La Caída - Por Carlos Correa

Disponible en Amazon Prime.

Esta cinta dirigida por Lucía Puenzo, literalmente se sumerge en el mundo del deporte de alta competencia. Se trata de un equipo de clavadistas, con su principal estrella, Mariel -Karla Souza-, quien ha obtenido una medalla para México en los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992. Se acerca Atenas 2004, y Mariel sigue siendo pilar en el equipo, aunque a esas alturas ya es considerada una veterana.

Su compañera de salto sufre una severa lesión por lo que es urgente que alguien la sustituya. El entrenador principal, Braulio -Hernán Mendoza-, se decide por una adolescente de 14 años -los mismos que tenía Mariel el 92-, llamada Nadia -Dèja Ebergenyi-, una talentosa joven pero a la vez inexperta en competencias de ese nivel. Mariel la rechaza de plano, pero el exigente entrenador la convence de darle una oportunidad. El tiempo apremia, quedan pocas semanas. Deben entrenar duro para llegar a competir.

En medio de la exigente preparación, cae la bomba. La madre de Nadia denuncia ante la Federación que su hija es abusada sexualmente por su entrenador. Braulio es suspendido de inmediato, comienza la investigación interna, y también muchas gestiones. Mariel ve esfumarse el sueño, la última posibilidad que tiene de participar olímpicamente y conseguir otra presea. Le piden que dé testimonio de su relación con su entrenador; son casi 15 años, lo hace, lo defiende, pone las manos al fuego por él. Y Nadia, la principal involucrada, niega todo. Dice que es una mentira configurada por su madre, una falsedad absoluta.

Escrita por Mónica Herrera, Samara Ibrahim, Tatiana Merenuk, María Renée Prudencio y Lucía Puenzo, “La Caída” ofrece un permanente manto de duda. Su trama es clarísima y a la vez confusa. Configura varios planos, donde la intimidad se cruza con la autoestima, la valoración interna y externa en la que el foco en lo deportivo llega a obnubilar otras áreas. Hay algo en el trato, en cierta cercanía, pero nada demasiado claro. ¿Acciones inapropiadas? Es posible, pero tampoco certezas absolutas. Más que mal, en todo esto está en juego la credibilidad, el soporte y el prestigio de un entrenador reconocido por muchos éxitos deportivos.

¿Cómo actuar frente a situaciones así, cuando hay sospechas pero no certezas? ¿Una denuncia? ¿Qué se debe hacer? Hay otros intereses, y la duda logra imponerse. ¿Callar, silenciar? ¿Para qué, por qué cubrir algo así? La vida privada está de por medio, hay secretos, y menores de edad involucrados. Puede haber un delito. Se debe investigar hasta comprobar.

Karla Souza cumple un papel destacado al protagonizar la película, brindando un rol sólido y creíble Se preparó por años con un equipo de clavadistas de una universidad de Estados Unidos para configurar la disciplina que muestra Mariel en pantalla. En una entrevista al medio harpersbazaar.mx, Souza resume "La Caída" como muchas historias en una, con especial dedicatoria a la clavadista Azul Almazán, quien a sus 19 años denunció a su entrenador por acoso. “Ha sido muy sanador y catártico porque es un proyecto en el cual llevo trabajando 10 años y no tenía la perspectiva de cómo lo iba a recibir la gente”, comenta. “Quería hacer una película sobre el deporte en México, empecé a investigar sobre clavados, ya que siempre me han fascinado, aunque nunca los había practicado. Y en mi investigación me encontré con una carta de la clavadista Azul Almazán, que hablaba sobre el abuso psicológico, emocional y físico que recibió por parte de su entrenador”, concluye.

“La Caída” va de menos a más, in crescendo, con actuaciones convincentes. Si bien algunos entornos, como el equipo de clavadistas, la competencia deportiva, los entrenamiento y la convivencia, no se encuentran tan bien delineados como los personajes principales, lo compensa una dirección firme y una cámara cercana. Lucía Puenzo logra retratar adecuadamente lo que se propone y abre una reflexión mayor sobre situaciones que no son tolerables y que pueden, incluso, ser normalizadas, algo que definitivamente se debe erradicar en absolutamente todos los ambientes.

Ficha técnica

Título original: La caída
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: México
Compañías: Coproducción México-Argentina-Estados Unidos; Amazon Prime Video, Madam X, Filmadora Nacional, Filmadora, Infinity Hill. Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Drama. Thriller | Basado en hechos reales. Abusos sexuales. Deporte
Guion: Mónica Herrera, Samara Ibrahim, Tatiana Merenuk, María Renée Prudencio, Lucía Puenzo
Fotografía: Nicolás Puenzo
Reparto: Karla Souza, Hernán Mendoza, Dèja Ebergenyi, Claudia Lobo, Enrique Singer, Mabel Cadena, Christian Vazquez, María Renée Prudencio, Mauricio Pimentel, Amalia Rangel, Fernanda Borches, Gizeht Galatea
Dirección: Lucía Puenzo

Avatar: el Camino del Agua - Por Juan Pablo Donoso

Un nuevo y mejor banquete para los que disfrutaron con Avatar 2009.

US$350,000,000 aprovechados al máximo.

Lo que antes sucedió en el idílico bosque de Pandora, esta vez, al ser invadidos por los Perversos de la Tierra, deben trasladarse donde una tribu de bondadosos seres acuáticos. Junto con ellos, y luego de aprender a vivir bajo el agua, enfrentarán al maligno Coronel Quaritch con su ejército de helicópteros, y un batallón de sicarios dispuestos a matar a cualquiera con tal de ganar dinero.
El objetivo de Quarutich es hallar y destruir a Jake Sully, y a su nueva familia, por haberlo vencido en el pasado.

Antes, Jake, nuestro héroe, se enamoró de una mujer navi y debió optar vivir entre los humanos o los navi.

Éstos miden 3 metros de altura, tienen la piel azul brillante, ojos grandes y colas.

Jinetes que cabalgan en aves voladoras, o a horcajadas en leales criaturas submarinas.

Son muchos los personajes azules (con y sin colas), y todos claramente diferenciables; hay referentes útiles a la precuela anterior.

Universo de fantasía superior a la realidad cotidiana. Sus personajes sienten y se comportan según los valores eternos del ser humano ideal. Saben internarse en el nimbo de árboles milenarios para comunicarse con sus antepasados.

Además de las muchas batallas que se libran, la última, la del clímax, es larguísima: va superando una etapa tras otra hasta llegar al clásico enfrentamiento de las grandes epopeyas: el combate cuerpo a cuerpo entre los dos antagonistas principales.

Por supuesto que, a pesar de todos los flagelos recibidos por el “malo”, la contienda queda abierta para seguir en “el próximo capítulo”.

“El camino del agua no tiene principio ni final; el mar que nos rodea está también dentro de nosotros”. Premisa metafórica y bellamente representada.

Aunque se echa de menos un intermedio, la calidad del guion y el esplendor visual nos permiten soportar de las 3 horas y 15 minutos. Recomendamos verla en IMAX y 3D.

EPOPEYA BÉLICA COLOSAL. UN MUNDO EXHUBERANTE DE FANTASÍA DONDE SUS EXÓTICOS PERSONAJES SON MORALMENTE MÁS SABIOS Y SENSIBLES QUE NOSOTROS.

Ficha técnica

Título Original: The Way of Water

2022 Acción, aventura, fantasía EE.UU. - 3,15 hrs. 

Fotografía: Russell Carpenter 

Edición: David Brenner, James Cameron, John Refoua,Stephen E. Rivkin 

Música: Simón Franglen 

Diseño Prod.: Dylan Cole, Ben Procter 

Guion: James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver 

Actores: Zoe Zaldana, Sam Worthington, Kate Winslet, Sigourney Weaver 

Dirección: James Cameron

Emancipación - Por Carlos Correa

Disponible en Apple TV+.

Escrita por William N. Collage, esta película se basa en la vida real de Gordon -Peter en la película-, un esclavo que en la década de 1860 logra escapar de la plantación donde se encuentra sometido junto a su familia. La imagen de su espalda flagelada, una icónica fotografía tomada el año 1863 que muestra impresionantes cicatrices, se convierte en un símbolo, en una prueba empírica de la brutal esclavitud en Estados Unidos, justo cuando el país se acerca al tercer año de una sangrienta guerra civil y el Presidente Abraham Lincoln emite la histórica Proclamación de Emancipación: “todas las personas detenidas como esclavos” -dentro de los estados rebeldes- “son, y en adelante serán libres.”

Dirigida por Antoine Fuqua, la cinta muestra con crudeza la violencia ejercida hacia el pueblo esclavo, el sufrimiento que se le infringe, el abuso de poder, y la utilización de la fuerza bruta, entre muchas otras cosas; incomprensible, abominable, aborrecible. El relato refleja tristeza, ira, pero también amor; mucha fe y esperanza en momentos oscuros de inestabilidad social y política. Todavía no se entiende por qué era aceptada la esclavitud como algo normal, un bien preciado e incluso deseado por los dueños, sin embargo no se puede desconocer el contexto histórico en que está condición se da, ni perder de vista la gran lucha abolicionista de la época.

El protagonista es interpretado por Will Smith, y ciertamente aquello envuelve una cierta polémica luego de la última entrega de premios Óscar. Después del incidente Smith se alejó, o más bien fue alejado, de numerosos proyectos fílmicos. Incluso esta película se había postergado hasta 2023, sin embargo, en una arriesgada apuesta, es la primera cinta del actor luego de aquella bofetada que dio la vuelta al mundo.

Independiente de todo aquello que no es propiamente cine, el actor está irreconocible en esta actuación. Logra una caracterización diferente, por cierto manteniendo su habitual fuerza, pero con un espíritu interno que emerge como impulso vital para configurar un personaje difícil y complejo. Y es que Peter no es cualquier esclavo. Primero es el “pater familia”, el sostén de su esposa e hijos, un rebelde que debe tolerar algunas cosas para no poner en peligro a los suyos. Segundo, es un tipo inteligente y que tiene claro que lo suyo no es una carrera corta, es una verdadera maratón, donde debe sortear obstáculos que a cualquiera desanimarían de solo pensarlo. Y tercero, tiene un mundo interno riquísimo, una fe que mueve montañas, una confianza ciega en Dios y en su voluntad.

Desde el punto de vista técnico, Fuqua compone la obra en tres partes y un epílogo. En la primera tomamos conciencia del escenario de la esclavitud, lo inhumano y brutal que resulta algo que actualmente no somos capaces de concebir. En la segunda comienza la acción, porque se trata de la huida. Peter debe sobrevivir a cómo dé lugar, por lo que las conexiones y los recuerdos juegan en ello un papel vital. El fin último no puede perderse de vista; es lo que permite luchar por una libertad que adquiere sentido, que acrecienta la fortaleza interior, que forja la templanza y configura la resiliencia del protagonista. Es un escape icónico, un homenaje a miles que tal vez quedaron en el camino, un reconocimiento a la valentía y tesón de los que sí consiguieron lograr el objetivo. La tercera parte se centra en la búsqueda de su familia, para librarla del sufrimiento y para cumplir la palabra empeñada. El epílogo es el sello de un filme que, luego de su explícita crudeza, se hace fuerte a través de la redención.

Destaca de sobremanera la fotografía de esta cinta. Es un blanco y negro especial, con tonalidades, no aplicado en forma estricta. Los colores y filtros aparecen muy levemente. Sutiles amarillos, verdes y azules, casi a modo de metáforas, van permeando las imágenes, asociando hechos y estados de ánimo, situaciones y carácter, fracasos y conquistas, en un ir y venir de diversas emociones.

“Emancipation” fluye de la mano de Fuqua y Smith. Esta bien filmada y bien editada. Es algo larga, sí, pero lo justifica con detalles precisos y un guion que permite capturar momentos revelantes. Una apuesta arriesgada en muchos aspectos y que bajo mi punto de vista obtiene un lugar dentro de las películas destacadas de este 2022.

Ficha técnica

Título original: Emancipation
Año: 2022
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple TV+, CAA Media Finance, Escape Artists, McFarland Entertainment. Distribuidora: Apple TV+
Género: Aventuras. Acción. Drama. Bélico. Thriller | Basado en hechos reales. Esclavitud. Drama sureño. Siglo XIX
Guion: Bill Collage
Música: Marcelo Zarvos
Fotografía: Robert Richardson (B&W)
Reparto: Will Smith, Ben Foster, Mustafa Shakir, Ronnie Gene Blevins, Charmaine Bingwa, Gilbert Owuor, Dan Matteucci, Steven Ogg, Grant Harvey, Jared Bankens
Dirección: Antoine Fuqua

Un Mundo Extraño - Por Carlos Correa

Esta colorida fabula animada escrita por Qui Nguyen y dirigida por Don Hall, sitúa un contrapunto entre el ir a descubrir o mantenerse en lo que conocemos; el riesgo versus lo seguro, explorar versus proteger. Para representarlo vemos a los Clades, una familia inquieta de reconocidos exploradores liderados por el incontenible Jaeger. Sin embargo, su hijo Searcher es distinto y no comparte los sueños de su padre. Esa diferencia, ese quiebre en un crucial momento, configura el primer escenario del relato, que se retoma 25 años después, con Searcher adulto junto a su esposa Meridian, y su hijo adolescente Ethan.

La película abarca generaciones y cómo ciertos patrones suelen repetirse o no, en el estirpe familiar. Si bien hay genes compartidos, nunca son del todo uniformes; convive la valentía con el temor, el amor al riesgo con la precaución, sobre todo en tiempos de descubrimientos alucinantes que permiten recapitular la vida y tomar conciencia de un entorno mayor.

Esta nueva aventura de Disney tiene muchísimos elementos y es visualmente encantadora gracias a variados y atractivos colores. Si bien la premisa es simple, puede complejizarse para los más pequeños al abundar en situaciones que pueden resultar más abstractas de comprender. No obstante, cuando la diversión se desata, la diversidad de personajes y la multiplicidad de especies la dotan de un buen formato que hace una pertinente analogía con el medio ambiente y el planeta vivo. Una temática actual y en extremo necesaria.

Ficha técnica

Título original: Strange World
Año: 2022
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Walt Disney Animation Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Animación. Aventuras. Fantástico. Ciencia ficción. Comedia | Familia
Guion: Qui Nguyen
Música: Henry Jackman
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Don Hall, Qui Nguyen

Se Acabó el Amor - Por Jackie O.

"Las mejores conversaciones, se tienen con desconocidos"

Una película que trata de relaciones de pareja, y de cómo perder lo que podría haber sido una buena relación, cuando las adicciones están presentes.

Syd, es un adicto a las drogas, y se entera que le harán una fiesta de despedida a su ex novia London, y una amiga en común lo invita, lo que a la dueña de casa le molesta.
Además, Syd lleva a un sujeto, Bateman, que acaba de conocer en una venta de droga.

Así, juntos van a esta fiesta y son los primeros en llegar por lo que deciden encerrarse en el baño a esperar, jalando algunas líneas de coca. Así, entre línea y línea, comienzan a filosofar de la vida, la muerte, la existencia de Dios, el amor, el desamor, lugar donde van llegando otras dos chicas para seguir jalando y filosofando.

Es tanta la droga en su cuerpo que la filosofía es profunda e incoherente, a veces, pues se abren para contar sus intimidades. A veces ellos dos, o alguno solo con una de las chicas. Pero ese baño se transforma en un confesionario.

A la vez, se intercalan recuerdos de Syd con London, de los momentos vividos entre ellos, que eran prácticamente de amor eterno, con violencia verbal y física, incluida la droga para terminar con sexo rudo, reconciliarse, y volver a lo mismo. Una rueda tóxica que se repite una y otra vez.

Se aman, así lo sienten ellos, no pueden vivir el uno sin el otro, eso dicen. Vamos con estos fhashback conociéndolos, y nos enteramos que ella solo pedía una cosa: que él le dijera "te amo", y nunca pronunció esas palabras, ¿por qué, si le decía que no podía estar sin ella a cada rato?

Los celos, las drogas, las descalificaciones, las agresiones; luego se pedían perdón, y se reconciliaban con sexo. Era de casi todos los días. Y con eso se solucionaba el tema (parcialmente, obvio)
Eso es el manual de las relaciones tóxicas.

Ninguna pareja que se dice querer se hostiga, se grita, se golpea, no hay tensión negativa. Una relación se genera con amor sano, cómplices, amigos y discusión correcta.
Si las peleas persisten, ahí no es.
Pero son relaciones que existen.

En cuanto a la "filosofía" de drogadictos que escuchamos, donde las sustancias ingeridas al por mayor los hacen abrirse, soltarse, contar sus más íntimos secretos, que al final resulta en una catarsis necesaria, un descanso en haber dicho lo que se tenía atragantado en la garganta u oprimía el pecho.
Al fin y al cabo, son preguntas que se hace incluso una persona sobria, que es la existencialidad, el amor, la soledad, etc.

Una película, donde Syd y London, protagonizan este drama oscuro. De las malas relaciones de pareja, de la pérdida y de cómo recuperar lo que se fue. De las decisiones, de saber quedarse o mejor alejarse.
De lo que es más sano mentalmente.

La edición estuvo bien hecha en mostrarnos el presente intercalándolo con escenas del pasado. Así como que todo se desarrolle en la noche, da la sensación de tiempo real (salvo el final), y el casting también fue bien elegido.
El escenario del baño me resultó bueno, con sus espejos y espacio reducido. Me pareció un mensaje de, mostrarnos realmente sin escapatoria.
La historia es interesante, aunque me hubiera gustado que se profundizara más en los temas. Pero sirve para desear con toda el alma, nunca caer en una relación como esa. Y mejor estar solos un tiempo.
Pero, ¿aprenderemos la lección? ¿Seguiremos sumidos en una relación tóxica por... lástima, miedo a la soledad, creer que es amor?

Una película para mayores de edad.

Dato:
Recordemos que Chris Evans y Jessica Biel en la vida real fueron pareja, y en esa relación hicieron dos películas, esta y Cellular (reseña que también encuentras en esta página)

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Título original: London
Director y guion: Hunter Richards
Música: The Crystal Method
Fotografía: Jo Willems
Protagonistas: Chris Evans, Jason Statham, Jessica Biel, Joy Bryant, Isla Fisher, Kelli Garner
Año: 2005 

País: EEUU
Género: Drama 

Duración: 92 minutos

Historia de Honor - Por Carlos Correa

Basada en el libro “Devotion: An Epic Story of Heroism, Friendship, and Sacrifice” de Adam Makos, “Historia de honor” es una película emotiva que describe el vínculo y lazo afectivo que emerge entre dos pilotos de élite de la Marina de los Estados Unidos. Inspirada en hechos reales, narra la historia del teniente Tom Hudner -Glen Powell-, quien se enrola en el escuadrón de combate VF-32, a principios de 1950, para un riguroso entrenamiento cuyo fin es la inminente intervención norteamericana en la Guerra de Corea.

Hudner es bien recibido por sus pares. Allí conoce al alférez Jesse Brown -Jonathan Majors-, el único miembro afroamericano de la unidad, quien ha debido sortear múltiples desafíos y discriminaciones para poder llegar a ese lugar. Los aviones asignados, los F4U-4 Corsairs, tienen fama de ser difíciles. Necesitan una buena dosis de esfuerzo para ser pilotados, por ello el entrenamiento es rudo y la rutina extenuante. Hudner destaca de inmediato, es un piloto correctísimo, casi perfecto, a diferencia de Brown que es significativamente más rebelde, pero con un talento vivaz y único.

Dirigida por J.D. Dillard, la cinta narra lo cotidiano, las pruebas, los ensayos, los desvelos, y las relaciones entre un grupo de pilotos que, sin la obligación de ser amigos, deben lograr una camaradería funcional al objetivo común. Además, una cosa es el entrenamiento, pero cuando debe comenzar la misión, otra cosa hacerlo “de verdad”. El escuadrón pasa al USS Leyte, un gran portaaviones que se debe desplegar en el Mar Mediterráneo para disuadir la agresión soviética.

“Devotion”, su título original, se mueve lento. El guion no tiene apuro en mostrar acción, pues se enfoca en profundizar a sus protagonistas. Por ello dedica tanto tiempo a la dura vida de Brown, esa vida repleta de dificultades y discriminaciones, con falta de reconocimiento, donde todo le ha costado el doble o tal vez más. Enfatiza, asimismo, rasgos propios de la comunidad militar, por ejemplo el compañerismo, los actos heroicos, la necesaria obediencia al mando y también eso de rebelarse en ciertas ocasiones.

En un poco más de dos horas, esta película rinde un sentido homenaje a Jesse Brown. Él era un ave, libre, y que amaba devotamente a su familia. Respiraba tranquilidad y paz. Fue conformando su carácter, su templanza y su coraje a pesar de sufrir muchas adversidades. Antes de partir, Jesse Brown se despide de su esposa Daisy -Christina Jackson-, y de su pequeña hija; promete volver para un soñado viaje a Bahamas. En paralelo, Daisy le pide a Hudner que a lo largo de la Misión pueda estar para él. Tal vez Jesse no necesitaba mayor protección, solo compañía, es decir que estuviesen cerca, un hombro acogedor, un oído, un apoyo. Quizá es por eso que, hacia el final, cuando en la cinta adquiere mayor protagonismo la acción en el campo de batalla, quedamos con la sensación que la lenta y elaborada construcción de la película entrega sentido a los últimos minutos del metraje: es algo así como el deber cumplido; bien cumplido.

“Historia de honor” habla de amistad, del honor y del sentido del deber. Si bien no cuestiona, pone énfasis en el fin último, algo que es muy diferente para Brown y para Hudner. Es interesante ver cómo tanta diferencia puede sortearse con lazos profundos y sentimientos mutuos de admiración. Emerge también la culpa, la responsabilidad y las acciones para honrar a un camarada, a un amigo, a un hermano de comunidad. Esto es algo que se reafirma en los créditos finales cuando visualizamos un poco más de la historia posterior y fijar nuestra atención sobre las deudas que quedan aún pendientes.

Ficha técnica

Título original: Devotion
Año: 2022
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Black Label Media, STX Entertainment, Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Bélico. Drama | Basado en hechos reales. Guerra de Corea. Años 50. Ejército. Aviones
Guion: Jake Crane, Jonathan Stewart. Libro: Adam Makos
Música: Chanda Dancy
Fotografía: Erik Messerschmidt
Reparto: Jonathan Majors, Glen Powell, Thomas Sadoski, Joe Jonas, Daren Kagasoff, Nick Hargrove, Christina Jackson, Spencer Neville, BettyLynn Allison, Julie Kessler, Serinda Swan, Joseph Cross
Dirección: J.D. Dillard

El Maravilloso Jardín Secreto de Bella Brown - Por Juan Pablo Donoso

Una fábula sencilla y encantadora de comienzo a fin.

Más que por su argumento el mérito radica en la concepción de cada uno de los personajes, y la interacción mágica entre ellos.

Por la sutileza de la trama, por la carencia de un conflicto claro, y por lo que cada personaje aporta desde su respectiva realidad, es natural que uno se pregunte en qué género encaja, realmente, esta historia.

La respuesta sería que toma de varios un poco, los combina de manera aleatoria, y deja que cada integrante se manifieste tal como es, para seducirnos con su espontaneidad.

Gira en torno a la maduración de una muchacha llamada Bella (estupenda Jessica Brown Findlay). Cuando bebita fue abandonada en un nido de patos teniendo a los polluelos como hermanos. Como consecuencia, su comportamiento adulto es atípico: maniática, tímida y solitaria. Trabaja en una biblioteca como ayudante. Allí se enamora platónicamente de un joven cliente, excéntrico inventor.

Lo que prima en Bella es su anhelo de escribir cuentos infantiles. Cosa imposible al comienzo debido a su carácter obsesivo y temeroso.

Su vecino es Alfie (Tom Wilkinson), un anciano cascarrabias, dueño de un jardín lleno de plantas multicolores y exóticas. Es cruel tirano con su sirviente - Vernon (Andrew Scott) - joven viudo y padre de 2 pequeñas mellizas. Bella lo contrata para librarlo del tormento de su jefe.

De la convivencia evolutiva de estos 4 personajes, más 2 secundarios que oficiarán como tóxicas amenazas, se tejerá un paño de relaciones que tendrá como campo de batalla el exuberante jardín del anciano.

La médula de la trama consiste en cómo cada uno de estos seres aprende de los otros, supera sus traumas, y alcanza una madurez de ternura y solidaridad.

Feliz hazaña del guionista y director inglés Simon Aboud (esposo de la fotógrafa Mary McCartney- hija de Paul McCartney). Al parecer, tenía en su mente el proyecto de reunir a estos vulnerables personajes en una circunstancia común - el tupido jardín - y dejarlos hallar libremente la feliz salida a sus tormentos individuales.

Recomendamos, más que pedir un argumento lineal, dejarse llevar por la sinceridad de cada uno de estos seres, disfrutar de los diálogos, y terminar amándolos más que descifrándolos.

FÁBULA ESTIMULANTE POR LA HONESTIDAD DE SUS PERSONAJES. EMOCIONA SIN ESFUERZO Y NOS DEJA FELICES.

Ficha técnica       

Título Original: This Beautiful Fantastic

2016 Tragicomedia, romance 

Reino Unido, EE. UU., Emiratos Árabes Unidos - 1,32 hrs. 

Fotografía: Mike Eley 

Edición: David Charap 

Música: Anne Nikitin 

Diseño Prod.: Alexandra Walker 

Actores: Jessica Brown Findlay, Andrew Scott, Tom Wilkinson 

Guionista y Director: Simon Aboud

Ardiente Paciencia - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Revisitar “Ardiente Paciencia”, obra del escritor chileno Antonio Skármeta, gracias a esta nueva versión fílmica disponible en Netflix resulta agradable. Y no solo por la factura de la cinta, sino que, además, porque el recorrer la historia permite traer recuerdos y la memoria vívida de una obra entrañable y encantadora.

La trama es sencilla. Mario -Andrew Bargstead-, un pescador de Isla Negra, no se siente a gusto con su oficio, a pesar de seguir con ello la tradición familiar. Al ver de lejos a Beatriz -Vivianne Dietz-, la joven garzona de la hostería del pueblo, queda prendado, profundamente enamorado. Decidido a conquistarla, busca trabajo y encuentra uno en la oficina de correos en la cercana localidad de El Tabo. Y no son muchas las personas que reciben correspondencia escrita por esos lares, en realidad es una sola: el famoso poeta Pablo Neruda -Claudio Arredondo-, por lo que en rigor, Mario se transforma en el cartero personal del emblemático escritor.

Tímidamente al comienzo, y con mayor desplante después, Mario se va haciendo cercano a Neruda, le confiesa sus sueños y principalmente su adoración por Beatriz. Mario es inquieto, también quiere escribir pero no sabe cómo. Allí don Pablo surge como un ídolo, un maestro, un guía y también un amigo. Lo conduce por los sinuosos recovecos de las palabras, esas metáforas que se transformarán en un alado puente para aproximarse a su amada.

Andrew Bargstead configura un carismático Mario, simpático, inocente y a la vez curioso. Vivianne Dietz es cautivante como Beatriz, la dota de un misterio y coquetería que saca algunas chispas. Claudio Arredondo -que hiciera de Mario en la primera versión teatral de la obra hace 36 años, entonces dirigida por Héctor Noguera, con Amparo Noguera como Beatriz, María Elena Duvauchelle como su madre y Julio Jung como el poeta-, desarrolla un Neruda bonachón, cercano, sencillo y sin matices arrogantes. De hecho, su desprendimiento lo hace bajar del pedestal pese a ser nominado candidato presidencial y tener que realizar una extensa campaña por el país en un revuelto 1969, ad portas de las elecciones del 4 de Septiembre que finalmente llevaron a la Unidad Popular y a Salvador Allende al poder.

Con guion de Guillermo Calderón y dirigida por Rodrigo Sepúlveda, “Ardiente Paciencia” tiene una buena filmación. Usa textura de época para retratar el paisaje, el mar, y esos característicos rincones de la costa central de Chile, principalmente la magia encantadora de Isla Negra. Se suma una banda sonora del recuerdo, con canciones muy conocidas que nos sitúan en el tiempo y en un espacio que se describe con finos detalles.

Las metáforas vuelan sin cesar. Los recuerdos, la interacciones y algunas caricaturas, también son reflejo de una realidad cotidiana, diáfana, simple, donde el enamoramiento de estos dos jóvenes ocupa el papel central del relato. Neruda, por un buen rato, sale de pantalla, y la película no se cae, avanza firme, porque en su esencia está el rumbo, las intenciones, la búsqueda y los sueños de una pareja enamorada que quiere sortear los obstáculos que la vida les presenta.

Ya dentro de los detalles, se gozan los mensajes en clave enviados a través de la radio local, las visitas clandestinas, a hurtadillas, esas locuras del amor, también la mentira -apropiarse de los versos del poeta, sin saber que Beatriz lo descubriría-, las arrebatadas palabras al viento, la humildad y el reconocimiento para proporcionar tierra fértil a un posible reencuentro.

“Ardiente paciencia”, tanto su primera película de 1983 dirigida por el propio Skármeta, como novela corta de 1985 y su posterior obra de teatro, es imperecedera. En los noventa, nos sorprendió “Il Postino” (1994), de Michael Radford, cuyo gran éxito propició incluso el cambio de nombre al texto: “El cartero de Neruda”. Inolvidable. Pero esta es otra versión, solo inspirada en la original, con cambios, incluso incompleta respecto a su punto base, pero así es el arte; innovación, riesgo, apuesta y valentía. Podrá no ser la mejor, ni la más fiel, pero mantiene el romanticismo del texto de Skármeta, a Claudio Arredondo cambiando estupendamente de rol y una que otra ingenua sorpresa a descubrir.

Atención con los más que cameos de Sergio Campos y Daniel Muñoz en roles simpáticos y muy atinentes. Una hora y media que pasa volando, una ventana a la nostalgia que nos vuelve a encantar con la poesía de nuestro Nobel de Literatura.

Ficha técnica

Título original: Ardiente paciencia
Año: 2022
Duración: 90 minutos
País: Chile
Compañías: Fabula, Netflix. Distribuidora: Netflix
Género: Drama
Guion: Guillermo Calderón. Libro: Antonio Skármeta
Música: Carlos Cabezas
Fotografía: Maura Morales Bergmann
Reparto: Vivianne Dietz, Claudio Arredondo, Andrew Bargstead, Paola Giannini, Amalia Kassai, Pablo Macaya, Katy Cabezas, Daniel Muñoz, Giordano Rossi, Ramón González, Trinidad González, Rodolfo Pulgar
Dirección: Rodrigo Sepúlveda

Mar de Sangre - Por Jackie O.

"Melodías de mar, para dormir".

Cinco amigos veinteañeros pasan su último día de vacaciones, con mucho alcohol y erotismo. Al amanecer, y en vez de descansar para tomar su vuelo a casa, y producto del alcohol, roban dos motos de agua a modo de una última travesura, dirigiéndose a las profundidades del océano, terminando en un juego torpe que provoca una horrible colisión frontal.

 
Ahí varados, con uno gravemente herido y solo con una moto buena, pero dañado su motor, creen que nada pasará y serán salvados, no percatándose que no están solos, y la sangre de la herida de uno de ellos atrae a un aterrador escualo.
De ahí vienen intentos de huir del lugar, buscando métodos diversos, los cuales son infructuosos.

Como es de suponer, y ante el nerviosismo o actos hechos sin pensar, van apareciendo ciertas verdades y sentimientos producto de la desesperación.

Decir "esto ya lo hemos visto antes", para mí no es malo, no me genera para nada incomodidad, y no digo nada novedoso además. Ya que lo que espero es cómo van a resolver eso que ya hemos visto, y que seguiremos viendo, pues novedades en el futuro cinematográfico son pocas.

Acá, no resuelve nada bien la historia, con un guion muy pobre, y ojo que no me refiero solo a lo "hablado", el silencio es también un guion que no saben aprovechar. No hay tensión, no hay reflexión, no empatizamos con nadie. Porque, además, las actuaciones son realmente deficientes.

Salva algo la historia, y aunque tampoco tuvo buena dirección para que pudiera aterrorizar realmente, fue el escualo que parecía muy real. Pero no se aprovechó. Y el maquillaje, que supo captar la insolación o las lesiones. Y eso sería.

Encuentro que al decir "es un final predecible" o "sabía que terminaría así", no digo nada novedoso técnicamente, porque sea predecible o no, debe ejecutarse bien, debe rematar bien, y acá no estuvo ni cerca de algún desenlace que llamase la atención, pues el discurso cambiaría, "con un final predecible, que remató bien" "dio un buen giro", etc. Acá, cero impresión.

Esta es una película que no supo entregar la propaganda que vende. Nada terrorífica, nada de tensión, nada de nerviosismo, nada de nada.

Ficha técnica

“Mar de sangre”
(“Shark Bait”)
Dirección: James Nunn.
Guion: Nick Saltrese.
Reino Unido

2022
Duración: 87 minutos.
Reparto: Holly Earl, Jack Trueman, Catherine Hannay, Malachi Pullar-Latchman.

Hasta los huesos - Por Carlos Correa

Esta película tiene una barrera de entrada que no resulta ser menor. Y es que, aunque no se anticipen detalles, estos se cuelan por los poros. Además, la misma película comienza dando un golpe de cátedra, provocando una conmoción inicial de la que debemos ser capaces de recuperarnos pronto, pues de improviso nos encontramos sumergidos en su trama.

El relato nos presenta a Maren -Taylor Russell-, una adolescente que vive en Virgina, Estados Unidos, en la década de los 80. Luego de un incidente con una amiga en una fiesta de pijamas, ella y su padre Franck deben huir de su casa antes que llegue la policía. Un salto temporal nos lleva al cumpleaños número 18 de la joven, ahora en Maryland, y observamos como Maren se queda sola. Su padre la ha dejado con un poco de dinero, un certificado y una grabación en casete que narra, de primera fuente y desde sus inicios, su particular condición.

Sin rumbo claro, Maren decide buscar a su madre, de quien no conoce mayores detalles. Al llegar a Ohio conoce a Sully -Mark Rylance-, un hombre excéntrico que dice ser como ella: la ha “olido”, la ha reconocido a varios metros de distancia. Dice que quiere ayudarla, incluso se lo demuestra, pero Maren desconfía y finalmente huye del lugar.

Ya en Indiana, la joven protagonista conoce a un chico llamado Lee -Timothée Chalamet-, que también es como ella. Ambos se reconocen. Lee no tiene domicilio fijo, vaga de lugar en lugar, y cada cierto tiempo vuelve a su casa para estar cerca de su hermana. Maren ya tiene claro lo que quiere, es decir, encontrar a su madre para, tal vez con ello, lograr entenderse y conocerse a sí misma.

Surge de inmediato una conexión entre ambos jóvenes, una atracción, un impulso vital. Si bien comparten la condición, difieren en cómo deben llevar la vida. Tal vez la experiencia -y particularmente el pasado- de Lee marca una diferencia, como también las dudas, y los tormentos de Maren, determinan su actuar. Es el comienzo de un camino, ahora juntos, por diferentes ciudades y estados, de dos personas que se sienten marginadas y que, sin embargo, al estar acompañadas, se ven capaces de enfrentar al mundo.

Dirigida por Luca Guadagnino y basada en la novela de Camille DeAngelis, “Hasta los huesos” es una historia de abandono y escape. No es apta para todo tipo de público, y menos para personas cuya sensibilidad pueda ser afectada por una temática de suyo compleja.

Si para Maren, Sully representa un descubrimiento y un aprendizaje, es el encuentro con Lee lo que cambia completamente su percepción. Ella pensaba que era única, y no lo es. Hay más personas como ella, como Lee; ¿será, entonces, algo normal? Porque se ven normales, se ven conviviendo con otros, pero los impulsos, muchas veces irresistibles, aparecen de pronto y no se pueden dejar a un lado, y menos negar.

Maren tiene dudas, es su principal preocupación. Pero ahora, con Lee, tiene compañía y ayuda, entonces, ¿por qué surge el conflicto? ¿Es que la toma de conciencia de la situación es mucho más gravitante que sentirse cómoda con un joven de su misma condición y que aparentemente no se la cuestiona? Hay muchas otras esferas en este relato, en cada instancia de reflexión, en cada momento que cada uno de los dos vive, cuando revistan el pasado y cuando Maren logra encontrar a su madre.

Taylor Russell despliega un talento excepcional en su rol, muy bien secundado por Timothée Chalamet y acentuado cada vez que aparece en escena Mark Rylance. Russell es muy bien filmada por Luca Guadagnino, con tomas acertadísimas y cámaras muy bien colocadas para poder retratar no solo su exterior sino dejar vislumbrar lo más importante: su conflicto interior. Los personajes secundarios están muy bien delineados. Con pocos elementos nos entregan mucha información, podemos configurarlos perfectamente por lo que nada en el relato queda trunco o sin peso. Y tal vez el mayor logro técnico de la película sea la edición, porque a pesar de su duración extensa, el armado es fluido; a pesar de la densidad de varias secuencias, el resultado es artístico; a pesar de lo difícil que resulta traspasar su primera capa, el montaje permite que podamos situar la mirada más adentro para arribar a la profundidad que Guadagnino nos quiere mostrar.

“Bones and All” es una película difícil. Podemos no pasar de la epidermis porque ciertamente es muy sensible. No obstante, si logramos superarla, podremos internarnos en una película que, a través de un viaje físico, las así llamadas “Road Movie”, nos presenta un tránsito íntimo, profundo y significativo de condiciones, actitudes y sentimientos. Están ahí la vulnerabilidad, el temor, el abandono; la necesidad de afecto, de guía, de acompañamiento; la desesperada soledad y la luz de esperanza que significa encontrar a un “otro” reconocido como tal. Con todo aquello nos asomamos a la esencia, al sentido de la vida, al para qué y al por qué, a la sustancia más profunda de una intimidad en formación que busca con afán esas respuestas que tal vez solo un recorrido largo puede entregar.

Ficha técnica

Título original: Bones and All
Año: 2022
Duración: 130 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Estados Unidos; Frenesy Film Company, Per Capita Productions, Vision Distribution, The Apartment, MeMo Films, 3 Marys Entertainment, Tenderstories, Ela Film, Serfis, Wise, Immobiliare Manila
Género: Romance. Drama. Terror | Road Movie. Años 80
Guion: Dave Kajganich. Novela: Camille DeAngelis
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Arseni Khachaturan
Reparto: Taylor Russell, Timothée Chalamet, Mark Rylance, André Holland, Michael Stuhlbarg, Chloë Sevigny, Jessica Harper, David Gordon Green, Francesca Scorsese, Jake Horowitz
Dirección: Luca Guadagnino

Mar de Sangre - Por Carlos Correa

Da la impresión que esta película la hemos visto muchas veces. Solo el trailer lo anticipa; una cinta más de bañistas y tiburones en la playa. Entonces, ¿hay valor agregado en esta propuesta? Creo que la respuesta es negativa. Veamos por qué.

Un grupo de jóvenes se divierten, pasan unas vacaciones soñadas en una playa idílica. En la noche final no escatiman en alcohol, pasan de largo, y en la mañana no encuentran nada mejor que robar dos motos de agua para internarse mar adentro. Son tres hombres y dos mujeres, con diferentes acercamientos, diferentes intenciones, y también algunas pocas dudas. Y en la aventura, pasa lo que suponíamos debía pasar, y quedan varados al acecho de un enorme tiburón blanco. ¿Sobreviven? ¿Logran salvarse? ¿Todos, alguno, o ninguno?

Dirigida por James Nunn y con guion de Nick Saltrese, “Shark Bait” (“Cebo para tiburones” es su traducción literal) es una película que no tiene casi ninguna sorpresa. Es un relato plano que ofrece muy poco, predecible al punto de carecer, por momentos, de relato. Trata de poner sobre sus personajes otros temas, por ejemplo las relaciones entre ellos, pero no puede, no resulta, y tampoco alcanza.

En menos de una hora y media vemos muchas veces las mismas escenas y las mismas tomas, una y otra vez. A veces los paisajes son bonitos, y el terror que ronda el mar es de cuidado. Pero ¿tantas veces…? Cansa. Podría haber variado el enfoque, o al menos incorporado otros elementos, pero nada hay de eso.

¿Algo bueno? Sí, unos cuantos efectos que parecen reales y que pueden dar escalofríos, junto con un mensaje que apela a la irresponsabilidad y a la mala toma de decisiones, un cócktail que puede ser más peligroso que cualquier encuentro cercano con un depredador de magnas proporciones.

“Mar de Sangre” puede verla si no tiene otra opción, pues de verdad no aporta mucho. No aburre, pero está cerca; dura una hora y media que parece el doble. Tal vez sea mejor para streaming, casi de fondo, como para levantar la vista en las escenas de mayor impacto, porque mucho más que eso no va a encontrar.

Ficha técnica

Título original: Shark Bait
Año: 2022
Duración: 87 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Picaro Films, Checkluck Films, Freebie Films, Ingenious Media, Small Island Films, Vitality Visual Effects
Género: Thriller | Tiburones
Guion: Nick Saltrese
Música: Walter Mair
Fotografía: Ben Moulden
Reparto: Holly Earl, Jack Trueman, Catherine Hannay, Malachi Pullar-Latchman, Thomas Flynn, Joshua Takacs, Manuel Cauchi, Milo McDowell
Dirección: James Nunn

Mar de Sangre - Por Juan Pablo Donoso

¿Para qué hacer otra de “tiburones” sin aportar nada nuevo?

El guion es tan frágil que ni siquiera tiene protagonista. Salvo que se lo atribuyamos al pobre escualo, que muy poco entiende de clásicas estructuras dramatúrgicas.

Unos jóvenes disfrutan de un fin de semana con alcohol y sexo en una playa de San José de Costa Rica. Todavía con la resaca de la noche anterior toman sin permiso unas motos acuáticas y se divierten haciendo piruetas en alta mar. La terrible colisión frontal entre ellos los deja a la deriva y a merced de un asiduo tiburón blanco de la zona. El resto es el desarrollo del suspenso, dolor y sangre donde cada uno de ellos va sucumbiendo sin que nadie los rescate.

Lo mejor son las tomas con drones y submarinas. Y algunos buenos primeros planos. Mérito del director de fotografía.

La actriz Holly Earl (Nat) carga con el mayor peso interpretativo porque los demás son sólo “carnada para tiburón” (título original de la película). La muchacha le da peso a la situación luciendo algunos sobrios subtextos.

Por su carencia de conflicto antagónico, el desarrollo se hace largo a pesar que dura sólo 1,27 hrs.

A ratos hay mucha sangre, y en otros muy poca. Tomas crudas de cuerpos despedazados. Para colmo de tormento, sufren pesadillas con el tiburón.

El toque romántico son las típicas confesiones, entre amigas, de infidelidades con los novios mutuos.

Nat es la única valiente. Heroína clásica de EE. UU. se autodefine: “Las chicas de Kansas nunca nos rendimos”(¡!).

UNA NUEVA CATÁSTROFE CON TIBURONES O MONSTRUOS MARINOS. SÓLO QUE AHORA EL POBRE ESCUALO PASA HAMBRE DEBIDO A UN GUIÓN POCO SUSTANCIOSO.

Ficha técnica

Título Original: Shark Bait

2022 Suspenso, terror Inglaterra - 1,27 hrs. 

Fotografía: Ben Moulden 

Edición: Tommy Boulding, Nick McCahearty 

Música: Walter Mair 

Diseño Prod.: Paul Burns 

Guion: Nick Saltrese 

Actores: Holly Earl, Jack Trueman, Catherine Hannay 

Director: James Nunn

El Menú - Por Jackie O.

"Se me antoja una hamburguesa con queso"

La película se centra en un exclusivo restorante; su chef invita a diferentes personas muy pudientes a una isla cerca de la ciudad pero sin comunicación alguna. Este aclamado chef ha preparado un lujoso menú de varios tiempos, junto con sorpresas impactantes y algunos ingredientes inesperados al menú planeado.

Una película de la cual no se puede decir mucho, con la idea de que al verla entiendan la metáfora que nos quiere explicar la visualidad con la que está ideada.

A esta película en lo personal, la podría presentar de la siguiente forma.
Ingredientes:
Un puñado de comensales, con una guarnición de incomodidad, una cucharada de vanidad, y una pizca de locura.
La dejamos cocinar lentamente, para que los pecados de los comensales vayan apareciendo, cerrando el último emplatado con confusión y temor.
Un maridaje muy adecuado.

Este trabajo efectúa una crítica satirizada a la clase alta, pero a un grupo específico, que es aquella que no queda satisfecha con nada, con la que no saborea nada de lo que hace, con aquella que no recuerda qué fue lo último que compró, y no lo disfruta. Salen a relucir sus mezquindades y la vanidad que los embriaga diariamente, siendo eso la guinda de la torta.
Así que ahora, es hora de degustar cada plato.

Su ambientación es muy teatral. Con grandes efecto de sonido, como el click de un vaso de cristal o el cuchillo que rasca el plato, todo armado para crear tensión, o más bien incomodidad, como ya indiqué.
Una película muy visual, desde los colores oscuros del escenario, la vajilla en la mesas, hasta el movimiento de los cuerpos.

Su guion puede ser algo rebuscado para muchos, en especial quienes pretenden ver acción desenfrenada, que aquí no la hallarán. Pero sí está dotado de un ingenioso y perverso humor negro.

Sí, me habría gustado que los personajes, comensales, los hubieran desarrollado mejor, ya que nos encontramos con un grupo de actorazos: como el matrimonio de adultos de Reed Birney y Judith Light, y clientes frecuentes. O el actor que ya está decadencia, John Leguizamo con su "asistente", Aimee Carrero. O los pedantes Mark St. Cyr , Rob Yang y Arturo Castro. Sin olvidarnos de una muy crítica gastronómica, Janet McTeer con su editor, Paul Adelstein. Y, por supuesto, Nicholas Hoult, como ese presumido y arrogante fanático del trabajo de este chef, que se hace acompañar por una misteriosa Anya Taylor-Joy, que logra incomodar a este chef, Ralph Fiennes, quien mantiene todos sus tiempos en perfecto orden, con su "tropa" de particulares sub chef, encabezados por la maitre Hong Chau.
Todo está perfectamente mezclado, así como la diversidad cultural de nuestros protagonistas.

Mark Mylod ya nos ha impresionado con otros filmws, y acá, aunque no está la perfección o el alto impacto de sus otros trabajos, no deja indiferente, pues toca muchos temas; como el hijo dedicado a su madre, personas que viven de apariencias, otros que entregan su vida por lo que aman o creen que aman. Muchas verdades ocultas, mentiras a flor de piel, arrogancia, entrega y redención.

Simplemente, no perdamos el gusto por las cosas.
Salud.

Ficha técnica

Director: Mark Mylod
Guion: Seth Reiss y Will Tracy
Historia de Will Tracy
Musica: Colin Stetson
106 minutos

El Menú - Por Carlos Correa

Esta es una de esas películas en que es bueno no saber mucho sobre su trama. Lo ideal es esperar la sorpresa, dejarse llevar. Cualquier detalle previo podría arruinar la función y tirar por la borda una muy cuidada preparación. Además, la cinta se trata de elaboraciones refinadas de alimentos, todo un concepto culinario que toma plena forma en un especial lugar. Entonces, ¿se puede adelantar algo? Veamos.

El famoso chef Julian Slowik -Ralph Fiennes-, es dueño de un restaurante de lujo ubicado en un paraje soñado. Se trata de Hawthorne, una isla privada, cerca de la costa, pero suficientemente independiente para conformar un ecosistema privilegiado. Allí se dirigen Tyler -Nicholas Hoult-, y su joven pareja Margot Mills -Anya Taylor-Joy-, para disfrutar de una cena exclusiva -y carísima-, especialmente preparada para pocas personas. Y de verdad son muy pocos. Una millonaria pareja mayor, una crítica gastronómica y su editor, unos socios de negocios, un actor en curva decreciente, y algunos otros comensales.

Por supuesto, el evento se trata de toda una experiencia. El chef, cuando da inicio a la cena, hace énfasis en el refinamiento y pide a los concurrentes que no coman; deben degustar, que es algo muy diferente. Hay misterio, detalles, indiferencia y obsesión. Parecen contradicciones, como el alto nivel de algunos y la mayúscula imbecilidad de otros.

Hasta acá, solo se describe el escenario, pero no lo que sucede. El menú de la noche está compuesto por muchos platos, cada uno con su nombre y descripción, que se van sucediendo conforme avanza una noche tan especial como desconcertante. Hasta aquí los avances, pues el resto merece -y debe- ser descubierto.

Esta cinta dirigida por Mark Mylod tiene muchísimos detalles en los que fijarse. Primero, la música es un verdadero concierto, una partitura rica en motivos y texturas que crean el ambiente propicio para aumentar la tensión en cada compás. Segundo, la experiencia de una comida diseñada y personalizada, con glamour y toques artísticos especiales. Tercero, el nombre y la descripción de cada plato, una creatividad notable para conjugar la cocina con el thriller. Cuarto, casi un estudio acabado de personajes y personalidades que, aunque no profundiza, permite captar plenamente quién es quién, y qué puntos calza cada uno dentro del cuadro general. Una sarcástica y desopilante crítica social.

Anya Taylor-Joy, Ralph Fiennes y Nicholas Hoult crean roles geniales. Están realmente muy bien, convincentes y sólidos en sus papeles. El resto del coro acompaña bien, a muy buen nivel, con un ritmo psicológico que no da tregua, cocinando a fuego lento una comedia sazonada de un humor que por momentos es muy negro.

“El menú” es una película extravagante, diferente y, a la vez, cautivante. Es una gran idea -guion de Seth Reiss y Will Tracy-, que logra mezclar intriga y terror con giros inesperados y desagradables sorpresas. Hay que verla, no decepciona; al contrario, se transforma en un imán que no suelta hasta el plato final. Una puesta en escena contenida que deja volar una imaginación ilimitada. Una de las gratísimas sorpresas de esta temporada.

Ficha técnica

Título original: The Menu
Año: 2022
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Alienworx Productions, Hyperobject Industries. Distribuidora: Searchlight Pictures
Género: Comedia. Thriller. Terror | Comedia negra. Thriller psicológico. Cocina
Guion: Seth Reiss, Will Tracy
Música: Colin Stetson
Fotografía: Peter Deming
Reparto: Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, Ralph Fiennes, Hong Chau, John Leguizamo, Janet McTeer, Judith Light, Christina Brucato, Aimee Carrero, Paul Adelstein
Dirección: Mark Mylod

Juego Perfecto - Por Jackie O.

"La vida es un juego... nadie sabe cuando termina".

Sinopsis: Un multimillonario tecnológico, reúne a sus amigos en su casa para un juego de póquer de alto riesgo. Las cosas salen mal cuando su mansión es invadida por un peligroso asesino.

Un grupo de amigos de la infancia, que desde temprana edad les gustaba apostar, se reúnen ya grandecitos, convocados por Jake Foley, a quien la vida le ha sonreído ya que se transformó en el mejor apostador: es un multimillonario. Sus amigos se fueron por otras profesiones, y en este encuentro saldrán a relucir sus vidas nada brillantes y exitosas.

Entre copas y cartas, van recordando todos sus encuentros, ya que siempre han estado en contacto, y producto de una "toxina" en sus bebidas, las verdades salen a flote. Nuestro anfitrión tiene sus días contados, y les dice "que no se irá solo".
Ya separado y con una hija adolescente, debe velar por esta última más que todo, así que tiene todo calculado.

Paralelamente a esta dinámica de amigos, muy aburrida a todo esto, aparecen unos ladrones de arte, dateados por uno de los amigos de Foley, quienes interrumpirán en la casa, pero sin antes encontrarse con la ex esposa e hija de Foley que llegan al hogar sin previo aviso.

Ya casi al final de la película, vemos algo de acción, una pelea sin energía, un bandido no tan temible, unas palabras sin mucho convencimiento, y unas seudo reflexiones que no provocan.

La verdad es que no sé qué quisieron presentarnos.
¿Un hombre moribundo buscando perdonar y ser perdonado? ¿Peligro ante una banda de criminales? ¿Misterio en cuanto a su desenlace, que no llegaba a ningún puerto?

La verdad, no sé, pues su guion no está definido, yéndose por diferentes ramas que no conectan mucho.
Creo que barajaron muchas cartas, sin terminar la mano.

Russel dirige y actúa esta película, y la verdad es que prefiero que solo actúe. El resto del elenco es conocido, pero acá se pierden, sin que puedan mostrarnos sus grandes dotes.

Lo único bueno es la puesta en escena; ver esos lujos que denotan un muy buen gusto.

Ficha técnica

Poker Face
Reparto: Russell Crow, Liam Hemsworth, RZA, Aden Young, Steve Bastoni, Elsa Pataky, Daniel MacPherson, Brooke Satchwell, Molly Grace, Paul Tassone.
Dirección: Russell Crowe
Guion: Stephen M. Coates y Russell Crowe
Música: Matteo Zingales y Antony Partos
Fotografía: Aaron McLisky
Género: Ficción, Suspenso
Duración: 94 Minutos
EEUU

Año: 2022