martes, 10 de septiembre de 2024

Tipos de Gentileza - Por Carlos Correa Acuña

El cine de Yorgos Lanthimos es incómodo, qué duda cabe. Incómodo, porque algunas veces no sabemos qué quiere expresar el director; incómodo, porque a veces no entendemos lo que expresa este artista; o bien incómodo, porque no podemos discernir si estamos en presencia de una obra de arte, o sentimos que nos están, literalmente, tomando el pelo. Y es que el estilo de este director griego se ha transformado, con el correr del tiempo, en algo muy particular, aportando un sello característico que se aleja de las convenciones, y que se plasma en una cinematografía que tiene marca registrada.

Es justamente el caso de esta nueva película, filmada antes que la premiada “Pobres Criaturas”, pero que recién sale a la luz pública, una cinta que bajo un título engañoso, presenta tres historias diferentes, unidas por un poderoso cordón umbilical que les da unidad y sentido. La primera de ellas, "The Death of R.M.F.", sigue a Robert, un tipo atrapado en una vida laboral controlada a decir basta, en la que se destacan los abusos y la pérdida de autonomía en entornos corporativos. A continuación, “R.M.F. is Flying", trata sobre Daniel, un policía que, tras la desaparición de su esposa en un traumático accidente, tiene dudas sobre la identidad de la mujer que regresa, desencadenando una tensión psicológica sobre la identidad y la confianza. La última, “R.M.F. Eats a Sandwich", se inmiscuye en la búsqueda que realiza una misteriosa secta para encontrar a una mujer con la capacidad de resucitar a los muertos, un reflejo de la obsesión y el control que organizaciones como esta pueden ejercer.

¿Tres historias distintas? En apariencia sí, pero en realidad tienen mucho más en común de lo que podemos apreciar a simple vista. ¿Qué es, o quién es R.M.F.? Un personaje, una persona, una línea de unidad; un empleado, un piloto, un muerto. ¿Importa realmente? Tal vez no, pero es bueno descifrar o seguir la pista, porque no sabemos dónde nos podrá llevar. Y con esto vuelvo al título, que denominé como engañoso, porque no es el originalmente previsto. Comenzó siendo “R.M.F.”, que luego cambió a “And”, y decantó finalmente en “Kinds of Kindness”, sentencia que resultó ser más global, y a la vez ambigua respecto a sus antecesoras.

Gran parte de la responsabilidad en el resultado de este filme la tiene su elenco. Habituales en los trabajos de Lanthimos, Emma Stone y Willem Dafoe brillan con tres interpretaciones sólidas y convincentes. A ellos se suma un asombroso Jesse Plemons, haciendo gala de una versatilidad que no se le conocía, desplegando un abanico de recursos que ratifican lo buen actor que es. Y todo el elenco está a gran nivel, lo que habla de una dirección de actores especialmente cuidada, una mano que se nota y da frutos generosos. Ver al mismo actor o actriz haciendo, en una misma película -aunque, insisto, son tres historias diferentes-, tres roles diferentes, y con el nivel de excelencia mostrado, es un lujo. Solo por ello, merecen aplausos, por un cambio de registro al servicio del arte, dejando a un lado cualquier consideración particular, y sin presentar casi ninguna huella del rol precedente.

Desde lo técnico, la fotografía es espléndida. Los planos abiertos, cámara fija, donde todo transcurre dentro, se contraponen con unos inusuales primeros planos que llegan a molestar por lo intrusivos que son. Ejes polares, como blanco y negro, o luz y sombra, una oposición de contraste que resalta aun más la decisión provocativa del director. La música, firmada por Jerskin Fendrix, encaja a la perfección. Ese piano solo, con arpegios y acordes tipo “clúster”, surgen como llamados de atención cuando la imagen queda estática, o un personaje debe hacer un giro especial. Otros aspectos como la edición y el ritmo, por sí solos son un deleite, aunque algunas secuencias no digan nada -en apariencia-, o presenten un ritmo tan cansino que puedan aburrir a un espectador desorientado.

Yorgos Lanthimos explora patrones, rutinas, un engranaje envuelto en un halo de misterio que parece preguntar a cada minuto el por qué del estado de situación. La soledad, el abandono, la angustia, y el sentido de la vida, se suman a la reflexión más profunda que entrega finalmente la película, y que se refiere a la autonomía de las personas y el control de la dirección de la vida. La reflexión que propone Lanthimos es seria, y no comienza ni acaba con lo que vemos en pantalla por cerca de tres horas. No, lo que vemos es un punto de partida, no de llegada, lo mismo que ocurre con las otras películas del director. Por eso es un cine de autor, irreverente y provocador, un cine que obliga a realizar un ejercicio intelectual para poder subirse al carro y no quedarse mirando como un simple espectador, porque la invitación es más profunda y clara. Lanthimos quiere que seamos protagonistas, quiere que terminemos nosotros la reflexión, y además, en la apuesta más arriesgada, quiere que disfrutemos del viaje y de nuestras propias conclusiones. ¿Interesante? Muy interesante, un buen desafío con tarea para la casa. Bienvenidos los que se quieran sumar, no se verán defraudados.

Ficha técnica

Título original: Kinds of Kindness
Año: 2024
Duración: 165 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos; Element Pictures, Film4 Productions, Fox Searchlight. Distribuidora: Searchlight Pictures, Disney+
Género: Drama. Comedia | Comedia dramática. Comedia negra. Película de episodios
Guion: Efthymis Filippou, Yorgos Lanthimos
Música: Jerskin Fendrix
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: mma Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Joe Alwyn, Mamoudou Athie, Hunter Schafer
Dirección: Yorgos Lanthimos

domingo, 8 de septiembre de 2024

Beetlejuice, Beetlejuice - Por Jackie O.

"No repitas su nombre"


Tim Burton , uno de los grandes directores de estos tiempos, nos trae nuevamente al irreverente muerto que quiere volver a la vida, Beetlejuice.

En 1988 lo vimos por primera vez, un personaje con una historia muy loca, llena de muerte, pero en tono comedia. Ahora no cambia su estilo, encontrándonos con algunos de esos recuerdos.

Lydia ya es madre de una preadolescente que no la quiere, pues la culpa por abandonarla como madre en el colegio en que se encuentra, y de la separación con su padre, y posterior muerte de él. Pero lo que no sabe esta jovencita, es que Lydia vive con los muertos, es decir, su vida ha sido atormentada por los recuerdo de Beetlejuice, y que sigue viendo a otros muertos. Eso ha hecho de que tenga un exitoso programa de TV donde habla de estas experiencias y que dirige su prometido. Es una mujer de mucho éxito monetario, pero triste.

Hasta que sucede otra desgracia familiar, una muerte que hace que esta jovencita, Astrid, deba volver a su casa, esa casa que odia y donde todo comenzó. Estando en dicho pueblo, y recorriéndolo, conoce a un guapo joven y comienza una amistad, donde se siguen viendo.

Hasta que Astrid queda atrapada en el mundo de los muertos, por lo que Lydia debe pedir ayuda a quien menos quiere ver.

Por otra parte, el mundo de los muertos está en caos pues Beetlejuice está siendo perseguido por su ex mujer, pero no precisamente con ánimo amoroso. Y un policía está tras la pista de quien ha provocado tantas muertes de muertos... heee, así es.

Estamos ante una cinta divertida, todo lo que sea de Tim para mí es agradable ver, él juega con la imaginación, y lo fantástico es que es de la vieja escuela, no se queda solo en CGI sino que usa muchos efectos prácticos, que le dan un toque especial. Ver a alguno de los antiguos personajes es muy agradable, los nuevos rostros, que son muy conocidos, le dan esa frescura a esta alocada historia. Pero hay varias subtramas que no se desarrollan bien, y hacen que el guion quede a la fuerza en algunas situaciones, o a medias.

Quien se roba la pantalla es Michael Keaton, cada vez que él aparece es EL momento fantástico, su burlesco y a veces obsceno vocabulario o actuar, saca más de una sonrisa, haciendo que esos momentos sean los más esperados. Cada intervención de él levanta la cinta aún más. Que no se entienda que se menosprecia a los demás, para nada, pero la locura de Beetlejuice es sensacional.

Vestuario y maquillaje muy buenos, CGI y efectos prácticos buenos, las actuaciones buenas. En cuanto al guion, ya señalé que varias subtramas no quedan muy bien.

Y por supuesto no me he olvidado de Bob's, gracias por tanto.

Una alocada vuelta a la vida de este muerto enamorado, donde el amor de una madre a su hija, va más allá de la muerte.

Ficha técnica

Director: Tim Burton
Guión: Alfred Gough y Miles Millar
Historia de Alfred Gough, Miles Millar y Seth Grahame-Smith
Protagonizada por Michael Keaton, Winona Ryder, Catalina O'Hara, Justin Theroux, Mónica Bellucci, Jenna Ortega, Willem Dafoe
Cinematografía: Haris Zambarloukos
Género: Terror, fantasía, comedia
Año: 2024
Duración: 104 minutos

sábado, 7 de septiembre de 2024

Beetlejuice Beetlejuice - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Tras una inesperada tragedia familiar, tres generaciones de la familia Deetz regresan a Winter River. La vida de Lydia, todavía atormentada por Beetlejuice, da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid, descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el desván y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con los problemas que se avecinan en ambos reinos, es solo cuestión de tiempo que alguien diga el nombre de Bitelchús tres veces y el travieso demonio regrese para desatar su propio caos.


Tim Burton es Tim Burton. Simple y claro. La estética inconfundible de Tim Burton y su narrativa llena de detalles alcanzan nuevas alturas en esta continuación. Con una edición de lujo y la banda sonora fenomenal de Danny Elfman, “Beetlejuice Beetlejuice” no solo cumple, sino que supera las expectativas, proporcionando un entretenimiento completo para los fanáticos, además de capturar nuevos seguidores

El guion, escrito por Alfred Gough, Seth Grahame-Smith y Miles Millar, no da respiro. La historia avanza con rapidez, encontrando pronto un equilibrio conceptual y visual que se siente orgánico. Aunque abundan los personajes caricaturescos, estos contribuyen a la construcción de un estilo detallista, fiel al inconfundible sello Burton.

Las interpretaciones son uno de los puntos más fuertes de la película. Michael Keaton, Winona Ryder y Jenna Ortega brillan en sus respectivos roles, mientras que Monica Bellucci y Willem Dafoe aportan carisma y solidez. Ver a los personajes originales después de tantos años resulta nostálgico y revitalizante, mientras que la nueva generación se integra de manera natural, creando una transición que podría abrir la puerta a futuras entregas, si la taquilla y los números acompañan.

“Beetlejuice Beetlejuice” es diferente, chispeante y divertida. Una broma fílmica, incluso una “chacota audiovisual”, que logra adornar muy bien lo que contiene en su interior. En él, vemos claramente el tema del vínculo madre-hija en tres generaciones, y también las ausencias, donde las caricaturas sirven para agudizar las descripciones y así dar cuenta de un proceso que tiene su centro en la valoración y desarrollo de las confianzas.

Miedos y temores, cómo enfrentarlos y seguir adelante, asoman como aspectos principales del mensaje que queda al final de esta tan esperada cinta presentada en la sección oficial largometrajes del Festival de Venecia de este año. ¡Y cómo no! No es fácil retomar un éxito de hace casi 30 años, modernizarlo sin perder su esencia, y proponer una continuidad temática y actoral. Burton lo consigue y con muy buenos resultados.

Para concluir, una petición-reclamo: Sr. Burton, por favor, en una película de este nivel, con un gran presupuesto, con una calidad de producción innegable y con estándares altísimos, ¿por qué no poner en escena a músicos de verdad que toquen con sus instrumentos una de las secuencias más importantes? Se ve feo, de verdad, se nota que son actores y no intérpretes, y además, hacen mal la mímica. ¿Qué cuesta? Sería un punto alto, al nivel del resultado global, y no una manchita que no se condice ni con su nivel de exigencia, ni con la calidad de su trabajo. Piénselo Tim. ¡Piénselo por favor!

Ficha técnica

Título original: Beetlejuice Beetlejuice
Año: 2024
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros., Plan B Entertainment, Tim Burton Productions, Tommy Harper Productions. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Fantástico. Comedia. Terror | Comedia de terror. Secuela
Guion: Alfred Gough, Seth Grahame-Smith, Miles Millar. Personaje: Michael McDowell, Larry Wilson
Música: Danny Elfman
Fotografía: Haris Zambarloukos
Reparto: Michael Keaton, Winona Ryder, Catherine O'Hara, Justin Theroux, Monica Bellucci, Jenna Ortega, Willem Dafoe
Dirección: Tim Burton

jueves, 5 de septiembre de 2024

La fabulosa máquina de cosechar oro - Por Carlos Correa Acuña

Alfredo Pourailly nos sumerge en la vida de Toto, un hombre que, a sus 62 años, aún sigue enfrentando las duras y desgastantes condiciones de la búsqueda de oro en Tierra del Fuego. Su cuerpo, agrietado y quebrantado por años de trabajo, carga el peso de una existencia que se resiste a la muerte. No lo hace por deseo, sino por falta de otra opción. Toto sigue cavando, sigue luchando, porque no tiene otro camino, y esa es la tragedia que Pourailly captura con desgarradora ternura.

Pero en medio de esta oscuridad hay una luz, tenue pero persistente: la determinación de su hijo Jorge, un joven vaquero que, consciente de la pesada carga de su padre, se embarca en la construcción de una máquina que promete un cambio, un respiro para sobrellevar aquella dureza del destino. Este documental no es solo un relato de supervivencia, sino una profunda reflexión sobre la familia, la esperanza, y la resiliencia humana ante un entorno cada vez más agobiante. Como un canto silencioso a la dignidad y al esfuerzo incansable, este es un recordatorio que, incluso en los lugares más oscuros, la esperanza puede llegar a florecer.

Este documental nos guía a través de la vida de un minero, quizás el último recolector de oro en uno de los rincones más remotos del mundo, en la isla de Tierra del Fuego. Desde el primer momento, la película deslumbra por su hermosa fotografía y su impecable composición estética, capturando paisajes tan hermosos como desoladores. Los encuadres, a veces muy complicados, logran transmitir la soledad y el esfuerzo de este hombre, que día tras día enfrenta un trabajo trabajo con la esperanza de encontrar un poco más de oro. La luz, perfectamente trabajada, atraviesa cada toma resaltando tanto la dureza de su vida como la belleza oculta en aquellos paisajes desérticos.

La historia, sencilla y artesanal, nos muestra el paso del tiempo en la vida de este minero. A pesar de su salud, que día a día se deteriora más y más, él sigue adelante con decidida convicción. Aquí es donde ingresa en escena su hijo, con una idea que refleja todo el amor y la preocupación que siente: construir esa máquina que le permita hacer su trabajo un poco más llevadero. Las imágenes nos llevan desde una fiesta costumbrista hasta escenas de caballos salvajes, aspectos que aportan un toque aún más auténtico a la trama.

"La fabulosa máquina para cosechar oro" es una historia sobre la tenacidad y la resiliencia. La relación entre el padre y el hijo es el núcleo de este filme, mostrando cómo ambos se apoyan en medio de circunstancias duras y adversas. Es una película que, con ternura, nos habla de la perseverancia, de seguir adelante a pesar de las dificultades, y de la admiración mutua entre un padre que no se da por vencido y un hijo que está ahí para ayudarlo. Nos recuerda la importancia de no rendirse y de enfrentar la vida con la misma fuerza que tienen estos entrañables protagonistas.

Ficha técnica

Título original: La fabulosa máquina de cosechar oro
Año: 2024
Duración: 77 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Países Bajos (Holanda); 55 Sur Media, Juntos Films, Windmill Film
Género: Documental | Vida rural. Trabajo/empleo. Vejez / Madurez
Guion: Alfredo Pourailly, Francisco Hervé, Javiera Velozo
Fotografía: Alfredo Pourailly
Música: Karl Heortweard
Reparto documental, Intervenciones de: Jorge Gesell Díaz, Jorge Gesell Bañados, Angel Quinchel, Mario Levin, José Barría, Gregorio Norambuena
Dirección: Alfredo Pourailly

Gloria! - Por Jackie O.

"La hermandad te hará libre"

Sinopsis: La película se centra en un grupo de jovencitas músicos que inventan la música pop en la Italia del siglo XVIII. La cinta está inspirada en el Ospedale della Pietà de Vivaldi.

Estamos en una época donde la mujer era un mero objeto, o madre, o sirvienta, con visitas a la iglesia y sus quehaceres domésticos, o las más adineradas, con salidas recatadas en sociedad. Pero las mujeres pobres, los jovencitos principalmente, eran recluidos en conventos católicos, olvidados; abusaban de las mujeres, principalmente como sirvientas, o en este caso, a ser músicos para la iglesia. Mujeres para obedecer a Dios y la sociedad.

Pero que les enseñen música no debe ser malo, pensarán, a ellas les gusta cantar o tocar instrumentos, pero no las dejan mostrar sus habilidades, debe ser todo mecánico y eso las frustra, porque "el maestro" Perlina, un cura que fue un gran músico en su tiempo y que ahora está totalmente desgastado en ideas, pareciera no soportar a esta chicas, en especial a nuestra protagonista, Teresa, la sirvienta, quien tiene un secreto que vamos conociendo en la trama pues es algo que se hace evidente.

Cinco mujeres jóvenes que son maltratadas, olvidadas, que ven frustrados sus sueños profesionales y amorosos, que se ven perdidas en la vida; solo el amor y respeto entre ellas hará que salgan adelante. La ayuda que se brindan es la mayor recompensa.
Que aunque no se muestre nada explícito en violencia, son violentadas. Deben cuidarse y protegerse sin saber cómo, pero ahí están.

Una cinta que mantiene una estética visual muy hermosa, con vestuario, maquillaje y puesta en escena. Un guión fluido y ameno, que mezcla un drama con situaciones graciosas ante la maldad de algunos para hacerla más llevadera respecto a hechos repudiables.
Una dirección correcta y muy buenas actuaciones.

Historia de mujeres valientes, que lucharon por sus sueños, en una sociedad hipócrita, mientras algunos mencionan a Dios en vano para sus malos actos; la bondad radica en la autenticidad y sencillez.

Ficha técnica

Dicector: Margherita Vicario
Guion: Margherita Vicario y Anita Rivarolli
Cinematografía: Gianluca Palma
Esición: Christian Marsiglia
Música: Margherita Vicario y Davide Pavanello
Países: Italia y Suiza
Idioma: italiano
105 minutos. 2024.
Elenco:
Galatea Bellugi: Teresa
Carlotta Gamba: Lucía
Maria Vittoria Dallasta: Marietta
Sara Mafodda: Prudenza
Verónica Lucchesi: Bettina
Paolo Rossi: Perlina

miércoles, 4 de septiembre de 2024

La Fabulosa Máquina de Cosechar Oro - Por Juan Pablo Donoso

Un documental chileno novedoso, sensible y educativo. Nominado en el festival SANFIC 20 - 2024.

Destaca la férrea relación de amor, tolerancia y solidaridad de un hijo hacia su padre enfermo. Resalta la idiosincrasia y carácter de los milenarios lavadores de oro artesanales. La tenaz resistencia a incorporar nuevas tecnologías, aún a costa de la salud.

Es un combate amoroso entre dos generaciones, padre e hijo. Un largo proceso en que la salud del anciano se debilita, versus el gradual advenimiento de nuevas técnicas redentoras.

Nos trasladan al lejano mundo de Tierra del Fuego; archipiélago situado en el extremo austral de América del Sur, entre los océanos Atlántico, Pacífico y Antártica.

Admirable intuición del realizador para escoger a Jorge “Toto” Gesell Díaz - viejo colector artesanal de oro - invadir con su cámara el rústico oficio, la intimidad de sus penurias de salud, y acompañarlo en el odioso proceso de acatar el camino que - con inmensa porfía - le aporta su hijo profesional.

Es tal la veracidad captada por el guionista, camarógrafo y director Alfredo Poureilly (Premio Rolex Explorers Club 2020) que podríamos pensar que el “Toto” era un actor contratado especialmente para el rol. Las rugosidades de su cutis, las leves expresiones faciales, uñas desgastadas, alimentación y vivienda, lo convierten a poco andar del filme en un querido amigo que pareciéramos conocer de toda la vida.

Mucho tiempo debió invertir Poureilly - en esa agreste región austral - para que todas las facetas de aquellos lugareños nos resultaran tan familiares.

A la vez que con burda caligrafía “Toto” escribe un diario de vida, y lo va narrando con voz cascada, somos testigos del lento proceso de aceptación a la modernidad, el que también permitió alargar sus años de vida, ya bastante deteriorados.

Admirable difusión cinematográfica de la belleza y amplitud de aquellos paisajes tan poco conocidos en el continente. Un logrado homenaje al tesón y a la reciedumbre de quienes allí lo habitan.

ENTRAÑABLE DOCUMENTAL CHILENO. JUNTO CON REVELAR UNA REGIÓN AGRESTE Y POCO CONOCIDA, NOS IMBUYE EN EL CORAZÓN DE SUS AGUERRIDOS POBLADORES.

Ficha técnica

Título original: La Fabulosa Máquina de cosechar Oro
2024 Documental, vida rural, tradición, vejez Chile: 1,17 hrs.
Música: Karl Heortweard 
Guion: Alfredo Pourailly, Francisco Hervé, Javiera Velozo 
Reparto: Jorge Gesell Díaz, Jorge Gesell Bañados, Angel Quinchel 
Fotografía y Dirección: Alfredo Pourailly

martes, 3 de septiembre de 2024

El salón de profesores - Por Carlos Correa Acuña

Carla Nowak -Leonie Benesch-, una joven profesora de matemáticas y deportes, llega a su primera experiencia de trabajo en una escuela secundaria con la energía y la pasión de quien está dispuesto a cambiar el mundo. De pronto, su rutina diaria se ve interrumpida por una serie de robos que sacuden la calma del colegio, y cuando uno de sus alumnos es acusado sin pruebas claras, Carla, movida por su sentido de justicia, decide tomar cartas en el asunto. No se conforma con las explicaciones superficiales y menos con las normas que provienen de la dirección del establecimiento. En lugar de mirar hacia otro lado, se compromete con una investigación que la llevará a descubrir incómodas verdades.

En su cruzada, la joven maestra se enfrenta a una realidad que dista mucho de lo que imaginó cuando entró a una sala de clases por primera vez. Entre colegas cerrados que se resisten a cualquier cambio, padres enojados que buscan culpables a toda costa, y estudiantes que reflejan en sus ojos el desencanto de un sistema que los asfixia, Carla lucha por mantener la calma y la ecuanimidad. Sin embargo, pronto descubre que las rígidas estructuras del colegio, diseñadas más para castigar que para comprender, son un adversario mucho más duro que cualquier problema de matemáticas que haya enseñado.

Estupenda película nos regala el realizador Ilker Çatak sobre un guion de su autoría junto al el escritor Johannes Duncker. El inquietante manejo de cámara en secuencias que reflejan nerviosismo y angustia, refleja un realismo escénico que da perfecta cuenta de lo que sucede al interior de un lugar que debería tener la mayor apertura al mundo al ser una unidad educativa, y que, sin embargo, se observa cada vez más cerrado y volcado en sí mismo.

La actriz Leonie Benesch se lleva el peso del relato y lo hace muy bien. Sus movimientos y gestos son tan contenidos como expresivos. Muchas veces decimos que “la procesión va por dentro”, y esto es algo que se ve en Carla con completa naturalidad, pues sus actos externos solo dejan entrever pequeñas luces de lo que realmente pasa en su interior. Incomodidad, lo menos, frustración, lo más; impotencia por no saber qué hacer o cómo enfrentar cada situación de la manera correcta, sin necesariamente apelar a un manual de estilo, o un protocolo, sino intentando usar el sentido común y el criterio pedagógico.

La temática se siente real y muy actual. Todo se inicia como si fueran pequeños copitos y se va transformando en una verdadera bola de nieve, literalmente. Las dificultades crecen y crecen, no solo administrativamente sino que atraviesan las relaciones personales. Velar por sus alumnos es para Carla su objetivo primordial, pero también debe protegerse, lidiar con sus colegas y tratar de sobreponerse a escenarios ingratos e inesperados. El dilema ético y moral es fundamental, porque definitivamente hay cosas que no se pueden dejar pasar, pero tampoco se trata de ir juzgando -prejuzgando, en realidad- todo y a todos a lo largo del camino.

“Das Lehrerzimmer”, en solo 99 minutos cocina una tensión que mantiene una alerta todo el tiempo. Cada minuto la cosa se complica más, y más, y más… parece que no existe salida alguna y la crisis final se ve como algo inminente. Ante tal estado de cosas, ¿Carla logrará superar la situación o se verá consumida en el intento? En una progresión creciente que pareciera no tener fin, la maestría consiste en cómo cerrar un relato cuyo eje principal es la acumulación de tensión. Ilker Çatak propone una forma diferente que incluso se abre hacia otra película, aquella que nosotros mismos podríamos completar en una nutrida reflexión posterior.

Ficha técnica

Título original: Das Lehrerzimmer
Año: 2023
Duración: 99 minutos
País: Alemania
Compañías: if... Productions, ARTE, ZDF
Género: Drama. Thriller | Colegios & Universidad. Enseñanza
Guion: Johannes Duncker, Ilker Çatak
Música: Marvin Miller
Fotografía: Judith Kaufmann
Reparto: Leonie Benesch, Michael Klammer, Rafael Stachowiak, Anne-Kathrin Gummich, Eva Löbau, Kathrin Wehlisch, Sarah Bauerett, Leonard Stettnisch, Oscar Zickur
Dirección: Ilker Çatak

La Viuda de Clicquot - Por Jackie O.

"Valentía y amor propio"


Sinopsis: Es la historia detrás de la familia y el negocio del champán Veuve Clicquot que comenzó a finales del siglo XVIII.

Película basada en el libro "The Widow Clicquot", de Tilar J. Mazzeo, el cual es una biografía de Barbe-Nicole Clicquot Ponsardin, la fundadora homónima de la casa de champán Veuve Clicquot. El libro fue publicado en 2008 por Harper Collins. Descrito por el New York Times como una "enobiografía arrolladora", se convirtió en un Best Seller del New York Times y el San Francisco Chronicle, y ganó el Premio Gourmand a la Mejor Obra de Escritura sobre Vinos en los Estados Unidos en 2009.

Estamos ante una película ambientada en época napoleónica, elegante, pausada, contada en flashbacks, de una mujer que se casó con François Clicquot. Él era un hombre joven, guapo pero atormentado, y de carácter débil.
François murió en 1805, dejándola viuda a los 27 años con una hija de seis años, Clémentine, y una viña de vinos. Viña que iba en declive por la época en que se encontraban, y el hecho de que una mujer estaba a cargo de dicha empresa, lo hacía más dificultoso.
Pero su tenacidad y perseverancia, y no dejarse amedrentar por el machismo, hizo que sacara aún más fuerza para dedicarse de lleno a elaborar uno de los mejores champagne, y encumbrar el nombre de su familia, posicionándose con respeto hasta el día de hoy.

La película, como señalé, es contada en analepsias que no hacen para nada dificultosa su trama. Al contrario, esos saltos nos hacen acercarnos a los protagonistas.
La historia es simple de entender pues es un guion sencillo y bello, pero carece un poco de más elementos que lo hagan atrayente a todo público, esto es, existiendo el amor, el esfuerzo, el menosprecio, la pasión (sea en romance y laboral), y diversos conflictos machistas, no acentúa esos contrastes con mayor fuerza, haciéndola muy lineal en momentos.
Pero tiene una elegancia visual extraordinaria, cada decorado, vestuario y maquillaje está muy bien configurado en una hermosa fotografía, que podría sacar recuadros bellos para enmarcar, donde las locaciones principales tuvieron lugar en Chablis y Reims, Francia.
Con actuaciones creíbles, aunque si hubieran hablado en francés, habría sido un mayor acierto.

Historias sobre personajes que cambiaron el mundo o que revolucionaron de alguna forma nuestra historia son muy interesantes de conocer, haciéndonos incluso, averiguar más, por lo que esta cinta es importante en ello. Da a conocer a una mujer que, en tiempos complicados, pudo salir adelante, entregándonos además un contexto histórico muy atrayente, por lo que vale verla.

Ficha técnica

Widow Clicquot
Director: Thomas Napper
Historia: Christopher Monger; Erin Dignam
Basado en "La viuda Clicquot"; de Tilar Mazzeo
Protagonizada por Haley Bennett , Tom Sturridge , Sam Riley , Anson Boon, Leo Suter , Ben Miles y Natasha O'Keeffe
2023. 89 minutos

lunes, 2 de septiembre de 2024

La viuda de Clicquot - Por Carlos Correa Acuña

Esta película da cuenta de una historia que vale la pena conocer. Seguimos a Barbe-Nicole Clicquot, interpretada por Haley Bennett, una mujer que no se deja vencer, incluso cuando la vida le pone los obstáculos más difíciles. La cinta nos lleva a la Francia del Siglo XIX, en un tiempo donde ser mujer y querer triunfar en el mundo de los negocios era algo prácticamente imposible. Pero Barbe-Nicole no se deja intimidar. Con una mezcla de ingenio, fuerza y determinación, se enfrenta a todos los retos, desde la pérdida de su esposo hasta la lucha por mantener a flote su negocio de champagne. Es una historia inspiradora, que nos recuerda que la perseverancia y la decisión nos pueden llevar lejos.

Haley Bennett hace un excelente trabajo para dar vida a esta perseverante mujer. Su actuación es real, por lo que resulta difícil no sentirse conectado con su personaje. A través de sus ojos, vemos a una persona que, aunque sufre, nunca pierde la esperanza. Los personajes que la rodean también aportan su granito de arena para que la historia sea más rica y completa. Los diálogos son simples, y cada conversación tiene un propósito, lo que ayuda a construir una trama sencilla y cercana.

La dirección y la producción de la película funcionan bien. Cada escena está cuidadosamente diseñada para transportarnos a la época, con un vestuario y unos escenarios -tal vez lo mejor de la cinta-, que nos hacen sentir que realmente estamos en esa Francia elegante de hace dos siglos, mientras que la música que acompaña la escena es suave y delicada, lo que permite subrayar los momentos emotivos sin restarles protagonismo alguno. Es una película visualmente hermosa, con un ritmo -lento, sin prisa-, que permite saborear cada momento, para disfrutar más del viaje que del propio destino.

“Widow Clicquot” es una película que deja buen sabor de boca. Se esfuerza por recordar que, con valentía y perseverancia, podemos superar cualquier dificultad que se nos presente. Es una historia que merece ser vista, no solo por su belleza visual, sino por los valores que finalmente transmite. Para una película que le inspire y le haga sentir bien, “Widow Clicquot” es una buena elección. Es una historia que habla de fuerza interior, de la lucha por lo que uno cree, y de jamás rendirse, pase lo que pase.

Ficha técnica

Título original: Widow Clicquot
Año: 2023
Duración: 89 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Fourth & Twenty Eight Films
Género: Drama | Siglo XVIII
Guion: Erin Dignam, Christopher Monger
Fotografía: Caroline Champetier
Reparto: Haley Bennett, Tom Sturridge, Sam Riley, Anson Boon, Leo Suter, Ben Miles, Natasha O'Keeffe
Dirección: Thomas Napper

El asesinato de Air McNair - Por Jackie O.

"La perdida de una estrella del deporte"


Sinopsis: Este documental sigue el ascenso del legendario quarterback de la NFL Steve McNair, y los detalles que rodearon su asesinato en 2009.

Steve McNair tuvo una carrera impresionante en la NFL (National Football League), que abarcó desde su selección, en el año 1995, hasta su retiro en el 2008. Conocido por su habilidad para liderar a su equipo bajo presión, McNair llevó a los Tennessee Titans a un Super Bowl y fue tres veces seleccionado para el Pro Bowl. Su estilo de juego, caracterizado por su combinación de fuerza, precisión y movilidad, lo convirtió en un jugador único en su posición.
Pero el 04 de julio de 2009, con 36 años de edad, Steve McNair fue encontrado muerto en su apartamento en Nashville junto a su amante, Sahel Kazemi.

Un amigo llega a la escena del crimen, y no llama a la policía sino que a tres amigos, para luego llamar al 911, y pasa a ser el primer sospechoso. Así comienza esta historia, contándonos quien es su protagonista, su vida y su muerte.
Un sujeto con una destreza deportiva que no pasó desapercibida, y que su personalidad lo hizo querido. Se casó y tuvo hijos, y la fama lo hizo caer en excesos.
En su muerte, y aunque hubo un informe definitivo de cómo murió, aún quedan preguntas sin responder, ya que al parecer, por dichos de cercanos, no hubo una minuciosa investigación.

Al no conocer a la víctima, menos ser entendida en este deporte, me animé a verlo para conocer más, en especial, me interesa la parte investigativa, y fue decepcionante. Es interesante el personaje, pero no se ve una investigación bien hecha, no hay intriga, no hay antecedentes relevantes. La dirección no es de la más adecuada para darle una narración interesante, su guion no es atrayente para un público masivo, me refiero a que solo a los fans de dicho deporte les interesará. El resto tal vez deje de verlo a los pocos minutos por su narrativa monótona.

Siendo una estrella del deporte, y que no se esté conforme con las conclusiones de su muerte, se debió haber efectuado un trabajo más arriesgado en cuanto a jugar con las dudas en el documental antes de darnos el resultado final, haber dado intriga y misterio para involucrarnos. Una dirección poco jugada.

Solo nos deja lo que hemos visto muchas veces, que la fama y el dinero hace que muchos se descontrolen, y siempre debe existir alguien cerca que ayude. Así como los problemas psicológicos que padecían las víctimas, que sus cercanos no pudieron detectar o tener las herramientas para ayudar.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Untold: The Murder of Air McNair.
Dirección: Rodney Lucas y Taylor Ward
Género: Documental deportivo, Fútbol americano, True Crimen, Mediometraje Biográfico, Episodio de TV
EEUU - 2024
57 minutos

20 días en Mariupol - Por Jackie O.

"Dura realidad"

Sinopsis: Mientras comienza la invasión rusa, un equipo de periodistas ucranianos atrapados en la ciudad sitiada de Mariupol, lucha por continuar su trabajo documentando las atrocidades de la guerra.


Cuenta la historia de los veinte días que Chernov (el director) pasó con sus colegas en la ciudad sitiada de Mariupol entre febrero-marzo de 2022, en las primeras semanas de la invasión Rusa a Ucrania. Es un relato de primera mano, donde nos muestran la cruda realidad de algo que se estaba gestando y que el mundo debía conocer. Como civiles lo perdían todo, y no hablo de solo de lo material y que las bombas arrasaban sin discriminación, sino de la pérdida de la dignidad y de la esperanza. Como una decisión de pocos, por poder y otras situaciones que quieran exponer como válidas, afectó, o más bien afecta, a quienes solo quieren vivir en paz.

Es excelente el relato, y es difícil decir excelente ante la crueldad, pero la historia de primera fuente, de cómo un grupo de personas se arriesgan para dar a conocer al mundo estas atrocidades, cómo un grupo de personas trata de proteger a otros, y cómo personas solo intentan sobrevivir .
Las tomas son crudas, porque vemos el dolor, el sufrimiento y la muerte, imágenes impactantes nos conmueven, una edición grandiosa con relatos espeluznantes sobre la decadencia humana, sobre muerte.

Cómo el ser humano puede seguir haciéndose daño de esta forma, cómo la falta de respeto y bondad se ven alteradas a este punto.
Un relato terrible pero esencial ante el mundo, y no quedarnos ajenos ante el sufrimiento de otros.

Fue ganadora del Óscar a mejor documental y varios premios más.

Mstyslav Chernov comentó al recibir el Óscar: "Ojalá nunca hubiera tenido que hacer esta película [...] No puedo cambiar la historia [...] No puedo cambiar el pasado. Pero todos nosotros juntos... entre ustedes, algunas de las personas más talentosas del mundo, podemos garantizar que la historia se registre correctamente y que la verdad prevalezca y que el pueblo de Mariupol y aquellos que sacrificaron sus vidas nunca sean olvidados”.

Disponible en Netflix.

Arriendo en Google Play y Prime Video.


Ficha técnica

20 днів у Маріуполі.
Dirección: Mstyslav Chernov
Música: Jordan Dykstra
Fotografía: Mstyslav Chernov y Evgeniy Maloletka
Montaje: Michelle Mizner
2023
95 minutos
Género: Documental y cine bélico

sábado, 31 de agosto de 2024

Capitán Avispa - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: La historia se desarrolla en Avispatrópolis y el Reino de la Miel los cuales viven en armonía en el panal protegidos por el Héroe de ambos, el Capitán Avispa, pero su archi-enemigo Avispón Jaques Poison y sus secuaces planean acabar con esa paz y apoderarse de ambas colonias. Está en las manos de este insecto defender a los suyos a toda costa, como siempre, con nobleza, justicia e inocencia.


"Qué bueno es, a veces, lo esencial", es lo que uno piensa al sumergirse en "Avispatrópolis: El Capitán Avispa y el Reino de la Miel", una película que, sin grandes pretensiones, se despliega ante a nuestros ojos como un animado cuento de abejas con corazón. Con un estilo que nos envuelve en la nostalgia de aquellas historias que nos contaban nuestros padres, esta pieza nos recuerda la importancia de los valores más simples: la nobleza, la justicia, y esa ternura infantil que tanto nos hace falta hoy día. El Capitán Avispa, un héroe que parece sacado de un libro mágico olvidado, lleva sobre sus pequeñas alas la responsabilidad de proteger a su gente, y lo hace con una inocencia difícil de encontrar. Es una película para todos, una propuesta cinematográfica que nos recuerda que papás, hijos, y hasta abuelos, pueden disfrutar juntos, transversalmente y sin complicaciones.

Los villanos, encabezados por el carismático Avispón Jaques Poison, añaden el contraste necesario para que la historia agarre vuelo. La trama, muy sencilla, nos introduce en el plan concebido por este malulo y que desestabiliza la paz del Reino de la Miel. Las persecuciones y las escaramuzas que se suceden son lo suficientemente entretenidas para mantenernos alertas, especialmente cuando la batalla se libra no solo por el control del panal, sino por el futuro de todos los habitantes del lugar. Aunque el conflicto es importante, la película no pierde esa ligereza que la hace agradable, tal como si se tratara de un vuelo suave en un tranquilo día de verano.

Ahora, hablemos de la música, porque aquí la cosa se pone interesante. Las canciones de fondo -todas de Juan Luis Guerra, quien también es productor-, en las escenas de acción son, por decir lo menos, una apuesta bastante arriesgada y no siempre encajan. Es como si se contrapusieran con el vértigo de la propia historia; raro, no cuadran. Sin embargo, cuando esos pegajosos ritmos y acordes suenan en los bailes y en los momentos de celebración, ahí sí que funcionan. ¡Bien por la bachata! El ambiente se siente muy cómodo, como en casa, y todo cobra sentido.

En la batalla final, muy clásica en su forma, vemos al Capitán Avispa enfrentarse no solo a sus enemigos, sino también a sus propias dudas. Aquí es donde la película culmina en alza al valorar la transmisión de un legado, poniendo en relieve siempre la verdad y la bondad. “Capitán Avispa”, se transforma en una película que, con su simpleza, le habla al niño que llevamos dentro, nos deja con una sonrisa, y con la certeza que, a veces, lo más valioso es también lo más sencillo.

Ficha técnica

Título original: Capitán Avispa
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: República Dominicana
Compañías: Guerra Films, Guerra Toons. Productor: Juan Luis Guerra. Distribuidora: Caribbean Films Distribution, Spanglish Movies
Género: Animación. Aventuras. Acción | Superhéroes. Insectos
Guion: Gustavo Lopez, Miguel Yarull. Idea: Juan Luis Guerra
Música: Juan Luis Guerra
Fotografía: Animación
Reparto: Voces de Luis Fonsi, Joy Huerta, Juanes, Juan Luis Guerra
Dirección: Jean Gabriel Guerra, Jonnathan Melendez

viernes, 30 de agosto de 2024

Exhuma: la Tumba del Diablo - Por Juan Pablo Donoso

Compleja, larga y prolija obra de terror coreana. Cargada de ritos folclóricos para combatir maldiciones.

Queriendo vender una parcela en la montaña, hallan la tumba de un anciano sepultado por un monje asesino japonés.

Al abrir el ataúd en la morgue, un espectro malévolo salió volando. Ahora visita a sus descendientes primogénitos causándoles dolor y muerte.

Una pareja de jóvenes chamanes orientales, contratados para exorcizar demonios, serán víctimas de los mismos leviatanes que combaten.

Dividida en varios capítulos, cada uno culmina con un mini clímax. Tiene el mérito de crear terror atmosférico sin abusar de efectismos comerciales.

Con muchas escenas nocturnas aumentan el ámbito siniestro. Mas, se acumulan tantos incidentes fatales que a ratos cuesta diferenciar a muchos personajes secundarios.

El filme pareciera tener dos partes. La primera más realista y cotidiana. La segunda, más dantesca y con demonios multiplicándose hasta convertirse en bolas de fuego. Sin duda, una obra de horror bien elaborada, y con actores solventes de distintas edades.

¿Adónde conduce tan extensa epopeya tenebrosa? Tal vez a dejar a los muertos en paz.

RECARGADA PESADILLA MORTUORIA - LLENA DE SÍMBOLOS - DONDE HASTA LOS DEMONIOS DE LA GUERRA REGRESAN A TOMAR VENGANZA.

Ficha técnica

Título Original: Pamyo
2024 Terror, misterio, historia bélica Corea del Sur - 2, 14 hrs. 
Fotografía: Lee Mo-gae 
Música: Kim Tae-seong 
Actores: Choi Min-sik. Lee Do-hyun, Kim Go-eun 
Guionista y Director: Jang Jae-hyun

Exhuma - Por Jackie O.

"Estacas de hierro... cultura y folclore mortal"


Estamos ante la historia de la joven chamana Hwa-rim y su gran amigo y colaborador Bong-gil, quienes acuden a una llamada de ayuda procedente de Estados Unidos, donde el primogénito de la millonaria familia Park padece una enfermedad desconocida y también su recién nacido hijo, así como su padre; el trabajo está bien pagado, por lo que lo aceptan, y perciben que el origen del mal está en un antepasado de dicha familia, para lo cual vuelven a Corea y buscan a un geomantista experto en feng shui, Kim Sang-deok, y un sepulturero amigo. Entonces, comienzan a averiguar donde está ese antepasado enterrado, revisan la zona con minuciosidad con el fin de exhumar la tumba en el norte de la provincia de Gangwon-do.
 
La tumba no tiene nombre, está en un cerro alejado, y estos expertos no entienden por qué, sospechan que algo no anda bien. La familia dice no tener datos al respecto, y permiten que exhumen el cuerpo pero con la clara indicación de que no le realicen las típicas ceremonias que su costumbre indica cuando se exhuma un cuerpo antes de cremarlo o cambiarlo de sepultura. Solo pide el "cliente" que su bisabuelo sea cremado sin abrir el fino ataúd.

Pero un escrupuloso empleado de la morgue, y al saber que los difuntos se entierran con riquezas, intenta abrir el ataúd liberando a una entidad desconocida, y maligna.

Estamos ante una historia que se cuece lentamente, contada en corto capítulos para ir conociendo a los partícipes, y sus costumbres orientales que son muy interesantes, incluso podemos encontrarlas raras, pero ellos las siguen y respetan sagradamente. Eso hace que nos vamos interesando en la historia que nos van contando.
De cómo tradiciones antiguas aún se mantienen, de cómo se respeta la muerte así como la vida de las personas.

Una cinta que no tiene esos saltos (jump scare) que se esperan o abundan en las películas, muchas veces a la fuerza, con ruidos o imágenes. Acá no es necesario. El suspenso es presentado de forma más ceremonial y el terror de manera ambiental.
Genera tensión más que sobresalto, pues tiene un ritmo muy bien controlado.
Buenas actuaciones de todos ya que son grandes actores, en especial el legendario Choi Min-sik. La ambientación está muy bien detallada, así como la música ambiental. Los efectos visuales funcionan bien, sin ser muy destacados. Con una gran paleta de colores que hace una buena fotografía.

Vida y muerte, el descanso de los vivos dependiendo del descanso de los muertos. Creencias ancestrales. Espíritus y vida eterna, posesiones espirituales. Y la Historia de Corea con la ocupación japonesa, se puede obtener a lo largo de la película.

Ficha técnica

Dirección y guion: Jang Jae-hyun
Jang Jae-hyun
Música: Kim Tae-seong
Fotografía: Lee Mo-gae
Montaje: Jung Byung-jin
Protagonistas: Choi Min-sik, Kim Go-eun, Yoo Hae-jin, Lee Do-hyun
Corea del Sur - 2024
134 minutos

jueves, 29 de agosto de 2024

El ladrón de perros - Por Jackie O.

"Desesperanza infantil"


Estamos ante la historia de un estudiante preadolescente, llamado Martin, quien es huérfano y está al cuidado de una mujer que trabaja como asesora de hogar puertas adentro, y sobrevive trabajando como lustrabotas en la ciudad de La Paz, enfrentando día a día la discriminación y bullying de sus compañeros de colegio y la pobreza que lo afecta.

Hasta que conoce a un sastre del sector, es un sujeto adulto y solitario, y Martín comienza a hacer lo posible por acercarse cada vez más a él, ya que cree que es su padre. Ese acercamiento hace que este sastre conocido como Novoa, comience a aceptar su amistad. Pero Martín planea el secuestro del hermoso perro de Novoa para pedir rescate y ganar dinero, cosa cruel, por la tristeza de este animalito que se ve al extrañar a su amo, y del mismo Novoa.
¿Martín hace esto por venganza y que sufra Novoa? O ¿Es la forma de conseguir dinero con un rescate, y así llevar una vida mejor?

Mediante la falta de este perro en Novoa, comienza más el acercamiento con Martín, y eso a este joven le gusta. Es la atención que siempre quiso, por lo que en la confusa cabeza de este preadolescente, no sabe si devolver el perro o seguir siendo "visible" para Novoa.

La película esta ambientado en los contrastes de una ciudad marcada por la desigualdad, con planos generales, donde ayudan también los efectos de sonido con música alegre o disparos de fondo en algún momento. También captura los gestos de los actores en buenos primeros planos, donde vemos a este joven con un rostro endurecido por el trabajo callejero y la tristeza.
Pero tiene guion poco atractivo, que mantenga la intensidad del relato. Sí, nos muestra una desigualdad social, y la falta de la paternidad en un huérfano, relato que pudo haber sido mucho más atractivo si se hubiera arriesgado para obtener un buen clímax en algún momento, el que nunca llega.

Solo nos quedamos con una cinta que nos hace ver realidades: desigualdad social, bullying, temas de adopción, abandono y otros, que nos hace pensar de qué forma contribuimos en esta sociedad para hacerla mejor, Y qué hace el Estado para mejorar esas temáticas.

Ficha técnica

The Dog Thief
2024. Bolivia
Duración: 90 min.
Dirección: Vinko Tomičić
Reparto: Alfredo Castro, Franklin Aro, Teresa Ruiz, María Luque, Julio César Altamirano, Ninón Dávalos.