Los Juegos del Hambre - Sinsajo El Final - Por Juan Pablo Donoso

Esta superproducción de la saga SINSAJO, Juegos del Hambre- Final, superó a su 1ª Parte.

Para mejor disfrutarla convenía conocer los antecedentes del conflicto, a muchos personajes que aquí reaparecen, y de los que se mencionan de la gesta anterior. 

Es una trama compleja de aventuras heroicas futuristas, en un mundo desolado por catástrofes bélicas, y donde lo que queda de la humanidad es esclavitud sometida a gigantescos poderes políticos, económicos y tecnológicos. 

El tirano Snow (Donald Sutherland) es antagonizado por la Presidenta Alma Coin (Julianne Moore); ambos compiten por el poder total sobre lo que queda del planeta. Valiéndose de la influencia payasesca de lo mediático (Stanley Tucci), organizan un Juego en el que sus jóvenes participantes deben luchar unos contra otros a muerte, sorteando trampas que las mismas autoridades les han puesto en el campo de batalla, incluyendo las más avanzadas armas tecnológicas. Durante el juego se destaca una muchachita casi adolescente, Katniss Everdeen, superdotada en el uso del arco y la flecha, junto a un grupo de amigos. A poco andar descubrieron – en la 1ª parte – que eran sólo títeres, y víctimas desechables de las potencias políticas. De la rebelión de esos humildes héroes, apoyados por comunidades enteras sumergidas en la miseria, surgirá la guerra contra los siniestros magnates explotadores.

En esta hazaña Final, la meta es infiltrarse en el palacio de Snow y matarlo. Para ello, el grupo de jóvenes guerreros deberá cruzar la ciudad enfrentando decenas de obstáculos, cuál de todos más violentos, sorpresivos y brutales.

Como es obvio en una superproducción de este calibre, los efectos especiales hacen alarde de virtuosismo. Pero son dignos de destacar la calidad actoral de Jennifer Lawrence (Katniss), muy talentosa para su corta edad, y los actores ya consagrados. La música se integra en forma notable con la acción. A pesar de su longitud, y del sinnúmero de peripecias, mantiene el interés incluso para quienes desconocen a ciertos personajes que fueron importantes en el segmento de 2014, y cuya identidad ahora debe darse por conocida.

PARTE FINAL DE UNA SAGA APOCALÍPTICA ÁGIL, ESPECTACULAR Y CON ALGUNAS CONMOVEDORAS  ACTUACIONES.     

Ficha técnica

The Hunger Games: Mockingjay – Part 2

BF Distribution 

Acción, Aventura, Ciencia Ficción 

Estados Unidos

136 minutos    

Música: James Newton Howard     

Guionistas: Peter Craig, Danny Strong, Susanne Collins                                

Actores: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Julianne Moore, Donald Sutherland
Director: Francis Lawrence

No Soy Lorena - Por Juan Pablo Donoso

Relato chileno de misterio e intriga, narrado desde un ángulo intrínsecamente femenino.

Realización audiovisual muy cuidada en lo técnico – fotografía, música y manejo de cámara – y logrando naturalidad en casi todas las actuaciones. 

Su mérito de lenguaje está en la forma en que Olivia (Loreto Aravena) es víctima de una situación, y de las maneras en que reacciona para intentar resolverla.  

Hay en su comportamiento una combinación aleatoria de emociones, ideas, impulsos, y una confusión existencial que la lleva desde el erotismo a la indiferencia afectiva.

La estructura y montaje del guión es coherente con la anarquía emocional de la muchacha. 

Ella es actriz y ensaya una obra escrita y dirigida por su ex novio, Mauro (Lautaro delgado), quien la critica con dureza. Un día recibe un llamado en su celular cobrándole dinero atrasado, con amenaza de embargarle los muebles de su departamento. Pero a quien buscan es a una tal Lorena Martínez. Esos llamados se convertirán en un acoso telefónico. Ella decide averiguar quién es la tal Lorena y aclarar el error. La búsqueda se transforma en obsesión; y al hacerlo va conociendo personas y lugares peligrosos y clandestinos.  Al mismo tiempo nos enteramos que tiene una madre con demencia senil (Paulina García) cuya enfermedad hace aún más inestables sus circunstancias. Halla en un vecino travesti (Maureen Junott), un confidente que comprende sus angustias. 

El interés del discurso dramático lo da el misterio de la indagación, y las injerencias de diversos personajes secundarios con los cuales interactúa.

Lo que impide que la historia se disgregue es su objetivo por hallar a esa Lorena, y lo que nos mantiene afectivamente junto a Olivia es su naturaleza vulnerable que mezcla la curiosidad, el morbo, las alteraciones hormonales y anímicas, con su indefensión psicológica. El brusco final abierto dejará desconcertado a más de algún espectador. 

RELATO DE MISTERIO NARRADO DESDE LA PERSPECTIVA MUY FEMENINA DE SU PROTAGONISTA.

Ficha técnica

Misterio, intriga                                                                                          

Chile - 82 minutos                                                                                    

Market Chile

Fotografía: Eduardo Bunster                                                     

Edición: Catalina Marín                                                                   

Música: Christian Basso  

Guionistas: Isidora Marras, Catalina Calcagni, Claudia-Marie Clement                                                                                     

Actores: Loreto Aravena, Paulina García, Maureen Junott, Lautaro Delgado

Dirección: Isidora Marras  

La Voz en Off - Por Juan Pablo Donoso

Es difícil evaluar esta película chilena coproducida con Canadá y Francia. Carece de centro de gravedad. El problema pareciera estar en el guión. 

¿Cuál es el tema central del relato? ¿Tiene algún conflicto predominante? De entre tantos personajes cotidianos, cada uno con su pequeña historia ¿hay alguno cuyo drama burgués sea trascendente y justifique los 95 minutos de película?  Estas serían las interrogantes temáticas. 

En lo formal, impresiona por un prolijo tratamiento de imágenes y sonido, y por el profesionalismo con que los actores abordan sus roles. Pero ¿qué pretenden transmitirnos los autores, más allá de la proximidad cotidiana de sus intérpretes?  ¿Qué justifica el título de la cinta, aparte de una forzada inclusión al final diciendo que los locutores de comerciales – con su “voz en off” – le dan calidez a las vidas familiares que suelen ser más complejas de lo que ofrece la publicidad y las apariencias? (¿Algún resabio de Terciopelo Azul?) Y para eso nos sumergen en el maremágnum de una familia chilena de clase media acomodada, como hay miles, con situaciones archiconocidas y donde nada sucede digno de emocionarnos. 

Pareciera haber una errónea idea de lo que es el “cinema verité” (cine verdad), donde las cosas “parecen” cotidianas, pero tras su aparente simplicidad se esconden dolorosas denuncias sociales, políticas o casos desgarradoramente “individuales”. En este filme todo aquello se diluye en primeros planos, bellas iluminaciones, lenguaje procaz femenino, y en escenas y personas que – tal vez – los guionistas creyeron metafóricos, pero que terminan siendo prescindibles o indiferentes (langosta final, vegetarianismo, ex marido hinduista, acostarse con el esposo de la amiga, enterrarse un clavo en el pie, etc.). 

Por la carencia de una premisa central, y por la disgregación de situaciones individuales, pareciera un compacto de lo que debió ser una caleidoscópica teleserie ambientada en una familia de clase media acomodada en el Chile de provincia. 

PROLIJA REALIZACIÓN PARA UN FILME QUE MEJOR PUDO SER UNA TELESERIE.

Ficha técnica

Guionistas: Cristián Jiménez y Daniel Castro 

Fotografía: Inti Briones                                                                              

Drama, Vida Familiar                                                                                    

Chile, Francia, Canadá

95 minutos   

Actores: Ingrid Isensee, Paulina García, Cristián Campos, María José Siebald, Shenda Román    

Dirección: Cristián Jiménez  

Yo, Earl y Raquel - Por Juan Pablo Donoso

El lenguaje de esta película alcanza un “estado de Gracia”. 

La riqueza del relato está en lo subliminal. El tiempo y la evolución de las escenas son sólo rieles por donde corre la esencia espiritual de la obra. Acciones y diálogos sirven sólo para hacer contacto con la realidad cotidiana, pero el verdadero flujo corre por debajo de las contingencias concretas. 

Los personajes secundarios, en especial los adultos, con su sola presencia, vestuarios, actitudes y miradas, transparentan sus dramas personales, sin necesidad de decirlos con palabras. 

La historia es simple y podría ser melodramática: hay tres amigos adolescentes, dos muchachos y una niña diagnosticada con leucemia aguda. Pero a medida que avanza su enfermedad se estrecha el vínculo afectivo entre ellos, sin apelar a recursos de enamoramiento, y menos aún de sexualidad. Es amistad pura; comunicación potente que emerge a pesar de la inmadurez de los jóvenes. Son alumnos todavía de colegio, juegan a filmar vídeos caseros parangonando grotescamente famosos filmes de la historia del cine. 

Si analizamos las escenas y los diálogos por separado, veríamos que hasta podrían ser prescindibles. Pero el lenguaje audiovisual, incluso juguetón, con que el director Alfonso Gómez-Rejon, y su equipo, los urde y combina, es lo que logra el prodigio de transformar esas torpes relaciones humanas en gran poesía cinematográfica y del más sutil poder emocional. 

Sólo cuando termina la exhibición se percibe la conmoción interior que dejó en nosotros.

PARA RECIBIRLO CON EL CORAZÓN ABIERTO Y DEJARSE TOCAR POR SU INEFABLE EMOCIÓN 

Ficha técnica

Me and Earl and the Dying Girl

 Novela y Guión: Jesse Andrews

Fotografía: Chung-hoon Chung                                                       

Edición: David Trachtenberg                                            

Tragicomedia                                                                             

EE.UU. - 105 minutos

Premio del Gran Jurado Festival Sundance 2015

Actores: Thomas Mann, RJ Cyler, Olivia Cooke, Nick Offerman, Connie Britton, Molly Shannon

Director: Alfonso Gomez-Rejon

Chicago Boys - Por Juan Pablo Donoso

Serio y sugerente documental para conocer quiénes fueron los Chicago Boys, y el rol que desempeñaron durante el gobierno militar en Chile.

Un grupo de estudiantes egresados de Economía de la Pontificia Universidad Católica de Santiago, viajó a la Universidad de Chicago a realizar cursos de postgrado. Allá fueron discípulos de los maestros Milton Friedman y Arnold Harberger, de quienes aprendieron los principios fundamentales del neoliberalismo económico. 

El rigor de esos estudios, y la fuerte disciplina a que fueron sometidos, les permitió imbuirse en aquella filosofía. Se les abrió un nuevo y fascinante universo aún desconocido en las aulas académicas chilenas. Al regresar y ejercer la docencia universitaria entregaron una óptica renovada de esta ciencia. Como ejercicio, elaboraron un proyecto hipotético de lo que podría elevar el nivel socio-económico de nuestros países siguiendo los principios aprendidos de Friedman y Harberger. 

Cuando irrumpió el Golpe Militar que derrocó al gobierno marxista de la Unidad Popular, llegó a oídos del General Pinochet que había un estudio académico elaborado por jóvenes economistas que podría recuperar la situación desastrosa en que se hallaba le economía del país. Asignó a un alto oficial de apellido González para que estudiara aquella Tesis e informara sobre ella. Ese estudio - teórico en principio - fue el que se puso en práctica durante los 17 años de gobierno militar. Se lo llamó El Ladrillo, y sus ejecutores fueron en su mayoría aquellos mismos profesionales formados en Chicago que ocuparon los cargos ministeriales de la especialidad. 

Chile  fue el primer país en adoptar los principios de Friedman, que postulaba más espacio de decisión a las personas y menos al Estado. Se abrió el mercado libre al capitalismo y el nivel socio-económico del país comenzó a prosperar con éxito y a gran velocidad.

El documental, realizado por Carola Fuentes y Rafael Valdeaevellano, permite al espectador ver y escuchar los testimonios de aquel período  con un abundante acopio de imágenes de archivo, que van desde la estadía de los jóvenes en EE.UU., hasta el retorno a la democracia en 1989.

Lo especial de este filme es el testimonio vivo  y la narración que hacen ahora, como hombres maduros, aquellos Chicago Boys de entonces. Y también de los que fueron sus monitores estadounidenses. 

Pero la situación política del país y la violación a los derechos humanos durante aquel periodo es ineludible. Y ellos también deben responder a esas interrogantes, ya que fueron artífices fundamentales del régimen. 

Y de este contraste entre el  desarrollo económico de Chile y el doloroso proceso político y represivo, es de donde los realizadores Fuentes y Valdeavellano nos entregan su mensaje sociológico: “el objetivo de la Economía es para el desarrollo integral de las Personas, versus una  Economía para la perfección de la misma Economía”.

Y el documental llega en un momento muy oportuno a nuestras pantallas: junto a las aristas del progreso material, trae también incubado el virus de las corrupciones financiero-políticas y las  colusiones lucrativas de algunas  empresas en desmedro y alienación farandulera de la las grandes masas consumidoras.   

UN DOCUMENTAL MUY OPORTUNO, INTELIGENTE Y EDUCATIVO, PARA EVALUAR EL ESTADO SOCIO-ECONÓMICO, Y CULTURAL, DE CHILE EN EL PRESENTE.  

Ficha técnica 

Documental – Política – Historia

Chile

85 minutos  

2015 

Market Chile

Testimoniales: Milton Friedman, Sergio de la Cuadra, Rolf Lüders, Ricardo French-Davis, Arnold Harberger, Roberto Kelly, Juan Gabriel Valdés, Jorge Cauas,etc.

Directores y Guionistas: Carola Fuentes, Rafael Valdeavellano

El Principito - Por Juan Pablo Donoso

Quienes crean que este es El Principito llevado al cine se decepcionarán.

Con el fabuloso presupuesto de US$ 81.200.000 realizaron una historia de animación en que sólo “interviene” el Principito de Antoine de Saint Exupery. Pero es otra la protagonista, es otra la fábula, y es otro el desenlace.

Es la historia de una niñita obligada por su madre a ser eficiente y productiva y que, por accidente, va descubriendo al Principito y a sus personajes. Su vecino, caricatura de George Bernard Shaw, es un anciano que, supuestamente, sería el mismo Saint-Exupery. Tanto la niña como el anciano piloto vivirán aventuras junto al verdadero Principito, que es un niño, y más adelante en el relato lo encontrarán ya adulto, como barrendero y sin ilusiones. 

Se sustenta en dos postulados: “No es malo crecer; lo malo es olvidar”, y “Lo esencial es invisible a los ojos”.

Compleja alegoría que mezcla el libro clásico con periplos ajenos al original. Es posible que por su densidad canse, confunda, e incluso aburra a los niños. Ya se hizo un filme musical de El Principito en 1974, dirigida por Stanley Donen, y también con un resultado poco feliz. 

El valor del libro es que por su sencillez, y por su profundidad poética, se defiende por sí mismo. Resuena de distintas maneras en la sensibilidad de cada lector; y, a la vez, constituye una crítica al egoísmo materialista e invita a recuperar la más pura e inocente humanidad con que todos nacimos y que al crecer fuimos perdiendo. 

ATIBORRADA Y OSTENTOSA EPOPEYA QUE MÁS BIEN DEBIÓ LLAMARSE “A PROPÓSITO DE”  EL PRINCIPITO. 

Ficha técnica

BFDistribution

2015

Animación

Francia y Canadá - 88 minutos

Voces: Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Riley Osobrne, Benicio del Toro, Ricky Gervais , Paul Giamatti, Albert Brooks y Bud Cort. 

Guionistas:  Irena Brignull, Bob Persichetti

Director: Mark Osborne

La Sal de la Tierra - Por Juan Pablo Donoso

Una nueva joya documental del director alemán Wim Wenders. Esta vez rinde un homenaje a uno de los máximos fotógrafos contemporáneos: Sebastiao Salgado.

Junto con darnos a conocer quién es el brasilero Salgado, su vida, su familia y su trayectoria artística, este documental nos deslumbra con la sensibilidad y la inteligencia espiritual del fotógrafo. Dice Salgado que una fotografía deja de ser una “foto” cuando revela tras ella un abismo de vida, de verdad y de misterio insondable. 

Y eso lo confirma el documental de Wenders: cada testimonio visual – casi siempre en blanco y negro – nos deslumbra por su belleza, primero, y luego nos golpea la conciencia sobre el mundo en que vivimos. Nos recuerda que somos hermanos de toda la humanidad, de los animales, y de la naturaleza en su conjunto. 

Durante los últimos 40 años la cámara de Salgado captó los mayores conflictos internacionales: guerras, hambrunas y éxodos. Y en el último tiempo, junto a su esposa Leila, en una gesta ímproba, se abocaron a reforestar las tierras áridas del campo de sus ancestros, hasta lograr que allí renacieran los bosques y volvieran a morar innumerables especies de animales silvestres.

Después de recorrer todos los continentes retratando dolor,  miseria y brutalidad, eleva un tributo a la belleza vital de nuestro planeta.

Recomendamos esta película a todo espectador que, junto con admirar la maestría plástica, conozcan al hombre cuyo ojo logró captar con su cámara la esencia que habita detrás de las imágenes. Y con ello invitarnos a ver nuestro entorno con los ojos de la misericordia y del amor por toda la creación.  

Este filme debería ser obligatorio en los planes de estudio escolares, estimular sus reflexiones, e iniciar a los jóvenes en la capacidad de reconocer belleza en las imágenes, con sus luces y sombras.

Es lamentable que esta obra tenga tan poca publicidad en nuestro medio frente a otras que sólo fomentan la estridencia y el éxito comercial. En el cine habíamos apenas cuatro espectadores.

UN PRODIGIO DE BELLEZA Y SABIDURÍA CUYO MENSAJE JAMÁS  PASARÁ DE MODA.  

Ficha técnica

The Salt of the Earth 

Año 2014

Documental  

Francia, Brasil, Italia - 110 minutos 

Directores y Guionistas : Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado, David Rossier

El Último Cazador de Brujas - Por Juan Pablo Donoso

Revoltijo pretencioso y recargado, tanto en su argumento como en sus efectos especiales. La hermosa actriz Julie Engelbrecht está caracterizada como la horrible Reina de las Brujas - ¡qué desperdicio! En cambio, pusieron a la joven Rose Leslie en un personaje que, amén de absurdo, entrega una actuación monocorde y elemental. El veterano Michael Caine aplica su oficio lo mejor que puede. Y los demás, incluido el héroe Kaulder (Vin Diesel), patinan, a la deriva, en una historia que da palos de ciego porque carece de una premisa medianamente cuerda.

Durante la peste negra en la Europa del siglo 14, un guerrero, Kaulder, se enfrenta en una caverna con la Reina de las Brujas – supuestamente causante de la peste – y al matarla, ella, antes de morir (¡tal vez!) carbonizada, le hace una maldición: él vivirá eternamente. Ochocientos años después lo encontramos en Nueva York persiguiendo brujas para combatirlas, y viendo morir (¡tal vez!) a sus amigos por la acción siniestra de las parcas (y brujos). En esta gesta endemoniada surgen más de diez sub-historias intercaladas, salpicadas con diálogos obvios y forzados. 

Consiguieron un presupuesto de US$ 90.000.000 creyendo que lograrían una gran superproducción; y sólo crearon una súper mazamorra con personajes poco simpáticos, y con situaciones sin interés, pero muy estruendosas.

GIGANTESCA PARAFERNALIA EN UN RELATO ESTÚPIDO Y CONFUSO.

Ficha técnica

Título original: The Last Witch Hunter

BFDistribution

Acción, terror, fantasía                                                                                 

EE.UU.

105 minutos                                                                        

Guionistas: Cory Goodman, Matt Sazama  

Actores: Vin Diesel, Rose Leslie, Julie Engelbrecht, Elijah Wood, Michael Caine    

Director: Breck Eisner    

Puente de Espías - Por Juan Pablo Donoso

Hazaña histórica – político/judicial – de un abogado estadounidense durante la Guerra Fría.

Mientras en Alemania Oriental levantan el Muro de Berlín, en EE.UU. la CIA descubre a un diestro espía soviético, Rudolf Abel. Al mismo tiempo, sobre territorio ruso es derribado el avión U2 pilotado por el oficial Francis Gary Powers.

Así, en ambos bandos bélicos tienen prisioneros a dos espías cruciales.

James B. Donovan es un habilísimo abogado experto en cobranzas de Seguros.

La CIA le encomienda la defensa del espía soviético Abel para que pierda el juicio, se lo declare culpable y sea condenado a muerte.

Donovan, gran conocedor de la Constitución, libera al acusado de morir. Esto le acarrea el desprestigio popular como defensor de los enemigos de la democracia occidental.

Pero Donovan (Tom Hanks) propone una solución al conflicto político: intercambiar a Abel por el piloto Powers. Lograría así una tregua pacificadora para ambos países.

El gobierno de EE.UU. lo envía a Alemania Oriental a negociar el intercambio. 

Será esta gestión secreta, con sus vicisitudes y riesgos, el núcleo dramático del filme.   

Incluso, los comunistas también capturan a un joven estudiante norteamericano (Will Rogers) quien, en la RDA, elaboraba una tesis universitaria, y es retenido injustamente como sospechoso de espionaje para Occidente.

Presenciamos el vínculo emotivo de Donovan con el prisionero Abel, y admiramos la inteligencia, y suerte, con que resolvió tan delicado conflicto internacional.

Se plantea, por parte de Spielberg, una vez más, la ambigüedad de los deberes patrióticos (Munich. Lincoln, Schindler), ante un equivalente intercambio de espías. Y para ello se toma el tiempo – 141 minutos – para desarrollar el tema. Gracias al aporte al guión de los hermanos Ethan y Joel Coen, el relato mantiene nuestro interés. Y, por supuesto, también a la eximia interpretación de dos actores: Tom Hanks, que 4 veces ha protagonizado obras de Spielberg y, muy en especial, Mark Rylance, como Rudolf Abel. Rylance, de 54 años, actor inglés bastante menor que el personaje, que resulta fascinante de observar en esta caracterización minimalista, impecable y conmovedora. Muy posible candidato al Oscar como actor secundario.

Hay una impecable reconstrucción atmosférica del Berlín Oriental de esa época, captado en claro-oscuros por el Director de Fotografía Janusz Kaminski. Y en esta película, a diferencia de otras de Spielberg,  hay más suspenso en los diálogos que en la acción.

GRAN  OFICIO  NARRATIVO EN  UNA  HAZAÑA  HISTÓRICA DURANTE  LA  GUERRA  FRÍA. LENGUAJE  MADURO E  INTELIGENTE.

Ficha técnica

Título original: Bridge of Spies

Director: Steven Spielberg 

Guionistas: Matt Charman, Ethan Coen, Joel Coen 

Actores: Tom Hanks, Mark Rylance, Alan Alda, Will Rogers, Austin Stowell 

Fotografía: Janusz Kaminski 

Editor: Michael Kahn 

EE.UU. – 141 minutos

Pacto Criminal - Por Juan Pablo Donoso

Resulta difícil evitar la comparación con GOODFELLAS (Martin Scorsese) y/o la saga de EL PADRINO, o CHINATOWN. La diferencia está en que los personajes de PACTO CRIMINAL existieron de verdad, y muchos de ellos aún están activos. 

Esta historia de mafiosos se ubica en la década de los 70, en el sur de Boston. Su líder fue James “Whitey” Bulger, hermano del influyente senador demócrata Billy Bulger.

Era un barrio pobre al sur de la ciudad. Los muchachos de origen irlandés se apoyaban unos con otros contra la miseria o los matones. Esto los unió bajo estrictos códigos de lealtad para sobrevivir o prosperar en el futuro.

Con el tiempo, uno de ellos, Connolly, ingresó como eficaz funcionario del FBI; otro, Billy, hizo carrera política y llegó al Senado; su hermano mayor, James “Whitey”, optó por el liderato delictual en su zona, adquiriendo enorme poder en el hampa.  Cuando la mafia italiana del norte de Boston comenzó a tomar fuerza, “Whitey” inició una guerra contra ellos gracias a su parentesco con el senador, al comienzo, y luego, denunciando oficialmente las ilegalidades de los italianos. Hizo esto aprovechando los antiguos lazos de lealtad con el policía Connolly, y logrando así desarticular a sus rivales de origen itálicos. Con ello su imperio de drogas y prostitución prosperó notoriamente. Sus espaldas estaban cubiertas por los políticos y por el FBI.

Cualquier persona que amenazara su poder era asesinado sin clemencia por orden suya, o por su propia mano. 

Cuando sus excesos – e influencias - comenzaron a trascender a  la opinión pública y perdió el apoyo de las instituciones, escapó de la ciudad para sumergirse en el anonimato por 17 años. Hasta que los testimonios de sus cómplices lo delataron y permanece encarcelado hasta hoy.

La película nos permite conocer aquella fracción de la historia mafiosa de EE.UU., y la habilidad de Whitey para manejar sus contactos.

Aparte de la muerte de su pequeño hijo y de la ruptura de su hogar, ¿cuáles fueron las motivaciones que llevaron a Bulger a convertirse en semejante líder y asesino a sangre fría?  Sólo de pasada se menciona que era un psicópata que halló la circunstancia adecuada para cometer sus fechorías. En un momento se lo ve contribuyendo con dinero y armas al movimiento terrorista del IRA. Pero ¿fue simplemente un hombre “malo” y astuto, que logró sobrevivir hasta los 81 años?

Johnny Depp, en una cuidada y minuciosa caracterización, logra transmitir el carácter amenazante de su personalidad, como todos los que por ansias de poder infunden miedo a su alrededor, unido al humor macabro y a la ambigüedad de su comportamiento.

Destacan también  Joel Edgerton (el Faraón en Exodo,Dioses y Reyes), como el corrupto policía Connolly, y Benedict Cumberbatch (El Código Enigma), como el hermano senador demócrata.

VALE  MAS  POR LAS ACTUACIONES Y POR SU  APORTE  DOCUMENTAL, QUE  POR LA PROFUNDIDAD DRAMÁTICA DEL  RELATO.

Ficha técnica

Director: Scott Cooper 

Guionistas: Mark Mallouk, Jez Butterworth, Dick Lehr, Gerard O´Neil 

Actores: Johnny Depp, Benedict Cumberbatch, Dakota Johnson, Kevin Bacon 

EE.UU. – 122 minutos

Operación Ultra - Por Juan Pablo Donoso

Una historieta de “comic” envuelta en formato de intriga política.

El director de origen iraní Nima Nourizadeh (Proyecto X) logró mezclar una aventura de acción política con una disimulada dosis de comedia y disparate.

Para ello contribuyó con acierto el guionista Max Landis (hijo del director John Landis).

Al comienzo nos hacen creer que se trata de una seria historia de violencia y drogadicción. Pero a poco andar los giros caricaturescos nos dan la clave para tomar el filme como un divertido juego de exageraciones.

La CIA elaboró un proyecto para lavarles el cerebro a muchos jóvenes drogadictos y convertirlos en feroces armas humanas: una especie de semi-robots de gran poder destructivo. Pero el experimento falló y los conejillos de india quedaron como zombies esclavizados. Sólo se salvó el humilde muchacho de un pueblito rural, quien nada recuerda de su tratamiento científico, que trabaja en un supermercado, y que tiene una novia a la que adora y con la cual quiere casarse.

Pero los “malulos” de la CIA necesitan exterminarlo. Entonces, su entrenadora (Connie Britton, protagonista de Nashville), quien sentía por él un cariño maternal, decide prevenirlo contra los que vendrán a matarlo.  

De ahí en adelante el muchacho, al igual que Rambo, vivirá violentos enfrentamientos en los cuales demostrará que su preparación como súper combatiente fue eficaz. 

A diferencia de RAMBO, el tratamiento cinematográfico de esta película optó por el lenguaje grotesco del “comic”, logrando un tono de sutil comedia y restándole gravedad a las matanzas, a la sangre, a las explosiones, y a la revelación de terribles secretos políticos y de traición amorosa. 

Para mayor abundamiento los créditos finales son dibujos animados.

ACCIÓN  Y  VIOLENCIA  EN  TONO DE “COMIC”.  AMENA, INVEROSIMIL  Y  SATÍRICA.

Ficha técnica

Operación Ultra

(American Ultra)

BFDistribution

Acción, comedia                                                                                   

EE.UU.- Suiza  - 96 minutos                                                          

Guión: Max Landis                                                                                     

Actores: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Connie Britton, Topher Grace                                                                            Director: Nima Nourizadeh

Everest - Por Carlos Correa

Subir montañas tiene algo difícil de describir. Es una mezcla de desafío, temor, audacia y trabajo que cuesta explicar. En mi caso personal siempre me encantó y por ello formé parte de un grupo de andinismo en mi colegio con el que subimos 3.500 metros de altura sobre el nivel del mar. Es una impresión única y conmovedora divisar todo desde la altura y cumplir un objetivo propuesto.

"Everest" es una cinta que logra transmitir una parte de los sentimientos y sensaciones que brevemente describo en el primer párrafo de estas líneas. Por cierto, no se trata de una montaña cualquiera, sino de la más alta de la tierra, 8.848 metros de altura. Un desafío al que pocos pueden acceder y menos aún pueden conquistar.

El relato se basa en una historia real de un grupo de Aventuras -con fines comerciales- que se dedica a llevar personas a la cima más alta, y lo más importante, a regresar sin problemas. Jason Clarke es Rob Hall, el carismático líder de la expedición, que cuenta con mucha experiencia y condiciones para cumplir su misión. Lo acompañan sus fieles colaboradores y un reducido número de integrantes con los que han planeado en detalle este viaje. Todo está previsto para hacer cumbre el 10 de mayo, fecha que está dentro del margen en los que la montaña presenta el mejor clima. Sin embargo, no todo se puede planificar y una tormenta anunciada para el día siguiente adelanta su paso y se desata con una magnitud inusual en pleno descenso de la expedición.

La película está muy bien filmada y también muy bien actuada. Los paisajes son magníficos y las cámaras dan cuenta de la hermosura de un entorno sin igual. Asimismo, la ferocidad de las inclemencias del tiempo están muy bien construidas, dando al filme un tono y calidad excelente.

Independiente de la historia, la cinta es inspiradora para reflexionar. El asumir un desafío de tamaña naturaleza es ciertamente un trabajo enorme. Trabajo de equipo, colaboración, lealtad, honestidad se deben imponer a los temores individuales, a las dudas y a la competencia que por momentos -y tal vez de forma muy natural- puede despertar la vital necesidad de sobrevivir en condiciones absolutamente adversas. Tomando en cuenta estas y muchas más variables, la cinta entrega una perspectiva clara que llevar al límite las posibilidades puede desencadenar una tragedia. Esa conciencia hay veces que se desafía o simplemente no se toma en cuenta, dejando al descubierto las vulnerabilidades de los seres humanos frente a fenómenos naturales que no podemos controlar aunque lo queramos.

"Everest" es una cinta fascinante y de la que podríamos hablar mucho, pues su centro está en la esencia del liderazgo adaptativo y lo que debe ser un trabajo en equipo, donde el bien más preciado que es la vida, está en manos de todos y cada uno de quienes componen el grupo.

Ficha técnica

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Acción, aventura, thriller

Duración: 121 minutos

Protagonistas: Jake Gyllenhaal, Jason Clarke, Josh Brolin, John Hawkes, Vanessa Kirby, Sam Worthington, Robin Wright, Thomas M. Wright, Michael Kelly, Clive Standen, Tom Goodman-Hill, Ingvar Eggert Sigurðsson, Martin, Henderson, Emily Watson, Micah Hauptman, Naoko Mori

Dirección: Baltasar Kormákur

El Clan - Por Juan Pablo Donoso

Trágica historia real de una familia bonaerense, que adoptó el crimen político como medio de subsistencia.

Arquímedes R. Puccio fue un eficaz agente de la Policía Secreta durante el gobierno militar entre los años 82 y 85. Durante aquel periodo ejerció las prácticas represivas que le ordenaban sus autoridades, incluyendo secuestros y asesinatos.

Cuando retorna la democracia en Argentina, y  Puccio debe reintegrarse a las labores civiles para mantener a su familia, opta por continuar con las prácticas aprendidas durante la dictadura.

Junto a unos pocos ex camaradas del régimen anterior, elaborará eficientes secuestros de familiares de empresarios pudientes cobrándoles altas sumas de dinero por la devolución de sus seres queridos. Los prisioneros estarían recluidos en el sótano de su hogar hasta recibir el monto del rescate.

De esta maniobra, que en un comienzo dio buenos dividendos, hizo partícipe a dos de sus hijos varones, Alejandro y Maguila. Para las hijas esto permanecía en secreto. 

Como en algunas circunstancias, por seguridad, hubo que ajusticiar a los prisioneros, el joven rugbista Alejandro, comenzó a tener cargos de conciencia e intentar evadir su participación en los hechos. 

Llega el momento en que la Justicia los descubre y cae sobre esta familia, llamada El Clan, con todo el peso de la ley. 

El director Pablo Trapero (Carancho, 7 Días en La Habana, Elefante Blanco) vuelve a lucir su capacidad de contar una historia con peso temático y agilidad narrativa. Junto a los guionistas Julián Loyola y Esteban Student  baraja los tiempos pasados y presentes logrando mantener el suspenso y varias incógnitas que gradualmente se van aclarando.  

Sorprende ver al famoso comediante argentino Guillermo Francella interpretando al siniestro Arquímedes Puccio con toda la aberrante alienación de un  hombre que se comporta como un ejemplar padre de familia y, a la vez, como un frío profesional del secuestro, la represión, y que puede llegar al asesinato de las víctimas si es necesario, declarándose inocente hasta el día de su muerte en prisión.

Seguimos muy de cerca la destreza de Puccio y, a la vez, el gradual tormento de su hijo Alejandro que quisiera escapar de las atrocidades que lo involucran.  Los demás miembros de la familia, incluida la esposa (Antonia Bengoechea), secundan con mesura e ingenuidad este acontecer que fue consecuencia de siniestros tiempos políticos de un pasado reciente. 

UN  FILME  REALIZADO CON OFICIO Y  CUYAS RESONANCIAS HISTÓRICAS  Y PSICOLÓGICAS  SON  INELUDIBLES.  

Ficha técnica

País: Argentina

Año: 2015

Género: Drama

Duración: 108 minutos

Protagonistas: Guillermo Francella, Peter Lanzani, Lili Popovich

Dirección: Pablo Trapero

El Clan - Por Carlos Correa

Pablo Trapero tiene una característica muy particular en su manera de hacer cine: nos involucra completamente dentro de su relato. En este trabajo de joyería, luego de la excelente "Elefante Blanco", Trapero entrega su maestría en el relato de una historia real que conmocionó a la Argentina de los 80. Se trata del conocido "Clan Puccio", el que encubierto tras la fachada de una tradicional familia del barrio de San Isidro, se dedicó a secuestrar y cobrar millonarios rescates por sus víctimas.

Arquímedes Puccio -excelente Guillermo Francella- es quien lidera y planifica los operativos. Alejandro -Peter Lanzani-, su hijo mayor, estrella de un club de rugby y jugador del mítico seleccionado "Los Pumas" colabora con su padre en la búsqueda de víctimas y también en ciertas partes de los operativos de captura. El resto de los miembros de la familia están involucrados en mayor o menor medida en este "negocio" familiar, que sin duda no pueden por ninguna forma desconocer.

El relato de Pablo Trapero es sólido desde el comienzo. Sus cámaras, la ubicación de la acción, el desarrollo del suspenso y la naturalidad de los personajes llama la atención e incluso confunde en un comienzo, con interesantes saltos de tiempo. Francella lleva la historia con una soltura propia de años de oficio y gracias a la guía de un director que no tiene ninguna duda al momento de retratar una atrocidad que no tiene nombre.

Es magistral la forma de mostrar los ambientes, las relaciones de la familia, esa activa vida social que sirve de pantalla perfecta para ocultar los crímenes que el patriarca cometía para obtener suculentos rescates. En este sentido, Pablo Trapero nos entrega tal vez su mejor trabajo, no sólo cinematográfico sino también una película que permitirá a generaciones recordar algo que sucedió y de lo que hasta ahora no se  tenía una visión global por estar fragmentada la historia y casi toda contenida en testimonios de las personas que le sobreviven.

Nominada para representar a Argentina en los premios Óscar de 2016, esta gran película sigue poniendo en alto la factura del cine argentino, un cine que con pasión y honestidad se encumbra con méritos propios ganando cada vez más espacio en el circuito de distribución para tener así una llegada cada vez más global. Cine del bueno, que no podemos dejar de admirar y alabar.

Ficha técnica

País: Argentina

Año: 2015

Género: Drama

Duración: 108 minutos

Protagonistas: Guillermo Francella, Peter Lanzani, Lili Popovich

Dirección: Pablo Trapero

Knock Knock - Por Juan Pablo Donoso

La falla principal de esta película es que sus personajes carecen de MOTIVACIÓN. Entonces, por muy elaborado que esté el suspenso, por muy atractivas que sean las actrices, y por una prolija fotografía y edición, la pregunta final es “¿y para qué fue todo esto?”.

El director Eli Roth se ha especializado en filmes de terror y crueldad (Canibales, Grindhouse, Cabin Fever). Armó con el chileno Nicolás López y el uruguayo Guillermo Amoedo un equipo de guionistas para contar este drama de impotencia y brutalidad.

Vinieron a Chile a rodarla, con la presencia del famoso actor Keanu Reeves quien también colaboró en la producción. 

La idea central ha servido para muchas películas anteriores, y suele ser atractiva si se fundamenta con inteligencia. Aquí falló eso.

Un arquitecto queda sólo en su casa cuando su familia va por un fin de semana donde unos parientes. En una noche lluviosa tocan a su puerta dos muchachas jóvenes, empapadas, que equivocaron el domicilio de una fiesta y solicitan el teléfono. El arquitecto se los presta y les permite secar sus ropas hasta que llegue un taxi a buscarlas. De ahí en adelante, las niñas se encargarán de seducirlo sexualmente y luego apoderarse de la casa. Lo harán de las maneras más brutales, perversas y acumulativas. Ni siquiera el final de la cinta nos aclara una razón, por loca que fuera, de tan sádico disparate.   

AUNQUE  HAY  SUSPENSO, POR FALTA DE MOTIVACIÓN CAE  EN  RIDICULA GRATUIDAD. 

Ficha técnica

Guión: Eli Roth, Nicolás López, Guillermo Amoedo

Género: Suspenso, sadismo erótico

EE.UU. – Chile

Duración: 99 minutos

Actores: Keanu Reeves, Lorenza Izzo, Ana de Armas, Ignacia Allamand

Director: Eli Roth