Faith, Hope & Love - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

El centro de la historia es la participación de Faith Turley -Peta Murgatroyd - en un concurso de baile, conseguir fondos y rescatar su academia. Recién divorciada, su pasión consiste en enseñar a bailar y la amenaza del cierre de su estudio la obliga a esmerarse. El desafío es encontrar una pareja no profesional para participar en la instancia por lo que la aparición de Jimmy Hope -Robert Krantz-, resulta providencial. Este hombre, viudo hace tres años y que cría solo a sus dos hijas, acepta la propuesta pero no todo es miel sobre hojuelas…

El relato presenta una estructura sencilla. El guion escrito por el mismo actor y además codirector, Robert Krantz, habla de pérdidas, de resiliencia y espíritu de superación. Expone una visible negación hacia posibles nuevas relaciones amorosas y marca un acento en la aceptación de la propia condición para lograr una cierta apertura emocional.

La película es rica en escenas de baile. Se nota la pasión con la que ambos actores enfrentan sus papeles. Se les ve sueltos en cada ensayo, y realmente hacen parecer fácil lo que están consiguiendo con sus coreográficas rutinas. Es llamativa su simpatía y por cierto también su coquetería. Por otra parte, no es difícil anticipar la trama, es más, verdaderamente es todo previsible desde el minuto uno.

Al observar la situación de vida de ambos protagonistas deseamos que tengan una nueva oportunidad. Solo deben dejarse llevar, vencer los reparos y dejar que el tiempo cure las heridas. La película aborda aquello en su centro y también en paralelo la Fe religiosa y su carencia. Pone énfasis en la ayuda mutua de esta pareja de bailarines, en ese encuentro personal, que permite que dos caminos, que parecen muy distantes, puedan unirse en aras de un objetivo común. Lo demás, a lo largo de este viaje, viene naturalmente por añadidura.

“Faith, Hope & Love” funciona como una cinta de esperanza, fe y amor -como reza su título-, conteniendo un mensaje claro con un desarrollo simple, sin mayores aspavientos ni ambiciones. Podríamos, incluso, situarla como metodología de la esperanza, una enseñanza que, siguiendo los patrones normales de una comedia liviana, conecta a dos personas que mágicamente logran redescubrir su capacidad de amar.

Ficha técnica

Título original: Faith, Hope & Love
Año: 2019
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Ellinas Multimedia (Distribuidora: ArtAffects Entertainment [USA])
Género: Comedia. Romance
Guion: Robert Krantz
Música: Robert Mai, Ryan Stratton
Fotografía: Pascal Combes-Knoke
Reparto: Peta Murgatroyd, Robert Krantz, Michael Richards, Corbin Bernsen, M. Emmet Walsh, Natasha Bure, Nancy Stafford, Gary Hershberger, Aria Walters
Dirección: J.J. Englert, Robert Krantz

Sociedad de Consumo - Por Jackie O.

“Consumo inconsciente e impulsivo”. 

Docuserie donde muestra algunos productos dentro de los más consumidos del último tiempo.

Cómo la negligencia y el engaño en la comercialización de especies populares, conducen a resultados negativos para los consumidores.

Maquillaje Falso, lo barato cuesta caro.

Las industrias de belleza han revolucionado las redes sociales, y aquí podemos ver el lado menos glamoroso de ello.

Existen innumerables laboratorios clandestinos quienes no tienen el más mínimo control de salubridad, donde los productos están repletos de bacterias, plomo, arsénico, etc. Y muchas personas los adquieren solo con el fin de alimentar una necesidad intensa e inmediata. Para algunas personas es un elemento necesario lo que vieron en las redes a determinada influencer, y como no se cuenta con el dinero para pagar esa marca o el engañoso marketing que algunos ocupan “hasta agotar stock” “producto limitado”, crece la ansiedad y al no obtenerlo compran la imitación.

Dichas imitaciones se ha comprobado que producen graves daños a la piel e incluso tienen agentes cancerígenos.

Cigarrillos electrónicos. Vapear adictivamente.

Confieso que este capítulo no me interesó tanto como el resto, debido a que no me llama la atención el cigarro ni lo que se parezca a ello, pero fue interesante adentrarme al mundo de este tipo de cigarros, que muchos creíamos que era menos dañino que el cigarro común, pero no, es más adictivo por el amoniaco que le introducen a esta nicotina que daña la garganta, y se ha hecho muy popular entre los jóvenes de muchos lugares del mundo.

Verdades incómodas. Mobiliario endeble.

Los mayores accidentes ocurren dentro del hogar, muchos por el inmobiliario de mala calidad ya que se compran por ser baratos y desechables. No solo están en el hogar, también en las oficinas.

Escuchamos a padres que cuentas terribles hechos de sus pequeños muertos por este tipo de mobiliario. Aun así, hay empresas que sabiendo de ello siguen talando árboles para realizar estos desechables muebles que no tienen las medidas de seguridad para uso, provocando un daño a las personas y al ecosistema.

Reciclaje de mentira. Plásticos tóxicos.

¿Qué es reciclable y que no?

Un porcentaje muy bajo de plástico de todo el mundo se ha podido reciclar, el resto llega a parar a ríos, mares, vertederos clandestinos, etc.

El plástico contiene mucho petróleo y gas natural, lo que es un daño al medio ambiente grave.

China se encargó por muchos años a recolectar estos elementos para reciclaje y tener grandes empresas millonarias, pero la calidad del aire hizo de una contaminación altísima. China paró la recepción de este material, por lo que los trasladaron a Malasia.

Debemos tener claro que no todo el plástico se recicla, y algunas empresas lo saben quedando el material varado, contaminando.

Importante sería un estudio para poder crear una formula de poder librarnos de todo el plástico que daña la tierra.

Interesante DocuSerie.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Primer episodio: 27 de noviembre de 2019
Cantidad de episodios: 4 de 1 hora aprox.
Presentado por: Jenise Morgan

La Desaparición - Por Jackie O.

"Morir en vida".

Sinopsis: Relato acerca de la desintegración de una familia luego de la desaparición de la hija pequeña, y la culpa que ello conlleva.

"Pororoca", su nombre original, es una onomatopeya de la lengua tupí-guaraní pororó-ká, que significa "gran estruendo", y ese es el estruendo que nos muestra el director que le sucede a esta familia.
Cuando un pequeño descuido lo destruye todo.

TUDOR está desempleado por el momento, pero se preocupa del hogar y lleva a sus hijos de 5 y 7 años a la plaza cercana muy seguido, sin problemas. Hasta que una tarde, mientras compraba un café y hablaba por fono, algo habitual, y sus hijos jugaban cerca de él, la niña menor MARIA desaparece.

En ese momento comienza el calvario para esta familia, en especial para el padre.

Hemos visto muchas películas de este tipo y, por lo general, la madre es quien lleva el peso de la trama. En este caso es él, quien se atormenta por la responsabilidad. Su mujer decae rápido sin prestar mucha ayuda por su estado al punto de abandonarlo con su hijo, y culparlo. Ella se va lejos con sus padres.
Él queda solo, es un fantasma.

Vemos su transformación a la semana, a los 20 días, a los 47 días... No solo un cambio físico, es una transformación mental. De un hombre cuerdo a la locura.

Con planos largos de diferentes situaciones para mostrarnos cómo este hombre alegre, se muere en vida.

Comienza a indagar, va todos los días a la plaza, habla con gente, pega carteles y busca fotografías de padres que estuvieron ese día ahí.

En la revisión de esa fotos, le llama la atención un hombre que está sentado solo en una banca mirando. Se centra en él, se comienza a obsesionar con él.

¿Es una persona de la cual hay que preocuparse? No lo sabemos.

Pero TUDOR necesita a alguien más que comparta esa culpa que lleva a cuestas. Necesita mantenerse ocupado, pero su obsesión lo lleva a la locura.

Los policías son muy cortés con él, le explican el procedimiento con calma y le prestan mucha atención, pero la reacción de este padre es normal y muy recurrente: cree que su caso es el único que existe, cuando las policías están llenos de casos iguales y de otro tipo. Y a pesar de ello son pacientes con él.

El clima de incertidumbre y tensión se mantiene en todo momento, el maquillaje bien logrado. La actuación del protagonista muy buena, realmente compenetrado en su rol.

El único reparo que le hago, es que la misma historia la pudieron haber contado en 120 minutos. Fue muy extensa y eso la hace en momentos algo tediosa.

Disponible en www.arcadiafilms.cl

Ficha técnica

Nombre original: Pororoca
Año: 2017

País: Rumanía
Género: Drama, Familia, desaparición

Duración: 152 minutos
Fotografía: Liviu Marghidan

Reparto:: Bogdan Dumitrache, Iulia Lumânare, Constantin Dogioiu, Stefan Raus, Adela Marghidan, Ionut Achivoaie, Alice Cora Mihalache, Dragos Olaru. 

Guionista y director: Constantin Popescu

Sputnik: Extraño Pasajero - Por Jackie O.

Sinopsis: El único superviviente de un enigmático incidente de una nave espacial no ha regresado solo a casa, escondiéndose dentro de su cuerpo una criatura peligrosa.

El nombre de la cinta a muchos les causó curiosidad. Bueno, será porque Sputnik se traduce al español como “satélite", pero también es una palabra que deriva del griego y que significa “compañero de viaje”. Pero más porque fue un elemento clave durante la Guerra Fría de la Unión Soviética quien lanzó el Sputnik 1, el primer satélite artificial de la Historia humana. Y bueno, Sputnik V, la vacuna contra el covid que los rusos crearon.

Dicho lo anterior, esta película de ciencia ficción y horror con la que debuta este joven director, quien sólo mantenía en su currículum un cortometraje de CsFi, nos trae en este largometraje a un "compañero de viaje".

Tenemos a unos astronautas que van de órbita pero al volver solo lo hace un sobreviviente, quien, debiendo ser recibido como héroe, como se acostumbra, es objeto de investigación y más bien de experimentación. ¿Por qué? Porque volvió acompañado. En su interior se alojó una criatura.

La criatura, sin que se percate su portador, sale por las noches de su cuerpo, y aquí viene la parte horror, por qué sale y quiénes participan en este proceso.

La película en sí es interesante de ver pues, sin contar con un gran presupuesto, los rusos supieron crear atmósfera, los efectos están bien construidos, con un cuidadoso trabajo de fotografía que se ve bastante bien porque es algo oscura como la época y trama, y las actuaciones están bien logradas y son creíbles todas, salvo la relación romántica que quisieron crear. Eso me pareció muy forzado e incluso innecesario.
Encontré además que metieron historia entremedio sin profundizar y tal vez no eran necesarias, como una lesión de la psiquiatra o la historia del pequeño.

Aún así, es un buen trabajo que nos muestra que algunos aprovechan la oportunidad de usar a las personas como armas sin importar las consecuencias. También tenemos la ética moral, el deber, dramas personales y otros temas.

La pueden encontrar en Cinemark.cl

Ficha técnica

BF Distribution
País: Rusia
Género: Drama, Horror, Ciencia Ficción
Dirección: Egor Abramenko
Duración: 113 minutos
Protagonistas: Fedor Bondarchuk, Oksana Akinshina, Pyotr Fyodorov.

Tormenta de Arena - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Gran Premio del Jurado Sundance - Festival de Berlin Oso de Plata

Admirable por su tema, sus actrices, su denuncia, y su aparente sencillez.

Si bien el drama de las mujeres islámicas se ha tratado mucho, este relato es conmovedor y muy sincero.

Sucede en nuestros días, disponiendo de todos los avances tecnológicos, pero con tradiciones tan compulsivas como hace 2000 años.

En el desierto al sur de Israel, habita una comunidad beduina, dedicada al pastoreo. Son musulmanes, de buen pasar, pero de férreas costumbres.

Saliman y Jalila, casados hace años, tienen 4 hijas. La mayor es Layla, universitaria y enamorada de un compañero de estudios. Las otras 3 son aún pequeñas.

Por estatus y buen nombre, el jefe de familia se casará nuevamente ahora con una mujer más joven. Le dispondrá una casa nueva junto a la antigua, y las familias convivirán en pacífica armonía.

La primera esposa, Jalila, además de acatar el hecho con sumisión, deberá incluso organizar la fiesta de la segunda boda y velar por la buena atención a todos los invitados.

Cuando se enteran que Layla se casaría con Anwar, su compañero de aula, se produce una conmoción en la familia. El muchacho pertenece a otra tribu, y es pobre todavía. Por prestigio de comarca ella sólo desposará al novio que el padre le asigne; aunque ni siquiera lo conozca.

En el corazón y la mente de Layla borbotea el ansia de rebelarse. Su porfía provocará incluso la separación temporal de sus padres.

¿Cuál será el destino de esta muchacha si, contra todas las presiones sociales, toma la decisión personal de partir?

Para simbolizar con imágenes el tormento de Layla, la autora del filme recurre magistralmente a elementos tan cotidianos como ventanas y puertas entrecerradas, amplios paisajes desérticos y caminos asfaltados que se pierden en el horizonte. Todo la invita a volar, a liberarse del nido.

A la vez, deberá sopesar el profundo amor que une a todos los miembros de su familia. Y cómo su decisión afectaría el futuro de su madre y de sus hermanitas.

Hasta el sacrificio personal, compartido, se siente menos brutal cuando todos son víctimas de una tradición casi imposible de torcer.

Bellísima y sutil dirección de actores. Por su fuerza emotiva destacamos a Ruba Blal, como la madre, desgarrada por las contradicciones del alma familiar.

Gran hazaña decir tanto, en tan corto rato, con las pausas y subtextos precisos.

Esta misma guionista/directora israelita filmó en 2010 un cortometraje llamado “Tasmín”. Retrato precursor del carácter aguerrido de la pequeña hermanita de Layla. Al parecer, tiene aún mucho más que contarnos de esta realidad.

UN GRITO ANCESTRAL FEMENINO ENMUDECIDO POR EL AMOR FAMILIAR. ESTUPENDA.

Ficha técnica

Título Original: Safat Chol

2016 Israel ,Alemania, Francia - 1,27 hrs. 

Fotografía: Shai Peleg 

Edición: Ronit Porat 

Música: Ran Bagno 

Diseño Prod.: Nir Adler 

Actores: Lamis Ammar, Ruba Blal, Hitham Omari 

Guion y Dirección: Elite Zexer

Muerte al 2020 - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Podríamos decir que este es un “NO Documental”. También catalogarlo de falso. Aún así, me parece que lo que muestra no es tan distante de la realidad. ¿De qué se trata? Veamos.

Charlie Brooker y Annabel Jones, los creadores de la afamada serie “Black Mirror”, traen esta disparatada idea de cerrar el año 2020 con una lapidaria revisión de lo que ha sucedido en el mundo. Como si no fuera suficiente lo que ya hemos vivido -coronavirus, racismo, abusos, polarización, entre otras muchas cosas-, estas mentes creativas ponen en escena un texto excéntrico que visten con ropajes de comedia negra. En voz de uno de ellos, Jones, ”Muerte al 2020 presenta personajes de ficción que discuten eventos reales en un falso documental grandilocuente”. Y es tal cual. Ni una coma más ni un punto menos.

Son 70 minutos de sátira y actuaciones irreverentes, mezcladas con imágenes reales que se combinan en los muchos hilos narrativos presentes. La voz en off corresponde a Laurence Fishburne y desfilan en escena Samuel L. Jackson, Hugh Grant, Kumail Nanjiani, Tracey Ullman, Samson Kayo, Lisa Kudrow, Diane Morgan, Leslie Jones, Cristin Milioti, y Joe Keery, entre otros.

Las descripciones reales se confrontan con análisis livianos llenos de contradicciones. Por otra parte, lo que podríamos considerar mensajes verdaderos, se diluyen y suavizan con el tono burlesco utilizado a lo largo del metraje.

¿Cuál es el objetivo de un trabajo así? Estimo que no pretende perdurar. Es tan ridículo y por momentos tan espantoso, que saca risas fácilmente. Se hace fácil de ver, es muy liviano a pesar de las tragedias que nos obliga a recordar una y otra vez.

Tal vez este trabajo logra decir mucho por ser básicamente una comedia. Y son increíbles brutalidades las que muestra. Ejemplos sobran por parte de Donald Trump o Boris Johnson. Al sacarlos de contexto -o bien darles contexto- parecen ser ellos mismos parte de la sátira pero resulta que lo que han dicho o hecho es la pura verdad. Incluso da bastante vergüenza ajena.

Volvamos a su objetivo y también a cuestionarnos el por qué hacer algo así. Debo reconocer que, en mi caso, algo de humor para el negro 2020 que vivimos me permite salir de la rutina. Ese es, tal vez, el mayor aporte. Pero, ¿algo más? Tal vez no mucho, pero reírse del Coronavirus y de las barbaridades de algunos reputados gobernantes proporciona al menos unos minutos de sana desconexión con la realidad. ¿O esa es la verdadera realidad? Ya me confundí, tendré que verlo nuevamente.

Ficha técnica

Título original: Death to 2020
Año: 2020
Duración: 70 minutos
País: Estados Unidos
Productora: (Distribuidora: Netflix)
Género: Comedia | Coronavirus (COVID-19). Sátira. Falso documental
Guion: Charlie Brooker, Alan Connor, Jason Hazeley, Thanyia Moore
Fotografía: Jamie Cairney
Reparto: Samuel L. Jackson, Hugh Grant, Lisa Kudrow, Kumail Nanjiani, Tracey Ullman, Samson Kayo, Leslie Jones, Diane Morgan, Cristin Milioti, Joe Keery, Lily Sullivan
Dirección: Al Campbell, Alice Mathias

Pearl - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Centroartealameda.tv

Historia deportiva tensa, con un conflicto muy humano, realizada con inteligencia y emoción.

Primer largometraje de la francesa Elsa Amiel, quien escogió un tema pocas veces tratado en el cine: el fisiculturismo femenino.

Léa Pearl (Julia Föry) postula por primera vez al prestigioso título de Miss Heaven, para cuya consecución ha dedicado cuatro años de trabajo.

Por ganar ese premio abandonó a su hijito Joseph, de 2 años, dejándolo al cuidado de su padre.

Los concursantes están confinados en el lujoso Eden Palace europeo. Sólo faltan horas para la gran contienda.

Muy bien captado el ambiente de nerviosismo general previo a la competencia.

Largas escenas de dolorosos entrenamientos con pesas y dietas rigurosas.

Tratamiento de cámara muy cerrado en los personajes, aumentando así el apremio y la confusión del momento.

El maduro entrenador (Peter Mullan) la presiona, además de lo físico y sexual, con el tormento psicológico de triunfar a toda costa. Quiere realizar en ella la victoria que él nunca logró por un accidente.

El giro patético surge cuando el ex marido de Léa irrumpe en este torbellino preparatorio con el pequeño Joseph, ahora de 6 años. Deberá dejarlo a su cuidado mientras él acude a realizar un trabajo indispensable por varias horas.

Ni el niño recordaba a su madre, ni ella siente ningún afecto por esa criatura, que ahora sólo viene a perturbar su concentración deportiva.

El pequeño deambula solitario por ese maremágnum de hombres y mujeres semidesnudos dotados de gigantescas musculaturas.

El meollo del drama es la imposición de un niño justo antes de la gran competencia. ¿qué puede hacer esa mujer? ¿Dónde esconderlo y cómo resguardarlo mientras dura el torneo?

Admirable labor de Vidal Arzoni, como actor infantil, capaz de transmitir desconcierto, miedo y desamparo.

El desarrollo de la trama irá tejiendo el proceso. Léa hallará la manera de llegar a la ansiada pasarela, someterse en plenitud a los Jueces y, a la vez, atinar con aquel sepultado instinto maternal.

La cinta, más que un típico “final feliz”, nos sorprende con una resolución mucho más madura y sublime.

Elsa Amiel declaró: “Quise plantear un personaje fuerte, en que jugaran la femineidad, la maternidad, la belleza y el coraje. Hay algo narcisista y obsesivo en este deporte, pero aquí también encontré fragilidad. Hay algo de mitología, porque son personas buscando una perfección física cercana a los dioses”.

UN PENOSO DILEMA FEMENINO Y DEPORTIVO ENTREGADO CON TALENTO Y SENSIBILIDAD. BUENA. 

Ficha técnica

Drama, deportes

2018 Francia, Suiza - 1,22 hrs. 

Fotografía: Colin Lévêque 

Edición: Caroline Detournay, Sylvie Lager 

Música: Fred Avril 

Diseño Prod.: Valérie Rozanes 

Guion: Elsa Amiel, Laurent Larivière 

Actores: Julia Föry, Peter Mullan, Agata Buzek 

Director: Elsa Amiel

Sputnik: Extraño Pasajero - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinemark.cl

Amena ciencia ficción rusa que mezcla aventura, política, romance y alienígenas.

Aunque al inicio se inspira en ALIEN, EL 8° PASAJERO -1979 (Ridley Scott), deviene en siniestros planes políticos, experimentos de laboratorio, espionajes, para culminar en aventuras de matinée.

El mérito de esta epopeya radica en que privilegió los conflictos humanos e ideológicos por sobre el alarde de efectos especiales.

Con menor presupuesto que Hollywood logra una atmósfera tensa, sugerente, crítica de la URSS durante la Guerra Fría, ritmo más pausado, y personajes psicológicamente inestables.

Cuando dos cosmonautas soviéticos - 1983 - inician el retorno a la Tierra son misteriosamente atacados por una criatura exterior.

Al aterrizar en Kazajstan, sólo uno de ellos sobrevive: Konstantin Veshnyakov. En el Instituto de Rehabilitación le detectan un insólito comportamiento. En Moscú recurren a Tatiana Kilmova, brillante neuropsicóloga, para que examine al paciente.

Descubrirá que por las noches, mientras duerme inconsciente, por su boca emerge una criatura reptiloide sumamente peligrosa. La que retorna al cuerpo de Konstantín durante la vigilia. Y le otorga poderes superiores.

El Director del Instituto, en vez de acabar con el monstruo, ve la posibilidad de que Vazhniakov se convierta en simbionte (mezcla de especies). Con ello conseguirá transformarlo en un arma humana, capaz de someter a todas las naciones del mundo bajo el dominio de la Unión Soviética.

El problema radica en que a la criatura alienígena hay que alimentarla cada noche con el cerebro de los reclusos dementes del Instituto.

Ante semejante atrocidad, la Dra. Kilmova se confabula con el mismo Kinstantín para denunciar esta práctica a las autoridades estatales. Y se pondrán a la tarea de burlar los controles, enamorarse, e intentar huir del hermético laboratorio.

Se titula Sputnik en homenaje al primer satélite artificial que orbitó la Tierra. En ruso significa “camarada de viaje” aludiendo al fatídico “compañero” que el cosmonauta traía en las entrañas.

Gracias a las bondades de la intriga, y de los pocos pero eficaces efectos especiales, el filme mantiene la tensión durante la primera hora de relato. De ahí en adelante - y en beneficio de la aventura - se va tornando gratuito, haciendo concesiones ilógicas, y forzando el romance entre los protagonistas.

La Dra. trae una historia personal subyacente (gran cicatriz en la espalda), que queda poco clara ya que se confunde con la historia del hijito huérfano del cosmonauta. Datos mal insertados que sólo confunden.

Al final, luego de un giro dulzón, ignoramos cuál fue el resultado político del enjambre.

UN GUION MÁS RIGUROSO PUDO DAR UN PRODUCTO MÁS SOBRIO E IDEOLÓGICAMENTE SUGESTIVO. 

Ficha técnica  

Título Original: Спутник

Año: 2020 

Intriga, terror, ciencia-ficción 

Rusia - 1,54 hrs. 

Fotografía: Maxim Zhukov 

Edición: Alexander Pusyrev, Egor Tarasenko 

Música: Oleg Karpachev 

Diseño Prod.: Mariya Slavina 

Efectos Visuales: Main Road Post 

Guionistas: Oleg Malovichko, Andrey Zolotarev 

Actores: Oksana Akinshina, Fedor Bondarchuk, Pyotr Fyodorov

Director: Egor Abramenko

Algunas Bestias - Por Carlos Correa

Disponible en OndaMedia.cl

Una familia viaja al sur de Chile, a una remota isla. El lugar es idílico, bellos paisajes, quietud, naturaleza, intimidad. El sueño de Ana -Millaray Lobos- y Alejandro -Gastón Salgado- es construir un hotel turístico. Junto a sus dos hijos adolescentes, Consuelo y Máximo, también invitan a los padres de ella, Dolores -Paulina García- y Antonio -Alfredo Castro-. ¿El objetivo? Que conozcan el entorno y puedan apoyarles financieramente en el proyecto. Todo se ve trastocado cuando Nicolás -Nicolás Zárate-, el hombre que oficia de asistente en la isla, desaparece y los deja a todos, literalmente, aislados.

El director Jorge Riquelme Serrano elabora un relato cuyo conflicto central es la revelación de lo que se encuentra oculto en cada uno de los protagonistas. Así, salen a la luz las ambiciones y el temor, la protección de la familia y el espíritu conservador, problemas anteriores, rechazos, junto a muchos otros, dejando al descubierto un sinnúmero de situaciones no resueltas.

El encierro obligado genera angustia. La falta de agua, el frio y la soledad despiertan en cada uno de los integrantes del grupo comportamientos inusuales. Se observan disfuncionalidades que, bajo aquellas circunstancias apremiantes, generan conflictos, recriminaciones y también actitudes inaceptables.

La cinta tiene varias lecturas. Por cierto, la mirada desde la perspectiva de las tres generaciones es la más evidente. Todos tienen preocupaciones diferentes y motivaciones distintas. Las relaciones son complejas entre ellos y sin duda guardan secretos, no se han dicho todo, no han sido sinceros, faltan vasos comunicantes, carecen de empatía, confianza, amistad. También, en capas interiores, observamos mucho resquemor, desconfianza, indiferencia, negación, incluso segregación. Todo ello, sumado, da cuenta de vínculos dañados y relaciones enfermizas.

Riquelme filma activamente las actitudes de cada actor. La transmisión de sus sentimientos se palpa en cada cuadro y, aunque por momentos puede parecer sobre actuado, las imágenes dan cuenta realista de lo que viven internamente.

Paulina García y Alfredo Castro se ven sólidos en sus actuaciones. También Millaray Lobos y Gastón Salgado. Estos cuatro actores soportan en sus hombros el mayor peso del drama, acompañados por Consuelo Carreño y Andrew Bargsted, quienes aportan una mirada más joven, algo inocente pero no menos cruda, a una historia que aumenta exponencialmente su tensión interna y externa.

“Algunas Bestias” podría observarse como una exageración de conductas. Es posible, pero si enfrentamos situaciones como las que el guion describe, ¿permaneceríamos indiferentes? Existen heridas profundas que dan cuenta de una gran vulnerabilidad. Es por ello que estas personalidades dañadas -todas-, ante descubrimientos inquietantes -y también aberrantes-, revelan las bestias interiores que llevan dentro. Y no son pocas, son bastante más que solo “algunas”.

Ficha técnica

Título original: Algunas bestias
Año: 2019
Duración: 98 minutos
País: Chile
Productora: Laberinto Films
Género: Drama. Intriga | Familia
Guion: Nicolás Diodovich, Jorge Riquelme Serrano
Reparto: Paulina García, Alfredo Castro, Andrew Bargsted, Gastón Salgado, Consuelo Carreño, Millaray Lobos García, Nicolás Zárate
Dirección: Jorge Riquelme Serrano

Soul - Por Carlos Correa

Disponible en Disney +. 

Preciosa de comienzo a fin. Una historia simple, emotiva y profunda sobre el significado y la valoración de la vida. Emocionante hasta las lágrimas.

Joe Gardner es profesor de música en una escuela secundaria. Entre clases y ensayos dirigiendo la banda del colegio, siempre ha soñado con tener una oportunidad para brillar como pianista de jazz, como miembro de una banda, tocando en vivo sobre el escenario. Pero aquello no se ve fácil. Sin seguridad económica, su anhelo se encuentra cada día más lejano. Sin embargo, el destino le depara una sorpresa cuando un exalumno lo invita a una audición con la mítica Dorothea Williams. Luego del ensayo, la saxofonista queda impresionada y le ofrece participar en el recital de esa misma noche. Joe no lo puede creer, divaga, vuela, sueña despierto; recorre las calles como si fueran nubes, se distrae y de pronto se accidenta al caer por una alcantarilla.

En ese momento, el alma de Joe comienza un tránsito hacia el “Gran Más Allá”, pero se resiste a su suerte y trata de escapar. Entonces se ve arrastrado a otro lugar, el “Gran Antes”, donde las almas primerizas buscan su propósito en una etapa anterior a su inmersión en la Tierra. Allí conoce a “22”, una almita que lleva mucho tiempo tratando de encontrar su sentido, resistiendo la ayuda de grandes mentores. Como Joe está empecinado en volver a su cuerpo, emprenden juntos una aventura llena de sorpresas y emociones.

Nuevamente Pixar nos regala una película que es una delicia. Al alero de las motivaciones personales, los propósitos, sueños e intereses, “Soul” dibuja en forma sencilla varias de las preguntas más complejas de nuestra existencia. Se sumerge en los deseos, en las vocaciones, en aquello que, en esencia, entrega sentido a nuestra vida. Todos somos Joe, cual más cual menos. Vernos reflejados en este personaje nos permite empatizar con él desde nuestros propios caminos.

“Soul” contiene entretención a raudales. Con dosis de humor y drama, los más pequeños disfrutarán con cada secuencia y los adultos no podremos contener las lágrimas. Esa tranversalidad es realmente admirable. Corresponde al resultado de la construcción de un argumento que no se agota en los clichés sino que, bajo una muy aparente simplicidad, construye puentes profundos que nos conectan en forma íntima con nuestras principales emociones.

Dirigida por Pete Docter y codirigida por Kemp Powers, la cinta es prodigiosa en frases y mensajes que cobran muchísimo sentido. Me sorprende la representación del desdoblamiento que se produce en ciertas ocasiones al interpretar la música. Recuerdo haberlo experimentado un par de ocasiones y también me viene a la memoria una película -“Claroscuro”- que lo retrataba muy bien. Así, las metáforas explícitas adoptan formas reales, se expresan y adquieren diversas apariencias para que no tengamos dudas acerca de su significado. Es por eso que el énfasis apunta una y otra vez hacia el descubrimiento de nuestra propia intimidad gracias a su representación en el espejo animado que tenemos enfrente.

La música vuelve a ser el camino elegido para darle forma a una variedad de situaciones. La necesidad de reconocimiento personal, la pasión, la libertad y la búsqueda del propio yo, está muy bien retratado. Se refiere a un aprendizaje que produce sintonía y conexión inmediata, sin barrera alguna ni la necesidad de análisis sesudos. Por otra parte, la descripción del vacío existencial y la necesidad de encontrar el rumbo -es chispa inicial- surge como contraposición, algo que, con el correr de los minutos, adquiere profundidades inimaginables.

El sentido de las pequeñas cosas y su exquisita sencillez, junto a la pasión de querer volver a vivirlas, despierta real interés en “22”. Encuentra interesante, sorprendente y extraño, que Joe tenga tanta urgencia por volver a esa vida “mediocre”. Ahora bien, otra cosa es sentirlo y comprobarlo en carne propia.

Esta fábula animada sobre la existencia y sobre nuestro destino es realmente un bálsamo para los tiempos actuales. Envuelta en gran colorido, la belleza de la animación resplandece. Este relato simple pero tremendamente profundo se erige como una lección difícil de olvidar. Muchas veces perdemos de vista que debemos ser capaces de renunciar a algo, genuinamente, para conseguir nuevas oportunidades. No solo es vital el deseo de perseguir nuestro sueño, también debemos saber reconocer cuando lo conseguimos.

“Soul” es abundante en valores. Refleja la principal esencia, lo que es vital y trascendente, aquello que realmente significa ser humano. Sus aventuras lo desarrollan, además, de una forma encantadora. El mensaje es claro y la consigna brevísima; el alma del ser humano es precisamente el sentido de su vida. Y la vida, sin duda, es nuestro bien mayor.

Ficha técnica

Título original: Soul
Año: 2020
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures (Distribuidora: Disney+)
Género: Animación. Fantástico. Drama. Comedia. Aventuras | Música. Jazz. Gatos. Cine familiar. Pixar
Grupos: Pixar (Películas)
Guion: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers
Música: Jonathan Batiste, Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Animación, Matt Aspbury
Reparto: Animación
Dirección: Pete Docter, Kemp Powers

El Niño del Plomo - Por Jackie O.

“Peregrinaje a la muerte”.

En 1954, el cuerpo de un niño Inca de más de 5 siglos de antigüedad fue descubierto en la cumbre del Cerro el Plomo, por el arriero Luis Gerardo Ríos junto a sus sobrinos.

Y el origen con los motivos de la muerte del niño, comienzan a ser analizados por expertos.

Conmoción mundial por el hallazgo hubo en esa época, pero porque si ya habían encontrado en el mundo otros hallazgos de esta índole, la diferencia radicaba en su perfecto estado de conservación.

En un comienzo la prensa le llamó “la princesa del cerro el plomo” por sus trenzas, pero investigaciones posteriores dieron a conocer la negativa ante ese nombre.

Las entrevistas que en estos breves minutos nos dan expertos del Museo Nacional de Historia, son suficientemente claras para explicarnos la historia tras este pequeño.

¿Sufrió? ¿Qué significado era la muerte para ellos?

Con imágenes claras que acompañan la narrativa de una voz en off como de los entrevistados. Así como una música que se escucha de fondo sin interferir en los diálogos.

Documental práctico para todo público pero ideal para los jóvenes estudiantes, donde todos conoceremos este fantástico hallazgo, donde la conservación y cuidado de él como de sus pertenencias hablan.

Quiénes era, cómo vivían, incluso como murieron, son temas fascinantes para científicos que nos ilustran de un pasado atrayente.

Muy interesante trabajo audiovisual.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Corto -Documental.
Duración: 10 minutos

Año: 2020
Dirección: Rodrigo Herrera-Rubio y Juan Pablo Lama.
Música de Matanza y Fernando Milagros
Producción: Andesjournal.
Animación gráfica: Valerie Searle

Cielo de Medianoche - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Basada en la novela “Good Morning, Midnight”, de Lily Brooks-Dalton, esta película nos presenta a Augustine -George Clooney-, un científico que, en una abandonada base ubicada en el Ártico, se propone contactar a una nave espacial que está retornando a la Tierra luego de un largo viaje de exploración. Un evento no identificado -“el suceso”- adquiere ribetes catastróficos. Augustine quiere advertir el hecho a la tripulación de “Æther” para que no regresen a casa.

La película es reflexiva. Habla del sentido de la vida, de la existencia de la humanidad más allá de la Tierra y también deja al descubierto una intensa conexión emocional. En un escenario apocalíptico y con un camino ya recorrido, Augustine necesita dar sentido a sus últimos días. Sufre una enfermedad grave, requiere diálisis, por lo que sus movimientos además son limitados. No sabemos qué ha sucedido en el mundo pero no es difícil percatarse que se ha comprometido la supervivencia en el hábitat humano.

La cinta no es para nada explícita, todo lo contrario. En su capa más sencilla, observamos flashes del pasado con los que vamos componiendo el relato. Aun así, la apertura que entrevemos sigue siendo ambigua. El ritmo del metraje es muy lento, no tiene ninguna prisa y por momentos cae en algunas lagunas que solo son interrumpidas por secuencias que parecen romper aquella quietud que se dirige hacia una indefinida extinción.

La forma de la cinta permite separar los ambientes. Por un lado, lo que sucede en Tierra, en el frío Ártico, donde Augustine y la pequeña Iris -Caoilinn Springall-, una niña que no habla y que el científico ha descubierto escondida en la estación, deben llegar a la próxima base que tiene una antena de comunicación de mayor alcance. La misión es atravesar los hielos, en condiciones infrahumanas, a la deriva, sin ayuda ni protección. Se trata de un desafío tan imposible como temerario, indispensable para completar el propósito autoimpuesto por el protagonista. En contraposición, observamos lo que pasa en la nave espacial con su tripulación, con sus cinco miembros que acaban de visitar K-23, una luna habitable de Júpiter que representa una esperanza, una oportunidad, o tal vez solo un sueño.

Cada ambiente tiene sus retos y también sus propósitos. Son distintos, pero -en capas más profundas- se unen en lo trascendente, en el posible contacto entre ambos, como si aquello tuviera el poder de unir dos mundos que se encuentran a una distancia imposible de salvar. Podría haberse desarrollado más cada una de las historias pero tal vez ese no era el principal objetivo. Tal vez esa la incertidumbre es parte fundamental de la concepción del guion escrito por Mark L. Smith y lo que obliga a esmerarse por profundizar en su interior. Personajes dibujados, no tan elaborados, permiten que aquello funcione, y tal vez sea suficiente. El tiempo quizá responda las múltiples interrogantes.

“Cielo de Medianoche” deja una estela para analizar luego de verla, una sensación, un gusto, un sabor especial. Al concluir, podemos unir los puntos y gracias a ello comprender el mensaje. Tal como la música original de Alexandre Desplat, que queda resonando internamente, la película regresa en ráfagas para mostrarnos luces, ideas y señales. Entonces parece incluso menos lenta y más corta. Quizá es solo una ilusión, pero también es un mérito. Al menos a mí me resulta satisfactorio cuando quedo con estas impresiones, cuando los recuerdos vuelven a mi para completar el trabajo. Es el momento en que tal vez comienza otra película u otra historia. O tal vez, es ese el momento en que se consigue la tan anhelada conexión emocional.

Ficha técnica

Título original: The Midnight Sky
Año: 2020
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Anonymous Content, Netflix, Syndicate Entertainment, Smoke House Pictures, Truenorth Productions (Distribuidora: Netflix)
Género: Ciencia ficción. Drama | Futuro postapocalíptico. Aventura espacial. Distopía
Guion: Mark L. Smith (Libro: Lily Brooks-Dalton)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Martin Ruhe
Reparto: George Clooney, Felicity Jones, David Oyelowo, Demian Bichir, Kyle Chandler, Tiffany Boone, Caoilinn Springall, Ethan Peck, Lilja Nótt Þórarinsdóttir, Tia Bannon, Sophie Rundle, Tim Russ, Miriam Shor, Jill Buchanan, Kishore Bhatt, Bharat Mistri, Natasha Jenssen, Olivia Noyce, Edan Hayhurst, Atli Oskar Fjalarsson, Grant Crookes
Dirección: George Clooney

Bridgerton - Por Jackie O.

“Cuando Jane Austen se transforma en chica indiscreta”. 

Esta es una serie dramática de época que se basó en las novelas de Julia Quinn. Ambientada en el mundo competitivo de la alta sociedad de Londres de 1813, cuando las jóvenes debutantes son presentadas en la corte y definen su situación matrimonial.

Carruajes, intrigas, opulencia, extravagancia, linaje y una cronista omnisciente, marcan la pauta de esta historia, donde la carrera de las familias por preparar a sus hijas para los bailes de la temporada comienza.

Durante siglos las mujeres fueron utilizadas por su familia para hacer "alianzas" con otras familias, el matrimonio por amor era algo sumamente insólito ya que primaba el dinero. Así es que llega el momento en que las debutantes son llevadas a los escaparates de un enorme mercado de bodas, donde padres y sus madres principalmente, negocian las elecciones de sus hijos al mejor postor.

Los libros de esta autora cuentan las experiencias amorosas de todos los miembros de la familia Bridgeston. En esta primera temporada seguimos principalmente a Daphne, quien es protagonista del primer libro 'El duque y yo', la cuarta hija y primera esposa de los ocho hermanos que en su primer año como debutante se encuentra en búsqueda de marido, pero por amor, teniendo que lidiar con la presión social y los agudos comentarios de una escritora que conmociona a la ciudad con su columna de rumores, llamada Lady Whistledown.

También tenemos al otro protagonista, al interesante, elegante y codiciado Duque Simon Basset.

Esta joven al ver que las perspectivas son desfavorables para ella, y el Duque ya no soporta a las madres desesperadas con sus hijas persiguiéndolo, urden ambos un plan para engañarlos a todos.

Si bien Daphne es una adolecente muy inocente pero decidida, que tiene una familia cercana y protectora, Simon es solitario y muy arrogante pero tiene razón para serlo, debido a su complicada historia.

Por lo que podría decir que me encantó la forma en que se conocieron y cuando decidieron hacer un acuerdo que se convirtió en una hermosa amistad pasando luego a la pasión.

Todos los capítulos tienen en común que los personajes no saben cómo lidiar con sus sentimientos. Personajes divertidos, que llaman la atención por su apariencia y/o su forma de ser.

Bridgerton va más allá de sentimientos como la unidad y la protección familiar (y la falta de ella), el amor, los conflictos internos, la honestidad y la presión social latente, también explora temas como el feminismo, la hermandad y el racismo.

La serie es entretenida para quienes nos gustan las cintas de época, liviana sin tener que pensar tanto, con personajes carismáticos, un diseño de producción muy bien ejecutado, cada decorado perfectamente puesto, visualmente una maravilla y con un guion fluido, aunque está lejos de lo que realmente era ese Londres que nos pintan, ya que esto no es un “drama de época”.

Tampoco la comparen con Jane Austen, ya que ella nos aportaba sutileza con tintes de ironía (como mi subtítulo).

Disponible en Netflix.

Ficha técnica 

Género: Drama histórico y romance.
Creado por Chris Van Dusen
Basado en Bridgerton de Julia Quinn
Ambientación Siglo XIX
País de origen: EEUU 

Idioma original: Inglés
Fecha de lanzamiento: 25 de diciembre de 2020.
N.º de temporadas 1
N.º de episodios 8
Elenco principal:
Julie Andrews como la voz de Lady Whistledown (narradora)
Phoebe Dynevor como Daphne Bridgerton
Regé-Jean Page como Simon Basset
Jonathan Bailey como Anthony Bridgerton
Nicola Coughlan como Penelope Featherington
Claudia Jessie como Eloise Bridgerton
Adjoa Andoh como Lady Danbury
Ruth Gemmell como Lady Violet Bridgerton
Florence Hunt como Hyacinth Bridgerton
Ben Miller como baron Featherington
Luke Newton como Colin Bridgerton
Ruby Stokes como Francesca Bridgerton
Luke Thompson como Benedict Bridgerton
Will Tilston como Gregory Bridgerton

Tom en la Granja - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Centroartealameda.tv

Un logrado drama íntimo de suspenso y sado-masoquismo.

Realizado por el “joven maravilla” canadiense Xavir Dolan cuando sólo tenía 25 años, basado en la obra teatral de Michel Marc Bouchard. Sus siguientes películas sólo confirmaron su talento. (Mommy 2014 - Premio del Jurado en Cannes).

Tom es un joven publicista de Montreal. Cuando muere Bill, su pareja homosexual, en un accidente de tránsito, decide visitar a la familia en el campo para darles el pésame. Allí conocerá a la apesadumbrada madre y a su único hermano Francis. Su breve estadía en la granja dará origen a una serie de revelaciones, secretos semi ocultos y extrañas reacciones ambiguas, sensuales y aberrantes.

Más que en la acción y la trama - que son lentas - debemos concentrarnos en sus personajes. Quiénes son, qué les ocurre, qué los perturba, por qué se comportan así.

Desde el comienzo surge una compleja relación entre Francis, el hermano homofóbico, y el frágil visitante. Al parecer, sólo la anciana madre ignoraba la orientación sexual de su hijo fallecido. Al punto de invitar a una prostituta, supuesta novia de Bill, para mantenerla engañada.

El núcleo del drama se centra en la psiquis de Tom. Por una parte es agredido con violencia - física y mental - por Francis, que conoce la verdad del vínculo entre ellos; y por otra, siente una fuerza interna que lo impulsa a permanecer en la granja.

A pesar del peligro, se siente como un cordero expiatorio atrapado entre la necesidad de consolar a la madre y acompañar a ese gañán que lo atrae y, a la vez, lo tortura.

En esta extraña co-dependencia reside el suspenso de la intriga.

En el viaje por la psiquis de Tom compartimos sus angustias, sus dudas, sus temores y, muy en especial, sus decisiones. ¿Qué encontró Tom en la Granja? ¿Cuáles eran sus opciones? Batalla sorda entre personajes y conciencia. ¿Quería Tom, en verdad, escapar de ahí, o prefería quedarse? La epifanía de las secuencias finales nos responden a estas interrogantes.

Como director Xavier Dolan - quien encarna a Tom - consigue enorme tensión con un mínimo de recursos. Sus filmes reinciden en temas que vinculan a las madres con sus hijos.

Con muy pocos personajes nos entrega un turbio dilema existencial y afectivo. Cada actor se vuelca de lleno en su rol.

INTIMISMO MUY BIEN LOGRADO. UN MICROCOSMOS CAMPESINO TAN SINIESTRO COMO LA URBE MÁS CIVILIZADA. 

Ficha técnica   

Título Original: Tom a la Ferme

2013 Drama, misterio, suspenso 

Francia, Canadá - 1,42 hrs. 

Fotografía: André Turpin 

Música: Gabriel Yared 

Diseño Prod.: Colombe Raby 

Guionistas: Xavier Dolan, Michael Marc Bouchard 

Actores: Xavier Dolan, Pierre-Yves Cardinal, Lise Roy 

Editor, Guionista y Director: Xavier Dolan

Ana y Bruno - Por Jackie O.

“Más allá de la imaginación y la cordura.” 

Ana es una pequeña niña quien, junto con su madre, ha sido internada en un hospital psiquiátrico.

Su infancia está llena de inocencia, fantasías, magia e ilusiones, pero llega el momento en que por una situación determinada ella cree que su deber es salvar a su mamá. Así, la niña escapa en búsqueda de su padre, aunque para ello necesitará la ayuda de siniestras y amigables criaturas imaginarias que la acompañarán en un viaje lleno de fantasía, locura y amor familiar.

Me encantan las películas animadas, disfruto mucho de ellas ya que las hay de todo tipo, para entretener y también para reflexionar. Películas que en su mayoría son familiares.

Sobre ésta, me arriesgaría a decir que es mejor para mayores de 10 años más o menos, por su temática.

Ana, como señalé, es llevada a un centro psiquiátrico junto a su madre, lugar donde encontrará a una serie de personajes extraños que la ayudarán en su aventura dentro y fuera del hospital.

Al huir, este viaje se transforma en una simpática aventura, llena de emociones, donde estos personajes extraños que están con ella representan esas manías, demonios o fobias que padecen algunos enfermos mentales, transformándola así, en algo media oscura en su temática, ya que nos muestra cuando algunas personas llegan a tocar fondo en su vida.

Su trama es dura al mostrarnos a personas que padecen de enfermedades mentales, pero lo hace de una forma realista y empática.

El diseño de los dibujos puede recordarte algo de Tim Burton. La coloración acá es fuerte y el guion tiene algunas fallas de lógica y continuidad, que por muy animada que sea, se nota.

Aun así es una historia interesante para ver y conversar sobre variados temas, como la situación que padecen los enfermos mentales, del dolor, la esperanza, vida, muerte, separación, familia, amor, amistad...

Así como:

¿Todos tenemos o hemos tenido, amigos imaginarios?

¿Cuál es el límite de la imaginación y perder la cordura?

Disponible en YouTube, Netflix y Amazon Prime. 

Premios: 

2018: 15.º Premios Canacine, Mejor Película de Animación
2019: 2018 Premios Quirino Ibero mejor-Largometraje de Animación americana
2019: 61.º Ariel Premios, Mejor largometraje animado.

Ficha técnica

Dirección: Carlos Carrera
Guion: Daniel Emil y Flavio González Mello
Basada en “Ana”,  de Daniel Emil
Música: Víctor Hernández Stumpfhauser
País: México 

Duración: 96 minutos
Idioma: Español

Año: 2017
Reparto de voces:
Galia Mayer como Ana
Marina de Tavira como Carmen
Damián Alcázar como Ricardo
Armando Ürtusuaztegui como Bruno
Julieta Egurrola como Martita
Regina Orozco como Rosi
Héctor Bonilla como Dr. Mendez
Daniel Carrera Pasternac como Daniel