Spencer - Por Carlos Correa

Esta película dirigida por Pablo Larraín se sumerge en un fin de semana de la vida de la Princesa Diana de Gales -Kristen Stewart-. El año 1991 y en vísperas de Navidad, la familia real británica se apresta a celebrar la tradicional fiesta en el Queen's Sandringham Estate en Norfolk. Con rumbo perdido y sin claridad respecto de su vida, Diana maneja su auto en dirección a la residencia con una evidente contradicción vital. Su matrimonio con el Príncipe Carlos atraviesa por marcadas turbulencias producto del romance con Camilla Parker Bowles, por lo que se aproximan decisiones cruciales que, en tres días, pueden definir su futuro y también el de la Corona. 

Estamos ante una cinta atmosférica, donde la representación de los cambios de ánimo se refleja tanto en la filmación como principalmente a través de la música que pasa a ser un personaje con un protagonismo innegable. A modo de “Perpetuum Mobile”, se lleva a cabo una tensión musical y narrativa que entrega a la película una distinción tan inquietante como perturbadora. Otra característica que destaca en este trabajo es la gran cantidad de simbolismos, metáforas, y tradiciones retratadas. Podemos ver, entre muchas, las menciones respecto de la ausencia de calefacción y el frío que se sufre al interior del Palacio, y la costumbre de pesar a los invitados, antes y después de las fiestas, para medir si realmente fueron bien atendidos de acuerdo al resultado de la comparación.

A través de una fina estética, Larraín usa ángulos de cámara interesantes y encuadres llamativos -las tomas aéreas son un real aporte-, para captar el movimiento de sus personajes, para describir los entornos que les rodean y para realizar el seguimiento de una acción que no se detiene en ningún momento. El objetivo es retratar de cerca la manifiesta infelicidad e impotencia de Diana, su frustración, la falta de cariño y el abandono al que está expuesta. También denota, y en forma explícita, sus conexiones con un difuso pasado, algo que incide en su imaginación -que también juega un papel de contención-, a la par de aquel volcán de rabia y rebeldía que ella tiene a flor de piel.

Kristen Stewart es Diana, no cabe duda. Vive intensamente su rol y su interpretación resulta en extremo convincente. Con muchos primeros planos muy cercanos y otros tantos bastante lejanos, Larraín evidencia los extremos, esas contradicciones íntimas y profundas que existen tanto al interior como en el exterior de la carismática princesa. Agobiada por la Corona, parece que Diana solo buscara su libertad. Si es una víctima o no de las circunstancias, queda en suspenso y a merced de un camino que la conduce hacia una delicada inestabilidad emocional muy difícil de encausar. ¿Cómo puede vivir, cómo puede escapar, cómo rompe el círculo en el que se encuentra inserta? ¿Es ella sola y todo gira a su alrededor. ¿O es ella la que debe bailar al ritmo que le imponen?

El inteligente guion de Steven Knight juega con dualidades y planos, para confundirse entre la ficción y la realidad, entre la fábula y los hechos reales, entre los contrastes íntimos y lo deslumbrante del exterior. El filme se sumerge en el ahogo de Diana, es expresivo en mostrar sus sentimientos, y cauto respecto a las parcas relaciones que la joven construye con sus cercanos. Pareciera inclinarse hacia la descripción de una vida miserable, próxima a una permanente tortura, una existencia que quizás nunca ha experimentado un verdadero grado de amor y felicidad.

El pulso de Pablo Larraín se percibe de comienzo a fin, pues la película fluye con carácter visceral y ritmo creciente. La obra resulta sólida y convincente, un trabajo muy interesante que a lo largo de sus dos horas de duración entrega inquietud permanente a una historia pública, conocida, que tiene múltiples versiones e interpretaciones, en una imaginería que, cinematográficamente hablando, da cuenta de una visión de autor que logra cautivar y atrapar.

Ficha técnica

Título original: Spencer
Año: 2021
Duración: 116 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Chile-Alemania; Fabula, Komplizen Film, Shoebox Films, Filmnation Entertainment. Distribuidora: Neon
Género: Drama | Biográfico. Años 90
Guion: Steven Knight
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Claire Mathon
Reparto: Kristen Stewart, Jack Farthing, Timothy Spall, Sally Hawkins, Sean Harris, Richard Sammel, Amy Manson, Ryan Wichert, Michael Epp, Olga Hellsing, Wendy Patterson, Niklas Kohrt, John Keogh
Dirección: Pablo Larraín

El Callejón de las Almas Perdidas - Por Juan Pablo Donoso

Como en sus mejores películas, el consagrado director mexicano Guillermo del Toro vuelve a sumergirnos en un mundo de magia, perversión, astucia y castigo. 

La tétrica novela de William Lindsay Gresham ya fue llevada al cine en 1947 dirigida por Edmund Goulding, y protagonizada por Tyrone Power, Joan Blondell, Helen Walker, y varios excelentes secundarios. (Ver en YouTube).

Fue un valiente “film-noir” de la época. De aquellas historias sombrías donde todos los personajes son pecadores, y cuando al final sólo se salvan los menos malditos.

Así, tenemos ahora tres puntos de referencia: la novela original, la versión de 1947, y esta nueva superproducción.

La norteamericana fue audaz en muchos aspectos, pero hizo concesiones por motivos comerciales y de censura. El guion, aunque provocativo, mantuvo una ética tradicional: castigo a los malos y final feliz.

El nuevo proyecto sacrificó la clásica estructura dramática para internarse más hondo en las morbosidades literarias de la novela. Por su misma extensión - 2,30 hrs. - resulta más reposada que dinámica.

Sin embargo, mantiene el suspenso, lo sibilino de sus personajes, y una atmósfera claroscura, torva y peligrosa.

Es el ámbito ideal para que Guillermo Del Toro dé rienda a su fantasía y, muy en especial, a su reiterada obsesión por las criaturas monstruosas (El Laberinto del Fauno 2006, La Forma del Agua 2017, Hellboy 2004).

Cada vez que concibe un monstruo - con el horror que significa - aprovecha de confrontarlo con la monstruosidad espiritual, aún más aberrante, de personas cotidianas que parecen normales.

Y aquí se repite la dinámica. Un muchacho de turbio pasado se emplea de suche en una feria de diversiones itinerante. Fascinado por los trucos de magia y por los esperpentos en exhibición, decide aprender los secretos, dominarlos, y crear su propio espectáculo lejos de la feria.

El éxito que logra, junto a una muchachita enamorada que llevó consigo, lo va involucrando cada vez más con ricachones poderosos dispuestos a pagar fortunas aprovechando sus falsos poderes sobrenaturales.

Una psicóloga ambiciosa (Cate Blanchette) se asocia con él para facilitarle aún más las estafas a los millonarios.

Sobrevendrá una cadena de mutuas canalladas que lo precipitarán desde la cima del éxito hasta los abismos más denigrantes.

Y será entonces cuando Stanton (Bradley Cooper), nuestro antihéroe, deba retornar a la original feria de diversiones para reemplazar a los antiguos monstruos, más repugnantes, de aquel parque de siniestras fantasías e ilusiones.

“Es más humano amar a una monstruo inocente que a un humano que voluntariamente se corrompe”.

ADMIRABLE EQUILIBRIO ENTRE TERROR, MALDAD Y CODICIA, CON EXIMIOS ACTORES DIRIGIDOS CON BELLEZA VISUAL Y MADUREZ POÉTICA. 

Ficha técnica   

Título Original: Nightmare Alley

2021 Crimen, suspenso EE.UU., México - 2, 30 hrs. 

Fotografía: Dan Laustsen 

Edición: Cam McLauchlin 

Música: Nathan Johnson 

Diseño Prod.: Tamara Deverell 

Guionistas: Guillermo del Toro,Kim Morgan,William Lindsay Gresham (novela) 

Actores: Bradley Cooper, Cate Blanchette, Willem Dafoe, David Strathairn 

Director: Guillermo del Toro

Todo sobre los Ricardo - Por Carlos Correa

Disponible en Amazon Prime Video.

Elaborada e intrincada, esta película escrita y dirigida por Aaron Sorkin, relata la vida de Lucille Ball -Nicole Kidman-, y su marido Desi Arnaz -Javier Bardem-. Sorkin siembra y desarrolla una semilla que crece y crece con el correr del metraje, con sus propias ramas y vetas, sobre dos personalidades independientes, con mucho en común y también enormes diferencias

La cinta se desarrolla en una semana de trabajo de la icónica serie “I Love Lucy” y se presenta desde tres perspectivas diferentes: entrevistas a tres de los escritores del programa, numerosos “flashbacks”, y los ensayos para aquella grabación en vivo el año 1953.

Las actuaciones resultan convincentes, en especial la expresividad latina que Javier Bardem entrega a su personaje. Kidman, si bien aparenta un menor brillo, desarrolla muchos papeles e incluso configura roles sobre sí misma, algo que la hace lucir desde un ángulo muy diferente. Hábilmente, el guionista y director hace cine dentro del cine y televisión dentro de la televisión, en una simbiosis que se acerca mucho más al teatro y a las representaciones de la época.

Desde el punto de vista técnico, tanto el guion como la dirección resultan exigentes. Hay mucho texto importante -un sello Sorkin-, que se transforma en una metralla difícil de seguir y que obliga a los actores a desarrollar un esfuerzo de proporciones. Todas estas idas y vueltas, con interrupciones, muchos énfasis e intenciones, ponen a prueba la reconocida capacidad actoral tanto de Nicole Kidman como de Javier Bardem.

El relato mezcla temporalidades y se hace complejo. No deja de ser una tentación el poder retroceder la película para entender, sin embargo si se continua, la historia se explica y se comprende, más aun después, en perspectiva, ya sin el exceso de información al que hemos sido expuestos.

Presenciamos una historia donde más que esperar una conclusión, admiramos su desarrollo, el contexto en el que suceden los hechos, qué hacen, cómo lo hacen, las modas de la época y lo innovador que resulta el tener público en vivo al momento de grabar el episodio semanal de un exitoso show. La trastienda pasa a ser importante y el decorado un escenario trascendente para comprender lo que está en juego: la historia de cada uno, lo que significa su carrera y por supuesto su matrimonio.

¿Quién lleva la historia? Él o ella? ¿Lucille o Dezi? Finalmente, ¿quién rescata a quién? Están unidos pero siguen siendo independientes, son fuertes pero son capaces de atacar los puntos débiles que cada uno tiene, aquello que les hace vulnerables.

Aaron Sorkin logra una interesante composición artística de espacios reducidos. Las acciones transcurren en pasillos, durante ensayos y pruebas. Las conversaciones son lo más importante y no podemos perdernos ninguna línea. En ese sentido, la cinta es racional y metódica, sin embargo no deja fuera el lado emocional que aportan los actores en cada diálogo, ya sea interpretando los papeles propios del show o con sus conversaciones cotidianas.

¿Quiénes eran los “Ricardo”? El resultado es una propositiva respuesta entregada por Sorkin, que nos hace revivir la época y nos presenta, de una forma de ingeniosa, la posibilidad de redescubrir su historia.

Ficha técnica

Título original: Being the Ricardos
Año: 2021
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Escape Artists, Amazon Studios, Big Indie Pictures. Distribuidora: Amazon Studios
Género: Drama. Comedia | Biográfico. Televisión. Años 50
Guion: Aaron Sorkin
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Jeff Cronenweth
Reparto: Nicole Kidman, Javier Bardem, J.K. Simmons, Nina Arianda, Tony Hale, Alia Shawkat, Clark Gregg, Robert Pine, Linda Lavin, Christopher Denham, Jake Lacy, Nelson Franklin, John Rubinstein
Dirección: Aaron Sorkin

King´s Man: El origen - Por Carlos Correa

La historia se remonta al año 1902, cuando Orlando -Ralph Fiennes-, duque de Oxford, junto a su esposa Emily y su hijo Conrad, visita un campo de concentración en Sudáfrica. Un sorpresivo ataque cobra la vida de Emily, y marca el momento en el que Orlando decide cambiar la historia, es decir, trabajar para impedir los conflictos antes que ocurran. 

El plan cobra vigor doce años más tarde, cuando su red de espionaje, a cargo de Shola -Djimon Hounsou-, y Polly -Gemma Arterton-, dos personas de absoluta confianza del aristócrata líder, comienza a dar sus frutos. Por su parte, Conrad -Harris Dickinson-, nada sabe acerca del secreto actuar de su padre y solo desea unirse al ejército y combatir, sin embargo Orlando, que ha jurado protegerle desde la muerte de su madre, intenta impedirlo con todos sus medios.

La historia se complica por la acción de una poderosa red que pretende desestabilizar la paz mundial, enfrentando a los alemanes, a los rusos y a los británicos entre ellos, situación que escala hasta el gobierno de Estados Unidos que se ve en la encrucijada de intervenir o permitir que los acontecimientos deriven en cruentas batallas.

Por cierto hay muchas más tramas, bastantes idas y vueltas, giros y vericuetos, que componen un relato cuya finalidad es explicar el origen de esta particular organización y su principal misión: adelantarse a los tiempos y mantener el orden en el mundo.

“Kingsman: El origen” se disfruta mejor al verla sin mayores expectativas. Con trazos de comedia y bastante acción, el guion organiza una precuela que se mantiene a flote gracias al carisma de su protagonista, Ralph Fiennes.

Con una filmación ágil, y a pesar que el metraje se hace pesado hacia los dos tercios, el argumento resulta interesante aunque no del todo convincente. Cuesta comprender este enorme retroceso en el tiempo, incluso como para preguntarse si esto se justifica o no. Aún así, el relato entrega contexto a los orígenes de la saga y prepara adecuadamente la carta oculta para el giro principal, algo que sorprende pero que no resulta definitivo para la historia.

Matthew Vaughn, que dirige y también colabora en el guion, filma correctamente respondiendo a lo que se espera en películas de este tipo. Los paisajes y entornos son llamativos y el ritmo, en general, funciona, no obstante, quedarnos con una sensación un poco extraña, tal vez como esperando recibir algo más.

“The King's Man”, parece no tener más aspiraciones que transformarse en un entretenimiento liviano para una tarde de cine relajada y familiar. Me cuesta asociarla a las dos entregas anteriores, lo que no es necesariamente algo negativo ni tampoco una falta importante. Que se entienda la trama ya es bastante, porque el foco es distraerse, reírse un rato y soltar tensiones. Y en esto último, Kingsman cumple, y no debemos pedirle más.

Ficha técnica

Título original: The King's Man
Año: 2021
Duración: 131 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Marv Films, 20th Century Studios, Marv Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Thriller. Acción. Comedia | Espionaje. I Guerra Mundial. Cómic. Precuela
Guion: Jane Goldman, Matthew Vaughn, Karl Gajdusek. Personaje: Dave Gibbons, Mark Millar. Historia: Matthew Vaughn
Música: Dominic Lewis, Matthew Margeson
Fotografía: Ben Davis
Reparto: Ralph Fiennes, Harris Dickinson, Djimon Hounsou, Gemma Arterton, Rhys Ifans, Charles Dance, Tom Hollander, Matthew Goode, Daniel Brühl, Aaron Taylor-Johnson, Stanley Tucci, David Kross, Alison Steadman
Dirección: Matthew Vaughn

Campo Secreto: Nazis en E.E.U.U. - Por Jackie O.

"P.O. Box 1142".

Estos hechos basados en acontecimientos verídicos, están contados de una forma visualmente atrayente, y se centran en la historia de un campo de prisioneros de guerra altamente secreto, desconocido, y oculto por décadas.

En medio de la Segunda Guerra Mundial, un grupo de jóvenes refugiados judíos son enlistados para combatir por E.E.U.U. en la Segunda Guerra Mundial, pero lo que no sabían, es que eran asignados a un campo de prisioneros de guerra secreto cerca de Washington.

En dicho lugar, los soldados judíos fueron asignados con el nombre de oficiales “Encargados de la Moral”, y pronto descubren su rol, sus prisioneros no son otros que los principales científicos de Hitler, siendo una misión de inteligencia para recopilar información de los nazis, usando diversos métodos de persuasión. Una misión que cuestionaría sus valores morales, exponiendo un oscuro secreto de Estados Unidos, pues los crímenes de guerra de estas personas, pasan a ser algo de interés nacional.

Una historia que, inclusive, podría ser transformada a una gran película, debido a que es muy interesante su materia -para muchos nos eran desconocido estos hechos-, y llama la atención para ir averiguando más en la historia.

Su forma de narrar llama la atención, ya que su mayoría es en versión animada, con algunas imágenes de archivo, fotografías y las declaraciones de dos de sus sobrevivientes.

Mantiene una buena edición y guion que nos sumerge en esta trama, con personajes interesantes que van desarrollándola.

A pesar de ser un buen trabajo, en qué podría fallar para mí es que no quedan muy en claro, o más bien precisos, los temas morales en los cuales podrían haber caído en conflicto estos soldados, y haber desarrollado más eso. Pero esto último da pie para que nosotros averigüemos más de ello.

Buen trabajo para ver y que llama a conocer más sobre hechos que acontecieron en la historia, pues en todos los rincones del mundo existen secretos de estado.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Camp Confidential: America's Secret Nazis
Año: 2021
Duración: 34 minutos
País: EEUU
Dirección: Mor Loushy y Daniel Sivan
Música: Dudu Aram, Antonio Pinto
Género: Documental - Animación - II Guerra Mundial - Nazis

Matrix: Resurrecciones - Por Jackie O.

"Pastilla roja o azul, tu decides, realidad o fantasía".

Mucho años después de los sucesos en "The Matrix Revolutions", Thomas Anderson (Keanu Reeves) es un exitoso desarrollador de videojuegos, creador de una serie de juegos basada en "Matrix", sobre sus débiles recuerdos como Neo.

Cuarta película de esta saga, la cual nos muestra a unos personajes ya mayores, comenzando con una escena muy similar a la vista en la primera entrega.

Tenemos en esta oportunidad a Anderson, quien se encuentra en un proceso de separar su realidad y sus sueños, por lo que ve a un terapeuta (Neil Patrick Harris), quien, para estabilizar su ánimo, le receta píldoras azules para mantener la cordura. Sin embargo, Anderson suspende la toma de las pastillas y deja en secreto la medicación recomendada, desatándose nuevamente la revolución Matrix.

Una película que la fanaticada esperaba con ansias, su desarrollo puede ser confuso para quienes no sigan la saga o no le interese la ciencia ficción, por lo que se recomienda ver las tres anteriores, o principalmente la primera.

No saber diferenciar la realidad de la fantasía, si vives constantemente en un sueño, o tus sueños son la realidad, puede ser mentalmente desesperante para un individuo. Pero, ¿quién dice que es tu realidad o fantasía, hasta qué punto se puede soportar mentalmente esas vivencias?. Neo no sabe, o tal vez la medicación lo estabilizaba y dejarlas le produjo paranoia y visiones fantasiosas, o tal vez la medicación lo mantenía en constante letargo en un sueño alejado de la realidad. Su encrucijada se basa en dos realidades: una, es la vida cotidiana que lleva; y la otra, la que está "tras el espejo". Para descubrir si su realidad es una construcción física o mental y para conocerse realmente a sí mismo, el Sr. Anderson tendrá que elegir seguir al conejo blanco una vez más.

Un mundo tecnológico, con naves, seres cableados para movilizarse extrañamente de un mundo a otro, ya no mediante teléfonos. Con seres robotizados y de otra índole.

Una película que puede ser extraña, confusa, por eso es recomendable ver las anteriores para familiarizarnos.

Su desarrollo agota en momentos, pues mantiene escenas de más, que alargan innecesariamente la cinta.

Los efectos visuales son destacables, ya que se ven prolijos. Las escenas acrobáticas son bien buenas. El vestuario de coloridos diseños a el entrañable negro, que es entre moderno, punk y clásico. Bien.

Las actuaciones están bien logradas, la real química entre los protagonistas es encantadora. Y aunque al escuchar nombres conocidos en otras caras, puede ser extraño, se supera.

Su guion mantiene guiños a sus anteriores películas en un dejo nostálgico y a la vez gracioso.

Por supuesto que no es la mejor de su saga, pero tampoco es la peor, se deja ver.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

The Matrix Resurrections
Dirección: Lana Wachowski
Guion: Lana Wachowski, David Mitchell y Aleksander Hemon
Música: Johnny Klimek Y Tom Tykwer
Fotografía: Daniele Massaccesi Y John Toll
Protagonistas: Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Neil Patrick Harris, Jada Pinkett Smith, Lambert Wilson, Priyanka Chopra, Daniel Bernhardt, Eréndira Ibarra.
País: Estados Unidos
Año: 2021
Género: Acción - Ciencia ficción - Cyberpunk - Mundo virtual- secuela
Duración: 147 minutos

Belle - Por Carlos Correa

Esta fantasía audiovisual animada del director Mamoru Hosoda resulta asombrosa. Es una película profunda y sencilla a la vez, con múltiples capas, significados e interpretaciones. 

Suzu Naito, una adolescente de diecisiete años, vive con su padre en las afueras de la prefectura de Kōchi, en Japón. Tras perder de niña a su madre, a Suzu le cuesta congeniar con sus compañeros de clase aunque con unos pocos es bastante cercana. En un permanente estado de melancolía y emocionalmente sin un rumbo, descubre un popular mundo virtual llamado “U”. Para ingresar es sencillo, basta descargar la aplicación, crear una cuenta y configurar su avatar, para comenzar a ser parte de un universo que se ofrece como un nuevo inicio, el lugar indicado para desplegar una nueva personalidad.

La aventura parece fascinante y Suzu se hace llamar “Bell”, la traducción al inglés de su propio nombre. Ademas, como este universo se nutre de parámetros biométricos de la persona para completar al nuevo usuario, también se incorporan algunas características y talentos de cada nuevo participante, por lo que “Bell” muy pronto obtiene reconocimiento como cantante, éxito que poco a poco la hace conocida como “Belle”, que significa “hermosa” en francés.

Pero no todo es ideal. La vida real de Suzu enfrenta conflictos y en esta especie de escape virtual tampoco está libre de críticas y problemas. Parece ser el momento indicado para conseguir definiciones, para descubrir su esencia personal, su identidad, su verdadera personalidad. ¿Quién prevalecerá, a fin de cuentas, la Suzu real o la Bell virtual?

La animación de esta cinta es arrebatadora. El original guion está repleto de detalles, giros e inmersiones, en una fábula visual que tiene un claro mensaje nutrido de contenido, valores y enseñanzas. La dolorosa y temprana pérdida de su madre marca la vida de la protagonista. Necesita protección y refugio, algo que le resulta esquivo. Es por ello que este descubrimiento de una virtualidad que le ofrece ser otra persona, nueva y diferente, resulta ser tan atractiva. Es como volver a nacer, es la creación de un otro yo, un súper yo; en definitiva, supone para ella ser quien quiere realmente ser.

Mamoru Hosoda se sumerge en el proceso de desarrollo de la propia identidad, en los roles, las caretas, y en lo que podríamos llamar la personalidad real y la personalidad virtual. Se visualiza fácilmente esta dualidad, esta aparente doble vida, algo que retrata muy bien los tiempos actuales capturados por las redes sociales y las pantallas, con sus indudables beneficios y los peligros subyacentes. Está en juego la relación con los demás y también el aislamiento producto de determinadas condiciones, situación que pone de relieve un tema fundamental que se refiere a la propia aceptación además de la que proporciona el entorno.

“Bell” vive todo un proceso de transformación que hace “click” cuando conoce y se acerca a “la bestia”, un avatar que genera inquietud y que es perseguido por los guardianes de “U”. En esta actualización de “La bella y la bestia”, emerge la necesidad de conexión, tal vez por el reconocimiento de un estado similar, o quizás por una sintonía fina que los hace vibrar en una misma frecuencia. Fruto del contacto, surge la honestidad y la sinceridad, caen las barreras y aparece la empatía y la solidaridad, en un proceso de crecimiento interno que pronto se expande hacia otros porque simplemente es algo tan profundo que no se puede contener.

En “Belle”, Hosoda pone el foco en lo esencial, en lo primario y sustantivo que significa conocer quién es realmente cada persona, quién quiere ser y cómo la ven los demás. Es un tema complejo, íntimo y profundo, tratado con la sutileza de un cuento animado pero que no pierde un ápice de profundidad. A través de la película, el cineasta nos habla a nosotros mismos como espectadores, y nos toca según nuestra propia realidad. Porque lo que le sucede a Suzu podría ser similar a lo que vivimos nosotros, es decir este paralelismo entre nuestra vida cotidiana y lo que somos, o pretendemos ser, en nuestras redes sociales digitales.

¿Hay acá un dilema que resolver? ¿Llevamos existencias paralelas? ¿Debemos optar? Es justamente la actualidad del mensaje y la interpelación que surge en esta cinta lo que nos lleva a reflexionar. Y se hace más interesante aun, cuando cuestiona lo que hacemos y pensamos, en el momento en que nos expresa la necesidad vital de asumir nuestra propia realidad y el vital espacio de encuentro con los demás.

Preciosa película, tanto por su lograda estética como por la inteligencia de su contenido. Para disfrutar y pensar. Imperdible.

Ficha técnica

Título original: Ryū to Sobakasu no Hime
Año: 2021
Duración: 122 minutos
País: Japón
Productora: Studio Chizu, Dentsu Inc, Kadokawa, Nippon TV, Toho
Género: Animación. Ciencia ficción | Internet / Informática
Guion: Mamoru Hosoda
Música: Taisei Iwasaki
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Mamoru Hosoda

Audible - Por Jackie O.

"Todos somos diferentes, todos somos iguales".

Este documental nos cuenta la historia de Amaree McKenstry-Hall, un adolescente jugador de fútbol americano de una escuela para sordos, quien sobrelleva su vida como puede mientras se prepara para su último partido.

Amaree no nació sordo, pero una enfermedad a corta edad definió su vida, y su padre lo abandonó. Creció con rabia ante la falta de esa figura paterna, pero su madre supo hacer un gran trabajo. Amaree es un buen alumno, jugador y amigo. Su grupo es unido, comparten todos el deporte y se les ve felices.
Pero Amaree mantiene una pena, y es que hace un tiempo se suicidó su mejor amigo Teddy. Muerte provocada por el bullyng.

Así, vamos viendo el entorno de estos chicos, entre deporte, familia y sus reuniones donde bailan y se enamoran.

Para Amaree la ida de Teddy le ha afectado más que al resto del grupo, pues eran muy cercanos.
Amaree lamenta que sus padres hayan decidido enviarlo a una escuela de oyentes, porque con audífonos podía escuchar. Ahí sufrió la discriminación constante de esos niños, por ser negro, gay y sordo. Lo molestaban constantemente que su ser no dio más, y se colgó.
No necesitamos escuchar para ver en el rostro de Amaree al contárnoslo, así como el de otros quienes también comparten su duelo: su novio, padres adoptivos y amigos.

Siempre decimos que todos somos iguales, pero no, somos diferentes, sea físicamente, en credo, economía, intelectualidad y más. Todos somos diferentes en nuestro exterior e interior.
Pero se supone que somos iguales ante los ojos de Dios, y más terrenalmente, ante los ojos de nuestros padres o tutores, ante los maestros que nos enseñan, ante profesionales que nos deben atender. Pero, ¿es así?.

Un documental que nos muestra de forma breve y ante un hecho puntual, los desafíos a los que se ven enfrentados jovencitos que están forjando su futuro. Y como sus pares, jóvenes educándose, pueden ser malvados ante alguien diferente, ante alguien que es más débil emocionalmente, hasta que ese ser humano busca una drástica salida.

Bien editada, con unos buenos efectos de sonido, una historia contada con respeto para que empaticemos. Y lo logra.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Año: 2021

País: EEUU
Duración: 39 minutos
Dirección: Matthew Ogens
Fotografía: Billy Pena
Género: Drama- Documental - Discapacidad auditiva-- Mediometraje - Fútbol americano

Belle - Por Juan Pablo Donoso

Deslumbrante y recargado largometraje de animación japonés. 

Por suerte su famoso director, Mamoru Hosoda, sabe contar también sólidas historias emotivas. (La Chica que Saltaba a Través del Tiempo, 2006 - Mirai, mi Hermana Pequeña” (2018) nominada al Oscar, y varias laureadas más).

Tras una exuberancia de color, imágenes minimalistas y cibernéticas, deja claro su tema central: LA CRISIS DE IDENTIDAD DE UNA MUCHACHITA ADOLESCENTE.

El relato se nos entrega en dos dimensiones paralelas: el mundo real de Suzu, la tímida colegiala huérfana de madre, de regular belleza, y U, el universo de su fantasía, donde ella es una bella princesa (Belle), habitante de un mundo cibernético, rodeada de duendes, y capaz de hipnotizar con la hermosura de su voz al cantar.

En ambas dimensiones, y con la ayuda de amiguitos cuánticos, y de compañeros(as) de colegio, se van integrando las visiones de sí mismas para felicidad y madurez de las dos caras de su personalidad.

Nos demuestran que crecer puede ser tan difícil y doloroso en la realidad cotidiana como en el mundo virtual.

Por ejemplo, la bellísima Belle, llena de talento y fantasía, tampoco está libre del asedio de sus propios monstruos. Es así como, tal vez por llamarse Bella, deberá incluir la presencia de una criatura horrible llamada Bestia. Y que en la peligrosa interacción con ella vivirá también su propio proceso de crecimiento.

Así, el realizador Hosoda, destaca la virtud de la Reconciliación mostrando cómo Suzu aprende a superar sus traumas entre los jóvenes de su mundo escolar, mientras su alter ego cibernética revive la tradicional fábula de la Bella y la Bestia.

Si bien la dimensión virtual está saturada de fascinantes colores e imágenes minimalistas, en el vínculo de ambas realidades hay tal vez una sobreabundancia de metáforas. Igual, quien se canse de intentar descifrarlas disfrutará con la línea argumental de los personajes y con la belleza plástica, la música (Nakamura Kaho), y el ágil ritmo general de la película.

“Pensé mucho en mi hija de 5 años, en su futuro, durante la realización de este filme. Cuando nací, el mundo digital era muy diferente de lo que es hoy. Me imaginé lo que podría ser cuando mi hija y su generación, nacidas con internet, hayan crecido”. (M. Hosoda).

ABUNDANTE, COMPLEJA Y HERMOSA ANIMACIÓN JAPONESA CUYO MENSAJE HABLA A LOS JOVENES DE HOY. 

Ficha técnica

Título Original: Ryû to sobakasu no hime 

Animación, fantasía, drama Japón - 2,01 hrs. 

Música: Yûta Bandoh, Ludvig Forssell, Taisei Iwasaki 

Depto. de Arte: Eric Wong 

Diseño Prod.: Anri Jôjô, Eric Wong 

Voces: Kaho Nakamura, Ryô Narita, Shôta Sometani 

Guionista y Director: Mamoru Hosoda

Nahuel y el Libro Mágico - Por Juan Pablo Donoso

Admirable realización para ser un largometraje animado chileno. 

Muchas leyendas chilotas entrelazadas con un poderoso conflicto argumental de fondo.

Habla de la importancia de los lazos familiares para la superación de los miedos.

Nahuel es un niño chilote con un gran miedo al mar. Vive en un pequeño pueblo de pescadores con su padre, Antonio, con quien tiene una compleja relación. Un día encuentra el Levisterio, un antiguo libro mágico que promete ser la solución a su problema, pero su padre es capturado por Kalku, un oscuro brujo que desea el libro para él. Nahuel decide embarcarse al rescate de su padre mientras recorre un archipiélago lleno de seres mágicos y misteriosos a la vez que enfrenta sus más profundos pavores.

Película seleccionada en la competencia principal del Festival Internacional de Animación Annecy, Francia. Es el certamen más prestigioso e importante a nivel mundial.

El director Germán Acuña tiene una larga trayectoria audiovisual en spots comerciales y programas de TV. Entre los años 2015-2020 dirige y escribe este largometraje animado - Nahuel y el Libro Mágico - su opera prima. Actualmente prepara su segundo largo de animación: La Veta del Diablo, que se encuentra ya en pre-producción.

Un orgulloso ejemplo “del mejor animé latino”.

BUEN GUION, ESTUPENDA FACTURA, Y RESCATE DE MITOLOGÍA CHILOTA. MUY CHILENA Y A LA VEZ UNIVERSAL. RECOMENDABLE PARA TODA LA FAMILIA. ¡¡BRAVO!!

Ficha técnica

Animación, aventuras, folclor chilote. 2020 

Chile, Brasil - 1,38 hrs. 

Música: Felicia Morales, Cristóbal Carvajal 

Efectos Visuales: Vanessa Acuña, Marcelo Jara, Joaquín Sainz 

Guion: German Acuña, Juan Pablo Sepúlveda 

Voces: Consuelo Pizarro, Marcelo Liapíz, Muriel Benavides, Sandro Larenas, Sergio Schmied 

Director: German Acuña

La nave del olvido - Por Jackie O.

"Liberarse".

Sinopsis: Claudina tiene 70 años y vive en un pueblo llamado Lautaro. Tras la muerte de su esposo, ella descubrirá su sexualidad.

Viuda, tímida y sin dónde vivir, Claudina se va a la casa de su hija quien tiene un pequeño muy regalón de su abuela. 

Durante su estadía se hace amiga de la vecina, muy amigas, y los comentarios de ellas comienzan a circular, cosa que a su hija le desagrada enormemente. Más, cuando estas maduras mujeres visitan un lugar donde personas de todas las edades pueden liberarse y sin esconderse de otros, su sexualidad.

Claudina descubre a esta edad el amor, ese amor tierno, y principalmente el gozo sexual que la hace vivir como jovencita.

La película es interesante en su contexto, no es obscena, y se agradece que no exista ese exceso de garabatos que acostumbran las películas chilenas. Es simple mostrándonos que el amor y la pasión llegan en todas las edades, y que no existe el género exclusivo para ello.

Su guion es básico y lamentablemente poco interesante. Sobre las actuaciones no se logra empatizar, y solo te dejas atraer por un tema para ser tratado con la madurez que merece.

En Cines.

Ficha técnica

Dirección y guion: Nicol Ruiz Benavides
Título original: La nave del olvido
Año: 2020
Duración: 71 minutos
País: Chile
Género: Drama- Romance - Vejez - Madurez - Lgtb+
Música: Santiago Jara
Fotografía: Víctor Rojas
Reparto: Rosa Ramírez, Romana Satt, Gabriela Arancibia, Claudia Devia, Raúl López Leyton, Cristóbal Ruiz

Belle - Por Jackie O.

"Hermosa, emotiva, una historia intensa".

Suzu es una tímida estudiante de secundaria que vive en un pueblo rural junto a su padre, con el cual mantiene una relación distante.

A medida que pasan los minutos, comenzamos a saber las razones de su actuar. Durante años, solo ha sido una sombra de sí misma pues vivió un hecho traumático en su infancia. Mantiene una amiga muy tecnológica, con el resto es una relación algo lejana, y vamos conociendo por qué se ha alejado de su amigo de años.

Estamos ante una época donde lo digital está al alcance de todos, y en esos momentos existe una locura mayor por internet debido a un programa que existe, espacio virtual, llamado "U", y cuando Suzu descubre que puede acceder a este de una manera diferente, se transforma en su refugio y escapa de su tímida y triste personalidad, donde su vida cambia conociendo a nuevos individuos, descubriendo que existen muchos que se refugian en esta red, para paliar una personalidad diferente o escapar de su ser en otro personaje.

Mamoru Hosoda, nos trae un cuento de hadas que es un clásico de la literatura, La Bella y la Bestia, el cual cobra vida de una forma más moderna de acuerdo a esta era digital.

Visualmente es hermosísima, ya que se utiliza una mezcla de 2 D y 3D para que luzca espectacular, junto a una paleta de colores llamativa y brillante. La música es fascinante. Su guion es para que los grandes directores y productoras se la peleen, pues tiene gracia, simpatía y ese toque fascinante de las producciones japonesas: mucha emotividad. La forma de los personajes es agradable a la vista, ya que tienen una expresividad muy auténtica. Su edición es uniforme, donde nos presenta que la realidad y la fantasía están a una línea de confundirse.

Una película de animé , de la cual puedes estar horas hablando de los diferentes temas que te presentan, como la timidez, los traumas ante una pérdida, la agresividad, la ansiedad en todas las edades por las redes sociales, las redes en sí, el compañerismo, la bondad, la maldad, el abandono, las apariencias, entre otros.

Imperdible.

Datos curiosos:

En el Festival de Cine de Cannes 2021, la película recibió una ovación de pie de 14 minutos.

Es la película de animé japonesa más nominada en premios, superando a las películas: Spirited Away, Millennium Actress (ambas de 2001) y Weathering with You (2019).

Es tercera película de Studio Chizu, y la última película que fue dirigida por Mamoru Hosoda.

Actualmente en Cines.

Ficha técnica

Nombre en Japonés: 竜とそばかすの姫
Hepburn Ryū a Sobakasu no Hime
Literalmente El dragón y la princesa pecosa

Dirigido por Mamoru Hosoda
Escrito por Mamoru Hosoda
Basado en La Bella y la Bestia,  por Jeanne-Marie Leprince de Beaumont
Editado por Shigeru Nishiyama
Música de Taisei Iwasaki, Ludvig Forssell, Yuta Bandoh y Miho Sakai
Productora: Estudio Chizu
Distribuido por Toho
Fechas de lanzamiento: Julio 15, 2021 (Cannes) y Julio 16, 2021 (Japón)
Duración: 124 minutos
País: Japón

La nave del olvido - Por Carlos Correa

Lautaro, sur de Chile. Claudina -Rosa Ramírez-, queda viuda después de muchos años de matrimonio y debe abandonar su casa. Su hija la acoge. Ella vive con Cristóbal, su hijo pequeño, y la llegada de su madre provoca tensión debido a su creciente y cercana amistad con Elsa -Romana Satt-, su vecina. Los rumores se esparcen y la gente comienza a hablar. 

Esta película escrita y dirigida por Nicol Ruiz Benavides presenta una trama que se disocia de su realización. Sus protagonistas, además, dan cuenta de sus actuaciones, es decir siempre parece que están actuando, ya sea por una sobre interpretación o bien por enlaces forzados o bruscos. Los diálogos, en su mayoría con poco sustento, son parte de un guion predecible, en una cinta donde, además, se nota la presencia de la cámara en más de alguna secuencia.

La historia supera la filmación. Hay cortes expositivos que no tienen aparente sentido, con pausas que desean ser reflexivas pero que aumentan la sensación de lentitud de sus 71 minutos. La introspectiva de la cinta se logra, eso sí, con la protagonista en solitario, algo que se pierde cuando le corresponde conectar con otros. El trabajo de Ruiz es explícito, prácticamente sin capas, todo está expuesto, por lo cual se torna evidente. Es cierto que podría haber un grado de profundidad mayor en los ojos y gestos de Claudina, sin embargo no resulta creíble. Aun así, los mejores momentos son aquellos que no tienen diálogos, los que solo contienen imágenes, como por ejemplo la escena central, junto a los meritorios esfuerzos realizados en la composición fotográfica.

Lo que expone Claudina es una historia íntima de descubrimiento y redescubrimiento. Hay otra perspectiva de la vida luego de la muerte de su esposo. Sucede, entonces, una transformación interior y un cambio exterior, algo que va desde una contenida tristeza hasta una leve y liberadora sonrisa. Por eso, hago hincapié en que el núcleo central del argumento, fuerte y potente, supera la realización artística de la composición presentada.

“La nave del olvido”, título que envuelve muchos conceptos desplegados en el relato, habla de tránsito. De la renuncia de Claudina a sí misma para construir otra persona. De asumir su yo íntimo, de soltar amarras y mirar hacia adelante, donde el camino es incierto, tal vez tan incierto como resulta el ejercicio de su propia libertad.

Ficha técnica

Título original: La nave del olvido
Año: 2020
Duración: 71 minutos
País: Chile
Productora: Alen Cine
Género: Drama. Romance | Vejez / Madurez. Homosexualidad
Guion: Nicol Ruiz Benavides
Música: Santiago Jara
Fotografía: Víctor Rojas
Reparto: Rosa Ramírez, Romana Satt, Gabriela Arancibia, Claudia Devia, Raúl López Leyton, Cristóbal Ruiz
Dirección: Nicol Ruiz Benavides

La última noche - Por Carlos Correa

En la tarde previa a la Navidad, un grupo de amigas de la escuela con sus respectivas parejas se reúnen en una casa de campo para compartir la cena. Los anfitriones, Nell -Keira Knightley-, y Simon -Matthew Goode-, reciben a sus invitados en la que será una velada especial, marcada tanto por la Noche Buena como por la catástrofe que el mundo espera que suceda de forma inminente, algo que calza perfecto con su título en español: “la última noche”. Es mejor no tener más antecedentes antes de ver esta película. 

Escrita por Camille Griffin, la cinta, que podemos dividir en tres partes, preparación, contexto y final, transita de menos a más. Luego de un comienzo poco entendible y difuso, el metraje se desarrolla como una comedia absurda aunque poco jocosa. Posteriormente, nos perdemos entre falsas pistas y variados equívocos, con historias y relaciones entre los protagonistas que dan para mucho. El tercio final, que resulta ser el más interesante, configura la tensión, desarrollando los personajes con un despliegue que ataca el conflicto de fondo sin dejar de lado algunos suaves resabios de la comedia inicial.

Las actuaciones no gravitan, algo que afecta incluso a Keira Knightley. Quien sí destaca, y por lejos, es Roman Griffin Davis, quien personifica a Art, el hijo mayor del matrimonio dueño de casa. Cada vez que está en pantalla, atrapa la cámara y por él pasan los hilos más importantes del argumento principal. El resto del elenco cumple, pero sin brillar, en una correcta filmación que que tampoco destaca algún elemento en particular.

El guion de Griffin está conformado por varias capas. La primera, la de la superficie, puede aburrir e incluso podemos querer escapar o abandonar, pero debemos dejar correr un poco el agua. Poco a poco se develan las otras capas, más interesantes aunque más de alguna de ellas algo predecibles. Aun así, la película presenta un tipo de suspenso distinto, aborda un tema actual que, sin entregar muchos detalles, se basa principalmente en el comportamiento de cada persona -y el colectivo y autoridades-, ante un final inminente.

Como pequeña síntesis, observamos una película que tiene un claro mensaje que, aunque algo diluido, permite reflexionar, especialmente después de una escena clave que marca el punto de inflexión, y que da paso al desenlace y posterior epilogo.

Ficha técnica

Título original: Silent Night
Año: 2021
Duración: 90 minutos
País: Reino Unido
Productora: Marv Films, Maven Screen Media
Género: Comedia. Drama | Comedia negra. Navidad. Fin del mundo
Guion: Camille Griffin
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Sam Renton
Reparto: Keira Knightley, Matthew Goode, Roman Griffin Davis, Annabelle Wallis, Kirby Howell-Baptiste, Lucy Punch, Lily-Rose Depp, Rufus Jones, Holly Aird, Sope Dirisu, Davida McKenzie, Dora Davis, Gilby Griffin Davis, Hardy Griffin Davis
Dirección: Camille Griffin

King´s Man: El Origen - Por Juan Pablo Donoso

Multifacética precuela de acción, elegancia y espionaje. 

El éxito comercial de sus antecesoras - El Servicio Secreto (2014), El Círculo Dorado (2017), y un documental previo sobre su realización (2015) - auguraba buenas condiciones para mostrarnos ahora El Origen de esas epopeyas: dónde y cómo todo empezó.

Con el mismo guionista y director - Matthew Vaughn - se garantizaba la unidad de estilo y el buen manejo del suspenso y la ironía de la sátira.

La burda historia-ficción de comienzos del siglo XX, suena más trascendente gracias a la recreación de época y a la calidad de sus actores principales. Así, nos invitan a creer que el relato fue cierto. Si entramos en el juego, disfrutaremos de 2, 10 hrs. de peripecias.

En la cumbre rocosa, e inaccesible, de una montaña de Escocia, se urde la Primera Guerra Mundial. Las mentes criminales de los más grandes tiranos planean aniquilar a millones de personas. Para afrontar la catástrofe nace King´s Man, primera Oficina de Inteligencia Independiente del Reino Unido: camuflada en la trastienda de una sastrería londinense.

Quien debe guiar la estrategia es un tal Duque de Oxford (Ralph Fiennes), pacifista retirado de las grandes gestas, y dedicado a colaborar sólo con la Cruz Roja.

La complejidad internacional de este capítulo lo hace un poco más lento y dialogado que las secuelas posteriores. Hay más políticos prominentes, dramas familiares, y la pertinacia de su hijo Conrad (Harris Dickinson) que insiste en emular los pasos heroicos de su padre.

Entre los histrionismos destacan los tres grandes monarcas de la época: Jorge de Inglaterra, el Kaiser de Alemania, y el Zar Nicolás de Rusia, primos entre sí, y todos caracterizados fastuosamente por el mismo actor Tom Hollander. Y por otro lado descuella Rhys Ifans (Hombre Araña 2012, Noting Hill, 1999) como el acrobático villano Rasputín que baila y muere según fantasía del guionista.

A diferencia de las sagas inverosímiles de James Bond, aquí son tantos los personajes importantes que la médula de la aventura se diluye para que todos tengan cabida. Igual entrega suspenso salpicando el relato con máximas tales como: “El verdadero poder no consiste en escapar de las guerras sino en conocer bien al enemigo para derrotarlo" (Duque de Oxford).

Aconsejamos ver los créditos finales para encontrarnos con el advenimiento de un todavía juvenil Adolfo Hitler (¡!).

GROTESCAS LICENCIAS HISTÓRICAS PARA JUSTIFICAR ESCENAS DE ACCIÓN, SUSPENSO, CON UN FLEMÁTICO HUMOR INGLÉS. 

Ficha técnica  

Título Original: The King´s Man 

Acción, intriga, suspenso Inglaterra, EE.UU. - 2, 10 hrs. 

Fotografía: Ben Davis 

Edición: Jason Ballantine, Robert Hall 

Música: Dominic Lewis, Matthew Margeson 

Diseño Prod.: Darren Gilford Guion: Matthew Vaughn, Karl Gajdusek 

Actores: Ralph Fiennes, Harris Dickinson, Gemma Arterton 

Director: Matthew Vaughn