El Planeta de los simios: Nuevo Reino - Por Juan Pablo Donoso

Enorme espectáculo de aventuras, con tecnología de punta, y una sucesión de símbolos político-culturales para explicar los conflictos que ocurren.

Suponemos que el lector ya conoce los antecedentes de la saga: se inició en 1968 cuando un astronauta (Charlton Heston) llegó a la Tierra en el futuro, la encontró en ruinas, y habitada por simios organizados y capaces de pensar y hablar como personas.

Su éxito dio origen a varias secuelas, algunas mejores que otras. Todas con muchas emociones, acción y violencia.

Con ésta comienza una nueva trilogía. Más que hablar de sus peripecias, nos abocaremos a los personajes principales, y a sus motivaciones. Nos parece que ahí estaría la médula de esta nueva historia.

Noa (Owen Teague) es un joven simio perteneciente al Clan de las Águilas. Una comunidad sabia y pacífica. Su padre es el patriarca, cultiva un criadero de águilas, con las cuales se comunica en bella armonía.

Todo se altera cuando los miembros de otro clan los invade, aprisiona, y llevan como esclavos a trabajar en su territorio. Su monarca es el tirano CÉSAR MÁXIMUS (Kevin Durand) quien - con armas de tecnologías humanas -, pervierte las nobles enseñanzas de CÉSAR - un antiguo profeta simio - para esclavizar a otros clanes.

El joven Noa, junto a Anaya y a su hermana Soona, se interna en la selva en busca de sus familiares. Aquí emerge RAKA (Peter Macon), un anciano orangután, quien le dará sensatos consejos para enfrentar a los enemigos.

En el camino hallarán a MAE/NOVA (Freya Allan), una muchacha humana solitaria, en estado muy primitivo, quien los acompaña porque conoce el secreto tecnológico para vencer a la perversa tribu dominante.

Cuando ellos también son apresados, junto a MAXIMUS habita otro humano - TREVATHAN (William H. Macy) - intelectual sobreviviente y sumiso al tirano.

De aquí en adelante - y con la ayuda de las águilas amaestradas por el padre de Noa - vivirán intensos y crueles combates en su afán por liberar de la esclavitud a los pueblos sometidos - incluido el propio - y abrir la esperanza de un “nuevo reino” (título del filme), mientras nos asomamos al escenario de la 2ª parte de la trilogía.

Al destacar los personajes claves de esta hermosa y muy bien realizada epopeya, se nos aclara la premisa central: “cualquier sociedad con criaturas pensantes - por altruistas y nobles que sean - nunca estará libre de la ambición desenfrenada, de la cobardía oculta tras la falsa intelectualidad, y de los horrores de la guerra. Pero también habrá semillas de convivencia entre humanos y animales, de esperanza y sabiduría ancestral”.

PRIMER CAPÍTULO DE UNA NUEVA TRILOGÍA. EXUBERANTES AVENTURAS CON LOS SIMIOS QUE SOBREVIVIERON AL CATACLISMO HUMANO.

Ficha técnica

Titulo Original: Kingdom of the Planet of the Apes

2024 Aventuras, ciencia ficción EE.UU. - 2,25 hrs. 

Fotografía: Gyula Pados 

Edición: Dirk Westervelt, Dan Zimmerman 

Música: John Paesano 

Diseño Prod.: Daniel T. Dorrance 

Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa & Amanda Silver,(based on characters created by) 

Actores : Freya Allan, Kevin Durand, Dichen Lachman 

Director: Wes Hall

El planeta de los simios: Nuevo Reino - Por Jackie O.

"Juntos, simios fuertes"

Historia:
La novela escrita en 1963 por el francés Pierre Boulle, tuvo gran revuelo, fue llevada a la pantalla en 1968, ahí Charlton Heston dio el puntapié, junto a "Nova", de lo que sería una saga de cinco películas hasta 1973. En la cuarta cinta, aparece el persona de "César", quien será el nombre que hasta ahora resuena, principalmente para quienes no son cinéfilos o las nuevas generaciones. En el año 2001, Tim Burton tomó esta historia y la adaptó a su estilo, hasta que en el año 2011 al 2017, se realizó una trilogía donde Andy Serkis posicionó el nombre de César en lo alto.
Este año, nuevamente aparece esta historia, ¿y con qué?

Ambientada varias generaciones después de los hechos conocidos de la última película (ya franquicia) la vida de los simios es un mundo aparte, un mundo nuevo sin contacto con los seres humanos, que son para ellos leyendas, viven tranquilamente hasta que una humana irrumpe en sus tierras, siendo perseguida por unos simios enmascarados que no son del sector, provocando una matanza en la aldea de Noa, y a quienes viven los esclavizan.

Noa se arma de valor para ir a salvar a los suyos, traspasando la frontera, aquella prohibida para los de su aldea, donde la humana, a quien le llaman "eco" lo sigue. En dicha travesía conoce a un viejo orangután que se convierte en su amigo, contándole la historia de los humanos con los simios, y de las nobles enseñanzas que César dejó, y no las que actualmente profesan, encontrándose en el camino con estos enmascarados y más humanos, desatándose una persecución donde nuestro protagonista está dispuesto a todo por salvar a los suyos y vengarlos. Aunque su vida dependa de ello.

Estética:
La cinta nos narra una historia de supervivencia y de venganza, y en ausencia de César, a quienes todos conocen de esta franquicia gracias a su última trilogía, Noa se transforma en el protagonista central, llevando sobre sus hombros el peso de una nueva era, donde también no solo los simios se ven confundidos con su presente y futuro, sino que los humanos.
Los efectos visuales están tan bien ejecutados que puedes confundirte creyéndolos reales en varias de las tomas. La perfecta combinación de captura de movimiento y efectos visuales de vanguardia no solo da vida a los simios con un gran realismo, sino que también sirve para levantar lo emocional de sus luchas, pues cuenta con un buen protagonista y antagonista.
Los parajes que nos presentan son tan bellos como aterradores, y me recordaron a la primera película (1968). Mantiene buen guion, que lleva de la adrenalina a la nostalgia.

Como sugerencia, vale ver la trilogía anterior, y la primera de la quina original, si eres un gran cinéfilo amante de esta historia, donde sabrás el origen de algunas palabras o personajes que verás acá.

Porque la aventura, el poder, la amistad y el valor, se toman la pantalla, y se viene más.

Ficha técnica

Kingdom of the Planet of the Apes
2024 ‧ Action/Sci-fi ‧ 2h 25m
Director: Wes Ball
Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver y Patrick Aison
Música: John Paesano
Fotografía: Gyula Pados
Montaje: Dan Zimmerman
Protagonistas: Owen Teague, Freya Allan, Peter Macon, Eka Darville, Kevin Durand, William H. Macy, Neil Sandilands

El planeta de los simios: Nuevo Reino - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Muchas generaciones después de los acontecimientos de la Guerra por el Planeta de los Simios, las civilizaciones de los simios han surgido del oasis al que César llevó a sus compañeros, mientras que los humanos han retrocedido a un estado salvaje y primitivo. Cuando el rey simio Proximus César -Kevin Durand-, armado con armas forjadas a partir de tecnologías humanas perdidas, pervierte las enseñanzas de César para esclavizar a otros clanes, el cazador de chimpancés Noa -Owen Teague-, se embarca en un desgarrador viaje junto a una mujer humana llamada Mae -Freya Allan-, para determinar el futuro de los simios y los humanos por igual.

¿Es del todo inimaginable, un mundo en el que los simios sean la especie dominante? Tal vez no, y justamente esta es la premisa de esta película que invita a reflexionar sobre la naturaleza humana y su lugar en el universo. Con estética deslumbrante y una realización muy real, la cinta apela a la técnica que despliega a lo largo de sus 145 minutos para capturar la atención del espectador. Los escenarios selváticos son amplios y majestuosos, y las recreaciones de los simios tienen impecable factura, a lo que esta saga nos tiene ya acostumbrados.

Acompañados de la interesante partitura escrita por John Paesano, lo que vemos en el fondo, son las mismas temáticas humanas que nos preocupan y nos consumen actualmente. Es vital el tema de la convivencia, por supuesto entre humanos y simios, pero también entre los propios humanos y entre los propios simios. La lucha de poder se apodera de uno de los ejes centrales de la trama, juntando el abuso y la destrucción para dominar a los subordinados, partiendo por el viejo principio de dividir para gobernar. La defensa de la familia emerge como contrapeso al poder, pero allí también se cuela la venganza, sin que necesariamente sea en beneficio de un bien mayor y comunitario.

Particularmente, las películas de esta franquicia -que con esta son ya diez-, no me producen demasiada fascinación. Y me refiero básicamente a los simios, las imitaciones de sus movimientos y sus marcados comportamientos humanos. Es ciencia ficción, claro, y en este género podemos ver muchas otras criaturas desarrollando lo mismo, pero definitivamente no es lo que más me llama la atención. Sin embargo, desde el punto de vista cinematográfico, una película así es realmente una hazaña, pues debe desarrollar tantos elementos para ser creíble y tener un sustento visual importante, que si no se hace bien, la verdad es que se va directo al precipicio. Esta secuela aprueba, y con creces, pues resulta admirable desde su realización, hasta su puesta en escena y lograda construcción.

Dejo para el análisis final tres puntos. El papel de Raka -Peter Macon-, un orangután sabio y virtuoso que representa la maestría y la compasión. A lo largo de la película se convierte en el guía de Noa, revelando esa necesidad que tenemos de hallar un punto de referencia que nos permita validar la experiencia que sirve de faro cuando nos desenfocamos o perdemos el rumbo. En el extremo opuesto se encuentra Trevathan -William H. Macy-, el clásico ejemplo de oportunismo y cercanía por conveniencia -de esos personajes que van solo donde el sol calienta y sin principios que conduzcan su actuar-, que sirve de contrapunto respecto a la altura valórica que es representada por Raka. El tercer punto a destacar es la presencia humana que entrega Mae. Retraída y desconfiada en el inicio -un estado salvaje según sabemos-, es portadora de un mensaje importante cuando se enfrenta al poderoso Proximus César: “no puede tener acceso a eso”, dice, en una clara alusión a que el tirano no puede hacerse con una tecnología que le permitiría aumentar exponencialmente su poder.

“Kingdom of the Planet of the Apes” no es solo una película de ciencia ficción, sino también puede ser vista como una parábola sobre la naturaleza humana, los peligros del poder y la ambición. La cinta nos recuerda que debemos ser cuidadosos con nuestras acciones y que la búsqueda de poder a cualquier costo puede traer consecuencias desastrosas. Además, es para verla en pantalla gigante. Disfrutar los efectos especiales y sus particulares recreaciones es de las mejores experiencias que se pueden vivir en el Cine, y esta película, aunque posea temáticas conocidas, nos transporta a hermosos parajes que vale la pena ver, escuchar y contemplar en óptimas condiciones.

Ficha técnica

Título original: Kingdom of the Planet of the Apes
Año: 2024
Duración: 145 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 20th Century Studios, Fox Studios Australia, Oddball Entertainment, Jason T. Reed Productions
Género: Ciencia ficción. Aventuras | Simios. Futuro postapocalíptico
Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver, Patrick Aison
Música: John Paesano
Fotografía: Gyula Pados
Reparto: Owen Teague, Freya Allan, Kevin Durand, Peter Macon, and William H. Macy
Dirección: Wes Ball

Hachiko 2, Siempre a tu Lado - Por Juan Pablo Donoso

Un hecho real que sigue emocionando, aunque se haya narrado en dos excelentes filmes anteriores.

Testimonio maravilloso de la fidelidad de un perro por su amo.

La primera versión fue japonesa (1987) - dirigida por Seijiro Koyama y protagonizada por el legendario actor Tatsuya Nakadai. Irradiaba la atmósfera auténtica de su país de origen.

Luego, en 2009, el director sueco Lasse Hallström (¿Quién ama a Gilbert Grape y Chocolat), la recreó en EE.UU. , con Richard Gere, logrando similar impacto mundial.

Ahora nos llega este Hachiko 2, ambientado en China, con algunas notorias variantes pero manteniendo vivo el corazón del relato original.

Para quienes vean esta versión por primera vez, cumplirá su objetivo a cabalidad.

El incidente - que ya es leyenda para los turistas - explica la estatua de un perro que envejeció frente a una estación de tren, esperando el regreso de su amo que falleció antes de regresar a casa.

Con ritmo lento y minucioso, este filme chino sigue el proceso desde que un padre de familia recoge a un cachorrito abandonado, lo lleva temporalmente a su casa, con el disgusto de su esposa, hasta que alguien lo adopte.

Pero con el tiempo se creará un lazo de amor entre ellos, que condicionará la convivencia hogareña, demostrando como esa raza canina - akita inu - además de su inteligencia tiene la fidelidad más emblemática hacia UN SOLO AMO.

Como este relato, al margen de la resistencia inicial de la esposa, carece de un antagonista poderoso, la película nos deleita con los innumerables detalles domésticos de aquella familia de clase media: el dudoso romance de la hija, el proceso de maduración del hijo adolescente, la relación cordial de la esposa con las vecinas, los diversos preparativos culinarios, y los rutinarios trayectos del dueño de casa rumbo a su trabajo siempre acompañado por Hachiko (aquí llamado Batong), quien cada anochecer esperaba su regreso.

Es aquella minuciosa convivencia con los miembros del hogar la que nos aporta lo entrañable de la relación entre Chen (Xiaogang Feng) y su perro Botang (ficha 8 del Dominó chino).

Con estos aditamentos familiares tan típicamente chinos, el director Ang Xu, y sus guionistas, nos vuelven a demostrar el eterno milagro de amor entre un perro y su amo.

Admirable también la actuación de Joan Cheng como la esposa, y la paciencia “oriental” de quienes lograron las acciones y matices dramáticos de Hachiko (ver al final la enorme cantidad de perritos utilizados).

TESTIMONIO VERDADERO DE FIDELIDAD QUE NUNCA PIERDE VIGENCIA, AUNQUE SE NARRE DE DIVERSAS MANERAS. RECOMENDABLE PARA TODAS EDADES.

Ficha técnica

Título Original: 忠犬八公 (Mandarin)

2023 Tragicomedia familiar China - 2 hrs. 

Fotografía: Shan He 

Edición: Lin Zhu 

Música:Howard Jung 

Diseño Prod.: Wei Lu 

Guion: Liangwen Li, Lin Li, Ang Xu 

Actores: Xiaogang Feng, Joan Chen, Jugang Bai 

Director: Ang Xu

Hachiko 2: Siempre a tu lado - Por Jackie O.

“Incondicional y desinteresado amor”

Cinta basada en una historia real japonesa, que nos cuenta que existió un perro de raza Akita quien esperó a su dueño durante una década en la puerta de la estación de trenes.

Dice la historia que Hachiko nació en 1923 en la ciudad de Odate, Japón, el hogar original de la raza akita. El año en que nació Hachiko, al profesor de nombre Hidesaburo Ueno, reconocido docente de agricultura y amante de los perros, le fue regalado un cachorro de dicha raza. Según la biógrafa de Hachiko, la profesora Mayumi Itoh, Ueno, y su esposa Yae lo recibieron enfermo, y lo cuidaron hasta que fue recuperando la salud a lo largo de seis meses.

Ueno lo llamó Hachi, que significa ‘ocho’ en japonés. El sufijo Ko es un homenaje de los estudiantes del profesor. Como este debía tomar el tren para ir a trabajar varios días a la semana, Ueno iba acompañado de Hachiko, quien se quedaba ahí hasta que regresaba en la noche. Un 21 de mayo de 1925, el profesor falleció, conviviendo con Hachiko únicamente 16 meses, pero ese tiempo fue suficiente para que el perro forjara un fuerte vínculo con él. Luego de ello, Hachi vivió con diferentes familias, hasta que huyó a la ciudad donde vivió el profesor, y el perro reanudó su viaje a la estación del tren sin importar el clima, pasando los años.

Esta conmovedora historia se llevó a la pantalla grande por primera vez en 1987, con la película japonesa “Hachiko Monogatari”. Luego en el 2009, se lanzó una nueva adaptación protagonizada por Richard Gere, que fue muy popular y ayudó a catapultar esta historia en Occidente. Ahora, Hachiko 2, no es una secuela, sino una nueva versión China de esta historia, la cual tiene algunas libertades creativas en su forma debido a que está adaptada a un siglo XXI, pero con inspiración de las películas anteriores.

En esta nueva versión China, tenemos a Hachiko (ahora llamado Batong), un lindo perro pastor chino, quien se encuentra accidentalmente con Chen Jingxiu y un grupo de trabajadores que iba en un bus, llevándoselo a su hogar donde es increpado por su mujer a quien no le gustan los perros, pero con los días se convierte en miembro de la familia Chen.

El vínculo de Chen y el perrito se da naturalmente y él se siente acompañado, ya que a pesar de verse como una familia de costumbres y unida, es poco lo que comparten, así es que Chen siente en Batong el amigo-hijo que necesitaba. Así, cada día el perro lo acompaña a las puertas de la estación del teleférico para despedirse de su amigo, donde Chen busca una forma de que Batong vuelva a la casa, cosa que hace, pero como un reloj, el perrito sabe a qué hora saldrá su amo-papá y va por él. Hasta que llega el día en que Chen nunca más vuelve.

Desconcertado este animalito, pues está muy humanizado en la cinta, es olvidado de cierta forma por los miembros de la familia que está lidiando con la pérdida de Chen, y a pesar de cuidarlo no reparan en el dolor y obsesión de Batong por volver a su antiguo hogar, que ha ido desapareciendo.

El director que se especializa más en películas de terror que drama, nos presenta un trabajo que argumentalmente es plano, monótono y muy simple, lo que hace que cueste que nos conectemos con el protagonista y su entorno, solo nos centramos en el perro. Sí, es él el importante en la trama, pero la verdad es que ambos son y deben ser el centro de atención juntos.

Faltó que sintiéramos cercanía con Chen, así como alguna subtrama fuerte que vincule a los protagonistas con el resto. No nos hace empatizar con los humanos, solo nos centramos en el perro, lo que no es malo, pero acá insisto, Chen se pierde, y no debería. Él debe conmover y atraparnos, pero no lo hace.

Solo debemos esperar el tramo final, aquel que todos sabemos que viene y creemos sentirnos preparados para soportarlo, pero no. El nudo en la garganta, y tal vez alguna lágrima nos atrape, ya que vemos cómo ha vivido Batong durante 10 años, esperando a su amigo.

Lamentablemente tenemos que esperar el final para sentir la conformidad de lo que pudo haber sido el drama del año que rompiera de principio a fin nuestros corazones.

Mención honrosa a los perritos que participaron, pues se ven bellos y enternecen en todo momento.

Cinta que tal vez sirva para que estas nuevas generaciones se acerquen a esta particular y conmovedora historia, que de todas formas vale ver, y de paso, poder repasar las dos películas anteriores en algún momento.

Ficha técnica

Dirección: Xu Ang
Año: 2023
Duración :120 minutos
País: China
Guion: Liangwen Li, Lin Li, Xu Ang, Hansi Zhang
Reparto: Jugang Bai, Joan Chen, Xiaogang Feng

Caminemos Valentina - Por Jackie O.

“Una oscura realidad”

Basada en el libro “Raza de víboras, memorias de una novicia”, de Sandra Migliore, cuenta un episodio brutal en la vida de Sandra y Valentina, dos novicias abusadas sexualmente dentro de un convento.

Sandra y Valentina asistieron a un convento en Argentina, ambas en épocas diferentes, nunca se cruzaron en su infancia, pero ambas tenían algo en común, eran menores de edad y deseaban servir a Dios, eso hizo que sus caminos se unieran siendo adultas.

La historia se presenta en dos líneas temporales, el blanco y negro cinematográfico es el pasado, un pasado oscuro, muy gris, que apagará la vida de estas jovencitas; y el presente en color, el color de la esperanza de una nueva vida, de decisiones. Ambas fueron abusadas sexualmente por una monja mayor en el convento, quien aprovechaba la instancia de que eran jóvenes vulnerables, sea porque fueron alejadas de sus familias por no poder mantenerlas, o necesitaban conectarse realmente con Dios, todas inocentes, todas obedientes y temerosas al castigo del Señor. Ese castigo que se les amenazaba constantemente, usar el nombre de Dios para conseguir malos propósitos.

Amenazas, temor, silencio, abuso, así fue la vida de Sandra, Valentina y otras menores de edad mientras estaban en el convento bajo la supervisión de la madre “Bibiana”.

Analizándola más conscientemente, se puede advertir que visualmente está bien contada, es decir, sin diálogos, la cinta se entiende claramente por la gesticulación y las escenas que se muestran, principalmente aquellas del recuerdo, donde nos provoca rechazo, rabia, pena, e incluso asco. Pero contradictoriamente, los diálogos en los momentos que se muestran de adultas, principalmente, hacen que la cinta no concrete el fondo, no provoca la tensión de la situación, no nos generan empatía estas víctimas ya adultas, y se alarga más de lo normal. Solo nos provoca cierta reacción, la intervención de terceros.

Las actuaciones son buenas, tantos jóvenes como adultas cumplen con su rol, pero las actrices que personifican a las menores abusadas son estremecedoras. Al verlas en su situación de dolor quieres contenerlas y ayudarlas. Y la actriz que personifica a la monja abusadora, es realmente aterradora y más que eso, asquerosa.

¿Cómo un adulto puede tener sensaciones de tipo sexual hacia menores de edad? No es sano, no es normal. Por lo tanto, no es tu culpa como víctima.

¿Por qué quienes deben guiar se aprovechan en nombre de Dios, abusando de su cargo, condición y fuerza, dañan?

En un momento donde los menores de edad deben nutrirse de buenas enseñanzas, buenos consejos, contención, apoyo y tener un referente de su vida, terminan dañándose psicológicamente, dudando de la fe, y a veces, de su condición sexual.

Una historia como muchas que hay y que no se han contado, sea por temor o vergüenza no salen a la luz. Ahora, estas dos mujeres adultas dan la cara, aunque tal vez legalmente sea tarde, para su conciencia no lo es.

No se debe callar, no debemos tener miedo, debemos dar el paso por muy duro que sea, denunciar al abusador, y que las instituciones sean puestas en jaque cuando protegen al abusador, como en este caso fue la Iglesia.

En resumen, aunque no es perfecta estéticamente, es necesario verla para no olvidar a las miles de víctimas existentes.

Y no juzgar cuando sabemos de alguna historia así, solo saber escuchar, pues la justicia, sea legal o divina se hará efectiva en algún momento. Sí, conscientemente puedo señalar que existen las falsas denuncias, pero reitero, la justicia, sea divina o terrenal, actuará en su momento.

Una historia de terror, que curiosamente terminó siendo una historia de esperanza y amor.

NOTA: Si necesitas denunciar un caso de abuso sexual en Chile, hazlo a uno de los siguientes teléfonos: 133, 147, 149 o 4242.

Y en cualquier lugar del mundo, acércate a las unidades policiales de tu sector.

Ficha técnica

Dirección: Alberto Lecchi
Año: 2023

Duración: 104 minutos
País: Argentina
Guion: Alberto Lecchi, Daniel Romañach
Música: Valentina Caiozzi
Fotografía: Sebastián Gallo
Edición: Silvio Caiozzi

Hachiko 2: Siempre a tu lado - Por Carlos Correa Acuña

Tercera película sobre este icónico perro japonés de raza akita. Nacido en Ōdate el 10 de noviembre de 1923 y fallecido en Shibuya, el 8 de marzo de 1935, Hachikō es recordado por haber esperado a su amigo, el profesor Hidesaburō Ueno, en la estación de Shibuya, por cerca de 10 años luego de su muerte.

La película inicial, de 1987, llamada “Hachikō Monogatari”, y dirigida por Seijiro Koyama, cuenta la historia de su vida desde que era un cachorro hasta su muerte, y se imaginó como un reencuentro espiritual con su amo. En agosto de 2009 se estrenó una adaptación estadounidense de este filme, titulada “Hachi: A Dog's Tale”, protagonizada por el actor Richard Gere, y que asume la historia de Hachikō y su relación con el profesor, en una época más moderna y en Estados Unidos como locación.

En esta tercera entrega, del año 2023 y que no es una secuela, el profesor es encarnado por el reconocido actor y director Feng Xiaogang, y su relación con el perro surge a raíz de una casualidad. Pese a las reticencias iniciales de la mujer del profesor -Joan Chen-, el cachorro acaba convirtiéndose en un miembro más de la familia. La amistad y lealtad que une al perro con el profesor se hace aún más presente cuando este último fallece.

La ciudad donde se desarrolla la historia ahora es Chongqing, un escenario que el director aprovecha para dar cuenta del paso de los años junto con la creciente y rápida construcción en China. Se puede observar un antes y un después en la ciudad, donde los teleféricos que cruzan el río quedan de a poco relegados a los turistas pues la construcción de nuevos puentes ya no los hacen del todo necesarios.

“Batong”, -nombre que recibe el perro en esta adaptación-, es encantador. Desde pequeño, juguetón y travieso, hasta que crece y logra interactuar más y más, este pastor chino crea un vínculo sólido con su amo, al punto de acompañarle en casi todas sus tareas cotidianas. Pareciera que entre ellos existe un entendimiento que va más allá del lenguaje, una forma de comunicación única que está presente en cada uno de sus diferentes movimientos y acciones. Por ello no sorprende que Batong lo vaya a dejar a la estación por las mañanas y lo vaya a recibir por las tardes, algo central en la historia original y también eje principal en esta nueva y emotiva cinta.

Con paciencia oriental, la cinta nos va llevando lentamente a involucrarnos con los protagonistas. Si bien, la trama es en esencia similar a sus predecesoras, los detalles hacen la diferencia, como las referencias modernas y actuales en un mundo que cambia constantemente, y que necesita de relieves como este para poder detenerse y admirar una humanidad que se ve amenazada.

“Hachiko” es un oasis en medio del tráfago, y aunque conozcamos la historia y por ello sea predecible, es imposible no emocionarse con su final bien logrado, y que apela a lo más fundamental que tenemos los seres humanos: nuestros sentimientos más íntimos y profundos. No se pierdan los créditos finales, con imágenes tras bambalinas de la filmación y también con algunas sorpresas.

Ficha técnica

Título original: Hachiko
Año: 2023
Duración: 120 minutos
País: China
Compañías: iQIYI Pictures
Género: Drama | Cine familiar. Perros/Lobos
Guion: Liangwen Li, Lin Li, Xu Ang, Hansi Zhang
Fotografía: He Shan
Reparto: Feng Xiaogang, Joan Chen, Bai Ju-Gang, Eponine Huang, Bo Qian.
Dirección: Xu Ang

20 Días en Mariúpol - Por Carlos Correa Acuña

"Es el primer Oscar de la historia de Ucrania. Estoy honrado, pero probablemente seré el primer director en este escenario que diga que ojalá nunca hubiera hecho esta película. Ojalá fuera capaz de cambiar esto porque Rusia nunca hubiera atacado y ocupado Ucrania", señaló el director de este filme, Mstyslav Chernov, al recibir el premio de la Academia al mejor documental en Marzo pasado.

Mujeres embarazadas a punto de perder la vida en un hospital de maternidad, adolescentes heridos de muerte tras un partido de fútbol, edificios reducidos a escombros, ciudadanos desesperados intentando refugiarse de los bombardeos, y soldados haciendo frente a los ataques, son parte de un testimonio desgarrador que conmueve hasta las vísceras a lo largo de sus 95 minutos de duración.

El fotógrafo y periodista ucraniano Mstyslav Chernov, narra la atroz guerra en Ucrania -específicamente lo sucedido en la ciudad portuaria de Mariúpol entre febrero y marzo del 2022, cuando fue atacada e invadida por tropas rusas-, con una templanza y entereza asombrosa. Las imágenes son crudas, crudísimas; es imposible permanecer inmóvil. La tensión se siente de tal forma que se sale de la pantalla con cada imagen, con cada secuencia. De pronto me vi recogido en el asiento, nervioso, apretado, asumiendo como propio un dolor inimaginable.

Cuando observamos trabajos de este tipo, documentos audiovisuales que muestran de cerca la muerte y de una manera que resulta indescriptible, surgen los cuestionamientos respecto al papel de la prensa ante hechos de esta naturaleza. Es más, el propio Chernov lo ratifica al comienzo de su filme cuando se pregunta si no será mejor tranquilizar a una mujer desesperada en vez de solo filmarla. No quiero ser repetitivo, pero sin duda me costaría mucho hacer un video de una situación donde quizá yo mismo puedo ayudar a salvar a alguien, o en otros casos, si aquello vulnera la intimidad de una persona herida o recién fallecida. De verdad es difícil, muy difícil, sin embargo, entiendo -solo racionalmente- lo que sucede. En este caso, lo vemos refrendado por las solicitudes de quienes son los propios protagonistas de las imágenes: necesitamos que ustedes filmen para que el mundo sepa lo que nos están haciendo. Ante eso, el deber es claro, y la responsabilidad, todavía mayor.

“20 Days in Mariupol” es una película intensa, dolorosa de ver, pero que debe ser vista. Parafraseando al director, ojalá nunca tengamos que presenciar películas de este tipo, pero mientras la humanidad no aprenda de sus propios errores y horrores, documentales como este son un cable a tierra para comunicar una realidad desoladora e incomprensible que, en este caso, esperamos termine cuanto antes y nunca más se repita.

Ficha técnica

Título original: 20 Days in Mariupol
Año: 2023
Duración: 95 minutos
País: Ucrania
Compañías: Associated Press, Frontline PBS
Género: Documental | Conflicto Rusia-Ucrania. Periodismo
Guion: Mstyslav Chernov
Música: Jordan Dykstra
Fotografía: Mstyslav Chernov
Reparto: Documental
Dirección: Mstyslav Chernov

La idea de ti - Por Jackie O.

"Las oportunidades en el amor"

Solène Marchand es una galerista divorciada de 40 años que planea un viaje de campamento en solitario, mientras su exmarido, Daniel, llevará a su hija Izzy de 16 años, y sus amigas, a Coachella (Festival musical). Cuando repentinamente lo llaman para ir a trabajar, Solène deberá llevarlos al Festival obligatoriamente.

Estando en dicho lugar, debe vivir la euforia de jovencitos que gritan sin cesar por sus ídolos, en especial el grupo del momento, "August Moon", pero no es del gusto de su hija Izzy.
En un momento determinado, y por un error, Solène conoce al vocalista de los August Moon, y el flechazo para Hayes, vocalista del grupo de 24 años, es de inmediato. Por lo que averigua de ella y la visita a su trabajo. Él quiere estar con ella, pero ella no se ve con alguien menor, aunque no descarta tener una aventura.

Ver a un hombre mayor con una mujer joven, es casi normal para todos, a lo más un par de bromas, pero es aceptable. Ver lo contrario, se comienza con recriminaciones, lamentablemente, la mayoría de las mujeres. ¿Por qué no es bien visto que una mujer mayor esté con un hombre menor, en una relación?

La cinta nos lleva por esa vereda, pero le agrega una tónica mayor para hacerlo públicamente escandaloso, y ahí la intervención de los terceros: Él es un famosísimo cantante (ojo que el actor canta), y ella, una mujer común y corriente.
Pero la voracidad es la tecnología, esa tecnología al alcance de todos y que es muy útil, pero acá usada de mala forma, donde todos pueden decir lo que se quiera a escondidas, "valientes ante el teclado", hacen estragos.

Una película basada en el libro del mismo nombre de Robinne Lee, de 2017, presenta ciertas variaciones en la cinta, que la fanaticada, en su mayoría, quedó conforme.

Más que comedia romántica, encuentro a mí parecer, es un drama romántico, que al contener las formas que hemos visto en las comedias, está desarrollada de forma diferente al tocar temas como el bullying, el Cyberbullying, el dejar ir solo por terceros, darse oportunidades, permitirse ser feliz, la familia, y por supuesto, el amor en todas sus formas.
Buenas escenografías, así como los temas musicales. Buena actuación de los protagonistas, se nota una acertada química.

Si bien, nuestra protagonista no demuestra sus 40 años, pues se mantiene en perfecta forma, por lo que se ven muy bien juntos, ¿por qué tenemos que involucrarnos en la relación de otros?

Creo que es mejor dejar amar, y nosotros también disfrutar del amor.

Disponible en Prime Video.

Ficha técnica

The Idea of You
Director: Michael Showalter
Screenplay: Michael Showalter y Jennifer Westfeldt
Protagonista: Anne Hathaway y Nicholas Galitzine
Cinematography: Jim Frohna
Editor: Peter Teschner
Music: Siddhartha Khosla
Duración: 116 minutos

Año: 2024

Amor, Mentiras y Sangre - Por Carlos Correa Acuña

Dirigida por Rose Glass, “Love Lies Bleeding”, es un excelente thriller no solo por sus logradas actuaciones, sino, particularmente, porque no resulta para nada predecible. Como si de una madeja se tratara, desde cada hilo se desprenden historias que vamos descubriendo con el correr de los minutos, al tiempo que nos damos cuenta de cómo las protagonistas se van enredando en ellas producto de sus propias decisiones y de las circunstancias que les rodean.

La trama sigue a Jackie Cleaver -Katy O'Brian-, una mujer físicoculturista que se dirige a Las Vegas para participar en una famosa competición. Corre el año 1989, y en su camino decide parar en un pequeño pueblo en Nuevo México donde conoce a Louise Langston -Kristen Stewart-, la solitaria encargada del gimnasio local. Lou es de pocas palabras, y también un tanto malas pulgas, pero de inmediato se siente atraída por Jackie, no solo físicamente, también producto de su personalidad desbordante, contraria a su forma de ser, algo retraída y apagada. Lou no quiere saber nada de su padre -Ed Harris-, un traficante de armas local que maneja un verdadero sindicato del crimen, en cuyas dependencias de práctica de tiro -que funciona como una fachada perfecta-, Jackie consigue trabajo como cantinera. En breve tiempo las dos mujeres se enamoran, sin embargo a poco andar asoma la violencia cuando ambas se ven inmersas en las turbias relaciones familiares de Lou.

La fotografía de Ben Fordesman, oscura y rasposa, es una referencia respecto a los temas ocultos en familias completamente disfuncionales. Beth -Jena Malone-, la hermana de Lou, es abusada físicamente por su marido, J.J. -Dave Franco, y nada puede hacer para defenderse o contrarrestar ataques que cada vez son más violentos. Asimismo, poco y nada conocemos del viejo Lou, estupendamente interpretado por Harris, quien solo esconde secretos y una mujer que se ha marchado para dejarlo totalmente solo.

Hay pocas pistas en este drama que importa bastantes elementos del cine negro, porque justamente son los temas escondidos los que siembran un manto de duda sobre todas las acciones que observamos en pantalla. Nada se destaca por ser sincero, son relaciones por conveniencia o bien abusivas, enredadas y torcidas, que contrastan con ese cielo estrellado y limpio que vemos en las amplias tomas nocturnas de aquel descampado desierto.

En la medida que el metraje avanza, Glass complejiza un guion que es también de su autoría. La delgada línea entre el amor y el odio, o más bien la locura que se puede desprender desde ambos sentimientos, encausan el relato hacia particulares eventos que toman diferentes cursos de acción. ¿Cómo se logra salir de situaciones de violencia de esa magnitud? Cuando se enloquece producto de la injusticia, ¿cuál es el límite aceptable y el que no se puede traspasar de ninguna manera?

El amor lleva a cometer actos irracionales, cuyas consecuencias van más allá de toda consideración. Algo de esto sucede en esta película, donde por amor se actúa y por amor se protege. También por amor se miente y por amor se demarra sangre, justamente las palabras que componen el título de este original relato cuya capa violenta -no recomendable para personas muy sensibles-, no logra desviarse de aquella humanidad íntima y sagrada que contiene su argumento central.

Ficha técnica

Título original: Love Lies Bleeding
Año: 2024
Duración: 104 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Film4 Productions, A24, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribuidora: A24
Género: Thriller. Drama | Drama romántico. Homosexualidad. Culturismo & Fitness. Años 80
Guion: Rose Glass, Weronika Tofilska
Música: Clint Mansell
Fotografía: Ben Fordesman
Reparto: Kristen Stewart, Katy O'Brian, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Dave Franco, Ed Harris.
Dirección: Rose Glass

Garfield fuera de casa - Por Jackie O.

"Aventuras de crecimiento"

Garfield nació como una tira cómica estadounidense creada por Jim Davis. Publicado originalmente como Jon en 1976, luego distribuido a nivel nacional a partir de 1978 como solo Garfield, se dio cuenta que la vida de un gato era más entretenida que la de un humano.

Ya hemos visto varios trabajos de este gato gordo y flojo en TV, donde nos enamoró, y un par de películas posteriores para explotar al personaje, por lo que queremos saber qué nos presentarán ahora.

Ahora conoceremos otra parte de su vida, sus padres. Pero específicamente sobre su padre (tal vez exista otra película que hable sobre su madre, tal vez).  El recuerdo de Garfield y lo que vemos, es que fue abandonado una noche de lluvia por su padre en un callejón, y el hambre lo llevó al restaurante donde estaba Jon, y bueno, una cosa llevó a la otra, y ya saben.

Los años pasan, Garfield, Odie y Jon llevan la vida que quieren, son felices. Hasta que aparece Vic, y ¿quién es? Su padre, sí el mismo que lo abandonó. ¿Pero, por qué aparece, qué quiere después de tantos años?

Su llegada hace que Garfield se vea inmerso en una aventura fuera de su entorno, salir de su zona de súper confort, pero no va solo, su fiel amigo Odie lo acompañará en una odisea de callejones por la gran ciudad, huidas, mafiosos perros, y una gata de temer, además de conocer nuevos amigos.
Pero... ¿qué pasará con Vic y Garfield?

Una cinta que es como una caricatura más larga. Mark Dindal, su director, tiene mucha experiencia en la animación, pero poca como director, eso hace que la cinta tenga ciertos vacíos e intensidad en el guion que implique emoción para enternecernos o que se nos haga un nudo en la garganta. Pero si nos lleva a la emoción de la aventura tipo espionaje, más bien la hace en ciertos momentos divertida, aunque eso hace que sea más infantil que para adultos. Lo que no es malo, todos pueden verla y disfrutarla (o no), es que es difícil no querer a este gato .

Su técnica en 3D la hace visualmente adorable, cada personaje está muy bien diseñado, así como los paisajes.
En cuanto a los personajes, me gusta destacar a los actores de voz así como a los doble de acción. Y acá es un orgullo contar con un chileno en el doblaje en la parte español. Mientras que Samuel L. JACKSON es quien da vida a Vic, Sandro Larenas lo hace es español, el mismo que por muchos años dio la vida a Garfield y sus amigos, pero los años pasan y las voces van cambiando dándole un buen toque de madurez en la voz del padre de Garfield.
Otro tema de interés es en cuanto a los personajes en sí, y lamentablemente se le dio poca participación a Jon, mítico personaje. Aunque la historia es de Garfield, Odie y Jon son parte de su vida.

Película que nos habla de las crisis familiares, que hay que darle oportunidad a las personas de contarnos "su" verdad, "su" historia, y después tomar las decisiones que estimemos necesarias.
De la familia en general, las nuevas familias que se arman. Tema que es muy actual.

En resumen, Garfield es una correcta película animada, con un guión que pudo haber sido mejor, pero se deja ver y divierte.

Ficha técnica

The Garfield Movie
101 minutos

2024
Personajes:
Garfield: Chris Pratt - Memo Villegas
Victor /Vic: Samuel L. Jackson - Sandro Larenas
Odie: Harvey Guillén
Gata Jinx: Hannah Waddingham /Reina Orozco
Otto: Ving Rhames /Joaquin Cosii
Jon Arbuckie: Nicolas Hoult /Epson Matus

Amor, Mentiras y Sangre - Por Juan Pablo Donoso

Una joya de dramaturgia y realización.

Título exacto para una obra PERFECTA.

Nadie sobra ni falta - cada escena es precisa y contribuye a la premisa central.

Ante lo inevitable, el Amor se desliza entre horribles tesituras.

Hasta las alegorías se sienten oportunas.

En un pueblito de Nuevo México, a fines de los 80, la corrupción pareciera ser la única forma de subsistir.

¿Quién podría juzgar a estas mujeres tan dañadas y sufrientes que sólo anhelan vivir con paz y armonía?

Exacta dosis de TENSIÓN, SENSUALIDAD, CRIMEN, ESTULTICIA, MIEDO … y un AMOR - ¡sin apellidos! - que se abre camino sólo por instintos de solidaridad.

Peso de la CULPA - siempre presente - pero inevitable frente al Destino Trágico.

Todo apuntaba al fatal “deus ex machina” de Esquilo.

Pero aquí la condición humana - propia de una auténtica TRAGEDIA - sugiere una luminosa, aunque aberrante REDENCIÓN final (aporte de Eurípides a la tragedia clásica griega).

Se dice que es otro acierto de la joven realizadora británica Rose Glass. Su obra anterior SAINT MAUD (2019) fue nominada a dos galardones en la 74ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica, incluida una nominación en la categoría de 'Mejor debut de un escritor, director o productor británico'.

Después de conocer esta impactante nueva producción, quedamos impacientes por conocer aquella anterior cuando llegue a nuestro país.

Glass y Weronika Tofilska (co-guionista) son autoras que -sin afán de lucimiento - abordan la esencia del relato y obedecen respetuosas a la motivación de sus personajes.

Aunque originales, van en la línea de lo mejor de David Lynch, Tarantino y los Hnos. Coen (Sangre Fácil - 1984).

Es una historia de amor lésbico que navega entre siniestras circunstancias.

UN NUEVO Y APASIONANTE PRODIGIO DEL CINE. EXTRAODINARIA.

Ficha técnica

Título Original: Love Lies Bleeding

2024 Amor, suspenso, crimen Inglaterra, EE.UU. - 1,44 hrs. 

Fotografía: Ben Fordesman 

Edición: Mark Towns 

Música: Clint Mansell 

Diseño Prod.: Katie Hickman 

Guion: Rose Glass y Weronika Tofilska 

Actores: Kristen Stewart, Katie O´Brien, Ed Harris 

Directora: Rose Glass

Salvatore, creador de sueño - Por Jackie O.

"Diamantes en tus pies"

Salvatore Ferragamo nació en 1898 en Bonito, región de Campania, Sur de Italia, siendo el undécimo de catorce hermanos. De una familia modesta donde no había mucho futuro. frente a su casa había un zapatero, trabajo que era solo para la clase baja, y Salvatores iba a observarlo, quería aprender ese oficio y sus padres se lo prohibieron. Pero él aprendió a escondidas, hasta que un día, dos de sus hermanas harían la comunión y no tenían zapatos. Salvatore, en una noche, les creó un par de zapatos a sus hermanas, como si fuera un cuento de hadas, simples pero bellos. Ahí sus padres entendieron que ese niño de 10 años tenía una enorme habilidad.
Vino el apoyo familiar.

Viajó a esa edad para especializarse, volvió a casa y trabajó con sus hermanos, creó zapatos, vendió, todo modestamente, y hablamos aún de un niño menor de edad. Creció él y su sueño.
Se volvió importante, y se casó con una jovencita del sector.

Pero también tuvo problemas financieros, por la crisis económica de la época, trató de resistir pero en 1933 tuvo que cerrar su compañía y declararse en quiebra. Pero no podía quedarse así, algo debía hacer, su mente era inquieta y sus manos ansiaban modelar sus ideas, más con trabajadores que lo seguían fielmente, por lo que en silencio trabajó, golpeando puertas, y surgir nuevamente.

Interesantísimo trabajo, donde historiadores de arte, sí de arte, porque los zapatos y esos diseños son arte, también escuchamos a críticos de cine, directores, curadores, parientes de Salvatore que están siguiendo su legado, muchos se refieren a él como un artista excepcional. También archivos donde su esposa es entrevistada y otras personas que nos dan más datos de este artista zapatero; sus trabajos son guardados como si fuera la Mona Lisa.
Fotografías y videos de él, es como si nos hablara pero sus notas son narradas por Michael Stuhlbarg.

En cuanto al material de sus zapatos, que es algo relevante saber, habla de ello cuando se recuerda a un hombre que le llamó la atención por su elegancia, Valentino, ahí detalla haberle fabricado unos zapatos maravillosos, Oxford, de nobuck blanco y piel de becerro negro.
Luego vemos cómo se habla de lo visionario que era en usar productos en el calzado, estaba en período de guerra y escaseaba el cuero, por lo que llegó a usar papel y corcho en cuña (corteza de árbol), también corchos de vino para los tacones, entre otros materiales que existieran y tuviera a mano.

Patentó en los años 20, algo impensado, muchos de sus modelos, incluso un aparato de guerra (sí, su mente inquieta por crear, más en tiempos de guerra) y una prótesis para su pierna cuando tuvo un horrible accidente de tráfico, donde murió uno de sus hermanos. Tanto tiempo hospitalizado y con depresión, lo llevaron a fabricar algo que lo ayudase con su pierna, fue más innovador y sabio, más que los propios médicos. Porque también estudio anatomía, su obsesión/pasión por un calzado que debía ser exacto. Los pies son el soporte del cuerpo y deben estar cómodos.

Sobre el cine, no existe un registro de en cuantas películas participó con su trabajo, pero hay algunas que son conocidas como:
"Los Diez mandamientos", un reto por tener que hacer modelos babilónicos, egipcios y otras culturas, pero estudió y trabajó en ello, un resultado que DeMille no dudó en aceptar. De ahí aparecieron otras obras. D.W.Griffith le pidió trabajar en "El nacimiento de una nación", también trabajó en "La rosa blanca" "Las dos tormentas", "El ladrón de Bagdad", "Sadie Thompson" etc
En algunos casos hacía zapatos para todos los que trabajaban en la película, en otros solo para el protagonista, pero no se quedaba en su círculo cerrado, sino que trabajaba con los modistos para que el zapato fuera una extensión del vestuario y la personalidad del personaje.

En cuanto a la edición, está muy bien lograda, mezclando fotografías y videos de archivo, con entrevistas actuales, dándole nostalgia y frescura a lo que vemos. Eso hace que la dirección sea correcta por parte de su director, quien se hizo mundialmente conocido en el 2017, teniendo, desde 1999, bellos trabajos como Melissa P. (2005), I Am Love (2009), Cegados por el sol (2015), con su musa de aquel tiempo, Tilda Swinton.

Por último, los accesorios no son simples complementos ya que levantan lo más simple que portes, además son arte, hay muchas personas tras ese trabajo para llegar listo a nuestras manos, o en este caso, los pies.

Disponible en Prime Video.

Ficha técnica

  
Salvatore: Shoemaker of Dreams
Dirigido por Luca Guadagnino
Escrito por Dana Tomás
Cinematografía: Clarissa Cappellani, Stefano Di Leo, Lucas Gath, Massimiliano Kuveiller
Editado por Walter Fasano
Año: 2020

Duración: 120 minutos
País: Italia

Documental

Horroland - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: A Fiona, la encargada de un parque, le toca ocuparse de unos antiguos amigos de la escuela secundaria que han ganado una visita previa exclusiva de Halloween a un parque de atracciones, una noche entera, para ellos solos. Algodón de azúcar, palomitas de maíz y juegos se suceden unos detrás de otros, pero la diversión se convierte rápidamente en una auténtica pesadilla cuando se dan cuenta de que no están solos en el parque. Todos los pecados del pasado vuelven cuando se dan cuenta de que solo haciéndoles frente podrán sobrevivir.

Desmenucemos un poco el inicio de la película, porque más que mal, es lo que resulta ser su parte más interesante. En el último tiempo, sobre todo en las películas de terror, esto ha sido una constante. Se trata de la premisa, es decir, la base sobre la que se construye la historia, el contexto en el que se mueven los personajes, los ejes fundantes del relato. En este caso, se trata de la mezcla de varios elementos que configuran un inicio que no deja de ser prometedor. Vemos imágenes de una fiesta, existe una cierta confusión, estamos ad portas de Halloween, con supuestos monstruos, muchas máscaras, persecuciones, y un hecho que marcará un antes y un después.

La historia cambia totalmente y se va a la visita privada -nocturna- de cinco amigos a un parque temático donde son recibidos por una anfitriona que ellos conocen, y por supuesto, se topan con parte de un pasado no resuelto, con temas ocultos que solo está debajo de la alfombra, o sea, puede aflorar en cualquier momento, o más bien, en el momento menos pensado.

Como esto es terror -y del subgénero slasher-, adivinen… ¡obvio! … algo desencadena la masacre: se corta la luz. Si estamos acostumbrados a la famosa frase “luz, cámara, acción”, acá es “oscuridad, cámara… sangre”. Y claro, estamos en un parque de diversiones pero con los papeles invertidos, pues la diversión, ahora, son justamente ellos, los desprevenidos visitantes. ¿Quién está detrás de todo esto? Aunque ingresa un nuevo personaje la maldad sigue oculta tras una máscara y no sabemos por qué hace lo que hace, menos su posible identidad.

“Karusell”, en cuanto a su temática, no aporta nada nuevo, nada que no hayamos visto anteriormente. Respecto al desarrollo, tampoco despega, se estanca luego del ya mencionado inicio prometedor. Y en ejecución, es apenas suficiente, porque la irregularidad es la constante en un metraje que va y viene sin acentuar los nudos, y que se queda solo en un crudo reguero de muertes, desmembraciones y decapitaciones.

Es un poco plana esta película sueca dirigida por Simon Sandquist. Truculenta y con algunos excesos, estamos frente a un slasher complaciente que le cuesta provocar, y aunque cierra la historia uniendo sus puntos y entregando respuestas, lo más terrorífico es que amenaza con una secuela. ¡Valor!

Ficha técnica

Título original: Karusell
Año: 2023
Duración: 93 minutos
País: Suecia
Compañías: Scandinavian Content Group
Género: Terror | Halloween. Slasher
Guion: Marten Gisby, Filip Hammarström, Henry Stenberg
Música: Christian Sandquist
Fotografía: Andres Rignell
Reparto: Wilma Lidén, Omar Rudberg, Amanda Lindh, Embla Ingelman-Sundberg, Emil Algpeus, Ludvig Deltin
Dirección: Simon Sandquist

Horrorland - Por Juan Pablo Donoso

Aunque la anuncian como de “terror”, afortunadamente tiene más de MISTERIO y SUSPENSO.

En los últimos años Suecia y Dinamarca han aportado al subgénero terrorífico una refinada factura audiovisual, y un fondo más realista en sus temáticas.

El argumento de Horrorland es poco novedoso. Lo hemos visto en muchas películas. Un grupo de jóvenes imprudentes, encerrados en algún lugar, son asediados por un asesino enmascarado.

El mérito de este radica en el escenario escogido, en la carencia de efectismos CGI (computación), ausencia de “screamers” (golpes inesperados de imágenes monstruosas), una selección musical ascendente, muy buen maquillaje y, en especial, la experta edición de Simón Sandquist, quien ahora también comienza a incursionar en la dirección.

El MISTERIO se va revelando gradualmente en los diálogos, referidos a funestos incidentes del pasado, y por la forma en que los adolescentes van siendo arrinconados con un buen SUSPENSO.

El escenario escogido fue el famoso Parque de Diversiones Liseberg en Gotemburgo, Suecia, el más grande de Escandinavia, (con más de tres millones de visitantes al año). Sus principales atracciones son Balder, una montaña rusa de madera, y Helix, una de acero con ¡7 inversiones!

Si bien casi todo ocurre de noche, la fotografía, cámara e iluminación nos permiten atisbar la complejidad de este Parque centenario (1923).

La protagonista se llama Fiona, interpretada por Wilma Lidén, una joven actriz con asombroso parecido a Elizabeth Taylor cuando era post-adolescente.

El extraño premio de Halloween (¡para variar!) que obtuvo este grupito de muchachos y niñas fue tener para ellos solos el Parque de Liseberg durante toda una noche. Lo que comienza con un gran jolgorio, se irá transformando en una pesadilla cada vez más tétrica. La calidad del guion le dará raíces verosímiles a la siniestra experiencia que vivirán.

CRIMEN, MISTERIO Y SUSPENSO LOGRADOS GRACIAS A UNA PROLIJA REALIZACIÓN SUECA. DEJA ANUNCIADA LA SECUELA.

Ficha técnica        

Título Original: Karusell

2023 Misterio, suspenso, crimen Suecia - 1,33 hrs. 

Fotografía: Andres Rignell 

Edición: Simon Sandquist 

Música: Christian Sandquist 

Diseño Prod.: Monika Wahlin 

Guion: Mårten Gisby, Filip Hammarström, Henry Stenberg Actores: Wilma Lidén, Omar Rudberg, Amanda Lindh 

Director: Simon Sandquist