Ant-Man and The Wasp: Quantumania - Por Carlos Correa Acuña

Con esta película, la numero 31, se da comienzo a la fase 5 del MCU. Como secuela de Ant-Man (2015) y Ant-Man and the Wasp (2018), esta cinta presenta a Scott Lang -Paul Rudd-, y a Hope van Dyne -Evangeline Lilly-, enfrentándose a un villano súper poderoso llamado Kang, el Conquistador, interpretado por Jonathan Majors.

En este inesperado viaje, los héroes no están solos. Se suma su hija, Cassie Lang -Kathryn Newton-, y los padres de Hope, Janet van Dyne -Michelle Pfeiffer-, y Hank Pym -Michael Douglas-, conformando una especie de cruzada familiar que comienza cuando un dispositivo desarrollado por la inquieta joven Lang establece contacto con el llamado Reino Cuántico. Al ser vertiginosamente arrastrados hacia él, se separan sin saber qué sucede, salvo Janet, quien estuvo atrapada 30 años en ese universo y conoce perfectamente quién es Kang.

Las aventuras son incesantes, con combates, huidas, descubrimientos y sorpresas en cada rincón de este mundo poblado por nativos rebeldes y extrañas criaturas. Lamentablemente, la película dirigida por Peyton Reed, tiende a decaer en su sección central, justamente cuando quiere explicar y enlazar las historias, y prescinde de la acción. Estos baches narrativos se sienten bastante y dejan en evidencia la carencia de un desarrollo mayor en el guion de Jeff Loveness, pues varios personajes y temas quedan sueltos, no logran tomar cuerpo, y solo son visibles a través de chispazos.

El mensaje es claro: todos contra el tirano. Además, hay detrás una comunidad oprimida y está en riesgo la vida de muchísimas personas si se aniquilan líneas de tiempo de los multiversos. Pero, ¿realmente vale todo? ¿El fin justifica los medios? Otro punto delgado de un argumento que, al menos, resulta débil para sostener una historia que se presenta como el inicio de una nueva era, aquel pilar sobre el que se construirán las próximas entregas.

Eso sí, es un gusto ver a Michelle Pfeiffer y Michael Douglas llevar buena parte del metraje. De hecho, cuando salen de pantalla coincide con algunos de los bajones ya mencionados los que, si bien se superan cuando ellos regresan, también denotan irregularidad narrativa. La pequeña participación de Bill Murray agrega algo más de sazón, otro complemento para Evangeline Lilly y Paul Rudd, quienes a pesar de su simpatía y química natural, necesitan de todos esos condimentos adicionales entregados por los “viejos tercios”.

Entretenida en las secciones rápidas, esas con efectos especiales, fuegos artificiales y harta acción, “Ant-Man and The Wasp: Quantumania” es para verla en pantalla grande, aunque la verdad es que se hace un poquito larga. Agradezco que no abuse del humor, un recurso bastante utilizado al momento de intentar captar atención, y que tampoco complejice innecesariamente una trama que, si le sacamos toda la parafernalia, resulta comprensible, incluso, para quien no ha visto anteriores entregas. Ah!, por cierto es Marvel; tiene escenas post créditos, para que no las dejen pasar, aunque sí es necesario conocer algo más para comprenderlas.

Ficha técnica

Título original: Ant-Man and The Wasp: Quantumania
Año: 2023
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Marvel Studios, Walt Disney Pictures, Truenorth Productions. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Acción. Comedia | Superhéroes. Insectos. Secuela. Cómic. Marvel Comics. MCU
Guion: Jeff Loveness. Cómic: Stan Lee, Jack Kirby, Larry Lieber
Música: Christophe Beck
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michelle Pfeiffer, Michael Douglas, Jonathan Majors, Kathryn Newton, Bill Murray, William Jackson Harper, Katy M. O'Brian, Randall Park
Dirección: Peyton Reed

El triángulo de la tristeza - Por Jackie O.

"Amos y sirvientes".

Carl y Yaya, son una pareja de modelos, unos influencers; en realidad ella es más famosa que él, por lo que las regalías que van obteniendo en su mayoría son de ella.
Son una pareja muy particular, tanto es así, que la película comienza con una situación un tanto inverosímil, sobre dinero. La situación se alarga, tal vez innecesariamente, pero tengamos paciencia.

Dichos influencers son invitados a un crucero de lujo junto a un grupo de ricos muy ricos, que viven en un mundo paralelo, una burbuja, donde el dinero es su vida, dinero a borbotones, adquirido por trabajos muy particulares, en algunos. Porque los vamos conociendo, compartimos con ellos, en especial con el imponente Dimitry, quien viaja con su amante y esposa; el solitario Jorma, el viejo Winston y su amada esposa, por nombrar algunos; sin olvidar a la tripulación que hace lo que puede para mantener contentos a estos millonarios, a los cuales se les puede ocurrir cualquier cosa, y deben estar dispuestos a satisfacerlos. Sí, el dinero manda.

Es difícil contar sobre esta película si el que escucha (o lee) no la ha visto, pues la idea no es contar detalles importantes, chascarrientos, conmovedores o irrisorios, pues se deben dejar asombrar por lo irreverente que puede ser.

Estamos ante una comedia negra, que satiriza determinados temas como el mismo mundo de las redes sociales y los influencer que viven de apariencias. Y de los millonarios y sus banalidades, versus los empleados, muchas veces invisibles para ellos.

Pero la aparente tranquilidad de este crucero, repentinamente da un giro cuando una brutal tormenta golpea el barco, donde una cena elegante, con un capitán ya harto de compartir con millonarios vacíos, y que se desentiende de todo, se transforma en una caótica situación. Así que, esta cena se sale de las manos, por lo que, esta comedia de negra pasa a negrísima, donde la caricaturización de estos multimillonarios se toma la pantalla.

Las inclemencias de la naturaleza, algo totalmente incontrolable, predecible o no, pueden sacarte de tu burbuja y bajarte a la realidad, y hacerte ver como cualquier simple mortal. Donde te hace ver que, cuando estás desvalido, cuando estás en una posición en donde tu dinero no vale nada y solo debes pensar en cómo sobrevivir, puedes ser sometido en quien menos pensabas llegando a transformarse en tu salvavidas.

Este es un grupo de personas, con capacidades y discapacidades, de diferentes países y clases sociales, que luego de esta tormenta y una cena para nada apetitosa, quedan perdidos en un rincón del mundo. ¿Dónde? Quién sabe. Vemos como la línea de poder cambia y los de abajo, aquellos que pisoteaste o nunca miraste están por sobre ti, y de ellos depende tu subsistencia.
La vida ya no es lo mismo.

Vemos cuando el poder corrompe, y que no se trata de dinero, cuando te gusta ese poder y no quieres volver atrás ¿cuál será tu decisión final?
Una cinta que nos va mostrando la pérdida de valores, sobre el mundo superficial y materialista, las banalidad, el caos y la supervivencia. Y que, quien tiene el poder, lo mantendrá, sea como sea.

Cuando está en tus manos el presente y futuro de muchos, nos preguntamos ¿qué es la igualdad?
¿Qué pasa con el ser humano, con las jerarquías? ¿Cómo te haces valer? ¿Qué puedes dar a cambio por sobrevivir?

Una cinta que tiene un contenido visual impresionante, los efectos de sonido son geniales, así como el manejo de cámara. Una edición bien lograda. Un guión inteligente. Buenas actuaciones.

Una película tragicómica, pero con un contenido dramático potente, ya que la alegría no dura para siempre aunque estes nadando en dinero, porque a veces el dinero no compra la subsistencia, y tu cara ya no es de alegría al saberlo, debiendo lidiar con ese triángulo de tristeza eterno.

Debo confesar que me reí mucho con la cena de este lujoso crucero, y no solo por los "efectos" de los pasajeros, sino que también por la filosófica conversación del ruso y el capitán. Una buena combinación.

En qué puede fallar para mí: lo extenso de la discusión inicial y otras situaciones que pudieron restarle perfectamente 15 minutos. Y la humillación extrema a los super ricos, al punto de ridiculizarlos a más no poder, ¿era necesario?
Tal vez...

Como dato: Esta cinta, se estrenó después del fallecimiento de Yaya (Charlbi Dean Kriek), su joven protagonista.

Varios premios ganados, y otras nominaciones pendientes como tres Óscar.

Ficha técnica

Dirección y Guion: Ruben Östlund
147 minutos

Año 2022
Protagonistas: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Dolly de Leon, Zlatko Burić, Iris Berben, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Jean-Christophe Folly, Amanda Walker, Oliver Ford Davies, Sunnyi Melles, Woody Harrelson.
Cinematografía: Fredrik Wenzel
Edición: Ruben Östlund y Mikel Cee Karlsson
Música: Mikkel Maltha y Leslie Ming

Sinfonía de Pasión - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Amazon Prime Video.

"Un instante de la vida del compositor Antonín Dvořák"

La carta enviada en 1894 por Josefina -Soňa Norisová-, su cuñada y amor de juventud, informa que está muy enferma. A raíz de ello, Antonín -Hynek Čermák-, quien se desarrolla profesionalmente en Estados Unidos y goza de gran éxito, decide regresar, junto a su familia, a su natal Bohemia para pasar vacaciones. Su llegada es recibida con honores y variados reconocimientos, sin embargo la principal preocupación del compositor es quien ha sido su musa y fuente inspiradora de su música.

Esta película dirigida por Jaroslav Brabec propone algunos niveles paralelos, como, por ejemplo, las conversaciones de Dvořák con un erudito entrevistador, la relación de su hija Otýlie -Sabina Rojková-, con el discípulo del Maestro, Josef Suk -Petr Šmíd-, y la dinámica familiar liderada por su esposa Anna -Petra Špalková-. Encontramos también tensiones, que se manifiestan a nivel afectivo y práctico, sobre todo por dificultades económicas y las decisiones familiares sobre el futuro, es decir, quedarse en Bohemia o regresar a Norteamérica.

La construcción del relato intenta ser diferente. Gracias a una filmación diáfana y con filtros, la cinta logra transmitir, a través de algunas nebulosas, un sin fin de emociones. Palpamos el dolor y el abandono; también sentimos la pasión y el amor. El temperamento del compositor queda de manifiesto cuando observamos la gran carga emocional de una vida trágica (la muerte temprana de tres de sus hijos), y a la vez desafiante. Su post romanticismo musical tiene mucho de fe y de sentimientos de abandono, además de locura, soledad, tristeza, melancolía y desesperanza, lo que indudablemente influencia mayoritariamente sus obras.

La estabilidad alcanzada por Dvořák en Estados Unidos, la fama y consiguiente consolidación, no parece ser suficiente. En este breve regreso a su patria, las dudas y contradicciones dan paso a sentimientos de añoranza que son traspasados a sus composiciones como esencia de vida y de intimidad, de real conocimiento personal y de acercamiento espiritual.

De las piezas que escuchamos en la película, en excelentes versiones de intérpretes checos, la principal es su famosa Novena Sinfonía en mi menor, op. 95 , “Del Nuevo Mundo”; también algunas secciones de su Cuarteto en Fa Mayor, “Americano”; y su reconocido “Humoresque”, para piano, Op. 101, No 7, en Sol bemol Mayor. La partitura compuesta por Jan Jirásek, también resulta interesante, pues incorpora motivos de dichas obras y los trabaja como una especie de variaciones, entregando, así, cercanía y unidad estética a la banda sonora del filme.

“Americké dopisy” -Letras Americanas-, su título original, no es un viaje musical para representar a Antonín Dvořák. Tampoco es un homenaje o un tributo al gran compositor. Corresponde más bien a un acercamiento humano -aunque con varias situaciones ficcionadas-, hacia una figura fundamental del Siglo XIX, y cuya música ha alcanzado un nivel trascendente e inmortal.

Ficha técnica

Título original: Americké dopisy
Año: 2015
Duración: 101 minutos
País: República Checa
Compañías: Ceská Televize
Género: Drama | Biográfico. Siglo XIX. Música. Telefilm
Guion: Jan Otcenásek
Música: Jan Jirásek
Fotografía: Tomás Sysel
Reparto: Hynek Cermák, Petra Spalková, Sona Norisová, Igor Bares, Vladimír Javorský, Sabina Rojková, Petr Smíd, Tomás Havlínek, Oldrich Vlach, Jan Novotny
Dirección: Jaroslav Brabec

Sharper - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV+.

Una madeja urdida, y bien urdida, es la esencia de esta película dirigida por Benjamin Caron, con guion de Brian Gatewood y Alessandro Tanaka. Dividida en cinco partes, cada una va presentando y develando antecedentes del personaje a la que está dedicada, lo que nos permite ir uniendo poco a poco los cabos desparramados en el camino.

La historia comienza con Tom -Justice Smith-, dueño de una pequeña librería de volúmenes usados en la ciudad de Nueva York. Cuando recibe la visita de Sandra -Briana Middleton-, ambos coquetean y comienzan un apasionado romance. Hasta ahí todo bien, pero de pronto ella desaparece. No diré más, porque ustedes tienen que descubrir lo que sucederá a continuación. Solo les puedo adelantar que vamos a conocer a Max -Sebastian Stan-, a Madeline -Julianne Moore-, y a Richard Hobbes -John Lithgow-, para, progresivamente, internarnos en el mundo “Sharper” -embaucador(a)-, en el que caras vemos y corazones no sabemos.

Un relato hilvanado de manera inteligente, junto a una ejecución bien hecha y buenas actuaciones, en especial de Julianne Moore y Sebastian Stan, entregan carácter a esta pieza coral sobre la siempre efectiva temática de la manipulación y el poder. Las casi dos horas de duración no se sienten para nada, pues todo fluye fácil. Además, cuando tomamos conciencia que nada es lo que parece, y que no podemos estar seguros de lo que observamos, es solo el comienzo de las sorpresas que nos depara un recorrido por diferentes laberintos y múltiples personalidades.

“Sharper” funciona por lo que es, una cinta correctamente ambientada, con elementos ya conocidos pero bien mezclados para crear un trago diferente. Y como sabemos, siempre hay que tener cuidado con la bebida, porque nos puede hacer ver cosas que no son, o bien crear nuestras propias realidades. Entonces, lo mejor es estar sobrios para dejarse llevar por esta propuesta. Mal que mal, la también productora Julianne Moore sabe lo que hace, ¿o no…?

Ficha técnica

Título original: Sharper
Año: 2023
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Picturestart, A24, Apple TV+. Distribuidora: Apple TV+
Género: Thriller | Neo-noir
Guion: Brian Gatewood, Alessandro Tanaka
Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
Reparto: Julianne Moore, Sebastian Stan, Justice Smith, Briana Middleton, John Lithgow, Darren Goldstein, Kerry Flanagan, Benjamin Caron, Quincy Dunn-Baker, Phillip Johnson Richardson
Dirección: Benjamin Caron

Navalny - Por Jackie O.

"¿Un mártir...?"

Alexéi Navalny, es un líder de la oposición y activista ruso, quien ha organizado manifestaciones antigubernamentales, y se ha postulado para abogar por reformas contra la corrupción en Rusia y contra el presidente Vladimir Putin y su gobierno, quien evita referirse directamente a Navalny por su nombre.

El documental trata sobre el envenenamiento, o supuesto envenenamiento del Kremlin a Navalny.

Navalny es un joven y apuesto abogado que decidió enfrentarse a uno de los hombres más poderosos del mundo: Vladimir Putin.

El 20 de agosto de 2020, Navalny iba en avión de Tomsk a Moscú, cuando comenzó a sentirse mal, muy mal. Acusó de haber sido envenenado con un agente nervioso Novichok, por lo que se hizo un aterrizaje de emergencia en Siberia y fue hospitalizado en estado grave. Navalny fue llevado a un hospital en Omsk después de un aterrizaje de emergencia.

Los médicos no dejaban que su mujer ingresara a verlo, agentes policiales rodearon el lugar. Resultado: no fue encontrada ninguna toxina en su cuerpo que diga que fue envenenado. Ese fue el informe.

¿Entonces, que pasó?

¿Navalny inventó todo para llamar la atención de más adeptos y que crezca aún más el repudio a Putin? O, ¿efectivamente atentaron contra su vida y los médicos están coludidos?

Los periodistas de "Bellingcat", Christo Grozev y Maria Pevchikh, investigadora principal de la Fundación Anticorrupción de Navalny, revelan los detalles de un posible complot que indicaría la participación de Putin. Y el rodaje de este documental comenzó después que Navalny salió del coma en que, según indicaron, estaba.

Este equipo realizó todas las investigaciones, señalando que sí fue un ataque a Navalny, con un agente nocivo indetectable a las pocas horas, que provocaría su muerte si no se hubiera tratado.

Y en el documental veremos la investigación realizada, la cual es sacada de un thriller policial.

Navalny, no esta solo, su familia, amigos y miles de rusos son sus aliados y están atentos. Todos investigando, y todo tipo de teorías conspirativas salían.

Hasta que, cuando se le informó de las averiguaciones de ese envenenamiento, Navalny no lo creyó: "no creo que Putin sea tan estúpido para usar Novichok".

Su estado recorrió el mundo, más que mal, él se dio a conocer como el opositor de Putin, y dentro de la ayuda que llegó, fue de Alemania, donde se fue a vivir a un pequeño pueblo, pues era difícil ingresar a Rusia, ya que estaba condenado por dos delitos de malversación de fondos, los cuales él niega. Pero las sentencias están.

Por otro lado, Christo Grozev seguía investigando conciensudamente y encontrando pistas, más bien sospechosos, de una forma muy detectivesca, con resultados asombrosos.

¿Qué encontraron, quién es el responsable de su atentado?... si es que lo hubo. El resultado que vemos es sorprendente.

La edición está bien lograda, contándonos sobre un hombre de familia, un político, un agitador para algunos, un valiente para otros, para pasar por un intento de asesinato que no se ha acreditado ni tampoco se ha dejado de lado como falso. Para terminar con la emocionalidad del desenlace de este hombre.

Interesante documental de un complot, sobre democracia, poder, política y más. Sobre personas y de un sector del mundo muy controversial: Rusia.

Ganadora de premios como el Bafta y nominada a otros más, como el Óscar.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Director: Daniel Roher
Cinematografía: Niki Waltl
Edición: Maya Hawk y Langdon Page
Música: Marius de Vries, Matt Robertson y Anna Drubich
98 minutos

Año: 2022

Ellas Hablan - Por Carlos Correa Acuña

Tomando como base la novela de 2018 del mismo nombre, escrita por Miriam Toews, esta película se inspira en hechos de la vida real. Entre 2005 y 2009, más de 100 niñas y mujeres en Manitoba -una colonia religiosa al interior de Bolivia-, fueron violadas por la noche en sus hogares por un grupo de hombres que las sedaron con anestesia animal. Un veterinario vecino proporcionó el anestésico en forma de aerosol que los perpetradores rociaron a través de las ventanas abiertas. Abuso, violencia, y humillación. Denigrante. Brutal. Inimaginable.

La directora, Sarah Polley, centra su relato en el lapso de tiempo en que los hombres de la colonia han sido apresados como sospechosos del delito y se está a la espera de su inminente regreso luego de pagar sus fianzas. Durante esas tensas horas, un grupo de mujeres debate entre tres opciones posibles: quedarse y no hacer nada, quedarse y luchar, o irse definitivamente del lugar. Una ajustada votación las reduce solo a dos: mantenerse en el lugar y pelear o emigrar.

El metraje es intenso, sobre todo en su estructura subterránea. La presión que tienen las mujeres es mayúscula, y la tensión solo se visibiliza por sus reacciones. Los diálogos, precisos, directos e hirientes, dan cuenta de lo que no se ve en pantalla. No todas piensa igual, hay diferencias radicales y también matices, sin embargo siempre está presente ese sufrimiento indescriptible que solo imaginamos y percibimos a través de significativas luces que tanto el texto como la imagen nos proporcionan.

La discusión se desarrolla en muchas capas, en diferentes niveles, y el conflicto adquiere una profundidad enorme. La fe religiosa les obligaría a perdonar a sus agresores, sin embargo está en juego su integridad, su dignidad, su vida. Tanto o más importante es lo que no se dice explícitamente en estas discusiones, aquello que solo expresan con actitudes intensas y viscerales. ¿Luchar o perdonar? La ira es extrema, pero también lo es la comprensión. La necesidad de un castigo es de plena justicia, pero también la aceptación de una realidad que no necesariamente podría cambiar. ¿Cuáles son los pro y contra de las opciones en juego? ¿Huir hacia lo desconocido, quedarse, luchar, y cambiar las condiciones?

Para representar lo descrito resulta excelente el trabajo actoral de Rooney Mara como Ona, Claire Foy como Salomé, Jessie Buckley como Mariche, Judith Ivey como Ágata, y Frances McDormand como Janz, entre otras. También es notable la participación de Ben Whishaw como August, el único hombre presente, el maestro de los niños y quien se encarga de llevar las notas de las reuniones.

Con pulso narrativo firme, y un ritmo sostenido, Sarah Polley logra compenetrarnos en una disyuntiva vital y trascendente. Les corresponde enfrentar la situación, y decidir el camino a seguir. ¿Odiar lo conocido y tratar de cambiarlo? ¿Tener esperanza en lo desconocido, aquello por descubrir? ¿Qué es lo que prima al final? ¿Qué hacer, en definitiva?

“Women Talking”, nominada al Óscar como Mejor Película y Mejor Guion Adaptado, denota un pausado tránsito hacia la esperanza. Sensible y reflexiva, obliga a internarse en las sensaciones que nos quedan luego de verla. Y no resulta nada sencillo, porque se despiertan en nosotros, probablemente, muchas de las emociones que logran traspasar la pantalla. La cinta, en ese sentido, afecta, incide, influye, y deja huella. No es un relato pasivo, solo para contemplarlo, es absolutamente activo, un trabajo con muchísimos detalles que sin lugar a dudas nos interpela y compromete profundamente.

Ficha técnica

Título original: Women Talking
Año: 2022
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Hear/Say Productions, Plan B Entertainment. Distribuidora: Orion Pictures, United Artists Releasing
Género: Drama | Abusos sexuales. Religión. Basado en hechos reales
Guion: Sarah Polley, Miriam Toews. Novela: Miriam Toews
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Luc Montpellier
Reparto: Rooney Mara, Claire Foy, Ben Whishaw, Jessie Buckley, Frances McDormand, Judith Ivey, Sheila McCarthy, Michelle McLeod, Liv McNeil, Kate Hallett
Dirección: Sarah Polley

Ennio, El Maestro - Por Jackie O.

“Ennio, el maestro” es el retrato del músico más popular y prolífico del siglo XX, el más querido por el público internacional, dos veces ganador del Premio de la Academia y autor de más de 500 bandas sonoras inolvidables.

Un hermoso homenaje en forma de documental conformado por una entrañable entrevista de Tornatore con el Maestro, por testimonios de artistas y directores, como Bertolucci, Oliver Stone, Quentin Tarantino, Bruce Springsteen, Eva Fisher, Gino Paoli, Quincy Jones, y muchos más, así como también por escenas de ficción, fragmentos de su música e imágenes de archivo. El documental desvela facetas poco conocidas de su vida privada, y también el origen de algunas de sus brillantes intuiciones musicales, como sucede con el grito del coyote que sugiere el tema de “El bueno, el feo, y el malo”.

Maravilloso trabajo documental de un personaje de la música, y que nos marcó en las películas.
Ennio, el mayor de una familia con un padre trompetista quien obligó a Ennio estudiar música, especifícamente la trompeta, algo que no quería este niño, pero lo hizo. Lo bueno es que con los años le encantó la temática, y buscó lo que más le gustaba en esa área. Hasta que su maestro Petrassi le dijo que estudiara composición.

Sus primeras experiencias en el cine, se vieron marcadas en Otelo (1951), Fabiola de A. Blasetti, Las mil y Una Noche, de Passolini (1973), "El Federal" de L.Salce en 1961, etc., incursionando además en el género Western con Sergio Leone, entre otros.
Veremos varias películas donde él trabajó, muchas melodías que, si escuchamos, nos hará viajar por el pasado porque sí, ya la conocíamos de algún lugar.

Maltratado por sus compañeros, pues decían que era caer muy bajo hacer arreglos musicales en las películas, usó un seudónimo para pasar desapercibido, más que mal, necesitaba trabajar y le gustó esa línea. Demostró a todos que no era algo denigrante, sino que gratificante.

Grandes personajes vivos y algunos fallecidos, hablan sobre este gran músico, cuentan su experiencia con él, o que les ha provocado su trabajo en su vida.
Recordamos aquel ingrato momento donde perdió el Óscar con la película "La Misión", algo que marcó a la Academia y al mundo.

Este trabajo no solo nos maravilla por su música, que al cerrar los ojos nos emociona, es como se refieren a él quienes lo conocieron, pero, por sobretodo, escuchar al maestro contarnos sus vivencias.

Un trabajo excelente la edición, es genial pues las piezas van donde deben. La música acorde al relato, las entrevistas marcan la pauta muy bien. Todo es mágico.
Un documental imperdible.

Solo déjate llevar, siente y disfruta.

Disponible actualmente en Salas: El Biógrafo, Cinemark, Normandie, Insomnia, Cine arte Viña, Universidad Austral, Universidad Concepción.

Ficha técnica

Calificación: TE educativo.
2021 - Documental - Musica
2h 47 minutos
Director: Giuseppe Tornatore
Cinematografía: Giancarlo Leggeri; Fabio Zamarion

Ennio, El Maestro - Por Carlos Correa Acuña

Documental imprescindible para los amantes de la música en el cine, y de culto para los seguidores de Ennio Morricone. Compositor de más de 500 bandas sonoras, “El Maestro” falleció el año 2020 a la edad de 91 años. Su música es inconfundible, y su variedad tan extensa que, sin temor a equivocarme, forma parte fundamental de la esencia del cine desde mediados del Siglo XX.

Giuseppe Tornatore, director de Cine y ganador de un Oscar por “Cinema Paradiso”, se arriesga con este documental al mostrarnos facetas diferentes de un músico que dedicó su vida a la creación, abarcando muchísimos ámbitos, varios de ellos desconocidos, desde su debut con Sergio Leone hasta el premio de la Academia por “The Hateful Eight”, en 2016. Las voces de directores de renombre y grandes músicos, se fusionan con grabaciones de aclamadas giras mundiales, trozos de icónicas películas, y videos exclusivos de su vida

Gracias a una formación docta -ingresó a estudiar trompeta al Conservatorio Santa Cecilia y concluyó sus estudios de composición con el maestro Goffredo Petrassi-, Morricone recoge muchísimas influencias de la música de su época. Incide fuerte en él la propuesta de la Segunda Escuela de Viena, el dodecafonismo, también los ejemplos impartidos por John Cage, pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales. Claramente, Ennio, es un vanguardista, sin exclusión de género ni estilo.

Sus primeros pasos, como arreglador musical, lo llevan por diferentes trabajos, hasta que llega contratado a RCA Victor, donde su promisoria carrera despega en un largo vuelo sin techo ni horizonte.

La extensa entrevista que realiza Tornatore es notable desde muchos puntos de vista. Quisiera destacar la sencillez y profundidad con la que “Ennio” explica ciertas técnicas de composición, con ejemplos prácticos y con aplicaciones clarísimas en sus composiciones, una verdadera clase magistral. Una de esas particularidades tiene que ver con la creación de dos o más temas, que luego se superponen en contrapunto, algo clave al momento de crear una estructura que luego se se vale por sí misma.

Muy interesante resulta el cruce de géneros que explora Morricone. La música para el cine, mirada en menos por los compositores llamados doctos, se situaba quizá en un inferior segundo o tercer nivel, sin embargo, el joven maestro va modificando, a través de los años, tan equívoca percepción. Es cierto, algunas partituras podrían caer en esa fallida nominación, pero no por el rol cumplido, sino más bien por su calidad artística. Morricone demuestra, concretamente y con un nivel sobresaliente, que la música para la escena puede trascender en el tiempo, tener, incluso, vida propia, y ser revisitada por varias generaciones.

En dos horas y media que fluyen de forma natural, observamos también parte de la intimidad de una persona excepcional. Su concepto de la originalidad, donde la belleza está por sobre cualquier consideración, resulta admirable. Nunca conforme con sus creaciones, muchas veces debía ceder en favor de la confección de los proyectos, aunque su personalidad, honesta y clara, también obligaba a los propios directores de cine a entregarle un mayor margen de acción y, con ello, la toma de decisiones fundamentales.

El relato, con su voz, es fascinante. Testimonios de admiración transversal de Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Oliver Stone, Hans Zimmer, Terrence Malick, John Williams, Bernardo Bertolucci, Dario Argento, los hermanos Taviani, Roland Joffé, Bruce Springsteen, Nicola Piovani, y Pat Metheny, entre muchos otros, son conmovedores y también anecdóticos, fiel reflejo de la influencia de una persona vital y trascendente.

Giuseppe Tornatore rinde un precioso tributo al Maestro. De forma dinámica, y mezclando diálogos, música, películas, ensayos, giras de conciertos, y material inédito, es imposible no emocionarse más de una vez. La edición es de excelencia, pues además logra unir sonidos con descripciones, diálogos con sensaciones, escenas con musica, configurando un trabajo conmovedor.

Este viaje, este recorrido por la vida personal de Ennio Morricone, por sus obras, por aquellas películas emblemáticas, a través de su música y escenas inolvidables, resulta mágico y a la vez encantador. Dan ganas de que no termine nunca, que siga, que perdure este tiempo, tal como esta música que ya es parte de nuestra propia vida, de nuestra historia, una banda sonora personal que cada vez que la escuchamos, nos emociona tal como el primer día.

Ficha técnica

Título original: Ennio: The Maestro
Año: 2021
Duración: 156 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Bélgica-Japón; Piano b Produzioni, Gaga, Potemkino, Fu Works, Blossoms Island Pictures, Eurimages
Género: Documental | Documental sobre música. Biográfico
Guion: Giuseppe Tornatore
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Giancarlo Leggeri, Fabio Zamarion
Reparto: Documental, Intervenciones de: Ennio Morricone, Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Oliver Stone, Hans Zimmer, Terrence Malick, John Williams, Wong Kar-Wai, Barry Levinson
Dirección: Giuseppe Tornatore

El triángulo de la tristeza - Por Carlos Correa Acuña

Agria comedia negra -y muy negra-, que sin duda descoloca, una pieza que cuestiona y critica el modelo de sociedad, en especial a los super ricos y super poderosos. Con un elaborado formato de sátira, expone importantes dramas y los aborda en base a tres capítulos muy diferentes.

En el primero, conocemos a los dos protagonistas centrales, Carl -Harris Dickinson-, y Yaya -Charlbi Dean-, una joven pareja. Ambos son modelos y su relación no es tan mágica y sencilla como parece; discuten sobre quién invita la cena o quién gana más dinero, sin embargo, pese a sus marcadas diferencias, se mantienen juntos.

Como importantes influencers -tienen miles de seguidores en redes sociales-, son invitados a un crucero extraordinario en un yate de lujo a cambio de promocionar la experiencia. El segundo capítulo comienza, entonces, a bordo del barco, y conocemos a los otros acompañantes, todos sumamente adinerados: un oligarca ruso llamado Dimitry -Zlatko Buric-, y su esposa Vera -Sunnyi Melles-; una pareja mayor, Clementine -Amanda Walker-, y Winston -Oliver Ford Davies-, quienes fabricando armas han ganado millones; Therese -Iris Berben-, en silla de ruedas y que solo repite una frase en alemán luego de sufrir un derrame cerebral; y Jarmo -Henrik Dorsin-, un multimillonario del rubro tecnológico que viaja en solitario. En paralelo, observamos a la tripulación, entre quienes destaca la jefa de personal, Paula -Vicki Berlín-, y un extraño capitán, que inexplicablemente se resiste a salir de su camarote, y que es interpretado por Woody Harrelson.

Los contratiempos del viaje aumentan con el paso de las horas y de los días. Entre ellos se incluyen sofisticados lujos, disparatas solicitudes al personal de servicio, la celebración caótica de la tradicional “cena del capitán” mientras atraviesan una violenta tormenta, y un evento que cambiará completamente el curso de los hechos dando paso a la parte final.

Con guion y dirección de Ruben Östlund, “El triángulo de la tristeza” es una cinta enfática sobre las relaciones de poder. Aborda los equilibrios y desequilibrios, los diferentes roles, la opulencia y también el abuso. Significativamente devela abundantes contrastes, como la excesiva visibilidad de algunas personas y la invisibilidad de otras, esa nefasta separación entre quién es importante y quién descartable.

Bien sabemos que el poder es diferente dependiendo de qué lado uno esté. El ejemplo más obvio es el dinero. Quien lo tiene parece que puede comprar todo, incluso a las personas, pero ¿qué pasa cuando no hay dinero, o mejor dicho, las necesidades básicas y urgentes no se pueden satisfacer con dinero? Sin duda el eje cambia, y por cierto las motivaciones también. ¿Qué mueve entonces? ¿El interés, la conveniencia? ¿Dónde quedan los valores y principios? ¿Es posible mantener la integridad personal o también varía producto de las circunstancias?

Östlund trabaja muy bien los espacios para crear diferentes mundos. Las analogías son espontáneas. La brillante discusión del millonario ruso con el capitán sobre el comunismo y el capitalismo -que por sus dichos no resultan ser tan diferentes el uno del otro-, configura una caricatura que expresa con ironía que, independiente del modelo o del sistema, todo depende de quién manda, de quién es capaz de influir en otro, hasta el punto, incluso, de someterlo y hacerlo desaparecer por completo.

El cuestionamiento al sistema, no solo a un sistema sino a todos, es transversal, porque allí emergen los comportamientos de las personas, con esas caretas que provocan que la honestidad se desfigure y ya nadie sepa quién es quién, o cuál es la realidad. Por eso resulta transcendente el rol de Abigail -Dolly de León-, cuando su personaje adquiere protagonismo. En una oda a la inutilidad de ciertas personas bajo algunas condiciones, Ruben Östlund entrega otro enfoque, diametralmente opuesto, gracias a un giro argumental que modifica pesos y contrapesos

Ganadora de La Palma de Oro en Cannes, y nominada al Óscar como Mejor Película, Mejor Director, y Mejor Guion Original, “El triángulo de la tristeza” es una película interesante. In crescendo, sobre todo hasta su segunda parte -pues luego baja el ritmo y da paso a una sección en la que se unen los cabos sueltos y adquiere sentido-, la cinta configura una apuesta distinta, que no hace cálculos y por lo mismo se percibe muy honesta. Debo reconocer que saca bastantes risas, muchas nerviosas claro está, pero que permiten distender una temática de suyo compleja y difícil de abordar con originalidad. Östlund lo sabe bien, por ello maneja los tiempos de forma brillante ofreciendo un excelente ritmo de filmación.

Provocativa, como toda la obra de este director sueco, es para verla y reflexionarla con calma por varios días.

Ficha técnica

Título original: Triangle of Sadness
Año: 2022
Duración: 149 minutos
País: Suecia
Compañías: Coproducción Suecia-Francia-Reino Unido-Alemania; Plattform Produktion, SVT, Film I Väst, arte, Coproduction Office, arte France Cinéma, Eurimages, ZDF/Arte, Imperative Entertainment, BBC Films
Género: Comedia. Drama | Sátira. Supervivencia. Comedia negra. Comedia dramática
Guion: Ruben Östlund
Fotografía: Fredrik Wenzel
Reparto: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Sunnyi Melles, Jean-Christophe Folly, Iris Berben
Dirección: Ruben Östlund

Las Momias y el anillo perdido - Por Jackie O.

"No estamos solos".

Sinopsis: En las entrañas de la tierra, existe una ciudad de momias. Ellos viven tranquilos y felices. Pero por mandato imperial, la Princesa Nefer debe casarse, y el elegido es Thut, un ex auriga. Ninguno desea el matrimonio; Nefer ansía la libertad, y Thut es alérgico al matrimonio.
Pero todo cambia cuando de nuestro mundo, y en una excavación arqueológica, un ambicioso sujeto busca más que poder hablar y mostrar sobre historia.

Me encanta que de diferentes latitudes se atrevan a incursionar en el Cine, y en este caso el de animación. Conocer otros trabajos, otras caras nuevas, otros "pinceles" nuevos. Y para eso, lo último europeo se presenta en la cartelera.
Dos mundos, que, sin saber, coexisten juntos, pero no revueltos.

Arriba, o mejor dicho acá, todo marcha normal, donde un arqueólogo y dos torpes ayudantes buscan una tumba del antiguo Egipto, encontrándose con algo más interesante, un pasadizo al... no al más allá, sino que al subsuelo.
Ahí vive una gran comunidad de momias. Sí, las entierran en sus sarcófagos y ellas se van a las profundidades donde cohabitan tranquilos. Ahí conocemos a una princesa rebelde, que no soporta estar encerrada, y le gusta cantar, pero su padre el Faraón debe casarla. Es la tradición.
Para esto, el Ave Fénix debe elegir al afortunado novio, quien la desposará con el anillo de la diosa del amor.
Pero, algo no sale según lo planeado y el elegido es Thut, un ex campeón de carreras de carros.
Dicha situación los lleva a juntarse de mala gana, y bajo amenazas.

Pero, no nos olvidemos que mientras situaciones graciosas van surgiendo de este noviazgo y en ese mundo, en las alturas de tierra firme, este arqueólogo descubre algo valioso, robándolo.
Esa situación hará que Thut suba a la tierra de los vivos a buscar ese objeto, pero no va solo. El grupo llega a un Londres actual, creyendo ellos que están en Roma, y con tecnología que, obvio, nuestros amigos ignoran, producirá otras situaciones graciosas, mientras van abriéndose paso en la gran ciudad, donde conocerán a diferentes personas, y algunas los ayudarán.

Esta es una historia familiar, donde los pequeños de la casa pasarán un buen rato. Una película muy colorida, ideal para peques porque, además, hay personajes graciosos y música dinámica.

Una trama que está contextualizada en costumbres arcaicas (obvio, es el antiguo Egipto), pero, con su breve momento de empoderamiento hacia la mujer, que hará que su entorno machista entienda y acepte.

Una historia de esas que uno sabe que el final es feliz, y eso no está mal; más que mal, los peques van a divertirse, no ha desenmarañar una madeja.

Amor de todo tipo tenemos acá: de pareja, padres, amigos y de hermanos. La confianza es un elemento que encontramos, en especial ante traumas.
También vemos la ambición desmedida, sin importar consecuencias, lo cual siempre es bueno conversarlo con los niños, para sacar enseñanzas positivas.

Una película para toda la familia.

Ficha técnica

España
Título original: Momias

Dirección: Juan Jesús García Galocha
Año: 2023

Duración: 88 minutos
Guion: Jordi Gasull y Javier Barreira
Música: Fernando Velázquez
Género: Animación, familiar
Elenco:
Joe Thomas es Thut. (Luis Leonardo Suarez)
Eleanor Tomlinson es Nefer.
Celia Imrie es Mother.
Hugh Bonneville es Lord Carnaby. (Ricardo Tejedo)
Sean Bean el Faraón.
Dan Starkey es Danny y Dennys.
Santiago Winder es Shekem.

Ennio, El Maestro - Por Juan Pablo Donoso

UN BANQUETE DE NOSTALGIA PARA LOS QUE AMAN LA MÚSICA EN EL CINE.

Quién sino Giuseppe Tornatore (Cinema Paraíso) pudo realizar un homenaje documental como este, dedicado a tan enorme músico y artista como Ennio Morricone (1928 - 2020).

Nos acerca a él con tanto cariño y admiración que, a pesar de durar más de dos horas y media, la revelación de su proceso creativo resulta fascinante de comienzo a fin.

Un nonagenario que, desde la intimidad de su hogar, nos acoge como gratos visitantes. Nos va abriendo, sin apuro, recuerdos de su infancia, de sus inicios como joven trompetista hasta culminar como compositor de música docta y popular.

Una velada que repasando 70 años de historia del cine mundial, nos brinda una estrecha cercanía con el hombre (esposo y padre de familia), el músico, y su relación laboral con los grandes realizadores que recurrieron a su talento, y que nunca se arrepintieron de hacerlo.

El grueso del documental son sus recuerdos, que narra mirando a la cámara; desde su infancia y juventud, pasando por sus años como humilde estudiante en la Academia Santa Cecilia de Roma, la relación con sus maestros - en especial con su máximo tutor, el insigne compositor Goffredo Petrassi - experimentando en la corriente dodecafónica, hasta crear sus primeros temas incidentales para el cine, más que nada como medio de subsistencia.

Y recordemos que también compuso sinfonías y piezas de música contemporánea.

Cómo, desde la peyorativa mirada de músicos doctos, gracias a la eximia calidad de sus temas y orquestaciones incidentales, la banda sonora del cine pasó a integrar las grandes obras musicales del siglo XX.

Nos demuestra cómo la música en el cine es mucho más que una atmósfera ambiental; es otra voz que complementa el fondo inefable del discurso integral de la película.

Nos narra sus casuales intuiciones con pequeños sonidos cotidianos, que más tarde dieron origen a sus grandes temas.

Sus experimentos de contrapunto, en especial con LA MISIÓN de Roland Joffé, donde combinó la música de tres orígenes distintos para expresar el sincretismo de lo expuesto en el filme. Debió ganar el Oscar por ella, pero lo perdió.

60 años de filmes, de variados géneros y calidades, testimoniaron su evolución, y la multitud de temas que quedaron para siempre en nuestro recuerdo auditivo.

Vino en tres oportunidades a Chile, entre 2008 y 2013. Ofreció conciertos con músicos de su país, con la Sinfónica de Chile, la Orquesta Clásica USACH, y el Coro de la U. de Chile.

Sólo lamentamos la absoluta omisión del insigne Prof. Bruno Nicolai, quien dirigió durante mucho tiempo las orquestas con temas de Ennio. Incluso coescribió con él algunas partituras. Aunque falleció muchos años antes, ni siquiera mencionan su nombre. Ingrato detalle que le resta justicia al documental.

Igual es un homenaje maravilloso. Su prodigiosa fecundidad creativa (1946.2020) sólo se interrumpió con su muerte, a los 91 años, tras una fractura femoral. Hoy seguiría componiendo.

IMPAGABLE REENCUENTRO PARA LOS AMANTES DEL CINE Y LA MÚSICA.

Ficha técnica

Título Original: Ennio

2021 Documental, biografía, música, cine 

Italia, Bélgica, Países Bajos,Japón - 2,36 hrs. 

Fotografía: Giancarlo Leggeri, Fabio Zamarión 

Edición: Massimo Quaglia, Annalisa Schillaci 

Testimonios: Quentin Tarantino, Clint Eastwood, John Williams 

Guionista y Director: Giuseppe Tornatore

Las Momias y el anillo perdido - Por Carlos Correa Acuña

En Egipto, profundamente escondida, se encuentra una ciudad de más de 3.000 años de antigüedad habitada por momias. Allí vive Thut, un corredor de carruajes de mucha fama, casi un héroe, todo un campeón. No obstante su formidable curriculum, se ha retirado joven debido a una experiencia que le ha provocado un miedo paralizante, incontrolable, insuperable. Los éxitos pasados son entonces su razón de ser; además, quiere ser buena persona y no tiene mayores aspiraciones.

Por otra parte, la princesa Nefer, heredera imperial ya está en edad de casarse, pero no quiere, tiene sus propios sueños, como por ejemplo cantar, pero no los puede llevar a cabo. Su anhelo es ser libre, sin embargo su vida está condicionada por los ritos y protocolos que obliga su linaje.

El villano de turno esta vez es un humano arqueólogo y explorador, Lord Silvester Carnaby, que busca reliquias, tesoros y piezas únicas. Es ambicioso y cegado por la codicia. Apoyado por torpes ayudantes, su interés es tener el mejor Museo del mundo solo para acrecentar su prestigio, y demostrarle a su insoportable madre su real valía.

Volviendo al tema del matrimonio de la princesa, el Faraón convoca a una particular Ave Fénix para encontrar al esposo adecuado, y fortuitamente la elección recae en Thut. Él es alérgico al matrimonio (y a cualquier compromiso, claro está), pero al Faraón nadie puede decirle que no, menos después de recibir en custodia el mismísimo anillo real de bodas.

El problema es que Carnaby, en una excavación, encuentra el anillo, y Thut debe recuperarlo para no recibir el castigo de perder los ojos y la lengua. La misión no se ve sencilla, pero aún así se embarca con su hermano menor Sekhem, y su mascota Croc, un bebé cocodrilo. ¡Ah!, y por cierto junto a la princesa Nefer.

Durante unas divertidas aventuras que los llevarán al Londres actual (el Imperio Romano para ellos) descubren muchos valores como el compañerismo, la ayuda desinteresada y la importancia del trabajo en equipo. Sobreponerse a la adversidad gracias al desarrollo de una fuerte amistad resulta fuente de energía para superar los propios miedos, recuperar la capacidad de elegir, tener la oportunidad de conocerse y valorar el compromiso.

Basada en una historia de Jordi Gasull y dirigida por Juan Jesús García Galocha, “Momias” es una película sencilla con buenas secuencias de acción. La combinación de estos mundos paralelos 8vivos y muertos), y que pasen de uno al otro, resulta acertado, aunque el ritmo en algunas partes decae bastante y esos bajones se notan. También da la impresión que se quedaran sin tiempo por el vértigo que imprimen en la conclusión de la historia: se siente atolondrada, con una resolución predecible, sin mucho desarrollo, y carente de contrapesos.

Simpáticos personajes dan vida a una hora y media agradable y liviana, sana entretención transversal para toda la familia.

Ficha técnica

Título original: Momias
Año: 2023
Duración: 88 minutos
País: España
Compañías: 4 Cats Pictures, Atresmedia Cine, Movistar Plus+, TV3, Warner Bros. España
Género: Animación. Aventuras. Comedia | Cine familiar. Antiguo Egipto
Guion: Jordi Gasull, Javier Barreira. Historia: Jordi Gasull
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Juan Jesús García Galocha

Ellas Hablan - Por Juan Pablo Donoso

“Queremos que nuestros hijos estén seguros. Queremos ser firmes en nuestra FE. Y queremos PENSAR".

Hecho real ocurrido recién en 2011. Un grupo de mujeres menonitas - colonia religiosa aislada en medio de Bolivia - luchan por conciliar su Fe tras una serie de agresiones sexuales cometidas por los hombres de la secta.

Un drama de DIGNIDAD, como condición humana, y de DECISIÓN como dilema central. Ambos factores trágicos unidos por un poderoso hilo de auténtica FE e irrenunciable instinto de FAMILIA.

Estupenda adaptación de la novela de Miriam Toews para entretejer los diversos valores, bajo una sensible dirección actoral.

Los menonitas son una rama pacifista y trinitaria del movimiento cristiano anabaptista, originado en el siglo 16 durante la Reforma Radical protestante en Suiza.

Las mujeres menonitas son analfabetas, sin educación, y ni siquiera saben leer un mapa. Son campesinas que solo quieren cumplir sus roles y practicar su Fe, pero no pueden debido a las reglas impuestas, y en cuya elaboración nunca participaron.

Un claustrofóbico complot, en los altos del establo, sobre si permanecer allí, luchar, o irse al desconocido mundo exterior. A pesar de ser un diálogo intenso y constante, no suelta el interés ni un segundo. Ignoramos en qué terminará.

Dudas existenciales de cualquier mujer contemporánea sumergida en estructuras patriarcales. Discuten con sensatez y pasión, muestran heridas, vacilaciones, pero así todo, optan por el lado luminoso del mundo.

La novela tiene muchos más personajes, y percances, que el filme sólo enuncia fugazmente.

Contrasta hermosas extensiones de tierras de cultivo con crueldades indescriptibles. Se cantan himnos para ayudar a bajar los aullidos de dolor.

Oscila deliberadamente entre lo material concreto y lo espiritual abstracto, y cuya austeridad permite ocasionales ráfagas de ingenio mordaz y carcajadas.

Puesta en escena poderosa y épica. Revela el germen de toda revolución justa y noble. Colores desteñidos que combinan perfectamente con el estado de ánimo general.

Admirables actuaciones de las veteranas del teatro Judith Ivey y Sheila McCarthy, así como varias recién llegadas, entre las cuales sobresale el arrollador carisma de Rooney Mara (Ona), quien ya se ha lucido en MILLENNIUM, CAROL, LA RED SOCIAL Y EFECTOS SECUNDARIOS.

Una vez tomada la DECISIÓN, el cierre es un poco lento. Tal vez para invitarnos a reflexionar sobre el destino que les espera.

Acertado uso de la canción "Daydream Believer ( John Stewart - The Monkees). “Trata de vivir con optimismo y no renuncies a la esperanza y los sueños. Nunca darse por vencido”. En los créditos finales la canción aporta una capa de ilusión a la película.

Ha recibido más de 38 premios entre ellos a Mejor Película en los AFI Awards, Independent Spirit Awards y los premios de la academia, Óscar.

IMPACTANTE CONVIVENCIA FEMENINA. NECESITA SER VISTA VARIAS VECES PARA CAPTAR TODOS SUS NIVELES HUMANITARIOS.

Ficha técnica  

Título Original: Women Talking

2022 Drama EE.UU. - 1,44 hrs 

Fotografía: Luc Montpellier 

Edición: Christopher Donaldson, Roslyn Kalloo 

Música: Hildur Guðnadóttir

Diseño Prod.: Peter Cosco Guion: Miriam Toews, Sarah Polley

Actores: Rooney Mara, Claire Foy, Ben Whishaw 

Directora: Sarah Polley

La chica más afortunada del mundo - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Basada en la exitosa novela de Jessica Knoll, ”Luckiest Girl Alive”, cuenta la historia de TifAni Fanelli, de 35 años, editora de una importante revista femenina de Nueva York. Corre el año 2015 y quedan solo seis semanas para su matrimonio con Luke Harrison -Finn Wittrock-, un exitoso profesional y pareja ideal.

La filmación de un documental sobre violentos sucesos acaecidos hace 16 años en la secundaria de TifAni enciende las alarmas. El director del trabajo se le acerca para poder entrevistarla confirmando que una pieza clave será el testimonio de un ex compañero de clase, Dean Barton -Alex Barone-, quién se ha convertido en un exitoso escritor y defensor del control de armas.

Lo que vemos a continuación es el íntimo proceso que vive "Any", en el que cuestiona el presente, vuelve a revivir los traumas y angustias del pasado, y pone en tela de juicio un futuro que, hasta ese momento, se vislumbraba tan esplendoroso como un cuento de hadas.

Con guion de Jessica Knoll y dirigida por Mike Barker, la película presenta desde un comienzo un relato confuso. Tal vez el tratamiento de la novela obliga una narración en primera persona, pero el recurso que utiliza no resulta del todo convincente. Esto de escuchar su pensamiento, mientras expresa verbalmente algo diferente, tiende a ser difuso, sobre todo al abusar de dicho elemento.

Los flashback abren las líneas de tiempo y aquello nos aporta el contexto necesario. De esa forma, vamos conociendo más a la protagonista, y, sobre todo, el porqué actúa como actúa. Resulta sintomática la analogía que "Any" hace sobre ser una muñeca con cuerda, que cuando es jalada, dice exactamente lo que otros quieren escuchar.

Profesionalmente TifAny quiere trascender, tiene mucho talento, pero está en temas que claramente no la satisfacen. Ha tomado decisiones en su vida pero estas postergan su esencia. Su futuro matrimonio y los conflictos que arrastra con su madre, la tienen un poco a la deriva, con rumbo poco claro, más ahora, cuando los fantasmas del pasado la acosan al punto de trastocar su vida. Tal vez es capaz de vislumbrar cierta conciencia que en realidad ha huido durante todo este tiempo y nunca ha logrado enfrentar el pasado, ni menos superarlo.

Es duro el aterrizaje para "Any". Mila Kunis retrata muy bien a esta mujer que sufre en silencio y que tiene una pesada carga emocional. También es convincente al mostrarnos cómo se ve obligada a dar un paso importante para poder seguir adelante, cuando decide confrontar sus traumas, quitar las pantallas que cubren sus heridas, e intentar ser auténtica.

En “Luckiest Girl Alive” resulta más interesante la historia que su tratamiento formal. Lo que en un inicio se presenta difuso se va aclarando con el correr del metraje y en especial en su tercio final. Sin duda que el mensaje que nos entrega es claro y contundente, sin embargo es una lástima que la construcción elegida le quite peso a una película que podría haber conseguido volar mucho más alto.

Ficha técnica

Título original: Luckiest Girl Alive
Año: 2022
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lionsgate, Made Up Stories, Orchard Farm Productions, Pacific Standard, Picturestart. Distribuidora: Netflix
Género: Intriga. Thriller. Drama | Abusos sexuales
Guion: Jessica Knoll. Novela: Jessica Knoll
Música: Linda Perry. Canción: Elle King
Fotografía: Colin Watkinson
Reparto: Mila Kunis, Scoot McNairy, Justine Lupe, Jennifer Beals, Connie Britton, Finn Wittrock, Chiara Aurelia, Carson MacCormac, Thomas Barbusca, Leah Pinsent
Dirección: Mike Barker

Enola Holmes 2 - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Gracias al éxito de sus primeras investigaciones, Enola Holmes -Millie Bobby Brown-, decide abrir su propia agencia de detectives. Pero la realidad no es auspiciosa,; no consigue clientes y se encuentra muy lejos de la popularidad ya alcanzada por su famoso hermano Sherlock -Henry Cavill-.

Una pequeña llamada Bessie -Serrana Su-Ling Bliss-, le pide a Enola que le ayude a buscar a su hermana Sarah Chapman -Hannah Dodd-. Bessie, al igual que Sarah, trabajan en una fábrica de fósforos que se enfrenta a una epidemia mortal de tifus, y que es una de las tantas aristas en un caso que pronto comienza a escaparse de sus manos. Con la ayuda de Sherlock, del ahora político Tewkesbury -Louis Partridge-, e incluso de su madre -Helena Bonham Carter-, Enola debe sortear múltiples peripecias para intentar resolver una compleja e intrincada trama.

La historia escrita por Jack Thorne y Harry Bradbeer, da vida a la secuela de un personaje que descubrimos hace poco, el año 2020. En esta oportunidad, el factor sorpresa ha desaparecido, y el relato se hace bastante cansino, sobre todo en su primera mitad. Afortunadamente, logra remontar, ir de menos a más, y gana bastante con el aporte de Sherlock, en especial gracias a esas alambicadas deducciones y a esos descubrimientos inteligentes que parecen ser el sello característico de la familia Holmes.

A los dos casos paralelos que llevan los hermanos, la trama agrega un tercero que no tiene la parafernalia de los visibles pero sin duda es el tema de fondo, el más importante, y es mejor no adelantarlo para que su descubrimiento sea parte del proceso. La cinta se despliega en su tercio final, la acción imprime vértigo, y la resolución de las historias constituye el momento cumbre del relato, el que, naturalmente, todos estamos esperando.

En las actuaciones destaca la buena química de los protagonistas. Ya conocemos las dotes de Millie Bobby Brown, Henry Cavill, y Helena Bonham Carter, cualidades que les permiten sobreponerse a la natural pérdida de frescura de esta segunda parte. Es tal vez por ello, que esta continuación apela más a la cercanía y conocimiento de sus personajes que a alguna que otra sorpresa. ¿Es algo flojo el relato? Sí. ¿Entretiene? Sí. ¿Funciona? Menos que la primera, pero sí, funciona.

Puntos altos son la producción y el diseño, junto a una edición ágil -aunque abuse de los diálogos con la cámara-, y una música más que interesante de Daniel Pemberton. Claramente es una película glamorosa, muy “polite”, que refleja aquellos aires de majestuosidad de los salones de la época. Pero también representa esos lugares más oscuros, la corrupción, y el abuso sin escrúpulos de cierta clase que no perdona una oportunidad para enriquecerse de forma vil y sin respeto alguno por los derechos de otras personas.

El resultado de “Enola Holmes 2” está lejos de las legendarias aventuras de Sherlock Holmes, sin embargo es una entretención que bebe desde otra vertiente, quizá más libre y juvenil. Si vienen nuevas entregas dependerá solo de la creatividad de los argumentos, porque personajes tenemos y actores también.

Ficha técnica

Título original: Enola Holmes 2
Año: 2022
Duración: 129 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Legendary Pictures, Netflix, PCMA Productions, Warner Bros.. Distribuidora: Netflix
Género: Intriga. Comedia. Acción | Secuela. Siglo XIX. Sherlock Holmes. Feminismo
Guion: Jack Thorne. Novela: Nancy Springer. Historia: Jack Thorne, Harry Bradbeer
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Giles Nuttgens
Reparto: Millie Bobby Brown, Henry Cavill, Helena Bonham Carter, Sharon Duncan-Brewster, David Thewlis, Louis Partridge, Adeel Akhtar, Susan Wokoma, Hannah Dodd, Gabriel Tierney
Dirección: Harry Bradbeer

Tulsa King - Por Jackie O.

"La vieja escuela vuelve"

Sinopsis: El capo de la mafia de Nueva York, Dwight "The General" Manfredi (Sylvester Stallone) sale de prisión después de 25 años, y su jefe lo exilia sin contemplaciones para instalarse en Tulsa, Oklahoma. Al darse cuenta de que su familia mafiosa puede no tener en mente sus mejores intereses, Dwight construye lentamente un "equipo" a partir de un grupo de personajes inverosímiles, para ayudarlo a establecer un nuevo imperio criminal en un lugar que para él bien podría ser otro planeta.

El solo hecho de tener el nombre de Stallone involucrado en alguna producción, ya es sinónimo de éxito (independientemente de la calidad). Sly desde la década del 70, ha trabajado como actor, productor, guionista y director; no para en algún proyecto (ahora prepara un reality show), y desde hace 15 años se ha esforzado aún más en darnos una película por año, más o menos, y a sus 76 años, aún tiene material para ofrecernos; es imparable, está vigente desde siempre aunque a algunos no lo quieran reconocer, y lo hacen porque no les gusta, por lo que no podría ser una opinión objetiva.

¿Y de qué trata esta serie (uno de sus últimos trabajos realizado en conjunto con Creed 3 y Samaritan)? Él es un mafioso que estuvo preso por 25 años por un homicidio que no cometió, pero ¿por qué estuvo ahí? ¿qué sucedió, protege a alguien, lo inculparon?

Cuando sale de la cárcel, y desconectado del mundo actual, va donde su antiguo jefe, el capo de capos de la mafia, Pete "The Rock" Invernizzi. Es bien recibido por "su lealtad", pero cuando el jefe dice algo como: "ha pasado mucho tiempo y las cosas han cambiado, ya no hay espacio para ti en esta ciudad y tendrás que hacer lo tuyo para esta familia, en Tulsa, y desde cero", ¡chan!

Desconcertado y molesto hace lo que el jefe manda, y debe hacer su antiguo trabajo de mafioso en esa ciudad desconocida llena de vaqueros, indios y caballos; pero no le cuesta hacer amigos, y enemigos.

Es directo, audaz, rudo y tiene dinero, lo cual facilita todo. Lo vemos simpático, enojado, galán, un hombre con códigos de lealtad y de muerte, también conocemos su faceta de padre ausente, tiene sus momentos de tristeza, y también de alegría.

En dicho lugar, comienza de forma rápida a buscar aliados para poder establecer su imperio, debiendo darle cuenta a su jefe, y a su hijo Charles "Chickie" Invernizzi.

En una trama simple, nos cuentan la historia de este hombre ya descrito, que llega a un lugar que jamás escuchó mencionar, con gente aparentemente tranquila, donde rápidamente comenzó a encontrar amigos, u obligarlos a ser sus aliados, como el vendedor de marihuana y sus trabajadores, el dueño de un bar, un taxista que se transforma en su chofer, y otros. Sus enemigos van saliendo al paso, y Dwight no le teme a nadie: o trabajan para él, o se salen de su camino tranquilamente, o deben enfrentarlo. Así vemos a uno de estos enemigos, Caolan Waltrip, quien es el líder de una pandilla criminal de motociclistas denominada "The Black Macadams", por lo que el enfrentamiento por el territorio es inevitable.

Pero el enemigo más letal está más cerca de lo que él cree, lo cual sabemos al ver la trama, y eso es lo que deberían tratar en la segunda temporada, sí habrá una segunda.

No solo vemos hombres rudos, la parte femenina la coloca una agente policial y la dueña de un prestigioso establo, donde ambas se transforman en la parte amorosa de Dwight. En los últimos capítulos vemos a su hija Tina Manfredi, y vamos conociendo más la historia de este hombre solitario, con rabia, leal, con melancolía y fuerza interior.

El guionista y director es una buena combinación, los creadores son unos grandes conocidos de la pantalla, quienes nos cuentan una historia, como dije, simple pero entretenida, con drama, humor negro por aquí y por allá, acción con algunas peleas y muertes, mucha traición y su toque de romance.

La fotografía no destaca tanto, pero la banda sonora nos trae diversos géneros interesantes, como Danny Bensi & Saunder Jurriaans, Van Morrison, Phil Collins, Nelly, Frank Sinatra, Luke Combs, y más.

Como dato curioso: una de las hijas de Stallone tiene un pequeño rol, el de una camarera a la que le regala un caballo.

A la espera de la segunda temporada, que hasta este minuto no tiene fecha de estreno.

Disponible en Paramount +

Ficha técnica

Dirección: Taylor Sheridan (Creador), Terence Winter (Creador), Benjamin Semanoff, Allen Coulter, Ben Richardson
Guion: Taylor Sheridan, Terence Winter, Joseph Riccobene y Regina Corrado
Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans
Género: Serie de TV, Drama, Mafia
Año: 2022 

País: EEUU.
9 capítulos de aprox. 40 min. cada uno.
Reparto: Sylvester Stallone, Andrea Savage, Martin Starr, Jay Will, Max Casella, Domenick Lombardozzi, Vincent Piazza, Alan C. Peterson, Garrett Hedlund, Dana Delany, Ritchie Coster

Tres canciones para Benazir - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Sinopsis: La historia es de Shaista, un joven recién casado con Benazir y que vive en un campamento para personas desplazadas en Kabul, quien lucha por equilibrar su sueño de ser el primero de su tribu en unirse al Ejército Nacional Afgano con las responsabilidades de formar una familia. Aunque el amor de Shaista por Benazir es palpable, las decisiones que debe tomar para construir una vida con ella tienen consecuencias devastadoras.

Este cortometraje documental afgano-estadounidense del año 2021, y nominado al Premio Óscar a Mejor Documental, presenta con sencillez este relato sobre cómo es la vida en un enclave de Afganistán donde abunda la pobreza y la falta de apoyo, lo que sumado a una educación precaria, o mejor dicho a la carencia educativa, hace que la situación de quienes allí habitan sea aún más vulnerable.

¿De qué manera aflora la resiliencia, si la hay? ¿Cómo pueden reírse o jugar, casarse y formar familia en medio de tan extremas condiciones? Primeros planos de una cámara cercana nos muestra que esa fuerza interior gravitante se abre paso, y se encuentra ahí, representada por el joven matrimonio de Benazir y Shaista.

La brevedad de la cinta se contrapone a un proceso extenso. Entre los márgenes pasan cuatro años, desde el embarazo de Benazir hasta ver a sus hijos más grandes. No conocemos los detalles del interludio, solo los podemos inferir. Allí hubo sueños, responsabilidades, y también fracasos que pudieron haber minado confianzas y destruido por completo la familia.

Algunos puntos de referencia funcionan también como metáforas: el globo aerostático, la mirada permanente al cielo, un pajarito encerrado en una jaula, o esa mirada perdida hacia el vasto horizonte. Y también extremos, la tierra y el polvo en contrapunto el floreciente trabajo en el campo.

“Three Songs for Benazir” se convierte en sentido homenaje al pueblo afgano, tal como lo señalan sus autores en los créditos finales. Conmovedores 22 minutos de cruda belleza y honestidad documental.

Ficha técnica

Título original: Three Songs for Benazir
Año: 2021
Duración: 22 minutos
País: Afganistán
Género: Documental | Cortometraje
Música: Qais Essar
Fotografía: Elizabeth Mirzaei
Reparto: Documental, Intervenciones de: Shaista Khan, Benazir Khan, Shadi Khan
Dirección: Elizabeth Mirzaei, Gulistan Mirzaei

Winnie the Pooh: Miel y Sangre - Por Carlos Correa Acuña

Escrita y dirigida por Rhys Frake-Waterfield, esta cinta da un giro brusco al famoso personaje infantil introducido por Alan Alexander Milne en 1926, después que el primero de sus libros pasara a dominio público en Enero de 2022. Gracias a una introducción basada en bosquejos, podemos conocer la historia. Muchos años atrás, el joven Christopher Robin se encuentra con un grupo de criaturas en el bosque, y a medida que crecen, conviven y se van haciendo amigos, pero Christopher los debe dejar para ingresar a la Universidad. Al quedarse solos, este grupo de seres antropomórficos, sufre un trauma tan fuerte que desarrollan un gran odio por los humanos, y por cierto, rencor absoluto hacia Christopher. Cuando él quiere reencontrarlos, ya no son los mismos, han cambiado radicalmente; se han convertido en unos criminales psicópatas.

Con un relato obvio e inocente (con inocente me refiero a su forma de construcción, no a su temática), la película no se sostiene. Sin sustancia en los diálogos, solo se basa en las reiteraciones; repite, repite y repite, sin mucho sentido. Primero vemos el regreso de Christopher con su novia y, por supuesto, no es adelanto saber lo que les pasa. Luego, cinco amigas toman unas pequeñas vacaciones en una casa de campo aledaña al bosque, y adivinen… claro, no es difícil anticipar qué les irá a suceder.

Gritos por doquier y numerosos ataques, son los recursos más usados en sus breves y sangrientos 84 minutos. Y sí, tengo muchos reparos con esta crudeza sin ninguna justificación, especialmente cuando es solo eso, violencia sin argumentos, como fin último, como centralidad absoluta.

¿Rescato algo? Sí, la música. La partitura de Andrew Scott Bell es brillante, y de excelencia, tal vez lo único que me permitió permanecer en la sala. Pensar que era un concierto resultó ser mi tabla de salvación. Película solo para seguidores de este tipo de géneros extremadamente sangrientos.

Ficha técnica

Título original: Winnie the Pooh: Blood and Honey
Año: 2023
Duración: 84 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Jagged Edge Productions. Distribuidora: ITN Distribution, Premiere Entertainment
Género: Terror | Slasher
Guion: Rhys Frake-Waterfield. Personaje: A.A. Milne
Música: Andrew Scott Bell
Fotografía: Vince Knight
Reparto: Amber Doig-Thorne, Danielle Scott, Maria Taylor, Danielle Ronald, Bao Tieu, May Kelly, Chris Cordell, Natasha Tosini, Marcus Massey, Gillian Broderick
Dirección: Rhys Frake-Waterfield

La familia perfecta - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Cargada de estereotipos y caricaturas, esta película de Arantxa Echevarria resulta bastante discursiva y camina siempre al borde del ridículo. Aún así, es una comedia interesante, veamos por qué.

Lucía -Belén Rueda-, representa a una mujer plena. Dedicada a sus quehaceres, su vida transcurre entre amistades, reuniones sociales, y eventos llenos de glamour. Desde que se casó con Ernesto -Gonzalo de Castro-, un reconocido científico, el foco siempre ha sido su familia, y en especial su hijo Pablo -Gonzalo Ramos-, quien ha crecido rodeado de los mejores ambientes y ha recibido la mejor educación que sus padres a¡han podido brindarle. Cuando Pablo comunica su intención de casarse con Sara -Carolina Yuste-, el mundo de Lucía queda descolocado, fuera de juego. La familia de la novia es del todo diferente a lo que ella desea, extrovertida, espontánea, y sin filtros, una situación que jamás pensó encontrar en el camino y completamente alejada del ideal de perfección que durante años ha querido construir.

“La familia perfecta” es sostenida por sus actores, indudablemente. Belén Rueda, José Coronado, Carolina Yuste, Pepa Aniorte, Gonzalo de Castro y Gonzalo Ramos, rebosan carisma, agilidad y simpatía para echarse al hombro una historia que es narrada a través de secuencias mayoritariamente graciosas que esconden, a menudo, más de alguna velada crítica. En este sentido, tal vez la escena del bus encerrando a un auto podría ser de las mejores, un rayo de empoderamiento femenino ante la adversidad y el machismo imperante.

La película alcanza a proponer algunos cuestionamientos sociales pero flaquea al desarrollarlos con un tratamiento tal vez demasiado obvio. Asimismo, intenta contraponer extremos para desarmar uno de ellos y construir un paradigma sobre el cómo reinventarse recurriendo a la propia esencia. Es cierto, lo consigue, pero a costa del abuso de elementos que pronto se tornan burdos con su consiguiente pérdida de peso específico.

Como raya para la suma, esta cinta de casi dos horas resulta más bien suave y ligera. Me reí con varios de sus detalles en algunas de sus escenas, y hacía tiempo que no me pasaba eso con una comedia. Por lo mismo, debo reconocer que vale la pena verla porque sus buenos actores lo merecen y se pasa un buen rato. ¡Muy bien por eso!

Ficha técnica

Título original: La familia perfecta
Año: 2021
Duración: 110 minutos
País: España
Compañías: Atresmedia Cine, Lazona Producciones, The Snake Films, Mogambo
Género: Comedia | Familia
Guion: Olatz Arroyo
Música :Pascal Gaigne
Fotografía: Pilar Sánchez Díaz
Reparto: Belén Rueda, José Coronado, Gonzalo de Castro, Carolina Yuste, Gonzalo Ramos, Jesús Vidal, Pepa Aniorte, Pepe Ocio, María Hervás
Dirección: Arantxa Echevarria

El niño, el topo, el zorro y el caballo - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV+.

Una tormenta de nieve. A lo lejos, un niño parece perdido. La cámara se acerca, vemos sus huellas. De pronto sale un topo y lo saluda. Comienzan a conversar. El niño busca un hogar. El topo le aconseja encontrar un río. Caminan juntos. El refugio es un árbol. Se les une un amenazante zorro. Siguen su marcha. Descubren un caballo. Cuatro personajes, cuatro historias diferentes… ¿un rumbo común?

Basado en el libro gráfico de Charlie Mackesy y dirigido por Peter Baynton y el propio autor, este metraje animado en sus breves 30 minutos contiene muchas reflexiones, preguntas y certeras afirmaciones. Una de ellas, por ejemplo, cuando el topo pregunta al niño qué quiere ser de mayor y el niño responde “amable”. O cuando reflexiona sobre lo que percibimos: vemos el exterior pero todo sucede realmente en nuestro interior. O también respecto a los miedos, la necesidad de tener más sueños que miedos, algo que se refrenda con una importante lección que me hizo recordar un viejo dicho de mi padre: “el miedo es natural en el prudente, saberlo vencer es ser valiente”

Con una cuidada animación, que intenta ser fiel a las acuarelas del libro original, esta fábula de metáforas nos habla del valor de la amistad, de la compañía, de la importancia de la bondad, de la necesidad de esperanza, y la contemplación de la belleza, todo esto expresada con gran ternura gracias a sutiles diálogos y finas imágenes.

Podemos ver a los personajes de esta historia de diferentes formas. El sabio, el paciente, el impulsivo, el inseguro, y tal vez muchos más, dispuestos a enseñar y a aprender. La confianza para esto es fundamental, y también ser capaces de pedir ayuda, lo que no es rendirse, sino demostrar realmente la valentía.

Realizado en tiempo de pandemia, y con diseñadores a distancia, el metraje remarca el sentido de protección. También, pone en relieve nuestra actitud respecto a aquello que no controlamos nosotros mismos, como, asimismo, el importante valor de la autoestima: “eres suficiente por lo que eres, tal cual eres”. El niño busca un hogar y sus inesperados compañeros de ruta lo ayudan sin pedir nada a cambio. Sin embargo, ¿cuál es el hogar? ¿Dónde está ese hogar? ¿Son cuatro paredes con un techo? Qué bien resuena esta respuesta: ¡amar y ser amado!

Debemos tomar estas películas como el regalo que son, una oportunidad única para detenernos y reflexionar. Con un lenguaje sencillo y profundo, esta pequeña fábula resulta sensible y emotiva porque apunta a lo esencial. Desprovisto de cualquier tipo de alarde, “El niño, el topo, el zorro y el caballo” relata, en un destello que recuerda a “El Principito”, el aprendizaje basado en valores y sólidos principios, una ventana de esperanza para los convulsos tiempos actuales. ¡Muy bueno!

Ficha técnica

Título original: The Boy, the Mole, the Fox and the Horse
Año: 2022
Duración: 34 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Apple Original Films, BBC Films. Distribuidora: Apple TV+
Género: Animación. Aventuras. Infantil | Cine familiar. Mediometraje
Guion: Jon Croker, Charlie Mackesy. Libro: Charlie Mackesy
Música: Isobel Waller-Bridge
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Peter Baynton, Charlie Mackesy

Persuasión - Por Jackie O.

"1995 y 2007 gran cosecha del amor"

"Persuasión", uno de los grandes libros de Jane Austen, historia que debería prohibirse por robarse nuestras lágrimas cada vez que se lee o vuelve a ver esas adaptaciones cinematográficas que les contaré.
Pero por qué negarlo, Jane Austen nos ha hecho suspirar, amar profundamente, y a veces llorar. Es maravillosa, somos masoquistas, seguimos con ella para seguir llorando de alegría o de pena por ese amor que no está.

La historia trata de Anne Elliot, una inglesa de 27 años, cuya familia se muda para abaratar sus gastos y reducir su deuda alquilando su casa a un almirante y su esposa. El hermano de la esposa, el capitán Frederick Wentworth, se comprometió con Anne en 1806, pero el compromiso se rompió cuando sus amigos y familiares, persuadieron a Anne de que terminara su relación porque él no era alguien con recursos para mantenerla.
Anne y el Capitán Wentworth, ambos solteros y sin pareja, se reencuentran después de una separación que duró casi ocho años, preparando el escenario para muchos encuentros divertidos, así como para una posible segunda oportunidad.

El año pasado llegó a Netflix "Persuasión", con un elenco que prometía, porque si me dicen "una nueva adaptación donde parte del elenco es Dakota Johnson y Richard E. Grant", yo ahí estoy atenta esperándola.
Pero no, fue una real decepción. (Pueden leer mi reseña acá)

Por lo que volvimos al pasado. En 1995, Roger Michell creó una obra maravillosa, donde supo plasmar lo que existía en letras a la pantalla, para los papeles principales tuvo a Amanda Root como nuestra arrepentida y frustrada protagonista Anne Elliot, mientras que Ciarán Hinds interpreta a su interés romántico, el dolido y enamorado Capitán Frederick Wentworth.

 
Con un guion de Nick Dear, quien no dejó de lado la esencia del libro. Con muy acertados protagonistas y el resto del elenco. Cada mirada, o el muy recurrente movimiento de manos, solo o con un objeto, hacen que nuestra vista no se aparte de la pantalla y nuestra tensión sea igual que la de ellos.
La puesta en escena cuida cada detalle ornamental y de paisajes.
Los premios Bafta y otros, le llovieron a esta excelente obra.

El año 2007, el director Adrian Shergol junto al guionista Simon Burke, se atrevieron a incursionar en esta obra, sabiendo el éxito de su novela y de la película anterior, así como de otras cintas que ya se habían hecho sobre libros Jane Austen, exitosas, pero igual se arriesgaron.

Para lo cual eligió como protagonista a una joven no tan conocida en ese entonces Sally Hawkins y al galán Rupert Penry-Jones.
Resultado, una magnífica obra romántica con sus toques irónicos y de comedia, como los textos de Jane, me encantó. Suspiré y me enamoré.
Pero la prensa no trató muy bien a Sally. Aún así, las nominaciones y premios estuvieron presentes.
La incertidumbre, rabia, vanidad y ambición, se conjugan bien con la ternura, amor y bondad que transcurre en la trama.
Buena puesta en escena, decorados y vestuario bellos.
Los movimientos están fascinantes, esto es, gestos que son algunos imperceptibles si no se pone atención, porque ahí yacen los afectos.

A mi parecer "Persuasión" de 1995 y 2007 son grandes adaptaciones para ver y amar. Bellos retratos a este hermoso libro.
Una mirada al amor puro, a la ternura y pasión. Y de cómo se manifestaba la comunidad en aquellos tiempos, donde la mujer no tenía derechos, y era un objeto para ser casada por conveniencia.

Se han efectuado más trabajos de esta misma novela, pero quise traer a colación uno mal ejecutado (2022) versus dos obras, hechas con menos recursos, que no impidió que su equipo técnico nos encantara.

Ambas, 1995 y 2007, las encuentran en YouTube.

Tu casa o la mía - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Luego de una intensa aventura amorosa de una sola noche, Debbie Dunn -Reese Witherspoon-, y Peter Coleman -Ashton Kutcher-, traban una amistad que lleva ya veinte años. ¡Y son tan distintos! Tal vez por eso han conseguido ser mejores amigos; comparten sus vidas, verdaderamente se cuentan todo, o casi todo…

Debbie vive en Los Ángeles dedicada a su hijo Jack -Wesley Kimmel-. Debe terminar sus estudios para aspirar a un puesto mejor remunerado. Necesita generar más dinero para costear los tratamientos de Jack, y un curso de una semana en Nueva York surge como una buena oportunidad para ello.

Peter, por su parte, es un itinerante en la vida. El día de su cumpleaños lo deja su novia porque no se proyecta en lo sentimental. Tampoco en lo laboral. Rechaza, sin más, una buena oferta de trabajo, pero aquello no es trascendente. Tiene dinero, es exitoso, y vive en un lujoso apartamento con una envidiable vista en la ciudad de Nueva York.

Debbie es un poco desordenada (o dispersa), pero sí es muy estricta en las rutinas con Jack. Parece ser menos libre. Peter, por su parte, es más ordenado, pero claramente tiene menos directrices de comportamiento, aunque dispone de mayor libertad de movimiento.

En donde ambos se juntan es en sus miedos. Peter huye de cualquier tipo de compromiso. No quiere sentir la vulnerabilidad que produce el ser sincero, y esconde sus debilidades; en síntesis, le teme a la vida. Para Debbie, su temor principal es indudablemente su hijo. Esta responsabilidad también le impide proyectar el futuro, sin embargo tal vez exagera un poco la nota con su sobreprotección. Así las cosas, pareciera que ninguno de estos dos entrañables amigos desarrollara su verdadera pasión.

Pues bien, la clave está en Jack. Como Debbie debe ir a Nueva York, tiene que dejarlo a cargo de una persona, y esta le falla. En el acto, Peter ofrece ayuda. Viaja a Los Ángeles a cuidar a su hijo mientras ella se hospeda en su departamento y realiza su curso. Y ahí están, prácticamente intercambiando vidas, en situaciones opuestas, dimensiones nuevas y roles diferentes.

Con guion y dirección de Aline Brosh McKenna, los protagonistas de esta película desbordan simpatía, sobre todo Reese Witherspoon, muy distendida y siempre sonriente. Ashton Kutcher no pierde pisada, aunque un poco más reservado, interpretando a un galán que se cubre de apariencias -el auto que arrienda y otros lujos-, da cuenta de su fama de mujeriego -y que no logra pasar la barrera de los seis meses- y de hombre exitoso -aunque con evidentes vacíos-.

La buena química de la pareja se nota a pesar de estar separados físicamente casi toda la película. Y esto funciona, con esta fórmula diferente, gracias a que representan a dos almas que conectan en esencia, pero les falta algo. Los personajes secundarios quedan bien, tanto Minka -Zoe Chao-, como Theo Martin -Jesse Williams-, en sus roles de soporte, en especial Zoe quien, por momentos, tiende a robarse varias escenas. Una mención al papel de la amiga de Debbie en Los Ángeles, Alicia -Tig Notaro-, porque podría ser un extraño cable a tierra, o bien solo un personaje que poco aporta aunque pareciera querer tener más protagonismo.

La contraposición de ciudades y sus respectivas estéticas también juega un papel. Las preciosas imágenes de Manhattan, y en especial de Brooklyn, contrastan con ese L.A. no masivo, un barrio bastante a escala humana. El título original, “Your Place or Mine”, creo que se refiere más a un lugar no necesariamente físico, sino que al papel o “lugar” a ocupar. Sin duda es mejor denominación que su traducción, aunque todo pueda decantar, finalmente, en un espacio concreto.

Si bien esta clásica comedia romántica resulta un poquito larga, lo suple con inteligencia. Este tipo de películas, sobre todo cuando reviven el género y lo hacen bien, siempre son bienvenidas, pues logran distender sin desentonar. En esta oportunidad, estas casi dos horas entretenidas y ligeras se disfrutan tanto por la historia, como por su formato, y, por cierto, por el especial carisma y encanto de sus protagonistas.

Ficha técnica

Título original: Your Place or Mine
Año: 2022
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Aggregate Films, Hello Sunshine, Lean Machine. Distribuidora: Netflix
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica
Guion: Aline Brosh McKenna
Música: Siddhartha Khosla
Fotografía: Florian Ballhaus
Reparto: Reese Witherspoon, Ashton Kutcher, Jessie Williams, Steve Zahn, Zoe Chao, Tig Notaro, Wesley Kimmel
Dirección: Aline Brosh McKenna