La Casa Gucci - Por Jackie O.

"Un nombre que es sinónimo de lujo y poder".

Ridley Scott quizo traernos un drama criminal en torno al asesinato de Maurizio Gucci, quien por orden de su ex mujer Patrizia Reggiani, conocida como la "viuda negra" de Italia, dejó de existir en 1995, adaptando el libro de Sara Gay Forden, publicado en 2001, 'The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed'.

Pero ¿qué nos trajo en realidad este gran director?

Decir GUCCI no es una palabra nueva, es un nombre con historia, una historia de elegancia, estilo, pero también de un drama oscuro.

Me deleitaría hablando de la historia de la marca Gucci sin parar, pero debo contenerme y abocarme solo a esta película.

No es ningún spoiler contar el desenlace de la película porque es parte de la historia conocida por muchos, donde Maurizio Gucci, nieto del fundador del imperio de la moda Gucci fue asesinado por sujetos mandados por su ex esposa Patrizia.

Lo interesante, cuando sabemos el desenlace de una historia, es cómo se hace para impresionarnos.

Y que lamentablemente este renombrado director de cine, que nos ha deleitado tanto (El último duelo, Aliens, Gladiador y más), no supo plasmar ese encanto en esta cinta, no supo, a mi parecer, aprovechar una historia jugosa en antecedentes, para hacer de ella un thriller excepcional.

Ridley optó por la parte comedia más que por un drama criminal, pero decir comedia no es malo, pudo incluso así haber sacado una gran historia, pero ni siquiera como comedia dio un buen puntapié atrayente.

Estéticamente hay mucho que hablar de esta película, como por ejemplo, que tenemos un elenco excepcional. Muchos directores creen que, por contratar las caras más conocidas y/o taquilleras, el éxito lo tienen asegurado. Pero no. Al ver este afiche y el tremendo elenco, ya está totalmente vendido. Para algunos ver a Lady Gaga es objeto de asombro, pero les digo que no se asombren, pues ya nos ha demostrado su calidad actoral desde hace rato. Acá su rol es bueno, tiene ciertos rasgos parecidos a Patrizia, y se sumerge en el papel de esta codiciosa mujer, que desde temprana edad sabía lo que quería: poder y lujo. Que conoció a Maurizio por accidente, pero sabía quien era, que él era el futuro que tanto anhelaba. Lo enamoró, y tal vez ella también lo hizo, quién sabe. Pero muchos cuentos de hadas terminan por alguna razón, y la separación de ellos fue insalvable. Algo que ella no soportó, al punto de contratar a sicarios para hacerlo desaparecer, ayudada por una "adivina", que vio en ella esa fragilidad para poder sacar provecho.

"Si no es mio, es de nadie", frase que calzaría muy bien acá, la que hemos escuchado en muchas ocasiones.

Adam Driver como Maurizio Gucci, no me gustó. Cuando uno ve una película biográfica, biopic, o aunque sea algo levemente inspirada en hechos reales, uno espera que los partícipes tengan un parecido a los reales, tanto físicamente como en sus movimientos. Acá Driver se parece más a Ives Saint Laurent, de joven, que al propio Gucci, por lo que la elección del actor no fue buena, el maquillaje tampoco le ayudó mucho, además su actuación es la misma que hemos visto en otras oportunidades. Sobre los monstruos Al Pacino y Jeremy Irons, cumplen perfectamente con sus personajes. Pero Paolo Gucci para mí, fue una burla, un caricaturesco personaje que en la vida real no era tal, ni siquiera físicamente tiene un acercamiento a él. ¿Por qué quiero resaltar esto? Porque todos han enaltecido el cambio físico sufrido en Jared Leto, y sí, el trabajo en maquillaje para hacerlo otra persona es realmente bueno, digno de premios, pero no es Paolo.

La edición de la película fue desigual, nos cuentan muchas historias pero todas inconclusas, queriendo abarcar mucho y sin profundizar en nada. Eso hace que dos horas y media sean tediosas en algunos momentos.

Pasamos de un punto a otro muy rápido, no aprovechó el fondo de la historia, no le sacó partido a esta maquinación de los hechos sobre un asesinato, no profundizó en la psicología de los personajes.

Lo que sí rescato y mucho, es su vestuario, maquillaje y peinado: me encantaron. Y la banda sonora también, todo eso nos transportó en el tiempo.

No está de más mencionar que los parientes Gucci están en total desacuerdo con esta película, pues ven en ella una historia mal contada. Por ejemplo, la misma Patrizia estaba muy molesta (en libertad desde el 2016). Sus hijas viven lejos de las cámaras, y este desempolvamiento de la historia familiar les ha causado más de un dolor de cabeza.

Ridley está claro que no todo lo que muestra en la película es real, y no tiene la obligación de que sea así, y que el telespectador que no conoce su historia creerá que así fue todo. Incluso, Tom Ford desmintió parte de los hechos que muestran en la película donde lo personifican.

Pero sin ahondar en ello, y quedarnos con esta película, una historia que está rica en amor, traición, lujo, poder, avaricia, venganza, muerte... no fue bien aprovechada ni como sátira, ni menos como un thriller.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

House of Gucci
Dirección : Ridley Scott
Guion: Becky Johnston y Roberto Bentivegna
Basada en: "The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed"  de Sara Gay Forden
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Dariusz Wolski
Montaje: Claire Simpson
Género: Drama, crimen
Duración: 157 minutos
Reparto:
Lady Gaga como Patrizia Reggiani.
Adam Driver como Maurizio Gucci.
Jared Leto como Paolo Gucci.
Jeremy Irons como Rodolfo Gucci.
Al Pacino como Aldo Gucci.
Salma Hayek como Giuseppina «Pina» Auriemma.
Jack Huston como Domenico De Sole.
Reeve Carney como Tom Ford.
Camille Cottin como Paola Franchi.

tick, tick... Boom! - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Entrar en la mente y en la vida de un artista creador resulta ser algo bastante seductor. Conocer qué piensa, cuáles son sus motivaciones o qué le mueve en el día a día, sin duda podría ofrecernos una perspectiva diferente. Ahora bien, si el relato corresponde al mismo autor, quien recuerda sus inicios y especialmente la semana previa a su cumpleaños número 30 en la que se encuentra terminando un musical en el que ha estado trabajando por ocho años, el resultado es tan vertiginoso como incierto. ¿Con qué nos encontramos? Veamos. 

Corre el año 1992 y vemos a Jonathan Larson -Andrew Garfield-, ejecutando su monólogo “Tick, Tick ... Boom!” frente a una pequeña audiencia en un Teatro de Nueva York. El relato, en primera persona, se remonta a los años previos, a sus malabares como camarero en simultáneo con la composición musical, a la relación con su novia, a los altos y bajos con su mejor amigo, a las crecientes dificultades económicas, a la falta de inspiración, más todo aquello que debe enfrentar un joven soñador que busca afanosamente ser exitoso y que está a punto de mostrar en público su primer trabajo, el musical “Superbia”.

Esta historia autobiográfica, escrita por el verdadero Jonathan Larson, funciona como un sentido homenaje. Con guion de Steven Levenson y dirigida por Lin-Manuel Miranda -en su debut como director-, la cinta tiene buen ritmo aunque se ralentiza cuando el canto se desconecta de la acción. La edición y superposición de los años resulta interesante, lo mismo que la narración desde una improvisada sala de ensayos, lo que aporta nexos que unen las diferentes secuencias y tiempos.

Las actuaciones son cercanas y creíbles. Existe una cierta simpleza, especialmente en Garfield, su protagonista, lo que contribuye a alivianar una pesada carga dramática asociada al propio Larson. La música representa pensamientos y diálogos comunes. Corresponde a un estilo musical en el que no es sencillo llevar con naturalidad lo cotidiano a un formato teatral que integre música, canto y actuación, en una representación que perfectamente podríamos denominar como una “ópera moderna”, guardando, naturalmente, todas las diferencias.

La película se centra en el proceso creativo y también en la búsqueda de realización y éxito. Debido a ello, no escatima esfuerzos en presentar la realidad personal del compositor, sus aciertos y desaciertos, su necesidad de reconocimiento y también su desesperación cuando todo parece cerrarse frente a él. Ahí hay algo más fuerte, esa necesidad vital de expresar lo que alimenta el motor de sus acciones. Fracaso tras fracaso parece el camino conducente hacia una esquiva posibilidad de éxito, que no se vislumbra, pero que se desea con fervor, a pesar de todo. Surge allí la constancia y la perseverancia, algo muy complejo cuando todo se oscurece, cuando las críticas parecen adversas, cuando el foco se diluye y se aleja una posible oportunidad.

“Tick, Tick... Boom!”, también explora sobre las relaciones afectivas de los artistas, ese mundo propio versus la pareja y los amigos. Hay mucho de soledad, de individuación y de ego. Saltan las dudas de cómo vivir realmente la vida. ¿Seguir lo previsto? ¿Renunciar a lo deseado por un camino convencional? Si no hay certeza que la expresión, en este caso musical, es el motor de la vida, resulta muy fácil claudicar en un camino pedregoso y siempre cuesta arriba.

Lin-Manuel Miranda conoce como pocos el oficio, por lo que en su debut a cargo de la dirección, lo filma bien, es consistente de lo que realiza y aporta una mirada desde dentro que por momentos resulta embriagadora. Es, por supuesto, un reconocimiento explícito a Jonathan Larson, a sus composiciones, a su vida y a su tesón incontrarrestable, sin embargo lo íntimo y personal suele pasar a un segundo plano cuando sobresalen los números musicales. Tal vez esto sucede por carencia de mayor peso en los actores para encarnar mejor las escenas más dramáticas, o tal vez sencillamente no es la finalidad de su guionista ni de su director. Podemos especular, pero finalmente no lo sabemos.

Como resultado general, la suma y resta es claramente positiva. Sin tener demasiadas expectativas me pareció agradable y convincente, no brillante, pero sí por momentos vibrante, lo que da cuenta que Lin-Manuel Miranda aun tiene mucho que expresar desde sus ya multifacéticas funciones.

Ficha técnica

Título original: tick, tick... Boom!
Año: 2021
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 5000 Broadway Productions, Imagine Entertainment. Distribuidora: Netflix
Género: Musical. Drama | Biográfico. Años 90
Guion: Steven Levenson. Libro: Jonathan Larson
Música: Jonathan Larson
Fotografía: Alice Brooks
Reparto: Andrew Garfield, Alexandra Shipp, Robin de Jesus, Vanessa Hudgens, Joshua Henry, Bradley Whitford, Judith Light, Jordan Fisher, David Iacono, Joanna Adler, Alex D. Jennings, Marie Rose Baramo, Jared Loftin
Dirección: Lin-Manuel Miranda

El Aro: Resurrección - Por Juan Pablo Donoso

Nueva secuela de la clásica trilogía de terror japonesa (El Aro) ahora filmada y ambientada en China.

Aunque los realizadores son casi todos japoneses, con actores chinos, el resultado se siente menos pavoroso y la historia más elemental y rebuscada.

Un malulo profesor explica a sus alumnos(as) que los fantasmas evolucionan en el tiempo igual que los humanos (¿?).

En forma paralela sabemos que en internet se publica una novela escabrosa llamada Un Espíritu Enamorado. Más, cada vez que una alumna, atraída por el romanticismo del título, lee el último capítulo, es visitada por un fantasma femenino sin rostro que la obliga a suicidarse.

Y así comienza una seguidilla de personas que - aterradas - se van quitando la vida cada vez que leen ese capítulo.

Se inicia una investigación, mejor manejada por uno de los alumnos de la escuela que por la policía.

A medida que progresan los tormentos de la joven protagonista acosada por la mujer fantasma, nos vamos acercando al clímax - desbordante de alucinaciones - que, de la manera más infantil de viejas matinées, nos revela la verdadera causa de las muertes.

Y, por supuesto, cuando se supone que todo se resolvió, aparece un nuevo enigma para justificar la siguiente secuela.

Sin duda, el director Norio Tsuruta sabe manejar el discurso audiovisual para mantener el suspenso. Es la conclusión la que nos decepciona cuando revela un argumento facilista y de poco fondo psicológico.

Para demostrar su tesis de que “el internet también puede ser un arma asesina cuando cae en manos perversas”, pudo calar más hondo en las mentes de aquellas jóvenes víctimas, y delatar sus vulnerabilidades. Nada de eso ocurre: sólo una pesadilla tras otra hasta descubrir el origen del misterio.

Y en cuanto a su título “Resurrección”, nunca hubo ninguna. Tal vez se referían a que estaban resucitando comercialmente la antigua serie japonesa.

NUEVA SECUELA DE “EL ARO”, AMBIENTADA EN CHINA, INFERIOR A LAS ANTERIORES POR LO SUPERFICIAL DE SU TRAMA. 

Ficha técnica   

Titulo Original: 网络凶铃 

2020 Terror, suspenso China: 1,30 hrs. 

Fotografía: Hajime Kanda 

Edición: Hiroshi Sunaga 

Música: Takahiro Obata 

Diseño Prod.: Sheng Yubin 

Guion: Yang Yang, Ma Boyong 

Actores: Meng- Po Fu, Mu-Si , Yihan Sun 

Director: Norio Tsuruta

El Aro: Resurrección - Por Jackie O.

"No resuciten más". 

Sinopsis: Unos jóvenes se proponen resolver el misterio de varias muertes que suceden de forma parecida. Se darán cuenta de que la causa, es una novela de internet maldita que hace que sus lectores mueran.

"El Aro, Resurrección” es la adaptación de “She Die on QQ”, novela del escritor chino Ma Boyong
que fue un fenómeno en Internet.

El año pasado, en mi última reseña de una película sobre el Aro (El Aro capítulo final), que pueden encontrar en esta web, pedí que dejaran descansar a Sadako. Hoy lo suplico.
La idea está más que agotada, usan un nombre (Aro) y una imagen (la chica del cabello largo) ya incansablemente y de forma muy rebuscada, que de verdad están matando hasta su fantasma.

Esta película nos presenta la historia de una novela llamada "un fantasma enamorado", que circula en la web y que quien la lee se muere, apareciéndoseles la visión de una chica con su cara cubierta por su cabello.

En el fondo la idea no es mala: una novela por Internet para así inmiscuirnos en los tiempos modernos, un fantasma que tenga una historia sabrosa que explotar, bien. Pero no fue bien trabajada, su guionista no se esforzó para nada y se fue por lo fácil y actuó con mucha flojera. Pudo haber creado algo fresco, no sacar del baúl del recuerdo algo trillado y manoseado como Sadako o Samara, y además llamarla el Aro.
Ya ahí la mataron.

Sigo con la historia. Con estas muertes se abre una investigación, policías por un lado y un joven aspirante a reportero con la chica universitaria por otro lado, ya que sus parientes y conocidos son los que fallecen y quieren saber por qué.

Demasiado rebuscado e incoherente toda su trama al saber por qué, y quién está tras esto. Mal, un guión sin sentido.

Con una desordenada edición, actuaciones muy sobreactuadas, efectos visuales a la antigua que dan más risa que susto. 

Nada, pero nada de tensión.

Fantasmas, Internet, inteligencia artificial, amores imposibles, depresión, etc.

Creo que la idea, insisto, es buena. Interesantes temas que con un buen guión y un director prolijo habría funcionado (ojo que el director no es novato y ya tiene expertis en estas tramas), no sé qué les pasó.

Y aunque al final da un mensaje de atención con las redes, igual es aburrida, sin sentido, y una pérdida de tiempo. Lamentable.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

“The Perilous Internet Ring”
Duración: 95 minutos
Reparto: Meng-Po Fu, Yihan Sun
Director: Norio Tsuruta
Guion: Ma Boyong
País de Origen: China
Estreno en Chile: 09 diciembre 2021
BF Distribution

Alerta Roja - Por Jackie O.

“Mucho juego artificial, poca prolijidad” 

Sinopsis: John Hartley, agente de la Interpol, no tendrá otro remedio que aliarse con el ladrón de arte más célebre de todos los tiempos, Nolan Booth, para capturar a la ladrona de arte más buscada en la actualidad: la seductora y peligrosa Sarah Black. 

El fuerte de esta película son sus protagonistas, carismáticos y éxito de taquilla en lo que hagan.

¿Pero, eso es suficiente para gastar tantos millones, y crean que eso hace que la película sea buena? No. 

Estamos ante una comedia de ladrones de guante blanco, acción y engaños. Una cinta que tiene una premisa simple y atractiva, que es la de un policía (Dwayne Johnson), una codiciada pieza de arte y unos ladronzuelos (Gal Gadot y Ryan Reynolds), una historia que nos lleva a un mundo de elegancia, sofisticación, de ambición, escenas de acción, persecuciones y secuencias con un alto uso de efectos especiales, que la hace disfrutable, pero también olvidable.

Su guion, simple y con muchas incoherencias (Rawson Marshall Thurber), pero, como señalé, lo puedes dejar pasar si no quieres “cranearte” mucho y solo buscas algo para mirar sin pensar nada y solo pasar un rato agradable.

Con muchas escenas de acción donde las coreografías están muy presentes, ya que nuestros protagonistas se especializan en ello, peca de comodidad, ya que muchas veces esas secuencias se ven demasiado falsas.

Los toques de humor están en demasía, y en su segunda mitad comienzan a cansar, pues es repetitivo.

Otra cosa que llama la atención son las locaciones que nos hacen viajar por el mundo, pero un mundo extraño. Por ejemplo, que Argentina la hayan pintado como un lugar muy amazónico, eso me quedó dando vueltas. ¿Acaso no googlearon?

Rescato en parte su giro final, me pareció interesante. Y si llegasen a hacer una continuidad a esto, el director deberá esforzarse mucho, mucho, por crear algo más llevadero, pues la película tuvo más cosas en contra que a su favor.

En resumen vemos a Gal actuando como Gal, a Ryan actuando como Ryan y a la Roca actuando como él mismo. No hay una variedad de profesionalismo en su dinámica, lo que es lamentable. 

Aun así, la película vende, y vende bien, por un corto rato. 

Al punto que no hay que explayarse más, y ya se me olvidó.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Red Notice
Dirección y guion: Rawson Marshall Thurber
Música: Steve Jablonsky
Fotografía: Markus Förderer
Protagonistas: Dwayne Johnson, Gal Gadot, Ryan Reynolds, Ritu Arya, Chris Diamantopoulos,
Vincenzo Amato, otros.
País: EEUU 

Año: 2021
Género: Thriller de acción - Comedia

Amor sin Barreras - Por Juan Pablo Donoso

Quedó aún mejor que la premiada versión de 1961. 

Sesenta años después de la película y 64 después del atronador éxito en Broadway, Steven Spielberg debió reunir al mejor equipo de colaboradores para recrear aquel clásico sin peligro de arruinarlo.

Y una vez más, triunfó en su aventura.

Basada en Romeo y Julieta de Shakespeare, trasladaron la tragedia al Nueva York de los años 50. En reemplazo de las familias rivales de Montescos y Capuletos, ahora la pugna es entre bandas de jóvenes portorriqueños versus estadounidenses.

El West Side era un barrio pobre, con edificios en demolición, y una juventud rabiosa con pocas esperanzas de progreso. Ahí florece - accidentalmente - el amor entre María y Tony. Los bandos, irreconciliables y desafiantes, irán haciendo cada vez más difícil la unión entre los enamorados. Se sucederán las riñas y los crímenes creando un clima creciente de agresión y dolor.

Tanto la obra de Broadway (que tuve la fortuna de ver), como la primera película, deslumbraron con la música de Leonard Bernstein, letra de Steven Sondheim, en un texto original de Arthur Laurents, y los bailes creados por uno de los más grandes coreógrafos del siglo XX, Jerome Robbins.

La presente versión de Spielberg se mantuvo fiel a la recreación de época, mantuvo la partitura y las letras, y su actual coreógrafo - Justin Peck - conservó la fuerza y el estilo de Robbins.

Manteniendo fidelidad con los originales, son muchos los aportes de esta recreación. En las escenas románticas hay un mayor reposo y matices más sutiles. En las de violencia, mayor despliegue de riesgos y ángulos de cámara. Las escenas callejeras, gracias al uso de drones, permiten lucir mejor los barrios y seguir con más cercanía las acrobacias de los bailarines. Y, obviamente, los adelantos tecnológicos enriquecen el sonido estereofónico y los efectos especiales que, por suerte, son poco ostensibles.

Y en materia de actuaciones, la elección de Rachel Zegler fue perfecta para encarnar a María: carisma, pureza y talento como cantante explican su triunfo sobre más de 30,000 postulantes al rol. Por su ancestro colombiano resulta aún más auténtica que su predecesora, la desaparecida Natalie Wood.

Y con respecto a la recuperación de antiguas glorias reaparece aquí Rita Moreno en un personaje adecuado a su avanzada edad - como Valentina - pero siempre emotiva y verosímil. Recordemos que esta actriz ganó el Oscar por su personaje de Anita, la hermana de María, en la primera versión. El rol de Anita (en que ahora se luce Ariana deBose) requiere de un sólido temperamento, unido a la capacidad de cantar y bailar con excelencia. En el musical de Broadway admiramos a Chita Rivera (otro portento) desempeñándose en ese difícil papel.

Para gozarla de comienzo a fin.

ESTUPENDA NUEVA VERSIÓN DE UN MUSICAL DESTINADO A SER UN CLÁSICO ETERNO.

Ficha técnica

Título Original: West Side Story

2021 Musical, romance, drama, EE.UU. - 2,36 hrs. 

Fotografía: Janusz Kaminski 

Edición: Sarah Broshar,Michael Kahn 

Música: Leonard Bernstein 

Diseño Prod.: Adam Stockhausen 

Guion: Tony Kushner, Arthur Laurents (texto original) 

Actores: Ansel Elgort, Rachel Zegler, Ariana DeBose 

Dirección Steven Spielberg

Sex and the City - Por Jackie O.

“Las mujeres hablamos de sexo y de dinero”.

Ya se acerca "Y así..." (And Just Like That... A New Chapter of Sex and the City) Esta semana se estrena la miniserie que nos contará las aventuras de tres mujeres, las cuales nos cautivaron por mucho tiempo (el personaje de Samantha no saldrá en esta miniserie).

Te cuento que en HBO están todas las temporadas de esta serie que comenzó en el año 1998 y terminó en el año 2004, donde hicieron posteriormente dos películas. De estas últimas, acá te cuento de que trataron:

La popular serie de TV debido a su éxito, se atrevió a la realización de sus propias películas, Y ¿Era necesario hacer dos películas de esta serie? No sé. Pero es típico de muchas series famosas, que cuando les va bien se explotan hasta decir basta.

La serie me gusta porque divierte, tan simple como eso: cuatro mujeres que cuentan sus historias personales, y no necesitamos sentirnos identificadas con alguna. Son solo mujeres como tú, yo, alguna conocida, o nadie.

Carrie su protagonista, es una columnista enamorada del amor, que escribe sobre las aventuras y desventuras de ella, gente conocida, o de sus amigas como Samantha, la mayor del grupo, una mujer muy desinhibida, audaz, bella, y que disfruta el sexo sin tapujos. Charlotte, dulce y apasionada, muy culta, que sueña con formar una familia perfecta. Y Miranda, una abogada dura pero apasionada y muy leal.

Tanto en la serie como las películas, se tocan temas sociales, temas de actualidad, sobre vida, sexo, amor, soledad, amistad, dinero, etc. Son temas del día a día que muchos no se atreven a hablar.

Son mujeres empoderadas, y ya muchos satanizan que cuatro mujeres hablen de sexualidad y dinero. Cuando los hombres se vanaglorian de ello siempre, y el público lo toma normal.

En la primera película del año 2008, nos muestran a una Carrie que se casa con su BIG love. Los preparativos de ese magno evento, los terribles pormenores, una luna de miel con las amigas (¿Qué? ¿Cómo es eso?) y muchas cosas más.

Historia de mujeres profesionales acomodadas, no hay pobreza, ningún tipo de necesidad, salvo la afectiva. Y de ahí se amarra esta película, de la falta de afecto en la que se ven a veces nuestras protagonistas.

El amor lo es todo en la vida del ser humano (familia, pareja, amigos, amor propio),  pero acá hacen mucho énfasis en el amor de pareja, es lo que resaltan, sin dejar de lado los otros tipos de amores.

Por supuesto que no dejamos de ver ropa, zapatos, todo tipo de accesorios de las mejores marcas, y muchos restaurantes caros. Consumismo al por mayor (quien no quisiera eso, muchos lo piensan y desean en secreto, y lo niegan en voz alta).

La segunda película del año 2010, era innecesaria pues no le fue tan bien a la primera. En esta nos encontramos con más lujos excesivos, es decir, les ha ido muy bien económicamente a estas chicas que se dan el gusto de gastar mucho dinero, son empoderadas, exitosas, respetadas, y tienen los mejores contactos para disfrutar (escenario principal Abu Dabi). En esta película no solo se habla de dinero y amores, si no que de los problemas que trae la maternidad, de hormonas, sobre la fidelidad, y la represión que se le hace a las mujeres en algunos sectores.

Estamos ante dos películas, que si viste la serie (las cuales dan constantemente en TV) sabes lo que esperas. Es más, las películas están hecha para quienes vimos todas las series y conocemos a todos sus personajes, las aventuras y desventuras de estas mujeres.

En todas las series, es bueno saber los detalles cuando te sumerges en ellas. Pero si no las viste y te embarcas en estas películas, no te perderás.

Así que, simplemente, te puedo decir que ambas películas son entretenidas. Para pensar en nada, solo mirar, pues no tienen un buen guion. Solo es visual, hermosamente visual, con una buena música de fondo, personajes muy carismáticos, vestuario y accesorios soñados, maquillaje y peinado destacable.

A mí en lo personal no me aburre porque me distrae, y las he visto en incontadas ocasiones, y la distracción muchas veces es necesaria. No necesitamos ver películas intelectuales siempre, para sentirnos o hacernos los intelectuales, muchas veces la distracción banal es justa y necesaria.

Películas y serie completa en HBO.

Ficha técnica

Tema principal "Sex and the city theme"
(compuesto por Bob Boykin, Kenneth Burgomaster, Bob Christianson, Douglas J. Cuomo, Didier Rachou)
Sarah Jessica Parker (Carrie Bradshaw)
Kim Cattrall (Samantha Jones)
Kristin Davis (Charlotte York)
Cynthia Nixon (Miranda Hobbes)
Género: comedia dramática y romántica

La Casa Gucci - Por Carlos Correa

Basada en el libro escrito por Sara Gay Forden titulado “The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed”, esta cinta dirigida por Ridley Scott presenta el drama criminal en torno al asesinato de Maurizio Gucci, heredero del creador de la moda Gucci, por encargo de su exmujer Patrizia Reggiani. Con guion de Roberto Bentivegna y Becky Johnson, la película abarca los hechos desde el año 1978 y narra la historia de ambos jóvenes, sus primeros pasos y sueños, su matrimonio, sus desencuentros, más todos los entreveros familiares y aquellas situaciones que finalmente dan paso al fatal desenlace. 

Personalmente, el trabajo no me convenció. He tratado, al correr de los días, descubrir por qué y creo que varias son las causas basales de una disconformidad que, en vez de atenuarse, ha ido “in crescendo”.

Un tema es la edición. Al comienzo, conté al menos tres cambios de planos sin continuidad; planos cercanos con ángulos diferentes, donde pasa de uno a otro y parecen escenas distintas. Sumado a lo anterior, el guion resulta fraccionado, lo que quita continuidad a la filmación y hace sentir la excesiva duración del metraje. Hay escenas que no se concluyen, o que les falta algo para ser comprendidas, por lo que me da la impresión que hubo mucho material, tal vez para hacer una película aun más larga, y que se debió recortar por obligación.

Pasando a las actuaciones y a su reparto de lujo, también me surgen algunas observaciones. No descubro química entre los protagonistas. Maurizio -Adam Driver-, y Patrizia -Lady Gaga-, actúan indiscutiblemente bien, correctamente, pero esperaba más. Por ejemplo, ninguno de los dos transmite la transformación interna de su personaje y, cuando aquello se vislumbra, es escaso y poco comprensible. Esto condiciona la película pues es intensa por momentos y plana por otros, en un camino tan sinuoso como irregular. Las intenciones de ambas personas representadas resultaron evidentes, y quizás faltó profundizar más cada entrono familiar, especialmente en Patrizia, lo que la situó en un segundo nivel dentro de los planos de acción.

Y sobre el mundo de la moda, tampoco profundiza demasiado, solo marca estereotipos donde el más evidente es el representado por Paolo Gucci, al que Jared Leto hace brillar con una vibrante caracterización. En contrapunto, dos portaviones de la actuación, Al Pacino y Jeremy Irons, encarnando a los viejos Gucci, aportan, claro está, pero los veo desaprovechados, al igual que el resto del elenco que les acompaña.

Lady Gaga, muy bien, una actriz en crecimiento que entrega intensidad en su papel, transmite fiereza, aunque sin conmover. Representa a una mujer interesada, a todas luces, pero también puede ser genuina en otras, y esa diferencia, que no es sutil, pudo haber sido mejor resuelta. Por su parte, Adam Driver se muestra siempre impertérrito. ¿Cuándo cambia? ¿Cuándo logra observar su entorno? ¿Cuándo se da cuenta de lo que sucede? Nada de eso se muestra, solo acontece. Muta, se transforma, pero no a la vista nuestra, o tal vez lo hizo en algunas de esas escenas que, por duración, no quedaron en el corte final.

Esta historia fascinante, a mi modo de ver, queda a medio camino. Pudo ser más concisa, tener más elementos de thriller, ser menos ligera y más profunda, porque hay muchos temas en juego: familia, lealtad, traición, ambición, despecho, frivolidad, protección, etc. Y un punto clave, cuando Maurizio renuncia a su familia y pide la mano de Patrizia pudo representar un buen inicio, real o ficticio, pero un nuevo comienzo, algo que también fue desaprovechado y un poco pasado por encima.

La música me pareció inapropiada para algunas escenas: la boda por ejemplo, y el Mozart en la Gala de Paolo, francamente una versión descuidada (¿a propósito?). Dos botones de muestra para una banda sonora compuesta por Harry Gregson-Williams que se diluye y se evapora.

Pero no todo es negativo. Tiene una buena producción de ambientes estéticos, aunque sin demasiado glamour. Está bien filmada, hay tomas precisas, junto a una continuidad solo alterada por las comentadas decisiones de edición. El oficio de Scott es innegable, sin embargo algo no me cuadra en el resultado global que nos entrega este afamado director.

En resumen, “House of Gucci” es en esencia contradictoria: tres puntos buenos, tres puntos regulares, y así durante sus extensos 157 minutos. ¿Hay que verla? Sí, no hay duda. ¿Recomendable? Sí, porque aporta historia y está basada en hechos reales. No obstante, raya para la suma, para mí queda al debe, en camino, en desarrollo, y aunque esto no es un pecado tan grande, pasa que cuando las expectativas son mayores, recibimos un baño de realidad para poner las piezas en su lugar, reflexionar y evaluar. Y claro, al final es cosa de gustos también, por lo que su opinión, querido lector, puede ser totalmente distinta a la mía y eso es, en esencia, lo subjetivo que sucede con el arte del cine.

Ficha técnica

Título original: House of Gucci
Año: 2021
Duración: 157 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Scott Free Productions, Bron Studios
Género: Drama | Basado en hechos reales. Crimen. Moda. Años 70. Años 80. Años 90
Guion: Roberto Bentivegna, Becky Johnson. Libro: Sara Gay Forden. Historia: Becky Johnston
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Lady Gaga, Adam Driver, Al Pacino, Jeremy Irons, Jared Leto, Salma Hayek, Jack Huston, Alexia Murray, Vincent Riotta, Reeve Carney, Gaetano Bruno, Camille Cottin, Youssef Kerkour
Dirección: Ridley Scott

Britney Vs. Spears - Por Jackie O.

"Free Britney"

Hace poco la Princesa del pop cumplió 40 años, un cumpleaños diferente, pues ya no está bajo la tutela de su padre, quien la mantuvo por 13 años, debido a que, en el año 2008, el comportamiento errático de la cantante hace que sea llevada a un Centro Médico en Los Ángeles, donde se somete a pruebas de detección de drogas y alcohol y una evaluación psiquiátrica, después de una disputa por custodia que hubo en su casa tras la que terminó hospitalizada. Ahí se decidió, por parte del tribunal, y a petición de James Parnell Spears, que este mantendría su tutela, esto es, la administración total de sus bienes y de sus actos. Algunos la llaman "una muerte civil".

Al mes siguiente los padres de Britney efectuaron un comunicado a la prensa, quejándose del alta que le dio el psiquiátrico, ya que estos debían cuidar a su hija pues corría peligro por su inestable salud mental, por lo que la jueza Reva Goetz hace permanente la tutela de Britney Spears ordenada por la corte. El padre de la cantante, junto con el abogado Andrew Wallet, se convierten en cotutores de su patrimonio, y su padre es el tutor de su persona y supervisa su atención médica.

¿Cómo se pudo llegar a esto?, ya que en términos generales, las tutelas permanentes suelen aplicarse con ancianos que han perdido totalmente sus facultades mentales o con personas que sufren algún tipo de discapacidad intelectual, no con casos como el de Britney. Pero todo dependerá del país y leyes con las que nos encontremos.

Este documental nos cuenta casi todo el proceso vivido por la cantante, pues en su estreno aún estaba la batalla por su libertad. Con fotografías, videos y entrevistas de archivo, vemos el calvario de esta joven mujer y madre, que no la dejan respirar tranquila, no solo su familia, también esos que se dicen ser sus amigos y la prensa.

Se entrevistan a abogados, médicos, periodistas, amigos, etc. para conocer su participación en los hechos, o lo que veían respecto a Britney.

Acusaciones entre unos y otros van y vienen, ex parejas, padre, hermana, ex manager, abogados, etc. y Britney está al medio.

El documental nos muestra como dos periodistas siguen su carrera y vida personal, ante la angustiosa prisión que mantiene por tanto tiempo, con dos matrimonios fallidos, peleas por la custodia de sus hijos, giras interminables, abuso de droga y alcohol en algunos momentos, y las decisiones de sus tutores, la mantienen en constante estrés.

Una mujer que nunca pudo ser niña, que como muchos grandes artistas, sus padres ven en esos pequeños la fama y fortuna que ellos no tuvieron, y conocemos muchos casos así. ¿O será que realmente estos padres lo hacen por su bien, poniéndolos en un mundo de adultos a tan temprana edad?

Una mujer exitosa, bella, de una voz maravillosa, con éxito tras éxito en su vida artística, que desea ser querida, algunos la catalogan de dulce, una madre que quiere estar con sus hijos, que quiere independencia, que sabe que ha caído y que se levanta. ¿Pero, está realmente sana?

En el año 2019, Britney decide hacer una pausa en su carrera y se interna voluntariamente en un centro de salud; según sus dichos, necesitaba un descanso. Ese mismo año comienza a circular el hashtag #FreeBritney en las redes sociales. Sus fans están preocupados.

El 31 de agosto de 2020, el abogado de Britney Spears, designado por el tribunal, solicita que Jamie Spears sea destituido como tutor del patrimonio de la cantante y solicita a la jueza que reclute a Bessemer Trust, una firma de administración de patrimonios e inversiones, para supervisar el patrimonio de Britney. Es así que, en noviembre de 2020, la jueza se niega a destituir a Jamie Spears como tutor del patrimonio de Britney, pero nombra a la firma Bessemer Trust para que actúe como cotutor.

En junio de 2021, Spears se dirige a la jueza en su caso de tutela y pide que se ponga fin al acuerdo. Ya es hora de alzar más la voz, la cantante califica a la tutela de "abusiva", y explica que a lo largo de los años se ha sentido obligada a actuar, usar anticonceptivos y tomar medicamentos en contra de su voluntad, así como de indicar a otras personas de su entorno que se habrían beneficiado económicamente de la tutela.

"Solo quiero recuperar mi vida. Han pasado 13 años y es suficiente", dice en algún momento. Por lo que el 7 de septiembre de 2021, y ante la presión mediática, el padre y tutor de su patrimonio, Jamie Spears, presentó una petición para poner fin al acuerdo. El 12 de noviembre de 2021, la Corte termina la tutela.

Interesante documental, que en lo personal esperaba más detalle periodístico, pero eso no deja que sea atrayente, conocer un poco sobre una artistas y su lado menos glamoroso, que nos muestra que todo lo que brilla no es precisamente oro y felicidad.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica 

Año: 2021
Duración: 73 minutos
País: EEUU
Dirección: Samantha Stark
Guion: Liz Day
Música: John E. Low
Fotografía: Emily Topper
Género: Documental - Documental de música - Biográfico

La crónica francesa - Por Carlos Correa

Wes Anderson garantiza originalidad. Este realizador posee un particular sentido estético en el que prima una conjunción de diversos elementos que resultan provocadores. En este sentido, su último trabajo nos presenta una interesante construcción de espacios donde los encuadres, movimientos escénicos y seguimientos juegan un papel fundamental. También se observa un gran despliegue de planos, con acercamientos bruscos y rápidos ajustes, en episodios de marcados contrastes -blanco y negro/color; claro/oscuro-, con reminiscencias barrocas en términos conceptuales. 

La historia firmada por Wes Anderson, Roman Coppola y Hugo Guinness, es sencilla, sin embargo la forma de narrarla es lo que marca la diferencia. El guion es intrépido, nos obliga a dejarnos sorprender, a disfrutar más que a entender, aun cuando en esta ocasión el hilo conductor es menos complejo que en otras oportunidades. La gran cantidad de personajes entrega una variedad inmensa y características disímiles que son difíciles de llevar, complejas de congeniar y desafiantes al momento de componer un acabado relato.

Vamos al argumento. “The French Dispatch of the Liberty, Kansas Evening Sun”, su título original, da cuenta de Arthur Howitzer Jr. -Bill Murray-, editor del periódico “The French Dispatch” con oficina en la ficticia ciudad francesa de Ennui-sur-Blasé, quien muere repentinamente de un ataque al corazón. Como las instrucciones son claras, el medio debe cerrar de inmediato y los colaboradores deben preparar la publicación del último número.

Comienza entonces la crónica, con una primera sección introductoria, un recorrido en bicicleta ilustrado por Herbsaint Sazerac -Owen Wilson-, que entrega el contexto sobre el lugar dónde se desarrollan las acciones. La secuencia inicial da paso a una primera historia que describe a Moses Rosenthaler -Benicio del Toro-, un artista con trastornos mentales condenado en la prisión de Ennui por asesinato. Rosenthaler trabaja pintando desnudos inspirados en su guardia, Simone -Léa Seydoux-, con quien además tiene un romance, y tiene ofertas de Julien Cadazio -Adrien Brody-, para comercializar sus especiales obras. ¿Arte por obligación o una vía de escape para sobrellevar el encierro?

La segunda crónica se trata de un reportaje de Lucinda Krementz -Frances McDormand-, sobre una manifestación estudiantil en las calles de Ennui de las que el joven Zeffirelli -Timothée Chalamet-, es uno de sus líderes. Uno de los objetivos del movimiento es la elaboración de un manifiesto, algo que llama la atención a Krementz quien se involucra sentimentalmente con Zeffirelli y le ayuda a escribirlo, dejando de lado su neutralidad periodística. Observamos acá un gran contraste entre el joven idealista y la reportera mayor, un manifiesto de sueños e ilusiones enfrentado al realismo que entregan los años y la experiencia.

La tercera historia versa sobre el Comisionado de la policía local. Narrada por Roebuck Wright -Jeffrey Wright-, un periodista gastronómico, da cuenta de una comida especial preparada por el chef, teniente Nescaffier -Stephen Park-, momento en el que el hijo del comisionado es secuestrado. Las peripecias del rescate, los enfrentamientos y persecuciones, son vertiginosas, acentuadas con la incorporación de vibrantes animaciones para algunas de sus secuencias. El epílogo de la cinta coincide con el del periódico, y cierra brillantemente el ciclo, con todos los colaboradores llorando la muerte del editor y honrando su memoria.

Párrafo aparte para la música escrita por Alexandre Desplat. Juega un papel fundamental en la continuidad del metraje. Con ciertos toques de Erik Satie, usa elementos minimalistas para desarrollar una banda sonora que no solo acompaña, sino que funciona como nexo narrativo, individualizando características y también, en base a múltiples repeticiones, marcando singularmente algunas escenas.

Wes Anderson, una vez más, logra entregarnos un trabajo cautivador, interesante, inteligente, agudo y diferente. La maestría de la propuesta se encuentra en su irreverencia -en la que también se mira al ombligo, naturalmente-, junto con la búsqueda de horizontes distintivos y poco convencionales. El resultado es llamativo y provocativo a la vez. No puede haber indiferencia. Podemos compartir o no lo expuesto, pero es irresistible y más aún, en extremo disfrutable. Verdaderamente nos transportamos al mundo de Anderson y no podemos escapar de él, algo que pocas veces sucede y que constituye una enriquecedora experiencia.

Ficha técnica

Título original: The French Dispatch (of the Liberty Kansas Evening Sun)
Año: 2021
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Studio Babelsberg. Distribuidora: Searchlight Pictures
Género: Comedia. Drama | Periodismo. Historias cruzadas
Guion: Wes Anderson. Historia: Wes Anderson, Roman Coppola, Hugo Guinness
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Robert D. Yeoman
Reparto: Benicio del Toro, Frances McDormand, Jeffrey Wright, Adrien Brody, Tilda Swinton, Timothée Chalamet, Léa Seydoux, Owen Wilson, Mathieu Amalric, Lyna Khoudri, Steve Park, Bill Murray, Saoirse Ronan
Dirección: Wes Anderson

Resident Evil: Welcome to Raccoon City - Por Jackie O.

"Sobrevivencia, pero de los espectadores"

Resident Evil (“el mal que reside”), es una serie de videojuegos y una franquicia, entre los que se incluyen manga, novelas, películas, figuras de acción, y más.

La trama principal gira en torno a una amenaza bioterrorista. Un peligroso virus se ha propagado por error, o intencionalmente, por la Corporación Umbrella; este, al infectar a los humanos, los transforma en seres amorfos y monstruos.

El año 2002 apareció la primera película sobre este video juego siendo encabezado por Milla Jovovich, quien deslumbró con su actuación, entregándonos seis películas. Pero esa franquicia terminó, y se le ha dado cabida a nuevos rostros y, por ende, nuevos personajes de dicho juego, que los grandes "gamers" decidirán si se ajusta o no a el video juego.

¿Qué tenemos acá? En un flashback, Claire y Chris Redfield son dos hermanos huérfanos que viven en el orfanato de Raccoon City. Claire conoce y se hace amiga de Lisa Trevor, una chica desfigurada con la que se ha experimentado. El Dr. William Birkin, un empleado de Umbrella Corporation, supervisa el orfanato y utiliza a los niños para su propia investigación. Al pasar los años, Claire se va de Raccoon City, y por alguna razón vuelve a la ciudad justo cuando esta está con una amenaza de destrucción. ¿Lo sabía, fue coincidencia? No lo sé. Su hermano es un dedicado policía, que es parte de un grupo que cuida esta fantasmal ciudad, con personas, muchas enfermas. Umbrella ha dejado su estela de experimentos en el aire.

Tenemos diversos personajes, la mayoría muy audaces y otros caricaturescos, como el "novato", un joven policía que es un personajes muy ineficiente e innecesario en la trama. También tenemos los superpolicías que van a todas, y por supuesto los zombies-moustros mutantes, pues esa es la gracia de esta película, el pelear y sobrevivir ante esta amenaza de monstruos.

La película no entretiene, lamentablemente, teniendo todos los elementos para hacerlo. Sí gustará mucho a los fanáticos de la sangre y los monstruos, por que es una película violenta en ese aspecto. No sé si los gamers la aprobarán, pues ellos en su experticia verán si se ajusta a sus conocimientos.

Existen problemas de edición, guion incoherente, y muchas actuaciones forzadas. Y el villano fue desaprovechado, siendo un gran actor.

Lo único que puedo rescatar es el maquillaje.

Este es el inicio de una nueva saga de películas, que espero mejore su calidad en las futuras presentanciones. No pierdo la esperanza, que en algún momento volvamos a ver a Milla.

Advierto que hay una escena post crédito, que nos avisa lo que sabemos, viene más.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

Dirección: Johannes Roberts
Guion: Johanned Roberts y Greg Russo
Basada en Resident Evil de Capcom
Música: Mark Korven
Fotografía: Maxime Alexandre
Protagonistas: Kaya Scodelario, Hannah John-Kamen, Robbie Amell, Tom Hopper, Avan Jogia, Neal McDonough, Donal Logue, Lily Gao.
País: Alemania- EEUU
Año 2021
Género: Acción, Ciencia ficción, Terror Zombis
Duración: 112 minutos

Resident Evil: Bienvenidos a Racoon City - Por Juan Pablo Donoso

7ª secuela de la serie de terror y violencia cuyo origen es un video juego con el mismo nombre.

Los episodios anteriores aprovecharon la popularidad mundial del juego para hacer películas con esos mismos personajes.

Fue así como la actriz ucraniana Mila Jovovich (Hellboy - 2019) se consagró como la bella, invencible y despiadada heroína. Y el guionista y director británico Paul W.S. Anderson mantuvo la saga con un alto rating de seguidores.

Pero cuando la veta ya parecía agotada, otro guionista y director inglés - Johannes Roberts - decidió seguir explotándola. El resultado fue poco feliz.

A pesar de tener buen presupuesto y de poner a la talentosa Kaya Scodelario (Piratas del Caribe) como protagonista, la pobreza del guion, la carencia elemental de lógica, y la superficialidad de los personajes terminan entregando - a pesar de ellos - una sátira involuntaria.

Para estar a la altura de las anteriores recurren a una majamama de violencia, sangre, monstruos y zombies que, bien espolvoreados con mucho lenguaje procaz, logran más risa que tensión y suspenso.

Diálogos ramplones, innecesarios y ridículos. Ejemplo: a un personaje completamente desfigurado y chorreando sangre por la boca, le preguntan con toda naturalidad: “¿Estás bien?”. ¡Por suerte omitieron la respuesta!

Todo ocurre en una ciudad en decadencia - Racoon City - donde antes hubo una gran empresa farmacéutica que, al irse dejó el subsuelo y el aire letalmente contaminados (¿resonancias de Chernóbil?).

Nuestra heroína Claire Redfield vuelve al orfanato de su infancia a visitar a su hermano que permaneció allí. Y, justo con su llegada, se enciende la alarma de que todo el pueblo sucumbirá bajo una explosión.

Será entonces cuando comiencen a pulular los zombies por las calles mientras las autoridades tratan de escapar. Morirán todos los secundarios, a veces por la misma contaminación, y otras devorados por los monstruos.

Cuando, por último, todo se derrumba, y sólo sobreviven los “jovencitos(as) buenos(as)”… menos uno de ellos: Wesker (Tom Hopper), el guionista nos consuela durante los créditos finales. El occiso resucita en la morgue, una doctora china (Lily Gao) le entrega unos anteojos especiales… y ¡estamos listos para la siguiente secuela!

SÓLO PARA LOLOS MARIHUANEADOS QUE GOZARÁN CON LAS MONSTRUOSIDADES Y CON ALGUNOS PRECARIOS EFECTOS ESPECIALES. 

Ficha técnica  

Acción, Terror, Ciencia ficción 

Alemania, Canadá, Estados Unidos - 1,47 hrs. 

Fotografía: Maxime Alexandre 

Edición: Dev Singh 

Música: Mark Korven 

Diseño Prod.: Jennifer Spence 

Actores: Kaya Scodelario, Robbie Amell, Hannah John-Kamen 

Guionista y Director: Johannes Roberts

Una serena pasión - Por Carlos Correa

Esta es la historia de Emily Dickinson, una poetisa norteamericana que permaneció la mayor parte de su vida en casa de sus padres en Amherst, Massachusetts. Emily, nacida en 1803, se retrajo muy tempranamente. Poco se sabe de su vida, sin embargo, desde muy joven fue afectada por traumas emocionales que influyeron en su comportamiento y delinearon su futuro. Alejada de cualquier tipo de vida social, la joven encontró refugio en las letras, en el arte de las palabras, en la expresión de sentimientos profundos a través de sentidos poemas que poco a poco fueron viendo la luz.

“Una serena pasión” es una historia triste, un relato que muestra a una persona que se siente oprimida, que percibe que no encaja en el mundo, algo que le produce angustia y una serie de otros sentimientos que la hacen canalizar su alma a través de una poesía fina y aguda que a la postre le resultará liberadora. También, la película ejemplifica lo que significa la carencia, en este caso espiritual, lo que conduce a Emily a través de diferentes rumbos, muchas veces contradictorios, en una búsqueda incansable de certezas y encuentros personales a través de un arte especialmente complejo.

Debo reconocer que me costó empatizar con Emily Dickinson a pesar de la actuación protagónica consistente que realiza Cynthia Nixon. Tal vez, en parte, es por la representación de su edad. Creo que la presentan muy mayor siendo aún joven con el fin de cubrir más años, situación que me parece un poco forzada y encasillada. Asimismo, percibo la construcción de los personajes secundarios bastante lejana, aunque caracterizados a través de contrapuntos clave; el padre y la madre, el hermano y la hermana, y por supuesto su mejor amiga.

En un aspecto importante, el aislamiento se encuentra bien representado, describe certeramente ese mundo interior abyecto, por momentos insufrible, cuyo único escape se encuentra en la expresión de palabras que cobran sentido al unirse con exuberante belleza. Asimismo, me llama la atención la ausencia de música o banda sonora en grandes secciones del metraje. No comprendo la decisión, me hizo falta, sobre todo en largas escenas que, pienso, habrían ganado mucho con una apropiada sonoridad acompañante, no central, en un plano diferente, compuesto, orquestado, para destacar movimientos o declamaciones.

Como no logré empatizar, me faltó más cercanía, más profundidad y más puntos de unión en esta historia. Estimo, también, que en ocasiones su poesía se hace difícil de seguir, debido a sus traducciones más literales que poéticas, algo que perturba y no permite apreciar el vuelo propio del idioma original.

El director Terence Davies se arriesga con este trabajo. Su ritmo cansino y por momentos de muy baja tensión, tiende a caer en algunos baches narrativos de los que cuesta sobreponerse. Sin embargo, y aun así, logra entregar una ventana a la historia de esta reconocida poeta, a través de una perspectiva personal que posiblemente nos incentive a descubrirla en otros aspectos y a conocer más de su vida y obra.

Ficha técnica

Título original: A Quiet Passion
Año: 2016
Duración: 125 minutos
País: Reino Unido
Productora: Hurricane Films, Potemkino
Género: Drama | Biográfico. Literatura. Siglo XIX
Guion: Terence Davies
Fotografía: Florian Hoffmeister
Reparto: Cynthia Nixon, Jennifer Ehle, Duncan Duff, Keith Carradine, Jodhi May, Joanna Bacon, Catherine Bailey, Emma Bell, Benjamin Wainwright, Annette Badland, Rose Williams, Noémie Schellens, Miles Richardson, Eric Loren
Dirección: Terence Davies

Atrapados en Japón - Por Jackie O.

"Siempre hay historias de contar".

Un documental interesante, nos cuenta en su premisa que en el año 1941, seis periodistas chilenos fueron invitados a recorrer Japón, China y otros lugares, con el fin de crear lazos y principalmente que la imágen de ese sector del oriente fuera mejor vista por otros países, en una época delicada en plena segunda guerra mundial.

La periodista y cineasta, experta en stop motion Vivienne Barry, nos cuenta la historia de su padre, Carlos Barry, quien falleció cuando ella tenía 10 años. No lo conoció lo suficiente, pero en el trancurso de los años ha encontrado dentro de sus pertenencias una vida de él que no conocía del todo, y trata de recrearla.

El relato se acompaña con imágenes de archivo, fotografías, diarios y videos, además figuras en stop motion, lo cual es agradable a la vista. También cuenta, con voz en off, gran parte de la propia Vivienne quien nos va relatando lo que vemos, y una voz masculina, Juan de Dios Spoerer, quien hace del padre hablando en algunos momentos.

Sabemos que Carlos Barry embarcó junto a cinco periodistas más, a efectuar una visita de tipo diplomática, él no sabe por qué ellos fueron elegidos, está nervioso pues es el más joven y sin mucha experiencia. Estuvieron viajando aproximadamente dos meses en un barco de lujo.

Llegando a Japón fueron recibidos con las solmenidades correspondientes. Vivió experiencias inolvidables que lo regocijaron, desde concurrir a reuniones y conocer la ciudad, hasta ver un espectáculo de geishas que lo dejó hipnotizado.

Su viaje a China fue diferente, la solemnidad era de tipo militar, no había hoteles lujosos y el ambiente era más tenso. Vio mucha decadencia humana en el camino.

Todo lo que vemos es relatado por nuestros locutores. Vivienne, además, concurre a alguno de esos lugares, ya que quiere saber más, sentir más lo que vivió su padre, esa experiencia que lo marcó según sus notas.

Cuando Carlos Barry iba a volver a Chile debido a que la gira queda suspendida por conflictos internacionales, ocurre el ataque a Pearl Harbor, un hecho que conmocionó todo. Estos periodistas se embarcaron en un buque de evacuación donde ibansde todo tipo de personas, de presos hasta monjas, en un barco que era para 200 iban 600 personas. Ya no hay lujos como la ida a Asia, volver a Chile fue de sacrificio e incertidumbre. Estaban en plena guerra, en aguas peligrosas.

Un interesante documental por sus antecedentes, por esos recuerdos que nos muestran la experiencia de un joven que fue a un rincón de Asia en un momento totalmente convulsionado.

Bien editado, con buena mezcla de técnicas cinematográficas en fotos-video, personas-figuras animadas, música-silencio.

La parte negativa, para mí, de este documental, es la voz de locución de la misma, Vivienne, la cual es sin fuerza, sin entusiasmo, más bien letargada, sin delicadeza, sin nada. Si no fuera por el buen trabajo visual, y la historia que vamos conociendo, se habría caído solo por su baja calidad en la locución.

Disponible en OndaMedia.cl

Ficha técnica 

Año: 2015
Largometraje documental
Duración:  70 minutos
HD / Color
Dirigida por Vivienne Barry
Guion: Renato Villegas y Vivienne Barry
Dirección de fotografía: Arnaldo Rodríguez
Montaje: Danielle Fillios y Fernando Valenzuela Quinteros
Dirección de arte: Barbara Perelman
Sonido: Nadine Voulliéme
Música: Njo Kong Kie
Animación: Gabriela Villalobos y Vivienne Barry

Westworld - Por Jackie O.

"¿Cumplir fantasías o jugar a ser Dios?"

Estamos ante una serie que está basada en un libro del mismo nombre de Michael Crichton (quien ha escrito varias obras, muchas llevadas a la pantalla), libro que el mismo autor llevó al cine el año 1973.

Una serie de 3 temporadas, pero que en esta oportunidad hablaré solo de la primera. Y en otro post me podré al día con las otras.

La serie tiene lugar en Westworld, un parque de fantasía técnicamente avanzado, donde viven robots artificiales muy similares a los humanos, llamados "anfitriones", y están destinados a satisfacer los deseos de los visitantes ricos que van llegando al lugar, "los huéspedes". Estos recién llegados pueden hacer lo que quieran dentro del parque, sin temor a represalias por parte de los anfitriones.

Todo va bien, según lo programado, durante años, y los encargados del parque tienen un dominio completo sobre los robots, hasta que un día, cuando una actualización del sistema de las máquinas sale mal, sus comportamientos comienzan a sugerir una nueva amenaza como conciencia artificial al darse cuenta de su verdadera naturaleza.

Una serie de ciencia ficción que combina los mundos vaquero y futurista de muy buena forma. Su guion es atrapante, pero va de a poco introduciéndonos en la historia hasta tornarse adictiva.

Su puesta en escena es deslumbrantes. Vestuario y maquillaje muy destacable. Y qué decir de las actuaciones, un elenco formidable.

Con capítulos complejos, llenos de ideas filosóficas, de la vida y muerte, puede que en algún momento sientas que la trama sea confusa con sus temas simbólicos y de espacio-tiempo, ya que se plantean casi todos los temas fundamentales y retóricos de la humanidad: la entropía de la vida humana, el amor y el odio, padres e hijos, la religión y la fe en Dios, la globalización, la robotización, la absorción de la microeconomía de los estados por las supercorporaciones, control de la información, el libre albedrío, bondad, maldad y más.

Es una historia muy interesante.

Sí, hubo algo en que puedo reparar, y fue su último capítulo, el que no tuvo la fuerza con la cual nos mantenía inmersos la serie, su ritmo fue diferente. Pero eso no deja que existan ganas de ver pronto la próxima temporada. Y tal vez para otros puede que sea una trama confusa y la dejen a mitad de camino, por que sí, toca muchos temas, no es solo una ciencia-ficción para entretención.

Disponible en HBO.

Cuenta con diversos premios.

Ficha técnica

Género: Ciencia ficción, Wéstern
Directores: Jonathan Nolan y Lisa Joy
Basado en Westworld de Michael Crichton
Protagonistas: Evan Rachel Wood, Thandie Newton, Jeffrey Wright, James Marsden, Luke Hemsworth, Rodrigo Santoro, Angela Sarafyan, Ed Harris, Anthony Hopkins, Ben Barnes, Tessa Thompson, Gustaf Skarsgård, Aaron Paul, Vincent Cassel
3 temporadas
Primera temporada llamada "El laberinto" de 10 episodios
Año: 2016