Algunas Bestias - Por Carlos Correa

Disponible en OndaMedia.cl

Una familia viaja al sur de Chile, a una remota isla. El lugar es idílico, bellos paisajes, quietud, naturaleza, intimidad. El sueño de Ana -Millaray Lobos- y Alejandro -Gastón Salgado- es construir un hotel turístico. Junto a sus dos hijos adolescentes, Consuelo y Máximo, también invitan a los padres de ella, Dolores -Paulina García- y Antonio -Alfredo Castro-. ¿El objetivo? Que conozcan el entorno y puedan apoyarles financieramente en el proyecto. Todo se ve trastocado cuando Nicolás -Nicolás Zárate-, el hombre que oficia de asistente en la isla, desaparece y los deja a todos, literalmente, aislados.

El director Jorge Riquelme Serrano elabora un relato cuyo conflicto central es la revelación de lo que se encuentra oculto en cada uno de los protagonistas. Así, salen a la luz las ambiciones y el temor, la protección de la familia y el espíritu conservador, problemas anteriores, rechazos, junto a muchos otros, dejando al descubierto un sinnúmero de situaciones no resueltas.

El encierro obligado genera angustia. La falta de agua, el frio y la soledad despiertan en cada uno de los integrantes del grupo comportamientos inusuales. Se observan disfuncionalidades que, bajo aquellas circunstancias apremiantes, generan conflictos, recriminaciones y también actitudes inaceptables.

La cinta tiene varias lecturas. Por cierto, la mirada desde la perspectiva de las tres generaciones es la más evidente. Todos tienen preocupaciones diferentes y motivaciones distintas. Las relaciones son complejas entre ellos y sin duda guardan secretos, no se han dicho todo, no han sido sinceros, faltan vasos comunicantes, carecen de empatía, confianza, amistad. También, en capas interiores, observamos mucho resquemor, desconfianza, indiferencia, negación, incluso segregación. Todo ello, sumado, da cuenta de vínculos dañados y relaciones enfermizas.

Riquelme filma activamente las actitudes de cada actor. La transmisión de sus sentimientos se palpa en cada cuadro y, aunque por momentos puede parecer sobre actuado, las imágenes dan cuenta realista de lo que viven internamente.

Paulina García y Alfredo Castro se ven sólidos en sus actuaciones. También Millaray Lobos y Gastón Salgado. Estos cuatro actores soportan en sus hombros el mayor peso del drama, acompañados por Consuelo Carreño y Andrew Bargsted, quienes aportan una mirada más joven, algo inocente pero no menos cruda, a una historia que aumenta exponencialmente su tensión interna y externa.

“Algunas Bestias” podría observarse como una exageración de conductas. Es posible, pero si enfrentamos situaciones como las que el guion describe, ¿permaneceríamos indiferentes? Existen heridas profundas que dan cuenta de una gran vulnerabilidad. Es por ello que estas personalidades dañadas -todas-, ante descubrimientos inquietantes -y también aberrantes-, revelan las bestias interiores que llevan dentro. Y no son pocas, son bastante más que solo “algunas”.

Ficha técnica

Título original: Algunas bestias
Año: 2019
Duración: 98 minutos
País: Chile
Productora: Laberinto Films
Género: Drama. Intriga | Familia
Guion: Nicolás Diodovich, Jorge Riquelme Serrano
Reparto: Paulina García, Alfredo Castro, Andrew Bargsted, Gastón Salgado, Consuelo Carreño, Millaray Lobos García, Nicolás Zárate
Dirección: Jorge Riquelme Serrano

Soul - Por Carlos Correa

Disponible en Disney +. 

Preciosa de comienzo a fin. Una historia simple, emotiva y profunda sobre el significado y la valoración de la vida. Emocionante hasta las lágrimas.

Joe Gardner es profesor de música en una escuela secundaria. Entre clases y ensayos dirigiendo la banda del colegio, siempre ha soñado con tener una oportunidad para brillar como pianista de jazz, como miembro de una banda, tocando en vivo sobre el escenario. Pero aquello no se ve fácil. Sin seguridad económica, su anhelo se encuentra cada día más lejano. Sin embargo, el destino le depara una sorpresa cuando un exalumno lo invita a una audición con la mítica Dorothea Williams. Luego del ensayo, la saxofonista queda impresionada y le ofrece participar en el recital de esa misma noche. Joe no lo puede creer, divaga, vuela, sueña despierto; recorre las calles como si fueran nubes, se distrae y de pronto se accidenta al caer por una alcantarilla.

En ese momento, el alma de Joe comienza un tránsito hacia el “Gran Más Allá”, pero se resiste a su suerte y trata de escapar. Entonces se ve arrastrado a otro lugar, el “Gran Antes”, donde las almas primerizas buscan su propósito en una etapa anterior a su inmersión en la Tierra. Allí conoce a “22”, una almita que lleva mucho tiempo tratando de encontrar su sentido, resistiendo la ayuda de grandes mentores. Como Joe está empecinado en volver a su cuerpo, emprenden juntos una aventura llena de sorpresas y emociones.

Nuevamente Pixar nos regala una película que es una delicia. Al alero de las motivaciones personales, los propósitos, sueños e intereses, “Soul” dibuja en forma sencilla varias de las preguntas más complejas de nuestra existencia. Se sumerge en los deseos, en las vocaciones, en aquello que, en esencia, entrega sentido a nuestra vida. Todos somos Joe, cual más cual menos. Vernos reflejados en este personaje nos permite empatizar con él desde nuestros propios caminos.

“Soul” contiene entretención a raudales. Con dosis de humor y drama, los más pequeños disfrutarán con cada secuencia y los adultos no podremos contener las lágrimas. Esa tranversalidad es realmente admirable. Corresponde al resultado de la construcción de un argumento que no se agota en los clichés sino que, bajo una muy aparente simplicidad, construye puentes profundos que nos conectan en forma íntima con nuestras principales emociones.

Dirigida por Pete Docter y codirigida por Kemp Powers, la cinta es prodigiosa en frases y mensajes que cobran muchísimo sentido. Me sorprende la representación del desdoblamiento que se produce en ciertas ocasiones al interpretar la música. Recuerdo haberlo experimentado un par de ocasiones y también me viene a la memoria una película -“Claroscuro”- que lo retrataba muy bien. Así, las metáforas explícitas adoptan formas reales, se expresan y adquieren diversas apariencias para que no tengamos dudas acerca de su significado. Es por eso que el énfasis apunta una y otra vez hacia el descubrimiento de nuestra propia intimidad gracias a su representación en el espejo animado que tenemos enfrente.

La música vuelve a ser el camino elegido para darle forma a una variedad de situaciones. La necesidad de reconocimiento personal, la pasión, la libertad y la búsqueda del propio yo, está muy bien retratado. Se refiere a un aprendizaje que produce sintonía y conexión inmediata, sin barrera alguna ni la necesidad de análisis sesudos. Por otra parte, la descripción del vacío existencial y la necesidad de encontrar el rumbo -es chispa inicial- surge como contraposición, algo que, con el correr de los minutos, adquiere profundidades inimaginables.

El sentido de las pequeñas cosas y su exquisita sencillez, junto a la pasión de querer volver a vivirlas, despierta real interés en “22”. Encuentra interesante, sorprendente y extraño, que Joe tenga tanta urgencia por volver a esa vida “mediocre”. Ahora bien, otra cosa es sentirlo y comprobarlo en carne propia.

Esta fábula animada sobre la existencia y sobre nuestro destino es realmente un bálsamo para los tiempos actuales. Envuelta en gran colorido, la belleza de la animación resplandece. Este relato simple pero tremendamente profundo se erige como una lección difícil de olvidar. Muchas veces perdemos de vista que debemos ser capaces de renunciar a algo, genuinamente, para conseguir nuevas oportunidades. No solo es vital el deseo de perseguir nuestro sueño, también debemos saber reconocer cuando lo conseguimos.

“Soul” es abundante en valores. Refleja la principal esencia, lo que es vital y trascendente, aquello que realmente significa ser humano. Sus aventuras lo desarrollan, además, de una forma encantadora. El mensaje es claro y la consigna brevísima; el alma del ser humano es precisamente el sentido de su vida. Y la vida, sin duda, es nuestro bien mayor.

Ficha técnica

Título original: Soul
Año: 2020
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures (Distribuidora: Disney+)
Género: Animación. Fantástico. Drama. Comedia. Aventuras | Música. Jazz. Gatos. Cine familiar. Pixar
Grupos: Pixar (Películas)
Guion: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers
Música: Jonathan Batiste, Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Animación, Matt Aspbury
Reparto: Animación
Dirección: Pete Docter, Kemp Powers

El Niño del Plomo - Por Jackie O.

“Peregrinaje a la muerte”.

En 1954, el cuerpo de un niño Inca de más de 5 siglos de antigüedad fue descubierto en la cumbre del Cerro el Plomo, por el arriero Luis Gerardo Ríos junto a sus sobrinos.

Y el origen con los motivos de la muerte del niño, comienzan a ser analizados por expertos.

Conmoción mundial por el hallazgo hubo en esa época, pero porque si ya habían encontrado en el mundo otros hallazgos de esta índole, la diferencia radicaba en su perfecto estado de conservación.

En un comienzo la prensa le llamó “la princesa del cerro el plomo” por sus trenzas, pero investigaciones posteriores dieron a conocer la negativa ante ese nombre.

Las entrevistas que en estos breves minutos nos dan expertos del Museo Nacional de Historia, son suficientemente claras para explicarnos la historia tras este pequeño.

¿Sufrió? ¿Qué significado era la muerte para ellos?

Con imágenes claras que acompañan la narrativa de una voz en off como de los entrevistados. Así como una música que se escucha de fondo sin interferir en los diálogos.

Documental práctico para todo público pero ideal para los jóvenes estudiantes, donde todos conoceremos este fantástico hallazgo, donde la conservación y cuidado de él como de sus pertenencias hablan.

Quiénes era, cómo vivían, incluso como murieron, son temas fascinantes para científicos que nos ilustran de un pasado atrayente.

Muy interesante trabajo audiovisual.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Corto -Documental.
Duración: 10 minutos

Año: 2020
Dirección: Rodrigo Herrera-Rubio y Juan Pablo Lama.
Música de Matanza y Fernando Milagros
Producción: Andesjournal.
Animación gráfica: Valerie Searle

Cielo de Medianoche - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Basada en la novela “Good Morning, Midnight”, de Lily Brooks-Dalton, esta película nos presenta a Augustine -George Clooney-, un científico que, en una abandonada base ubicada en el Ártico, se propone contactar a una nave espacial que está retornando a la Tierra luego de un largo viaje de exploración. Un evento no identificado -“el suceso”- adquiere ribetes catastróficos. Augustine quiere advertir el hecho a la tripulación de “Æther” para que no regresen a casa.

La película es reflexiva. Habla del sentido de la vida, de la existencia de la humanidad más allá de la Tierra y también deja al descubierto una intensa conexión emocional. En un escenario apocalíptico y con un camino ya recorrido, Augustine necesita dar sentido a sus últimos días. Sufre una enfermedad grave, requiere diálisis, por lo que sus movimientos además son limitados. No sabemos qué ha sucedido en el mundo pero no es difícil percatarse que se ha comprometido la supervivencia en el hábitat humano.

La cinta no es para nada explícita, todo lo contrario. En su capa más sencilla, observamos flashes del pasado con los que vamos componiendo el relato. Aun así, la apertura que entrevemos sigue siendo ambigua. El ritmo del metraje es muy lento, no tiene ninguna prisa y por momentos cae en algunas lagunas que solo son interrumpidas por secuencias que parecen romper aquella quietud que se dirige hacia una indefinida extinción.

La forma de la cinta permite separar los ambientes. Por un lado, lo que sucede en Tierra, en el frío Ártico, donde Augustine y la pequeña Iris -Caoilinn Springall-, una niña que no habla y que el científico ha descubierto escondida en la estación, deben llegar a la próxima base que tiene una antena de comunicación de mayor alcance. La misión es atravesar los hielos, en condiciones infrahumanas, a la deriva, sin ayuda ni protección. Se trata de un desafío tan imposible como temerario, indispensable para completar el propósito autoimpuesto por el protagonista. En contraposición, observamos lo que pasa en la nave espacial con su tripulación, con sus cinco miembros que acaban de visitar K-23, una luna habitable de Júpiter que representa una esperanza, una oportunidad, o tal vez solo un sueño.

Cada ambiente tiene sus retos y también sus propósitos. Son distintos, pero -en capas más profundas- se unen en lo trascendente, en el posible contacto entre ambos, como si aquello tuviera el poder de unir dos mundos que se encuentran a una distancia imposible de salvar. Podría haberse desarrollado más cada una de las historias pero tal vez ese no era el principal objetivo. Tal vez esa la incertidumbre es parte fundamental de la concepción del guion escrito por Mark L. Smith y lo que obliga a esmerarse por profundizar en su interior. Personajes dibujados, no tan elaborados, permiten que aquello funcione, y tal vez sea suficiente. El tiempo quizá responda las múltiples interrogantes.

“Cielo de Medianoche” deja una estela para analizar luego de verla, una sensación, un gusto, un sabor especial. Al concluir, podemos unir los puntos y gracias a ello comprender el mensaje. Tal como la música original de Alexandre Desplat, que queda resonando internamente, la película regresa en ráfagas para mostrarnos luces, ideas y señales. Entonces parece incluso menos lenta y más corta. Quizá es solo una ilusión, pero también es un mérito. Al menos a mí me resulta satisfactorio cuando quedo con estas impresiones, cuando los recuerdos vuelven a mi para completar el trabajo. Es el momento en que tal vez comienza otra película u otra historia. O tal vez, es ese el momento en que se consigue la tan anhelada conexión emocional.

Ficha técnica

Título original: The Midnight Sky
Año: 2020
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Anonymous Content, Netflix, Syndicate Entertainment, Smoke House Pictures, Truenorth Productions (Distribuidora: Netflix)
Género: Ciencia ficción. Drama | Futuro postapocalíptico. Aventura espacial. Distopía
Guion: Mark L. Smith (Libro: Lily Brooks-Dalton)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Martin Ruhe
Reparto: George Clooney, Felicity Jones, David Oyelowo, Demian Bichir, Kyle Chandler, Tiffany Boone, Caoilinn Springall, Ethan Peck, Lilja Nótt Þórarinsdóttir, Tia Bannon, Sophie Rundle, Tim Russ, Miriam Shor, Jill Buchanan, Kishore Bhatt, Bharat Mistri, Natasha Jenssen, Olivia Noyce, Edan Hayhurst, Atli Oskar Fjalarsson, Grant Crookes
Dirección: George Clooney

Bridgerton - Por Jackie O.

“Cuando Jane Austen se transforma en chica indiscreta”. 

Esta es una serie dramática de época que se basó en las novelas de Julia Quinn. Ambientada en el mundo competitivo de la alta sociedad de Londres de 1813, cuando las jóvenes debutantes son presentadas en la corte y definen su situación matrimonial.

Carruajes, intrigas, opulencia, extravagancia, linaje y una cronista omnisciente, marcan la pauta de esta historia, donde la carrera de las familias por preparar a sus hijas para los bailes de la temporada comienza.

Durante siglos las mujeres fueron utilizadas por su familia para hacer "alianzas" con otras familias, el matrimonio por amor era algo sumamente insólito ya que primaba el dinero. Así es que llega el momento en que las debutantes son llevadas a los escaparates de un enorme mercado de bodas, donde padres y sus madres principalmente, negocian las elecciones de sus hijos al mejor postor.

Los libros de esta autora cuentan las experiencias amorosas de todos los miembros de la familia Bridgeston. En esta primera temporada seguimos principalmente a Daphne, quien es protagonista del primer libro 'El duque y yo', la cuarta hija y primera esposa de los ocho hermanos que en su primer año como debutante se encuentra en búsqueda de marido, pero por amor, teniendo que lidiar con la presión social y los agudos comentarios de una escritora que conmociona a la ciudad con su columna de rumores, llamada Lady Whistledown.

También tenemos al otro protagonista, al interesante, elegante y codiciado Duque Simon Basset.

Esta joven al ver que las perspectivas son desfavorables para ella, y el Duque ya no soporta a las madres desesperadas con sus hijas persiguiéndolo, urden ambos un plan para engañarlos a todos.

Si bien Daphne es una adolecente muy inocente pero decidida, que tiene una familia cercana y protectora, Simon es solitario y muy arrogante pero tiene razón para serlo, debido a su complicada historia.

Por lo que podría decir que me encantó la forma en que se conocieron y cuando decidieron hacer un acuerdo que se convirtió en una hermosa amistad pasando luego a la pasión.

Todos los capítulos tienen en común que los personajes no saben cómo lidiar con sus sentimientos. Personajes divertidos, que llaman la atención por su apariencia y/o su forma de ser.

Bridgerton va más allá de sentimientos como la unidad y la protección familiar (y la falta de ella), el amor, los conflictos internos, la honestidad y la presión social latente, también explora temas como el feminismo, la hermandad y el racismo.

La serie es entretenida para quienes nos gustan las cintas de época, liviana sin tener que pensar tanto, con personajes carismáticos, un diseño de producción muy bien ejecutado, cada decorado perfectamente puesto, visualmente una maravilla y con un guion fluido, aunque está lejos de lo que realmente era ese Londres que nos pintan, ya que esto no es un “drama de época”.

Tampoco la comparen con Jane Austen, ya que ella nos aportaba sutileza con tintes de ironía (como mi subtítulo).

Disponible en Netflix.

Ficha técnica 

Género: Drama histórico y romance.
Creado por Chris Van Dusen
Basado en Bridgerton de Julia Quinn
Ambientación Siglo XIX
País de origen: EEUU 

Idioma original: Inglés
Fecha de lanzamiento: 25 de diciembre de 2020.
N.º de temporadas 1
N.º de episodios 8
Elenco principal:
Julie Andrews como la voz de Lady Whistledown (narradora)
Phoebe Dynevor como Daphne Bridgerton
Regé-Jean Page como Simon Basset
Jonathan Bailey como Anthony Bridgerton
Nicola Coughlan como Penelope Featherington
Claudia Jessie como Eloise Bridgerton
Adjoa Andoh como Lady Danbury
Ruth Gemmell como Lady Violet Bridgerton
Florence Hunt como Hyacinth Bridgerton
Ben Miller como baron Featherington
Luke Newton como Colin Bridgerton
Ruby Stokes como Francesca Bridgerton
Luke Thompson como Benedict Bridgerton
Will Tilston como Gregory Bridgerton

Tom en la Granja - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Centroartealameda.tv

Un logrado drama íntimo de suspenso y sado-masoquismo.

Realizado por el “joven maravilla” canadiense Xavir Dolan cuando sólo tenía 25 años, basado en la obra teatral de Michel Marc Bouchard. Sus siguientes películas sólo confirmaron su talento. (Mommy 2014 - Premio del Jurado en Cannes).

Tom es un joven publicista de Montreal. Cuando muere Bill, su pareja homosexual, en un accidente de tránsito, decide visitar a la familia en el campo para darles el pésame. Allí conocerá a la apesadumbrada madre y a su único hermano Francis. Su breve estadía en la granja dará origen a una serie de revelaciones, secretos semi ocultos y extrañas reacciones ambiguas, sensuales y aberrantes.

Más que en la acción y la trama - que son lentas - debemos concentrarnos en sus personajes. Quiénes son, qué les ocurre, qué los perturba, por qué se comportan así.

Desde el comienzo surge una compleja relación entre Francis, el hermano homofóbico, y el frágil visitante. Al parecer, sólo la anciana madre ignoraba la orientación sexual de su hijo fallecido. Al punto de invitar a una prostituta, supuesta novia de Bill, para mantenerla engañada.

El núcleo del drama se centra en la psiquis de Tom. Por una parte es agredido con violencia - física y mental - por Francis, que conoce la verdad del vínculo entre ellos; y por otra, siente una fuerza interna que lo impulsa a permanecer en la granja.

A pesar del peligro, se siente como un cordero expiatorio atrapado entre la necesidad de consolar a la madre y acompañar a ese gañán que lo atrae y, a la vez, lo tortura.

En esta extraña co-dependencia reside el suspenso de la intriga.

En el viaje por la psiquis de Tom compartimos sus angustias, sus dudas, sus temores y, muy en especial, sus decisiones. ¿Qué encontró Tom en la Granja? ¿Cuáles eran sus opciones? Batalla sorda entre personajes y conciencia. ¿Quería Tom, en verdad, escapar de ahí, o prefería quedarse? La epifanía de las secuencias finales nos responden a estas interrogantes.

Como director Xavier Dolan - quien encarna a Tom - consigue enorme tensión con un mínimo de recursos. Sus filmes reinciden en temas que vinculan a las madres con sus hijos.

Con muy pocos personajes nos entrega un turbio dilema existencial y afectivo. Cada actor se vuelca de lleno en su rol.

INTIMISMO MUY BIEN LOGRADO. UN MICROCOSMOS CAMPESINO TAN SINIESTRO COMO LA URBE MÁS CIVILIZADA. 

Ficha técnica   

Título Original: Tom a la Ferme

2013 Drama, misterio, suspenso 

Francia, Canadá - 1,42 hrs. 

Fotografía: André Turpin 

Música: Gabriel Yared 

Diseño Prod.: Colombe Raby 

Guionistas: Xavier Dolan, Michael Marc Bouchard 

Actores: Xavier Dolan, Pierre-Yves Cardinal, Lise Roy 

Editor, Guionista y Director: Xavier Dolan

Ana y Bruno - Por Jackie O.

“Más allá de la imaginación y la cordura.” 

Ana es una pequeña niña quien, junto con su madre, ha sido internada en un hospital psiquiátrico.

Su infancia está llena de inocencia, fantasías, magia e ilusiones, pero llega el momento en que por una situación determinada ella cree que su deber es salvar a su mamá. Así, la niña escapa en búsqueda de su padre, aunque para ello necesitará la ayuda de siniestras y amigables criaturas imaginarias que la acompañarán en un viaje lleno de fantasía, locura y amor familiar.

Me encantan las películas animadas, disfruto mucho de ellas ya que las hay de todo tipo, para entretener y también para reflexionar. Películas que en su mayoría son familiares.

Sobre ésta, me arriesgaría a decir que es mejor para mayores de 10 años más o menos, por su temática.

Ana, como señalé, es llevada a un centro psiquiátrico junto a su madre, lugar donde encontrará a una serie de personajes extraños que la ayudarán en su aventura dentro y fuera del hospital.

Al huir, este viaje se transforma en una simpática aventura, llena de emociones, donde estos personajes extraños que están con ella representan esas manías, demonios o fobias que padecen algunos enfermos mentales, transformándola así, en algo media oscura en su temática, ya que nos muestra cuando algunas personas llegan a tocar fondo en su vida.

Su trama es dura al mostrarnos a personas que padecen de enfermedades mentales, pero lo hace de una forma realista y empática.

El diseño de los dibujos puede recordarte algo de Tim Burton. La coloración acá es fuerte y el guion tiene algunas fallas de lógica y continuidad, que por muy animada que sea, se nota.

Aun así es una historia interesante para ver y conversar sobre variados temas, como la situación que padecen los enfermos mentales, del dolor, la esperanza, vida, muerte, separación, familia, amor, amistad...

Así como:

¿Todos tenemos o hemos tenido, amigos imaginarios?

¿Cuál es el límite de la imaginación y perder la cordura?

Disponible en YouTube, Netflix y Amazon Prime. 

Premios: 

2018: 15.º Premios Canacine, Mejor Película de Animación
2019: 2018 Premios Quirino Ibero mejor-Largometraje de Animación americana
2019: 61.º Ariel Premios, Mejor largometraje animado.

Ficha técnica

Dirección: Carlos Carrera
Guion: Daniel Emil y Flavio González Mello
Basada en “Ana”,  de Daniel Emil
Música: Víctor Hernández Stumpfhauser
País: México 

Duración: 96 minutos
Idioma: Español

Año: 2017
Reparto de voces:
Galia Mayer como Ana
Marina de Tavira como Carmen
Damián Alcázar como Ricardo
Armando Ürtusuaztegui como Bruno
Julieta Egurrola como Martita
Regina Orozco como Rosi
Héctor Bonilla como Dr. Mendez
Daniel Carrera Pasternac como Daniel

La Madre del Blues - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Basada en la obra “Ma Rainey's Black Bottom”, escrita en 1982 por August Wilson, esta cinta narra la historia de la popular voz del blues, Ma Rainey, quien, junto a su banda, destina una tarde completa a la grabación de un nuevo disco. Corren los años 20 y la ciudad es Chicago. Ma Rainey -Viola Davis-, llega tarde a la sesión, la banda ya ha arribado y, mientras esperan, el inquieto trompetista Levee -Chadwick Boseman- no solo está ansioso por comenzar a grabar.

La tensión se percibe desde el minuto uno y el ambiente se corta con tijera. Ma Rainey no solo se enfrasca en discusiones con su manager y productor blanco -requiere una Coca Cola helada y no transa que su sobrino tartamudo recite la introducción de un tema- sino que también debe lidiar con el joven, entusiasta y ambicioso Levee. Los espacios cerrados y la molesta espera acrecientan el calor que se siente en lugar, tanto en el ambiente como en el argumento. Surgen conflictos, historias, por supuesto hay temas no resueltos y un pasado que, poco a poco, va quedando al descubierto. Entremedio prosigue la música y la grabación. Ma se sabe la mejor, domina la escena con su voz, impone su voluntad mientras Levee sueña despierto, posa su mirada en Dussie Mae -Taylour Paige-, la joven novia de Ma, y no mide consecuencias.

Con actuaciones sobresalientes y monólogos profundos, la película se sumerge en dos personalidades fuertes que chocan como grandes tanques pero en niveles diferentes. Corresponde a la filmación de una obra de teatro donde el enclaustramiento juega un papel determinante. Y no solo físico, mental y por cierto racial. Planos agobiantes y secuencias asfixiantes entregan aun más tensión a un relato que tiene sus puntos más altos en la construcción de las personalidades de todos sus protagonistas.

La historia está marcada por el racismo y la histórica exclusión afroamericana. La música es probablemente la única oportunidad que tienen para poder surgir -o al menos sobrevivir- en un mundo dominado por blancos. ¡Y vaya posibilidad! El talento es evidente y la fuerza que genera es intensa. La segregación y discriminación se equilibran con el anhelo de demostrar su valía desde el arte, desde la emoción, con musicalidad y convicción. Los solos vocales e instrumentales son plegarias, tal vez única opción para expresarse contra las burlas, la incesante dominación y las conveniencias económicas que busca la industria musical de la época.

La película es tremendamente profunda. Conmueve la actuación de Chadwick Boseman, última antes de fallecer en Agosto pasado. Su furiosa emotividad a flor de piel provoca también tensión. Compenetrado en su personaje, trasluce una fuerza extremadamente difícil de contrarrestar. Cuando está en escena llena la pantalla, estando solo o acompañado, hablando, gritando blasfemas o tocando su inseparable trompeta. Impacta la declamación de sus líneas, su acento, su carisma, su voz interior. El logro de Boseman es mayúsculo, configura una brillante actuación. Por su parte, Viola Davis sencillamente se transforma en Ma Rainey, es Ma Rainey. ¡Quién mejor que Davis para el rol! Con una caracterización asombrosa, la joven actriz entrega vida a una artista que impone su estilo tanto en el blues como en la música popular de la época y también en años posteriores.

El guion -basado en ese texto acertado, preciso y profundo de August Wilson- no deja de lado la hermandad de las personas de color. Su dolor, su dignidad y también sus conflictos. Hay una realidad innegable, tensiones brutales, posiciones arriesgadas, acciones impredecibles. El grupo viene del sur, Georgia, y llegan al norte, Chicago. Quieren huir de la segregación pero se encuentran con algo similar o tal vez peor. Es la cruda historia de una discriminación que persiste hasta nuestros días.

“Ma Rainey's Black Bottom” es una historia de músicos que buscan reconocimiento a nivel personal, primero como seres humanos y luego como artistas. La soberbia en ellos está presente y no es poca. También el orgullo, válidos mecanismos de defensa que les lleva a tomar decisiones de las que pueden arrepentirse posteriormente. No obstante aquello, la cinta pone de manifiesto la pasión e influencia que personajes con estas características y cualidades pueden ejercer sobre su entorno. La música es el hilo conductor, es el relato, es el fin y también el medio. Constituye quizá, el único canal de expresión que les permite salir de la oscuridad y defender así, cabalmente, su propia dignidad.

Ficha técnica

Título original: Ma Rainey's Black Bottom
Año: 2020
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Netflix (Productor: Denzel Washington) (Distribuidora: Netflix)
Género: Drama | Biográfico. Música. Años 20. Racismo
Guion: Ruben Santiago-Hudson (Obra: August Wilson )
Música: Branford Marsalis
Fotografía: Tobias A. Schliessler
Reparto: Viola Davis, Chadwick Boseman, Glynn Turman, Colman Domingo, Joshua Harto, Taylour Paige, Jonny Coyne, Jeremy Shamos, Michael Potts, Scott Matheny, Dusan Brown, Phil Nardozzi, Daniel Johnson, Roger Petan, Ron L. Haynes, William Kania, Gregory Bromfield, Jordan Rhone, DaJuan Rippy, Antonio Fierro, Tony Amen, Shane McNair, Jacob Wright, Chris McCail, Malik Abdul Khaaliq, Sierra Stewart, Patrick Raffaele, Brent Feitl, Eric Sharpe, Remington Sinclair
Dirección: George C. Wolfe

Dos armas letales - Por Jackie O.

“Robo, traición y tiroteos”. 

Película basada en una serie de cómics del mismo nombre publicada por Boom! Studios.

Dos criminales planean robar un banco que tiene una gran reserva de dinero, la que pertenece a un peligroso narcotraficante llamado Papi Greco. Hablamos del oficial de control de drogas Bobby y el oficial de inteligencia de la Marina Marcus, quienes realizan una investigación de forma encubierta en una zona rural de México, pero ninguno conoce la identidad del otro.

Pero como era de suponer el plan no funciona, y vienen una serie de problemas donde ambos se ven envueltos en diversas situaciones, y también existe mucha traición, obligando a Bobby y Marcus a unirse para recuperar el dinero, pero están acorralados por la mafia y la Agencia de Control de Drogas.

La película funciona muy bien por la química que mantienen Washington y Wahlberg que es a raudales, incluyendo el intercambio de bromas ingeniosas.

El villano principal de la película, aparte de “Papi Greco”, es Earl, y él es en momentos muy intimidante.

La película mantiene un tono ligero constantemente, pero EARL sabe cómo aumentar la ansiedad cada vez que aparece en pantalla. Washington mantiene como pareja amorosa a Paula Patton, quien es un gran elemento impulsor creando una gran conexión.

La trama que nos muestran es muy común y vista muchas veces, pero el director islandés le da un nuevo giro a esta adaptación de la novela gráfica, y juega con las virtudes impecables de sus dos protagonistas.

La cinta es divertida y la acción está en la medida justa. El casting es de lujo, tenemos a Denzel Washington y Mark Wallberg quienes, como dije, interactúan de gran forma. Algunos diálogos son muy divertidos y naturales, además sus personalidades son completas, mientras que el primero es más comedido y cerebral, el otro es más descarado y extrovertido.

La historia, el ambiente y el ritmo son buenos.

Y aunque esté lejos de ser revolucionaria, es posible divertirse por su valor de entretenimiento simple y objetivo, con un guión que trae algunas buenas sorpresas, conducción eficiente en las escenas de acción y un reparto competente.

Disponible en Movistar Play y Netflix. 

Ficha técnica

Título original: 2 Guns
Otros títulos: 2 Armas Letales, Armados y peligrosos.
Dirección: Baltasar Kormákur
Guion: Blake Masters
Basada en 2 Guns de Steven Grant.
País: EEUU 

Año 2013
Género: acción y comedia.
Duración: 109 minutos
Reparto: 
Denzel Washington: Robert Lynn "Bobby" Trench, alias Bobby T / Bobby B / Bobby Beans.
Mark Wahlberg: Suboficial mayor de la armada Michael "Stig" Stigman.
Paula Patton: agente especial de la DEA Deb Rees.
Bill Paxton: Es Earl.
James Marsden: capitán de corbeta Harold Quince.
Fred Ward: contraalmirante Tuwey.
Edward James Olmos: Manny "Papi" Greco.
Robert John Burke: agente especial de la DEA, Jessup.

Tyrel - Por Carlos Correa

Disponible en centroartealameda.tv

Una fiesta de cumpleaños en una cabaña en el medio del bosque es el destino que tienen Tyler -Jason Mitchell- y Johnny -Christopher Abbott-. Se reunirán pronto con el resto de sus amigos para pasar un fin de semana libre y sin restricciones de ninguna especie. No les es fácil llegar al lugar. Un manto de nieve extendido, el frío y la ubicación montañosa, hacen más complicado un desafío, que luego de una larga travesía logran completar. Comienza, entonces, el esperado encuentro.

Desde un inicio percibimos en Tyrel su manifiesta incomodidad. El encierro junto al grupo le produce angustia y agobio. Es el único afroamericano. Todos los demás son blancos y lo hacen notar, con gestos, frases, chistes y también con actitudes. Tyrel lo reconoce al instante, se siente objeto de discriminación, separación, y exclusión.

Escrita y dirigida por Sebastián Silva, la cinta juega con la sensación permanente de que algo va a suceder. Como una bomba de tiempo, sabemos que está allí pero no sabemos cuándo estallará. Y no es solo racismo, es la separación de quien es distinto, es la exclusión del más vulnerable, sea quien sea, es la presión del grupo, es el ambiente tóxico que genera la reunión.

Ante lo inevitable, Tyrel se queda sin herramientas. No sabe cómo actuar. ¿Se enfrenta? ¿Busca escape?

De cara a una realidad que le sofoca y le molesta, Tyrel intenta lo que tiene más a mano, trata de no vincularse, se hace el dormido, toma en exceso, intenta borrarse, evita en lo posible cualquier contacto, pero sus esfuerzos resultan inútiles.

La amistad del grupo es solo aparente. Tyrel no conoce a nadie -salvo a su amigo- y ellos tampoco le conocen. Un ambiente propicio para dejarse llevar sin poner límites. ¿Tyrel debe aceptarlo, así, sin más? Si lo hace, transgrede su propia integridad; si no lo hace, se hunde rápidamente.

La reunión sube de tono y se hace insoportable. Son extremos, literalmente blanco y negro. La voluntad individual superada por la circunstancia. ¿Huye? ¿Se rebela?

“Tyrel” es incómoda, genera agobio. Las conversaciones son extensas, la abundancia de texto abruma. La cinta apela al desgarro. Pese a eso, empatizamos con el protagonista. ¿Qué pasará? No sabemos, pero tenemos certeza que es solo cosa de tiempo. Vemos, entonces, el entorno que determina el actuar. Podemos reflexionar al respecto. Volvemos a preguntar, ¿se defiende, se mantiene firme, escapa?

La cinta provee demasiadas preguntas. Nos expone a una situación desagradable y con ello nos logra involucrar. Nos hace sentir lo que le pasa al protagonista. Nos excluye, nos violenta, nos angustia. Eso es, sin duda, mérito del guion de Silva -estructurado, tipo reality, improvisado, en parte o todo aquello, no lo sabemos-, y también gracias a su inquietante cámara -y claustrofóbica fotografía- que, siempre intranquila, no permite que la tensión ceda en ningún momento. Por eso traspasa la sensación creciente e interna, de un volcán a punto de estallar. Silva maneja los tiempos y también nos maneja a nosotros. Son solo 86 minutos, sin embargo la presión que genera permanece mucho más.

Ficha técnica

Título original: Tyrel
Año: 2018
Duración: 86 minutos
País: Estados Unidos
Género: Drama | Cine independiente USA. Racismo
Guion: Sebastián Silva
Fotografía: Alexis Zabé
Reparto: Jason Mitchell, Caleb Landry Jones, Michael Cera, Christopher Abbott, Michael Zegen, Philip Ettinger, Roddy Bottum
Dirección: Sebastián Silva

Godless - Por Jackie O.

“No he visto mi muerte aún…”. 

Estamos ante una miniserie de western donde un forajido y su pandilla buscan a un excompañero traidor, quien se encuentra cerca de un pueblo minero aislado, gobernado principalmente por mujeres.

Este año he visto algunos clásicos de John Ford, de Clint Eastwood, Leone, entre otros, y cuando me recomendaron esta miniserie dije: “bueno, algo habrán aprendido los actuales directores de los grandes maestros del viejo oeste”. ?Y qué me encontré? 

Con una serie que me dejó sentimiento encontrados, mala no es, pero grandiosa tampoco.

Tenemos al héroe y al villano, donde el héroe o el bueno o el jovencito de la trama, Roy Goode, es un forajido que traiciona a su mentor, pero lamentablemente no convence a nadie con su actuación. Por otro lado está el malo o antagonista o villano, Frank Griffin, quien es un buen forajido-villano-malandrín, su presencia vale la pena ver.

Casi toda la trama transcurre en un pueblo llamado “La Belle”, donde sus habitantes son 95% mujeres. Los hombres que están ahí no sirven para nada, salvo el sheriff y su joven ayudante que tienen cuento que contar.

Todos tienen su historia y la vamos conociendo a medida que avanzan los capítulos. Vemos y nos intriga la persecución que hace el villano, el cual no deja de hacer sus fechorías por el camino.

Como estamos avanzando en temas y para que todo el mundo quede conforme y ser políticamente correctos, tenemos a mujeres feministas y muy empoderadas, que perfectamente pueden vivir sin los machos alfa (algunas). También está la lesbiana para que haya inclusión, y la pareja interracial para que haya más inclusión.

La pareja principal, que se supone es parte importante de la trama, no lo es y tampoco tiene la química que uno quiere y espera. En ningún momento sucede nada que te encienda o que la situación te tense solo por una mirada, me refiero al ya nombrado ROY Goode con la viuda ALICE Fletcher, quien es una mujer de armas tomar (literalmente).

Una miniserie de 7 capítulos que se hacen largos, los cuales debieron haberlos cortado unos 10 o 15 minutos, ya que habían situaciones de relleno innecesarias, o mejor haberle quitado un capítulo.

No, no es mala, simplemente esperaba más en una cinta de este género. no hubo la tensión necesaria, había situaciones inverosímiles como el final donde los forajidos que son personas viles y expertos en tiroteos masivos, se quedaron como tiro al blanco entremedio de indefensas mujeres en su mayoría. O no se desarrolló bien la historia con ese pueblo vecino… cosas así, por ejemplo.

La trama en general transcurre de forma pausada, mostrándonos el día a día de los personajes sin ahondar mucho en sus historias, que habría sido interesante. Pero, en términos generales, no aburre porque quieres conocer y saber cuál será el desenlace.

Existen historias de romance, el problema es que no manejaron los momentos que pudieron habernos electrizado, así como hay muchos personajes carismáticos y les tomas cariño.

Y reconozco que me apenó que haya muerto…

En fin, igual sirve para pasar un buen rato.

Lo bueno:

El antagonista Jeff Daniels, genial interpretación. La fotografía. El diseño de producción. Algunas actuaciones. La música.

Lo malo: 

Muy largos los capítulos. Faltó tensión e intriga en gran parte de los capítulos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Año: 2017 

Duración: 60 min. c/capítulo aprox.
País: EEUU 

Capítulos: 7.
Dirección y guion: Scott Frank.
Música: Carlos Rafael Rivera.
Fotografía: Steven Meizler.
Reparto:
Jack O'Connell como Roy Goode.​
Jeff Daniels como Frank Griffin.
Michelle Dockery como Alice Fletcher.​
Scoot McNairy como Bill McNue.
Thomas Brodie-Sangster como Whitey Winn.​
Merritt Wever como Mary Agnes McNue.
Sam Waterston como el marshal John Cook.
Kim Coates como Ed Logan.
Audrey Moore como Sarah Doyle.

Fierce - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

El programa de televisión "Music Race”, causa furor gracias a la cobertura y éxito entre su audiencia. El jurado está compuesto por tres personalidades de la farándula; un popular excantante llamado Olo -Adrian Majewski-, una “influencer” de redes sociales, Ewa Dykty -Julia Kaminska- y Urszula Dudziak, quien se interpreta a sí misma. Para encontrar nuevos talentos, organizan un casting en el pueblo natal de Olo, donde vive Marta -Katarzyna Sawczuk-, una joven adolescente que, aparte de cantar muy bien, se rebela producto de su lazo filial con el principal jurado y decide ingresar hasta las entrañas del popular programa.

Esta cinta polaca dirigida por Anna Wieczur-Bluszcz tiene como premisa una referencia equívoca. Señala en su breve reseña que “una joven cantante causa sensación con su actuación en un popular concurso de talentos, pero su verdadera intención es ganarse el cariño de su padre, miembro del jurado”. Al leer esto, nos hacemos una idea sobre la trama y esperamos que se desarrolle según esta directriz, sin embargo, la sentencia no es correcta. ¿Por qué? Veamos.

Si bien es cierto que desde un comienzo sabemos que “Ostra” -así apodan a Marta- es hija de Olo, quien abandonó a su madre antes que ella naciera, no tenemos referencias mayores al respecto. Parece algo olvidado en la familia, aunque el resentimiento persiste y la herida aun está sin cicatrizar. Lo que reabre el asunto es la presencia de Olo en el pueblo y principalmente su arrogancia e indiferencia. Debido a ello, el desafío que Marta se impone es demostrarle a su padre que ella puede conquistar su espacio, perseguir su sueño, es decir, no busca ganarse su cariño. Al contrario, su rebeldía la enfrenta con Olo, porque literalmente no quiere saber nada de quien no pensó jamás en ella y la abandonó sin siquiera conocerla.

La temática de esta película es interesante. Si bien la historia no es original y la hemos visto desarrollada en muchas oportunidades, el formato en que se presenta entrega una nueva oportunidad. En ese sentido, el interés que despierta es genuino aunque su desarrollo nos confunda en el camino.

El guion gasta mucho tiempo, digamos dos tercios, en la presentación de situaciones y en el desarrollo de hechos que se sostienen en el conflicto principal, es decir, lo que le sucede a esta hija frente a esta distante y arrogante figura paterna. Es cierto, no es poco, pero no explora mucho más allá. El personaje de Olo carece de profundidad y emoción. Marta y su madre, tampoco aportan mayores cuotas de tensión. Solo la abuela de Marta parece tener algo para descubrir pero se queda a medio camino. Por otro lado, los otros dos jurados, la mediática Ewa, pareja de Olo, junto a la entusiasta Urszula, participan efusivamente del show pero no tienen gran incidencia en la trama.

El punto de inflexión llega tarde. El conflicto se desata cuando queda un tercio de metraje. Tarde, porque en muy poco tiempo comienza a suceder todo, algo así como “corramos que se nos acaba el tiempo”. Frenéticamente, el guion debe ir cerrando todo lo que previamente abrió y no queda demasiado espacio para hacerlo con “calma y buena letra”. Se siente forzado este tercio final, como una decisión arriesgada, porque no calza la premura del relato con el espacio necesario para que elabore una buena conclusión.

Existen en esta cinta otras temáticas importantes que también quedan al debe. Por ejemplo la fama temprana, la sobre exposición, el aprovechamiento de la imagen, la conveniencia mientras gane puntos gracias al éxito de otro, lo desechable cuando se cae en desgracia, la discriminación, la amistad por conveniencia, etc… También, no deja de llamar la atención la referencia al pueblo como “basural”. Es un lugar pequeño, es cierto, pero con un entorno precioso y una aparente vida tranquila y normal. Tal vez es exagerado, claro, porque es posible que en un pueblo así no existan las oportunidades que hay en una capital o en una ciudad de mayor envergadura, pero ¿llamarlo “basural”…?

“Jak zostac gwiazda” -cómo convertirse en una estrella-, se deja ver a pesar de sus baches narrativos. Quedémonos con las temáticas más que con su desarrollo, con las transformaciones de sus protagonistas más que con sus actuaciones, con la crítica a la farándula más que con su despliegue escénico. En síntesis, rescatemos lo invisible de un relato que pudo ser mejor aprovechado y que se quedó en el intento.

Ficha técnica

Título original: Jak zostac gwiazda
Año: 2020
Duración: 118 minutos
País: Polonia
Productora: ATM Grupa S.A, Polski Instytut Sztuki Filmowej
Género: Comedia | Música. Familia
Guion: Piotr Jasek, Julia Kaminska, Wojciech Nerkowski
Música: Sarsa Markiewicz
Fotografía: Witold Plociennik
Reparto: Julia Kaminska, Tomasz Karolak, Adrian Majewski, Maria Pakulnis, Michal Piprowski, Katarzyna Sawczuk, Wojciech Solarz, Anita Sokolowska, Barbara Wypych, Maciej Zakoscielny, Mariusz Bindula, Sonia Bohosiewicz, Aleksandra Boron, Mateusz Burdach, Michal Buszmicz, Mikolaj Cieslak, Robby Cyron, Malwina Dubowska, Gloria Faron, Jakub Gasowski, Remigiusz Jankowski, Kacper Lech
Dirección: Anna Wieczur-Bluszcz

El Secreto: atrévete a soñar - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Inspirada en el libro “El Secreto”, de Rhonda Byrne, esta cinta dirigida por Andy Tennant, narra la historia de Miranda Wells -Katie Holmes-, quien debe sacar adelante a sus tres hijos luego de enviudar hace cinco años. Trabaja duro, sin embargo su salario no le alcanza para los gastos familiares. Su novio, Tucker -Jerry O'Connell-, es también su jefe, sin embargo en cuatro años aun no formalizan nada, mientras la vida de Miranda es consumida por la desesperanza.

En vísperas de una gran tormenta, llega a la ciudad un extraño visitante. Se trata de Bryan -Josh Lucas-, un hombre que trae un sobre para Miranda. No lo deja en su casa porque necesita hablar con ella, explicarlo. Coincidentemente -y acá comienzan todos los puntos de encuentro-, Miranda, en un descuido, choca la camioneta de Bryan. Él no se hace problema, le ofrece ayuda y la acompaña a su casa sin saber que se trata de la misma persona que ha venido a buscar.

La cinta es sencilla y predecible. Lógicamente, se forma un triángulo de tensión entre Miranda, Tucker y el recién llegado. Y no es porque haya un interés romántico de este último, sino que es naturalmente lo que sucede luego de su generosa oferta para arreglar el techo destrozado de la casa luego de las consecuencias del temporal. Es inevitable que Tucker se ponga celoso y que por ello acelere decisiones y compromisos. También es inevitable que Miranda se confunda, sobre todo si no está del todo segura de sus sentimientos.

El mensaje de la cinta es positivo y esperanzador. Tal como en el libro, la premisa es concentrarse en atraer aquello que se desea. Para eso, indudablemente, primero se debe saber qué es lo que realmente se quiere. La confusión de Miranda es evidente, parece que ella atrae solo lo negativo.

La bondad del visitante es difícil de entender. No conocemos quién es, de dónde proviene ni cuáles son sus intenciones. Solo vemos que se trata de un hombre generoso, que está dispuesto a ayudar sin esperar recompensa alguna. El transcurso de los minutos confirman las sospechas, hay un pasado que tiene relación con la pérdida sufrida por Miranda y la visita no es solo de cortesía.

En 107 minutos, quedamos con una sensación de bondad, de felicidad y de amor, un “buenismo” que devuelve cierta esperanza, sobre todo en momentos en que en el mundo parece perdida. Incluso la Navidad, breve punto de unión al final de la cinta, enlaza con los sentimientos que extraemos del relato.

Cintas de este tipo, donde los nudos son resueltos satisfactoriamente y los hechos calzan como piezas de rompecabezas, hacen bien de vez en cuando. No es necesario que tengan gran factura, basta que muestren y desarrollen la historia de forma más o menos convincente para que cumplan con su propósito. No son obras complejas, al contrario, su simplicidad podría abrumar, sin embargo es importante rescatar lo que queda en nosotros, lo que nos hace sentir y comprender. Si consigue esto último, bien vale la pena.

Ficha técnica

Título original: The Secret: Dare to Dream
Año: 2020
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: TRI G, Savvy Media Holdings, Covert Media, Robert Cort Productions, Illumination Productions, Shine Box Media Group (Distribuidora: Gravitas Ventures)
Género: Romance. Drama | Drama romántico
Guion: Bekah Brunstetter, Rick Parks, Andy Tennant (Libro: Rhonda Byrne)
Música: George Fenton
Fotografía: Andrew Dunn
Reparto: Katie Holmes, Josh Lucas, Jerry O'Connell, Celia Weston, Han Soto, Yohance Myles, Aidan Pierce Brennan, Sarah Hoffmeister, Cory Scott Allen, Katrina Begin, Rosemberg Salgado, Wanetah Walmsley, Chloe Lee, Sydney Tennant, Samantha Beaulieu, Jessie Terrebonne, Betsy Borrego, Jeremy Warner, Jennifer Hamilton Collins
Dirección: Andy Tennant

La Doble Vida de Verónica - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Centroartealameda.tv

Más hermosa para contemplarla, que para vibrar con su drama de fondo... ¡si es que lo tiene!

Preferimos la poesía que el director Krzysztof Kieslowski logró con su trilogía AZUL, ROJO Y BLANCO (1993/4).

Aquí nos vuelve a deleitar con su actriz predilecta - Irene Jacob - en las calles crepusculares de Polonia y Francia, con bellísimos trozos musicales, y una enorme cantidad de metáforas para quien quiera descifrarlas.

Su mayor mérito es la atmósfera sugerente, la prolijidad fotográfica, y la frágil sensación de que algo mágico sucederá en cualquier momento.

Nos habla de dos mujeres jóvenes llamadas Verónica. Una es cantante en Polonia, la otra es fotógrafa en Francia. Cuando la polaca fallece de un ataque al corazón durante un concierto, su homónima francesa empieza a sentir extrañas sensaciones existenciales.

Nunca se conocieron, ni eran mellizas. Sólo una vez, durante una marcha de protesta en Varsovia, Weronika divisó de lejos a la turista Veronique, y viceversa.

La hipótesis del autor es que existen “almas hermanas” (kindred spirits) que habitan simultáneamente el planeta. Y que si una dejó algo pendiente al fallecer, la otra sentirá el arcano impulso por realizarlo.

A esto se añaden vagas atracciones románticas con individuos desconocidos que, por mero instinto, tratarán de cumplirse.

Esa sería, a muy grandes rasgos, la línea argumental. Lo demás es una acumulación de detalles alegóricos, conversaciones inconclusas, y personajes menores que aparecen alguna vez y desaparecen para siempre. Leves coincidencias, mucho deambular por las calles, y terminar tan nebulosamente como transcurrió. 

Son tantos los símbolos concatenados que a cada secuencia pareciera faltarle una escena. Una pelotita transparente; en ambos países una anciana gibada arrastrando bolsas; un exhibicionista que pasa sin inmutarse, una tía polaca, un enano abogado, una reincidente mujer madura con una gran capelina, (¿otra Verónica?), un titiritero obsesivo que fabrica dos marionetas idénticas, la corteza de un viejo árbol familiar, etc.

Hasta el nombre Verónica es alegórico: significa “la del rostro verdadero” de Jesús rumbo al Calvario. ¿Se refiere, tal vez, a los verdaderos rostros internos de las protagonistas?

¿Metáforas? Tal vez, pero sin origen ni destino. Carece de conflicto dramático. Predomina una divagación poética de sensaciones ambiguas y eróticas.

Nunca se supo con claridad lo que nos quiso comunicar. Sólo dispersos momentos e imágenes, ¿de qué?

¿Existe la individualidad TOTAL?

Como siempre, la carismática Irene Jacob, con su mezcla de niña y mujer transmite que, en verdad, todo marcha bien para ambas mujeres. Qué solo les intriga esa vaga sensación de ser alguien más fuera de sí mismas.

UN BELLO RELATO MÁS SUTIL QUE CONCRETO. ABIERTO A MÚLTIPLES LECTURAS POÉTICAS Y SENTIMENTALES. 

Ficha técnica  

Título Original: Podwójne życie Weroniki

1991 Drama, fantasía, música Polonia - 1,38 hrs. 

Fotografía: Slawomir Idziak 

Edición: Jacques Witta 

Música: Zbigniew Preisner 

Diseño Prod.: Patrice Mercier 

Actores: Irène Jacob, Wladyslaw Kowalski, Halina Gryglaszewska Guionistas: Krzysztof Kieslowski, Krzysztof Piesiewicz 

Director: Krzysztof Kieslowski

En Búsqueda de la Grandeza - Por Jackie O.

“¿Nacen o se hacen los deportistas exitosos?” 

Sinopsis: “Deportistas célebres hablan sobre el secreto de la grandeza en sus respectivas disciplinas. Michael Jordan, Muhammad Ali, Serena y Venus Williams sopesan si una leyenda del deporte nace o se hace a base de sacrificio”.

Mientras algunos buscan fórmulas matemáticas o de genéticas sobre estos grandes deportistas de diferentes disciplinas, verlos y escucharlos a ellos hablando sobre su experiencia en el deporte es genial.

Esto es un viaje cinematográfico hacia el secreto de estos genios del deporte en diferentes disciplinas.

Pero no hay fórmulas mágicas, estos grandes deportistas sí tenían un don, pero la disciplina y la constancia sacaron a relucir eso. Además, guiados por buenas personas como familiares o entrenadores que los ayudaron en algo que a ellos los apasionaba. Nadie los obligó a esa disciplina, ellos la querían.

Pelé, Jerry Rice, Wayne Gretzky, entre otros, nos cuentan su experiencia, donde no necesitas ser el más alto, el más corpulento, el más rápido… necesitas el mayor motor: la pasión (bueno, y también algo de suerte).

Una buena lección también para los padres, que obligan y fuerzan al máximo a sus hijos en convertirlos en los próximos Pelé o Tiger Woods. Donde deben ayudar a potencial su don, pues siempre hay uno, pero no precisamente el que los padres a veces quieren.

Lo bueno: Dar mensajes de constancia y superación. 

Lo malo: no hay entrevistas a mujeres deportistas y destacadas. Hablan de las hermanas Williams, pero la única entrevista que muestran es cuando eran menores de edad y no dura más de un minuto. 

Espero el documental femenino, no con un fin feminista, sino que también tienen su historia, más cuando el mundo ha hecho que para las mujeres todo sea con más obstáculos.

Disponible en cinehoyts.cl 

Ficha técnica 

Título Original: In Search of Greatness
Director: Gabe Polsky
Género: Documental.
Duración: 1 hora y 17 minutos
Estreno: Noviembre 2018
País de Origen: Estados Unidos