Cuestión de Tiempo - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

El mérito principal de esta película es la ternura que su argumento y personajes provocan en los espectadores.

La historia, aunque abiertamente esotérica, fluye bien. El protagonista, Tim (Domhnall Gleeson: Anna Karenina 2012 y Ex Machina 2014) ha heredado el poder ancestral de transportarse al pasado, y desde ahí influir en los hechos del presente.

Esta virtud mágica, que sería más propia de un cuento de hadas, se nos narra con tratamiento realista. Por eso al comienzo resulta graciosa en sus desconcertantes e inesperados detalles cotidianos.

Si un guionista y director experimentado como Richard Curtis, neozelandés (4 Bodas y un Funeral 1994 - Simplemente Amor 2003) incorpora a varios actores de calidad para encarnar esta fantasía, es porque tras ella oculta un mensaje inteligente y de peso.

Lo que se inicia como una comedia liviana con diálogos ágiles e ingeniosos, deriva en una historia de amor, con sólidos vínculos familiares que van proliferando a través de los años.

Cada vez que el joven abogado Tim tiene un problema en el presente, se encierra en una pieza oscura, aprieta los puños, y emerge en algún momento del pasado para desviar el curso de los acontecimientos.

Al repetir este mecanismo - en el amor y en el trabajo - va modelando un presente más armónico y próspero.

Y aquí es donde nos preguntamos cuál es el propósito de acumular tantos incidentes mágicos. ¿Es acaso para enmendar los errores del pasado? Y cuándo, entonces, reventará la tragedia que obligue a los personajes a enfrentar una realidad más dura y dolorosa. Lo pintoresco es que nunca llega como tal. Lo que surge, en cambio, es un sereno descubrir que en el presente estaban los instrumentos esenciales de la felicidad. Qué sólo había que saber reconocerlos.

Llegamos a suponer que algunos eventos de nuestra vida actual, que parecen locos o inexplicables, obedecerían al juego de algún chistoso del futuro o el pasado.

Lo esquemático de varias situaciones, y la enorme cantidad de personajes secundarios que poco tienen que ver con la línea central, nos hace pensar que en su origen fue concebida como novela. Pero la calidez y espontaneidad de sus personajes nos reubican en lo dramático llegando incluso a conmovernos cuando termina.

Gracias a que el protagonista nos expresa verbalmente su reflexión final nunca habríamos sabido qué nos quiso comunicar el autor con esta caleidoscópica creación.

MÁS QUE UN MENSAJE CLARO, ESTA FÁBULA IRRADIA UN GRAN AMOR POR SUS PERSONAJES. 

Ficha técnica        

Título Original: About Time

Tragicomedia, fantasía 

Año: 2003

Inglaterra - 2,03 hrs. 

Fotografía: John Guleserian 

Edición: Mark Day 

Música: Nick Laird-Clowes 

Diseño Prod.: John Paul Kelly 

Actores: Domhnall Gleeson, Rachel McAdams, Bill Nighy 

Guionista y Director: Richard Curtis

Los secretos de la tumba de Saqqara - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Qué interesante resulta poder observar trabajos de la calidad que presenta este documental recién estrenado en Netflix. Es un baño de historia, una oportunidad de conocer de cerca los esfuerzos por entender nuestro pasado y revelar, con mucho respeto, antecedentes desconocidos que nos siguen sorprendiendo y maravillando.

En esta realización, dirigida por James Tovell, se presenta a un grupo de arqueólogos egipcios descubriendo una tumba de unos 4.400 años de antigüedad. Son detallistas, profesionales altamente calificados, cuyo norte es encontrar secretos para tratar de clasificarlos y darles el relieve que merecen.

Las obras están situadas a unos 30 Km. al sur de El Cairo en lo que se conoce como Saqqara, lugar donde se encuentra la necrópolis principal de la ciudad de Menfis, en la ribera occidental del Nilo.

La fotografía de Ryan Parker es hermosa. El lugar es retratado desde el aire, también en tomas cercanas, con varias cámaras que acompañan a los dedicados expertos. Las revelaciones no tardan en aparecer. El equipo local trabaja afanosamente, el tiempo es limitado -se aproxima el Ramadán- y los recursos del gobierno también son escasos. Las excavaciones rinden frutos, se revela la majestuosidad de la tumba y probablemente se encuentran allí los restos de “Wahtye” y su familia.

Inscripciones en las paredes, estatuas, figuras y muchísimos otros antecedentes, llevan a los expertos a profundizar qué significa lo que han encontrado, Deben iniciar un proceso donde necesitan complementar estudios con nuevas excavaciones y tal vez más exhumaciones.

Es destacable el respeto con el que se tratan los hallazgos. Observamos cultura, aprendizaje y enseñanza. La dedicación es impresionante y el amor que tienen por su labor, se transmite en cada una de sus acciones. Saber qué sucedió es solo el siguiente paso, se suman más expertos y una doctora experta en restos óseos impresiona por su sensibilidad y pasión.

El documental presenta imágenes reales y otras recreadas. Es indudable que no en todos los descubrimientos había una cámara presente, sin embargo el trabajo del director junto con el archivo y el montaje, nos dan la idea de estar permanentemente acompañando al equipo investigador. Quienes realizan la exploración, lugareños con años de práctica y oficio, son muy cuidadosos en cada paso que emprenden. La idea es no dañar los restos y además, cuidarlos para su posterior reconocimiento e identificación.

El trabajo es prolijo y se hace cercano gracias al tono que adquiere el documental. Se destaca la paciencia que tiene todo el equipo para revelar una historia y los esfuerzos que realizan por comprenderla. Las imágenes son bellas, las impresiones que les provoca cada novedad son enormes y también observamos más de alguna frustración. El equipo humano está muy compenetrado, algo que llama la atención porque sus diálogos, por momentos, resultan sorprendentemente emocionantes.

No es sencillo hacer de un trabajo sobre la historia, un metraje que resulte inquietante y que contenga claves que a uno lo atrapen como si se tratara de una película de suspenso. Este documental produce un efecto similar. Aunque a veces nos sentimos invasores de una paz y tranquilidad que tal vez debiera ser inviolable, comprendemos que quienes allí fueron enterrados se preparaban para otra vida con una fe ciega. Las tumbas están construidas con ese objetivo, como espacios de convergencia “entre vidas”, por donde podía circular el alma desde una a la otra.

Tal vez estos descubrimientos, y lo que aprendemos sobre ellos, nos ayuden a entender mejor la historia, a conocer costumbres ancestrales, a revisar posibles causas de muerte e incluso teorizar sobre enfermedades de ese entonces. También podemos extrapolar el concepto del párrafo anterior y pensar que con estos hallazgos les entregamos una nueva vida a estos seres humanos al relevar su condición y también su papel en la historia. Puede ser una forma de mirarlo, con pasión y respeto, porque sin duda no es fácil sentirse invadiendo un espacio sagrado, íntimo y privado como es una tumba. Los mismos realizadores lo plantean al señalar que le han dado a “Wahtye” un nuevo protagonismo y que posiblemente él estaría feliz de aquello. Es tan interesante como debatible. La historia nos hace más humanos aun ya que el reflejarnos en estos ancestros aporta una importante cuota de humildad y de admiración. Este trabajo audiovisual lo retrata en forma bella, certera y entretenida.

Ficha técnica

Título original: Secrets of the Saqqara Tomb
Año: 2020
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Productora: At Land Productions, Lion Television. Distribuida por Netflix
Género: Documental | Antiguo Egipto
Fotografía: Ryan Parker
Reparto: Documental
Dirección: James Tovell

Blancanieves - Por Carlos Correa

Disponible en www.arcadiafilms.cl

Ambientada en la España de los años 20, esta cinta narra la historia de Carmen -Macarena García-, una atormentada muchacha marcado por la relación con su madrastra Encarna -Maribel Verdú-. La trama comienza presentando a su padre, el famoso torero Antonio Villalta -Daniel Giménez Cacho- y a doña Carmen de Triana -Inma Cuesta-, quien da a luz a Carmencita justo antes de morir, dejando a la bebé al cuidado de su abuela, doña Concha -Ángela Molina-.

Al fallecer la abuela, Carmencita -Sofía Oria-, llega a vivir con su padre y su madrastra. Es discriminada y obligada a hacer labores de aseo en un rol de sirvienta, con impedimento absoluto de subir a la planta alta. Pero Carmencita se cuela y descubre el secreto. Hasta ese momento, el relato no tiene mayores puntos de unión con el famoso cuento de los hermanos Grimm salvo, claro, la presencia de una malvada madrastra. Pero pasa el tiempo y el escenario cambia. Encarna ya no esconde su ambición por la fortuna de Antonio y Carmen, entonces, corre peligro. Allí aparecen los enanito toreros que la cuidan, la protegen y la acompañan en sus primeros pasos como la torera "Blancanieves”.

Esta película escrita y dirigida por Pablo Berger tiene varias singularidades. Primero, es en blanco y negro, con un formato 4:3 que homenajea al cine de la época. Segundo, es muda, no tiene parlamento, solo carteles para algunas lecturas y más de alguna adivinación del movimiento de los labios que deja entrever pequeños diálogos entre los protagonistas. Y tercero, posee una partitura -compuesta por Alfonso de Vilallonga-, que se transforma en el hilo conductor del relato, un gran concierto cuya presencia transversal inunda la escena.

La cinta, ganadora de 10 premios Goya el año 2012, tiene un valor innegable. Junto con trabajar el formato blanco y negro, y lograr con ello diferentes matices, luces y tonalidades, se siente como reconocimiento para un cine que se se percibe nostálgico. Berger filma con delicadeza y aporta una gran edición, armando un largometraje que fluye, con personajes claros, bien descritos, además de una sobresaliente habilidad para contar la historia con pocos elementos y limitados recursos.

El rol de Maribel Verdú como madrastra es realmente destacado. Sus gestos son claros y su mirada transmite todo aquello que está en nuestro inconsciente sobre la maldad presente en esta pseudo madre sustituta. Bien ganados sus reconocimientos porque suma a su atractivo una actuación que no deja dudas porque cuando aparece, ilumina la pantalla. Los demás personajes están a su altura, cual más cual menos, con planos cercanos que permiten seguirles sin dificultad para interpretar lo que sienten y entrever sus propósitos. La ingenuidad de pequeña Carmencita está muy bien representada. Posteriormente, la sagacidad de la Carmen mayor demuestra el paso del tiempo, la maduración y la adaptación a una vida con condiciones que se encuentran lejos de ser las adecuadas.

La cinta se hace un poco larga y quizás por ello la música pierde tensión y tiende a repetir ciertos motivos. No es fácil componer para casi dos horas, a pesar del buen tino en la mezcla de géneros y un manejo de la orquestación que denota oficio en su creador.

Si bien la historia está alejada del cuento, “Blancanieves” se siente un poco presionada por la historia original. Corresponde a una reinvención, sin duda, libre y readaptada, sin embargo quizá pudo haber explorado un camino diferente y más autónomo. Habría tenido igual virtud y reconocimiento, a mi modo de ver. En ese sentido, todo lo referido a las Corridas de Toro, -con protagonismo central en el relato junto a una velada crítica- habría sido suficiente para entregar el marco necesario para una película destacada por su manejo escénico, por su técnica y por actuaciones que revitalizan una forma de hacer cine que, lejos de caer en el olvido, está más presente que nunca.

Ficha técnica

Título original: Blancanieves
Año: 2012
Duración: 104 minutos
País: España
Productora: Coproducción España-Francia; Arcadia Motion Pictures, Noodles Production
Género: Drama | Años 20. Melodrama. Toros. Cuentos. Cine mudo
Guion: Pablo Berger
Música: Alfonso de Vilallonga (Película muda)
Fotografía: Kiko de la Rica (B&W)
Reparto: Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez Cacho, Ángela Molina, Pere Ponce, Josep Maria Pou, Inma Cuesta, Ramón Barea, Emilio Gavira, Sergio Donado, Oriol Vila, Carlos Lasarte
Dirección: Pablo Berger

The Wolfpack: lobos de Manhattan - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en cineartrealameda.cl

Un raro testimonio que denuncia realidades familiares insólitas en pleno siglo 21.

La joven realizadora Crystal Moselle, para graduarse de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, tenía que filmar su primera película. Mientras buscaba un tema, recorriendo las calles de Manhattan, vio a un grupo de seis hermanos vestidos de manera extraña. Los abordó para averiguar sobre ellos.

Lo que le contaron la inspiró para hacer este filme que ganó el Premio del Jurado al Mejor Documental en el famoso Film Festival Sundance 2015.

Cuando se enteró de su origen les ofreció filmar su historia internándose en su hogar, y registrar las vivencias de casi todos los miembros de la familia.

En pleno Manhattan, Oscar Angulo, un padre de origen latino, casado con una mujer del medio-oeste rural, decidió que ninguno de sus 7 hijos fuera al colegio ni saliera del departamento. Su filosofía era evitar que se contaminaran con cualquier ideología, religión o uso de drogas. Que sólo fueran ellos mismos y verdaderamente “libres” (¡!).

En un departamento de sólo 4 habitaciones fueron creciendo sin TV, radio ni internet. Su único contacto con el mundo exterior era mirar la calle desde lo alto y - lo más fundamental - acumular más de 5000 vídeos de películas famosas.

Crecieron imitando a los héroes de ficción, disfrazándose y hablando como ellos, y creando sus propias aventuras de romance, terror o violencia. Tal fue su única escuela.

A medida que - durante casi un año - la realizadora los visitaba, presenciaba sus hábitos y juegos, y los entrevistaba permitiéndoles expresar su “visión de mundo”. Los 5 hermanos mayores, ya adolescentes, empezaron a tomar conciencia del aberrante mundo en que habían crecido. La filmación de la película les fue sirviendo de terapia.

Hasta que llegó el día en que decidieron rebelarse contra el padre. Con mucho miedo y desconfianza, empezaron a salir al exterior, a recorrer las calles, asistir por 1ª vez a un cine, a conversar con otras personas, tomar el tren subterráneo, y mojarse los pies en la playa de Coney Island.

Quedan varias preguntas sin responder como, por ejemplo, de dónde sacaba dinero ese padre ocioso y medio alcohólico para mantener esa enorme familia; qué tipo de madre era esa que viendo la realidad se sometía tan sumisa.

Hasta que, sin duda, motivados por este documental que los hizo reflexionar sobre sus vidas, se atrevieron - ¡todos! - a salir juntos al campo, fuera de la ciudad, correr por los prados y probar manzanas frescas tomadas directamente del árbol.

UN EXTRAÑO DOCUMENTAL QUE, JUNTO CON REVELAR UN EXTRAVÍO SOCIOLÓGICO, CONTRIBUYÓ A REDIMIR A UNA FAMILIA DESQUICIADA. 

Ficha técnica   

Título Original: The Wolfpack

Año: 2015 

Documental biográfico EE.UU. - 1,30 hrs 

Edición: Enat Sidi 

Música: ASKA (Matsumiya), Danny Bensi, Saunder Jurriaans 

Diseño Prod.: Trace Henderson 

Actores: Familia Mukunda Angulo, Narayana Angulo, Susanne Angulo 

Cámara y Dirección: Crystal Moselle

Yes God Yes - Por Juan Pablo Donoso

Tragicomedia que denuncia el fariseísmo de algunas comunidades y enseñanzas religiosas. 

A través de Alice, una inocente muchachita católica de 14 años que asiste a un retiro espiritual de 4 días, presenciamos cómo aprende más que nunca sobre sexualidad y prácticas reñidas con la pureza.

Será testigo del doble estándar en que se comportan las autoridades religiosas y algunos de sus mismos compañeros.

Verá cuán hipócritas son aquellos que predican una moralidad tan severa - utilizando el nombre de Jesús - para mantener el control de las personas por miedo al Infierno.

Inculcando la creencia de que SEXO ES PECADO, hay un dominio emotivo y espiritual a través de la manipulación de Conciencia.

Ante tan evidentes sepulcros blanqueados, ¿por qué asisten tantos jóvenes ilusos a estas jornadas? Muchos adolescentes cristianos tienen la necesidad imperiosa de “pertenecer” a un grupo o comunidad - supuestamente buena y santa - para realizarse como mejores personas. Otros optan por las bandas delictuales. En el fondo, la necesidad es la misma: crecer y ser aceptados.

Pero seamos justos. Existen eventos y retiros sabiamente orientados y constructivos para sus feligreses. Por ello nos atrevemos a suponer que algunos honestos católicos colaboraron con este filme. Por medio de esta sátira denuncian - desde adentro - el peligro al se exponen a veces muchos jóvenes de buena voluntad.

El despertar gradual de Alicia ante cada nueva sorpresa, la pondrá ante la disyuntiva de asimilarse al protocolo de hipocresías para ser “políticamente aceptada”, u optar por sí misma, en su propia naturaleza femenina, por la respuesta a su bullente sexualidad.

Así se justifican, entonces, sus determinaciones de alejarse de las comodidades de su mundo familiar, postular a Universidades lejanas y liberales, y entregarse valientemente a la masturbación. Siendo ésta última más bien una metáfora de su ingreso a la madurez como persona y como mujer responsable de sus actos, y dueña de su cuerpo.

Un símbolo de salud integral para salvarse de los tormentos del complejo de culpa y, peor aún, de arrastrarlos por el resto de su vida, contagiando con ellos a otras almas inocentes.

La joven actriz Natalia Dyer nos entrega una Alicia lo suficientemente pura y, a la vez, inteligente como para vencer las muchas trampas con que su ambiente pretende alienarla.

El tratamiento tragi-CÓMICO que su realizadora Karen Maine le otorga al relato nos permite reflexionar sin dejar de divertirnos.

UN FILME JUVENIL SOBRE SEXUALIDAD Y VERDADERO CRISTIANISMO QUE EL MUNDO DE HOY NECESITA. 

Ficha técnica                                                                                                                                                                                                                                                                                                            

Tragicomedia 2019 EE.UU. - 1,18 hrs. 

Fotografía: Todd Antonio Somodevilla 

Edición: Jennifer 

Lee Música: Ian Hultquist 

Diseño Prod.: Sally Levi 

Actores: Natalia Dyer, Timothy Simons, Wolfgang Novogratz 

Guionista y Directora: Karen Maine

Malasaña 32 - Por Carlos Correa

Disponible en Cinemark. 

Una familia se muda a Madrid, a un departamento soñado en la calle Malasaña, corazón de un barrio histórico de gran belleza arquitectónica. Ellos son seis, Manolo y Candela, sus hijos, Amparo, Pepe y Rafita, más el abuelo Fermín. Corre el año 1976, la transición española está en curso; buscan un mejor vivir al dejar el campo y emigrar a la ciudad.

El asunto es que el departamento está tal cual fue dejado por quien vivía allí y los miembros de la familia comienzan a experimentar situaciones extrañas, hechos que no tienen explicación y que van configurando un escenario lúgubre e inquietante.

Los padres, Manolo -Iván Marcos- y Candela -Beatriz Segura- tienen nuevos trabajos, él en una fábrica y ella como vendedora en una tienda. Deben hacer un gran esfuerzo, está recién llegados a la capital, por lo que sus hijos quedan solos en casa junto a su abuelo. Rafita -Iván Renedo-, el menor, ve como la televisión se enciende y quien aparece allí le propone un diálogo. Pepe -Sergio Castellanos- recibe un papel escrito a mano que dice “os estaba esperando”, firmado por Clara, una silueta de mujer que se atisba en una ventana interior. Por su parte, Amparo -Begoña Vargas-, se enfrenta a misteriosos bloqueos de puertas y a una inesperada generación espontánea de fuego en la cocina mientras el abuelo Fermín -José Luis de Madariaga-, se ve abstraído.

La composición del relato es correcta. La secuencia de situaciones paranormales no abusa de los efectos especiales ni de los tan manidos “golpes” que suelen inundar el género. El hecho que sea lineal, es decir, que vaya afectando a los protagonistas de uno en uno, produce que el clímax de tensión llegue sobre la medianía del metraje. En ese momento, cuando ya sabemos que en el departamento existe una presencia desconocida, la cinta comienza a preparar el remate con la incorporación de dos nuevos personajes.

El guion, escrito por cuatro personas, Ramón Campos, Gema R. Neira, Salvador S. Molina y David Orea, es filmado con precisión por Albert Pintó. La música, los sonidos y la expectación que produce el relato fluye bastante bien para sumergirnos en la atmósfera antigua y desdeñada del oscuro lugar. ¿Qué sucedió allí? ¿Cuál es la razón de una presencia que se ve incomodada por los nuevos inquilinos? ¿Existe alguna relación con ellos?

La cinta aporta también una visión, aunque somera, de los cambios políticos-culturales de la España de la época. El abandono del campo, la migración a la ciudad, la renuencia a lo nuevo, la necesidad de adaptación, el mundo del trabajo, etc., son elementos que están descritos aunque no desarrollados, en un marco más contextual que definitivo. El argumento también suma temas familiares, entonos complejos, sufrimientos familiares, historias desgraciadas y por supuesto, aberrantes discriminaciones.

“Malasaña 32” ejecuta un final paranormal, sin duda, pero a diferencia de otros que se enloquecen con lo absurdo, esta cinta lo hace alrededor de un contenido interesante. No solo se trata de descubrir qué es lo que acecha, sino por qué actúa de esa manera. Así, no solo el misterio se revela sino que también descubrimos la sustancia que lo provoca, componiendo un final que responde al género, que no podemos anticipar y que finaliza adecuadamente.

Ficha técnica

Título original: Malasaña 32
Año: 2020
Duración: 105 minutos
País: España
Productora: Warner Bros. España, 4 Cats Pictures, Atresmedia Cine, Bambú Producciones, Mr. Fields and Friends
Género: Terror | Sobrenatural. Casas encantadas. Años 70. Basado en hechos reales
Guion: Ramón Campos, Gema R. Neira, Salvador S. Molina, David Orea
Música: Lucas Peire, Frank Montasell
Fotografía: Daniel Sosa
Reparto: Begoña Vargas, Iván Marcos, Bea Segura, Sergio Castellanos, José Luis de Madariaga, Iván Renedo, Javier Botet, María Ballesteros, Rosa Álvarez, Concha Velasco, Almudena Salort, Hugo Fuertes Marciel, Álex Fuertes, Antonio Del Olmo, Eduardo Antuña, Ricardo Reguera
Dirección: Albert Pintó

Mi Maestro el Pulpo - Por Juan Pablo Donoso

Además de emocionante, es difícil olvidar un documental tan extraordinariamente educativo y fraternal.

A la altura del mejor filme de suspenso.

Trata de Craig Foster, un buceador sudafricano, y la maravillosa comunicación que logra con un pulpo.

Al visitar su escondrijo, entre las algas submarinas, y seguir sus movimientos y transformaciones, poco a poco conquista la confianza del animal. Nacerá un vínculo afectivo jamás visto entre un humano y una criatura salvaje del fondo marino.

De este cefalópodo sabemos que tiene tres corazones, un cerebro muy inteligente, y que en sus ocho brazos cuenta con potentes ventosas. Se defiende lanzando tinta o mimetizándose con cualquier objeto cercano. Si pierde un tentáculo, es capaz de regenerarlo. Se reproduce introduciendo uno de sus brazos en la hembra para depositar los espermatozoides.

Cuando nuestro narrador Foster pasaba por un momento de profunda depresión emocional, halló fuerzas para seguir viviendo gracias a lo que este pulpo le enseñó con su ejemplo de natural sabiduría e instinto de sobrevivencia.

En el relato nos dice: “Para mucha gente el pulpo es como un alienígena. Pero al acercarnos más a él, descubrimos cuán parecidos somos en tantos aspectos”.

Si bien sabíamos de su extraordinaria inteligencia, la película nos permite acompañar a esta hembra durante casi todo el año de su vida. La vemos alimentarse, aprender, sufrir y recuperarse, destinar los últimos días de su vida al apareamiento, poner sus huevos, y entregarse a la muerte para servir de alimento a los tiburones.

Su capacidad de confiar en el humano, amarlo y demostrar cariño como cualquier mascota terrestre, nos recuerda los inevitables ciclos de la Naturaleza. Es por eso que al verla partir lloramos igual que al perder a un ser querido.

Lo admirable de este documental es descubrir cómo las propias emociones del narrador coinciden de manera tan armónica con el desarrollo del Universo.

Debiera exhibirse en todos los colegios para que los níños comprendan que somos parte de la Creación: jamás vernos sólo como observadores.

UN DOCUMENTAL IMPERDIBLE POR SU TREMENDA SENSIBILIDAD. UNA LECCIÓN DE AMOR Y ECOLOGÍA. MAGNÍFICO. 

Ficha técnica

Título Original: My Octopus Teacher

2020 Documental, ecología marina Sudáfrica - 1,25 hrs. 

Fotografía: Graig Foster, Warren Smart 

Edición: Pippa Erlich, Dan Schwalm 

Música: Kevin Smuts 

Diseño Prod.: Swati Thiyagarajan 

Actores: Craig Foster, Tom Foster 

Guionistas y Directores: Pippa Ehrlich, James Reed

Criogenización: Vivir dos veces - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Este documental de Netflix trata un tema actual y de futuro insospechado. Matheryn, apodada Einz, una niña de dos años que vive en Bangkok, Tailandia, junto a sus padres y su hermano mayor, una mañana no puede despertar. Entra en coma y el diagnóstico es fulminante; cáncer cerebral, probablemente el más agresivo y mortal que se conoce. Sometida a múltiples operaciones y tratamientos, el pronóstico se mantiene invariable, Einz va a morir.

Sahatorn Naovaratpong, padre de la niña y científico dedicado a la experimentación láser, no se resigna a perder a su pequeña hija. Señala el fuerte lazo que el nacimiento de Einz generó; “ella unió a toda la familia”, por ello está decidido a procurar una oportunidad para su hija. Surge allí la opción criónica, un proceso innovador que ofrece preservar, a la temperatura de ebullición del nitrógeno, la viabilidad celular para en un futuro recuperarla en un cuerpo regenerado. Esta visión es arriesgada. Puede que en muchísimos años la ciencia encuentre una respuesta, pero también existe la posibilidad que nunca funcione.

El dilema que enfrenta la familia es trascendente. Hay una férrea oposición inicial a pesar que en el entorno la importancia concedido a la ciencia es primordial. Aun así, Sahatorn debe esforzarse para convencer a su esposa y a su hijo Matrix que este procedimiento efectivamente otorga una segunda oportunidad a la pequeña Einz.

El trabajo, dirigido por Pailin Wedel, se desarrolla bajo un formato clásico. Cada tema es presentado en secuencia y desde un comienzo tenemos claridad de los elementos que están sobre la mesa. Con imágenes de archivo familiares, entrevistas y testimonios, recorremos un camino cuyo inicio es una sentencia que surge como definitiva; la inevitable muerte de Einz. Pero el foco cambia al emerger una oportunidad, incierta tal vez, un sueño, una posible esperanza.

A diferencia de otros documentales, “Hope Frozen” su título original, plantea básicamente interrogantes. Incluso posee largas secuencias donde se nos permite acompañar las imágenes con nuestras propias reflexiones. En menos de 30 minutos el dilema está planteado y pareciera no haber antagonismo, salvo, claro, el debate ético y moral que representa concurrir con una decisión de esta naturaleza. Surge entonces el cuestionamiento público a la opción de criogenizar a la persona más joven del mundo. La noticia se expande, la cobertura cruza fronteras, la familia es sometida al escrutinio masivo de los medios de comunicación.

Sahatorn expone con mucha calma, mucho cuidado y certera convicción cuál es su norte. Se cuestiona su incapacidad de soltar o desprenderse de su hija. Sahatorn lo acepta, asume, sin embargo remarca la decisión familiar de no rendirse. El testimonio de su hijo Matrix también es clarísimo; la motivación es su hermana, quiere explorar la ciencia para devolverla a la vida, para curarla, para hacer posible esta segunda oportunidad.

¿Qué tan lejos podemos llegar? se pregunta este trabajo. ¿Cómo influye en la decisión el sentido religioso y también la ciencia? ¿Existe conflicto entre la creencia y los caminos técnicos? Sin dudas hay más preguntas presentes que emergen naturalmente al observar el camino de la familia, la ordenación budista de Matrix, la respuesta a los cuestionamientos sobre el encierro del alma, la libertad, la reencarnación, etc.

“Criogenización: Vivir dos veces” representa una vez más una colisión de valores, un dilema moral. Es un poco jugar a ser Dios establecer el concepto de “curar la muerte”. Los avances científicos son innegables. Congelar a -196 grados puede conservar viabilidad celular pero nadie sabe aun a ciencia cierta si el proceso podrá ser reversible y qué consecuencias tendría en caso de ser exitoso. Es una apuesta arriesgada, como lo es todo lo desconocido. Lo que el documental muestra es la convicción de la familia sobre sus acciones presentes, a pesar de sus naturales dudas, expectativas y también algunas noticias desalentadoras. Esa convicción es también un tipo de fe, una fe en que será posible algún día revertir la muerte de Einz. Por esa razón esta cinta es un homenaje en su nombre, un testimonio que aspira a ser conservado hasta el momento en que ella pudiera despertar y comprender que lo realizado por sus padres corresponde al inmenso amor que le tienen y siempre le tendrán, un amor incondicional y eterno.

Ficha técnica

Título original: Hope Frozen
Año: 2018
Duración: 80 minutos
País: Tailandia
Productora: Coproducción Tailandia-Estados Unidos; 2050 Productions. Distribuida por Netflix
Género: Documental | Enfermedad
Guion: Nina Ijäs, Pailin Wedel
Fotografía: Mark Dobbin, Mikael Enlund, Julian Hadden, Mark Oltmanns, Martijn Payens
Reparto: Documental
Dirección: Pailin Wedel

El capital humano - Por Jackie O.

“Cuando la codicia actúa sin distinciones de clase”. 

El Capital Humano es una película que nos cuenta una historia de familias Italianas, una historia de hechos que se entrelazan, donde están insertos el dinero, las manipulaciones, poder, amor y arrepentimiento.

Narradas en 3 capítulos que nos muestra los diferentes puntos de vista de Dino Ossola (Fabrizio Bentivoglio), Carla Bernaschi (Valeria Bruni Tedeschi) y Serena Ossola (Matilde Gioli), sobre los eventos acontecidos en un tiempo determinado que desencadenan en una tragedia para todos, por el accidente a un ciclista.

DINO es de clase media pero muy arribista y ambicioso, pero no es de las personas que quiere prosperar como cualquier ser humano. No, su ambición es desmedida, vive de apariencias, es un codicioso y llega a ser desagradable su forma de ser. Tiene una hija adolecente, Carla, a la cual tiene en un caro colegio, para aparentar más que para darle una buena formación académica a su hija. Y de tanta ambición se arriesga en un negocio con dinero que no tiene, y sin pensar en su familia, en donde la tragedia que cruza la vida de todos los personajes le hace tomar medidas extremas.

Luego tenemos a CARLA, casada con Giovanni un multimillonario con el que hace negocios Dino.

Una mujer tranquila, aburrida, sumisa, que se dedica a salir de compras y organizar almuerzos, hasta que un día ve una oportunidad para hacer de su vida algo diferente.

Pero su sueño tiene altos y bajos que debe enfrentar, en especial cuando el accidente de este ciclista pone en jaque a su familia.

Y la visión de lo mismo desde el punto de vista de SERENA, hija de Dino y cuasi nuera de Carla. Una chica que se lleva bien con todos y no discrimina a nadie, que termina enamorándose de un paciente de su madrastra, un chico pobre con muchos problemas emocionales y económicos. Una relación complicada, pero que ella acepta. Hasta que una noche se ven envueltos en esta tragedia.

Todo esto es un viaje por las entrañas de la Italia precrisis económica y aprovecha de hacer una gran crítica social. Todo ello bien realizado ante una historia sobre vidas de personas muy diferentes. No solo trata de ambición, sino de un accidente que parece cambiar las vidas de mucha gente. En donde las empresas de seguro participan activamente, sin importar las personas que están tras toda la tragedia.

Vemos a familias de clase alta, media y baja que son las protagonistas de esta trama, y cada quien trata de resolver esta tragedia en que se ven envueltos, tomando los recursos que tengan, aunque estos sean inmorales.

La radiografía de una sociedad italiana (pero que el guion es de corte mundial) envenenadas por el vicio de ganar más dinero, y con éste salir del hoyo en que creen estar inmersos, no importando los medios ni a quien dañar. Solo salvarse así mismos.

Una película que contiene una gran crítica social, poniendo en evidencia la doble moral de la sociedad.

Mantiene buenas actuaciones, con ambientaciones frías y oscuras, emulando lo turbio que son todos. Buen vestuario que marca los estratos sociales.

A pesar de que está catalogada de drama y suspenso, le quitaría lo de suspenso, aunque mantiene una muy buena intriga.

Para terminar solo nos basta preguntarnos, ¿Todos tenemos un precio? ¿Cómo se mide el valor de una persona?

Disponible en www.arcadiafilms.cl

Premios: Premio David de Donatello a la Mejor Película.

Nominaciones: Premio David de Donatello al Mejor Actor Protagonista.

Ficha técnica

Título original: Il capitale umano
Año: 2013

Duración: 1h 51m
Género: Drama. Suspenso. Crisis económica. Historias cruzadas.
Director: Paolo Virzì
Guion: Paolo Virzì, Francesco Bruni y Francesco Piccolo
Reparto: Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Valeria Golino, Fabrizio Gifuni, Luigi Lo Cascio, Giovanni Anzaldo, Matilde Gioli, Guglielmo Pinelli
Productora: Coproducción Italia-Francia; Indiana Production

Chicas Pesadas 1 y 2 - Por Jackie O.

“Comedias adolescentes”.

1.- En el año 2004 apareció una película que tal vez pasó desapercibida en su momento, pero hoy en día se ha trasformado en las llamadas comedias de culto. Nos hizo entender la importancia que tiene un día 03 de octubre o la regla de vestir los miércoles de rosa, ¡ji ji ji!

En esta película conocimos a un grupo de estudiantes de secundaria principalmente a las plásticas, quienes eran y serán siempre las reinas del estilo. Lideradas por Regina George. Quienes tenían reglas del vestir, y si lo pensamos bien no son solo simples reglas, nos ayudan hoy en día a tener una variada gama de looks para la semana y así usar todo nuestro armario, o peinarnos diferente. Las reglas no eran tan locas como se pueden ver.

Bellas chicas, cada una con su personalidad bien marcada. Hasta que llega una pueblerina llamada Cady a su escuela, quien como se ve en este tipo de películas trata de hacer amigos. Los primeros amigos que hace son una pareja quienes detestan a las plásticas, y le piden a Cady infiltrarse en su grupo para conocer sus secretos y usarlos contra ellas. Lo que no saben es que esta chica se infiltra tanto, que le queda gustando ese mundo.

Así comienzan a suceder diferentes situaciones jocosas, acompañados de una muy buena banda sonora, actuaciones muy amenas con bastantes toques burlescos, marca muy bien los típicos estereotipos donde podemos hacer hasta un análisis sociológico al respecto, y mantiene un vestuario muy top.

Aparte de ser una comedia liviana, nos habla de la amistad, los rencores, hipocresías, el primer amor, la familia, las diferentes clases sociales y por supuesto de moda.

Una película simple y entretenida, con sus altos y bajos. Pero igual recomendada. 

PERO….

2.- Como fue bien recepcionada, con el tiempo, el año 2011 sacaron la segunda parte, pero con otros actores y actrices llevando una tónica muy similar a la anterior: las plásticas, la niña nueva pero esta vez está no es inocente sino que más audaz. El director del colegio también es afroamericano como la anterior, pero con menos pantalla. Y también hay una historia de amor.

Pero acá todo falla, las plásticas no son bellas y eso es importante ya que son las divas del colegio: belleza, adineradas y con estilo (solo tienen dinero), ninguna situación es divertida, no tiene buen gusto al vestir, las actuaciones forzadas e incluso torpes. Caen en exageraciones mediocres. La verdad no tengo mucho que decir de ella, de chicas malas en realidad: todo.

¿Ver ésta?: ustedes se arriesgan.

Ambas disponibles en Netflix.

Ficha técnica

2004

Título original: Mean Girls.
Dirección: Mark Waters 

Duración: 97 minutos
Reparto:
Lindsay Lohan como Cady Heron.
Rachel McAdams como Regina George.
Tim Meadows como Director Ron Duvall.
Tina Fey como Maestra Sharon Norbury.
Amy Poehler como June George.
Lacey Chabert como Gretchen Weiners.
Lizzy Caplan como Janis Ian. 

Amanda Seyfried como Karen Smith.

2011

Dirección: Melanie Mayron

Duración: 93 minutos
Reparto:
Meaghan Jette Martin como Joanna "Jo" Mitchell.
Maiara Walsh como Amanda "Mandy" Weatherly Adams.
Jennifer Stone como Abigail "Abby" Hanover.
Nicole Anderson como Hope Plotkin.
Claire Holt como Chastity Meyer.
Diego Boneta como Tyler Adams.

Juego Perverso - Por Carlos Correa

Disponible en www.cinemark.cl

Difícil catalogar y describir esta cinta escrita y dirigida por Mitzi Peirone. Visiones contrapuestas surgen de inmediato ante lo que se presenta como un desafío a lo convencional en un entorno inundado de atmósferas y colores que dan cuerpo a la historia.

Dos mujeres, Petula -Imogen Waterhouse- y Tilda -Sarah Hay-, son descubiertas por la policía. Trafican drogas, al filo logran escapar de la redada pero se enfrentan a un problema mayor. Están en deuda con su proveedor y deben reembolsar dinero que no tienen. Deciden emprender un viaje en tren a la Mansión donde vive una amiga de la infancia, Daphne -Madeline Brewer-, que posee una caja fuerte con una importante fortuna. El plan es robar el dinero, solo tienen 48 horas.

Si la cinta fuera lineal, el argumento presentado basta y sobra para configurar un thriller, pero no es el caso. Un especial juego unía a estas tres mujeres cuando eran niñas. Cada una representaba un papel; Daphne, la madre, Tilda, la hija y Petula, un médico que las visita. Ha pasado bastante tiempo, sin embargo ejercitar nuevamente esta dinámica parece ser una buena opción para hacerse del botín. Por ello no sorprende que Petula y Tilda lleguen donde Daphne imbuidas nuevamente en sus roles infantiles. El desarrollo del juego es lo que superpone los géneros en esta cinta y adiciona elementos de terror a una confusa trama que se complejiza con el correr del metraje.

La cinta es original desde varios puntos de vista. La base de su división interna son los títulos de los capítulos donde se representan las reglas del juego. Primero, todas juegan, segundo, no se aceptan extraños, y tercero, nadie se va. Esta es también la base argumental del guion. Se puede apreciar que su línea sigue fielmente dichas máximas. Así, podemos comprender el rol de cada una de las mujeres y también el papel asignado al detective Siegel -Scott Cohen- y claro, la suerte que corre.

“Braid” -“Trenza”-, su título original, es más que pertinente. La historia está entrelazada profundamente y lo que vemos en pantalla bien puede ser solo el detalle de algunos de los hilos que se entrecruzan y que forman parte de una historia mucho más grande y ambiciosa. Los aspectos visuales del relato destacan, lo mismo que ciertos juegos de cámara que configuran elementos que cambian el entrono, giran los cuadros y representan tal vez la vitalidad de una transformación de la realidad. El uso de colores, imágenes difusas y otros efectos con claros componentes oníricos, entregan al relato una atmósfera que se sale de los moldes y que permite explorar el comportamiento de sus personajes.

“Juego Perverso” se transforma así en una experiencia. Tiene mucho de sensorial, de búsqueda, de experimentación. El juego es justamente sobre las incertezas, aquello que queda en la nebulosa, lo que no se explica. Hay elementos que tal vez pueden resultar un poco más objetivos pero quedan a nuestra propia interpretación y también en la aceptación o negación nos provoque este desafío. La directora nos invita a un viaje en el que la ensoñación da pie a muchas visiones, donde los caminos no necesariamente tienen un final sino que son una ruta abierta para transitarla y experimentarla, donde los personajes pueden hasta resultar atemporales.

La concepción de esta cinta dependerá de nosotros, de nuestro estado de ánimo, de cómo nos afecten los impulsos, la transgresión y la forma de este particular relato. Es por ello que tal vez genere opiniones distintas, interpretaciones variadas, y valoraciones diferentes. Aquello representa interesante de lo que se muestra disruptivo, de lo que nos aleja de zonas conocidas y que naturalmente, como toda expresión artística, puede provocar tantas opiniones como personas se vean expuesta a ella.

Ficha técnica

Título original: Braid
Año: 2018
Duración: 82 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Wandering Bard, Somnia Productions. Distribuida por Blue Fox Entertainment [USA]
Género: Terror. Thriller
Guion: Mitzi Peirone
Música: Michael Gatt
Fotografía: Todd Banhazl
Reparto: Madeline Brewer, Scott Cohen, Sarah Hay, Imogen Waterhouse, Brad Calcaterra, Mauricio Ovalle, Mary Looram, Nancy Ozelli, Dhoni Middleton, Tai Lyn Sandhu, Jill Dalton, Lenore Wolf, Ethel Fisher, Zack Calhoon, Zoe Feigelson
Dirección: Mitzi Peirone

El Príncipe Olvidado - Por Jackie O.

“El amor verdadero no se olvida”. 

Sinopsis: Cada noche un viudo padre le cuenta maravillosas historias de príncipes, princesa, hadas, y todo eso a su pequeña hija. Es mundo que mantienen los dos y lo disfrutan.

Así será hasta el momento en que la hija comience la escuela secundaria y llegue para ella el fin de la infancia pasando a la pre adolescencia. Este padre tendrá que aceptar que su hija está destinada a crecer y mudarse de casa, el príncipe tendrá que enfrentar su aventura más épica encontrando su destino en un mundo al que ya no pertenece.


Haber entregado el rol del viudo padre a Omar Sy fue muy acertado, ya que él derrocha simpatía.

La historia que nos presentan es simple y predecible, llena de fantasía.

Se desarrolla en dos mundos paralelos, el de la realidad (presente) y la fantasía (cuentos) donde los cambios de escenarios son muy distintivos.

La historia de fondo trata del crecimiento de la niña, donde todo se torna diferente y triste para este padre cuando su hija pre adolescente ya no quiere más cuentos infantiles de noche. Más cuando ya comienza a experimentar situaciones propias de la edad en un colegio nuevo.

El padre siente que ya está siendo desplazado, que su hija está creciendo y él se ve apartado. Que las rutinas con su pequeña comienzan a cambiar, ya no serán más el príncipe y la princesa de sus cuentos.

El mundo paralelo hace alusión a ello, donde las personas al ser olvidadas desaparecen. De a poco comienzan a ser transparentes (de a poco se va alejando), hasta que nadie los recuerda y desaparecen por completo.

Y este padre no quiere eso, no quiere desaparecer. Ama a su hija, aún es su pequeña, le cuesta aceptar que está creciendo.

En todo esto él conoce a su vecina, una mujer solitaria encarnada por una encantadora Bérénice Bejo, pero a él no le atrae. Hasta que se da cuenta que con la ayuda de ella, podrá entender la situación que vive.

Buenas actuaciones, dirección y diseño de arte. Cinta predecible como indiqué, original en contar la historia de estos mundos paralelos, pero la parte de fantasía demasiado infantil y con personajes algunos pocos carismáticos.

Película muy familiar que habla del amor filial, de los cambios, de la familia y la amistad.

Disponible e Cinemark Online https://www.cinemark.cl/cineonline 

Ficha técnica

Título original: Le prince oublié 

Director: Michel Hazanavicius 

Año: 2020 

Género: Fantástico. Aventuras. Cine familiar 

Duración: 101 min.

País: Francia 

Productores: Jonathan Blumental, Philippe Rousselet

Música: Howard Shore 

Guion: Michel Hazanavicius, Bruno Merle y Noé Debré 

Fotografía: Guillaume Schiffman 

Reparto: Omar Sy, Bérénice Bejo, François Damiens, Oudesh Rughooputh, Maxence Huet, Philippe Uchan, Mustapha Abourachid, Philippe Hérisson y Mirela Payret.

El Príncipe Olvidado - Por Juan Pablo Donoso

Una hermosa combinación de realidad con fábula. A la vez entrega niveles de maduración y sabiduría.

Djibi es un mecánico de autos viudo. Concentra su vida al cuidado y crianza de su única hijita Sofía. Cada noche, para que se duerma, le inventa cuentos sobre un magnífico estudio cinematográfico donde él es el héroe y protagonista: el Príncipe.

A medida que la pequeña Sofía entra en la adolescencia, van apareciendo nuevos amigos e intereses. Comienza a resentir el extremo control de su padre. “Ya no soy una niña”.

Para Djibi este afán de independencia resulta doloroso, pero inevitable. También en su vida aparece una vecina solitaria y muy amable, a la que al principio trata de ignorar.

Circunstancias similares irán ocurriendo en las historias nocturnas del padre narrador. El Príncipe, bello e invencible, comenzará a ser reemplazado por actores más jóvenes y condiciones menos privilegiadas. Hasta la coqueta vecina (Berenice Bejo- El Artista 2011) surgirá como un personaje desplazado y en vías de volverse transparente y olvidada.

Las coincidencias en ambas dimensiones entregan lecciones de madurez al padre y a la hija, como también a los demás personajes cercanos.

En este paralelismo se irán complementando, y resolviendo, sus mutuos egoísmos y dificultades.

Hay reflexiones sobre la importancia del Pasado, el Presente y el Futuro. Muy en especial sobre el OLVIDO. Y el significado que podría tener cuando las personas queridas desaparecieran para siempre.

Para salvarse del Olvido habrá que recuperar el Pasado. Así después de 15 años Djibi, junto a su nueva esposa (la vecina), se ofrecerá para contarle cuentos a su nietecita recién nacida.

El guion es claro en su complejidad. Tiene el encanto ingenuo de los cuentos de hadas, unido a espectaculares escenas con efectos especiales, y una galería de actores simpáticos en sus dobles dimensiones.

A diferencia de EE.UU., en estos filmes europeos las relaciones amorosas entre blancos y negros carecen de importancia. A Omar Sy, como Djibi, ya lo conocíamos por su estupendo protagonismo en AMIGOS (2011) junto a Francois Cluzet. Y cabe destacar el talento de las 2 pequeñas Sofías - (Sarah Gaye de 11 años y Keyla Fala como la Princesa de 8). 

Disponible en Cinemark.cl

ENCANTADOR RELATO LLENO DE MAGIA Y AMOR FILIAL. UNA LECCIÓN DE MADUREZ SIN SER MENSAJOSA. ALEGRE Y PROFUNDA. 

Ficha técnica         

Título Original: Le Prince Oublié

2020 Aventuras, comedia, familia, fantasía 

Francia, Bélgica -1,41 hrs 

Fotografía: Guillaume Schiffman 

Edición: Anne-Sophie Bion, Michael Hazanavicius 

Música: Howard Shore 

Diseño Prod.: Laurent Ott 

Guionistas: Noé Debré, Michael Hazanavicius 

Actores: Omar Sy, Bérénice Bejo, François Damiens 

Director: Michel Hazanavicius

Lo and Behold: Ensueños de un Mundo Conectado - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en centroartealameda.tv

Werner Herzog es uno de los más apasionantes directores alemanes contemporáneos. Baste recordar su Aguire la Ira de Dios, Fitzcarraldo, Nosferatu, Woyzeck, entre muchas más. Y también descuella cuando realiza documentales: La Cueva de los Sueños Olvidados (2010) y En el Abismo (2011). En todos sus filmes hay una indagación profunda, personal y poética sobre el tema abordado.

Esta vez incursiona en el fenómeno cibernético del Internet. Y en un ensayo fílmico dividido en 10 capítulos toca diversas facetas de este poderoso instrumento de comunicación. Así como eleva los niveles de conocimiento y concordia, puede también ser un arma de aberrante crueldad y destrucción espiritual.

Se inicia con la historia de su invento. La palabra LO del título expresa las primera dos letras que se transmitieron con éxito. Y de ahí en adelante seguirá creciendo por sí mismo sin que nadie pueda detener su marcha, ni tampoco habrá un responsable humano al cual culpar o felicitar por sus mensajes. Se conocen sus “padres creadores”, pero el hijo adquirió una independencia de irrefrenable crecimiento y poder.

Por medio de entrevistas a destacados científicos y programadores, el mismo Herzog con voz en off, les va planteando sus dudas, tanto sobre la naturaleza del mecanismo, como de los posibles horizontes que seguirían abriéndose hacia las galaxias. Y las hipótesis son, literalmente, abismantes.

El pionero Lawrence Krauss dice en el filme: “casi toda la ciencia-ficción ha ignorado el factor más importante: el Internet en SÍ MISMO. Soñó con autos voladores y con cohetes espaciales, pero ha sido incapaz de imaginar hasta dónde el Internet puede llegar a moldear nuestras vidas, nuestras mentes y la cultura universal. Cuando te comunicabas con alguien el comunicador era tan importante como la información que daba. Ahora la persona perdió absoluta relevancia. El desafío para el futuro será sólo tu propio criterio y capacidad para filtrar lo que Internet te vuelque encima. ¿Cómo percibirán la realidad los hijos de nuestros hijos interactuando con semejante océano virtual y omnisapiente que, por su anonimato, será irresponsable de sus consecuencias?”. ¿Será posible alguna gama de valores ante tan omnímoda fuente informativa? ¿Cuál será entonces la esencia de lo que hoy llamamos “sabiduría”?

Estas y otras reflexiones va planteando el documental. Por una parte es bienvenido como canal de progreso y desarrollo – pudiendo hasta generar vínculos habitables en Marte y otros planetas – y por otro lado, por su falta de emotividad llegar a hechos tan desgarradores como difundir sin límites la imagen del cadáver destrozado de una niña en un accidente de auto ante la impotencia y dolor de su familia que, ante tal falta de misericordia y pudor, lo identifica con el mismísimo Anticristo.

¿Llegará un día esta inteligencia a poder soñar, y en el sueño imaginarse a sí misma para seguirse perfeccionando hasta el infinito?

Un documental que supera los hechos concretos, y que en su misma virtualidad nos enfrenta a un abismo cuyos confines ninguna imaginación puede aún concebir.

ENSAYO DOCUMENTAL QUE FASCINA TANTO COMO ATERRA ANTE LAS PERSPECTIVAS QUE SUGIERE PARA LA HUMANIDAD.

Título Original: Lo and Behold, Reveries of a Connected World 

Documental – Cibernética EE.UU.- 98 minutos 

Fotografía: Peter Zeitlinger 

Edición: Marco Capalbo 

Testimonios: Lawrence Krauss, Kevin Mitnick, ElonMusk, Ted Nelson, SebastinaThrun, LucianneWalkowicz 

Guión y Dirección: Werner Herzog 

Bienvenido a Nueva York - Por Jackie O.

¿Sabes quién soy? 

Sinopsis: El señor Devereaux es un hombre poderoso. Un hombre que maneja cada día miles de millones de dólares. Un hombre que controla el destino económico de muchos países. Un hombre dominado por un frenético y desbocado deseo sexual. 

La película está inspirada en el polémico escándalo en el que se vio envuelto el año 2011 el Presidente del FMI Dominique Strauss-Kahn, cuya acusación de abusos y detención dio la vuelta al mundo.

La película arranca de una forma muy erótica, más bien de alto contenido sexual. Vemos a este imponente millonario, y con posibilidades de ser el próximo Presidente de Francia, el sr. Devereaux interpretado por Gérard Depardieu, con su vida llena de excesos,  principalmente sexuales. Un sujeto con cero atractivo físico, que mantiene muchos encuentros sexuales con bellas mujeres. A pesar de ser un sujeto desagradable, es muy inteligente y persuasivo ante sus ideas.

Me parece que es la primera película que se basa en el escándalo sexual en que se vio envuelto el poderoso político de Francia Dominique Strauss-Kahn. Sí, se cambian los nombres y algo de la historia, la cual comienza señalando que nadie sabe lo que sucedió realmente en la “habitación de los hechos”.

Gerard mantiene una actuación sólida, se maneja suelto en el rol. Como su esposa tenemos a la bella Jacqueline Bisset, esa mujer que debe aparentar que nada malo pasa, aunque sabe del apetito sexual y otros excesos de su marido. Pero también ella es ambiciosa, y sabe que su marido es muy poderoso y puede llegar a serlo más. No le teme, lo enfrenta y lo necesita. Su actuación es firme y convincente.

El resto del elenco de secundarios, aportan y hacen creíble lo que se cuenta.

La escena del abuso sexual en donde se ve envuelto este sujeto, es dura y extrema, pero algo sucedió que no me convenció por la rapidez de todo, asumiré que es porque este sujeto es tan enfermo que no se controla.

La ambientación es oscura y sucia (no de limpieza), hace referencia al sórdido mundo en que está envuelto este sujeto. Todo es exceso de droga, sexo y corrupción.

El guion es claro, pero aun así faltó más fuerza en ello.

No puedo dejar de mencionar que hay una parte de terror extrema donde no te culpo si te tapas los ojos: es ver a Gerard Depardieu desnudo y semi desnudo más de una vez. ¡Qué cuerpo más despreocupado dios mío! 

Veremos a un hombre que no puede salvarse a sí mismo, que cada vez se sumerge más en su lodo. Un hombre a veces asustado. Un hombre a veces perdido.

Disponible en www.arcadiafilms.cl

Ficha técnica

Título original: Welcome to New York
Año: 2014 

Duración: 124 min.
País: Estados Unidos
Género: Drama - Basado en hechos reales - Abusos sexuales – Política
Dirección: Abel Ferrara
Guion: Abel Ferrara y Christ Zois
Fotografía: Ken Kelsch
Reparto: Gérard Depardieu, Jacqueline Bisset, Eddy Challita, John Patrick Barry, Drena De Niro, Amy Ferguson, Paul Calderon, Ronald Guttman, Anh Duong, Anna Lakomy
Productora: Belladonna Productions.