Mia Madre - Por Juan Pablo Donoso

Nanni Moretti es talentoso cuando se trata de relatar una anécdota interesante. Tal fue el caso de HABEMUS PAPAM, en que el cardenal electo como Sumo Pontífice sufre un ataque de pánico y escapa del Vaticano antes asumir. En Mía Madre falla, precisamente, el dilema de interés dramático. Nada muy importante está en juego. Los personajes son bonachones, cada uno con su carácter, pero sin conflictos; y por muy honestas que sean las actuaciones, la historia se arrastra sobre simples  banalidades.

El personaje central es Margherita, una exitosa directora de cine, que ahora filma una nueva película. En forma paralela sufre porque su anciana madre ( Giulia Lazzarini) está moribunda y sin esperanzas de mejoría. 

En forma paralela asistimos a los problemas del rodaje de la cinta, a la agonía de su madre que fue una eximia profesora de latín, al quiebre de la directora con su pareja, a los problemas con su hija adolescente que se resiste a estudiar materias odiosas en el colegio, y a lidiar con un actor estadounidense (John Turturro) que viene como estrella a trabajar en Italia, pero que se comporta como un caprichoso divo inmaduro. 

Todos estos elementos van entretejidos conduciendo hacia el fallecimiento de la abuela, y el dudoso feliz término de la película que están filmando.

Cuando termina la cinta da la impresión que tanto los guionistas como el director se enredaron y se perdieron en los vericuetos del argumento. Aparte de la previsible salud de la madre, nada importante hay en juego. Sólo es un día a día de personas sencillas, cuyos actores interpretan con sinceridad emocional. La protagonista, Margherita Buy, tiene unos bellos ojos grandes a través de los cuales contempla los avatares cotidianos, y de la cual sólo se “dice” que tiene un carácter difícil, pero que nunca se manifiesta como tal en este filme. Por el contrario,  se la ve confundida, frágil y llena de reminiscencias.

MINIMALISMO REALISTA EN UN DRAMA CASI SIN DRAMA. SOPORTABLE  SÓLO POR  LA  SINCERIDAD DE   LAS  ACTUACIONES.

Ficha técnica

Tragicomedia cotidiana                                                                               

Italia y Francia – 103 minutos

Guionistas:  Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Valia Santella, Gaia Manzini, Chiara Valerio                                                                         

Actores: Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini

Director: Nanni Moretti

La memoria del agua - Por Carlos Correa

Algo me sucede con el cine de Matías Bize. Me agobia, pues siento que no estoy preparado o no tengo la necesaria profundidad para entrar a él. O bien, existe demasiada emoción y menor razón en sus relatos que son eminentemente imágenes, silencios, planos cerrados, luz y oscuridad. Cualquiera sea la razón, lo cierto es que reconozco que estoy siempre en presencia de buen cine, de un director que sabe lo que quiere y lo que hace, y que finalmente -gracias por ello- cada película es una obra de arte.

Amanda -Elena Anaya- y Javier -Benjamín Vicuña- sufren la muerte de su hijo Pedro lo que ha desestabilizado su relación de pareja. Esta traumática experiencia se marca a fuego en sus corazones y provoca un quiebre que irremediablemente modifica sus vidas. Javier lucha por retener a Amanda y ella lucha por no olvidar a su hijo. Ambas situaciones no son opuestas, sin embargo no se complementan ya que cada uno vive el dolor profundo y el amor incontenible de maneras muy diferentes.

Desde el punto de vista argumental, el relato es de una tristeza desgarradora. De ello dan cuenta las actuaciones, los escasos diálogos, el tránsito de los protagonistas y los numerosos planos cerrados que conmueven profundamente. Bize se conecta con Javier y con Amanda desde lo más profundo de su interior y no está dispuesto a guardar nada para intentar dar a conocer un proceso que tal vez es imposible de comprender si no se vive personalmente.

Acá el arte y la subjetividad se apodera de la película y de mi reflexión. No logro entrar en la profundidad que propone Matías Bize. La reconozco, por cierto, sin embargo no puedo traspasar la segunda capa, superar aquello que me impide lograr una mayor conexión emocional con la historia, con el relato, con el sentimiento de los protagonistas. Me llaman profundamente la atención ciertas características de la propuesta del director, cuyas películas tienen un sentido, una firma y una marca que es perfectamente reconocible. Por ejemplo, la fragilidad de la cámara, la intención de volatilidad que le otorga al seguir a los personajes. También me llama la atención que sigue a Javier y enfrenta a Amanda. En este detalle se observa una decisión, una posición respecto al tránsito femenino y masculino.

El cine de Bize es muy interesante, no cabe duda. Distinto es que sea más o menos cercano con cada espectador, que logre penetrar capas más profundas o que simplemente guste o no guste (haga sentir cómodo o incómodo a quien lo observa). Y acá puede haber una pista. Bize incomoda, y aquello es fundamental en el arte. Bien, lo valoro mucho y lo siento así. Sin embargo, en mi caso personal, necesito ser parte de la película y no un simple observador para que esa incomodidad despierte en mi un estado superior de compromiso para ser parte de la construcción del relato y con ello generar una experiencia compartida. Buen desafío para un galardonado director que sigue su carrera ascendente de la mano de un estilo fiel y claro.

Ficha técnica

Título original: La memoria del agua
Género: Drama
Duración: 88 minutos
Elenco: Elena Anaya, Benjamín Vicuña, Néstor Cantillana, Sergio Hernández, Antonia Zegers, Pablo Cerda, Silvia Marty, Etienne Bobenrieth, Alba Flores
Dirección: Matías Bize

El Gran Pequeño - Por Juan Pablo Donoso

Esta es una obra sobre la FE.

Cuando alguien carece de Fe en Dios, aún podrá apoyarse en las personas que SI tienen Fe.

Lejos de ser una típica cinta confesional “religiosa y/o predicante”, los autores logran con esta anécdota demostrarnos que los valores espirituales tienen la fuerza suficiente como para dominar la materia. Hasta incluye la metáfora del granito de mostaza que podría mover montañas.

Durante la II Guerra Mundial, en un pueblito de EE.UU., hay un niño de 8 años cuyo crecimiento está retardado. Por su baja estatura es objeto del abuso de sus compañeros. Su padre es reclutado para ir a la guerra. El hogar queda a cargo de la madre y de un confundido hermano mayor. Sólo un milagro podría salvar al padre de la muerte.

Cuando llega al pueblo un espectáculo de magia, el niño cree que basta con desear algo para que ocurra. Y entre sus deseos está que regrese su padre y que los otros muchachos dejen de torturarlo. 

La fe del niño en el poder absoluto del Espíritu es tan prístina que ni el párroco puede disuadirlo. 

Conocerá a un anciano vecino japonés (enemigos bélicos de EE.UU.) y entablará una gradual amistad con él. El budismo del nipón será incluso positivo para la campaña espiritual en que se empeña el Gran Pequeño Niño.

La cinta, que desde otro ángulo nos recuerda EL TAMBOR DE HOJALATA de  Volker Schlöndorff, fue realizada con prolijidad y sencillez, contó con buenos actores que hacen verosímil la premisa central del argumento.

Evitando recursos almibarados que podrían abaratar este tema, el filme aborda sin tapujos los elementos de crueldad, prejuicios y torpeza de la realidad cotidiana, y por ello la inteligencia  espiritual emerge con más fuerza y empatía.

UNA SABIA HISTORIA SOBRE  EL PODER Y LA IMPORTANCIA DE LA FE. MUY  RECOMENDABLE PARA VER EN  FAMILIA. 

Ficha técnica

BF Distribution

Género: Comedia, Drama, Guerra  

EE.UU. – México – 106 minutos 

Guionistas: Alejandro Monteverde, Pepe Portillo 

Actores: Jakob Salvati, Emily Watson, David Henrie, Kevin James                                                     

Director: Alejandro Monteverde

Allende, mi Abuelo Allende - Por Juan Pablo Donoso

La historia política de Chile durante la Unidad Popular y del posterior período de gobierno militar es demasiado conocida. Las controversias de sus orígenes y consecuencias seguirán latiendo por varios decenios, tanto en nuestro país como entre los analistas extranjeros.

El valor de este documental radica en algo que trasciende la política: se concentra en los miembros de la familia de Salvador Allende, 42 años después del golpe militar, desde su viuda, Hortensia Bussi, hasta las nietas más pequeñas que nacieron años después en el exilio.

Así como el conmovedor documental chileno LA ONCE, escrito y dirigido por una mujer, Maité Alberdi, este filme ALLENDE,… realizado por Marcia Tambutti, nos confirma que cuando las mujeres abordan el cine, atreviéndose a hacerlo desde la sensibilidad y la ternura, los resultados emanan autentica femineidad y arrolladora inteligencia emocional.

Si bien el contexto político de la vida de Salvador Allende es ineludible, la autora/nieta declara en la misma cinta que su objetivo es reflejar el alma de las personas que constituyeron la familia del patriarca, y cómo ven desde sus condiciones de hoy día lo que quedó de aquel tormentoso período de ideologías y catástrofes.

En paralelo con cientos de fotografías y noticiarios filmados de la extensa carrera política de Allende, las conversaciones con parientes actuales, la visita a lugares de veraneo, los silencios, y la simple fragilidad cotidiana de los descendientes, van conmoviendo al espectador justamente por su proximidad, como si fueran nuestros vecinos, inocentes víctimas de una ya lejana tragedia histórica.

El agridulce testimonio conyugal de la viuda de Allende, Tencha Bussi, muy anciana y moribunda; el recuerdo de las hijas del político, Isabel y Carmen Paz, el triste final de Beatriz en Cuba, sonsacados en cálidas charlas por sus nietas ya adultas, revelan cicatrices, reproches y juicios que prefieren dejar dormir en las sombras del recuerdo. La película logra su objetivo: acercar y rescatar la humanidad de aquellos descendientes que, como familia, siguen siendo tan chilenos y vulnerables como el resto de nuestros compatriotas.

CONMOVEDOR DOCUMENTAL  QUE  TRASCIENDE  LO POLÍTICO Y LLEGA AL CORAZÓN CON FINURA, AMOR Y RESPETO.     

Ficha técnica

País: Chile - México

Duración: 90 minutos   

Año: 2015

Guión: Marcia Tambutti, Paola Castillo, Bruni Burres 

Fotografía: David Bravo, Eduardo Cruz-Coke                             

Género: Documental - Familia - Historia política                                                                        

Dirección: Marcia  Tambutti Allende

Alma - Por Juan Pablo Donoso

Comedia chilena de enredos eróticos y matrimoniales. Aunque gruesa, logra momentos divertidos gracias a sus actores, a un buen nivel técnico y a un guión más cuidado que otros filmes de este género.  

Sobresale Javiera Contador quien, además de productora del filme, demuestra gran manejo de histrionismo, simpatía y versatilidad.  Está bien secundada por Fernando Larraín, y por una galería de actores reconocidos por la mayoría del público chileno. Y admirable resulta el talento de la pequeña Noa Buccolini, quien sin exagerar, aporta grata naturalidad a su gracioso personaje infantil.

La protagonista es Alma (Javiera Contador), una mujer joven que sufre de bipolaridad e hiperkinésis. Su esposo (Fernando Larraín) que la ama, intenta vivir a su lado de la manera más tolerante posible. Cuando Alma supone que Fernando la engaña lo despide del hogar de la misma manera desquiciada con que aborda todas las acciones de su vida. 

De ahí en adelante, él tratará de recuperarla usando mil triquiñuelas, y ella, con su irrefrenable dinamismo intentará crearle celos, con disparatadas y erráticas artimañas.

El tema medular de la sátira está en la reconciliación de la pareja, pero como el conflicto es tan simple, los guionistas Rodrigo Vergara Tampe y Diego Roguier, elaboran líos paralelos que inciden y emanan del drama central. Es en estos ramales donde  intervienen otros actores conocidos, como personajes secundarios, o como simples cameos, para darle mayor variedad a los chascarros del filme en su conjunto.  Hasta Stefan Kramer tiene su breve aparición.

Es una comedia concebida esencialmente para divertir de manera liviana y condimentada con imágenes de desnudos y escenas de picardía sexual.

GRACIOSO PERSONAJE DESQUICIADO – ALMA - QUE PROVOCA SITUACIONES GROTESCAS EN SANTIAGO DE CHILE Y BUENOS AIRES.  

Ficha técnica

Género: Comedia picaresca                                                                                       

País: Chile

Duración: 98 minutos                                                                                   

Casa Productora: Picardía Films - Market Chile 

Música: Camilo Salinas - Pablo Illabaca  

Fotografía: Antonio Quercia    

Elenco: Javiera Contador, Fernando Larraín, Noa Buccolini, Nicolás Cabré, Paz Bascuñán, María Izquierdo, Fdo. Godoy, Angélica Castro, Stefan Kramer, etc.     

Guión: Rodrigo Vergara Tampe y Diego Rougier   

Director: Diego Rougier

Sin Escape - Por Juan Pablo Donoso

El tema de esta película es la SUPERVIVENCIA. Y en su afán por demostrarlo nos llevan a vivir una aventura familiar de manera muy hollywoodense.

Un ingeniero es contratado por una gran empresa de agua potable para trabajar en un país asiático, que podría ser Cambodia. Viaja llevando a su esposa y a sus dos hijitas. Recién llegados al lujoso hotel de la capital comienzan las dificultades para vivir allí. 

Llegan justo en el momento en que hordas populares terroristas asesinan al Primer Ministro, se apoderan de las armas del ejército y la aviación, y tienen como meta asesinar a todos los extranjeros, priorizando a los estadounidenses.

Así comenzará la odisea de Jack, nuestro héroe, por escapar del hotel y buscar asilo en la Embajada de EE.UU. El recorrido por las calles para llegar a la sede diplomática ya es infernal. La masacre ingresó incluso a la sede diplomática exterminando a todos sus funcionarios.  

Acompañamos a esta inocente familia durante todo el día y parte de la noche, en su afán desesperado por evitar que los liquiden como ratones en las calles.

Filmada en Tailandia, y siguiendo un prolijo guión de peripecias, el director logra mantener el suspenso a lo largo de todo el relato. Como es obvio, el final feliz de tantas brutalidades y matanzas dejará contento al espectador medio. 

La razón de una guerra civil tan desenfrenada, la explica el personaje de Pierce Brosnan, un mercenario internacional, cuando denuncia que los grandes consorcios económicos occidentales ofrecen colaborar con el desarrollo de los países pobres, pero cuando éstos son incapaces de pagar las deudas, ellos se quedan con las instalaciones y contribuyen a seguir explotando a esas mismas  naciones subdesarrolladas. 

Esta cinta sería el testimonio de cómo esos pueblos sometidos se rebelan y llegan a convertirse en bestias asesinas. Así, tanto la población del país asiático, como la inocente familia, deben “sobrevivir” a como dé lugar, incluso matando para lograrlo.

MUCHA ACCIÓN Y LOGRADO SUSPENSO EN UNA HAZAÑA DIFICIL DE CREER.                                                                                                              

Ficha técnica

Diamond  Films Chile 

Acción, Suspenso                                                                                             

EE.UU.

103 minutos                                                                                          

Actores: Owen Wilson, Lake Bell, Pierce Brosnan

Guión: Drew y John Erick Dowdlwe

Director: John Erick Dowdle

Jessabelle - Por Juan Pablo Donoso

Entre la catarata de filmes de terror que nos llueven ahora último, esta, sin ser demasiado diferente tiene algunos elementos dignos de elogio.

Cae en los pie forzados de recurrir a los “screamers” (golpes inesperados de imágenes monstruosas y ruidos estridentes para que el público salte del asiento). Sin embargo tuvieron el buen criterio de evitar abusar de estos efectos y concentrarse más en otras virtudes estéticas.

En un argumento sencillo – que adolece de algunos giros gratuitos – son dignos de destacar: la actuación de su protagonista, Sarah Snook; la muy cuidada y a ratos hermosa fotografía de Michael Fimognari; y la edición del mismo director Kevin Greutert, quien denota oficio en esa especialidad del montaje.

Sarah Snook es una joven actriz australiana con experiencia en destacados roles del teatro shakesperiano en su país. Ella sola, con el respaldo de muchos primeros planos, logra transmitir una gama de variadas emociones. Su inclusión en esta cinta es, sin duda, una revelación actoral. Tiene ángel y talento. Ojalá volvamos a verla en otras películas con más contenido psicológico, porque transmite con fuerza y verosimilitud. 

La fotografía de Fimognari es prolija, ilumina con inteligencia y contribuye estéticamente al relato de la fábula. Finalmente, pareciera que el director Greutert tuvo con anterioridad experiencia en compaginación, ya que su discurso de montaje es armónico, fluido, y supo aprovechar, por medio de primeros planos, la fuerza interpretativa de Sarah Snook. 

Estas virtudes técnicas y formales se insertan en la historia de una muchacha que, después de quedar inválida de las piernas, debe recluirse en la casa de campo de su familia en medio de los pantanos de Luisiana. Allí será asediada por el fantasma vudú de una niña misteriosamente ligada al oscuro pasado de sus padres.  

UN NUEVO FILME DE TERROR, PERO CUYA ACTUACIÓN Y FOTOGRAFÍA LO ELEVAN POR SOBRE OTROS DE SU GÉNERO. 

Ficha técnica

Título Original: Jessabelle

Distribuidor: BFDistribution

Género: Terror, suspenso

País: EE.UU.

Duración: 90 minutos 

Guionista: Robert Ben Garant                                                                                             

Fotografía: Michael Fimognari

Actores: Sarah Snook, Mark Webber, Joelle Carter 

Director y Editor: Kevin Greutert

Revancha - Por Juan Pablo Donoso

Un nuevo filme de boxeadores típicamente estadounidense, con la fórmula tan probada y exitosa de los cinco ROCKYS, por ejemplo; es un tratamiento argumental que se remonta desde los años 30 y donde los paradigmas fueron A Man and a Gentleman (El Caballero Audaz), City for Conquest, Puños de Acero, Golden Boy, Requiem para un Luchador, y tantas más. 

El pugilista imperfecto y disminuido que a punta de esfuerzo logra, al final, vencer a su feroz contrincante en el ring.

Esta vez se trata de un campeón que, al ser provocado en una ceremonia, se trenza a golpes con un rival y accidentalmente alguien le dispara a su esposa matándola. Con esto el iracundo campeón se derrumba emocional y económicamente, perdiendo incluso la tutela de su adorada hijita, y debe recomenzar desde abajo su carrera hasta recuperar su título.

Los elementos destacables son la actuación de Jake Gyllenhaal y de Oona Laurence su pequeña hija. Ambos transmiten con fuerza y verdad sus emociones y tormentos.

Los combates alcanzan, como ya es habitual, un alto nivel de calidad técnica cinematográfica.  Y el clímax cumple con dar la dosis de adrenalina que los espectadores esperan.

Sin embargo, en las escenas más íntimas y personales, el interés decae por la obviedad y lentitud de algunos diálogos, y por la tibia empatía que esto genera con el conflicto y sus personajes.

EXCELENTE CARACTERIZACIÓN DE GYLLENHAAL  EN  UN CLICHÉ  DE  BOXEADORES, AGIOTISTAS, Y HEROÍSMO SOBREHUMANO.       

Ficha técnica

Título original: Southpaw

Género: Drama, boxeo

País: EE.UU.

Duración: 124 minutos 

Guionista: Kurt Sutter 

Actores: Jake Gyllenhaal, Rachel McAdams, Oona Laurence, Forrest Whitaker

Director: Antoine Fuqua

Enredos en Broadway - Por Juan Pablo Donoso

La fama del director Peter Bogdanovich esta vez le jugó en contra. Eran demasiadas las expectativas sobre esta su nueva película.

Proviene de la generación de Scorsese, Coppola y Woody Allen. 

Con este filme quiso emular las clásicas comedias de enredos de los años 30 y 40, aquellas de Lubitsch, Sturges y Hawks. Ya lo había logrado con algunas sátiras como Noises Off (graciosa de comienzo a fin) y What´s Up, Doc (¿Qué tal Amigos?), y otras que marcaron hitos de nostálgica ternura como La Última Película, La Luna de Papel, y la paradigmática MÁSCARA. Incluso dirigió un histórico documental llamado DIRIGIDA POR JOHN FORD  

Para esta nueva cinta contó con la participación de diestros comediantes, nuevos y antiguos, para ensamblarlos a todos en una farsa de coincidencias, picardías y malos entendidos eróticos. 

A pesar de tener una trama bien “urdida”,  se parece demasiado a las obras de Woody Allen, pero sin la ironía de sus reflexiones. El ritmo de comedia fluye, pero los giros se sienten muy calculados y poco novedosos. Por último, si la joven actriz principal Imogen Poots irradia simpatía, era innecesario que fuera narrándole a su psicóloga lo mismo que estamos viendo en pantalla. 

Todos los actores tratan de jugar con cariño y respeto por el director y su guión, pero la comedia entera carece del toque sensible e inesperado del legendario Bogdanovich.

   

COMEDIA  DE ENREDOS AMOROSOS QUE  DECEPCIONARÁ A  LOS ANTIGUOS  ADMIRADORES  DE  PETER  BOGDANOVICH.

Ficha técnica

Título original: “She’s funny that way”

País: EE.UU.

Año: 2014

Género: Comedia

Duración: 93 minutos

Elenco: Imogen Poots, Owen Wilson, Jennifer Aniston, Will Forte, Cybill Shepherd, Tatum O’Neal, Katheryn Hahn.

Director: Peter Bogdanovich

La Maldición - Por Juan Pablo Donoso

Co-producción filmada en Puerto Octay, Chile, pero hablada en inglés (doblada) y que sugiere algún pueblito rural de un país desconocido. 

Muchos actores chilenos; algunos sobreactúan sin necesidad. 

Mala réplica de un gore setentero en la remota línea de Dario Argento (Suspiria, Rosso Profondo, etc.). 

Sin conflicto claro, personajes muy “malvados” sin  justificación (Luis Gnecco), y otros apocalípticamente atormentados (Cristóbal Tapia Montt).     

              

Como producción técnica es profesional, gracias al buen financiamiento. Pero, ¿a quiénes podría interesar semejante carnicería en estos tiempos? Quizás a ciertos adolescentes sádicos que disfrutan viendo mucha sangre, asesinatos, algo de vampirismo, y un mínimo de inteligencia en el relato. 

Sin protagonistas ni antagonistas, sólo sangre, maldad, corrupción policial, y algo de esoterismo catastrófico, pero barato y sin fundamento dramático.     

CRUELDAD GRATUITA, REBUSCADA Y RETORCIDA. DESAGRADABLE.

Ficha técnica

Titulo Original: The Stranger
Duración: 92 minutos

Calificación:
Género: Terror
Año: 2014
País: Chile
Elenco: Cristóbal Tapia Mont, Luis Gnecco, Nicolás Durán, Ariel Levy

Director: Guillermo Amoedo

Los 33 - Por Juan Pablo Donoso

Una epopeya contemporánea que podría narrarse desde diferentes ángulos.

En este filme, cuyo guión exige tomar decisiones sobre dónde centrar el drama, optaron por hacer un caleidoscopio de situaciones en que casi todos los escenarios tienen similar importancia. Una especie de “coral” narrativa.

Si bien esto es válido en la vida real – y en la cobertura periodística del día a día – al concentrar un relato dramático en 120 minutos, el resultado es inevitablemente un catálogo casi parejo de: un gran desierto chileno, denuncia de la mala condición de algunos yacimientos, catástrofe de trabajadores atrapados  sin posible rescate, angustia de sus familias, dilema de los expertos rescatistas, coyuntura humanitaria y política de un  ministro y del Presidente de la República por intentar una hazaña de prestigio internacional, el proceso psicológico de los mineros en su convivencia y ante la eventualidad de la muerte, el infaltable nicho turístico de publicitar una vez más a Neruda, a Violeta Parra, a Don Francisco, Farkas, a las empanadas de pino, el vino tinto y, finalmente, el apotéotico gran final del rescate y sus resonancias mundiales.  

El derrumbe de por sí es conmovedor. Lo es en las repercusiones familiares, y en el trauma psicológico de los atrapados. Y, sin duda, en el dilema de las autoridades de gobierno que deben tomar una decisión crucial ante la opinión pública.

Una coproducción internacional como esta – para financiarse - debe cubrir muchos frentes: informar sobre la catástrofe, entretener y conmover a la mayor cantidad de público por medio de la emoción, el suspenso, identificar al público con ciertos héroes individuales – en este caso el visionario Ministro Goldborne (Santoro), el líder subterráneo Mario Sepúlveda (Banderas), y la aguerrida pobladora  María Segovia (Juliette Binoche). 

El resultado cumple con muchos de estos requisitos, queda bien con casi todas las partes oficiales, incluyendo la taquilla, pero surgen algunas interrogantes: ¿penetra a fondo en las médulas políticas de la tragedia?  y, ¿cuál es la verdadera evaluación de las víctimas luego de ver esta versión cinematográfica terminada?  Y para nosotros los chilenos, ¿hasta dónde las concesiones argumentales  y los recursos mediáticos apañan la realidad profundamente dolorosa de lo sucedido?

Por encima de las renombradas estrellas internacionales que participaron, felicitamos a los guionistas y, en especial, a la joven directora mexicana Patricia Riggen por haber salvado lo mejor posible un relato tan multifacético y plagado de tentaciones  espurias  y melodramáticas en las que evitó caer.   

COPRODUCCIÓN  COMERCIAL  QUE  CUMPLE  CON DOCUMENTAR, ENTRETENER  Y CONMOVER  EN  VARIOS MOMENTOS. 

Ficha técnica

Título original: Los 33
País: Chile – EE.UU.                                                                                                                                                                      
Año: 2015
Calificación: Todo Espectador
Duración: 120 minutos
Género: Drama
Elenco: Antonio Banderas, Juliette Binoche, Rodrigo Santoro, Gabriel Byrne, Mario Casas, Coté de Pablo, Juan Pablo Raba, Adriana Barraza
Directora: Patricia Riggen

Crímenes Ocultos - Por Juan Pablo Donoso

Bajo el lema propagandístico soviético de que “No hay homicidios en el Paraíso”, el escritor Tom Rob Smith crea una novela compleja que denuncia justamente lo contrario del slogan staliniano de los años 50.

La adaptación cinematográfica está prolija y fastuosamente realizada con un gran presupuesto. Sin embargo, durante el desarrollo se percibe con claridad que tiene más de estructura novelesca que de elaboración dramático-argumental. Esto porque tiene demasiados ejes de conflicto, aunque con habilidad  logran  confluirlos casi todos al resolver el relato.

Ambientada en la Unión Soviética de los años 50, postguerra mundial, en pleno poderío de Stalin, presenciamos la forma en que los oficiales debían someterse a las órdenes del Kremlin cuidando tanto sus vidas como las de sus familias, bajo el terror de ser acusados de traición y, por ello, desconfiando de todos. 

Simultáneamente, alguien comienza a asesinar niños pequeños de manera refinada pero con bestiales mutilaciones. Estos crímenes deberán ser acallados o publicitados como simples accidentes: porque durante Stalin “no hay homicidios en el Paraíso”. 

Un oficial condecorado durante la guerra contra Hitler (Tom Hardy), y su esposa, inician la investigación de estos crímenes siendo por ello relegados y castigados brutalmente. (“Hay cosas que jamás deben salir a la luz”).

El universo gris y frío en que nos envuelve la historia retrata el horror y la desesperanza de la Rusia soviética de esos años. Incluso la esposa del oficial Leo Demidov  (Noomi Rapace), oculta también secretos inconfesables para poder sobrevivir. 

 Si bien el extenso relato (140 minutos) reitera en los infanticidios, hay muchos canales paralelos distintos igualmente dolorosos del infierno político y social que se nos pinta. En una novela podemos irlos compenetrando uno por uno, pero en un filme se nos equiparan perdiendo jerarquía unos sobre otros. 

Para los seguidores del marxismo actual y/o comunistas del mundo, la cinta resultará demasiado propagandística occidental. Para paliar aquello, hasta donde fuera posible, la epopeya tiene acción y recursos heroicos cinematográficos de los “buenos” contra los “malos”. Pero el nivel técnico y las actuaciones – con algunos eximios actores internacionales – dan a la cinta un peso respetable en lo formal y provocador en lo narrativo.

UNA  EXTENSA  EPOPEYA  MULTIFACÉTICA  DE  LOS  HORRORES  DE  UN  PUEBLO DURANTE  LA  ERA  DE  STALIN.

Ficha técnica

Titulo Original: Child 44
Duración: 138 minutos
Calificación: 14 años
Género: Drama
Año: 2015
País: Estados Unidos
Elenco: Tom Hardy, Gary Oldman, Noomi Rapace, Joel Kinnaman
Director: Daniel Espinosa

Oops el Arca nos dejó - Por Juan Pablo Donoso

Este nuevo filme de animación es más grato, menos ambicioso y más breve que otros con la misma técnica electrónica.

Los personajes – incluidos los “malos y/o prepotentes” – resultan simpáticos y graciosos.

Cuando se anuncia el Diluvio Universal, el rey león, asistido por un rinoceronte y una garza selecciona a los pasajeros que se embarcarán. Hay dos especies – tal vez antidiluvianas – que son rechazadas: los Grimpis y los Nestrianos. Pero los padres e hijos de cada uno de estos se las ingenian para ir de polizones. Los niños, por curiosear en la nave se quedan en tierra cuando el Arca emprende la travesía. En su afán por volver a ella vivirán muchas aventuras con otros amigos también excluidos: una gran babosa, Obesi, que más tarde evolucionará en ballena, y su parásito Tranquilino. 

El relato mantiene buen ritmo, las imágenes son luminosas, los diálogos precisos, hay un humor simple y poco sofisticado, y tiene una duración soportable para niños pequeños, y también para los adultos.

SIMPÁTICA  AVENTURA  BÍBLICA  DE  ANIMACIÓN  CON PERSONAJES  GRATOS  PARA  TODO TIPO  DE  PÚBLICO. 

Ficha técnica

Título original: Oops Noah is gone

Distribuidor: BFDistribution

Género: Animación, Aventuras, Comedia                                                                                          

País: Alemania, Bélgica, Luxenburgo, Irlanda

Duración: 87 minutos                                               

Directores: Toby Genkel, Sean McCormack

Promesa de Vida - Por Juan Pablo Donoso

Superproducción bélica y familiar de la tragedia de Gallipoli, llamada también Campaña de los Dardanelos. Se inspiró en un hecho real que dejó más de 250.000 bajas por ambos lados. 

Después de la sangrienta Primera Guerra Mundial la península turca de Gallipoli intenta volver a la normalidad. Pero el resentimiento contra los ingleses, franceses y australianos es enorme.

Un sencillo granjero australiano – dotado para descubrir agua bajo las tierra áridas – envía a la guerra a sus tres hijos varones, creyendo con eso contribuir a una noble causa de los aliados europeos. Pero en el combate fallecen todos sus hijos y la madre, trastornada, se suicida. 

Años después el campesino parte a Turquía a recuperar el cuerpo de sus muchachos para darles cristiana sepultura en su patria.

En Estambul y Constantinopla las autoridades militares lo creen demente. Pero él, mediante subterfugios, logra llegar al campo que fue de batalla y – usando sus dones de rastreador - encuentra los huesos de dos de sus hijos. Se dice que el tercero fue apresado y nadie conoce su paradero, ni si aún vive. 

Acompañamos al padre en su odisea, plagada de incidentes  y contactos con habitantes musulmanes de aquella cultura tan diferente a la suya.  

Es posible que en la vida real el rústico campesino Connor haya experimentado momentos de gran peligro, especialmente cuando los griegos atacaban a los turcos, pero este filme se encarga, a ratos, de hacer concesiones y elevar algunas hazañas a niveles de espectacularidad. 

Sin embargo, la obra nos merece respeto por la memoria del relato histórico (1915 – 2015), por la sensibilidad del protagonista, la selección y desempeño de los personajes secundarios, y por la eximia fotografía y prolija ambientación de época, vestuarios y escenarios naturales.

Russell Crowe confirma su capacidad como director de tamaña gesta, además de interpretar al heroico padre, de quien dicen las crónicas, fue el único que llegó hasta allá para recuperar el cuerpo de sus hijos.  Agreguemos a los méritos el carisma de Olga Kurylenko, que aporta con fineza el toque romántico, la prestancia del actor turco Yilmaz Erdogan, y la espontaneidad del niño Dylan Giorgades. 

EPOPEYA  BÉLICA Y PATERNAL  DE MUY  BUEN  NIVEL  NARRATIVO Y  CINEMATOGRÁFICO.  RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Titulo Original: The Water Diviner

Duración: 111 minutos

Calificación: TE+7

Género: Drama

Año: 2014

País: Australia - EE. UU. - Turquía

Elenco: Russell Crowe, Olga Kurylenko, Jai Courtney, Cem Yılmaz, Yılmaz Erdoğan

Director: Russell Crowe

Ciudades de Papel - Por Carlos Correa

Basada en la novela “Paper Towns” del escritor norteamericano John Green, “Ciudades de papel” cuenta la historia de Quentin "Q" Jacobsen -Nat Wolff- y Margo Roth Spiegelman -Cara Delevingne-, dos jóvenes vecinos que han crecido juntos y que están a punto de graduarse de la secundaria. Margo es especial y “Q” la admira desde que llegó a vivir al frente de su casa. Ya de adolescentes han seguido rutas diferentes; ella es extrovertida, popular y excéntrica, en cambio Quentin es aplicado, temeroso y de bajo perfil. Tan distintos son que ya prácticamente no se conocen hasta que Margo aparece una noche en la ventana de la pieza de “Q” con un plan para vengarse de su novio que le ha sido infiel con su mejor amiga.

Esta historia romántica adolescente tiene varios elementos interesantes de destacar. Uno de ellos es la marcada diferencia en la personalidad de los protagonistas. Y la cinta no se inclina por ninguno de los dos ni menos los descalifica “a priori”, sino que se limita a dar cuenta de ello con ejemplos concretos y formas de actuar diametralmente opuestas. Otro elemento presente es la fuerza que adquiere la idealización en el amor juvenil, sin medir consecuencias, actos o responsabilidades. También junto a ello, se encuentra el gran valor de la amistad, esa fuerza vital que lleva a Quentin a tomar acciones arriesgadas gracias al incondicional apoyo su núcleo más cercano, Marcus "Radar" Lincoln y Ben.

Tal vez el elemento más importante que destaca la cinta es el referido al espacio de confort. Esto queda explícito en la actitud de Margo hacia “Q” que en esa noche de “venganza” es desafiante a mover los límites y a cruzar aquella barrera de lo desconocido, independiente del resultado que se pueda con ello conseguir. Luego que MRS desaparece, comienza la reacción de Quentin a propósito de las pistas que Margo ha dejado y gracias a la motivación que le produce el darse cuenta que necesita tomar riesgos para así poder encontrarla.

“Ciudades de papel”, dirigida por Jake Schreier sigue la ruta del anterior Best Seller de Green -“Bajo la misma estrella”- pues no se queda en solo ser una cinta juvenil con temáticas “ad hoc” sino que va un paso más allá: nos muestra diversidad, acción, riesgo y resultados inesperados, lo que junto a un excelente nivel de producción nos entrega una buena película para entretenernos, conversar y reflexionar.

Ficha técnica

Título original: Paper Towns

Género Drama

Año: 2015

Duración: 109 minutos

Calificación: TE7+

País: Estados Unidos

Elenco: Cara Delevingne, Nat Wolff

Director: Jake Schreier