy interesante, de construcción lenta y a la vez sólida (así como los arreglos de la casa), una realización que marca un debut más que interesante de esta excelente actriz chilena que ahora cambia de rol para estar detrás de la cámara y así poder entregarnos su visión de un momento de la historia de Chile que, aunque pasen los años, nos sigue estremeciendo y conmoviendo.

Ficha técnica

Título original: 1976
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: Chile
Productora: Cinestación, Magma Cine, Wood Producciones
Género: Drama | Años 70. Dictadura chilena
Guion: Manuela Martelli, Alejandra Moffat
Música: Mariá Portugal
Fotografía: Soledad Rodríguez
Reparto: Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Carmen Gloria Martínez, Antonia Zegers, Marcial Tagle
Dirección: Manuela Martelli

Lilo, Lilo, Cocodrilo - Por Juan Pablo Donoso

Encantadora versión cinematográfica del personaje literario infantil creado por Bernard Weber (1921-2013).

Un pomposo artista de variedades - Héctor P. Valenti (Javier Bardem) - descubre un pequeño cocodrilo que podía cantar. La función de estreno fue un chasco porque el saurio se pasmó al ver tanto público.

Arruinado, Héctor lo encerró en el ático de su casa mientras él salía a conseguir dinero. Cuando regresa, después de 18 meses, encuentra a una familia arrendando el 1° piso. El hijo del matrimonio - Josh - descubrió al cocodrilo ya grande, se hicieron amigos y compañeros de juegos. Con semejante camarada ningún niño le haría matonaje en el colegio.

De a poco, Papá, humilde profesor primario de matemáticas, y Mamá (Constance Wu, tailandesa), creadora de recetas de cocina, también superan el temor inicial, y lo adoptan como mascota en pleno Manhattan.

Las aventuras que todos viven, incluyendo a una gatita angora llamada Loretta, del agresivo administrador del edificio, y el retorno del pícaro Valenti, rescatarán a Lilo Lilo del zoológico donde lo recluye la policía y, gracias a su lealtad con el niño, terminará atreviéndose a cantar en público en un gran concurso televisivo nacional.

Una historia lineal, sencilla, con simpáticos personajes, que incluye canciones del popular músico pop Shawn Mendes.

El mérito de la película, además de su anécdota, radica en la extraordinaria tecnología empleada para dar vida, y expresiones, al enorme cocodrilo computarizado haciéndolo interrelacionarse con actores de carne y hueso, y circular por callejones, techos y cornisas de Nueva York.

A pesar de su duración- 1,44 hrs. - la fluidez del relato, el humor de sus escenas y la intercalación de bellas canciones la hacen parecer más corta.

Transmite valores sin ser “predicante”, representa familias mezcladas en armonía (negros, asiáticos, judíos y arios). Nos invita a amarnos a pesar de nuestras circunstancias (¡como tener a un gentil cocodrilo de mascota!), y encontrar coraje en tiempo difíciles.

Además de los guionistas, directores e intérpretes, un especial aplauso para el enorme equipo de efectos especiales (James Edwards, supervisor general) que hicieron parecer tan verosímil esta fábula inaudita.

AMENA, GRACIOSA Y RECOMENDABLE PARA TODA LA FAMILIA.

Ficha técnica

Título Original: Lyle, Lyle, Crocodile

2022 Animación, comedia, música EE.UU. - 1,46 hrs. 

Fotografía: Javier Aguirresarobe 

Edición: Richard Pearson 

Música: Mateo Margeson, Benj Pasek, Justino Pablo 

Diseño Prod.: Marcos Worthington 

Guion: Will Davies 

Voces en Ingles: Javier Bardem, Scoot McNairy, Shawn Mendes 

Directores: Josh Gordon, Will Speck

La Luz del Diablo - Por Juan Pablo Donoso

Quiso ser novedosa en la caterva de exorcismos. Se perdió en el laberinto de su mazamorra.

Buena ambientación y atmósfera inicial. Pareciera filmada en Rusia: casi todo el equipo técnico tiene esos apellidos.

Aprovechando la cercanía de Halloween llega esta nueva película de posesión con los trillados sustos y clichés. La fórmula está tan gastada que casi se parodia a sí misma.

Edición pretenciosa con sobresaltos en casi todos los rincones. Intenta giros temáticos que quedan cortos y terminan siendo baratos. El trabajo de cámara repite el enjuague.

Ann (Jacqueline Byers) es una monja novicia con trauma de infancia. Aspira ser la primera mujer exorcista en una academia vaticana donde sólo hombres pueden ejercer esa función. Un experto profesor le reconoce los dones y accede a capacitarla.

Por una extraña intuición, en el hospicio intentará sanar a una inocente niñita llamada Natalie (Posy Taylor), víctima de legiones de demonios (¿suena familiar?). Mas, ¡oh sorpresa! La pequeñita era, casualmente, la hija natural de la monja dada en adopción cuando adolescente. (¡Plop!).

Decidida a erradicar el mal, Ann pronto se dará cuenta de que el Diablo la tiene justo donde la quiere.

Por la cantidad de antecedentes y personajes secundarios pareciera provenir de una compleja novela. Pero al abarcar tantos aspectos, el fondo queda superficial y lleno de cabos sueltos. Algunos ejemplos: la psiquiatra, la familia endemoniada del joven sacerdote latino, y la hierática figura del Cardenal Matthews (Ben Cross, Carros de Fuego - 1981) que para el drama resulta irrelevante. Cabe mencionar que en los créditos finales se rinde un homenaje póstumo a este famoso actor inglés.

Tenía elementos para ser sugerente y humanitaria. La mezcolanza sólo abarató el proceso cayendo en concesiones fáciles e innecesarias.

Clichés espurios de la jerarquía católica. Pelucas de mala calidad. Ni siquiera los actores tenían claro hacia dónde iba la tragedia.

Final burdo y efectista tal vez para hacer una posible secuela. (¡!)

PUDO SER DIFERENTE SOBRE EL MANIDO TEMA DEL EXORCISMO.

Ficha técnica

Título Original: Prey for the Devil

2022 Terror, posesión satánica EE.UU. - 1,33 hrs. 

Fotografía: Denis Crossan 

Edición: Tom Elkins 

Música: Nathan Barr 

Diseño Prod.: Jonathan McKinstry 

Guion: Robert Zappia 

Actores: Virginia Madsen, Ben Cross, Colin Salmon, Jacqueline Byers 

Dirección: Daniel Stamm

Karnawal - Por Juan Pablo Donoso

Caso de un joven condenado a seguir un destino de delincuencia que se salva gracias a su vocación por la danza.

Objetivos claros de los personajes principales. Borrosa premisa general de la obra. El conflicto antagónico se debilita. Por ello el desarrollo durante largos momentos se siente errático.

Aunque se entienden las motivaciones individuales, muchas secuencias quedan abultadas, y algunas hasta innecesarias. Hacia la crisis surge, por fin, un clímax lateral más activo (pelea en la carretera) que, felizmente, se bifurca para remachar en la premisa central: con obstinada vocación un hijo puede liberarse del mundo nefasto y delictual de su padre.

Experta realización cinematográfica, sólida labor actoral, y hermosos paisajes rurales de día y de noche.

Incidentes confusos en la etapa crítica, por lo cual sólo nos queda dejarnos llevar por el ascenso progresivo hacia el clímax. Pudieron ser mejor decantados.

El promocionado carnaval folklórico (“Karnawal”) - que da título a la película - poco o nada aporta al conflicto medular. Sólo nos indica que sucede en paralelo con la historia. Sin sus largas secuencias el drama pudo ser el mismo. Se siente como relleno. Después de todo, la competencia folklórica argentina que, para este caso nos importa, es el Concurso de Malambo, que poco tiene que ver con las exuberantes “diabladas” seudo-altiplánicas.

La actuación del chileno Alfredo Castro, como el padre crápula bajo libertad condicional, es coherente con la psicología del personaje. Mariana Lairana expresa con claridad la difícil ambigüedad vacilante de la madre.

El muchacho protagónico, Cabra, lo interpreta Martín López Lacci, bailarín profesional quien, a sus 16 años ya ha ganado 5 veces el campeonato mundial de malambo. Arisco, de pocas palabras. Mala relación con sus padres y peor aún con la pareja sexual de su madre. Adolescente jujuyano constantemente abatido. Anhela atraer la atención afectiva de su padre.

Lo más logrado es la tensión interpersonal que va surgiendo, pero que se dispersa a ratos para culminar en la agridulce redención juvenil gracias a la danza.

Ópera prima del argentino Juan Pablo Félix. Presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto: reconocimientos en los Premios Platino, el Festival de Málaga y los Premios Sur, entre otros galardones.

TRÁGICAS EXPECTATIVAS JUVENILES - Y SUS VERICUETOS - QUE CULMINAN EN TRISTE DECEPCIÓN AFECTIVA.

Ficha técnica

Drama, familia, folklore - 2020 

Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, México, Noruega - 1,37 hrs. 

Fotografía: Ramiro Civita 

Edición: Luz Lopez Mañe, Eduardo Serrano 

Música: Leonardo Martinelli 

Diseño Prod.: César Morón, Dani Vilela 

Actores: Alfredo Castro, Martín López Lacci, Mónica Lairana 

Guionista y Director: Juan Pablo Félix

Karnawal - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.

Cabra -Martin Lopez Lacci-, es un adolescente que sueña con convertirse en bailarín de Malambo, el baile más reconocido de los gauchos. La intempestiva visita de su padre, “el Corto” -Alfredo Castro-, trastoca sus planes y siembra un manto de dudas. La perspectiva general de los hechos adquiere un cariz diferente y las prioridades cambian sustancialmente. ¿Podrá sobreponerse a un camino lleno de adversidades e incertidumbres?

Podemos desglosar esta película en tres partes. La primera, una especie de introducción, donde observamos los bailes y sueños de Cabra, quien vive con su madre y la pareja de ella en la frontera de Argentina y Bolivia, inmerso en una realidad de pobreza y vulnerabilidad que le obliga a poner a prueba lo que está dispuesto a sacrificar para conseguir su objetivo.

Una segunda podría verse como el desarrollo de la cinta. “El Corto” aparece de pronto, y con ello da paso a otra historia. Él es un prácticamente un desconocido. ¿Qué intenciones tiene? ¿Por qué regresa? ¿Viene por un reencuentro genuino, o hay algún interés detrás? De cualquier manera, su entrada en escena naturalmente tuerce el camino que recorren Cabra y su madre.

Una tercera sección vendría ser la conclusión del relato, el momento en que surge la intriga, el suspenso, y que conduce al remate de una historia de algo más de una hora y media de duración.

Varias preguntas surgen luego de ver la cinta: ¿Cuán protagónico es el baile? ¿Es un medio de escape, una mera excusa, o es un fin en sí mismo? ¿Quién protagoniza realmente esta película, Cabra o El Corto? ¿De quién es la historia que se cuenta, o son historias paralelas, con igual profundidad y peso dramático?

Muy bien Martin Lopez Lacci en sus bailes y coreografías. Eso sí, se le ve menos activo en aquello que resulta ajeno a ese foco. Por su parte, Alfredo Castro se roba la cámara cuando aparece en pantalla. Hay luces en sus ojos; entrega una actuación dinámica y efervescente. La fotografía de Ramiro Civita es bella, expone un auténtico colorido, una composición estética que da solidez a una película bien construida y bien filmada.

“Karnawal” tiene algo difícil de describir. Va de menos a más, pero deja varias preguntas sin respuestas exponiendo, incluso, algunas situaciones que resultan inverosímiles. ¿Es un relato familiar, o más bien social, de sueños y frustraciones? ¿Resiste varias hipótesis? ¿Da para interpretaciones más profundas que solo dar cuenta de una realidad?

Todas estas interrogantes perduran durante el metraje buscando tal vez resolver la gran incógnita: ¿cuál es el mensaje que nos quiere entregar “Karnawal”? ¿O corresponde más bien a una experiencia, un acompañamiento, un viaje al interior de un mundo altiplánico que requiere ser visibilizado y escuchado?

Ficha técnica

Título original: Karnawal
Año: 2020
Duración: 97 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-Brasil-Chile-México-Bolivia-Noruega; Bikini Films, 3 Moinhos Produções Artísticas, Picardia Films, Phototaxia Pictures, Londra Films P&D
Género: Drama | Familia. Adolescencia
Guion: Juan Pablo Félix
Música: Leonardo Martinelli
Fotografía: Ramiro Civita
Reparto: Alfredo Castro, Martin Lopez Lacci, Mónica Lairana, Diego Cremonesi, Adrián Fondari, Sergio Prina
Dirección: Juan Pablo Félix

Black Adam - Por Jackie O.

"Shazam!"

Black Adam (Teth Adam), es un supervillano y antihéroe. Creado por Otto Binder y C.C. Beck, Adam apareció por primera vez para el primer número de Cómic "Familia Marvel" de Fawcett Comic en diciembre de 1945.

DC ha demostrado, este año, que la calidad de sus trabajos ha superado a las de Marvel. Solo debemos hacer un repaso para darnos cuenta. Y en esta oportunidad nos trae a Black Adam (Teth Adam), y por supuesto, es un guion bien adaptado.

Nos presentan a un antihéroe, o incluso pueden considerarlo algunos un héroe. Pero los fans de este tipo de película, sabemos su oscura verdad.

La película nos lleva a una época y una ciudad esclavizada por el tiránico rey de Kahndaq, Ahk-Ton, quien creó una Corona conocida por otorgar gran poder a quien la lleva.
Mientras tanto, un joven esclavo ya no aguanta más, y provoca una revuelta donde todos se revelan, ahí vemos nuevamente a nuestro mago Shazam que le salva la vida a este joven y lo transforma, pero después de ciertos eventos es llevado al sueño eterno.

Ya en la actualidad, Khandaq está oprimido por la Intergang, unos soldados-mercenarios que se tomaron la ciudad. Y una arqueóloga intenta localizar la Corona de Sabbac, con la ayuda de sus amigos, para hacer el bien. Pero al ver que su vida y la de sus compañeros está en peligro, invoca un hechizo que despierta a quien ella cree es Teth Adam, sin saber que provocará una pelea descomunal.

Esta película la estaba esperando, pero no por "Black Adam", sino por la Sociedad de la Justicia de América, quienes son un grupo integrados por varios superhérores. Y nos encontramos en esta oportunidad con Doctor Fate, Cyclone, Atom Smasher y con Hawkman, quienes fueron contactados por la Oficial del gobierno, Amanda Waller, quien se entera de los incidentes que está dejando Teth Adam.

Ahí, este grupo más que pelear con Black Adam, quien su sentido de ayudar a la gente es muy particular, deben frenarlo y devolverlo a su sueño eterno. Pero Teht Adam se esmera por cuidar a un muchacho y a su madre, la arqueóloga.
Pero no solo se trata de pelear entre ellos, sino que también con los soldados de Intergang; mas, la ambición de uno ellos, que tiene sus razones para hacer lo que hace, que lleva todo a lo mismo en los villanos: poder, ambición, egoísmo.
Peleas que se acrecientan cuando aparece Sabbac. Y aquí me detengo un poco, ya que no se desarrolló bien su historia, no transformándose en un personaje tan interesante.

Eso hace que lo mejor sea ver la pelea de Black Adam con la SJA. Nos encontramos con uno de los mejores CGI de los últimos tiempos, en varias de sus escenas. Nos muestra un vestuario deslumbrante, unas actuaciones buenas en su mayoría. Pierce Brosnan está perfecto como doctor Fate, y Dwayne Johnson se ganó el puesto comiquero.
La música a tono. Chistes en el momento justo y pocos, me pareció perfecto. Y me encantó ese tono oscuro que le dieron a la película.

Aunque su guion es sencillo, es bueno, ya que igual estas tramas tienen sus profundidades, incluso cuando no hablan, pues entendemos los conceptos.
Y acá se podrían sacar algunos puntos que dan para conversar, como la crítica social de neocolonialismo, usando a este ficticio pueblo como ejemplo; la discusión que se produce por el concepto de superhéroe, el trabajo en equipo, el bien común, etc.

Lo que no me dejó conforme es, como dije, el poco desarrollo de Sabbac. La arqueóloga no me convenció su actuación, y su hijo me pareció casi insoportable.

Quiero aprovechar el espacio para contarles que hay una explicación muy simpática de lo que es un antihéroe en los post créditos de la película animada “Las súper mascotas” o también conocida como “Liga de las súpermascotas”. Y ahí vemos, tal vez por primera vez, a Black Adam; paso el dato por si dejaste de ver el final de dicha película.

Para finalizar, debo confesar que con este filme mantengo muchas ganas de ver un Black Adam 2, con un cruce con Shazam y con… (Escena post crédito)

Esta película debe ser disfrutada en Cines.

Ficha técnica

Director: Jaume Collet-Serra
Escrita por Adam Sztykiel, Rory Haines y Sohrab Noshirvani
Musica: Lorne Balfe
Cinematografía: Lawrence Sher
124 minutos.

Año 2022
Género: acción, fantasía, superhéroes, CsiFi, comedia.
Protagonistas: Dwayne Johnson, Aldis Hodge, Noah Centineo, Sarah Shahi, Marwan Kenzari, Quintessa Swindell, Mo Amer, Bodhi Sabongui, Pierce Brosnan

Peacemaker - Por Jackie O.

"No hay mal momento para rockear"

DC ha presentado este año buenos trabajos. Renovando, creando, y trayendo de los anaqueles nuevas historias.

Ahora, Peacemaker el violento, no, es poco decir. Un hombre sin sentimientos dispuesto a matar "por la paz", qué paz, no sé. Él tiene su propia definición, no deja a nadie vivo en su camino.
Pero, ahora que conocemos su historia, ya vemos por qué su sentido de paz está algo distorsionado.

Basado en el personaje de Charlton Comics, "The Peacemaker" originalmente apareció por primera vez en Fightin' 5 #40 (noviembre de 1966) y fue creado por el escritor Joe Gill y el artista Pat Boyette.

Qué nos muestra esta serie de ocho capítulos de unos 40 minutos aproximadamente.
Un personaje humanizado, o medianamente, un personaje del que vamos conociendo más sobre sus ideas, su pasado, y que se abre más en el presente.

Ahora, estos eventos ocurren después de Escuadrón Suicida 2, cuando es llevado a una clínica donde sobrevive, y al estar mejor le dicen que se puede ir, por lo que cree que ya era libre de su condena, y en especial de no trabajar para el gobierno. Así, raudamente, va a su hogar, o lo que era, sin dejar de ir por su mejor amigo Eagly, un águila que estaba siendo cuidada por su terrible padre.

 
Pero nada es paz para Chris, pues su vida es un caos lleno de traumas que han definido su personalidad, donde además, no se puede escapar del "largo brazo de la ley", que lo obliga a trabajar nuevamente para una agrupación secreta, llena de secretos entre ellos, con el fin de desarticular a unos aliens alados.

Ahí arma equipo, obligado, con Murn, quien lidera el grupo. Emilia Harcourt, de quien no hay que hablar mucho, ya es de la casa; un computín llamado Economos y una "torpe, amable e ingenua" chica de mandados varios, Leota Adebayo (negra, gorda y lesbiana; vaya que mal sonó, pero se necesitaba el toque super inclusivo, había mucha gente blanca y atractiva). Además, son términos despectivos que se usarán constantemente en esta serie). Y el último integrante, un psicópata admirador de Chris, y antihéroe como él, Adrian Chase, alias el Vigilante.
Todos se ven enfrentados a muchos problemas personales y grupales, pues las lealtades se ven conflictivamente expuestas.

Dentro de la trama también tenemos a dos policias muy bien representados, quienes no entienden nada de lo que pasa y solo quieren impartir justicia, pero se ven envueltos en el problema más de lo que quisieran. Así como, un guardaespaldas de uno de los aliens, un pequeño debilucho a la vista, pero que es una tremenda arma mortal, Judomaster.

Pero esto no para ahí, pues conocemos al objeto de los traumas de Peacemaker: su padre, un villano brutal, August "Auggie" Smith /White Dragon.
Y para los puristas, que sí, a veces decimos ¿a ver, a ver, qué pasa acá? En el Comic, Auggie es otra persona, pero vaya que quedó bien la asociación en esta historia. Eso dice mucho del equipo técnico, ya que a veces se incorporan personajes y situaciones que no quedan bien. Y acá la serie funcionó, con toda su locura, sus personajes y sus aventuras.

Una serie que, por favor padres entiendan, no todo Comic es para niños, esto es total y absolutamente de adultos, hay escenas de sexo y drogas, y para que decir la violencia, es muy explícita, tanto física como verbal.

Como adulta y maravillada con este mundo, que a veces me ha decepcionado, he quedado muy conforme con Peacemaker. ¿Quién se podría imaginar que solo verlo en Escuadrón Suicida iba a tener su propia serie? Y se viene una segunda temporada.

John Cena es de los musculosos, como Dwayne Johnson y Dave Bautista, que son más que eso, pues derrochan carisma, y al dársele la oportunidad han demostrado que se han ganado un espacio en el cine, y de forma merecida, en el mundo del Comic.

Tenemos una excelente banda sonora, y eso que no soy seguidora del rock, la disfruté. Efectos visuales muy buenos, así como el vestuario y maquillaje. Buenas coreografías.
Sí, hay situaciones inverosímiles, pero son parte del juego, y lo bueno es que son pocas.

Pero Eagly, es otro actor más, los efectos visuales lo hacen ver real y es un agrado su presencia.

Como es de esperar, hay unos cameos. Y cada capítulo termina con alguna locura ya vista pero extendida.

Una serie que también nos habla de los traumas que se acarrean de la infancia, y cómo algunos adultos torturan física y/o psicológicamente a los niños a su cargo. Además de la soledad, de que esos mismos traumas hacen que le temas a la gente. Pero también nos muestra un lado muy humano, que son las lealtades y las nuevas familias.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Director: James Gunn
Musica: Clint Mansell y Kevin Kiner
Protagonistas:
John Cena: Christopher Smith /Peacemaker
Danielle Brooks: Leota Adebayo
Freddie Stroma: Adrian Chase /Vigilante
Jennifer Holland: Emilia Harcourt
Robert Patrick: August "Auggie" Smith /White Dragon
Annie Chang, Lochlyn Munro, Nhut Le, Steve Agee, Chukwudi Iwuji.

El niño del Plomo - Por Carlos Correa

Esta cinta dirigida por Daniel Dávila tiene como telón de fondo un descubrimiento que hicieron dos pirquineros en el cerro El Plomo, a 5400 metros de altura, en Febrero de 1954: en la cumbre encontraron el cuerpo de un niño Inca congelado por más de 500 años. Como decidieron trasladarlo a Santiago, retiraron así esta ofrenda entregada en su momento a la montaña.

En el Santiago actual, Mateo y su niñera Scarlett emprenden el ascenso a El Plomo sin una motivación clara. Mateo parece recibir un llamado enigmático, una voz proveniente del cerro, que le reclama acerca de lo sucedido y que necesita, o más bien le exige, visitar el lugar de los hechos.

Luego de un inicio con imágenes rápidas producidas con una compleja edición, sentimos agobio. La música colabora a dicha sensación por sus secuencias de medios tonos, unos clústers tonales que, junto con la superposición de imágenes, aumentan progresivamente la tensión. Luego viene la calma, el sonido del viento y el silencio; por fin la anhelada paz.

Entonces, la bella fotografía surge en esplendor: una imagen preciosa acompañada de un imponente silencio. Es la blanca montaña, es la naturaleza, es todo un renacer. Algunos carteles con texto manuscrito nos dan algunas explicaciones. Observamos un diario, un relato, una historia.

“El Niño del Plomo” es una película conceptual, abstracta, con analogías y alegorías de una ruta, de un camino, de un tránsito tan confuso como difuso. Cuando hay diálogos, se pierde bastante de la magia que entregan las imágenes y los sonidos, se siente sobreactuada, no resulta natural si lo comparamos con la majestuosidad del retrato anterior.

El ascenso es difícil, dificultoso, hay cansancio, es un desafío mayor. Persisten, en varios pasajes, los sonidos tensos y los cortes abruptos que entregan el silencio como oposición.

El trabajo de Daniel Dávila es onírico. Su trabajo de las luces, los colores y los sonidos entregan una sensación mágica inmersiva, con conexiones de todo tipo mayormente entregadas a lo que el espectador pueda configurar y concebir.

Los cuatro elementos esenciales están presentes; tierra, aire, fuego y agua. La película pasa de estática a difusa, también se llena de fusiones (o confusiones) a lo largo y ancho de su metraje.

“El Niño del Plomo” es un cúmulo de experiencias sensoriales, un trabajo atemporal y también experimental cuyo objetivo se difumina aún más al llegar a su propia cumbre. Si se completa o no, si es inicio o fin, queda entregado a quienes acompañemos este recorrido; desde nuestra propia visión, y desde nuestra propia experiencia.

Ficha técnica

País: Chile
Año: 2021
Duración: 77 minutos
Casa productora: Kiné-Imágenes Producciones
Producción: Teresita Ugarte
Guion: Daniel Dávila, Elisa Eliash
Dirección de fotografía: Enrique Stindt
Montaje: Daniel Dávila
Dirección de arte: Víctor Nuñez
Sonido: Charly Rojas, Roberto Zuñiga
Elenco: Daniela del Pino, Mateo del Sante
Dirigida por: Daniel Dávila

El Último Acto - Por Juan Pablo Donoso

Hermoso y fraterno relato de la última etapa de la vida de William Shakespeare (Kenneth Branagh).

Cuando en junio de 1613 se incendió el Globe Theatre de Londres, su propietario y dramaturgo dejó de escribir. Juntó el dinero acumulado y volvió a Strattford-on-Avon, su pueblo natal. Durante 20 años dejó allí a su familia y, prácticamente, nunca volvió.

En el hogar quedaron su esposa Anna Hathaway, años mayor que él, sus hijas Susana, Judith y Hamnet, el único varón fallecido a los 11 años de edad.

Venía decidido a quedarse y disfrutar con ellos de la fortuna obtenida con el teatro. Pero lo recibieron con desconfianza y resentimiento. Casi ni lo conocían.

Le reprochaban la ausencia cuando murió su hijo, la frialdad con su mujer (Judi Dench), y la condición actual de sus hijas ya adultas: Susana, casada con un fanático religioso, y Judith (melliza de Hamnet) que ya pintaba para solterona: “Si sólo los libres de pecado pudieran casarse habrían muy pocas bodas”.

Recreación bellamente filmada: fotografía, vestuarios y ambientación. Tomas nocturnas iluminadas con velas. Nos transporta a la época. Verla es como vivir con esa familia. Loas al director de fotografía Zac Nicholson

Conflicto más sutil que obvio. Carece de estridencias. Poco a poco va re-conociendo a los suyos, presenciando sus penas y secretos, reconciliándose con cada uno, comprendiéndolos, y sintiendo más fuerte en su corazón la presencia espiritual de su pequeño hijo Hamnet. Llega incluso a intuir que el espíritu del niño guiaba su pluma al escribir sus obras.

Le confidencia a un joven escritor la clave de sus inspiraciones: “indagar en la propia alma del autor”.

Magistral conversación entre Will y el anciano Conde de Southampton (Ian McKellen, admirable como siempre), filmado en estrecha “cara a cara”. Quienes sepan del bardo, y conozcan del origen amoroso de sus sonetos, disfrutarán aún más con este duelo tan íntimo de talentosos actores.

Will volvió al hogar a reencontrarse con sus raíces, con el alma de Hamnet, y lo consiguió con mucho dolor. Fue el último acto (título del filme) de su última obra y, tal vez, la más personal.

Jubiloso reencuentro con Ben Jonson (Gerard Horan): “Alégrate, Will, porque al fin llegaste a casa, a diferencia de tantos otros poetas que nunca lo consiguieron”.

Una bella meditación biográfica sobre la pérdida, el duelo, la vejez y la reconciliación.

Para disfrutarla con calma y tolerancia.

Disponible en Netflix.

REFINADA Y ENTRAÑABLE. UN CANTO A LA HUMILDAD DE LOS GENIOS VERDADEROS.

Ficha técnica

Título Original: All is True - 2018 

Biografía, drama, historia Inglaterra - 1,41 hrs. 

Fotografía: Zac Nicholson 

Edición: Úna Ní Dhonghaíle 

Música: Patrick Doyle 

Diseño Prod.: James Merifield 

Guion: Ben Elton 

Actores: Kenneth Branagh, Judi Dench, Ian McKellen 

Director: Kenneth Branagh

Amsterdam - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.

Un médico, una enfermera y un abogado. Burt, Valerie, Harold. Tres amigos que comparten una historia.

En 1933, en Estados Unidos, las secuelas de la guerra aún persisten. Burt -Christian Bale-, atiende en su consultorio a los veteranos; Harold -John David Washington-, se ha convertido en abogado; y Valerie -Margot Robbie-, ha quedado atrás, en aquel recuerdo de Amsterdam donde, 15 años atrás, los tres se conocieron y trabaron amistad.

El reconocido Senador Meekins ha muerto. Harold, contratado por la hija del también ex general, le pide a Burt hacer la autopsia. Hay algo extraño en la causa del deceso; se sospecha que fue asesinado. Los dos amigos deciden investigar y encuentran un hilo que los lleva hasta Tom Voze -Rami Malek-, un rico empresario textil, que resulta ser nada menos que el hermano de Valerie. Reunidos nuevamente, los tres deberán desentrañar oscuros misterios a través de laberintos de poder y corrupción.

Escrita y dirigida por David O. Russell, esta singular comedia negra se inspira en hechos reales. Su fuente está en “The Business Plot”, una supuesta conspiración política conformada por empresarios adinerados que, en 1933, se habría propuesto derrocar al presidente Franklin D. Roosevelt para instalar, en su reemplazo, a un dictador. Enrevesada en su tratamiento, y con un complejo guion no lineal, la cinta avanza irregularmente hacia un declive intermedio del que ni su nutrido -y reconocido- elenco se logra sustraer.

No obstante el sinuoso ritmo de la película, los actores destacan por dos aspectos. Primero, por sus tres carismáticos y sólidos protagonistas: Christian Bale, Margot Robbie y John David Washington. Y segundo, por carencias notorias en los personajes secundarios, entre los que observamos a Rami Malek, Anya Taylor-Joy, Robert De Niro y Chris Rock -¡qué hace aquí!-, con caricaturas de personajes que no se logran configurar bien. Aunque la sola presencia de De Niro, cuando se toma la pantalla, sube los bonos al tercio final del metraje, aquello no resulta suficiente para ofrecer contrapeso al trío protagónico.

“Amsterdam”, a pesar de generar un piso de misterio y una cierta atención, no logra imponerse como una historia que sea fácilmente recordable. Es más, a medida que pasan los días, la temática se vuelve aún más nebulosa, lo que hace que olvidemos rápido incluso los detalles más interesantes de una cinta que tiene en la parafernalia su mayor mérito y valor.

Ficha técnica

Título original: Amsterdam
Año: 2022
Duración: 134 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Studios, Regency Television, Forest Hill Entertainment, Canterbury Classic. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Drama. Romance. Comedia. Intriga | Basado en hechos reales. Comedia negra. Años 30. Años 1910-1919. Amistad. Política
Guion: David O. Russell
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Reparto: Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington, Alessandro Nivola, Anya Taylor-Joy, Andrea Riseborough, Chris Rock, Matthias Schoenaerts, Michael Shannon, Mike Myers, Robert De Niro, Taylor Swift, Rami Malek
Dirección: David O. Russell

1976 - Por Juan Pablo Donoso

Relato fílmico chileno, de buen nivel profesional, cuyas claves de misterio van generando suspenso y angustia.

Durante el gobierno militar convivimos con Carmen (Aline Küppenheim), una señora de clase media acomodada, esposa de un médico. Se instala en su casa de la playa - en remodelación - durante unos días del invierno. Aunque todo irradia una atmósfera segura y cómoda, ella se siente ociosa y vacía.

De su amistad con el cura párroco del balneario (Hugo Medina), se entera que este esconde en un cuarto de la iglesia a un joven herido, prófugo de la Policía.

Gracias a sus años previos en la Cruz Roja, Carmen se ofrece a practicarle curaciones al muchacho. La gradual mejoría del enfermo y el riguroso sigilo con que debe atenderlo, le dan a su vida un aire de aventura junto a la satisfacción de sentirse espiritualmente samaritana.

Nadie de su familia, esposo, hijos, ni amigos visitantes deberán enterarse de esta furtiva, y tan riesgosa, labor encubridora.

Mas, el dilema psicológico de estar colaborando con los enemigos del régimen político imperante, y a la vez comportarse obsecuente con el “statu quo”, le va horadando los nervios.

Con el correr de los días, y oficiando a veces de recadera, comenzará a sentirse observada y, tal vez, seguida en sus pasos.

Crecerá el contraste entre su imagen familiar de clase adinerada versus una turbia desazón interna.

Con buen pulso narrativo vemos cómo Carmen se debate entre el coraje humanitario y el miedo frente a la realidad política que soterradamente la rodea. Siempre flota peligro en el aire. Las demás personas - aún las más amables - le parecen sospechosas de conocer su secreto.

Buena fotografía y cámara. Producción prolija. Diálogos concisos e ilustrativos. Acertada evolución anímica y facial de Aline Küppenheim. La ambigüedad de algunos personajes secundarios contribuye a incrementar la paranoia de Carmen. Hacia el final, cada frase o mirada - en apariencia inofensivas - podrían tener doble intención.

Mi único reparo está en la banda sonora. La música incidental - demasiado obvia y estridente - le quita sutileza al misterio que aumenta. Unos breves toques armónicos habrían bastado para potenciar los silencios, y ruidos naturales, acentuando más los recelos de la protagonista.

Premios 2022, Festival de Cannes: Sección Quincena de realizadores

PARANOIA POLÍTICA MINIMALISTA QUE - ¡TAL VEZ! - PUDO SER CIERTA...

Ficha técnica

Misterio, política, suspenso Chile -1,35 hrs. 

Fotografía: Soledad Rodríguez 

Edición: Camila Mercadal 

Música: María Portugal 

Dirección de Arte: Francisca Correa 

Guion: Manuela Martelli, Alejandra Moffat 

Actores: Aline Küppenheim, Hugo Medina, Alejandro Goic 

Dirección: Manuela Martelli

El Castigo - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.

Un niño de siete años se ha extraviado. En la orilla de una carretera del sur de Chile lo buscan sus padres, Ana -Antonia Zegers-, y Mateo -Néstor Cantillana-. Se internan en el frondoso bosque. ¡Lucas!… ¡Lucas!… gritan a viva voz, pero los esfuerzos son infructuosos. Lucas no aparece. Cae la tarde, baja la temperatura, lo hermoso se torna amenazante. Es mejor llamar a Carabineros para que colaboren con la búsqueda. Crece la tensión, y de Lucas, nada. 

El director chileno Matias Bize ejecuta el espléndido texto escrito por Coral Cruz con precisión, agudeza y maestría. “El Castigo” es una cinta que imprime sentido de urgencia, preocupación, desesperación y angustia ante una situación límite que parece escaparse de las manos de esta madura pareja.

Con aparente sencillez en su premisa, esta película tiene compartimentos que se van develando con el correr de los minutos. Varias crisis están presentes: familiar, matrimonial, de maternidad, de paternidad; también de las acciones y sus consecuencias. Está en juego el sentido de la vida, y abarca la intimidad más profunda de dos padres carcomidos por las circunstancias.

El guion está muy bien compuesto. Con textos claros y concisos, Cruz hace un trabajo notable al determinar también los adecuados movimientos escénicos para dar cuenta de la evolución de los personajes, y así percibir esos cambios que se producen según pasa el tiempo, aquello que deja al descubierto las emociones que emergen de esos mínimos gestos y palabras que afectan significativamente, pues no tienen filtro y son directas; casi sin elaboración brotan del corazón.

Las actuaciones de Antonia Zegers y Néstor Cantillana resultan de una gran solidez. No solo tienen enorme realismo sino que además se sienten espontáneas y honestas, dotadas de un peso expresivo que logra traspasar la pantalla y conmover. Catalina Saavedra, que interpreta a la Sargento, si bien logra un compromiso importante con los roles protagónicos, no consigue separarse de los personajes que ya le conocemos. Es cierto, hay matices y diferencias, pero en sí, es su misma personalidad la que observamos una y otra vez, lo que indudablemente da cuenta de una enorme fuerza interior que quizá necesita reinventarse.

Bize aborda este proyecto con una filmación en tiempo real, sin cortes, un solo plano secuencia -técnicamente dificilísimo-, gracias al cual la película se siente aun más real. En ese sentido, la fotografía de Arnaldo Rodríguez es impecable: seguimiento permanente, tensión creciente, movimientos calculados; es como estar allí siguiendo a los protagonistas. A veces más cerca, a veces más lejos, la cámara representa nuestros ojos leyendo muy bien lo que tal vez haríamos en caso de estar físicamente en el lugar.

Las capas del relato van mostrando y componiendo al mismo tiempo la historia. Es una construcción de liberación lenta, vamos conociendo detalles con el paso de los minutos. El escenario mismo es simbólico. Estamos en un bosque que resulta tan precioso como preocupante. Observamos el cambio paulatino de la luz en un atardecer, el que a su vez se transforma en una metáfora. La oscuridad (en todo sentido) y el frío (esa necesidad de abrigo y cobertura física, pero también emocional), además podrían ser leídos como signos que están en lo más profundo de los sentimientos de ambos protagonistas. La música es el sonido del bosque, un silencio tenso, una ausencia-presencia de sonidos naturales que resulta ser todo un acierto, en forma y fondo. 

Interpelaciones, demandas, contradicciones, impulsos, debilidades, miedos y confesiones. Estamos ante un cúmulo de sensaciones afectivas que nos llegan de manera directa. En “El Castigo” las reflexiones quedan y las preguntas perduran. Es de esas películas que pasan a habitar en nosotros, para continuarlas, para sentirlas, para vivirlas. 

Felicitaciones a Matías Bize y a todo el equipo de producción por entregarnos una película vital, indispensable, e imperdible.

Ficha técnica

Título original: El castigo
Año: 2022
Duración: 85 minutos
País: Chile
Productora: Coproducción Chile-Argentina; Ceneca Producciones, Sudestada Cine S.R.L
Género: Drama
Guion: Coral Cruz
Música: Diego Fontecilla
Fotografía: Arnaldo Rodríguez
Reparto: Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Catalina Saavedra, Yair Juri, Santiago Urbina
Dirección: Matías Bize

Vista por última vez - Por Carlos Correa

Luego de una breve secuencia inicial, en muy pocos minutos tenemos el escenario configurado. El matrimonio de Will Spann -Gerard Butler-, y su esposa Lisa -Jaimie Alexander-a, pasa por un mal momento. No sabemos si se van a separar, pero lo concreto es que ella le ha pedido un tiempo sin verse, el que pasará en casa de sus padres.

Se percibe la tensión en un viaje que Will nunca hubiera querido hacer. Es una despedida, transitoria o definitiva, una pesadilla que nubla su vista y trastorna su vida. Faltando muy poco para llegar a destino, es necesario echar bencina. Tal vez una pausa abra alguna esperanza, nunca se sabe en este tipo de situaciones. Mientras Lisa va al baño y compra una botella de agua, Will termina de llenar el estanque y espera que ella regrese, pero pasan los minutos y no vuelve. La busca en los baños, en la parte de atrás, le deja mensajes de voz, la llama a viva voz. Nada.

De la angustia, Will pasa a la desesperación. Llama al 911, parecen no tomarlo en cuenta; un caso cotidiano, ya aparecerá. La tensión crece, los minutos pasan y claramente algo malo ha sucedido. Llega el oficial de policía: las preguntas de rigor, posibles sospechosos, noticia en desarrollo…

La trama parece conocida, por eso lo señalado no constituye un adelanto, porque la hemos visto muchas veces, de diversas maneras, con colores y sabores diferentes, pero compartiendo una misma esencia. Una mujer desaparece de la nada, como si se la hubieran tragado, las pistas son mínimas, solo hay pequeños detalles y un camino pedregoso por delante.

Dirigida por Brian Goodman, “Last Seen Alive” logra imprimir tensión durante sus 95 minutos a pesar de múltiples acciones que resultan bastante inverosímiles. Claro, Gerard Butler interpreta bien al hombre desesperado que busca a su mujer perdida, es todo un héroe en progreso dadas las circunstancias que le toca enfrentar.

No obstante la nerviosa espera de la resolución final, sabemos que hay un punto en el que nos cruzaremos con el comienzo de la cinta. Pero antes, a los dos tercios, el relato se tuerce hacia un ramal extraño donde aumentan las coincidencias.

Butler en lo suyo y Jaimie Alexander un poco apagada, conociendo otros roles interpretados, dan forma a un thriller que resulta entretenido pero que se olvida rápido. Una hora y media de tensión, duración apropiada para poner la mente en otros asuntos, liberar adrenalina y botar una que otra carga acumulada. Si no la ven en Cines, perfectamente se puede esperar el streaming, no es ningún pecado.

Ficha técnica

Título original: Last Seen Alive
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: G-BASE, Marc Frydman Productions. Distribuidora: Voltage Pictures
Género: Thriller. Intriga | Secuestros / Desapariciones
Guion: Marc Frydman
Música: Sam Ewing
Fotografía: Peter Holland
Reparto: Gerard Butler, Jaimie Alexander, Dani Deetté, Robert Walker Branchaud, David Kallaway, Matthew R. Staley, Emily Brinks, Jordan Salloum, Chip Lane, Aleks Alifirenko Jr., Alphonso A'Qen-Aten Jackson, Billy Burns
Dirección: Brian Goodman

La Mujer Rey - Por Jackie O.

"Fuerza, brutalidad y sororidad".

En la década de 1800, un grupo de mujeres guerreras protege el reino africano de Dahomey con habilidades y fiereza como nunca se ha visto en el mundo. Enfrentada a una nueva amenaza, la general Nanisca entrena a la próxima generación de reclutas para luchar contra un enemigo extranjero, que está decidido a destruir su forma de vida.

Una historia triste y macabra, de cómo el ser humano, en su mayoría mujeres, son usados al antojo de otros. No solo hablamos del color de piel, que nos acostumbra la historia contar. Aquí no importa, es solo poder sobre otro hasta la sumisión.

Viola Davis, Lashana Lynch y John Boyega, son muy conocidos por la audiencia, nos demuestran nuevamente sus capacidades actorales, en el rol que les indicaron. Pero tenemos una revelación, Thuso Mbedu, quien tuvo notoriedad en la serie Is' Thunzi, pero acá es genial su manejo.

La historia se centra en un grupo de mujeres guerreras, esas que no tienen un destino decidido en su infancia o adolescencia, porque huyeron de casa, sus padres no las quieren, fueron esclavas, etc. Antes que morir en las calles o estar en manos crueles, prefieren "enlistarse" en este grupo bravo de guerreras.
Ahí, nuestra joven protagonista, Nawi, demuestra que es la mejor con mucha tenacidad, y genes. La General Nanisca es su referente, pero también la segunda al mando, Izogie, con quien crea grandes lazos de amistad y admiración.

La lucha doble, una con un grupo de guerreros despiadados y la otra con esclavistas, las tiene en constante entrenamiento.

Las peleas son brutales, sangre a borbotones; las coreografías bellísimas, vestuario, peinado y maquillaje impecables. Colores y puesta en escena muy bien abordados.
La edición buena, la historia también, aunque la parte romance que se quiso poner y otra parte emocional que se introdujo, la encontré un poquito forzada; no molestó en nada para el desarrollo de esta película.

Dentro de este grupo de mujeres también hay cierta división, por supuesto, es parte del ser humano, pero la sororidad gana, ya que se ven enfrentadas a lo mismo, sufren por lo mismo y ríen por lo mismo.

La denigración de la esclavitud, seres humanos mostrados y vendidos como ganado. El honor, la familia, las lealtades, y más, podemos ver en este filme, que bien vale la pena ver.

Una película que, a pesar de que las protagonistas son mujeres, no es feminista. Es un relato crudo, es humano y también inhumano, que nos lleva a conocer algo más de historia, porque estas guerreras sí existieron.

Ficha técnica

Dirección: Gina Prince-Bythewood
Guion: Dana Stevens
Historia: Maria Bello y Dana Stevens
Música: Terence Blanchard y Lebo M.
Fotografía: Polly Morgan
Montaje: Terilyn A. Shropshire
País: EEUU

Año: 2022
Género: Cine épico, drama, cine histórico y acción
Duración: 135 minutos

Yo soy Alfred Hitchcock - Por Jackie O.

"...en cuanto a la consulta, de que las películas violentas, registran influencia criminal en el espectador.
Responde: Mis películas, tienen influencia en mentes enfermas, no en las sanas".

Comenzamos escuchándolo y viéndolo, lo que nos da un adelanto que esto será de primera fuente.

Durante todo este documental, escuchamos a diversos directores como Eli Roth (Hostel), Edgar Wright (Shaun of the Dead), Steven Spielberg (Jaws), John Landis (An American Werewolf in London), algunos críticos de cine, guionistas, vestuaristas que trabajaron con él, además escuchamos la voz de la incomparable Tippi Hedren, de Kim Novak, de Janet Leigh, otros actores, algunos ya fallecidos. También escuchamos a la hija y nieta de Alfred, entre otros, quienes nos dan su opinión de este singular y enigmático personaje. De esa forma de desarrollar cine, de manejar el encuadre perfecto, sobre la narración atrapante para manipular la mente del espectador, y de sus exigencias.

Nos sumergen en esta historia, y también en su vida íntima.

De cómo no tuvo problemas de pasar del cine mudo al sonoro, pues, para él, las mejores historias pueden no necesitar un diálogo; la atmósfera habla por sí misma.

Como bien es sabido, a Alfred le gustaba salir en sus películas en pequeños cameos, lo que se transformó en algo gracioso al verlo. Es como quebrar un esquema del momento, ante la tensión, pero nunca quiso actuar en ellas u otras películas. Esto era parte de su humor negro.

En su carrera hubo, como todos, algunos fracasos, pero también unos grandes éxitos, y no es hasta que aparece la película Psicosis que lo haría pasar a la historia, aquella que lo llevó al estrellato, donde ya no solo un grupo de personas lo conocía, ahora iba a ser el mundo entero.

Nos cuentan cómo adaptaba novelas que a nadie le gustaban, de cómo creó un marketing promocional que hizo que, sin saber el fondo de la historia (Psicosis), la gente hiciera filas para obtener su entrada y verla.

Cómo conoció a su esposa Alma, una montajista, que él admiró desde el inicio, y al casarse trabajaban juntos, donde la opinión de ella era fundamental para él.

Nos relata sobre "sus rubias". La primera de ellas fue Madeleibe Carroll, en 39 escalones, y quien marcó un precedente para el resto de las rubias que vinieron posteriormente: bellas, sexies, elegantes e inteligentes. Le gustaba trabajar a fondo, no solo en los detalles técnicos, sino que en la personalidad de la mujer, donde recibía mucha ayuda de su equipo de trabajo, donde la mayoría eran mujeres, sin dejar de lado las duras exigencias que hacía que se alejaran de él.

La entrevista que tuvo con François Truffaut, es material de culto, donde también escuchamos algunos detalles.

La edición, registros de archivo, y música están muy bien logradas.

Un documental muy interesante, y aunque puede que no aporte tantas cosas nuevas, pues quien es cinéfilo ya ha indagado en mucho de sus películas y vida, igual nos atrapa. Así vemos no solo al director y maestro del suspenso, sino al hombre, al marido, padre y esposo.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Título original: I Am Alfred Hitchcock
Dirección: Joel Ashton McCarthy
Año: 2021 

País: Canadá
Duración 87 minutos
Guion: Joel Ashton McCarthy, Eric Maran, Jesse James Miller
Música: David Menzel, Taylor Swindells
Fotografía: Shaun Lawless

Rubia - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

“Rubia”, escrita y dirigida por Andrew Dominik, obtiene su base del bestseller del mismo nombre de Joyce Carol Oates. Es una película que reinventa la vida y carrera de la icónica Marilyn Monroe, tal vez el símbolo sexual más famoso del mundo. La cinta abarca a la modelo, actriz y cantante norteamericana durante la década de 1950 y los primeros años de los sesenta, mostrando sus fracasos matrimoniales, su frustrada maternidad, y los sinsabores de una vida de aclamación pública y oscuridad personal.

Bajo mi punto de vista, estamos ante una película innecesaria, injustificada y excesiva. ¿Por qué? Porque resulta demasiado larga, explicita y ambigua, además de muchas secuencias que no tienen una justificada razón de ser.

Desde la perspectiva femenina, es posible observar a Marilyn Monroe como víctima al ser una mujer objeto, una mujer usada y abusada,. Se evidencia todo lo mal que lo pasa en una vida sin escapatoria, sometida a presiones de todo tipo, violentada, traumada y vulnerada hasta lo más profundo de su intimidad.

Desde el punto de vista cinematográfico, la película resulta al menos confusa. Con juegos difusos entre blanco y negro y color, más otras capas nubosas en la fotografía qué tal vez intentan imprimir cierta vaguedad, la narración no es agradable de seguir, al menos para mí. No solo no fluye, se siente interrumpida, seccionada y compartimentada. Recién cuando entra en escena Adrien Brody, interpretando a Arthur Miller -aunque no se le nombra explícitamente, tal como a muchos de los otros personajes-, la cinta adquiere otro cariz, incluso un peso distinto. El licuado guion de Dominik no genera demasiado interés, se nota aguado, diluido, un trago sin sabor que lo único que deseamos es que se acabe pronto.

Lo mejor de “Rubia” es Ana de Armas. La actriz cubana-española vive, siente y expresa en su rol un mundo de sensaciones y emociones que retratan con bastante fidelidad a Marilyn Monroe. La producción, que también es resulta ser un esfuerzo importante, pone énfasis en los vestidos, los peinados y las locaciones, dando cuerpo a un desafío que, al fin de cuentas, parece no llegar a buen puerto.

Es necesario preguntarse, entonces, ¿y todo esto para qué? ¿Qué se desea conseguir? ¿Qué quiere entregar esta película?

Tal vez un ensayo de respuesta se podría resumir en una sola frase: estamos ante una realización pretensiosa que no logra conseguir el tono adecuado, ni en su ejecución, ni en el mensaje que nos desea transmitir.

Ficha técnica

Título original: Blonde
Año: 2022
Duración: 166 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Plan B Entertainment. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Drama psicológico. Biográfico. Años 50. Años 60. Cine dentro del cine
Guion: Andrew Dominik. Novela: Joyce Carol Oates
Música: Nick Cave, Warren Ellis
Fotografía: Chayse Irvin
Reparto: Ana de Armas, Bobby Cannavale, Adrien Brody, Julianne Nicholson, Evan Williams, Xavier Samuel, Caspar Phillipson, Toby Huss, Sara Paxton, Chris Lemmon, Dan Butler, Garret Dillahunt, Lucy DeVito
Dirección: Andrew Dominik

Fuerza Bruta - Por Juan Pablo Donoso

Una secuela tan buena como la primera.

Acción, violencia y sangre a granel que, gracias a su buen humor - y héroe gordo imbatible - nos mantiene entretenidos y admirados por su minuciosa factura.

Ma es un detective burdo y obeso de Corea del Sur. La peor pesadilla de un delincuente es tratar de agredirlo: volará por los aires y terminará como “membrillo de colegial”.

Esta vez lo mandan a Viet Nam a localizar a Kang (Sukky Son), un despiadado prófugo coterráneo. Allá, junto a su ayudante, verán que hay multitud de inmigrantes coreanos haciendo turbios negocios.

Sin ningún respeto por los protocolos policiales del país, los irá diezmando, de mafia en mafia, hasta dar con el bandido principal, poseedor de una maleta llena con millones de dólares.

El actor protagonista - Ma Dong-seok - presenta un larga trayectoria previa, siempre en filmes violentos, como Eternals (2021) y Estación Zombie (2016) donde fue nominado al premio Blue Dragon Film Award 2016 en la categoría de Mejor Actor de Reparto por su papel de Sang-hwa.

Para el actual cine de acción coreano Dong-seok vendría siendo como el antiguo Steven Seagal de los años 70, aquel esbelto, buenmozo y justiciero… cosa que lamentablemente perdió con los años transformándose ahora en el “malo” y antipático de sus últimas películas.

El carisma de este héroe imbatible radica (al igual que Machete) en su carencia de glamour y en su falta de sutileza. Su cándida “fuerza bruta” lo define de cuerpo entero.

Recomendamos esta película para descargar adrenalina viendo masacrar asiáticos malos por montones, persecuciones en auto, agresiones sólo con cuchillos o machetes (la única pistola se tranca) y la levísima aparición de la única mujer como viuda de una de las víctimas buenas.

Los trucos y efectos especiales fueron innecesarios para mantener el ritmo desenfrenado. Sólo lamentamos la presencia de tantos maleantes parecidos unos con otros, al punto de hacernos confundir, a ratos, los buenos con los malos.

DE LAS COREANAS INVEROSÍMILES DE ACCIÓN Y VIOLENCIA ES GRATA DE VER POR SU RITMO Y BUEN HUMOR. MUY ENTRETENIDA.

Ficha técnica

Título Original: Beomjoidosi 2

2022 Acción, crimen Corea del Sur - 1,46 hrs. 

Fotografía: Sung-Lim Ju 

Edición: Sun-min Kim 

Música: Kim Tae-seong 

Guion: Min-Seong Kim 

Actores: Ma Dong-seok, Sukku Son, Gwi-hwa Choi 

Director: Sang-yong Lee

La Mujer Rey - Por Carlos Correa

“La Mujer Rey”, dirigida por Gina Prince-Bythewood, posee coreografías espléndidas, una agradable banda sonora y una bella fotografía. Nos muestra batallas cruentas, repletas de realismo bélico, en una producción que no deja nada al azar.

1823. En África occidental, en el reino de Dahomey, la general Nanisca -Viola Davis-, líder del batallón de guerreras denominadas “Agojie”, consigue liberar a mujeres que fueron secuestradas por esclavistas del Imperio Oyo. Esta chispa enciende una guerra total entre los ejércitos, por lo que las “Agojie” necesitan urgentemente entrenar nuevas generaciones para proteger su reino. Una de estas nóveles aprendices es Nawi -Thuso Mbedu-, una joven que es entregada al rey pues se ha negado al matrimonio concertado por sus padres. Nawi sabe que es adoptada -tiene una marca en su hombro izquierdo-, posee un temple fuerte y una convicción precisa: su deseo de llegar a ser una “Agojie” es el desafío de su vida.

Los enfrentamientos se suceden, unos tras otros, en una película que destaca, entre otras cosas, por sus sólidas actuaciones. Viola Davis es el corazón de la cinta, sin embargo los papeles secundarios también resultan convincentes. Lashana Lynch como Izogie, o Sheila Atim como Amenza, convencen con sus representaciones, al punto de dejar a John Boyega -que interpreta al rey Ghezo-, algo desconectado. La construcción que hace Davis para su personaje es relevante. Expone a una mujer firme, estoica, una líder fuerte y decidida, vital y enérgica, cuyo lema es jamás rendirse en la lucha por la libertad de su pueblo. Configura, junto a Mbedu, una química sencilla, honesta y real, y si bien tiene algunos visos de vulnerabilidad -más emocionales que físicas-, aquello no es obstáculo para llevar adelante su misión.

Esta historia inspirada en hechos reales está bien narrada. Aunque se expone desde un punto de vista lineal y tal vez clásico (maestro-aprendiz), funciona bien porque se sumerge en un mundo de descubrimientos, relaciones y sentimientos. No obstante el relato impacta por su crudeza, bajo esas capas de cemento resistente encontramos un fondo sensible que se explota en su justa medida gracias a las escenas intermedias que entregan respiro a las épicas batallas.

“The Woman King” toma vuelo en la medida que el metraje avanza. Despierta genuino interés e impulsa a conocer un poco más sobre la historia de este reino africano que existió desde cerca del año 1600 hasta 1904. Interesante y entretenida, es una película para ir a ver en pantalla grande, donde su realización y textura adquieren un merecido protagonismo.

Ficha técnica

Título original: The Woman King
Año: 2022
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Jack Blue Productions, JuVee Productions, TriStar Productions, Welle Entertainment, Entertainment One. Distribuidora: TriStar Pictures
Género: Acción. Drama | Histórico. Siglo XVIII. Siglo XIX
Guion: Dana Stevens. Historia: Maria Bello, Dana Stevens
Música: Terence Blanchard, Lebo M.
Fotografía: Polly Morgan
Reparto: Viola Davis, John Boyega, Lashana Lynch, Hero Fiennes-Tiffin, Thuso Mbedu, Jayme Lawson, Adrienne Warren, Sheila Atim, Masali Baduza, Jordan Bolger, Angélique Kidjo, Thando Dlomo, Jimmy Odukoya, Shaina West, Chioma Antoinette Umeala
Dirección: Gina Prince-Bythewood

Samaritan - Por Jackie O.

"No puedo salvar a todos, la gente muere incluso mientras estoy salvando vidas aquí, pero aún puedo hacer lo que pueda.
-- Samaritan"

Sam Cleary, de trece años, sospecha que su vecino misterioso y solitario, el Sr. Smith, es en realidad una leyenda, que se esconde a simple vista.

Dice dicha leyenda que, hace veinticinco años en Granite City, existían dos hermanos con superpoderes, Samaritan era el leal y bondadoso, y Némesis un vengativo y sin escrúpulos. Y en una pelea, a Samaritan lo declaran muerto después de una feroz batalla con Némesis. La mayoría cree que Samaritan pereció en el fuego, pero algunos, como Sam, tienen la esperanza de que todavía esté vivo. Y ahora  que el crimen va en aumento, Sam tiene la esperanza que Samaritan volverá.

¿Por qué me gusta el mundo del Cómic? Porque puede traspasar a la pantalla, y mostrarle al público que no solo existe el mundo Marvel y DC. Hay mucho material que rescatar.

Silvester Stallone es de esos actores ya consagrados que se dan el lujo de hacer lo que quieren, tenga o no éxito; llama la atención solo con su nombre. Y a sus casi 80 años, aún puede darnos roles de acción.

En esta nueva producción, de la cual es uno de sus productores, la historia fue previamente adaptada de las novelas gráficas de Mythos Comics, por Schut, Marc Olivent y Renzo Podesta. Vemos como Stallone se transforma en un superhéroe, personificando a Joe Smith, un sujeto viejo y solitario que trabaja como recolector de basura que aprovecha de arreglar algunos desechos y venderlos, para luego enterarnos que más que venderlos, ese trabajo lo calma, es como una terapia.

Su vecino, un preadolescente que vive con su madre soltera con dos trabajos para sobrevivir, tiene que lamentablemente dejar por mucho tiempo a su hijo a solas, quien sabe meterse en problemas, más cuando el dinero escasea.
Durante un embrollo con unos jóvenes rufianes que les gusta intimidar a todos, Joe lo salva, y ese acto hace que Sam esté seguro que este sujeto es Samaritan, su héroe, y no descansará en demostrarlo.

Por supuesto que tenemos a un villano llamado Cyrus, quien desea tomar el control en las calles, y toma como trabajador al joven Sam para fechorías, y averigua que Joe podría ser efectivamente alguien con poderes, después de haberlo visto actuar.

La historia es simple pero se deja ver, aunque está muy lejos de ser una película de esas de superhéroes de las que estamos acostumbrados, pero los fans de Stallone estarán de todas maneras a gusto, pues como señalé, a sus 76 años aún puede ser un héroe de acción.

La química entre Joe y Sam es buena, la amistad que van tejiendo de a poco se vuelve agradable.
Los efectos visuales están bien, pero el antagonista careció de carisma, no se manejó como tal y no desarrolla su rol en cuanto a las motivaciones de fondo de su actuar.

Tenemos una ciudad en caos, donde las personas están desamparadas y necesitan una imagen en quien poder refugiarse; podría ser el fondo de esta película, donde surgen esos superhéroes que se requieren. La amistad de dos generaciones, la redención, el deseo de poder y de control, son otros elementos que puedes encontrar en este trabajo que, de alguna forma, entretiene con su estética algo de Cómic, con un giro de trama que funciona bien y, aunque mantiene vacíos en guion, se deja ver.
Y a pesar de que no es fiel al Cómic, mantiene su esencia.

Por último, ¿se han percatado que en todas las películas Stallone tiene pocos diálogos, y funciona bien lo que hace? Me parece bueno. Sus acciones hablan, lo que no muchos hacen.

Disponible en Amazon Prime Video.

Ficha técnica

Dirigida por Julius Avery
Escrita por Bragi F. Schut
Basado en Samaritan. Astro City. Creado por Kurt Busiek y Brent Anderson
Primera impresión: Ciudad Astro #1 ( 1995 )
Película: EEUU

Año 2022 

101 minutos
Protagonistas: Sylvester Stallone, Javon "Wanna" Walton, Pilou Asbæk, Dascha Polanco, Moises Arias

La Huérfana: el origen - Por Carlos Correa

Se dice que segundas partes no son buenas. En rigor, esta cinta no es una continuación, sino que remite a los hechos anteriores a la historia que conocimos el año 2009 sobre una niña huérfana, sin embargo, y una vez hecha la precisión, ¿aplica ahora el conocido dicho?

Luego de un indefinido y violento comienzo filmado con textura nebulosa, en 25 minutos tenemos configurados los principales escenarios. Volvemos al año 2007, en Estonia, Leena Klammer -Isabelle Fuhrman-, una paciente psicópata con enanismo, prepara su fuga del psiquiátrico donde es atendida. Con una sucesión de engaños, logra hacerse pasar por Esther Albright, una niña norteamericana desaparecida en 2003, y consigue viajar a Estados Unidos simulando regresar a su hogar.

Desde las primeras secuencias y progresiones, destaca la forma cómo Fuhrman logra verse frágil y siniestra al mismo tiempo. Muy bien su protagónico, el que ya admiramos en la primera entrega; gran talento para encarnar a una niña inocente y, a la vez, a una mujer trastornada que vemos encerrada en un cuerpo infantil.

Las dudas sobre su identidad emergen en su familia lentamente pero con consistencia. Podría ser o no ser, podría estar actuando… sin embargo todo se despeja bastante rápido. Los padres salen a una fiesta y Esther se queda en un “carrete” con su hermano Gunnar. Un policía, a cargo en su momento de la desaparición de la pequeña, siembra la incógnita; sobreviene el suspenso y los más usuales elementos del género son puestos en práctica en una de las mejores escenas de la película en la que también destaca, por cierto, una buena banda sonora.

Entonces, ¿qué sucede? Sobreviene un giro del que no podemos adelantar nada.

En términos de actuación, observamos un enfrentamiento de mujeres fuertes, Isabelle Fuhrman versus Julia Stiles -quien interpreta a su madre, Tricia Albright-, lo que también se visualiza en el relato debido a los secretos y engaños, aquellos cruces relacionales que existen en una familia que alberga una caja de Pandora en su interior.

¿Hacia dónde va y cómo se resuelve una cinta de esta naturaleza? En algún momento, Esther tiende a perder el control, y por eso podría ser tan significativa la escena donde suena de fondo “Maniac”, famosa canción ochentera que resulta ser todo un acierto en fondo y forma.

Pero volviendo historia y a la pregunta inicial, “Orphan: First Kill” funciona a medias y se sitúa un poquito por sobre el promedio de un género que necesita reinventarse. Tiene una ventaja y desventaja a la vez, porque sabemos lo que sucede con Esther Albright más adelante, algo que naturalmente es una merma que, sin embargo, no anula el suspenso que sí logra imprimir. Lo mejor de todo es que es corta, algo que se agradece, y deja abierta la puerta a nuevas entregas que necesitarán bastantes dosis de novedad para no matar a la gallinita de los huevos de oro. Veremos si se lo toman en serio y avanzan en esa dirección; solo el tiempo lo dirá.

Ficha técnica

Título original: Orphan: First Kill
Año: 2022
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Dark Castle Entertainment, Entertainment One, Eagle Vision
Género: Thriller. Intriga. Terror | Crimen. Precuela
Guion: David Coggeshall. Historia original: David Johnson, Alex Mace. Personajes: Alex Mace
Música: Brett Detar
Fotografía: Karim Hussain
Reparto: Isabelle Fuhrman, Julia Stiles, Rossif Sutherland, Hiro Kanagawa, Stephanie Sy, Jade Michael, Andrea del Campo, Lauren Cochrane, Erik Athavale, Matthew Finlan, Morgan Easton-Fitzgerald, Sarah Luby, Kennedy Irwin
Dirección: William Brent Bell