Contra el Demonio - Por Juan Pablo Donoso

Empecemos por alabar el intento de un filme chileno de posesión demoníaca con alto nivel técnico y de producción.

Tras el asesinato del hijo mayor, una familia se traslada a vivir a un tranquilo balneario de la costa. Son padre (arquitecto), madre, hija adolescente y hermanita menor. Aunque la casa es hermosa, tiene una atmósfera incómoda, en especial para la hija más grande. Pronto comenzarán a experimentar fenómenos paranormales en aumento. Culminarán solicitando al cura del pueblo que aplique un exorcismo sobre la muchacha poseída por el demonio.

Hay demasiados incidentes intermedios para llegar al final.

Por recargar tanto el argumento quedaron cabos sueltos, secuencias y personajes sobrantes. Evocan en un mismo saco resabios de EL EXORCISTA, BOSQUE DE KARADIMA, POLTERGEIST, y otras…

Es un género muy difícil pues requiere, más que la anécdota, de un EQUILIBRIO integral entre forma y fondo, en que lo real se hace verosímil y lo fantástico también, sin separarse lo uno de lo otro.

Falta unicidad de estilo. Por querer combinar un naturalismo muy chileno, simultáneamente con las posesiones demoníacas, quedan ambos lenguajes espurios.

Los actores son gratos y ponen lo mejor de sus talentos. Muchos vienen de la TV y son coloquiales en los diálogos. Pero como se trata de una película esotérica y demoníaca nunca logran equilibrar ambos tratamientos – el naturalista y el mágico - como sí resultó de maravillas en EL BEBÉ DE ROSEMARY, en EL RESPLANDOR de Kubrick y en NAZARÍN de Buñuel, por sólo dar fugaces ejemplos.

La historia es clara, aunque hay explicaciones innecesarias; el propósito es “atmosférico”, “misterioso”; queremos empatizar con la angustia de sus personajes más que comprender “desde afuera” lo terrible que les está sucediendo.

Se limitan más a “exponerlo”, y por eso los efectos de posesión se sienten sobrepuestos en contraste con el estilo naturalista de las escenas de convivencia familiar (sombras, manos ardiendo con brasas, rostros quemados, vómitos de sangre negra, voces roncas duplicadas, ojos sin esclerótica, etc.)

Demasiados elementos episódicos distraen del meollo sobrenatural: el hermano Javier, la libreta negra, el cura sospechoso desde el comienzo, la médium espiritista y, peor aún, su ayudante y, para colmo, el romance extramatrimonial del papá sólo para volver a informarnos de lo que ya sabemos.

La banda musical es espléndida, (varios compositores y conjuntos), aporta el misterio que debieron contagiarnos con más “sutileza” el guion, los diálogos y el estilo UNITARIO en general.

Un aplauso para el Diseño de Producción y para el maquillaje. Todo lo referente a realización técnica es de alta calidad profesional.

Por suerte más que a “screamers” recurrieron a efectos musicales, basados primordialmente en sonido de cuerdas.

Los elementos de esta película darían para una apasionante mini-serie televisiva. Tendría el reposo necesario para “ecualizar” el fenómeno y enriquecer los antecedentes personales. (Ej. Sombras Tenebrosas – 1971).

HISTORIA CLARA, BUENA PRODUCCIÓN Y ACTUACIONES, PERO FALTÓ LA COHERENCIA DE ESTILO QUE REQUIERE ESTE GÉNERO DE TERROR.

Ficha técnica

Terror 

Cinecolor –Swing-Mastodonte Chile 

Efectos Especiales: Juan Olivares 

Actores: María José Prieto, Julio Milostich, Solange Lackington
Fernanda Finsterbusch, Agustín Moya, Juliana Seggers, Silvia Novak 

Productor,Guionista y Director: José Miguel Zúñiga

El amor menos pensado - Por Carlos Correa

Esta es la primera cinta dirigida por el argentino Juan Vera, productor de varios filmes exitosos como “El hijo de la novia” y “Zama” entre otros, y nos muestra al debutante director en un terreno que no le es desconocido. Su trabajo anterior con el director Juan José Campanella se trasluce en un guion -firmado también por Vera- que gira en torno a Marcos -Ricardo Darin- y Ana -Mercedes Morán- una pareja que lleva 25 años de matrimonio y que entra en crisis cuando su hijo Luciano viaja a España a continuar sus estudios superiores.

Con un tratamiento teatral tanto en sus cuadros como en sus diálogos, Vera presenta la convivencia y la vida cotidiana de una pareja que se enfrenta a la pérdida de sentido, a la búsqueda del siguiente objetivo común y a la falta de una relación vital, escenario que los conduce a una natural y progresiva ausencia de profundidad. ¿Pérdidas reales o temores? El detonante parece ser el nido vacío, sin embargo mucho de rutina, cansancio y tedio influye indudablemente en la relación de esta pareja.

Cuando se está ante una pérdida -amistosamente y sin muchos detalles ellos separan sus caminos- comienza naturalmente su propia búsqueda, es decir salir al encuentro de nuevas experiencias, nuevas sensaciones, algo diferente a lo acostumbrado, aquello qué tal vez despierte esas mariposas adormecidas por los años. Todo representa una novedad. Ella está claramente más decidida y es osada. Él, tal vez más obligado, actúa inicialmente de forma más temerosa. Aparece entonces otro elemento central en el relato que es la negación.

La fascinación inicial muy pronto se transforma en decepción. Ante el desfile de parejas -Facebook y Tinder mediante- surgen las carencias afectivas. Con las nuevas relaciones -con más o menos afinidad- existe una obvia ausencia de espacios compartidos y recuerdos, a pesar de los evidentes esfuerzos de ambos justamente por olvidar a sus respectivos “ex”. El tiempo transcurre rápido para Ana y Marcos, y casi sin darnos cuenta en un corto trecho pasamos de la pérdida del fuego a la búsqueda del fuego; y también, por cierto, a jugar con fuego. Cada vez que se atisba un intento de profundizar, se frustra. Dos pasos adelante y uno para atrás. Casi siempre se transforma en un inevitable volver a empezar.

La construcción del relato es pausada y ese ritmo encuentra justificación en el segundo tercio de la cinta. A pesar de su cuidada conducción, Vera no logra impedir que el desarrollo decaiga en el último tercio porque los 136 minutos de la cinta se hacen extensos pues un metraje de esa duración no es sencillo de sostener. Un final predecible desde el enunciado de su propio título impone otro desafío importante al guión. Es, desde el inicio, un pie forzado del que el director no se puede desprender.

Con buenas actuaciones que trasmiten la esencia de la historia y caracterizaciones de personajes secundarios que destacan por sus experiencias de vida y luces de otras historias que inciden en el actuar de los protagonistas, “El amor menos pensado” acierta al final con una secuencia que es vigente y actual y que se refiere a la comunicación. ¿Hablar y dialogar cara a cara o por mensajes de texto? Podría haber allí una clave importante desde lo emocional y que cada vez toma mayor importancia pues donde el corazón pareciera estar a solo un click de distancia, no resulta tan cierto si no hay lazos, vivencias y cercanías que no se construyen solas ni mágicamente sino que son justamente la elaboración natural de las experiencias de la vida, con sus altos y bajos, con sus ciclos, sueños, frustraciones y fascinaciones.

Ficha técnica

Título original: El amor menos pensado
Año: 2018
Duración: 136 minutos
País: Argentina
Productora: Patagonik / Kenya Films / INCAA
Género: Romance. Comedia. Drama | Comedia romántica
Guion: Juan Vera
Música: Iván Wyszogrod
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
Reparto: Ricardo Darín, Mercedes Morán, Claudia Fontán, Andrea Pietra, Luis Rubio, Jean Pierre Noher, Claudia Lapacó, Chico Novarro, Andrés Gil, Norman Briski, Juan Minujín, Gabriel Corrado, Andrea Politti
Dirección: Juan Vera

Amor sobre Ruedas - Por Juan Pablo Donoso

Típica comedia francesa de boulevard, elegante, turística, con enredos de romances, y simpáticos personajes secundarios.

El tema es la mentira que nos atrapa, nos hunde cada vez más, y nos impide salir de ella.

Jocelyn es un empresario soltero, exitoso, y aficionado a jugarle bromas a los desconocidos.

Un día, revisando recuerdos de su recién fallecida madre, se sienta por casualidad en una silla de ruedas. La sensual vecina del departamento del frente lo cree paralítico y lo trata como tal. Él la mantiene en el error pensando que será una pronta conquista. Ella, Julie, lo invita a un almuerzo en su casa de campo para que conozca a su familia. Ahí conoce a Florence, hermana inválida de verdad de Julie. Gradualmente se hará más difícil confesar que todo es una broma y, atraído por Florence, seguirá fingiendo ser minusválido.

Se suceden las dificultades para mantener la mentira, en la que irremediablemente se sigue sumergiendo. Su mejor amigo y confidente, médico proctólogo homosexual, y su secretaria, por solidaridad serán cómplices de su encubrimiento.

¿Cuándo y cómo se destapará la olla? Eso mantiene nuestro interés en esta embarazosa situación.

La película fue escrita, dirigida y protagonizada por Franck Dubosc. Si bien es un galán maduro y agraciado, a ratos sobreactúa sin necesidad y, por supuesto, se encarga de aparecer en casi todas las escenas. Alexandra Lamy, como la inválida Florence, entrega su personaje con aplomo y con el encanto de una mujer destinada a la soltería. Y destacamos la participación de Marie (Elsa Zylberstein), la secretaria del empresario que, con gran talento histriónico, saca adelante su difícil rol de intermediaria. Es también una grata sorpresa disfrutar de las breves escenas de Claude Brassseur (hijo del legendario Pierre Brasseur), como el anciano padre de Jocelyn.

Una comedia refinada, con trozos musicales muy conocidos, actores agradables, paisajes de Praga, bastante lúdica aunque más de sonrisas que de carcajadas.

Desgraciadamente la resolución del conflicto se precipita al final restándole verosimilitud, sólo para concedernos un forzado “final feliz”.

COMEDIA GLAMOROSA QUE DENUNCIA LOS BOCHORNOS DE QUEDAR ATRAPADO EN UNA MENTIRA.

Ficha técnica

Título Original: Tout le Monde Debout 

BFDistribution Comedia Francia, Bélgica – 1, 44 hrs. 

Fotografía: Ludovic Colbeau-Justin 

Edición: Samuel Danési 

Selección musical: Sylvain Goldberg, Emilien Levistre, Xiaoxi Levistre 

Diseño:Jérémy Duchier Actores: Franck Dubosc, Alexandra Lamy, Elsa Zylberstein 

Guionista y Director: Franck Bubosc

Justicia Implacable - Por Juan Pablo Donoso

Si bien repite la muy probada fórmula de venganza, este filme entretiene y luce una buena actuación de Jennifer Garner, antes generalmente secundaria (Escrito en el Agua y Los Invasores (1992), Milagro en el Cielo - TV 2016).

El marido y la hijita de Riley North son asesinados en un parque de diversiones. Aunque ella reconoce judicialmente a los criminales, el abogado y el juez sobornados por narcotraficantes, los dejan en libertad. La mujer, impotente por tanta corrupción, viaja al extranjero a entrenarse en el uso de armas y artes marciales.

Luego de 5 años retorna a su ciudad y decide ajusticiar personalmente a todos los integrantes de esa banda. Los liquidará uno por uno trepando hasta las máximas cabezas criminales.

Se mantendrá en riguroso anonimato siendo buscada por los maleantes para exterminarla, y por la policía para encarcelarla. Es una prófuga solitaria, sin miedo a la muerte, y sólo movida por su obsesión de “justicia implacable”.

La escalada de matanzas, y el lazo que se cierra sobre ella, nos depara algunos giros y sorpresas – menos sorpresivas – que ya conocíamos en tantos filmes previos a este.

Imposible ignorar la saga de Vengador Anónimo (1,2,3,4,5) con Charles Bronson, las muchas de Jean-Claude Van Damme y Steven Seagal con similares pretextos para vindicar masacres de inocentes, y sin ir más lejos tenemos la nueva versión de Duro de Matar (2018) con Bruce Willis.

Y si se trata de poner la brutal revancha en manos femeninas basta recordar Kill Bill (1 y 2) de Tarantino y, previamente, la cadena de Nikitas.

Al parecer, y por motivos de metraje, aquí evitan las secuencias de entrenamiento de esta gentil dueña de casa transformada en fiera destructora. Se limitan a señalar su condición de víctima impotente al comienzo, y su retorno como recalcitrante justiciera posterior. Como tiene un final abierto, y dependiendo de su éxito de taquilla, es posible que pronto tengamos la 2ª parte, con su adiestramiento incluido.

El director francés Pierre Morel supo darle precisión a la trama, hacernos odiar a los malos, alegrarnos cuando los castigan, solidarizar con Riley North, y desear hasta el final que los policías fueran ineficientes y, ojalá, incorruptos… (¡!)

JUSTIFICADA ACCIÓN Y VIOLENCIA EN MANOS DE UNA BUENA ACTRIZ, AÚN POCO CONOCIDA, QUE ASCIENDE AL ESTRELLATO.

Ficha técnica

Título Original: Peppermint 

Diamond Films Chile Acción, suspenso EE.UU., Hong Kong – 1,41 hrs. 

Fotografía: David Lanzenberg 

Edición: Frédéric Thoraval 

Música: Simon Franglen 

Diseño Prod.: Ramsey Avery Guionista: Chad St.John 

Actores: Jennifer Garner, John Gallagher Jr., John Ortiz 

Director: Pierre Morel

Halloween, enfrenta tu Destino - Por Juan Pablo Donoso

Es un mérito que esta 6ª secuela resultara superior a muchas anteriores. Suelen ir decayendo con las réplicas que sólo obedecen a fines comerciales.

La primera Halloween de 1978 fue un éxito enorme. Tuvo como director, guionista y músico a John Carpenter, famoso realizador de películas de terror, misterio y ciencia ficción (La Niebla, Christine, Escape de Nueva York, entre varias).

En aquella primera, luego de asesinar a su hermana durante un Halloween, el psicópata Michael Myers escapa del manicomio y regresa a su pueblo natal de Haddonfield a seguir matando personas. Y así sucesivamente en las secuelas siguientes.

Esta vez, el director David Gordon Green y el guionista Danny MvBride, le mostraron un nuevo guion al “patriarca” de la saga (Carpenter) para conocer su opinión. Y contaron con su venia total.

Este episodio de 2018 sólo aparentemente sería el último, ya que deja la posibilidad de un dudoso final abierto.

El personaje de Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) protagonista de los eventos anteriores, ahora muy envejecida, y siempre temiendo el retorno del asesino, volverá a enfrentarse con el monstruo de la máscara luego que éste haya degollado a otra decena de inocentes habitantes del pueblo.

Existe entre ella y Michael Myers una deuda de sangre pendiente. Ahora, bajo férrea vigilancia de los guardias, y acompañado de su psiquiatra de cabecera, se estrella el bus que trasladaba a los reclusos. Myers vuelve a escapar y aprovechando que nuevamente celebran la fiesta nocturna de Halloween arremete con toda su bestialidad.

Durante la película nos informan de las tragedias anteriores para que conozcamos – y comprendamos - las motivaciones de los personajes principales.

Bien filmada y editada. Diálogos precisos. Excelente caracterización de Jamie Lee Curtis y secundarios. Un Diseño de Producción esmerado. Logra el suspenso y gore necesarios agregando esta vez unos toques de humor que se agradecen. En esto contribuyó la ironía del co-guionista Danny McBride. Hasta la música – también de Carpenter junto a otros – se integra al relato con eficiencia.

UN BANQUETE PARA LOS AMANTES DEL GORE Y DE LA ANTIGUA SAGA DE HALLOWEEN. MEJOR QUE ALGUNAS ANTERIORES.

Ficha técnica

Título Original: Halloween, Face Your Fate 

Terror, crimen y suspenso Andes Films EE.UU. – 1,46 hrs. 

Fotografía: Michael Simmonds 

Edición: Timothy Alverson 

Música:Cody Carpenter, John Carpenter, Daniel A. Davies 

Diseño Prod.: Richard A. Wright 

Guionistas: David Gordon Green, Danny McBride, Jeff Fradley 

Actores: Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Andi Matichak 

Director: David Gordon Green

Trastornos del Sueño - Por Juan Pablo Donoso

Drama negro de vidas mínimas: sin ideales, ilusiones ni esperanzas. Y como está bien realizado es más negro todavía.

Joel es cuidador nocturno de un edificio, relativamente joven, todavía soltero que vive con su madre viuda y su abuela con Alzheimer. Se acuesta con Mari la esposa de su primo Omar. Cuando en vísperas de Navidad lo despiden de su trabajo acepta asistir a un curso para guardias de seguridad al que lo recomienda su mismo primo.

El ambiente de clase media baja es depresivo en casa de su madre quejumbrosa y su abuela. Más aún cuando Mari empieza a sentir cargos de conciencia y decide terminar su relación erótica con Joel. Esto lo deja aún más desolado. Seguir viviendo con la abuela es insoportable. Ni siquiera otra hija, casada y con hijos, acepta recibirla porque nunca la quiso.

Cuando Joel ya es guardia de seguridad de un supermercado sorprenden a un muchacho robando y deben aplicar el debido castigo. Este ratero pudo ser el mismo Joel en otra circunstancia.

El bonachón primo Omar dice: ““Si me entero que pronto moriré de cáncer sigo adelante no más. ¿Para qué luchar por seguir viviendo?”.

La visión de mundo de sus realizadores es que la vida es una mierda, vacía, e igual un día aquí que otro allá. Sólo queda esperar la vejez, la muerte, o a los crueles enanitos verdes que saldrían de alguna pared para llevarnos con ellos…

Nihilismo puro. Carencia casi total de valores. Sobrevivimos por inercia. Para estos personajes la vida es una gran Nada en la que respiramos y copulamos cuándo y dónde se pueda.

Sus méritos formales son muchos. Bien logrado cromatismo de claroscuros para contagiar la atmósfera penumbrosa y decadente. Abundantes planos muy cerrados de rostros que denuncian vacío interior, de ideas y sentimientos. Largos silencios. Actores poco conocidos que al hablar y moverse cumplen con admirable naturalismo. Lenguaje muy chileno y coloquial, incluyendo las groserías. A ratos es casi documental. Parecieran improvisar sobre sus propias vivencias al extremo de llegar a momentos de sexo explícito.

Ignoramos a qué “sueño” se refieren con el título.

¿Será esta la cuna de comportamientos tan irracionales como la de aquellos jóvenes que para expresarse sólo optan por el vandalismo, golpear policías y profesores, e incendiar colegios sin motivo aparente?

BUENA CINEMATOGRAFÍA PARA DENUNCIAR UN MUNDO INÚTIL, AMORAL Y SIN HORIZONTES.

Ficha técnica
Drama naturalista Storyboard Media
Chile – 1,26 hrs. 

Calificación: Mayores de 18 años

Fotografía y edición: Sofía Paloma Gómez 

Música: Raúl Calderón 

Diseño Prod.: Sebastián Escalona 

Actores:David Hernández, Carla Gaete, Angélica del Pilar Flores Herrera, Carmen Rosa Herrera, Simón Aravena, Claudia Flores 

Guion y dirección: Sofía Paloma Gómez y Camilo Becerra

Amor sobre ruedas - Por Carlos Correa

Esta refrescante comedia romántica francesa “Amor sobre ruedas” resulta ser una gratísima sorpresa. Escrita y dirigida por Franck Dubosc, narra la historia de Jocelyn -interpretado por el mismo Dubosc-, un exitoso hombre de negocios, picaflor empedernido y un verdadero profesional de las mentiras seductoras, que ve como su vida cambia radicalmente cuando se hace pasar por minusválido para conquistar a su nuevo reto amoroso. La película es entretenida, el guion está muy bien construido y gracias a sus chispeantes diálogos por momentos es realmente hilarante. Los enredos son tan naturales como inverosímiles y toda la acción transcurre tan suelta de cuerpo como su aparentemente despreocupado protagonista.

Este género de romance en tono de comedia permite también vislumbrar vastos elementos de un drama, porque la vida de Jocelyn claramente no es lo que él se esfuerza por representar. Una madurez que aún no ha llegado, un sin sentido del camino vital y una soledad agobiante sin lazos emocionales concretos lo están carcomiendo por dentro. Allí es cuando aparece Florence -Alexandra Lamy-, la hermana mayor de su desafío, quien sí es discapacitada. Esta incómoda sorpresa no hace más que confundir a Jocelyn, quien lentamente descubre en él, gracias a esta atractiva mujer llena de pasión y de vida, sentimientos nuevos, emociones perdidas y nuevas sensaciones que comienzan a ser incontrolables e irresistibles.

La sintonía fina y la química entre ambos protagonistas es mágica. Todo lo que les sucede se ve totalmente natural. No hay palabras de más, la simpatía entre ambos está a flor de piel y el conflicto central -la descarada mentira y el no saber cómo salir de ella- se mantiene imperturbable. Mención aparte para la protagonista que con su extrema vitalidad nos da lecciones de vida. Ella es violinista, juega tenis y además hace de solista en una gira de su orquesta. Pocas veces vemos una genuina preocupación por intentar dotar de realismo las escenas musicales, sin embargo el director se la juega por una orquesta real, tocando en vivo y Alexandra Lamy hace un muy buen trabajo, violín en mano, para ser lo más fiel posible a su papel. A todo lo anterior ojo con dos roles secundarios excelentes: Marie -Elsa Zylberstein- la joven asistente de Jocelyn junto a Max -Gérard Darmon- su mejor amigo, confidente y también su médico de cabecera.

Como corolario, en el tramo final Franck Dubosc también nos involucra a los espectadores en el relato. Llega un momento en que nos preguntamos cómo va a cerrar el relato, qué va a pasar con los personajes o de qué manera se resuelve tanto enredo. Comenzamos a buscar posibles finales y las opciones se multiplican. Parece que presenciamos una laguna narrativa, pero no es así. Dubosc nos ha engañado una vez más y la coda es tan simple y sencilla que la hace naturalmente inesperada. “Tout le monde debout” -Todos de pie- es un acierto que vale la pena ver.

Ficha técnica

Título original: Tout le monde debout
Año: 2018
Duración: 107 minutos
País: Francia
Productora: Gaumont International Television / Umedia
Género: Comedia. Romance | Comedia romántica. Discapacidad
Guion: Franck Dubosc
Música: Sylvain Goldberg, Emilien Levistre, Xiaoxi Levistre
Fotografía: Ludovic Colbeau-Justin
Reparto: Franck Dubosc, Alexandra Lamy, Elsa Zylberstein, Gérard Darmon, Caroline Anglade, Laurent Bateau, Claude Brasseur, François-Xavier Demaison
Dirección: Franck Dubosc

Trastornos del sueño - Por Carlos Correa

Joel -David Hernández- tiene una vida sin horizonte. Trabaja como cuidador nocturno en un edificio, mantiene una conflictiva e irregular relación amorosa con Mari, su prima, para tomar distancia de su casa donde vive su madre y su abuela con Alzheimer. Este precario escenario se desintegra cuando es despedido de su trabajo y los conflictos se acentúan. El sexo con Mari ya no es suficiente para mantenerlos juntos, la búsqueda de un nuevo trabajo se hace infructuosa y el ambiente en su casa, donde ha regresado, es cada vez más insoportable.

Este largometraje de los directores chilenos Sofía Paloma Gómez -"Quiero morirme dentro de un tiburón”- y Camilo Becerra -"Perro muerto”- presenta la narración cruda de una realidad que pocas veces queremos ver. Es una realidad dolorosa, carente de sentido, profundamente ausente y difícil de asumir. Es interesante el manejo de la cámara y la iluminación de ambientes donde se atisba el talento y la dedicación de los directores. Donde la cinta queda al debe es en la construcción del guion y en la base argumental que lo sostiene. Su permanente deambular no permite definir un enfoque claro, tampoco logra elaborar correctamente a los personajes y todo cae dentro de una forma que parece más descriptiva e improvisada, que producto de un desarrollo más profundo. Y no es que el centro de la historia carezca de importancia. Al contrario, es intenso, son embargo no es cabalmente retratado por los autores a pesar de los esfuerzos que se asoman en algunos puntos del relato. El metraje es plano y el carácter solo es entregado por las discusiones, violentas en su mayoría, con un paralelo sexual difícil de comprender.

“Trastornos del sueño” es una película que no llena su espacio. Le falla a la historia y le falla a sus protagonistas. Presenta las temáticas pero no las profundiza y es más, por momentos las difumina y las hace caer en una intrascendente narración que sucumbe al interior de laberintos que inconducentes y que no logran sustentarse. Es destacable la intención de los realizadores, su búsqueda del camino propio y su sello identitario, sin embargo se hace necesaria una elaboración más sólida tanto desde lo interpretativo como en la estructura de una historia que merece ser filmada con mayor fuerza y vigor.

Ficha técnica

Título original: Trastornos del sueño
Año: 2018
Duración: 86 minutos
País: Chile
Productora: La Jauria
Género: Drama
Guion: Sofía Paloma Gómez, Camilo Becerra
Música: Raúl Calderón
Fotografía: Sofía Paloma Gómez
Reparto: David Hernández, Carla Gaete, Angélica del Pilar Flores, Carmen Rosa Herrera, Simón Aravena, Claudia Flores
Dirección: Sofía Paloma Gómez, Camilo Becerra

Nace una Estrella - Por Juan Pablo Donoso

Esta es la 4ª versión de Nace una Estrella. Y vuelve a deslumbrar.

Al parecer, es un relato bendito de los duendes porque siempre es un éxito por su música, su romanticismo y sus actuaciones.

Ha sido el infalible “caballito de batalla” para lucimiento de sus protagonistas femeninas. – 1937: Janet Gaynor, junto a Fredric March (la única con humor y sin canciones); 1954: Judy Garland, junto a James Mason; 1976: Barbra Streisand, con Kris Kristofferson; y ahora, en 2018 para Lady Gaga con Bradley Cooper.

En ninguna escatimaron presupuesto. Y en todas fue bien aprovechado.

Es la eterna historia de la muchachita talentosa, pero desconocida, que por casualidad conoce a un famoso astro, se enamoran y, bajo su amparo se transforma en una gran estrella, mientras su pareja masculina sucumbe bajo los efectos del alcohol y la droga.

Las circunstancias y canciones corresponden a la época en que se filmó cada película. Las protagonistas son divas consagradas mundialmente. Y sus contrapartes, son también actores reconocidos, carismáticos y taquilleros.

Esta nueva versión nos permite descubrir que Lady Gaga, ya famosa como cantante y compositora de rock, es una excelente actriz. Y que Bradley Cooper (El Lado Bueno de las Cosas – 2012), junto con entregarnos una sólida interpretación del vulnerable esposo, es también el director de esta superproducción.

Los ingredientes obligados que se reiteran en cada nuevo relato son la presencia de una protagonista femenina más bien feíta pero de gran talento, excelente selección musical, un galán débil digno de ternura y compasión, y un mundo fastuoso de dinero y farándula bajo el cual yace un drama íntimo de amor y sacrificio conyugal.

Un espectáculo que derrocha música, talento, dolor y romance que – salvo por su relativa longitud – tocará nuevamente el corazón de la mayoría de los espectadores.

LEGENDARIA FÁBULA ROMÁNTICA QUE REVELA A LADY GAGA COMO ACTRIZ Y A BRADLEY COOPER COMO DIRECTOR PRIMERIZO. LOGRADA EN SU GÉNERO.

Ficha técnica

Título Original: A Star is Born 

Drama, música, romance Warner Bros.Chile EE.UU. – 2,15 hrs. 

Fotografía: Matthew Libatique

Edición: Jay Cassidy 

Música: Lady Gaga, Bradley Cooper y Lucas Nelson 

Diseño Prod.: Karen Murphy 

Guionistas: Eric Roth,Bradley Cooper, Will Fetters, William A. Wellman(historia original) y Robert Carson 

Actores: Lady Gaga, Bradley Cooper, Sam Elliott 

Director: Bradley Cooper

Las Estrellas de Cine No Mueren en Liverpool - Por Juan Pablo Donoso

Esta hermosa película debe ser evaluada desde dos ángulos: su tema y su realización.

Es el caso verídico de los últimos años de la galardonada actriz estadounidense Gloria Grahame.

Ya cincuentona, los papeles en cine la iban relegando a roles secundarios. Aprovechaba su talento primordialmente en obras teatrales.

Mientras actuaba en LLUVIA de Somerset Maugham en Lancaster, Inglaterra, inició un romance con un joven actor inglés – Peter Turner - que recién iniciaba su carrera. Ella, con cuatro divorcios a cuesta, y cuatro hijos ya grandes de cada ex marido, halló en el joven Turner un amante que la satisfizo en el amor y en el sexo. Hasta lo llevó con ella a Nueva York y California.

El muchacho, honestamente enamorado, postergó su carrera por acompañarla. Pero en EE.UU. a Gloria le recrudeció un cáncer que ya creía superado. Adversa a un nuevo tratamiento médico, y ocultando el diagnóstico, aceptó convivir con la familia del joven en Liverpool, donde la acogieron con inmenso cariño.

Cuando la enfermedad se hizo crítica y fue imperioso hospitalizarla, vino uno de sus hijos la llevó de vuelta a Nueva York, donde falleció a los 57 años de edad, dejando desolado a su fiel compañero.

Así fue el amor y los últimos años biográficos de una gran estrella de Hollywood.

La trama carece casi por completo de conflictos antagónicos. Hay amor, tolerancia, y sólo una tenue objeción por parte de la familia de Gloria al verla feliz con un hombre que podría ser su hijo.

Lo que enriquece este filme es el talento de sus actores, y el eximio tratamiento de edición con que nos narran la experiencia.

El presente es su estadía en casa de aquella acogedora familia de clase media en Liverpool en 1981. Y con magistral sutileza, de manera casi imperceptible, nos trasladan a los momentos y lugares anteriores, cuando nació y fructificó este romance tan profundo y a la vez desigual en edades.

Huelgan alabanzas al talento de Annette Bening como Gloria, ya tan demostrado en filmes anteriores. Otro tanto realizan Dame Julie Walters, como la madre de Peter, y Kenneth Granham como el anciano padre. Son figuras veneradas del cine y el teatro en Inglaterra. Pero es preciso resaltar el trabajo del joven Jamie Bell, quien lleva la conducción empática del drama. Ya Bell nos deslumbró con su rol de niño bailarín prodigio en BILLY ELLIOT en el año 2000. Y con este personaje demuestra que, como adulto, sigue siendo un gran actor.

Muchos espectadores desearán volver a ver películas en que Gloria fue una estrella y, quienes nunca la vieron, querrán conocer algunos de sus antiguos filmes, en especial de la década de los 50.

UNA VERÍDICA HISTORIA DE AMOR CUYO MÉRITO RADICA EN LA MAESTRÍA DE SUS RACCONTOS Y EN LA CALIDEZ DE SUS ACTORES. REVIVIENDO A GLORIA GRAHAME.

Ficha técnica

Título Original: Film Stars Don´t Die in Liverpool 

Biografía, drama, romance 

Cine-Arte Galería Patricia Ready Inglaterra – 1,45 hrs. – 

Fotografía: Urszula Pontikos 

Edición: Nick Emerson Música: J. Ralph 

Diseño Prod.: Eve Stewart 

Guionistas: Matt Greenhalgh y Peter Turner (basada en sus mdemorias) 

Actores: Annette Bening, Jamie Bell, Kenneth Cranham 

Director: Paul McGuigan

Nace una estrella - Por Carlos Correa

Jackson Maine -Bradley Cooper-, exitoso cantante country, solo encuentra refugio en el alcohol. Luego de un multitudinario concierto su deseo de embriagarse lo lleva a un bar donde descubre a Ally -Lady Gaga-, una cantante que interpreta una delicada y particular versión de “La vie en Rose”, llenando con clase el pequeño escenario que tiene para desarrollar su pasión artística pues en el día trabaja como mesera en un céntrico restaurante.

Esta película, tercer remake del clásico musical de 1937, con dos versiones -1954 y 1976- la última con Barbra Streisand, es el debut en la dirección de Bradley Cooper. ¡Y qué debut! Cooper, quien con su versátil nivel de actuación ya no nos sorprende, protagoniza y dirige este proyecto cinematográfico que está llamado a ser una de las revelaciones del 2018. La cámara del director es sensible, reposada y en otros momentos ansiosa y febril, acertando en todos los aspectos. Los primeros planos que entrega son conmovedores, los suaves efectos de contraluz en los conciertos, la forma de fundir las imágenes al retratar la historia y los magníficos planos generales hablan de una cualidad hasta ahora desconocida del protagonista de “El Francotirador” y donde podemos, sin duda, apreciar su cercanía con el gran Clint Eastwood. “Nace una estrella” marca también el primer rol protagónico de la popular cantante Lady Gaga y es un verdadero descubrimiento, quizás tanto como el de su personaje en la película. Gaga logra encarnar, con mucha sencillez, un papel cálido y creíble, representando a una joven y apasionada artista, insegura y tímida, que se encuentra con una oportunidad única para desarrollar su talento.

Cooper, quien también colabora en la escritura del guion, calcula muy bien el desarrollo del metraje. La combinación de las escenas musicales con las románticas, las tomas más personales y reflexivas en contraposición con el trasfondo del gran espectáculo, proporcionan un ritmo preciso que avanza vigorosamente y nos mantiene permanentemente atentos. Además, logra conjugar una química notable en la pareja protagónica. Es amable y suave, nada se ve forzado. El romance que surge fluye de forma espontánea y natural en un excelente trabajo de ambos solistas, flexibles y dúctiles en la composición de los diálogos y sobre todo en la necesaria e imprescindible comunicación no verbal.

Un párrafo especial para la banda sonora que está conformada en su mayoría por canciones originales escritas por Lady Gaga y el mismo Bradley Cooper. Desde el comienzo, con una brillante interpretación de la clásica “La vida en Rosa”, Lady Gaga deja de ser la famosa estrella del pop, se compromete con Ally, y desarrolla para ella un estilo único y particular. Incluso hay un cambio de color en su voz, más natural y transparente, algo cruda por momentos, para así representar los primeros pasos de una nerviosa cantante tremendamente talentosa. Con el correr de la cinta, Ally va madurando y adquiriendo un rol mucho más osado. Su voz también varía y adquiere matices y colores propios de quien ya conoce su instrumento y es capaz de configurarlo para cada circunstancia interpretativa. Por su parte, Bradley Cooper canta sus canciones con una calidez sorprendente y un color de voz muy interesante. Tanto en sus propios solos como en los temas compartidos a dúo con Lady Gaga, Cooper no se queda atrás -el material vocal de ambos es claramente distinto y dispar- consiguiendo un buen equilibrio.

El ocaso de una estrella y el nacimiento de otra es una historia clásica. Puede ser repetitiva o bien constituir algo nuevo y esto último es justamente lo que consigue esta tercera versión de la icónica cinta de 1937. Sabemos que depende mucho de la forma de relatar, de contar la historia y por cierto de la forma como se construyen los personajes, los entornos y las situaciones, lo que realmente hace la diferencia entre una y otra. Tomando esos aspectos, esta nueva puesta en escena se destaca precisamente porque no se aprecian planicies narrativas ni ripios en un guion bien elaborado y bien filmado, donde lo predecible deja de serlo al solo enunciarlo y el enfoque es profundamente artístico y sobre todo humano.

“A Star Is Born” nos muestra el lado oscuro del éxito y también la miseria de una progresiva decadencia. Y no solo eso, nos hace reflexionar profundamente sobre la soledad del éxito, los sueños y esperanzas de juventud, la añoranza, el amor, el valor de la vida y la búsqueda permanente de un equilibrio maduro. De manera íntima y delicada, esta la película nos toca y sumerge a través de la música en nuestro propio camino personal, para reconocer aquella estrella que todos los días nace dentro de nosotros.

Ficha técnica

Título original: A Star Is Born
Año: 2018
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Malpaso Productions / Gerber Pictures / 22, Indiana Pictures / Live Nation Productions / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Thunder Road Pictures. Distribuida por Warner Bros.
Género: Drama. Musical. Romance | Remake
Guion: Will Fetters, Bradley Cooper, Eric Roth, Dorothy Parker, Alan Campbell, Robert Carson (Historia: William A. Wellman)
Música: Canciones: Lady Gaga, Bradley Cooper
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott, Andrew Dice Clay, Bonnie Somerville, Dave Chappelle, Michael Harney, William Belli, Rafi Gavron, Rebecca Field, Anthony Ramos, D.J. Pierce,  Steven Ciceron, Andrew Michaels, Jacob Taylor, Geronimo Vela, Frank Anello, Germano Blanco
Dirección: Bradley Cooper

El Insulto - Por Carlos Correa

Un incidente casi doméstico da origen a una escalada de violencia que es capaz de aumentar las heridas relaciones en Medio Oriente. Toni Hanna-Adel Karam- vive en un departamento de un sector que está siendo reparado por una cuadrilla de trabajadores. El agua del riego de las plantas y de la limpieza de su balcón, que sale por un desagüe mal colocado, moja al capataz de la obra, el refugiado palestino Yasser Abdallah Salameh -Kamel El Basha-. La discusión termina con un destemplado insulto de Yasser a Toni y lo que sigue son las consecuencias de este acto. El agredido verbalmente insiste en que el agresor se disculpe y el aludido no da su brazo a torcer. Comienza un diálogo de sordos y finalmente Toni decide llevar este incidente a la justicia, hasta las últimas consecuencias. Se transforma con ello en una bola de nieve, totalmente fuera de control.

Esta cinta del director Ziad Doueiri, participante del Festival de Venecia 2017 y nominada al Oscar como mejor película extranjera, nos proporciona un acercamiento a los conflictos que viven cotidianamente los habitantes de Medio Oriente. Hay vivencias y prejuicios que tienen larga data. La historia tiene un peso mayor en la vida de cada uno de ellos. Su origen y el contexto de su vida, es un todo que no puede separarse de sus actos, de sus reacciones, es decir, de su forma de ser y de enfrentar al mundo. El orgullo no se entiende sin el sufrimiento y la sagrada verdad que cada uno lleva consigo. Por su puesto no hay monopolio del dolor, ni una verdad única, tal vez solo se necesita respeto, pero aquello es muy difícil de llevar a la práctica.

El director entrega el énfasis de la película a los dos protagonistas y a sus entornos, a sus familias, a sus creencias, a aquello que admiran y lo que de alguna manera u otra guía su actuar cotidiano. Sin tomar partido, nos conduce por caminos que parecen no tener salida, donde el reconocimiento, el entendimiento, la comprensión y la aceptación están lejos de ser soluciones factibles. Hay infinitos detalles, finos gestos en las actuaciones y primeros planos conmovedores, en una cámara inquieta que quiere registrarlo todo para entregarnos una visión amplia.

El Insulto es una película repleta de sentimientos. Una acción provoca una reacción. ¿Desproporcionada? Tal vez. ¿Exacerbada? Es posible. ¿Legitima? Absolutamente. La negación es parte importante y medular en la forma como escala el conflicto. Las posturas son tan opuestas y radicales que cada uno niega al otro como persona, sin considerar su vida ni su historia. En esta negación nada cabe y todo se anula. La crítica es clara, la forma de superarla es aun más difusa.

Tal vez los mejores momentos de la cinta son aquellos que nos muestran el juicio ante el tribunal, porque se empieza a configurar una clave en términos racionales, no emocionales. Allí es donde protagonistas y espectadores podemos comenzar a comprender un poco más del origen de ambos antagonistas, los hechos que les han marcado profundamente -Tony por la masacre de Damour y Yasser por el Septiembre Negro- y cómo al tener esta oportunidad -por cierto obligada, difícil y confrontacional- de ir conociendo la realidad del otro va cambiando el rumbo de la historia -lentamente, paso a paso, con enorme sacrificio- hacia una luz de reencuentro y sanación.

Ficha técnica

Título original: L’insulte
Año: 2017
Duración: 110 minutos
País: Líbano

Productora: Coproducción Líbano-Francia-Bélgica; Ezekiel Films / Scope Pictures / Tessalit Productions / Rouge International / Cohen Media Group [USA] / Ciné+ / Douri Films / Centre National du Cinéma / L'Aide aux Cinémas du Monde / Le Studio Canal+
Género: Drama
Guion: Ziad Doueiri, Joelle Touma
Música: Éric Neveux
Fotografía: Tommaso Fiorilli
Reparto: Adel Karam, Kamel El Basha, Christine Choueiri, Camille Salameh, Rita Hayek, Talal Jurdi, Diamand Bou Abboud, Rifaat Torbey, Carlos Chahine, Julia Kassar
Dirección: Ziad Doueiri

Un Pequeño Favor - Por Juan Pablo Donoso

Tragicomedia, de intriga y suspenso, que nos previene del peligro de hacer “pequeños y simple favores” a personas recién conocidas.

Es posible que en manos de Hitchcock (en sus buenos tiempos), de Brian de Palma, de Henri-Georges Clouzot o de Claude Chabrol, este embrollo de casualidades pudo ser más impactante. Sin embargo, cumple con entretener y mantenernos suponiendo dónde está la trampa, la mentira, o la revelación final.

Un joven viuda (Anna Kendrick) madre de un niño pequeño, se entretiene compartiendo su vida diaria por un “mommy blogger” (blog de mamitas). Un día conoce en el kínder de su hijo a otra madre, ejecutiva muy elegante, que le encarga cuidar a su hijito mientras viaja a Miami por asuntos de negocio.

Nuestra Stephanie acepta y se fascina con el lujo en que vive Emily, quien tiene como pareja a Sean Townsend, un atractivo galán (Henry Golding).

Como pasa más tiempo del anunciado y Emily sigue sin regresar, comienza la búsqueda de aquella mujer misteriosa y desinhibida. La policía hallará su cadáver en el fondo de una laguna de Michigan. ¿Cómo murió? ¿Fue asesinada? ¿Por qué estaba allí en vez de Miami?

La relación de Stephanie con Sean se irá estrechando eróticamente. Hasta que los niños comienzan a decir que Emily, en carne y hueso, se les aparece con frecuencia.

Y de ahí en adelante, la situación se irá enmarañando. Empezamos a dudar de todo y de todos. Junto con Stephanie iremos de sorpresa en sorpresa, mientras ella sigue relatando en su blog cada paso más enigmático que el anterior.

Esta trama de suspenso acumulativo permite que Anna Kendrick (Trolls) luzca sus matices de comediante: entre víctima ingenua y madre astuta. Su pequeña estatura y gran movilidad facial hacen verosímil su desconcierto. En el lado antagónico tenemos a Blake Lively como la difusa Emily (Café Society y Miedo en lo Profundo) haciendo alarde de glamour y perfidia, en un personaje de varias facetas. Y, por último, Henry Golding, como Sean, un galán de origen malasio, proveniente de teleseries, que va en ascenso hacia el estrellato por su atractivo entre las espectadoras (Locamente Millonarios).

Siendo amena y grata, creemos que, como historia de suspenso, más compacta habría sido más apasionante.

GLAMOROSA TRAGICOMEDIA DE SECRETOS, MISTERIO, TRAICIONES, ROMANCE, CRÍMENES Y VENGANZA. PARA LUCIMIENTO DE LAS ACTRICES.

Ficha técnica

Título Original: A Simple Favor 

BFDistribution Crimen, misterio, suspenso EE.UU. – 1, 57 hrs. 

Fotografía: John Schwartzman 

Edición: Brent White 

Música: Theodore Shapiro 

Diseño Prod.: Jefferson Sage 

Guionistas: Jessica Sharzer,Darcey Bell (novela) 

Actores: Anna Kendrick, Blake Lively, Henry Golding 

Director: Paul Feig

L´Amore con Te - Por Juan Pablo Donoso

Es decidor que esta película tenga tres títulos diferentes. La indecisión de nombres acusa las deficiencias del guion. También la ambigüedad de sus protagonistas y personajes secundarios.

Ignoramos cuál fue su resultado en el 47° Festival de Venecia. Para nosotros es una historia seudo-romántica con una premisa muy vaga, demasiado larga para lo que pretende contar (casi dos horas), sin mayor conflicto, con secundarios y secuencias de sobra.

¿Tendrían claridad los realizadores sobre lo que nos querían transmitir?

Después de mucho deambular por calles, plazas, departamentos y oficinas, el tema central pareciera ser una errática denuncia a la inmadurez afectiva. Pero aquello ya fue magistralmente tratado por otro italiano – Michelangelo Antonioni – en los años 60 con La Aventura, La Noche y El Eclipse.

En este filme acompañamos a Teo (Adriano Giannini), un publicista cuarentón y soltero, con varias amantes que, años atrás se alejó de su familia provinciana cuando su madre viuda volvió a casarse. Un día conoce a una muchacha ciega (Valeria Golino), de profesión osteópata, con la cual, por curiosidad y una apuesta, inicia un romance incorporándola a su colección de conquistas fáciles.

Se las ingenia para evitar que se topen entre ellas y, a la vez, cumplir con sus clientes de la agencia publicitaria. Sólo cuando, cerca del final, la cieguita descubre la frivolidad de su enamorado, y lo abandona, este sentirá que - ¡tal vez! - llegó el momento de sentar cabeza.

En una novela estas circunstancias cotidianas podrían tener reflexiones más reposadas. En la película, aunque los actores tratan de ser cálidos, y el montaje audiovisual cumple con profesionalismo, el relato queda plano y carece de objetivo dramático. Mediante un juego de oscuridades - al comienzo y al final - hay un intento metafórico de ponernos en el lugar de la cieguita, en contraste con los oropeles del mundo exterior, pero aporta poquísimo al relato general.

Posible conclusión: los ciegos ven mejor la realidad que los supuestos triunfadores que sólo saben manipularar luminarias callejeras.

UNA TIBIA DENUNCIA A LA INMADUREZ AFECTIVA. LE FALTÓ SELECCIÓN.

Ficha técnica

Título Original: L´Amore con Te o El Color Oculto de las Cosas 

Diamond Films Drama, romance Italia, Suiza – 1,55 hrs. 

Fotografía: Matteo Cocco 

Edición: Carlotta Cristiani, Giorgio Garini 

Música: Gianluigi Carlone 

Diseño Prod.: Marta Maffucci 

Guionistas: Davide Lantieri, Doriana Leondeff, Silvio Soldini 

Actores: Valeria Golino, Adriano Giannini, Arianna Scommegna 

Director: Silvio Soldini

L'amore con te - Por Carlos Correa

Teo -Adriano Giannini- artista, publicista acelerado y un verdadero “Don Giovanni”, vive su presente de manera intensa. Emma -Valeria Golino- trabaja como osteópata en un consultorio y su vida es bastante más tranquila. Teo trabaja con los colores, las formas y principalmente todo aquello que entra por la vista. Emma es ciega, por lo que su apertura al mundo son ciertamente sus otros sentidos.

El encuentro entre ambos es fortuito, en una especie de tour-recorrido “a oscuras” en el que Emma es la guía y Teo uno de los participantes. Él, que no duda por un instante en ir de conquista en conquista, se fija en esta mujer de voz cautivante y de formas misteriosamente atractivas. Buscando un pretexto, va al consultorio y así se convierte en su paciente y con ello accede a la posibilidad de estar un poco más cerca de ella.

La cinta transita sobre un pausado relato, nos muestra a sus dos protagonistas, describe brevemente sus entornos y luego se sumerge en una rutina cotidiana donde aparentemente no sucede gran cosa. La mejor amiga de Emma, Patty, o su alumna de francés, la oficina de Teo, sus amigos y sus “novias”, configuran escenarios que se sitúan como telón de fondo a los cambios que ambos protagonistas van desarrollando en la medida que transcurre la historia.

El publicista, en medio de una campaña creativa y con las típicas dificultades con el cliente que pide cambios imposibles, revisiones y finalmente con ello pone en severos aprietos al equipo, está acostumbrado a trabajar con imágenes. Supone en él una capacidad única para realmente ver “más allá” para imaginar y crear mundos nuevos. Emma, por su parte, no puede ver con sus ojos, sin embargo Teo va descubriendo que esta mujer privada del sentido de la vista es capaz de observar mucho más profundamente que él y aquello le resulta inquietantemente perturbador y a la vez tremendamente desafiante.

Esta cinta del director italiano Silvio Soldini, que participó del Festival de Venecia del 2017, tiene el mérito de narrar una historia simple que pone de relieve el tema de la discapacidad visual y cómo la resiliencia es capaz de contener y superar lo que parece una condición insalvable. Obviamente tenemos al centro una historia de amor, sin embargo no es a mi modo de ver lo principal de la cinta. Aquello que no podemos observar a simple vista es lo medular y el director junto a la actuación de Valeria Golino, que no es ciega en la vida real, logra traspasarnos con mucha sinceridad las angustias, los problemas, los sueños y deseos de la protagonista.

La cinta llega a Chile con su título internacional, “L'amore con te”, sin embargo no es fiel a su título original, “Il colore nascosto delle cose”. Es cierto, soy obsesivo con esto de los nombres de las películas y es porque marca diferencias. No es lo mismo que usted escriba un libro y lo llame “Anna” y que luego se venda o publicite como “Las intrigas del amor”. El título que el autor le regala a su relato implica mucho más que una simple mención o algo que tenga o no un atractivo comercial. En este caso, “El color oculto de las cosas” sin duda es el más apropiado para una historia que con elementos simples, concretos y aún previsibles, nos repite que las apariencias engañan y que la profundidad no se consigue solo mirando aquello que queremos -o que nos obligan- a ver.

Ficha técnica

Título original: Il colore nascosto delle cose
Año: 2017
Duración: 115 minutos
País: Italia
Productora: Coproducción Italia-Suiza; Lumière, Company / RAI / Ventura Film
Género: Drama. Romance
Guion: Doriana Leondeff, Davide Lantieri, Silvio Soldini
Fotografía: Matteo Cocco
Reparto: Adriano Giannini, Valeria Golino, Arianna Scommegna, Laura Adriani, Anna Ferzetti, Andrea Pennacchi, Beniamino Marcone, Mattia Sbragia, Valentina Carnelutti, Roberto De Francesco, Giuseppe Cederna
Dirección: Silvio Soldini