Avengers: Endgame - Por Jackie O.

Vaya que hemos disfrutado de esta saga, 21 películas anteriores que son obligación verlas.
Cuántas emociones vividas en esta última entrega: risas, aplausos, tensión, asombro y también llanto. Todos vivimos aunque sea uno de esos sentimientos mientras la veíamos.

Hay algo que siempre me resulta curioso con gente que va a ver películas de Marvel o de otra saga o personajes determinados, me pregunto si saben lo que ven ya que apenas aparecen los primeros créditos se van, yo lo he hecho cuando ando muy apurada y sé que por el tipo de película que no viene nada extra, y hasta el momento he acertado (por ejemplo en Hellboy, la mayoría se quedó y vio la primera escena post crédito y ahí se retiraron, pero fanáticos del personaje seguimos mirando la pantalla. Y hubo otra escena más) en fin sigo... 

Los Vengadores: 6 principales. 2 de ellos no cuentas con poderes sobrenaturales ni trajes especiales, solo su valentía. Serán por ello más héroes que el resto?
Si me dicen: No hay "escena" post créditos, lo encontraría raro pero puede ser, más que mal dicen que es la última de la saga y digo "dicen" porque no se, cuantos cantantes dicen es mi último show y pasa un tiempo y salen con otra gira? Pero aun así, aunque todos me lo confirmen soy una fanática y como tal soy una nostálgica, y me retiro cuando las luces se encienden y la pantalla se apaga. Por nostalgia miro la última letra, por nostalgia escucho la última nota musical, por nostalgia miro por última vez el logo en la pantalla grande. Le estoy poniendo mucho? No! Soy una ñoña emotiva.
No soy seguidora de cómics, leo muy poco de ello, y es por un tema de tiempo nada más (me pasó con Shazam). Pero en algunas oportunidades hago la tarea y me interiorizo.
Y aplaudo a aquellos que se saben todo lo relacionado a los cómics. Pues no faltan las referencias en las películas. Obvio.

Siempre hay detalles en este tipo de películas en donde debemos tener nuestros sentidos alerta. Se que la emoción nos nubla, por eso la fanáticada va por segunda o tercera vez a verla, por que sabemos que se nos pudo haber pasado algo debido a la emoción embargada. El año pasado vi 4 o 5 veces Los Vengadores en el cine. Y con esta haré lo mismo: lo más probable es que me reiré en las mismas escenas, mi tensión será la misma aunque sepa lo que viene, agradeceré ver a Stan Lee (nuff said), me reiré de "aquellos" cameos, leeré (si ando con lentes) los créditos finales de nuevo donde aparecen nombres interesantes (que por wasapear desesperado no veo), no saldré de la sala en ningún momento de la película, no sacaré mi celular para molestar al resto o distraerme, miraré fijo la pantalla hasta el final. Hasta que la luz se encienda y la pantalla se apague.
Porque las sorpresas nunca se acaban. Quisiera decir más, y lo haré, pero no ahora. La he visto una vez hasta ahora que escribo esta reseña, y pude fijarme en muchos detallitos que la mayoría lamentablemente no vio, por lo que creo hay más que los encontraré a medida que vuelva a repetirla.

Disfrútenla aunque les hayan contado final. Y sé que la disfrutarán igual. Porque verán a todos los personajes principales de estos 11 años, cameos a muchos otros, música conocida, guiños a nuevos personajes y escenas repetidas (por eso es importante haber visto las 21 anteriores).

Qué les espera: bueno en la primera parte hay tristeza y alejamientos, la segunda parte de reencuentros y desiciones, y la última parte con una guerra formidable. Con una paleta de colores muy llamativa y hermosa, vestuario bellísimo, música necesaria y acorde. Pero respecto del maquillaje no me gustó del todo. En el humor para algunos funcionó, para otros no tanto y el CGI estuvo en su mayoría genial. Pero ya estoy hilando muy fino.
Solo puedo decir que la película fue bien hecha, la edición estuvo bien "ensamblada" que hace que se vivamos la magia y la emoción.

Y para finalizar, no la recomiendo a infantes porque es algo violenta para ellos, así que padres controlen lo que ven los más pequeñitos.
Después de todo lo dicho, creo que los obligaré a ir al cine de nuevo. Y si lo hacen, no sólo miren también escuchen.
Espero vuestros comentarios".

Ficha técnica

Acción, aventura, fantasía 

Walt Disney Studios y Cinecolor Films S.A. EE.UU. – 3,01 hrs. 

Fotografía: Trent Opaloch 

Edición: Jeffrey Ford, Matthew Schmidt 

Música: Alan Silvestri 

Diseño Prod.: Charles Wood 

Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely 

Actores: Robert Downey Jr., Chris Evans, Brie Larson, Scarlett Johansson, Karen Gillan 

Directores: Anthony y Joe Russo

El Sembrador - Por Juan Pablo Donoso

Historia de amor verídica acaecida en insólitas circunstancias. Una obra sobre mujeres realizada por otra talentosa mujer.

En diciembre de 1851, el gobierno de Napoleón III aplastó la sublevación republicana. Y ordenó apresar a todos los sospechosos.

En una aldea montañosa de Francia, los militares tomaron prisioneros a todos los campesinos del lugar. En el villorrio quedaron sólo las mujeres y los niños pequeños.

Ignorando qué destino correrían, y a dónde serían trasladados, les correspondió a ellas hacerse cargo de las tareas del hogar, y abocarse a las faenas del campo: regar la tierra, sembrar y cosechar el trigo, y molerlo para hacer pan.

Como pasó mucho tiempo y ninguno regresó, las extenuadas mujeres de la comarca comprendieron que sería imposible subsistir en tales condiciones. La presencia masculina era indispensable.

De común acuerdo se juramentaron solicitar al primer hombre que apareciera, que las fecundara para así incrementar la exigua población.

Al cabo de un tiempo apareció un prófugo de la justicia que escapaba hacia la frontera por bosques y quebradas. Era un herrero cuarentón que, a cambio de comida y alojamiento, les colaboraría temporalmente en las tareas del campo.

Destinaron a la joven Violette, única que sabía leer, para que lo atendiera. Jean traía consigo algunos libros que interesaron a la muchacha. Y con la lectura en las noches de poemas de Víctor Hugo surgió una atracción entre ellos.

Enamorada por primera vez, le entregó gustosa su virginidad. Y con ello el consecuente embarazo. Las demás mujeres del pueblo, de diversas edades, le exigieron que lo compartiera con ellas según lo juramentado.

Y así Jean, con la resignación de Violette, debió también cumplir con las que aún estaban en edad de gestar.

Cuando después de un tiempo retornaron sólo dos aldeanos que habían sobrevivido, Jean debió seguir su camino rumbo al exilio prometiéndole a Violette que volvería por ella y por su hijito recién nacido.

Esta sencilla historia de amor y procreación está narrada con sobrecogedora belleza visual. El director de fotografía, Alain Duplantier, siguió los padrones estéticos de los grandes pintores franceses del realismo post-romántico del siglo 19. Es como si las pinturas de Camille Corot, Theodore Rousseau, Julien Dupré y, muy especialmente Gustave Courbet tomaran movimiento, y las humildes campesinas revivieran incluyéndonos en sus cuitas cotidianas, con sus pies descalzos, pesares de viudez y apetitos sexuales insatisfechos.

Si bien el relato carece de un conflicto progresivo, ya que a todo responde con inevitable naturalidad, el filme es un banquete visual de paisajes, claroscuros interiores, y del encanto primitivo que despliegan en todo momento aquellas rústicas aldeanas analfabetas.

Ópera prima de su guionista y directora Marine Francen, quien se fogueó durante años como asistente de grandes directores como Michael Haneke y de Olivier Assayas. Sin duda, una alumna aventajada.

FEMENINA POR EXCELENCIA. IMPACTANTE BELLEZA VISUAL. BASADA EN “LA MUCHAHCHA QUE SABÍA LEER” DE VIOLETTE AILHAUD.

Ficha técnica

Título Original: Le Semeur 

Drama, romance 

Cine-Arte Patricia Ready Francia, Bélgica – 1,38 hrs. 

Fotografía: Alain Duplantier 

Edición: Minori Akimoto 

Música: Frédéric Vercheval 

Diseño Prod.: Mathieu Menut 

Guion: Marine Francen, Jacqueline Surchat 

Actores: Pauline Burlet, Géraldine Pailhas, Alban Lenoir 

Directora: Marine Francen

Avengers: Endgame - Por Juan Pablo Donoso

Súper-súperproducción de Marvel Studios. Dura tres horas. Para ella se fusionó Disney con Fox. Aquí culmina la saga de las 21 películas anteriores.

Los adictos a los súper héroes de Marvel (Stan Lee y Jack Kirby, creadores) serán los más felices con este reencuentro final de ellos, y CON ellos.

Converge también una pléyade de actores y actrices famosos; hasta vemos pasar a Michael Douglas y a Robert Redford entre muchos(as) prominentes cameos.

Los pocos Vengadores sobrevivientes vuelven a reunirse para salvar, y restituir, lo que quedaba después de que en AVENGERS, INFINITY WARS (2018) la mitad del cosmos quedó en ruinas por la acción del malvado titán loco, Thanos (Josh Brolin).

Para ello deberán recuperar las 6 gemas mágicas dispersas en diferentes planetas y tiempos del Universo. Una vez halladas habría que volver a incrustarlas en el Guante del Infinito: única arma capaz de salvar y reconstruir el orden del Firmamento.

Mediante una máquina cuántica del Tiempo, volverán al pasado y al futuro, pasarán por planetas y épocas, y lucharán por recuperar cada gema con su respectivo poder.

Todo esto antes que las obtenga Thanos, y las vuelva a insertar en el Guante del Infinito para formar un nuevo Universo propio, con súbditos de su propia voluntad y conveniencia. Entre ellas está la Gema de la Mente, con la que puede controlar a otras personas.

Multitudes de naves espaciales y monstruos prehistóricos bregando juntos. Habrá un gigantesco – y sangriento - combate final entre las horadas “buenas” vs. las “malas” de historias anteriores.

Se supone que con esta inmensa epopeya final los Avengers sobrevivientes se jubilan y retornan a sus vidas normales y familiares.

Los saltos en el tiempo han servido para darles - ¡por fin! - a cada uno su lugar y edad definitivos.

Quienes conocen las 21 odiseas anteriores constatarán que los hermanos Anthony y Joe Russo, con esta película, ponen un “supuesto” punto final a una leyenda que ha deleitado a millones de seguidores en todo el mundo durante muchos años.

Recomendamos - además de ir al baño antes del comienzo - verla en IMAX para compartir los sonidos y efectos especiales en toda su magnitud.

TITÁNICA Y MILLONARIA SÚPERPRODUCCIÓN QUE, A PESAR DE SU ENORME LONGITUD, NOS MANTIENE ENTRETENIDOS Y CON CHISPAZOS DE HUMOR.

Ficha técnica

Acción, aventura, fantasía 

Walt Disney Studios y Cinecolor Films S.A. EE.UU. – 3,01 hrs. 

Fotografía: Trent Opaloch 

Edición: Jeffrey Ford, Matthew Schmidt 

Música: Alan Silvestri 

Diseño Prod.: Charles Wood 

Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely 

Actores: Robert Downey Jr., Chris Evans, Brie Larson, Scarlett Johansson, Karen Gillan 

Directores: Anthony y Joe Russo

Tarde para Morir Joven - Por Juan Pablo Donoso

Sucesión atmosférica de pequeños momentos familiares, fluida y expectante.

Minimalismo bien logrado, en especial por los detalles más nimios y cotidianos.

Hermoso y poco común tratamiento del color.

Loable fotografía e iluminación de interiores de Inti Briones, sonido impecable, y espontaneidad de los niños.

Logra un osado naturalismo al combinar la correcta composición visual con permitir que los personajes entren y salgan de cuadro de manera aleatoria.

Para evaluar con justicia este filme chileno es imprescindible remitirse a su guionista y directora, Dominga Sotomayor Castillo. Al conocer sus películas anteriores - DE JUEVES A DOMINGO (2012) y MAR (2014) – notamos los factores recurrentes en sus argumentos, y el manejo que hace de sus actores.

La continuidad de sus obras va revelando un estilo definido. Y así podemos evaluarla bajo sus propias claves. De lo contrario, sus relatos perecerán vacíos de contenido, erráticos en la forma, e incluso aburridos.

Dicho esto, ¿qué nos mantiene interesados esperando alguna resolución, en medio de tan aparente banalidad y lentitud?

Honestidad y valentía. Ella se atreve a denunciar por el comportamiento de sus personajes que, por muy cotidianos y reconocibles que parezcan, están todos – jóvenes y adultos – desorientados con respecto a sí mismos, a sus anhelos y a sus emociones básicas.

Aunque son muchos los veraneantes de aquella comunidad, la directora lo ilustra acompañando los instintos, devaneos, y confusiones afectivas de su adolescente principal, la hermosa Sofía (Demien Hernández). La relación con su padre, sus hermanos menores y amistades sólo le aportan mayores contradicciones existenciales.

Sotomayor evita deliberadamente dar soluciones. Deja reaccionar a sus personajes minuto a minuto, con lo que cada día traiga. Hay en esto, sin duda, una expresión de su propia sensación de vida. Y la transmite con oficio a través de sus criaturas.

Y esta sinceridad artística y artesanal le ha valido el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Locarno 2018. Mejor Dirección y Mejor Fotografía en el Festival de Gijón (España) y el premio KNF en el Festival de Rotterdam, del Círculo de Periodistas Holandeses de Cine.

Es una realizadora que aún va puliendo su oficio. Esperamos que llegue pronto a tocar una médula dramatúrgica más electrizante en el futuro. El lenguaje, al menos, ya lo tiene.

Otros ya han alcanzado mayor madurez por estas misma aguas. De Suecia vimos TODOS JUNTOS (2000) de Lukas Moodysson, con los problemas de una comunidad ante la llegada de una esposa golpeada junto a sus hijos pequeños. Y con el símbolo que expone aquí de la perrita Frida que intenta escapar, quedó mejor la metáfora del lobo en FELIZ COMO LÁZARO (2018), italiana, de la realizadora Alicia Rohrwacher, donde un inocente campesino es manipulado por sus patrones.

También el título nos resulta críptico a la luz de los eventos de esta fábula.

LA VIDA ES UN MISTERIO ABSURDO Y ABURRIDO PODRÍA SER EL LEMA DE ESTE FILME.

Ficha técnica

Drama 

Storyboard Media Chile, Brasil, Argentina, Holanda y Qatar – 1,50 hrs. 

Fotografía: Inti Briones 

Edición: Catalina Marín Duarte 

Diseño Prod.: Estefanía Larraín 

Actores: Demian Hernández, Antar Machado, Magdalena Tótoro Antonia Zegers, Alejandro Goic Guionista y Directora: Dominga Sotomayor Castillo

Avengers: Endgame - Por Carlos Correa

La espera de la nueva entrega de los Vengadores ha llegado a su fin y el resultado es que “Avengers: Endgame” es sencillamente espectacular.

Después de los sucesos de “Avengers: Infinity War”, una cinta que sobreexplotó elementos innecesariamente, no era fácil continuar con la historia. Por un lado, el malvado Thanos había conseguido, literalmente, borrar de la faz de la tierra a la mitad de la población, liquidar a muchos de los superhéroes y de paso sembrar caos, destrucción, pesadumbre y desesperanza máxima. Por otro lado, la película, a pesar de su éxito comercial, no lograba cautivar del todo debido probablemente a un exceso de relatos y de personajes que parecían todos dentro de una licuadora a alta velocidad de la que salían algunos destellos fugaces.

Pues bien, “Avengers: Endgame” es algo muy distinto a lo que hasta ahora habíamos visto en las anteriores 21 películas del Universo Cinematográfico de Marvel. Y es diferente por muchas razones que, sin caer en ningún adelanto innecesario, quisiera esbozar a continuación, siempre tomando en cuenta que probablemente muchos detalles queden fuera y que, sin duda, hablaremos de esta cinta durante un buen tiempo.

Luego de la devastación provocada por Thanos, los Vengadores que han sobrevivido están dispersos. Cual más, cual menos, han recibido un golpe tan profundo que prácticamente los ha dejado a todos en estado de shock. Sin embargo, una luz se abre en el horizonte, hay una posibilidad aun no explorada, un camino riesgoso que no tiene el éxito asegurado pero que deberían intentar si quieren enmendar de alguna manera el rumbo de las cosas.

Con un guion espléndido de Christopher Markus y Stephen McFeely, los hermanos Anthony y Joe Russo esta vez aciertan medio a medio con una adecuada y precisa dirección. Primero, apuestan con una duración poco habitual para una película en estos tiempos: 182 minutos. Y la verdad es que se entiende perfecto este riesgo, porque esta vez no se apuran ni condensan el relato y entregan a cada acción y a cada personaje el tiempo que necesitan para su desarrollo y evolución. También, la extensa duración de la cinta permite construirla en base a al menos tres momentos significativos, verdaderas columnas sobre las que se sostiene la historia y que fijan puntos de soporte sólidos dentro del desarrollo dramático de la narración.

Un segundo punto que se destaca es el notable reparto y el elenco que encarna a los Vengadores. Cada uno tiene su historia, sus atributos, sus temores y fortalezas, junto a una personalidad única que en esta oportunidad no está reducida ni amenazada por constantes apuros o exageradas presiones. Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Mark Ruffalo y Jeremy Renner brillan en sus roles, cada uno en su estilo, en actuaciones que tal vez sean las mejor logradas de toda la saga hasta el momento.

Un tercer aspecto que sobresale, en mi apreciación, es la forma de componer el relato. No solo es ágil y entretenido sino que también es capaz de capturarnos cada minuto sin que afloje un ápice la tensión. Claro, porque cuando baja un poco esa tensión sube entonces la emoción; y cuando bajan juntas, la acción se encarga de devolvernos nuevamente a puntos altos. El ritmo no es frenético, al contrario, podría decirse que está un par de revoluciones por debajo de las anteriores, sin embargo tiene una fuerza interna, un pulso y una rigurosidad en la edición que es realmente notable. Nunca pensé que podría pasar 182 minutos frente a la pantalla sin desconcentrarme o sin pararme siquiera. Y la verdad es que si uno quisiera hacer una pausa, no existe un momento para hacerlo porque la sensación es que a cada instante sucederá algo importante y trascendente y no lo podemos dejar de ver.

Adelantos no conviene hacer, y de ningún tipo, porque ver esta película es una experiencia. Por eso hay que vivirla, porque es única y especial para cada uno. Ojalá poder asistir con la menor cantidad de adelantos posibles para así dejarse sorprender, a pesar que aunque se sepa bastante, la sorpresa igualmente es monumental. Y por supuesto dispuesto a disfrutar, porque Marvel sorprende incluso a sus más fanáticos; surgen aplausos espontáneos, las carcajadas florecen y las lágrimas brotan gracias a un trabajo delicado, bien ejecutado e increíblemente coordinado de todos y cada uno de quienes han participado de este cierre de ciclo único, profundamente humano, épico y conmovedor.

Ficha técnica

Título original: Avengers: Endgame
Año: 2019
Duración: 182 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Studios
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Acción | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Secuela
Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Jack Kirby, Jim Starlin)
Música: Alan Silvestri
Fotografía: Trent Opaloch
Reparto: Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Mark Ruffalo, Jeremy Renner, Brie Larson, Karen Gillan, Paul Rudd, Danai Gurira, Josh Brolin, Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Jon Favreau, Benedict Wong, Tessa Thompson, Bradley Cooper, Katherine Langford, Evangeline Lilly, Pom Klementieff, Elizabeth Olsen, Dave Bautista, Sebastian Stan, Chadwick Boseman, Letitia Wright, Benedict Cumberbatch, Anthony Mackie, Samuel L. Jackson, Zoe Saldana, Chris Pratt, Paul Bettany, Vin Diesel
Dirección: Anthony Russo, Joe Russo

Tarde para morir joven - Por Carlos Correa

Una comunidad aislada, cercana a la cordillera y alejada de la ciudad. Una vida diferente es la que busca un grupo de familias para poder estar en un espacio de mayor contacto con la naturaleza. Verano a fines de los ochenta, se vive el día de Navidad y asoma una gran fiesta para la celebración del Año Nuevo. La perspectiva del fin de un ciclo y el comienzo de otro nuevo también está presente en los tres jóvenes protagonistas de la cinta. 

Sofía (16) -Demian Hernández-, Lucas (16) -Antar Machado- y Clara (10) -Magdalena Tótoro- viven etapas diferentes. Sofía sueña con elementos propios de la ciudad. La discusión de si tener o no electricidad en la comunidad es un tema que a ella le afecta y bastante. Además, está comenzando a descubrir sus primeros deseos y todo aquello la hace pensar que su lugar está más bien donde vive su madre, es decir, la comuna de Ñuñoa, en la ciudad de Santiago. Lucas, por su parte, recorre otro camino. No se cuestiona su permanencia en el lugar, más bien asume que allí es donde él quiere estar. Lo que sí le afecta es la atención que Sofía le presta o le deja de prestar. También está Clara, que a sus cortos 10 años recién comienza a mirar la vida y su visión, con ojos de niña, entrega otra perspectiva de las opciones y decisiones que toman los más grandes. Estos últimos quieren alejarse de la multitud y de lo conocido; los jóvenes quieren conocer y descubrir el mundo.

Dominga Sotomayor, guionista y directora de esta película, filma con extremo cuidado y delicadeza. El trabajo de fotografía de Inti Briones es excelente, con un manejo de luces y sombras, colores cálidos, algunos luminosos y otros oscuros, que traspasan la pantalla y se transforman en vivas emociones.

“Tarde para morir joven” responde a un estilo particular. Es de esas películas que son más bien reposadas, donde no hay un desplazamiento en el eje del relato sino que se centran en la profundidad de sus protagonistas. Esa intimidad, que a veces aflora y a veces permanece oculta, la percibimos, la imaginamos, pero no necesariamente la vemos. Aquí, la construcción de cada personaje es vital y el trabajo de la directora se aprecia cabalmente. Es mucho más importante eso que no observamos, lo que proviene de la interioridad de cada persona, de los pequeños detalles o de momentos sutiles, que aquello que evidentemente está expuesto.

Destaca, sin duda, la actuación de Demian Hernández encarnando a Sofía. Su mirada, sus desplazamientos y sus actos dan cuenta de un proceso interno trascendente. Algo no se siente bien, le incomoda y no está claro qué es. ¿Amor, impulso? ¿Novedad, sueño? ¿Búsqueda, descubrimiento? El arte se abre paso y también el irrefrenable deseo de explorar nuevas sensaciones y nuevas emociones.

Premiada en el Festival de Locarno como mejor dirección y en el Festival de Gijón como Mejor directora (ex aequo) y fotografía, esta película de Dominga Sotomayor plantea temas que son parte importante de nuestras vidas. Las relaciones entre padres e hijos, entre amigos, sus reacciones, primeros enamoramientos y exploraciones iniciales, son algunos de los muchos elementos que la cinta pone en relieve y que, vistos desde diversas ópticas, también nos llegan de manera diferente, dependiendo de nuestra particular cercanía con cada uno de ellos.

Ficha técnica 

Título original: Tarde para morir joven
Año: 2018
Duración: 110 minutos
País: Chile
Productora: Coproducción Chile-Brasil-Argentina-Países Bajos (Holanda)-Qatar; Cinestación / RT Features / Ruda Cine / Circe Films
Género: Drama | Años 90. Adolescencia
Guion: Dominga Sotomayor
Fotografía: Inti Briones
Reparto: Demian Hernández, Antar Machado, Matías Oviedo, Antonia Zegers, Eyal Meyer, Magdalena Tótoro, Alejandro Goic, Andrés Aliaga, Gabriel Cañas
Dirección: Dominga Sotomayor

El affaire de Sarah y Saleem - Por Carlos Correa

Inspirada en un hecho real, esta cinta del director Muayad Alayan transcurre en la Jerusalén actual. La ciudad está dividida y aquello se nota. Hay tensión, segregación, opresión y desconfianza. Israelíes y palestinos intentan convivir, sin embargo el conflicto es mucho más profundo, más interno, mucho más poderoso. En este escenario tenemos a dos amantes: Sarah -Sivane Kretchner- que está casada con David -Ishai Golan- un alto oficial de ejército y Saleem -Adeeb Safadi- cuya esposa Bisan -Maisa Abd Elhadi- está esperando un hijo.

Amantes nocturnos, ambos tienen sus propios problemas en casa. Saleem trabaja en una panadería y hace entregas en un furgón, tiene problemas económicos y lucha contra la intromisión permanente del hermano de Bisan en su vida familiar. Por su parte, Sarah tiene problemas en su matrimonio. Los traslados de su marido le han obligado a cerrar un par de veces su emprendimiento, una cafetería, que ahora en la capital, parece que comienza a consolidarse lentamente.

En uno de sus encuentros furtivos, Saleem tiene que hacer una entrega diferente, esta vez en Belén, y Sarah poco convencida lo acompaña. Una disputa en un bar, aparentemente inocua, desencadena una serie de hechos que trastocan sus vidas y la de sus familias, llegando a tener consecuencias insospechadas.

El guion escrito por los hermanos Alayan -Rami Musa Alayan y el propio director- es preciso y envolvente. Cada secuencia está plenamente lograda y no pierde en ningún momento el ritmo ni la relación de las circunstancias. La filmación de Muayad es cuidada y extrovertida, presentando la ciudad, sus rincones, sus calles, el cruce del muro y cada detalle cotidiano de forma natural y convincente.

¿Cómo un tema privado puede pasar a tener una gran connotación pública? Error tras error, la ingenuidad de los protagonistas del romance parece no tocar fondo. Saleem es arrestado y Sarah cuestionada. David pone en juego su carrera y Bisan, la vida de su hijo.

Este thriller amoroso, policial y político está muy bien narrado y excelentemente bien actuado por sus protagonistas. El título original, “Los reportes de Sarah y Saleem” hace más justicia al desarrollo del centro del relato porque no solo se trata del “affaire” entre ambos sino todo lo que involucra a sus culturas, sus orígenes, su forma de vida y la extremadamente compleja situación que viven en la zona tanto socialmente como militarmente.

En la casa de Sarah y David se escucha Brahms. Pareciera una contradicción pero es un detalle que no es azar. La historia cautiva, los personajes intrigan y las repercusiones de sus actos obligan a tomar partido. No es fácil empatizar con lo que viven ni menos coincidir en sus decisiones. Más difícil aun es lo les rodea a Sarah y a Saleem, la presión familiar y social a la que son sometidos. Sus problemas iniciales hoy están en el baúl de los recuerdos y sus encuentros sexuales ya olvidados. ¿Cómo llegamos a la situación actual?, parecen preguntarse. No hay respuestas, solo hechos y una dura realidad contra la que violentamente han chocado.

Ficha técnica

Título Original: The Reports on Sarah and Saleem
Drama, política y romance
Cinemark
Palestina, Alemania, Países Bajos – 2,07 hrs.
Fotografía: Sebastian Bock
Edición: Sameer Qumsiyeh
Música: Frank Gelat, Charlie Rishmawi, Tarek Abu Salameh
Diseño Prod.: Bashar Hassuneh
Guion: Rami Musa Alayan
Actores: Sivane Kretchner, Maisa Abd Elhadi, Adeeb Safadi, Ishai Golan, Kamel El Basha
Director: Muayad Alayan

Transit - Por Carlos Correa

Un café en Paris, sirenas y policías fuertemente armados en las calles; máxima tensión.

Este es el punto de partida de “Transit”, del realizador alemán Christian Petzold, cinta basada en la novela que Anna Seghers escribió en 1942. Georg -Franz Rogowski- recibe el encargo de entregar dos cartas a un escritor de apellido Weidel que se encuentra en Marsella. Georg ha huido de Alemania y pretende también escapar de Francia, de la ocupación, de la persecución y de las redadas. Hay una guerra que no vemos, pero que sentimos.

Al llegar al puerto de Marsella para entregar el encargo descubre que el destinatario de las cartas se ha quitado la vida. Acude entonces al Consulado de México donde es confundido con el escritor, le entregan dos visas, boletos de barco y dinero. Sin saber qué hacer, escondido en un hotel donde hay más indocumentados que también huyen, recorre la ciudad esperando la fecha de salida del barco que lo sacará finalmente del país. En sus tantas caminatas traba amistad con Driss, un joven de 11 años procedente de Magreb que vive junto a su madre sordomuda y se cruza en diversas oportunidades con una bella y enigmática mujer.

Hay varios aspectos de la película que pueden ser desconcertantes y tal vez nos exijan una mayor atención. Uno de ellos es el relator de la historia, una tercera persona que por momentos parece totalmente fuera del foco que estamos observando. Por otra parte, la historia está transportada a la época actual. Suponemos que el relato está situado en la Segunda Guerra Mundial pero el entorno que vemos no cuadra para nada. Todo es moderno salvo la ausencia de celulares y la presencia de antiguas radios a transistores. Los viajes son en tren y en barco, pero también en automóviles nuevos.

Marie -Paula Beer-, la mujer enigmática que confunde a Georg con el hombre que ama, tal vez sea la clave de todo. Ella espera a su marido. Lo ha abandonado, sin embargo está confiada en que él, luego de su desesperado llamado, acuda en su ayuda y le perdone. Una pregunta se repite; “¿quién olvida primero, el hombre abandonado o la mujer que abandona?” Petzold nos hace sentir el conflicto, nos pone trabas, nos enreda y nos confunde, no solo con la temporalidad sino que también con los sentimientos de los protagonistas.

La película, gracias a los riesgos que asume, pone en relieve el tema actual de los migrantes, de quienes huyen buscando oportunidades y del a veces despiadado control -y también violencia- que se ejerce sobre ellos. El metraje transcurre en permanente movimiento, de allí su título “tránsito”, donde todo lo que está definido puede cambiar y los planes se modifican de un minuto a otro. Tan líquido es el argumento que incluso el final que entrega puede tener más de una interpretación, permitiendo que la película incluso prosiga luego de los créditos finales. “Transit” es una profunda y conmovedora historia de amor que se transforma en un desafío que sin duda vale la pena ver.

Ficha técnica

Título original: Transit
Año: 2018
Duración: 101 minutos
País: Alemania
Productora: Neon Productions / Schramm Film
Género: Drama | II Guerra Mundial
Guion: Christian Petzold (Novela: Anna Seghers)
Música: Stefan Will
Fotografía: Hans Fromm
Reparto: Franz Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese, Lilien Batman, Maryam Zaree, Barbara Auer, Matthias Brandt, Sebastian Hülk, Emilie de Preissac, Antoine Oppenheim, Louison Tresallet, Àlex Brendemühl
Dirección: Christian Petzold

Entre la razón y la locura - Por Carlos Correa

Una historia real -descrita en el libro de 1998, "El Cirujano de Crowthorne", de Simon Winchester- inspira esta cinta que trata sobre el gran desafío de construir un diccionario con todas las palabras de la lengua inglesa. Oxford University Press, en 1879, acepta el encargo de publicar un proyecto que llevaba más de 20 años sin avances sustantivos y que desde 1976, liderado por el lexicógrafo James Murray -Mel Gibson-, comienza a tomar forma con un equipo de trabajo destinado exclusivamente para la ardua tarea. El despegue del proyecto nace de la idea de Murray de reiterar una solicitud, ampliamente publicitada en periódicos y distribuida en librerías y bibliotecas, para que los lectores informaran de "tantas citas como puedan de palabras comunes", como de todas las que fueran "raras, obsoletas, anticuadas, nuevas o peculiares". Así comenzaron a llegar infinidad de fichas que lentamente se transformaron en cerca de 3.500.000 hacia el año 1882.

El Dr. William Chester Minor, acosado por frenéticas alucinaciones, perturbado y confundido por sus temores y persecuciones, comete un crimen brutal en Londres asesinando a un inocente, dejando con ello una viuda y un gran número de hijos desprotegidos. Corre el año 1872 y luego de ser juzgado “no culpable” por demencia es internado en un hospital psiquiátrico, privado de libertad y sujeto a tratamientos experimentales. El Dr. Minor lee todo cuanto llega a sus manos y cuando se entera de la solicitud de ayuda para el gran diccionario decide participar enviando gran cantidad de aportes que son recibidos con júbilo por el profesor Murray. Nace allí una relación fraterna, de admiración mutua y que los lleva a encontrase en las varias oportunidades en que el profesor visita al hombre “demente” en su lugar de reclusión, lo que por lo demás es el título original de la cinta en inglés, “The Professor and the Madman”.

La cinta transcurre en forma pausada. La recreación de época es muy adecuada, sin embargo el ritmo cadencioso impreso por momentos, baja la tensión y elude el conflicto. Los diálogos no parecen representar a los eruditos y los representantes de la Sociedad encargada del proyecto parecen más preocupados de sus propios intereses más que de contribuir a un proyecto que llegaría con el tiempo a ser único en su tipo. La representación que Mel Gibson realiza de quien hace cabeza se sostiene más en su familia, esposa y numerosos hijos, más que en sus bondades como un versado intelectual. Hay allí una carencia de profundidad que afecta el desarrollo del metraje y que no puede ser equilibrado con el histrionismo y gran preocupación en los detalles que logra Sean Penn dando vida a un angustiado y desesperado hombre que, consciente de sus errores y que no encuentra salida para remediarlos, tampoco puede superar lo que lo atormenta en su ser más íntimo.

Esta película dirigida por el también guionista Farhad Safinia ofrece una historia que atrapa nuestra curiosidad. ¿Cómo un hombre, sin títulos y autodidacta, logra el respaldo para emprender un desafío propio de la alta intelectualidad de la época? ¿Cómo otro hombre, que camina por el abismo de la locura, logra cuadrar en ese proyecto con aportes que iluminan al equipo y que se transforman en importantes ayudas que sirve para destrabar algunas de las muchas complicaciones? La respuesta no es sencilla, pero la amistad que nace entre los dos protagonistas es real e intensa. También destaca lo que sucede con la viuda y sus encuentros progresivos con el hombre que asesinó a su marido. Se suma a ello la presencia de personajes secundarios que tienen bastante menos participación en el relato y que sorprenden por su humanidad y compasión, como es el caso de la esposa de Murray y el carcelero encargado del Dr. Minor.

Si bien el resultado fílmico de “Entre la razón y la locura” puede quedar a medio camino de lo que su historia propone como material, resulta interesante verlo desde el punto de vista de su aporte histórico, poniendo nombre a los responsables de la importante publicación, humanizando a quienes trabajaron arduamente y tal vez poniendo mucho más énfasis en la redención y el perdón al que puede aspirar un hombre luego de cometer un irreparable y brutal error que le hace perder toda dignidad, sentirse sin derecho a compasión alguna y por ello solo estar destinado a una condena eterna.

Ficha técnica

Título original: The Professor and the Madman
Año: 2019
Duración: 124 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Irlanda; Fastnet Films / Icon Productions
Género: Drama. Thriller | Siglo XIX. Literatura
Guion: John Boorman, Todd Komarnicki, Farhad Safinia (Novela: Simon Winchester)
Música: Bear McCreary
Fotografía: Kasper Tuxen
Reparto: Mel Gibson, Sean Penn, Natalie Dormer, Ioan Gruffudd, Jeremy Irvine, Brendan Patricks, Adam Fergus, Kieran O'Reilly, Bryan Quinn, David Crowley, Olivia McKevitt, Steve Coogan, Malcolm Freeman, Robert McCormack, Abigail Coburn, Stephen Dillane
Dirección: Farhad Safinia

Entre la Razón y la Locura - Por Juan Pablo Donoso

Admirable confluencia de varias situaciones dramáticas en un todo relevante y cultural.

Basada en el libro El Cirujano de Crowthorne (1998) de Simon Winchester, narra la historia verídica de la publicación del Primer Diccionario Oxford de la lengua inglesa.

El tema podría parecer árido y sólo interesar a los filólogos. Sin embargo, en su elaboración participaron personas cuyas vidas, vocaciones y circunstancias políticas dieron origen a esta película realizada con inteligencia, sensibilidad y una estupenda reconstitución de época.

El Diccionario de Oxford fue el fruto de tres historias dolorosas y ejemplares.

Su principal autor - Sir James Augustus Henry Murray – escocés, políglota y autodidacta, abordó la titánica tarea teniendo la desconfianza de casi todos los miembros de la Sociedad Filológica de Oxford. Sus esfuerzos iniciales presentaban desafíos casi imposibles de resolver cuando aún exploraba en las primeras palabras del alfabeto. Su tenacidad profesional, la adversidad de sus pares, y las repercusiones en su vida familiar son el primer pilar dramático de esta obra.

Luego, en forma paralela, se nos presenta el caso del médico Dr. William Chester Minor, estadounidense, ex combatiente de la Guerra de la Secesión, afectado de una psicosis esquizo-paranoica. En sus delirios asesinó a un humilde londinense, Merrett, padre de numerosos hijos, creyendo ver en él a un soldado que lo perseguía para asesinarlo. Por su locura lo internan en un asilo de enfermos mentales. Allí se granjeará el cariño del personal debido a que salvó la vida de un guardia herido. Para alivianar su conciencia, le envía a la viuda de Merrett un apoyo económico que, además de alimentar a sus hijos huérfanos, la libera del ejercicio de la prostitución.

¿Qué unió a estos dos personajes? Pues que el Dr. Minor, desde el manicomio, aportó al filólogo Murray soluciones lexicográficas providenciales para la continuidad de su obra.

De ahí nace una extraña amistad entre dos mentes brillantes separadas por circunstancias patológicas tan distintas.

Y el tercer cauce lo encarna Eliza Merrett, la viuda, quien en una mezcla de odio y rencor hacia el asesino, al conocerlo, gradualmente le agradecerá el apoyo monetario, e incluso surgirá una chispa de amor imposible entre ellos.

La intervención política de un joven Winston Churchill será clave para, tanto él éxito de las primeras ediciones del Diccionario, como del reconocimiento y la liberación del médico trastornado.

Quien se interese por conocer más detalles históricos de estos personajes hallará mucha información en las redes. El mérito de la película radica en la inteligencia con que los guionistas y el director Farhad Safinia tejieron estos acontecimientos para que fueran amenos, educativos, y muy conmovedores gracias a las estupendas actuaciones de Mel Gibson, Sean Penn, Natalie Dormer, Jennifer Ehle, y connotados secundarios.

“¿Cómo pudo un hombre de tan alta estirpe descender por enfermedad a tal grado de animalidad?”

BIOGRAFÍAS VERDADERAS, PATÉTICAS, FILMADAS CON TALENTO Y AMENIDAD EDUCATIVA.

Ficha técnica

Título Original: The Professor and the Madman 

Biografía, drama, erudición Cinetopia Irlanda – 2,04 hrs. 

Fotografía: Kasper Tuxen 

Edición: John Gilbert, Dino Jonsäter 

Música: Bear McCreary 

Diseño Prod.: Tom Conroy 

Guion: John Boorman, Todd Komarnicki 

Actores: Mel Gibson, Sean Penn, Natalie Dormer 

Director: Farhad Safinia

Mirai - Por Juan Pablo Donoso

Milagrosa oportunidad de un niño muy pequeño de viajar al pasado y al futuro de su familia. Una experiencia que lo dejará para siempre lleno de sabiduría, tolerancia y compasión.

Con lenguaje infantil y lúdico, su realizador nos sumerge en una reflexión científica y existencial.

Mamoru Hosoda: El Niño y la Bestia 2015 – Los Niños Lobos 2012 – La Niña que Saltaba a Través del Tiempo 2006, son algunos de los filmes anteriores de este consagrado creador japonés. Ya estos títulos acusan recurrencia de niños, animales y juegos con el Tiempo.

Kun es un niño consentido de cuatro años. Sus padres le prestan menos atención cuando nace su hermanita Mirai. En medio de pataletas, y junto a su perro, vivirá una experiencia paranormal en el jardín de su casa.

Traspasa una reja que le permite viajar en el tiempo hacia el futuro y el pasado. Su perro será un príncipe insatisfecho, su hermanita una escolar adolescente, su madre una niña caprichosa y desordenada y su abuelo, lisiado de la guerra, un líder de arriesgadas aventuras.

El contacto con esos parientes en épocas distintas, y sus insospechadas vivencias, le permitirán mirar la vida desde otra perspectiva. Así, cuando vuelva al presente, asumirá el rol adecuado de hermano mayor responsable y generoso.

Con esta aventura cuántica, en que toda la realidad se integra como un conjunto unitario de tiempo y espacio para el niño, y para nosotros junto a él, se abre una cosmovisión (weltenschauung) más amplia y profunda para asumir la Naturaleza y la Creación.

A diferencia de nuevas corrientes tecnológicas de animación, Mamoru Hosoda sigue narrando con el clásico animé (Heidi, Candy, Astroboy, etc.). Así nos demuestra cuánta belleza puede entregar todavía: fondos que parecen acuarelas, imágenes concretas que se tornan abstractas con facilidad, y un constante recordarnos que son dibujos, y que como tales son sólo bosquejos de la realidad.

La teoría cuántica hallará su más clara demostración poética y humanitaria. La vivencia paranormal del niño - ajena a su control– hará confluir el Pasado con el Futuro en un Presente luminoso. Una metafísica que siempre ha estado con nosotros, y a la que recién comenzamos a vislumbrar.

La Creación entera, con sus galaxias, plantas y animales, comparte una misma Armonía (Familia) universal, cuyas diversidades son solo aparentes.

Nominado como mejor filme de animación para los próximos premio de la Academia.

DELEITARÁ A CHICOS Y GRANDES. UNA REFLEXIÓN QUE CONCILIA EL ESPÍRITU CON LA RELATIVIDAD DEL TIEMPO.

Ficha técnica

Título Original:未来, 私の妹 

Aventuras, fantasía familiar 

Hoyts Cinépolis Japón – 1,38 hrs. 

Edición: Shigeru Nishiyama 

Música: Masakatsu Takagi 

Dirección de Arte: Takashi Omori, Yôhei Takamatsu 

Guionista y Director: Mamoru Hosoda

La Maldición de La Llorona - Por Juan Pablo Donoso

La famosa leyenda mexicana de La Llorona llevada al cine de la manera más comercial y torpe. Desperdicio de una buena oportunidad.

Lo único rescatable es el tratamiento de cámara y la iluminación. Creyeron que con eso bastaba para filmar un argumento pueril y descuidado.

Es indignante cómo en medio del terror los personajes, teniendo tantos recursos y vías de escape, se meten deliberadamente en los rincones peligrosos o dejan las puertas y ventanas abiertas para que la endemoniada entre a atacarlos.

Con esos mismos personajes, y antecedentes, pudieron generar una historia de horror sobrenatural partiendo de lo cotidiano para terminar en lo pavoroso e inexplicable.

Los actores, incluyendo a los niños, tratan de comportarse con lógica y sentido común; pero los guionistas se encargaron de negarles esa posibilidad. Para colmo le insertan “screamers” innecesarios cuando bastaba con una inteligente atmósfera siniestra. Parece que nunca aprenden de las abundantes, y logradas, películas de terror de los últimos tiempos.

TONTA Y ANTIPÁTICA

Ficha técnica

Título Original: The Curse of La Llorona 

Terror, misterio, suspenso 

Warner Bros. Pictures EE.UU. – 1,33 hrs. 

Fotografía: Michael Burgess 

Edición: Peter Gvozdas Música: Joseph Bishara 

Diseño Prod.: Melanie Jones 

Guion: Mikki Daughtry, Tobias Iaconis 

Actores: Linda Cardellini, Raymond Cruz, Marisol Ramírez 

Director: Michael Chaves

Pajaritos a Volar - Por Juan Pablo Donoso

Encantadora e inteligente fábula de animación alemana cuyo argumento, además de entretener a los niños, promueve también valores familiares y sabias reflexiones en favor de la convivencia de razas y solidaridad de los pueblos.

Un pajarito llamado Manou crece, accidentalmente, creyéndose una gaviota. Junto a ellas aprende a volar bajo las severas enseñanzas del Capitán, a quien mira como padre y líder de toda la bandada. Pero un día descubre que en realidad es golondrina, especie a la cual las gaviotas despreciaban. Las hallaban pequeñas e incapaces de planear en el aire y zambullirse en el mar. Y debe abandonar a su familia de gaviotas para incorporarse a las golondrinas. Más, cuando una plaga de ratones se dedica de noche a robar huevos de los nidos, ambas colonias deberán unirse para combatir a los siniestros ladrones, y evitar que se coman a los polluelos que están aún por nacer.

Con una hermosa técnica llamada LUXX LIGHT TECHNOLOGY, los dibujos entregan una percepción milimétrica de cada detalle. A tal punto que sus paisajes parecieran fotos de la realidad, y a las aves se les distingue cada minúscula plumita. Con esta mezcla entre fotografía y pintura impresionista, las viejas ciudades europeas del Mediterráneo y sus ruinas históricas adquieren un realismo mágico que nos hace aún más cercano el relato y sus personajes.

Llena de anécdotas y sentimientos solidarios. La acción se mantiene fluida y nos invita, junto a estos queribles pájaros, a volar por cielos despejados y también tormentosos rumbo al destino final de la migración que, en este caso, es el Sur.

Y emerge nuevamente el mensaje de tolerancia entre los pueblos, incitando a comprender que el fenómeno migratorio – emigración e inmigración – ha sido siempre fundamental para el enriquecimiento de las comunidades humanas, animales y vegetales en nuestro planeta.

UNA BELLA Y GRACIOSA ANIMACIÓN ALEMANA CON DIVERSOS NIVELES DE LECTURA. LA DISFRUTARÁN NIÑOS Y ADULTOS CADA CUAL SEGÚN SU EDAD.

Ficha técnica

Título Original: Manou the Swift 

Animación, aventuras, comedia 

BFDistribution Alemania – 1,28 hrs. 

Edición: Dennis Lutz, Dirk Stoppe 

Música: Frank Schreiber, Steffen Wick 

Dirección de Arte: Andrea Block 

Voces originales: Kate Winslet, Willem Dafoe, Rob Paulsen 

Guionistas y Directores: Christian Haas, Andrea Block

Mirai - Por Carlos Correa

Kun, un pequeño de cuatro años, ve como su vida cambia cuando nace su hermana pequeña. La atención de sus padres ya no es exclusiva pues la encantadora Mirai pasa a ser el centro.

Esta película de animación japonesa del director Mamoru Hosoda presenta una problemática cercana y habitual que dice relación con la llegada de un nuevo integrante al grupo familiar y el desequilibrio que produce en el conocido y cómodo espacio de confort que se ha construido. Además, el guionista y director se hace cargo de mostrar los roles madre y padre diferentes a lo comúnmente habitual. Él es un arquitecto independiente por lo que puede desarrollar sus tareas en casa y ella tiene un trabajo al que debe volver luego del poco tiempo de permiso maternal. Por lo anterior, quien debe asumir la carga del día a día del hogar es el hombre y acá se aprecia la histórica carga machista, variadas recriminaciones y también algunas descalificaciones que tienen que ver con la historia de la pareja.

La cinta, a poco andar, presenta sus primeros momentos mágicos. Primero la mascota es quien se presenta ante Kun, representado como humano y hablando su idioma, señalando el punto clave, su pérdida de espacio y los nacientes celos hacia su hermana. Luego viene lo más sorprendente, la visita de su hermana desde el futuro, para recorrer junto a Kun y su mascota una aventura que finalmente les acercará y unirá para toda la vida.

Esta fábula animada se centra en valores principales y pone su foco en lo realmente importante. Una película sencilla, simple y transparente, por momentos incluso bastante ingenua, relatada con modestia y con una fluidez encantadora, nos enseña lo importante que son los pequeños detalles de la vida, el rol fundamental de la familia, el lugar que ocupa el trabajo en los tiempos actuales, la relación entre los hermanos, y una moraleja que podríamos resumir en la capacidad de amar y de ser amados.

Ficha técnica

Título original: Mirai aka 

Año: 2018
Duración: 100 minutos
País: Japón
Productora: Studio Chizu
Género: Animación. Drama. Fantástico | Infancia. Familia. Viajes en el tiempo. Cine familiar
Guion: Mamoru Hosoda
Música: Takagi Masakatsu
Fotografía: Animation
Reparto: Animation
Dirección: Mamoru Hosoda

El affaire de Sarah y Saleem - Por Jackie O.

“Siempre es un mal momento para un affaire, peor aún es cuando las culturas están involucradas”.

Su nombre original es “The Reports on Sarah and Saleem” (Los informes sobre Sarah y Saleem) y la verdad me gusta más.

Saleem es casado y trabaja como repartidor Palestino de una panadería y Sarah, es una judía que está casada con un militar y dueña de un café, al cual Saleem pasa a dejar mercadería. La película no muestra como comienza esta relación, pues ya la tienen establecida viéndose secretamente en la parte trasera de la camioneta de él.

Debido a la mala condición económica de Saleem, éste acepta un trabajo que su cuñado le pide que es un tanto ilegal, consistente en transportar cosas en la noche al otro lado “del muro”.

Todo está mal entre nuestros protagonistas: ambos casado y de culturas diferentes en un sector del mundo complicado, Jerusalén.

Cuando comienza la trama más relevante: es cuando estos amantes cometen el error de salir juntos a vista del público, ella lo acompaña a una de esas entregas al “otro lado del muro”, porque nadie los conoce ahí, pero siempre hay desgracias. Él se enfrasca en una pelea por ella, donde el sujeto que fue golpeado para vengarse lo denuncia falsamente como reclutador de judíos para palestina con fines de prostitución, y más grave aún en esos momentos, para causas políticas en palestina.

Ante esta acusación Saleem es perseguido y arrestado por algo que no ha cometido, y la policía comienza a buscar a esa mujer misteriosa que lo acompañaba

Dos culturas, ambos casados, en un momento político tenso… la situación es complicada y no saben qué hacer. Los esposos engañados se enteran y ellos deben decidir qué hacer con su futuro: siguen con sus parejas o las dejan.

El tono político dado en esta película ésta bien lograda, por esa razón prefiero el nombre original. Las actuaciones son convincentes y vives el dolor, la rabia y la preocupación.

Honor, amor, lealtad, traición, solidaridad, servicio secreto… Puntos a favor para ver esta película.

En qué puede fallar, que a veces se torna lenta, le abría quitado 15 minutos y sería perfecta.

Ficha técnica

Título Original: The Reports on Sarah and Saleem 

Drama, política y romance 

Cinemark 

Palestina, Alemania, Países Bajos – 2,07 hrs. 

Fotografía: Sebastian Bock 

Edición: Sameer Qumsiyeh 

Música: Frank Gelat, Charlie Rishmawi, Tarek Abu Salameh 

Diseño Prod.: Bashar Hassuneh 

Guion: Rami Musa Alayan 

Actores: Sivane Kretchner, Maisa Abd Elhadi, Adeeb Safadi, Ishai Golan, Kamel El Basha 

Director: Muayad Alayan

After: Aquí empieza todo - Por Jackie O.

“Mi vida antes de él era tan simple, y ahora solo es… después”. Tessa

Otra película de amor adolescente entre la chica buena y el chico malo.

Soy una romántica y espero con ansias siempre una nueva historia de amor, y eso que hemos visto innumerables historias de esas y muchas veces es lo mismo pero no nos importa, lloramos y suspiramos igual. La gracia es que tenga ese sello que la haga destacable.

Si te gustó la saga “Crepúsculo” y/o “50 Sombras de Grey”, esta película es lo tuyo. Pues está basada en un libro exitoso y bien escrito, que al pasarlo a la pantalla grande lo arruinaron.

Basada en el best seller de Anna Todd que fue un éxito en ventas, obvio que había que plasmarla en la pantalla grande. Partamos escogiendo a los protagonistas, y deben ser jóvenes atrayentes del momento para cautivar al joven público, en especial el femenino ya que es ahí donde llega más esta película. Los escogidos, nada más ni menos que el sobrino de los guapísimos y talentosos Ralph y Joseph Fiennes, me refiero a Hero Fiennes y la chica guapa Josephine Langford.

Ahora vamos a la trama: La chica dulce, virginal e inteligente que se enamora del chico malo, misterioso y adinerado: Tessa, que al llegar a la Universidad conoce a su compañera de cuarto, Steph, quien es muy diferente a ella, al minuto uno está consumiendo droga, su aspecto es muy desaliñado y no esconde su lesbianismo, chocándole todo eso a la madre de Tessa. Steph procede a presentar a sus amigos donde está Hardin el chico malo, comenzando entre los protagonistas un acercamiento de “tira y afloja”, ella quiere y no quiere su compañía. Terminando abruptamente en el enamoramiento máximo. Cliché máximo diría yo.

La química entre los protagonistas es escaza, en realidad no hay, la sobreactuación es evidente en ambos. Se nota que nuestro joven protagonista independiente de ser guapo, no cuenta con el talento de los tíos.

De acuerdo a averiguaciones efectuadas, este guion adaptado se suavizó debido a que el libro cuenta que la relación entre los protagonistas es muy tóxica, gracias por no mostrarlo. Para que ver maltrato y reconciliaciones, de eso están llenos los tribunales hoy en día, o solo lean la prensa.

Pero aun así el guion está hecho con demasiados clichés aburridos y una mala narrativa, mala continuidad de contarnos la historia. Agrego además, que la dirección no está bien desarrollada y ningún actor destaca. El final abrupto nos dice que nos preparemos para la continuación, así que le rogaremos a la directora y guionista que aprendan la lección, y presenten algo mejor. Lo siento por los miles de lectores, que se encantaron con los libros.

Puntos a favor si los tiene, uno de ellos es el promover el uso del condón, esto lo hace Hardin al momento de involucrarse sexualmente con Tessa. Y la banda sonora estuvo muy acorde. Nada más.

AFTER…Después de qué? ¿Después de que una chica inocente descubre su sexualidad?, ¿Después que el chico malo encuentra el amor verdadero?… ¿Después de creerte enamorado te olvidas de tus amigos y/o familia?... Cada Afternators hace su propia interpretación.

Me gustan las películas románticas como dije, pero cuando están bien hechas. Acá no pasó. Esto no es romance por ningún lado.

Ficha técnica

Título original: After
País: Estados Unidos
Año: 2019
Género: Drama romántico

Reparto: Josephine Langford, Hero Fiennes-Tiffin, Selma Blair, Jennifer Beals, Peter Gallagher, Meadow Williams, Samuel Larsen, Dylan Arnold, Donald K. Overstreet, Inanna Sarkis, SwenTemmel, Pia Mia, Shane McGhie.
Dirección: Jenny Gage

El Affaire de Sarah y Saleem - Por Juan Pablo Donoso

Un drama de suspenso maduro en que confluyen la política y la infidelidad conyugal.

Basada en un hecho real sucede en Jerusalén de nuestros días. La ciudad está dividida geográficamente en dos comunidades: los israelitas y los palestinos. Ambos pueblos se miran con desconfianza y los conflictos estallan ante la más leve provocación.

Sarah es una mujer judía, esposa de un alto militar israelita. Tiene un café/restaurante que se abastece con productos que le compra a proveedores palestinos. Será precisamente con un repartidor árabe – Saleem - con quien iniciará un tórrido romance sexual.

Más, a raíz de un eventual conflicto nocturno en un bar, otro palestino, por revancha, denuncia que Saleem tiene una amante judía sospechosa de espionaje.

Lo que era un oculto affaire de adulterio irá tomando connotaciones políticas. Saleem será encarcelado bajo cargos de traición, y Sarah, por la carrera militar de su esposo, irá quedando cada vez más expuesta al escarnio y a la ruptura de su hogar.

Por su parte, el matrimonio de Saleem, cuya esposa estaba embarazada, se va desmoronando a medida que la policía militar interviene e investiga las supuestas filtraciones estratégicas.

De nada servirá probar que sólo se trataba de un caso particular de adulterio. Las suspicacias bélicas se encargarán de destruir ambos hogares por más que los amantes se arrepintieran de su desliz.

El joven realizador palestino Muayad Alayan, con un excelente guion escrito con su hermano Rami Musa, le otorga al relato un pulso firme, claro en su denuncia, en una ciudad bíblica hermosamente captada, y con actores que asumen sus personajes con talento y sobriedad emocional.

Es un clásico affaire extraconyugal que, por ocurrir en una zona tan crítica del Medio Oriente, detonará consecuencias trágicas fuera de toda proporción y cordura.

La escena final, en que ambas esposas, víctimas impotentes, se miran y sonríen en silencio, acusa que bajo toda la estulticia política y beligerante, laten corazones femeninos capaces de perdonar e intuir los valores humanos que realmente perduran.

UN EXCELENTE FILME DE SUSPENSO, ROMANCE Y POLÍTICA, QUE PONE EN JUEGO LA DECENCIA Y LA DIGNIDAD PERSONAL. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Título Original: The Reports on Sarah and Saleem 

Drama, política y romance 

Cinemark 

Palestina, Alemania, Países Bajos – 2,07 hrs. 

Fotografía: Sebastian Bock 

Edición: Sameer Qumsiyeh 

Música: Frank Gelat, Charlie Rishmawi, Tarek Abu Salameh 

Diseño Prod.: Bashar Hassuneh 

Guion: Rami Musa Alayan 

Actores: Sivane Kretchner, Maisa Abd Elhadi, Adeeb Safadi, Ishai Golan, Kamel El Basha 

Director: Muayad Alayan

El Ártico - Por Jackie O.

¿Cómo algo tan bello puede ser tan devastador?

Frio y desolación, con esa escena nos encontramos.

Un hombre yace varado en el ártico debido a que su avión se estrelló. Él es Mads Mikkelsen como el piloto Overgard, quien sin un extenso guion solo unas pocas palabras como por ejemplo: “un, dos, tres” “aquí!” ¡Aprieta”, logra transmitirnos frustración por su situación o alegría ante algún logro.

Sí, hemos visto muchas películas de náufragos o perdidos en cualquier lugar del mundo. La gracia está en la representación del actor o actriz y la mano de su Director para lograr transmitirnos la soledad, desesperación, sobrevivencia, esperanza y/o desesperanza. Y Mads lo hace, su actuar es suficiente y lo expresa muy bien. Y no necesitas macros efectos especiales o una muchedumbre para montar una buena puesta en escena.

No sabemos cuánto tiempo lleva perdido el piloto Overgard, pero debe luchar día a día manejando ya una rutina: vive de la pesca, sufre las inclemencias del tiempo, trata de establecer contacto con alguien que lo pueda asistir maniobrando una radio, poniendo mensajes de auxilio en la nieve… creo que lo ha intentado todo. Hasta que ocurre ese milagro, es encontrado por un helicóptero, pero por el mal clima se estrella salvándose solo la copiloto.

¿Qué hacer? Luchando solo para sobrevivir ahora debe cuidar a una casi moribunda. ¿Avanzo o espero? El frio ya ha mutilado algunas partes de su cuerpo, y otras van por ese camino. La amenaza de un oso polar está cerca, la pesca escasea… Toda esta angustia que traspasa la pantalla logra el Director Joe Penna, y con la expresión corporal del talentoso Mads.

Los efectos de sonido son muy buenos pues crees sentir ese viento, te congelas con el hielo y disfrutas el sorbo de sopa caliente… estas ahí. Vives el silencio.

La fotografía es deslumbrante, los planos amplios nos muestra la desolación, los primeros planos la angustia y/o la esperanza.

Overgard no puedo atender a esta moribunda, sus intentos infructuosos para ser hallado están fallando, deber moverse a la base más cercana, que no está tan cerca. Difícil tarea ante tanta adversidad. Así que caminamos con él enfrentando los obstáculos, sentimos que la muerte está cerca.

La esperanza la vemos pérdida pero hay que dar hasta el último aliento... Démoslo todo, es la vida o la muerte.

Ficha técnica

Aventura, drama Walt Disney Studios y Cinecolorfilms Islandia – 1,38 hrs. 

Fotografía: Tómas Örn Tómasson 

Edición: Ryan Morrison 

Música: Joseph Trapanese 

Diseño Prod.: Atli Geir Grétarsson 

Guion: Joe Penna, Ryan Morrison Actores: Mads Mikkelsen, Maria Thelma Smáradóttir 

Director: Joe Penna

La enfermedad del domingo - Por Carlos Correa

El cineasta español Ramón Salazar narra la historia de Anabel -Susi Sánchez- quien recibe la inesperada visita de su hija Chiara -Bárbara Lennie- pidiéndole que pasen diez días juntas. Algo que podría ser natural no lo es, en absoluto, porque no se han visto en 35 años. ¿La causa? Anabel abandonó a Chiara cuando tenia 8 años.

Este profundo drama tiene los diálogos precisos y las preguntas justas. Las actuaciones principales son excelentes y los personajes secundarios, que en algunos casos sólo aparecen escasos minutos, están definidos de excelente forma y poseen un peso importante en la historia.

¿Cuáles son las intenciones de Chiara al volver con su madre? ¿La culpa que remuerde la conciencia de Anabel la sensibiliza y la hace vulnerable? ¿Se está construyendo una venganza o existe una oportunidad de volver atrás y recuperar el tiempo perdido entre madre e hija?

El guionista y director andaluz elabora esta película con un gran sentido estético. Cada encuadre de la cámara, cada acercamiento y un constante seguimiento, proporciona notas de suspenso delicadamente construidas. Su sello se observa en el ritmo impreso en el metraje, sin apuro pero también sin caer en vacíos que puedan ocasionar cortes en un relato que avanza sin prisa y también sin pausa.

Destaca en esta película su excelente fotografía. Desde un inicio observamos cuadros muy logrados, paisajes perfectamente compuestos e interiores cuidadosamente decorados. También resalta su alto nivel de producción donde cada elemento responde a un propósito dramático que está perfectamente elaborado y desarrollado.

“La enfermedad del domingo” resulta cautivante y a la vez emocionante. Al verla surgen rápidamente conexiones con la historia. La fina delicadeza de sus detalles, tanto en el fondo como en la forma, atrapa de comienzo a fin. Y después, cuando concluye, sigue una fase donde resurgen elementos que cobran más relevancia, valores trascendentes y la visión de una humanidad que es capaz de traspasar la frontera de la pantalla.

Ficha técnica 

Título original: La enfermedad del domingo
Año: 2018
Duración: 113 minutos
País: España
Productora: Zeta Cinema / ON Cinema
Género: Drama | Familia
Música: Nico Casal
Fotografía: Ricardo de Gracia
Reparto: Bárbara Lennie, Susi Sánchez, Miguel Ángel Solá, Greta Fernández, Richard Bohringer, Fred Adenis, Abdelatif Hwidar, David Kammenos
Guion y Dirección: Ramón Salazar

El Ártico - Por Juan Pablo Donoso

Nueva aventura de sobrevivencia, en una producción cuidada y con bellísimos paisajes.

Decimos “nueva” porque es un tema abordado en el cine muchas veces con anterioridad: Náufrago -2000, 127 Horas-2010, entre tantas notables.

Esta vez se trata de un experto piloto cuyo avión cae en los inmensos campos de hielo del norte de Islandia. Allí deberá alimentarse apenas con la pesca, e intentar con una máquina de onda radial emitir señales de socorro. Al cabo de muchos días viene un helicóptero en su rescate, pero las condiciones del viento son tales que también se estrella sobreviviendo agónica sólo la copiloto.

De aquí en adelante Overgard decidirá trasladarse, llevando a la moribunda hasta la base más cercana, ubicada a cientos de kilómetros de ahí. .

Si bien la enferma semi consciente es una conocida actriz islandesa - Maria Thelma Smáradóttir – debido a su condición sólo actúa por presencia. El peso de toda la odisea recae en el actor danés Mads Mikkelsen (Hannibal, La Cacería, Rogue One - 2016).

Fue una hazaña filmar esta película en aquellas llanuras de nieves eternas, compartiendo las penurias de un hombre solo. La amenaza del entumecimiento y de la presencia de osos polares mantienen el suspenso de la jornada.

A diferencia de otras películas con circunstancias similares, donde los personajes cometen torpezas, aquí nuestro protagonista es experto. Y aun así, y en especial por ir arrastrando a una moribunda, se enfrenta con problemas casi superiores a sus fuerzas. Sólo dirá unas pocas frases. El resto es la adecuada música incidental, las borrascas del viento, y el silencio de la desolación nevada.

Difícil reto para el actor Mikkelsen, que logra transmitir sin palabras sus emociones y pensamientos.

El gran desafío de este guion fue mantener un conflicto sin algún personaje antagónico, sea humano, robótico o animal. Aquí Overgard combate solitario contra los elementos, que carecen de voluntad. Por lo tanto, el mérito dramatúrgico se centra exclusivamente en la lucha del personaje contra su propia inclinación a rendirse y dejarse abatir por la naturaleza.

Si bien incurre en ciertas licencias, tales como prescindir de ceguera blanca, heridas infectadas. hipotermia, y de las funciones biológicas básicas (en especial de la enferma), las condonamos en beneficio de saber en qué terminará esta proeza casi imposible de superar.

TENSA EPOPEYA DE SOBREVIVENCIA. COMPARTIREMOS EL HAMBRE, EL MIEDO, EL FRÍO Y EL AGOTAMIENTO AUNQUE EL CINE ESTÉ CALEFACCIOANADO.

Ficha técnica

Aventura, drama Walt Disney Studios y Cinecolorfilms Islandia – 1,38 hrs. 

Fotografía: Tómas Örn Tómasson 

Edición: Ryan Morrison 

Música: Joseph Trapanese 

Diseño Prod.: Atli Geir Grétarsson 

Guion: Joe Penna, Ryan Morrison Actores: Mads Mikkelsen, Maria Thelma Smáradóttir 

Director: Joe Penna

Luchando con mi Familia - Por Juan Pablo Donoso

Gustará a los aficionados a la lucha libre, y también a quienes disfrutan de los filmes de triunfadores que bregan arduamente para alcanzar la cumbre.

Es la biografía de Saraya-Jade Bevis, quien bajo el nombre publicitario de Paige llegó a ser la ganadora más joven del campeonato mundial femenino de WWE.

La fórmula argumental tiene poca novedad. Su eficacia la respaldan sagas como los Rockys y Karate Kids. Y tampoco es novedoso que sea una mujer joven quien conquiste el trono que suelen ocupar sólo los hombres (Desde Fiesta Brava (1947) hasta Jinete de Ballenas (2002)).

Los méritos de esta película inglesa radican en que es una hazaña verdadera, que su director y guionista – Stephen Merchant – tiene comprobado oficio en series de TV (The Office – Extras), con oportunos momentos de humor, y que sus actores principales aportan carisma y simpatía.

Para el rol principal de la jovencita Paige seleccionaron a Florence Pugh (El Pasajero – 2018), talentosa post-adolescente cuya carrera actoral va en ascenso y que – por fortuna – se parece muchísimo a la verdadera campeona mundial. Otro tanto lograron con su padre – Nick Frost (Ataque Extraterrestre – 2011) cuyo humor vulgar y obesidad coinciden con el auténtico, que aparece durante los créditos. Para la madre contaron con Lena Heady ( Game of Thrones – Reina Gorgo en 300) cuyo atractivo vulgar contribuye a conformar esa familia provinciana en Inglaterra de personas que optaron por la violencia deportiva en vez de la delincuencia para sobrevivir.

Hasta el director Stephen Merchant participa como el gracioso suegro de Zak, el atribulado hermano de Paige.

Es difícil que alguien se decepcione con esta película. Financiada por Dwyane Johnson “ La Roca” – quien también interviene como sí mismo en escenas cruciales – cumple con sus objetivos comerciales de entretener y, al mismo tiempo, demostrar el valor de la persistencia y la dignidad del género femenino aún en competencias tan despiadadas como la lucha libre.

ENTRETENIDA Y GRACIOSA BIOGRAFÍA, QUE NOS PERMITE CONOCER POR DENTRO LAS EXIGENCIAS DE ESE DURO DEPORTE/ESPECTÁCULO.

Ficha técnica

Título Original: Fighting with my Family 

Biografía, tragicomedia Andes Films Chile Inglaterra, EE.UU. – 1,48 hrs. 

Fotografía: Remi Adefarasin 

Edición: Nancy Richardson 

Música: Vik Sharma 

Diseño Prod.: Nick Palmer 

Actores: Florence Pugh, Nick Frost, Jack Lowden, Lena Heady, Vince Vaughn 

Guionista y Director: Stephen Merchant

Marilyn - Por Juan Pablo Donoso

Historia verídica de un crimen familiar en una zona rural de Argentina.

Un adolescente campesino, Marcos, con clara inclinación homosexual y travesti es incomprendido por su madre, por su hermano, y torturado por otros jóvenes del lugar. Por su tendencia lo llaman Marilyn.

Con la súbita muerte del padre, que lo alentaba en sus estudios, aunque ignoraba su naturaleza, queda a merced de la rigidez de su madre, quien hace todo lo posible por cambiarlo y por destruir su relación amorosa con Fede, su amante furtivo. La angustia se hará cada vez más opresiva y alienante.

La actuación de Marcos (Walter Rodríguez) es verosímil y sensible en sus matices de indefensión. Catalina Saavedra, como la madre, toca insistente una sola nota expresiva (como que es una ruda campesina), pero con su talento logra fuerza dramática.

Buen oficio en el relato cinematográfico. Prolijidad en el uso de la luz, buen montaje y precisión en las acciones y en los diálogos.

Nuestro único reparo está en lo abrupto del final. Faltó mayor progresión en el proceso de angustia e impotencia.

Hasta hoy el joven cumple condena en una cárcel de Argentina.

TRAGEDIA FAMILIAR Y POLICIAL REALIZADA CON TALENTO Y RESPETO. DENUNCIA DE PREJUIICIOS Y DESPIADADA INTOLERANCIA POPULAR.

Ficha técnica

Drama familiar, homosexualidad Argentina, Chile – 1,19 hrs. 

Fotografía: Guillermo Saposnik 

Edición: Felipe Gálvez Haberle 

Música: Laurent Apffel 

Diseño Prod.: Adrián Suárez 

Guion: Mariana Docampo, Mario Pescio, Martin Rodríguez 

Actores: Walter Rodríguez, Catalina Saavedra, Germán de Silva 

Director: Martín Rodríguez Redondo

El Ártico - Por Carlos Correa

El desolado y blanco paisaje del Ártico es el escenario que enfrenta un hombre abandonado a su suerte con las condiciones de un entorno en el que sobrevivir se transforma en una odisea.

Sin mayor preámbulo nos encontramos con Overgård, caracterizado notablemente por el actor danés Mads Mikkelsen, haciendo un trabajo en la nieve que no alcanzamos a comprender. De a poco surgen algunos elementos; los restos de un avión accidentado y una vista aérea nos dan las primeras claves. Hace frío y se siente, a pesar de no percibirlo directamente con nuestros sentidos. También se observa la soledad, la inquietud y el hilo de esperanza en cada acción que realiza el protagonista con tesón y perseverancia admirables.

Overgård está ante una situación límite. Sus conocimientos y también su creatividad, le permiten sistematizar una coordinada rutina que repite cada día, marcada por las precisas alarmas de su reloj. Las posibilidades son limitadas y las opciones difusas. Las decisiones que se tomen en estos casos son efectivamente de vida o muerte. El entorno es hostil no solo por las inclemencias del tiempo, la lluvia, el viento blanco y la persistente caída de nieve sino también por otros tipos de peligro representados con la presencia de amenazantes osos polares.

Soledad y esperanza, ¡qué difícil combinación! El protagonista intenta todo lo que está a su alcance para sobreponerse a la creciente adversidad. Incluso cuando ya no le quedan fuerzas y las razones para vivir disminuyen al mínimo, Overgård intenta no rendirse, aún cuando debe decidir en pocos segundos o cuando debe cambiar y flexibilizar un plan ya establecido.

Sin diálogos, y con muy pocas palabras pronunciadas, esta cinta dirigida por Joe Penna logra entregar una historia muy clara gracias a lo exacto de su guion. Elementos precisos y tiempos adecuados develan progresivamente aspectos que nos permiten armar un rompecabezas que se complejiza con el correr de los minutos.

La excelente filmación y recreación de este paisaje desolador es lograda con un gran trabajo de fotografía y una impecable edición que se traduce en planos abiertos magníficos y primeros planos conmovedores. La música, en su justa medida, compuesta por Joseph Trapanese permite escuchar el sonido del viento y también, en forma notable, percibir el sonido del silencio.

El Ártico es una película abrumadora y que genera extrema angustia. En 98 minutos se siente su peso, no da ninguna pausa, nos mantiene atentos y en permanente tensión. Gran mérito tiene Penna, guionista y director, al desarrollar un relato capaz de sobrecogernos al presentar, desde una perspectiva diferente, una tragedia que tal vez ya hemos visto con anterioridad y que indudablemente se puede conducir y también puede concluir de diversas maneras.

Ficha técnica

Título original: Arctic
Año: 2018
Duración: 98 minutos
País: Islandia
Productora: Armory Films / Pegasus Pictures / Union Entertainment Group
Género: Aventuras. Drama | Supervivencia
Guion: Joe Penna, Ryan Morrison
Música: Joseph Trapanese
Fotografía: Tómas Örn Tómasson
Reparto: Mads Mikkelsen, Maria Thelma Smáradóttir
Dirección: Joe Penna

Cola de Mono - Por Juan Pablo Donoso

Noche de Navidad 1986. Crucial momento en que dos jóvenes hermanos definen su sexualidad, y cómo deberán afrontarla para el resto de sus vidas.

Sólo tienen a su madre como apoyo familiar. Es una viuda amarga y neurótica que proyecta en los hijos su propia frustración ( Carmina Riego).

Celebran esa noche de Navidad con Cola de Mono, cuyo significado etimológico será clave para el título de esta película.

¿Qué nos quiere decir el autor, aparte de un muy talentoso montaje? ¿Qué la homosexualidad es hereditaria e intrínseca para algunos individuos? Con un guiño autobiográfico denuncia tanto los riesgos personales como el dolor ante el escarnio social.

Es un crudo viaje por los laberintos psicológicos, y de conciencia, de algunos jóvenes homosexuales. Realidad que fue especialmente despiadada hasta la década de los 80 en nuestro país.

Fatal esclavitud que los llevaba a un abismo superior a sus fuerzas.

Friso de un erotismo irrefrenable que se aventura en los riesgos de lo promiscuo, o que se refugia en la desolación del onanismo, y de los cuales resulta imposible escapar.

Combate interior permanente, de una inclinación que siempre remuerde sin dar tregua, contra un mundo exterior hipócrita, cruel y prejuicioso.

Desde lo más profundo clama el ansia – soterrada - de algún tipo de exorcismo o conformidad. Subyace el fantasma onírico de la castración, como posible escape.

Desplante, provocación, y fingida soberbia para disimular ante el mundo el indomable vértigo de culpabilidad interior. Un drama íntimo de conciencias atormentadas por la culpa, que luchan por salir del pantano de sus inclinaciones congénitas.

La literatura y la creatividad artística, explícitas o metafóricas, tarde o temprano ayudan a expresar ese tormento.

Ni siquiera al asumirlo, y ennoblecerlo, mediante un bello amor de pareja estable, evitará precipitarse, de nuevo, en las redes de la peligrosa promiscuidad.

Como son muchos los que sucumben en el camino (VIH o asaltos), con la secuencia final sentimos el llamado a la tolerancia, y a la admiración, por los que descubren en el arte – y en el culto a la creatividad - el más sublimado camino de redención personal.

DOLOROSO TESTIMONIO DE UNA CONDICIÓN NATURAL QUE LUCHA CONTRA EL MUNDO Y CONTRA SÍ MISMA. REALIZADO CON OFICIO, HONESTIDAD Y VALENTÍA.

Ficha técnica

Drama psicológico, homosexualidad 

Storyboard Media Chile – 1,42 hrs. 

Fotografía: Patricio Alfaro 

Edición: Sebastián Arriagada 

Música: Cristian Heyne 

Diseño Prod.: Amparo Baeza 

Actores: Santiago Rodríguez Costabal, Cristóbal Rodríguez Costabal, Carmina Riego 

Guion y Dirección: Alberto Fuguet

Cola de mono - Por Carlos Correa

24 de diciembre de 1986 y una familia espera la “pascua”. Borja -Santiago Rodríguez-Costabal- tiene casi 17 años y su hermano mayor, Vicente -Cristóbal Rodriguez-Costabal-, algunos más. Ambos viven con su madre -Carmina Riego- que odia las fiestas y que ha preparado una sencilla cena familiar en una casa silenciosa, vacía, triste y melancólica. Borja es cinéfilo, igual que su padre, otrora crítico de cine ya fallecido. Vicente, que estudia arquitectura, anuncia que saldrá en la noche luego de la tensa cena. Borja se queda viendo algunos videos en VHS y su madre se acuesta a dormir, inducida por pastillas para relajarse. Lo que si comparten los tres es el licor preparado en casa y que toman, tal vez, con bastante exceso: el famoso “cola de mono”.

Esta película del escritor y director Alberto Fuguet es difícil de enmarcar. Son muchos los elementos presentes en un relato que tiene muy pocos diálogos y cuyo centro recae principalmente en la intimidad de sus personajes.

Por una parte la vuelta al año 1986 en Chile de inmediato nos sitúa en los diferentes contextos sociales, políticos y económicos de la época. Ver en diferentes planos esos años -la bebida Free, el antiguo televisor, las fotos en la pared, la disposición del comedor, su cocina y todos esos ingredientes de los ochenta- nos recuerda al país aun en dictadura y en una curva de ascenso económico. El ambiente de represión también se vive al interior de esta familia católica donde parece que mucho se esconde debajo de la alfombra o simplemente se hace la vista gorda.

Otro aspecto que está presente en la cinta es la vida interior de cada uno de sus protagonistas. La madre se ve cansada, sin desafíos y sin ilusión. Vicente, de perfil más neutro e introvertido, parece ser el regalón, a quien le va bien en la vida y parece avanzar con plena normalidad. Borja, en cambio, con su permanente personalidad desafiante, pone a prueba a su madre quien es muy dura con él a pesar del amor que le tiene.

La historia en realidad no es una sola, son varias, dependiendo del enfoque que queramos imprimirle. Y las capas que cubren el fondo del relato son también múltiples y difíciles de digerir, sobre todo la más explícita, la sexual, que refiere al despertar sexual de ambos jóvenes. Vemos como Borja, en casa, busca algo que no encuentra hasta que logra entrar -forzando la llave- a la pieza de su hermano. Vicente, por su parte, se ve enfrentado al mundo exterior, a lo que allí sucede, a aquello que le atrae y que puede llegar a ser peligroso y humillante.

Una segunda capa, ligada a la primera, es la homosexualidad. Acá el cineasta no tiene ningún pudor en entregar escenas explícitas que podrían causar rechazo inmediato en parte de la audiencia. Sorteada esta capa, o tal vez separada con dificultad por lo incómodo que pueda resultar, podemos recién volver a centrarnos en el fondo del relato, en la intimidad de estos hermanos y enfocarnos así en sus miedos, temores, sueños e ilusiones. Nada de ello es evidente, todo está sujeto a lo que cada uno de nosotros interprete del permanente deambular que observamos en la pantalla.

Fuguet consigue que esta cinta sea provocativa. Sus técnicas y herramientas están muy claras. Sin embargo, surge de pronto la pregunta sobre el mensaje que nos está transmitiendo el guionista y también director. En ocasiones, dicha pregunta queda sin respuesta, porque en realidad lo que intensiona es que reflexionemos inmediatamente sobre lo que observamos. En otras, parece que encontramos el norte, pero rápidamente se escapa y volvemos nuevamente al comienzo. La mayor de las veces, al menos en mi caso, no alcanzo a comprender el sentido de tanta genitalidad explícita requerida para construir este relato. Aunque esto me descoloca al momento de presenciar la cinta, a la vez me da otra perspectiva al momento de escribir sobre ella. Una dualidad que también considero parte del desafío permanente que nos plantea el director con esta nueva producción.

Ficha técnica

Título original: Cola de mono
Año: 2018
Duración: 102 minutos
País: Chile
Productora: Cinepata. Distribuida por Cinepata / TLA Video [USA]
Género: Drama. Thriller. Comedia | Años 80. Comedia negra. Homosexualidad. Navidad
Guion: Alberto Fuguet
Música: Cristián Heyne
Fotografía: Patricio Alfaro
Reparto: Santiago Rodríguez-Costabal, Cristóbal Rodriguez-Costabal, Carmina Riego, Diego Nawrath, Benjamin Bou, Mauricio Vaca, Daniel Morera
Dirección: Alberto Fuguet