Un Sueño Extraordinario - Por Juan Pablo Donoso

BFDistribution.

Grata, amena y estimulante para toda la familia.
El anciano Angus (Richard Dreyfuss) es ingeniero civil jubilado, viudo, pero aún con mucha vitalidad.

Como siente que molesta viviendo en casa de su hija, acepta de malas ganas trasladarse a un elegante hogar para ancianos.

Allí se entera que un filántropo billonario (Colm Feore), abre concurso para enviar al espacio al que gane en una tómbola. Como es de suponer, nuestro anciano resulta favorecido.

Contra los consejos de sus parientes, pero con las ínfulas de su pequeño nieto, sigue adelante con la posibilidad.

Cuando está a punto de ser escogido, sufre un colapso nervioso y lo eliminan del proyecto. Hasta aquí sólo fue el chispazo de una quimera que añoraba desde niño.

Pero, como sucede en casi todas las películas optimistas, el destino quiso que, por casualidad, notara que la pista de despegue de la nave tenía una falla peligrosa para la misión.

Aunque ya sin esperanza de viajar, se empeñó en advertir a los empresarios del eminente peligro. Tras mucho insistir, accedieron a revisarla una vez más, reconociendo que la aventura habría sido catastrófica.

En retribución, lo premiaron permitiéndole ser pasajero astronauta, y cumplir así el máximo anhelo de su vida.

Por la bonhomía de sus familiares y amigos, y la inicial tozudez de sus opositores, para culminar en un clásico “final feliz”, bien pudo ser otra película taquillera de la empresa Disney. Después de una triste decepción, vino el giro inesperado que dejó a todos los espectadores felices.

La gracia de esta aventura descansa, primordialmente, en el carisma, y talento, del actor Richard Dreyfuss, secundado con sobriedad por los demás personajes. Se nota que el famoso intérprete (el kinético Dr. Hooper de TIBURÓN) disfrutó haciendo este filme. Y ello trasciende la pantalla.

Bastante efectivo en su género para ser el primer largometraje dirigido y escrito por la actriz Shelagh McLeod (Doctors, teleserie 2003-2011).

GRATIFICANTE TRIUNFO DE UNA ILUSIÓN. IDEAL PARA DISFRUTARLA EN UN VIAJE AÉREO.

Ficha técnica

Título Original: Astronaut 

Tragicomedia familiar Canadá - 1,37 hrs. 

Fotografía:AA Scott McClellan 

Edición: Tiffany Beaudin 

Música: Virginia Kilbertus 

Diseño Prod.: Helen Kotsonis 

Guion: Shelagh McLeod, Carolyn Saunders 

Actores: Richard Dreyfuss, Lyriq Bent, Krista Bridges 

Dirección: Shelagh McLeod

El dilema de Aziz - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

No sé muy bien por qué esta comedia turca llamó mi atención. Tal vez fue la necesidad de ver algo más liviano o el interés por revisar algo diferente a lo habitual. ¿Qué encontré?

Aziz -Engin Günaydın-, un hombre maduro que trabaja en una agencia de publicidad, se siente agobiado por su vida. Quiere romper con su novia Burcu -İrem Sak-, y no puede porque ella le reclama por no llevar puesto un collar que él no sabe dónde está. Su hermana, con cuñado y sobrino incluidos, lleva seis meses en su casa y no se va nunca. En la oficina, su jefe Alp -Öner Erkan-, lo insta a despegarse del mundo, le invita a su casa, fiestas, chicas… pero no parece seducirle la idea. Además, se aburre en su trabajo. Solo conecta con Erbil -Haluk Bilginer-, un colega viudo hace un tiempo, y en cuyo departamento se queda a veces para escapar de la aplastante rutina.

¿Y qué sucede? Nada en particular. El guion avanza de forma inconexa entre diferentes situaciones que son absurdas, otras ridículas y otras que no tienen ni pies ni cabeza. ¿Humor? Si lo hay, es extraño; no me convence. ¿Personalidades? Las hay variadas pero no consiguen captar mi atención. ¿Hacia dónde va la cinta? Ni idea, aun trato de encontrar el camino elegido y no lo encuentro.

Tratando de no ser lapidario, lo que observo, en el fondo, son situaciones que se presentan y que no necesariamente tienen una solución satisfactoria. Es decir, al menos una resolución que a mí me deje conforme porque para ser justos, algunas sí se logran resolver.

Podría resumir, brevemente, lo que me deja la película: el recuerdo de tres personas abrumadas por diferentes causas. Y además, esas tres personan conectan entre sí de modos distintos. Las motivaciones son diferentes y por supuesto algunas de ellas son básicas y no aportan mayores detalles. Podríamos, incluso, apelar a una catarsis grupal. El extremo es Alp, que vive básicamente de las apariencias. En un plano intermedio está Aziz, el protagonista, que divaga sin rumbo claro, perdido en un mar cotidiano de dificultades que no sabe cómo enfrentar. Y el más interesante -y no por ello se entiende mejor- es Erbil, tal vez el único que intenta avanzar y sobreponerse a la vida aunque está fuertemente amarrado a su pasado.

“Azizler” me desencantó. Tal vez no la entendí, pero no logré conectar ni con la forma ni con el relato. Lo que sí rescato es que es algo diferente, así es que si se animan a verla, ¡suerte con el viaje!

Ficha técnica

Título original: Azizler
Año: 2021
Duración: 96 minutos
País: Turquía
Productora: Imaj Film (Distribuidora: Netflix)
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática
Guion: Durul Taylan, Yagmur Taylan, Berkun Oya
Fotografía: Burak Kanbir
Reparto: Engin Günaydin, Haluk Bilginer, Binnur Kaya, Öner Erkan, Fatih Artman, Irem Sak, Gülçin Santýrcýoðlu, Hülya Duyar, Ilker Aksum, Göktug Yildirim, Helin Kandemir
Dirección: Durul Taylan, Yagmur Taylan

Mulán - Por Jackie O.

“¿Porque existe la necesidad de que todo sea live action?”

Todos conocemos la historia de Mulán, esa fantástica obra animada de Disney de 1998 que nos cautivó y aún nos cautiva.

Cuando se dijo que sería en el formato Live Action, hubo dudas pero también emoción e intriga para ver quienes interpretarían a esos grandes personajes, y como se desarrollaría la historia.

Me demoré en hacer la reseña a pesar de que la vi hace meses, no sabía cómo expresar todo lo visto... Y con qué nos encontramos: con una historia nueva, con una historia diferente.

Ahora me voy con todo.

Si no viste la animada, lo más seguro es que te gustará esta película, pues es una historia que no conocías, además las actuaciones principales son buenas en su mayoría, tiene un buen elenco (aunque la pobre Mulan apenas habla en la película).

Ya no tenemos a Mushu!!! no es lo mismo. Lo quisieron reemplazar con una hermosa ave, que supuestamente es el ave fénix, creo que sale unas 4 o 5 veces dando unas vueltas que no tienen mucho sentido.

La historia de amor que también nos gustaba, no existe.

Solo se aboca a mostrarnos como esta joven salva a su padre de ir a la guerra, tomando ella su lugar, haciéndose pasar por hombre y ser soldado, ayudando al Emperador de la maldad de un sujeto. Eso ya lo conocemos. Pero no está la evolución de esta joven de familia a una guerrera.

Hay algunas escenas que te hacen recordar la película animada,  como al comienzo cuando a la preparan para ser una fina dama para ser casada por ejemplo, pero son pocas. Otras escenas son inventadas.

El guion no es muy acertado, con una edición irregular, no sé en qué estaba el director y el resto del equipo técnico.

Los efectos especiales se notaban, y me molesta que en pleno siglo 21 pase eso. Y gastaron millones y millones en hacerla.

Pero algo bueno debe tener, sí:

Un vestuario y maquillaje bello. Me encantan los decorados de películas orientales por su opulencia, incluso en pobreza, su colorido y detalles varios.

Y hay algunas buenas coreografías, aunque la mayoría muy irreales, solo faltó verle el alambre desde donde se colgaban.

Lamentablemente no vi acá la película original. Perdió su esencia, y ante eso perdió esos valores que nos dejó la animada como el respeto a la familia, el valor, la lealtad, la amistad, etc.

Se queda en una película que sirve para pasar el rato en especial para quienes no conocen la historia, y para quienes la conocemos, verla por curiosidad.

Disponible en Disney +

Ficha técnica

Dirección: Niki Caro
Guion: Rick Jaffa, Amanda Silver, Lauren Hynek y Elizabeth Martin
Basada en “Mulan” de Tony Bancroft y Barry Cook y “Hua Mulan” de Guo Maoqian
País: EEUU 

Año: 2020
Género: Acción y Aventura 

Duración: 115 minutos
Música : Harry Gregson-Williams
Fotografía: Mandy Walker
Montaje: David Coulson
Reparto:
Liu Yifei como Mulan.
Crystal Rao como Mulan de niña.
Donnie Yen como el Comandante Tung.​
Jason Scott Lee como Bori Khan.
Gong Li como Xian Lang, una poderosa bruja.
Jet Li como el Emperador de China.​
Tzi Ma, como Fa Zhou.

Laberintos - Por Carlos Correa

Disponible en YouTube. 

Esta película franco-belga, estrenada el año 2003, aborda una trama interesante. Se trata de un problema disociativo de identidad, un trastorno de personalidad múltiple. El guion, escrito por el mismo director René Manzor, nos sumerge de lleno en esta condición, algo vital para resolver un caso policial que involucra a una persona acusada de veintisiete homicidios.

La historia remite a Claude -Sylvie Testud-, la joven sindicada como responsable de las muertes. Karl Freud -Michel Duchaussoy-, psiquiatra a cargo, necesita ayuda para desentrañar lo que sucede con esta mujer e informar al Tribunal, por lo que recurre al doctor Brennac -Lambert Wilson- para que acepte el desafío y desarrolle sesiones diarias de terapia. En paralelo, el relato ofrece flashbacks de los días previos a la detención, en los que Matthias -Frédéric Diefenthal-, un introvertido investigador, junto al equipo policial, buscan pistas para dar con el paradero de la persona responsable de los homicidios.

En poco más de una hora y media, el metraje va adquiriendo capas que permiten conocer a los personajes. A pesar de los recuerdos que se entrelazan, el curso de la narración es lineal. Y nos dejamos llevar por ello. Sin cuestionarnos demasiado, es el momento en el que entramos al laberinto de la personalidad de Claude, porque ella representa, al menos, cuatro sujetos diferentes. Y sumamos una nueva vertiente; el papel fundamental que la mitología juega en esta historia pues se encuentra explícita la leyenda del Laberinto del Minotauro.

La cinta resulta cautivadora desde todos sus ángulos. El director es hábil para cazarnos con su discurso para que combinemos las piezas que tenemos enfrente. La actuación de Sylvie Testud es estupenda, no tiene dificultad en representar cada uno de los papeles que emergen de su voluble emocionalidad.

La película explora múltiples temas; intriga policial, infancia perturbada, sufrimientos extremos, vulnerabilidad y abandono, castigos, ofrendas, arte, imaginación, mitología, leyenda y psicoanálisis. Todo se va entretejiendo y da forma a secuencias que aparentemente están desconectadas pero que, sabemos de antemano, tienen varios cruces y precisos puntos en común. Es, además, un puzzle policial, sicológico y humano, donde cada pieza se encuentra preparada, lista y dispuesta para ser desplazada, colocada y, por supuesto, calzada. Resulta fundamental, también, lo referido a la familia, algo que marca la infancia de la protagonista y que poco a poco revela las causas profundas de sus acciones.

¿Cuál es el rol del azar? Descoloca el modus operandi utilizado. ¿Se ofrece como un elemento más, un distractivo tal vez, o es clave para entender lo que sucede en la mente responsable de los crímenes? La cinta posterga las definiciones y juega con nosotros hasta el final. Solo en los últimos diez minutos empiezan a caer las piezas de este juego tipo “Tetris” y vamos encajando los elementos tal como deben ir, en la posición que ocupan, adquiriendo un sentido que, por supuesto, difiere de nuestras lecturas previas.

“Dédales” -Dédalo, quien construyó el laberinto para esconder al Minotauro- funciona bien. Lástima que solo esté disponible en una copia de mala calidad en YouTube y no podamos apreciarla en buena definición, en un servicio de streaming que la ofrezca dentro de su catálogo. Aun así, puede valer el esfuerzo de verla porque, si bien es un tema explorado por otras muchas cintas, esta ficción francesa tiene características propias -especialmente sus actuaciones-, que mantienen un suspenso que no pierde atención en ningún momento.

Ficha técnica

Título original: Dédales
Año: 2003
Duración: 94 minutos
País: Francia
Productora: Co-production Francia-Bélgica;
Género: Intriga | Policíaco. Asesinos en serie. Crimen
Guion: René Manzor
Música: Jean-Félix Lalanne
Fotografía: Pal Gyulay
Reparto: Lambert Wilson, Sylvie Testud, Frédéric Diefenthal, Michel Duchaussoy, Edouard Montoute, Tomer Sisley, Jean-Henri Compère, Jérémy Bombace
Dirección: René Manzor

Eraserhead - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cineartealameda.tv

Notable para quienes se atrevan a tolerarla.

Primer largometraje de David Lynch. Quintaesencia de lo que fueron más adelante sus mejores obras: El Hombre Elefante, Terciopelo Azul, Duna, Corazón Salvaje, Twin Peaks y Mulholland Drive.

Para entender su visión de mundo, hay que incluir su cine en el lenguaje surrealista similar a Buñuel, Jodorowski y, un poco más remoto, de Andrzej Zulawski (La Mujer Poseída, 1981).

Aunque por principio se niega a explicar sus relatos, por muy extraños, chocantes y enigmáticos que parezcan, tras ellos hay siempre una línea argumental comprensible. Es el tratamiento misterioso, impredecible, y atmosféricamente onírico, lo que le otorga su carácter tan particular.

Aquí tenemos a un hombrecillo insignificante, Henry, funcionario de una imprenta. Tuvo la desgracia de embarazar a la única hija de una familia obrera cuyos miembros son todos alienados, de una forma u otra. Lo obligan a casarse. La criatura nace viva, pero demasiado prematura. Es un feto monstruoso que llora toda la noche sin cesar. La esposa lo abandona dejándolo solo a cargo del engendro.

Si antes el mundo mental de Henry ya era psicótico, con el advenimiento de la criatura se torna peor. El desquicio irá en aumento hasta impulsarlo al “feticidio”. Más, junto con liberarse del tormento, será el alma de la víctima quien lo acogerá en sus brazos para siempre.

El impacto de la cinta radica, más que en su trama, en el siniestro acopio de imágenes, giros aleatorios, tratamiento de luces y sombras, silencios y momentos de larga quietud. Un estupendo blanco y negro kafkiano y pesadillesco.

A Lynch le gusta mostrar gente extraña a las que suceden cosas aún más raras. Sabe crear un universo propio e inquietante. Las pesadillas se contagian unas con otras y se confunden con la realidad.

Para Lynch, ver una película es entrar en un sueño. El realismo inicial es sólo una plataforma para desatar lo onírico. Desafía la lógica, la narrativa convencional, y con ello al espectador.

Su leit-motiv es que vivimos en el infierno, sin percatarnos. Sólo podemos evaluarlo por la morbosa atracción que nos producen sus historias y personajes.

Sabemos que junto con odiar Filadelfia, lo aterra la idea de ser padre, y hace parodia del núcleo familiar. Reinciden los gusanos de diversos tamaños y formas, como símbolos del pecado. El filme exuda neurosis compulsiva y paranoide.

Un manjar para los amantes del buen Cine-Arte.

Si se atreve, y está de ánimo, relájese y acompañe, por un rato, la pesadilla de un gran artista creador.

SINIESTRA Y FASCINANTE. UNA OBRA DE ARTE EN SU GÉNERO.

Ficha técnica

Título Original: Eraserhead

1977 

Fantasía, horror 

EE.UU. - 1,29 hrs. 

Fotografía: Herbert Cardwell, Frederick Elmes 

Actores: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph 

Edición, Música, Diseño Prod., Guionista y Director: David Lynch

Errementari: El Herrero y El Diablo - Por Jackie O.

“Descubriendo folklore de otras culturas”. 

Sinopsis: Inspirado en un cuento folklórico vasco. 
En un pequeño pueblo de Álava a mediados del siglo XIX, corren rumores sobre un siniestro herrero que parece tener conexiones con el mismo Diablo. Llegando un comisario del gobierno al pueblo, quien investigará el asunto y otros temas en el lugar.

Cuando se entrecruzan los mitos y la religiosidad en pueblos muy alejados, se transforma en una comunidad que teme a todo y es muy manipulable.

Eso pasa en este pueblo, donde le atribuyen una serie de situaciones negativas que ahí ocurren al diablo, pero principalmente a un Herrero, quien vive aislado en su casa la cual rodea de trampas para que nadie ingrese. Hasta que un día, una huérfana traspasa esas murallas y descubre que este Herrero mantiene un secreto, un oscuro secreto.

Esta niña huérfana no es feliz, ha vivido sus cortos años escuchando al poco cristiano cura del pueblo tratándola mal, a su familia adoptiva que no la siente como tal y en general, ella no se siente que encaja en ningún lugar.

Lo mismo este Herrero, su vida ha sido cruel, mantiene un secreto acuestas, sin dejar de mencionar que el demonio es un personaje principal y relevante en esta obra (y en la vida de nuestros protagonistas).

Adaptar leyendas con un trasfondo histórico, religioso y/o social resulta interesante y más bien original, alejándonos de esas películas que vemos una y otra vez, que tienen cero tintes originales.

Sobre esta película, la cual está basada en un antiguo cuento, más que de terror es de mucha fantasía. Mantiene una ambientación y atmosfera muy bien recreadas con un estilo gótico, brumoso y de colores nítidos muy agradables a la vista, con un guion simple el cual de repente decae un poco y tarda un tanto en arrancar, hasta que ya toma vuelo y se mantiene bien.

Su trabajo de maquillaje, los efectos especiales, los decorados, vestuario y mantener el idioma euskalki, que está casi extinto, me pareció muy interesante.

Leyendas, guerra, pasados traumáticos, vidas miserables, las diversas trampas que el demonio hace y que rondan en nuestras vidas, como poder balancear el bien con el mal, la vida y la muerte, la inocencia versus las triquiñuelas diabólicas… Todo eso y más, puedes ver en esta película que es muy fresca y cumple con entretener.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección: Paul Urkijo Alijo
Dirección artística: Izaskun Urkijo Alijo
Guion: Paul Urkijo Alijo y Asier Guerricaechevarria
Basada en "Patxi El Herrero: malvado y maleante", leyenda vasca.
País: España 

Año: 2018
Género: Fantasía y Terror 

Duración: 98 minutos
Música Pascal Gaigne
Fotografía: Gorka Gómez Andreu
Montaje: Paul Urkijo
Efectos especiales: David Heras y Jon Serrano

Ida - Por Carlos Correa

Disponible en Centroartealameda.tv 

Anna -Agata Trzebuchowska- está a punto de hacerse monja. Es 1960 y la acción transcurre en Polonia. La superiora, consciente que la joven tiene una pariente viva a la que no conoce, insiste para que viaje a encontrase con Wanda -Agata Kulesza-, hermana de su madre, una jueza que tiene problemas con el alcohol y que además desdeña su profesión. Es ella quien revela a Anna su origen judío, su verdadero nombre -Ida Lebenstein- y el destino de sus padres, consecuencia de la brutal ocupación nazi.

La cinta del director Pawel Pawlikowski es una joya. El minimalismo de su forma converge hacia la intimidad de su fondo. En esta descripción del personal viaje interior de ambas mujeres descubrimos la historia, aquello que queda al descubierto al correr el velo. La emoción está contenida pese al contrapunto que presentan ambas protagonistas. Es el futuro el que está en perspectiva, en la perspectiva de la vida, de la historia y del más profundo sentido de la vida.

“Ida” es poderosa, reflexiva, fuerte e inquietante. Filmada en un blanco y negro robusto, lleno de matices, los cuadros y la fotografía que se nos presenta es magnífica. La cámara aguda de Pawlikowski capta ángulos y enfoques que en ocasiones se mantienen casi sin movimiento, como láminas que van componiendo un antiguo álbum de fotos. Algunos planos cercanos llegan a ser desgarradores, acentuados por una sensible banda sonora a cargo de Kristian Eidnes Andersen.

En esta cinta el relato es mínimo, refiere lo esencial. Da cuenta de un guion que expresa mucho con muy pocos elementos. La maestría de su composición se aprecia, sobre todo, en los importantes silencios que invitan a la contemplación.

En “Ida” nada es predecible y todo se complementa. El lenguaje visual adquiere una potencia inigualable en la medida que lentamente nos invita al interior un mundo oscuro y frío del que solo vemos pequeños rayos de luz. Se trata de la intimidad más profunda de Ida y de Wanda. No es necesario que sucedan muchas cosas, basta con información precisa, elementos justos y gestualidad apropiada. Comprendemos lo incompresible con la emoción, ya, a flor de piel. El corazón se encoge, afloran los sentimientos y las contradicciones.

Pawel Pawlikowski nos regala una pieza de oro puro, un cine arte que nos embriaga. Este viaje a la intimidad de pronto se transforma en nuestro propio viaje y quedamos sorprendidos. ¿Cómo se produce tal nivel de compenetración? ¿Qué nos lleva a tal estado de imprevisión y vulnerabilidad? Las respuestas las esboza una obra de arte llevada al límite del expresionismo, que ilustra con imágenes, texto y música, lo más profundo de la búsqueda humana del sentido de la existencia.

Ficha técnica

Título original: Ida (Sister of Mercy)
Año: 2013
Duración: 80 minutos
País: Polonia
Productora: Co-production Polonia-Italia-Dinamarca; Opus Film, Phoenix Film
Género: Drama | Años 60. Religión. Familia. Nazismo
Guion: Pawel Pawlikowski, Rebecca Lenkiewicz
Música: Kristian Eidnes Andersen
Fotografía: Lukasz Zal, Ryszard Lenczewski (B&W)
Reparto: Agata Kulesza, Agata Trzebuchowska, Joanna Kulig, Dawid Ogrodnik, Jerzy Trela, Adam Szyszkowski, Artur Janusiak, Halina Skoczynska, Mariusz Jakus
Dirección: Pawel Pawlikowski

La Dama y el Vagabundo - Por Jackie O.

“Valientes pulgosos y fina realeza”. 

Lady and the Tramp es una película estadounidense, basada en la película animada de 1955 del mismo nombre. Y se estrenó el 12 de noviembre de 2019 en Disney+,​ lo que lo convierte en el primer remake de Disney que no se lanza en cines, sino solo en un servicio de streaming.

Nos hemos visto invadidos por remakes y live action, de los cuales algunos no salen ilesos en cuanto al resultado.

Pero esta versión de ese hermoso clásico del año 1955, puedo decir que salió ileso ya que es bastante cercano al original. Hace que la historia sea simple, sin adornarla con excesos que puedan arruinarla.

La historia para recordarla, es algo así: una linda perrita de fino linaje que vive cómodamente en un buen barrio, que tiene dos grandes amigos que son sus vecinos, vive feliz hasta que sufre las consecuencias de una pariente de sus amos que la hacen huir a la calle. Vaga por la ciudad hasta que es rescatada por un perro vagabundo, muy canchero, que le enseña la ciudad, haciéndose muy buenos amigos para vivir, ambos, diversas aventuras, al punto de no querer separarse.

Sobre la animación, se agradece que no hayan abusado con el CGI ya que en la mayoría de las escenas los perros son reales y cuando debían “hacerlos actuar” (movimiento de boca u otros movimientos con CGI) no abusaron con lo irreal.

Esta película es media hora, aproximadamente, más larga que la animada original, y fue para darle más cabida a los humanos, lo que no entorpeció para nada la esencia de la película.

Hubo un par de cosas que se cambiaron pero no afectó en nada, como por ejemplo: la pareja multirracial (estamos en otros tiempos) el bebe que es niña (ya no el niño rubiecito de la animada), el momento en que se conocieron Reina y Golfo, entre otros. Pero como ya señalé, no alteraron la esencia de la película, es más, todo lo agregado y cambiado hace una historia muy coherente.

Se agradece enormemente que no sea una película musical, solo tiene los dos cantos de los animales (gatos y perra) y uno o dos de humanos, pero son cortitos.

Y los antagonistas se mantienen, pero lo bueno es que le dan más tensión en esta película; me refiero al “Perrero, y la sucia rata”.

Sí nos deja mensajes como el rescate de las mascotas, el no maltrato animal, que una mascota puede ser una gran compañía, y la unión familiar.

Una buena historia para ver en familia.

Ambas, tanto la de 1955 y 2019, se encuentran en Disney Plus.

Ficha técnica

Dirección: Charlie Bean
País: EEUU 

Año: 2019
Género: Musical, Animación, Drama y Romance
Duración: 104 minutos
Reparto:
Kiersey Clemons como Darling
Thomas Mann como Jim Dear
Yvette Nicole Brown como la tía Sarah
Adrian Martinez como Elliot, un perrero que atrapa perros callejeros
Voces animales:
Tessa Thompson como Lady, una cocker spaniel americano
Justin Theroux como Tramp, un perro de raza mixta
Ashley Jensen como Jackie, una terrier escocés
Benedict Wong como Bull, un bulldog
Sam Elliott como Trusty, un perro de San Huberto
Janelle Monáe como Peg, una pekinesa

Pearl - Por Carlos Correa

Disponible en Centroartealameda.tv

Léa Pearl -Julia Fory- se encuentra ad portas de competir por el título de “Miss Heaven”. Junto a su Coach Al -Peter Mullan-, se ha preparado a conciencia durante cuatro años para este importante desafío por lo que la repentina aparición de su exmarido en el “Eden Palace”, llevando consigo al hijo de ambos y que ella no ha visto en todo ese tiempo, la descoloca absolutamente.

Esta cinta de la directora Elsa Amiel se sumerge en el mundo de la adoración al físico. Muestra en primerísimo plano el culturismo de cuerpos que, en este caso femeninos, son resultado de esfuerzos gigantes, de un gran sacrificio personal y elevadas dosis de sudor. ¿Para qué? ¿Por dinero, reconocimiento, admiración? ¿Deporte?

El guion escrito por Laurent Larivière y por la misma directora, ofrece una capa exterior bastante dura, una barrera que provoca cierta resistencia. Sin duda existen prejuicios y debo reconocer que los suscribo. No me gusta el tema, no me agrada el entorno, por lo que se me dificulta poder ingresar más allá de esta primera capa.

No obstante, y haciendo un esfuerzo por traspasar la epidermis, afloran aspectos en un relato que puede resultar, incluso, tan desafiante como conmovedor. Vemos, en primera instancia, la soledad de la protagonista. Léa está convencida de lo que hace, de las decisiones que ha tomado para llegar a disputar este importante campeonato. Sin embargo, también observamos la relación con su entrenador Al, y al menos despierta ciertas dudas porque observamos una relación insana, perturbadora. Léa ha trabajado fuerte, ha hecho un gran sacrificio durante años por lo que no puede aflojar en la instancia final. Pero Léa está, inevitablemente, sola.

El paso del tiempo no es en vano y esta es la segunda instancia. Cuando Ben, su ex marido, lleva consigo a Joseph, su hijo, verdaderamente no sabe lo que siente pues, en el espacio en el que se ha desarrollado los últimos años, no existe la opción de dejar fluir la propia sensibilidad. Léa ha postergado esa intimidad en favor de su exterioridad por lo que se configura, entonces, una crisis de proporciones y no tiene herramientas para enfrentarla. ¿Seguir adelante, ignorando lo que sucede? ¿Parar, detenerse, abandonar la competencia? La actuación de Joseph agrega una emotividad de la que cuesta desprenderse, pues evoca un sentido de aceptación de su realidad que llama tanto la atención como su indudable fragilidad y vulnerabilidad.

“Pearl” aborda otra mirada sobre la maternidad, sobre la renuncia al rol materno, por privilegiar una pasión o un sueño, en este caso el físico culturismo. También presenta la evidente transformación de su protagonista. Antes era Julia, ahora es Léa; otro cuerpo, otra persona. Entonces, sin esperarlo ni menos estar preparada, se encuentra de frente con una nueva realidad. ¿Surgirá una conexión? ¿Aflorarán los sentimientos? ¿Cobrará sentido su vida?

Ficha técnica

Título original: Pearl
Año: 2018
País: Francia
Productora: Unité de production, Bande a Part Films
Género: Drama
Guion: Elsa Amiel, Laurent Larivière
Música: Fred Avril
Fotografía: Colin Lévêque
Reparto: Julia Fory, Peter Mullan, Mathieu Amalric, Arieh Worthalter, Vidal Arzoni, Agata Buzek
Dirección: Elsa Amiel

Soul - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Disney +.

Una de las obras más poéticas, inteligentes y maduras de Disney Pixar.

Si bien entretendrá a los niños, trae para los adultos un mensaje lleno de sugerencias y reflexiones.

Joe es un músico negro que ama la música de jazz. Cuando, por fin, logra ser aceptado en un conjunto famoso, sufre un accidente callejero y fallece. Su alma llega a un limbo preparatorio administrado por criaturas cuánticas llenas de sabiduría.

Le asignan como Mentor a un duendecito llamado 22 para que revise su vida y descubra su propia “chispa”. Es decir, el sentido principal de lo que fue su existencia.

Por una confusión vuelven a la Tierra con las identidades cambiadas. Joe es un gato y 22 tiene el cuerpo de su pupilo musical.

Las muchas peripecias y malos entendidos que afrontan serán los acicates para cuestionarse qué es, en realidad, lo que importa en la vida.

Descubrirán que la Felicidad es diferente a lograr las grandes metas. Que lo más importante es disfrutar de los pequeños detalles y circunstancias que cada momento nos depara. Que desperdiciamos los mejores instantes por tratar de alcanzar los - supuestos - grandes objetivos.

Así cada día es un milagro. Cada cual lleva consigo una “chispa” que lo hace único. Le permite iluminar con ella cada “presente”. Cada mañana es el primer día del resto de mi vida. Saber detenernos para empezar, expectantes, otra vez.

Lo rubrican con la parábola del pececillo insatisfecho que ansiaba conocer el océano ideal sin darse cuenta que ya vivía en una realidad absoluta de agua.

Sin perder el humor, las aventuras suceden en una dimensión similar a los sueños, como alucinadas. Como pocas veces, se les da un protagonismo tan dinámico a las criaturas cuánticas, multifacéticas y vitales, pero que sólo existen si las miramos.

Su complejidad se nos hace clara gracias a lo imaginativo de su tratamiento. Sólo nuestra mente les otorga sentido.

Es admirable como logra sugerir tanto en un tiempo tan acotado.

Deja una vara alta para las próximas producciones de Pixar: estupenda tecnología, amenidad y un valioso contenido. Ojalá la nominen al Oscar.

UN LARGOMETRAJE ANIMADO MUY LÚDICO Y, A LA VEZ, SABIO, GRATO Y SUGERENTE. MAGNÍFICO. 

Ficha técnica

Animación, aventuras, comedia - 2020 EE.UU. - 1,40 hrs. 

Fotografía: Matt Aspbury, Ian Megibben 

Edición: Kevin Nolting 

Música: Trent Reznor,Atticus Ross 

Diseño Prod.: Steve Pilcher Guion: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers 

Directores: Pete Docter, Kemp Powers

Cambio de papeles - Por Jackie O.

"Los efectos de la fama". 

Sinopsis: Una comediante que debe cumplir servicios comunitarios por haber evadido impuestos, contrata a una doble para que cumpla la condena en su lugar.

Drew Barrymore es Candy, una super estrella de Hollywood que es éxito de taquilla pero con actitud horrible y un genio de lo peor. Hasta que pasan los años y la desgracia la alcanza. 

 
Vive aislada de todos, pensando qué hacer para cumplir el castigo que se le ha dado por su delito: ir a rehabilitación por drogas.

Pero ella no quiere asistir ya que tiene otros planes para su vida. Así es que se le ocurre la idea de pedirle a su "doble", Paula, quien también está desempleada, para que se haga pasar por ella en esa rehabilitación, cosa que acepta y comienzan a generarse diversas situaciones, al punto que a Paula comienza a gustarle la vida de ser famosa.

La película no sé si es drama o comedia, o ambas. No tiene gracia, por más que se esfuerce la simpática Drew.

La película tiene problemas de guión, de edición y de muchas cosas más.

Satiriza con el tema del éxito Hollywoodense y las redes sociales.

Lo interesante que podría rescatar es que Drew hace dos roles (eso es un trabajo arduo) y la transformación o evolución de los personajes. Como cambian.

Donde la más humilde se llena de fama y de angustia, y la odiosa exentrica busca lo simple siendo feliz.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Fecha de estreno: Diciembre de 2020.
Directora: Jamie Babbit
Guion: Sam Bain
Música compuesta por: Daniel Wohl

The Stand In - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Su premisa básica presenta a Candy Black -Drew Barrymore-, una actriz cómica que no pasa por un buen momento. Problemas en el set y también con los impuestos la obligan a realizar un tratamiento de rehabilitación de tres meses, pero ella en realidad no tiene ningún interés en hacerlo. Surge entonces una gran Idea. Candy siempre ha tenido una doble, una “Stand In”, que se llama Paula -también Drew Barrymore-. Santo remedio. Entonces la contrata para hacer el tratamiento por ella pero claro, obviamente las cosas no resultan como debieran resultar.

Tal vez lo más rescatable de esta producción es la doble actuación de Drew Barrymore. La actriz crea dos personajes similares físicamente pero en extremo distintos en estilo, lenguaje, gestos y miradas. Muy bien la propuesta de Barrymore, pero la película no está a esa altura. Asimismo, el tema que plantea el guion es interesante pero lamentablemente se ve desaprovechado y eso provoca una debacle como si se tratara de un huracán grado 5.

Es cierto, un mensaje acerca de la búsqueda del éxito a toda costa y en contraposición, el refugio en lo más simple de las cosas, funciona. Asimismo, no es nuevo exponer a la industria por los problemas de la fama y el aprovechamiento de imagen de alguien exitoso. Tampoco resulta novedad la usurpación de personalidades, es decir, querer vivir -o apropiarse- la vida de otra persona por sus influencias, posibilidades, glamour o simplemente por las ganancias económicas. El tema es que la cinta usa todo lo anterior como pretexto para construir una historia que no aporta mucho más en contenido, tampoco en humor y menos en comedia.

“The Stand In” algo mejora cuando se vuelca hacia lo sencillo, hacia el escape de lo mediático por lo insufrible que es el reconocimiento universal. Cuando pone el foco en la valoración de lo simple, en lo que verdaderamente llena el alma, aparece el valor de la compañía y del amor que, finalmente, son las mayores recompensas para cualquier ser humano.

Ficha técnica

Título original: The Stand In
Año: 2020
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Productora: The Exchange, Flower Films, Wrigley Media, Ingenious Media, Polyphemus Productions (Distribuidora: Saban Films)
Género: Comedia
Guion: Sam Bain
Música: Daniel Wohl
Fotografía: Eric Moynier
Reparto: Drew Barrymore, T.J. Miller, Holland Taylor, Ellie Kemper, Andrew Rannells, Lena Dunham, Michelle Buteau, Michael Zegen, Charlie Barnett, Adrian Martinez, Teddy Coluca, RayJonaldy Rodriguez, Kristoffe Brodeur, El Sayre, John W. Lawson, Wendy Meredith, Mark J Clifford, Heather Girardi, Georgia Buchanan
Dirección: Jamie Babbit

Fragmentos de una Mujer - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Dispareja. Momentos estupendos y otros desechables.

La factura audiovisual y las actuaciones son mejores que el errático y alargado guion.

La película entera vale por la secuencia inicial. Durante 25 minutos nos mantiene tensos gracias a la estupenda fotografía, edición, ritmo, y actuación memorable de Vanessa Kirby (Princesa Margarita en THE CROWN).

Por desgracia, después del primer impacto emotivo, el relato se va deshilachando, perdiendo energía, apoyándose sólo en la calidad de los intérpretes, y en los bellos paisajes.

Historia de un matrimonio que se derrumba porque, durante el parto, a su guagüita primeriza le faltó oxígeno al nacer, y falleció; o sea, por un accidente natural.

El resto es el trauma posterior de aquella madre, la confusión del padre, y las repercusiones en el resto de familia donde hay quienes anhelan una cuantiosa indemnización por negligencia médica.

¿Qué culpa tenía la partera? Desde el comienzo supimos que era inocente; por lo tanto, -fuera de lo judicial- el resto de la película es un gradual proceso de resiliencia.

Sin duda, muchas madres que hayan vivido ese drama se sentirán identificadas, y con razón.

Pero como relato cinematográfico, ¿qué está en juego? Para justificar las 2,05 horas, nos parece una cruza entre los ácidos diálogos familiares de Woody Allen y algunos tormentos femeninos de Bergman. ¿Para dónde va?

Lo único claro es que la madre de Martha (Ellen Burstyn), quiere dinero para vengarse, como judía, por su infancia azotada durante la 2ª Guerra Mundial.

Los actores dieron lo mejor de sí convencidos que la historia tenía más sustancia y un guion más solvente.

¿Qué nos quisieron decir al final? Que hay accidentes traumáticos que debemos absorber poco a poco, de los cuales algunos se aprovechan para sacar partido, y que tarde o temprano logramos superar gracias al tiempo y a la honestidad.

Sobran personajes y se alarga perdiendo enjundia. Para peor tiene una doble resolución: una justicia previsible, y la otra, una obvia concordancia con las leyes de la naturaleza.

UN DRAMA QUE SE ENGOLOSINÓ MÁS CON LA REALIZACIÓN Y LAS ACTUACIONES QUE CON UN GUION MEJOR DEPURADO. PUDO SER MÁS POTENTE. 

Ficha técnica  

Título Original: Egy nő darabjai

2020 Drama Hungría, Canadá, EE.UU. - 2,05 hrs. 

Fotografía: Benjamin Loeb 

Edición: Dávid Jancsó 

Música: Howard Shore 

Diseño Prod.: Sylvain Lemaitre 

Guion: Kata Wéber 

Actores: Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Ellen Burstyn 

Director: Kornél Mundruczó ( (León de Oro - Festival de Venecia 2020 - Mejor Director)

¡A ordenar con Marie Kondo! - Por Jackie O.

"Ordena tu vida, ordena tu entorno".

Cuantos se estresan solo con mirar el desorden en su lugar de trabajo o en sectores del hogar? ¿Cuántas veces no encuentras algo, o dices no tengo que ponerme, o tienes cosas vencidas o rotas? Tal vez todas las anteriores.

En este documental la reconocida Marie Kondo, quien un día experimentó un estado de conciencia de orden perfecto y decidió hacer de su pasión su profesión con su sencillo Método KonMari, que aúna la filosofía oriental, el feng shui y el coaching inspiracional. Patentando su método KonMari.

Y de qué trata este método. De ordenar pero por secciones:
1) ropa. Te hace apilar hasta el último calcetín y revisar una por una las prendas preguntándote si eso te hace realmente feliz. Así como ver cosas inservibles, incluso ayudar a otros regalando cosas bellas que tu no necesitas, o venderlas y generarte una ganancia extra. 2) libros. Lo mismo, ¿los ocupas? ¿los necesitas?, están en buen estado, etc. 3) papelería, uf! Y aquí creo que todos tenemos muchas boletas viejas, papeles antiguos de trabajos o estudios, etc. Saca tu bolsa de basura y revisa. 4) lo que ella llama "Komono", en esta parte nos vamos al baño, cocina, cochera, salas, etc. Y la misma operación de revisar todo, cosas rotas, vencidas, si se dan uso, viejas, nuevas pero no las necesitas y las puedes donar o vender, etc.

En este documental vamos a las casas de ocho familias: una viuda, una pareja recién casada de lesbianas, matrimonios con dos hijos adolescentes, otra con bebés, etc.
Ella no te ordena, te orienta, te enseña, y cada familia trabaja en equipo por semanas, ella supervisa y guía.

Si se siente la persona afligida y no sabe qué hacer, da consejos para eso también.

Ella no es minimalista, no pide que tires todo. Ya que la cantidad de cosas depende de cada persona. Solo te enseña a conservar aquello que te haga feliz. 

Nos muestra que somos muy consumistas, de tener cosas que no necesitamos, que nos aferramos a lo que no es necesario. Solo con ordenar veremos que tenemos lo suficiente y enfocarnos en las cosas importantes, poder identificar lo que realmente se necesita o no. Cuantas personas tienen nada, y nosotros solo por desorden seguimos acumulando más y más.

Pero cuál es la mayor gracia de este simple documental, es que es algo inspirador (aunque no lo creas) su aura y respeto es encantador. Además de que las familias trabajan unidas y al ver el resultado, SU resultado, los emociona y pueden vivir mejor. 

Es salud mental. Tanto hombres, mujeres y niños, se sienten bien.
Algo tan simple, solo necesitaba una guía, un empuje.

Ficha técnica

8 capítulos disponibles en Netflix.
Año / País: 2019 EEUU.
Título original: Tidying Up with Marie Kondo (TV Series)
Duración: 40 minutos Cada capítulo aprox.
Guión: Marie Kondo
Fotografía: Tom Curran.

Minimalismo: Menos es Ahora - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Me llamó la atención el título de este documental. Muchas veces me escucho repitiendo que “menos es más”, concepto en el que creo firmemente. Por ello, cuando vi la sentencia que “menos es ahora”, despertó de inmediato mi curiosidad. ¿Qué encontré?

Esta pieza, de solo 53 minutos, presenta a Joshua Fields Millburn y Ryan Nicodemus quienes nos cuentan su experiencia al decidir desprenderse de cosas y vivir con menos.

A simple vista parece una acción ecológica o de una ONG, sin embargo son las vidas reales de dos amigos que se conocen desde el infancia. Y la opción no solo es vivir con menos, sino, definitivamente, centrarse solo en las cosas que le den valor y sentido a sus vidas. Y no son solamente ellos, muchas otras personas están presentes en variadas imágenes que se suceden en rápidas secuencias.

Así, los testimonios transitan desde el desprecio por la acumulación, una alerta máxima al consumismo, la necesidad de soltar objetos, botar cosas, sin por ello olvidar lo que significan. La idea es más bien recordar con lo que tienen relación pero desprenderse del bien material.

Se plantea con fuerza que el comprar cosas se ve como una solución fácil a los problemas lo que pronto provoca desilusión y decepción. La necesidad es simplificar la vida, sacarse de encima cargas innecesarias, alivianar la existencia.

El mensaje que transmiten Joshua y Ryan es cautivante. Es un desafío contra cultural, sobre todo en Estados Unidos, donde el consumo es de primera necesidad, tanto para las empresas que lo satisfacen como para para quienes adquieren sus productos.

Pero eso no es todo, ni tampoco lo fundamental, pues luego pasamos al fondo de este movimiento pro minimalismo. El centro es tomar verdadera conciencia de las reales necesidades. Esas no encuentran respuesta en lo material, son en esencia espirituales, están en el alma. Y por eso es importante el paso siguiente, el desprendimiento. Para Joshua y Ryan solo así es posible liberarse realmente y enfocarse en lo verdaderamente importante.

El llamado es interesante. ¡Menos es ahora! Sobre todo hoy, cuando la explotación del planeta pone en riesgo nuestra supervivencia y nuestras posesiones amenazan nuestra paz interior. Si menos es más, ¿qué esperamos para ponerlo en práctica?

Ficha técnica

Título original: The Minimalists: Less Is Now
Año: 2021
Duración: 53 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Booklight Productions, Catalyst Films (Distribuidora: Netflix)
Género: Documental | Mediometraje
Música: Vve
Fotografía: Matt D'Avella, Conrad Golovac, Chris Newhard
Reparto: Documental, (intervenciones de: Joshua Fields Millburn, Ryan Nicodemus)
Dirección: Matt D'Avella