Un Lugar donde Refugiarse - Por Juan Pablo Donoso

Esperábamos algo más enjundioso de Lasse Hallström, connotado director sueco (Chocolate, ¿Qué perturba a Gilbert Grape?, etc.) de gran trayectoria.

Con bellísima fotografía de paisajes en Southport, una aldea pesquera en Carolina del Norte, nos presentan a una esposa quien, habiendo apuñalado a su sádico marido, escapa de la ciudad y se refugia en este pequeño pueblo.

Como su esposo era detective, sin  duda investigaría e iría en busca de ella; cosa que emprende desde el comienzo de la cinta.

Mientras Katie se adapta a su nuevo hogar e identidad, trabajando de mesera en un restaurante, conoce a un viudo joven, padre de 2 hijos. 

Se inicia el romance, esquivo al comienzo y pleno a medida que pasan los días.

El filme se hace muy largo y lento en sus escenas de ambientación; lo peor es que carece de conflicto, ya que de vez cuando nos muestran al marido buscándole pistas a su esposa fugitiva.

Sólo en las últimas secuencias, cuando la encuentra, sobreviene un clímax de mayor violencia, pero siempre dentro de las manidas fórmulas de acción de los filmes estadounidenses.

Una vez producido el happy end convencional, la película nos entrega un giro sorpresivo que irradia una suave emotividad ya que revela un fenómeno sentimentalmente metafísico.

Es posible que mantenga entretenidas a las espectadoras de historias románticas, pero, sin duda, pudo ser más concisa en lo dramático y más profunda en lo psicológico.

Jóvenes actores, aún poco conocidos por el grueso público, tienen aquí la oportunidad de seguir apareciendo en futuros filmes.

ROMÁNTICA Y SEMI POLICIAL, PERO INNECESARIAMENTE  LARGA.

Ficha técnica

Director: Hasse Halstöm

Actores: Julianne Hough, Josh Duhamel, Cobie Smulders 

Guión: Dana Stevens, Gage Lansky – Nicholas Sparks (novela)

Fotografía: Terry Stacey

EE.UU. – 115 minutos

Efectos colaterales - Por Carlos Correa

Steven Soderbergh nos seduce con esta nueva cinta sobre los efectos secundarios de los medicamentos que se usan para controlar la depresión y la ansiedad. Emily -Rooney Mara- y Martin -Channing Tatum-, una exitosa pareja que parece tenerlo todo, atraviesa una crisis importante cuando Martin es enviado a prisión. Emily le espera, pacientemente durante 4 años, en un pequeño departamento de Manhattan. Cuando su esposo está pronto a ser liberado, cae en una profunda depresión que no puede controlar, incluso intenta suicidarse. El siquiatra que le atiende, el Dr. Jonathan Banks -excelente Jude Law-, le receta un medicamento que provoca efectos secundarios devastadores, amenazando la convivencia e incluso la vida de los protagonistas.

La película tiene un ritmo y una tensión creciente. Soderbergh nos presenta un verdadero puzzle y debemos estar atentos para desentrañarlo. El tema de las drogas para la ansiedad es solo la punta de una trama muy bien armada donde son las relaciones personales se transforman en el eje de la historia. La actuación de Law es sólida. El Dr. Banks se juega mucho con el tratamiento de su paciente, no solo desde el punto de vista de la salud de Emily sino en cuanto a su propia vida. Hechos graves marcan sus decisiones y está dispuesto a no transar sus valores y a buscar explicaciones coherentes a todo lo que acontece. Incluso busca ayuda en una colega, la Dra. Victoria Siebert -Catherine Zeta-Jones- para poder entender ciertas acciones y así poder ayudar de mejor forma a Emily y a si mismo.

Efectos colaterales tiene también ingredientes morales importantes. Sobre la medicación y sus efectos, las buenas y malas prácticas médicas, los laboratorios que desarrollan y venden los medicamentos, entre otros. Destaca profundamente la búsqueda de honestidad que marca la acción del Dr. Banks y como ciertos hechos pueden trastornar y nublar completamente a algunas personas. En ese sentido Steven Soderbergh nos va develando la historia lentamente, con un metraje denso, por momentos oscuros, que avanza naturalmente y compone escenas -y actuaciones- llenas de profundidad.

Estamos en presencia de una cita reflexiva, que no pasa inadvertida y que cuestiona modelos que damos totalmente por ciertos. Los constantes giros del guión toman gran cuerpo por el particular estilo narrativo de su director, con un excelente montaje en el que las apariencias en varias ocasiones nos engañan y cada pieza va encontrando su lugar dentro de la intrincada trama.

Ficha técnica

Título Original: Side Effects

Distribuidor: DIAMOND

Calificación: 14

Duración: 105 minutos

Género: Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Jude Law, Rooney Mara, Catherine Zeta-Jones y Channing Tatum.

Director: Steven Soderbergh

Broken City - Por Carlos Correa

Un policía -Billy Tagart interpretado por Mark Wahlberg- es dado de baja por un confuso incidente en el que ha resultado muerto un delincuente. El alcalde, Nicholas Hostetler -Russel Crowe- lo considera un héroe sin embargo no puede hacer nada para mantenerlo en el cuerpo policial. Años más tarde, Billy, que ejerce como investigador privado desde su retiro, es llamado por el alcalde, que ahora está en plena campaña de reelección, para que le ayude a investigar a su esposa -Catherine Zeta Jones- pues sospecha que le es infiel. Billy comienza una investigación que le revelará oscuros secretos, verá más de lo que corresponde y lo pondrá al centro de un sistema que no sólo huele mal sino que está total y completamente podrido.

Esta cinta de Allen Hughes es realmente oscura y cruda. Parece que nadie se salva. No hay valores rescatables ni nada positivo en el entorno. Todo está roto, es corrupto o tiene una doble intención. En ese sentido es un golpe bajo a la esperanza. Sin embargo, lamentablemente suponemos que no puede estar lejos de más de alguna realidad. Cuando el fin justifica los medios, todo es válido y todo es posible. ¿Qué es aquello que no podemos nunca transar? ¿Cuál es e límite que no podemos transgredir? En "Broken City" todo se transa y todo se transgrede. Y más de una vez. Y a cada momento.

Películas de ese tipo, que parecen fotografías de una realidad en ocasiones oculta, nos sirven para observar una delgada línea entre realidad y ficción. Los valores florecen justamente como oposición a lo que observamos a lo largo de toda la cinta. Esperamos que no sea así, que lo que vemos en pantalla sea solo ficción y que la honestidad, la lealtad y la esperanza sean realmente los principios inspiradores de todo servicio público en favor de la comunidad.

Ficha técnica

Título Original: Broken City

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 109 minutos

Género: Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Mark Wahlberg, Russell Crowe, Catherine Zeta Jones, Natalie Martinez, Jeffrey Wright

Director: Allen Hughes

Gloria - Por Carlos Correa

Esta nueva película del director chileno Sebastián Lelio nos muestra la historia de Gloria -Paulina García en una sobresaliente interpretación-, una mujer de 58 años que vive en Santiago, profesional activa, separada hace años y con hijos ya mayores. Gloria vive su rutina diaria entre el trabajo, esporádicos contactos con sus hijos, vida social y fiestas nocturnas que le permiten divertirse y conocer otras personas. En una de estas fiestas conoce a Rodolfo -excelente Sergio Hernández-, también mayor, separado hace un año, con quien comienza una aventura sentimental.

La cinta, naturalmente, se centra en la vida de Gloria, sin embargo existe un entorno, a veces más presente y en ocasiones menos presente, que llena de atmósfera el dedicado metraje. Lelio, una vez más, nos introduce en conflictos y problemáticas internas, personales, íntimas, sin dejar de lado el contexto social-cultural transversal a los protagonistas. Es así como el conflicto personal de Gloria, su búsqueda de compañía, de acogida, de cariño, se ve matizado por una variedad de detalles y signos importantes. La relación con sus hijos, que percibimos distante pero intensa, sus recuerdos cercanos a la nostalgia, representados por las canciones escuchadas y cantadas en sus traslados y su deseo de mantenerse siempre activa, configuran una personalidad atractiva y en aparente movimiento. Sin embargo, Gloria parece no saber hacia donde realizar ese movimiento. En ocasiones se le ve perdida y sin rumbo, en otras sin horizonte cercano ni lejano y cree ver una luz en esta nueva relación de pareja en la que se ha involucrado.

La película tiene muchos méritos. Tantos, como temáticas aborda a lo largo de sus 109 minutos. Analizarla desde ese punto de vista podría ser riesgoso, pues finalmente la cinta se refiere a emociones, valores y proyectos de vida. La actuación de Paulina García, que la valió el Oso de Plata del Festival Internacional de Cine de Berlín es memorable. Construye un personaje no sólo creíble sino de una solidez dramática notable. Personifica a diferentes "Glorias", sin pudor en el abandono y en la soledad, arriesgada en la aventura y en la pérdida del control. Y no lo hace sola. La actuación de Sergio Hernández, con un personaje del que poco conocemos, salvo a través de los llamados de sus hijas y su ex mujer, es el complemento perfecto, aquel que le permite dar curso a un gran abanico de posibilidades muy bien filmadas, de cerca y transparentemente, por el joven director.

Gloria se inscribe dentro de lo mejor de nuestro cine en los últimos años. Es sincera y honesta. En ocasiones se transforma en una fotografía actual, en otras muestra un futuro incierto o una gran desesperanza. Lo señala claramente un diálogo profundo en la medianía del metraje y que remarca una idea fuerza, tal vez manida pero no por ello menos importante. Chile ya no es lo que fue. Intuimos con ello un mensaje desafiante: miremos el futuro en movimiento, disponibles para enfrentar los cambios por venir -tal vez con pocas certezas-, con un espíritu optimista y decidido para vivir en plenitud.

Ficha técnica

Titulo Original: Gloria

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 109 minutos

Género: Drama

Año: 2012

País: Chile

Elenco: Sergio Hernández, Paulina García, Coca Guazzini, Antonia Santa María

Director: Sebastián Lelio

Gloria - Por Juan Pablo Donoso

Tratamiento minimalista, muy íntimo y lento, que sigue la interioridad de la protagonista en base a primeros planos, igual que en EL AÑO DEL TIGRE, logrado filme del mismo director.

Excelentes actuaciones de Paulina García (Oso de Plata Festival de Berlin) y Sergio Hernández, admirable en su manejo de subtextos y sutilezas faciales.

Espléndida fotografía y posiciones de cámara.

Difícil  y riesgoso desafío de acompañar durante tanto rato a los personajes sin apoyarse en un conflicto más agresivamente dramático.

La honestidad de los actores hace que la cinta sea más emotiva después de verla - cuando la recordamos - que durante la exhibición, debido a su ritmo tan pausado, y a la sensación de estatismo y de ignorar hacia dónde apunta la trama.

Sólo al final se nos hace patente el antiguo lema de tantas mujeres mayores: “Más vale estar sola que mal acompañada”.

Una mujer madura, separada,  madre de hijas adultas, se siente sola y necesitada de afecto masculino. En una discoteque conoce a un hombre sesentón, separado, y padre también de hijas grandes. Inician un romance que a partir del sexo casual comienza a echar raíces más sentimentales. Pero Rodolfo, a pesar de su atracción hacia ella, depende demasiado de su ex esposa y de sus hijas, y en repetidas ocasiones, tal vez por temor al compromiso o por debilidad, escapa del lado de su nueva pareja dejándola humillada, herida  y  en doloroso desconcierto. 

RELATO RIESGOSO - DE  APARENTE  BANALIDAD - QUE LOGRA  SEMBRAR  EMOCIÓN  GRACIAS AL TALENTO DE SUS INTÉRPRETES  Y  REALIZADORES.

Ficha técnica

Director: Sebastián Lelio

Actores: Paulina García, Sergio Hernández, Marcial Tagle, Diego Fontecilla, Fabiola Zamora, Antonia Santa María, Alejandro Goic, Luz Jimenez.

Guionistas: Sebastián Lelio – Gonzalo Maza

Fotografía: Benjamín Echazarreta

Premio: Oso de Plata Festival de Berlin a la Mejor Actriz

Chile – 110 minutos

Mamá - Por Juan Pablo Donoso

Fue una lástima que optaran  por  efectismos de innecesarias sorpresas visuales y estridencias sonoras.

Era un bellísimo tema que, de ser tratado por Stanley Kubrick, por ejemplo, otro habría sido el resultado artístico con los mismos ingredientes argumentales. 

Desperdicio de poesía audiovisual teniendo elementos tan apasionantes como fantasmas, niños y dolor maternal.

Tuvieron en sus manos la posibilidad de entregar un mensaje de trascendencia y amor.

En vez de eso recurrieron al tratamiento “degouttante” de cierto cine japonés que ya empieza a obsolecer. 

Con el suspenso pudo ser cautivante, pero predominó lo desagradable.

Una pena si consideramos lo elaborado de su producción.

Uno de sus principales productores, Guillermo del Toro, con su filme El Laberinto del Fauno, logró lo que a esta cinta le faltó.

Sus temas: la Maternidad, corpórea y fantasmal, y la orfandad infantil, con toda su carga de fantasía y paranormalidad.

Magníficas las actuaciones de las niñitas, en especial Lily, la más pequeña; conmovedora en los momentos en que le permitieron transmitir sus emociones. 

Cuando un padre, mentalmente desequilibrado, lleva a sus dos hijitas pequeñas a una cabaña en el bosque con el propósito de asesinarlas, ellas son rescatadas por un siniestro fantasma femenino que las cría transformándolas en seudo niñas lobas.

Vuelven a la civilización, cinco años más tarde, y son adoptadas por un matrimonio sin hijos. Pero el espectro femenino que las salvó de la muerte las visita causando pavor en la madre adoptiva y en quienes las rodean.

Luego de un horroroso clímax final, el tema de la Maternidad – humano y esotérico - hallará un relativo consuelo

habiendo cobrado valiosas víctimas inocentes.

TRUCULENCIA QUE PUDO SER MÁS FINA, EMOTIVA Y PROFUNDA.

Ficha técnica

Director: Andrés Muschietti 

Guión: Neil Cross, Andrés Muschietti, Barbara Muschietti 

Actores: Jessica Chastain, Nikolaj Coster-Waldau, Megan Charpentier

España y Canadá – 100 minutos

La huésped - Por Juan Pablo Donoso

Es raro que Andrew Niccol, guionista de Truman Show y, además, director de filmes de ciencia-ficción tan sugerentes como Gattaca, haya incurrido en una obra tan pueril como ésta. Tal vez partió de una buena idea, pero en el proceso perdió la inteligencia de la historia.

El arte dramático puede volar muy lejos en la fantasía y alejarse del realismo cotidiano; sin embargo, una vez que nos inserta en su propio universo puede hacernos “creer” y empatizar con lo que están viviendo sus personajes. 

Es aquí donde falla esta cinta: desde las primeras secuencias se nota el esfuerzo por crear una realidad diferente, pero va de tumbo en tumbo, tratando de involucrarnos en su trama sin lograrlo. 

Los personajes fracasan en convencernos de la seriedad de su conflicto.  Algunos diálogos suenan hasta graciosos sin pretenderlo y, a pesar de la costosa parafernalia de efectos especiales, el conjunto nos resulta poco interesante y con secuencias prescindibles.

Los alienígenas se apoderan del cuerpo de los humanos, y como tales organizan un sociedad casi perfecta. Se caracterizan por tener los ojos de un color muy azul y fosforescente.

Sin embargo, y para mantener el perfecto equilibrio social y político, deben evitar que queden humanos auténticos sobre la Tierra; y si los encuentran deben enajenarlos para usurpar su mente.

Sólo un pequeño grupo logra escapar y esconderse en una gigantesca caverna en el desierto de Arizona. Hasta ahí llegará una muchacha que quedó “mal enajenada” y, por lo tanto, en su cuerpo dialogan la original y la “huésped”.

El resto de la historia muestra cómo tratan de ubicarla y descubrir aquella cueva donde aún quedan terrícolas incontaminados.    

La cacería adquiere el tono de las antiguas películas de matinée, incluyendo el romance doble de nuestra heroína que, como humana reencuentra a su antiguo novio en el refugio, pero que como alienígena se enamora de otro de los jovencitos fugitivos.

El guionista se encargó de darle un happy-end en que todos queden contentos. Incluso la ejecutiva alienígena más perversa y despiadada recupera su antiguo cuerpo y, por fin, vivirán felices de ahí en adelante. 

Los galancitos bellos fueron escogidos tal vez para entusiasmar al público femenino adolescente, aunque se parecen tanto unos con otros que a ratos cuesta distinguirlos. Por otra parte, los diálogos internos de la doble identidad de la heroína se confunden y resulta difícil saber cual es cuál en muchos momentos.

CIENCIA FICCION FORZADA Y, POR LO TANTO, INVEROSÍMIL DENTRO DE SU GÉNERO.

Ficha técnica

Director: Andrew Niccol
Guión: Andrew Niccol - Stephenie Meyer (novela)
Actores: Saoirse Ronan, Diane Kruger, Max Irons
125 minutos – Estados Unidos

Iron Man 3 - Por Carlos Correa

Esta es la tercera entrega del superhéroe Iron Man, de Marvel Comics, producida por Marvel Studios y distribuida por Walt Disney Pictures. En esta ocasión, "Iron Man", el multimillonario Tony Stark -Robert Downey Jr.-, se ve enfrentado a un enemigo que parece imbatible: "el mandarín", un terrorista que tiene aterrorizado a Estados Unidos con una serie de ataques, amenazas y presiones al más alto nivel. Tony lo desafía abiertamente, en directo, por televisión y de ahí en más comienza la función.

La verdad es que la trama en si no es lo trascendente de "Iron Man", una cinta destinada básicamente a entretener con todos los recursos técnicos a su disposición. Lo interesante, a mi modo de ver, es cómo en una película de acción y aventura se integra la entretención con las temáticas actuales, con aquello que estamos viviendo a nivel mundial y en este caso particular lo que vive Estados Unidos día a día. Por una parte la amenaza terrorista es una realidad. Por otro, la violencia y los enfrentamientos aumentan la tensión en diferentes partes del planeta. Así las cosas, no es extraño que un inconsciente colectivo clame por un superhéroe pueda arreglar todo rápidamente, o al menos pueda defendernos de desastres mayores. Y en este sentido, "Iron Man" es tal vez el más humano de los superhéroes. Tony Stark es un hombre brillante, multimillonario y arrogante, sin embargo su servicio es justamente defendernos de todo tipo de mal gracias a sus inventos, el desarrollo de tecnología específica y de ciencia aplicada a sus creaciones.

Pero Tony Stark no es sólo "Iron Man". Es un hombre normal, de carne y hueso, que se cuestiona, que tiene crisis de identidad y de pánico y que lleva una tortuosa relación sentimental con Pepper Potts -Gwyneth Paltrow-, quien está a cargo de sus empresas. Es más, para Tony, lo más importante es su relación con Pepper, por encima de cualquier trabajo, empresa o pasatiempo, sin embargo no siempre puede (o quiere) ser fiel a ello. Y aquí entramos a la naturaleza humana más profunda del personaje que en esta tercera parte se desarrolla mucho más abiertamente. Por largos pasajes ingresamos a la intimidad del protagonista lo que nos permite darnos cuenta que es su humanidad la que destaca por sobre todas las demás cosas. En esto, Robert Downey Jr., hace un trabajo notable. Su construcción del personaje es natural, sencilla y espontánea. Sus gestos, movimientos y palabras se condicen perfectamente. Y a esto agregamos una dosis perfecta de humor en el protagonista, lo que permite soltar la tensión y violencia de la acción que cruza todo el metraje.

"Iron Man 3" no solo tiene una notable producción. El director Shane Black literalmente nos lleva a la pantalla, nos hace convivir con los protagonistas y nos da perspectiva cuando la necesitamos. Que sea el pequeño Harley quien por momentos se transforma en el mentor de Tony nos habla justamente de los principios vitales de la humanidad. Son tantos los problemas que tenemos los adultos que en la mayoría de las ocasiones necesitamos ver el mundo como niños para entenderlo y poder seguir adelante. Y en esta historia, Tony Stark parece que aprendió la lección.

Ficha técnica

Titulo Original: Iron Man 3 

Distribuidor: ANDES

Calificación: TE

Duración: 134 Minutos

Género: Acción - Aventura

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Guy Pearce, Rebecca Hall, Stephanie Szostak, James Badge Dale con Jon Favreau y Ben Kingsley

Director: Shane Black

Oblivion - Por Carlos Correa

Jack Harper -Tom Cruise- es uno de los pocos habitantes que quedan en la tierra. Corre el año 2077. Casi 60 años atrás nuestro planeta fue atacado y a pesar que ganamos la guerra, fue prácticamente devastado. Harper es un técnico de Drones, unos pequeños robots que protegen una masiva operación para extraer los últimos recursos del planeta para llevarlos al nuevo hogar de la humanidad, en Titán. En la base de operaciones, Jack comparte la rutina con Victoria -Andrea Riseborough-, formando un equipo dedicado a esta misión de custodia, liderados siempre por la nave madre "Mision Control".

Harper añora su planeta, tiene recuerdos (aunque se supone que no debe tenerlos pues su memoria fue borrada) y haría lo imposible por quedarse. Victoria solo anhela irse lo más pronto posible, en cuanto la misión concluya. Todo el escenario cambia con el sorpresivo choque de una nave espacial que trae en su interior algunos humanos en estado de conservación. Solo sobrevive una mujer, Julia -Olga Kurylenko-, quien parece conocer a Jack, lo que acrecienta sus recuerdos y despierta sus dudas sobre los verdaderos objetivos de su misión.

"Oblivion" es una cinta revestida de futurismo, sin embargo es bastante clásica en su forma. No obstante, es interesante esta mezcla vital entre la ciencia ficción y una realidad tal vez no lejana si en efecto destrozamos el planeta con guerras nucleares o con el abuso sin conciencia de nuestro medio ambiente. La temática de la destrucción de la Tierra no es nueva, sin embargo siempre puede tener sorpresa en la medida que agregamos más opciones y sumamos una trama que esencialmente es una historia de amor.

Lo más destacable de la cinta, fuera de una excelente producción, efectos especiales brillantes y una precisa dirección de Joseph Kosinski, es la humanidad que representa el personaje de Harper. Cruise no defrauda al crear un personaje sensible, nostálgico y con deseos de no perder su hogar. Tan humano es Jack que sus decisiones no sólo son racionales. Actúa bastante guiado por la emoción. Ese recuerdo que no sabe de donde viene y que se acrecienta con la llegada de Julia se transforma en el motor de su acción. El amor, el valor central de la cinta en diferentes ámbitos, es finalmente lo más trascendente y aquello por lo que vale la pena entregar toda su energía y dar todas las batallas que están a su alcance.

Ficha técnica

Titulo Original: Oblivion 

Distribuidor: UIP

Calificación: TE+7

Duración: 127 Min.

Género: Acción – Ciencia Ficción

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Tom Cruise, Morgan Freeman

Director: Joseph Kosinski

Lazos perversos

Por Carlos Correa

"Lazos perversos" ("Stoker", en su título original) es una cinta de suspenso y misterio que narra la historia de una joven especial llamada India -Mia Wasikowska-. Tras la muerte repentina de su padre, queda sola en casa con su madre -Nicole Kidman- y con el recién llegado Tío Charlie -Dermot Mulroney-, un hombre encantador del que no saben prácticamente nada.

La cinta se desarrolla con un relato pausado, en un clima más bien oscuro y que da cuenta de un oculto pasado no sencillo de revelar. India es una joven con escasas habilidades sociales y que parece no divertirse con sus compañeros de clase. Siempre ha estado más bien alejada del mundo, cultivando una relación muy cercana con su padre al ir juntos de cacería en numerosas oportunidades.

La película es interesante desde el punto de vista narrativo, sin embargo los 99 minutos de metraje se hacen extensos. El suspenso es permanente, es cierto, pero carece de una mayor sorpresa o apertura. Ciertos elementos se hacen evidentes y otros tantos se desarrollan en forma correcta. Si bien las actuaciones son meritorias, no contribuyen totalmente a generar una mayor profundidad en el relato, que es bastante plano la mayor parte del tiempo.

Si bien no es "la" película de la temporada, diría que responde a un promedio del género, con algunos aspectos que la destacan -principalmente la forma de contar y develar la historia- y otros que nos confunden con aquellas tramas que no sabemos por dónde abordar, si es que en algún punto lo son. Nos encontramos con un desarrollo estético importante, sin embargo no está totalmente de la mano con el ritmo del relato ni con los personajes sobre los que recae principalmente su soporte. Interesante darle su oportunidad.

Ficha técnica

Titulo Original: Stoker 

Distribuidor: FOX

Calificación: 14 años

Duración: 99 Minutos

Género: Drama/ Terror 

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Nicole Kidman, Mia Wasikowska, Dermot Mulroney, Matthew Goode, Lucas Till, Jacki Weaver, Alden Ehrenreich, Ralph Brown, Judith Godrèche, Phyllis Somerville, Wendy Keeling, Lauren E. Roman, Harry P. Castros, Peg Allen, Bear Sheeley

Director: Park Chan- Wook

Los Croods

Por Carlos Correa

"Los Croods" cuenta la historia de una familia de cavernícolas que están acostumbrados a una estricta rutina de vida para poder sobrevivir: pasan la mayor parte del tiempo en su caverna y sólo salen para obtener comida. Sin embargo, no todo se mantiene así para siempre. Sobrevienen cambios físicos y geográficos en su entorno, la caverna es destruida y deben comenzar un largo viaje hacia un futuro desconocido, lleno de peligros y aventuras que jamás imaginaron.

Es muy interesante tener la oportunidad de ver estas películas con nuestros niños y niñas. No sólo porque es un momento de encuentro sobre la base de la entretención, sin que también porque se produce una sintonía especial para abordar temáticas que posiblemente de otro modo sería muy difícil comenzarlas desde cero. Por ejemplo, el valor de las actitudes de vida. "Los Croods" representan lo tradicional, lo seguro, lo cómodo. Sin embargo Eep, su inquieta hija, es muy distinta. Quiere salir, conocer, arriesgar. Ello confunde a Grug -su padre- quien no sabe qué hacer para controlarla. Bajo la premisa que todo lo nuevo es malo, Grug ha defendido siempre a su familia de la misma forma, sin salir, sin enfrentarse al mundo ni menos pensar en cambiar. ¡Para qué, si así como están, todo está bien! Por eso, cuando Eep conoce a Guy, un intrépido nómade, todo el escenario cambia para la familia. Deben cambiar forzosamente y aprender en la práctica a adaptarse a las nuevas condiciones del entorno en el que habitan.

La película es una pequeña fábula de la vida. Está llena de valores y de mensajes positivos de cómo enfrentar los cambios, de cómo adaptarnos a ellos y sobrellevarlos de la mejor forma. Para que decir lo remarcado que se encuentra el valor de la familia. El amor, la incondicional unión y protección que se da entre todos, es realmente emocionante. Y se da en forma natural, sin un discurso moralista ni anticuado, sino desde una perspectiva sencilla, inequívoca y con un fuerte componente sentimental.

Cintas de esta naturaleza ayudan a conversar entre padres e hijos. Favorecen el diálogo y la identificación con algunos personajes ayuda a descubrir ciertas características personales. Así, en un clima grato, de sana entretención, nos introducimos en el mundo real. DreamWorks nos da esta oportunidad con una producción excelente, animaciones de lujo y un guión sin puntos bajos. De nosotros depende aprovechar esta experiencia al máximo.

Ficha técnica

Titulo Original: The Croods 

Distribuidor: FOX

Calificación: TE

Duración: 98 Minutos

Género: Animación

Año: 2013

País: Estados Unidos

Voces: Nicolas Cage, Emma Stone, Ryan Reynolds, Catherine Keener, Cloris Leachman, Clark Duke.

Director: Kirk De Micco/ Chris Sanders

La pasión de Michelangelo

Por  Juan  Pablo  Donoso

Luego de ver – y decantar -  esta nueva producción chilena, concluimos que la fuerza de la FE supera las mentiras, aberraciones y miserias de los seres humanos.

Con elementos reales de nuestra historia reciente, sus autores, por medio de una alegoría, reconstruyeron este relato fílmico.

El tema central fue Miguel Ángel Poblete, y sus visiones y diálogos con la Virgen María en la década de los 80.

Convocó el fervor de miles de creyentes que afluyeron en masa a Peñablanca, cerca de Villa Alemana, para ver y escuchar los mensajes de la madre de Dios.

Su protector y principal adepto fue, al principio, el cura párroco de la localidad.

Tal  fue la convocatoria, que el obispo de Valparaíso designó a un sacerdote para investigar el fenómeno y comprobar su autenticidad.

Poco a poco se fueron develando los entretelones y antecedentes, tanto del muchacho visionario como de los engranajes políticos y comerciales que respaldaban este movimiento.

El joven huérfano se crió en un convento de monjas y conocía de liturgia; pero sus hábitos de vagabundo y sus inclinaciones homosexuales hacían dudosa su devoción; la espectacularidad de sus alucinaciones, y sus mensajes en apoyo al gobierno militar, sirvieron de refuerzo político al régimen militar imperante; y la enorme afluencia de público hizo florecer el comercio del pueblito rural.

Cuando el adolescente, embriagado por su fama, comenzó a demostrar prepotencia errática, perdió el respaldo del cura párroco; de ahí en adelante sus eventos místicos cayeron en lo  grotesco y circense; las multitudes de devotos fueron menguando hasta quedar todo como una gran estafa.

Pocos años después Miguel Ángel – quien se autodenominó Michelangelo inspirado en Buonaroti – se hizo travesti, adoptó el nombre femenino de Karole Romanoff, y falleció en 2008 producto de su avanzado alcoholismo.

El discurso fílmico entreteje varias líneas dramáticas paralelas: a) la historia verdadera de Miguel Ángel, b) el proceso del sacerdote que investiga y testimonia hechos inexplicables en el muchacho, c) el aprovechamiento político de los agentes del gobierno, d) la fugaz prosperidad económica de la comarca, y, finalmente, e) cómo la FE de muchos creyentes obró auténticos milagros de sanación.

Los guionistas de la cinta, Esteban Larraín y José Román, lograron amalgamar estos afluentes de manera clara y sugestiva.

El director, tanto en la dirección de actores como en la manipulación de multitudes, nos interna en aquel universo y nos transporta a esa época de nuestro país.

Todos los intérpretes confieren honestidad a sus personajes, llegando a comprender sus motivaciones.

Sólo el personaje del sacerdote investigador – Patricio Contreras – nos resulta distante y monocorde en sus eventuales emociones.

Conociendo el talento y la experiencia actoral de Contreras, la causa estaría en que es el personaje más ficticio del filme; junto con ser nuestro guía en el proceso de esclarecimiento, los dilemas de su conciencia sólo se esbozan al final, cuando nos enteramos que su vocación sacerdotal tambaleaba, al extremo de abandonar el ministerio sagrado y volver a la vida laical.

Es decir, durante la investigación desconocemos sus conflictos interiores – salvo la sospecha de que el vidente está siendo manipulado por el gobierno. Entonces, resulta demasiado abrupto – y verbal – el giro en su vocación.

El final resulta abiertamente alegórico cuando el ex sacerdote presencia – o alucina – viendo la sanación de un paralítico de manos de un Miguel Ángel desfigurado y fantasmagórico.

Un remache claramente poético sólo para demostrar el poder de la FE incluso hacia personas tan espurias como el vidente de Peñablanca. 

UNA SUPERPRODUCCIÓN CHILENA, DE ALTO NIVEL PROFESIONAL, QUE ENTRELAZA FACTORES RELIGIOSOS, POLITICOS Y SOCIOLÓGICOS.

Ficha técnica

Título original: La Pasión de Michelangelo 

Distribuidor: BFD

Calificación: TE

Duración: 98 Minutos

Género: Thriller/ Religioso

Año: 2012

País: Chile

Elenco: Patricio Contreras, Sebastian Ayala, Roberto Farias, Aníbal Reyna, Catalina Saavedra

Director: Esteban Larraín

Mentiras mortales

Por Juan Pablo Donoso

Lo que al comienzo parece ser una nueva cinta sobre tensos ricachones corredores de bolsa, toma giros inesperados que permite buenas actuaciones y algunos diálogos agudos.

Un multimillonario (Richard Gere) sesentón, padre de una familia convencional, se ve envuelto en una doble crisis: a) ha solicitado un préstamo por más de US$ 400 millones y tiene dificultades para devolverlos poniendo en riesgo su empresa, y, b) cuando viaja con su amante clandestina una noche fuera de la ciudad, su auto se estrella,  ella muere, y él intenta ocultar el accidente para evitar el desprestigio.

Ambas situaciones activan a la policía (Tim Roth) a rastrear sus pasos involucrando a varios inocentes.

Si bien la pericia de abogados y las hábiles manipulaciones de dinero logran eximir al magnate de su culpa y de la ruina, su esposa (Susan Sarandon), quien al comienzo sólo se nos presenta como una discreta compañera, tendrá un decisivo rol que cambiará los destinos de toda aquella familia.

La historia mantiene el interés ya que reviste ángulos policiales y de suspenso.

La participación de algunos connotados actores le dan el nivel comercialmente atractivo, y el filme permite sacar algunas conclusiones éticas de cómo se mueve el alto mundo de las especulaciones financieras, incluso en los planos matrimoniales y familiares.

¡Las mujeres suelen ser más peligrosas de lo que aparentan!

AMENO SUSPENSO POLICIAL EN LOS ALTOS ESTRATOS SOCIALES Y FINANCIEROS.

Ficha técnica

Titulo Original: Arbitrage
Distribuidor: BFD
Calificación: 14 años
Duración: 107 Minutos
Género: Drama - Thriller
Año: 2012
País: Estados Unidos
Elenco: Richard Gere, Susan Sarandon, Brit Marling
Director: Nicholas Jarecki

Mentiras mortales

Por Carlos Correa

Todo en el mundo gira en torno a seis letras, D-I-N-E-R-O, señala en un comienzo el protagonista de este drama de suspenso. Robert Miller -Richard Gere, en un papel muy bien actuado- es un acaudalado hombre de negocios. Reuniones, vuelos privados, compromisos, agenda completa. Trabajo y más trabajo. Su mujer Ellen -Susan Sarandon- y Brooke -Brit Marling-, su hija, son su cable a tierra en el manejo de este verdadero imperio económico. Sin embargo las cosas no andan del todo bien. Robert está vendiendo su negocio y apuesta a obtener el mejor precio; Brooke, quien es su brazo derecho en la empresa, sospecha de irregularidades financieras y parece ser no todo lo que brilla es oro. Además, Robert mantiene una relación sentimental paralela con una joven artista francesa -Laetitia Casta- que parece demandarle más de lo que él puede realmente entregar.

Los elementos están sobre la mesa y proponen una película con un guión interesante. Desde el ángulo de las finanzas y las relaciones amorosas, el guionista y director Nicholas Jarecki aborda el núcleo central del problema que la cinta nos presenta: la confianza y la moral. El protagonista no sólo tiene una doble vida sino que no duda en transar los elementos más básicos para alcanzar sus objetivos finales. El debate y el conflicto viene desde su hija, no de si mismo. Pareciera que todo para Robert es accidental y desechable. No sabemos, al menos no vislumbramos, cuál es su principal punto de interés en la vida aparte del dinero. Es cierto, se ha visto involucrado en problemas financieros complejos de resolver y que le han llevado a cometer ilegalidades, pero ¿cuál es el límite, si es que lo hay? ¿La ética y la moral, o la recta formación, son importantes para él? La temática profunda tiene que ver con ello. La cinta es un cuestionamiento explícito a la forma de hacer negocios, a la vida que rodea aquella vida y a las apariencias que naturalmente a todos nos engañan. El amor, la lealtad y la honestidad son valores puestos a prueba en cada momento y transgredidos en no pocas ocasiones por el protagonista. Y ese es el mérito mayor del filme, representarlo y de una forma muy convincente.

"Arbitrage", su título original, está muy bien filmada. Los actores se compenetran con sus papeles -Richard Gere y Susan Sarandon, dan garantía de ello- y el director mantiene un ritmo ágil, con permanente suspenso y emoción durante el curso del metraje. Vale la pena verla. Provoca, cuestiona y divide. Cruza los límites y los cambia de ubicación de tal forma que como espectadores nos movamos de un lado a otro de la balanza, algo no fácil de lograr en una película de 107 minutos que se sienten mucho menos. En síntesis, una muy buena cinta que, junto con entretener, nos entrega elementos de debate, análisis y una profunda reflexión sobre los valores fundamentales del ser humano.

Ficha técnica

Titulo Original: Arbitrage 

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 107 Minutos

Género: Drama - Thriller

Año: 2012

País: Estados Unidos

Elenco: Richard Gere, Susan Sarandon, Brit Marling

Director: Nicholas Jarecki

Histeria

Por  Juan  Pablo  Donoso

Dice basarse en hechos reales y científicos.

La hipótesis plantea que la histeria en las mujeres del siglo 19  se debía, principalmente, a su insatisfacción sexual, cuya REPRESIÓN les provocaba graves neurosis e, incluso, otras secuelas psicosomáticas peores.

El filme sugiere que Granville Electric fabricó el primer vibrador genital eléctrico, aunque ya existían de tipo sólo mecánico.

La cinta alude a conflictos sociales del siglo 19, lo que hace menos frívola la historia. También ensalza el altruismo y la vocación médica del protagonista, y los primeros intentos de emancipación femenina.

Parece una novela adaptada al cine por los múltiples niveles del argumento y por la composición de varios personajes secundarios.

Existe una versión teatral llamada EL CUARTO DE AL LADO, que desmerece comparada con la película. Ella sólo se concentra en las escenas de aplicación de vibradores genitales y, para darle un toque más romántico, la esposa del doctor, cuando descubre el artefacto, enriquece su vida matrimonial gracias a que incorpora el placer al sexo.

Y esta película, por ser comedia y tocar este tema pudo ser burda, pero el tratamiento actoral mesurado, la prolija ambientación victoriana, y la simpatía romántica del guión la elevan a un nivel superior. 

COMEDIA INGLESA QUE COMBINA LO CIENTÍFICO CON LO ERÓTICO LOGRANDO SIMPATÍA Y UNA PROLIJA RECREACIÓN DE LA ÉPOCA. VICTORIANA.

Ficha técnica

Título original: Hysteria 

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 100 Minutos

Género: Comedia Romántica

Año: 2011

País: Reino Unido

Elenco: Maggie Gyllenhaal, Hugh Dancy, Jonathan Pryce, Rupert Everett y Felicity Jones.

Director: Tanya Wexler