Superman: el hombre de acero - Por Carlos Correa

Es quizá el superhéroe más conocido y tal vez no necesite mayores presentaciones. Clark Kent/Kal-El -interpretado por Henry Cavill- es Superman. Su origen está en Krypton, planeta al borde de su destrucción desde donde fue enviado a la Tierra para que pudiera salvarse y con ello . Su aspecto físico concuerda con la fisonomía humana sin embargo sus poderes son sobrenaturales: su fortaleza, su velocidad, la capacidad de volar y tantos otros son mantenidos ocultos a sugerencia de sus padres adoptivos Martha -Diane Lane- y Jonathan -Kevin Costner-.

Esta cinta del director Zack Snyder, producida por Christopher Nolan y escrita por David S. Goyer nos muestra un aspecto especial de Superman. Su foco no está en sus poderes, en la habilidad de cambiar el curso de las cosas o en evitar accidentes. El núcleo central está puesto en la esencia de la persona detrás del "hombre de acero". ¿Quién es realmente? ¿Es un extraterrestre, dotado de fantásticos poderes o ha asumido la humanidad en su forma de ser y de actuar? Acá, y ante preguntas que son fundamentales en la historia, Clark debe definirse. Encontrar su ser íntimo pasa a ser su mayor obsesión y es lo que la película intenta revelar a lo largo del metraje.

Esta nueva versión es, en sentido estricto, una mirada al interior del superhéroe. Utilizando una forma de relato muy ágil, con recurrentes saltos en el tiempo y en el espacio, con diálogos precisos y una gran elaboración de personajes, la cinta fluye de manera natural y se inserta perfectamente en lo que ya conocemos del personaje de DC Cómics. La amenaza viene, en esta ocasión, del General Zod -Michael Shannon- rival de su padre biológico quien pone en jaque a la Tierra al condicionar la destrucción del planeta a la entrega de Superman. 

Con temas de fondo tratados en la cinta, tal vez el principal es el referido a la moral, y es allí donde Clark es puesto a prueba. El amor, presente en múltiples formas, también es un valor central del filme. Tal vez es inseparable de la moralidad -entendida como hacer el bien- y es por ello que nuestro personaje está siempre activo ante cualquier amenaza que pretenda desestabilizar al mundo.

"El hombre de acero" es una excelente película. Además de su brillante producción, una excelente dirección, efectos especiales y escenografías muy bien construidas, posee una banda sonora compuesta por Hans Zimmer que realmente nos sumerge en las profundidades interiores del personaje. Es cierto que por momentos es tremendamente violenta y refleja una destrucción que no nos puede dejar indiferentes, pero es sólo la capa correspondiente a la acción y a la magia que la pantalla grande permite generar. En la capa profunda, si logramos conectar, está lo mejor de la cinta y que en mi opinión da nueva vida a Superman, lo renueva, lo transforma y lo relanza como el superhéroe más conocido y respetado de todos los tiempos.

Ficha técnica

Título Original: Man of Steel

Distribuidor: WARNER

Calificación: TE+7

Duración: 143 minutos

Género: Ciencia Ficción

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Henry Cavill, Amy Adams, Diane Lane, Kevin Costner, Michael Shannon, Laurence Fishburne, Antje Traue, Russell Crowe, Julia Ormond y Christopher Meloni.

Director: Zack Snyder

911, llamada mortal - Por Carlos Correa

Como una forma de mostrar el interior del prestigioso servicio de emergencias 911 de Estados Unidos, esta cinta del director Brad Anderson comienza vertiginosamente. Decenas de llamadas, casos especiales y por cierto varios que no son "emergencias" desembocan en los operadores altamente calificados en manejo de crisis y riesgos. Jordan -Halle Berry- es una mujer experimentada en este manejo de situaciones, sin embargo una de esas llamadas no termina bien y Jordan carga con la culpa de un terrible asesinato. Un tiempo después, Jordan está preparando a los futuros operadores cuando debe tomar una llamada muy compleja: un secuestro en proceso que inevitablemente le recuerda aquél caso anterior.

La película transcurre con un ritmo acelerado. Está bien filmada y la historia se cuenta prácticamente en tiempo real. El personaje de Jordan está bien construido, transmite angustia y emoción, justamente dos de las claves que no deben manifestarse en los operadores del 911. En ese sentido, la cinta muestra el lado más débil -y a la vez el más fuerte- de la protagonista. Su compromiso emocional con el caso, con este tipo de casos, que tiene un pasado que no logramos descifrar del todo con los elementos del relato.

Es interesante la dinámica de la crisis que presenta la cinta. El manejo que deben tener quienes reciben las llamadas, sus supervisores y responsables, la frialdad y prestancia para dar soluciones acertadas, una palabra de apoyo o simplemente acompañar tan diversas situaciones. Ese objetivo, la  película lo logra perfectamente, creando una atmósfera adecuada y con actuaciones que son bastante convincentes. No esperamos un relato profundo ni que deje huellas, sin embargo nos encontramos con una historia que por varios momentos nos hace empalizar con la protagonista y con los sucesos que se muestran a lo largo de sus 94 minutos. 

"911, llamada mortal" es un buen thriller, con suspenso, emoción y valores importantes. El compromiso personal que asume Jordan, aunque tal vez irreal, refleja que hay trabajos de servicio público que no pueden prescindir de los sentimientos y que efectivamente pueden hacer una diferencia entre la vida y la muerte.

Ficha técnica

Título Original: The Call

Distribuidor: DIAMOND

Calificación: 14

Duración: 94 minutos

Género: Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Abigail Breslin, Halle Berry, Morris Chestnut, Michael Imperioli y Roma Maffia.

Director: Brad Anderson

El futuro - Por Carlos Correa

Basada en la novela "Una novelita lumpen" (2002) del escritor Roberto Bolaño, "El futuro" es la tercera cinta de la excelente directora chilena Alicia Scherson. Cuenta la historia de Bianca -Manuela Martelli- y su hermano Tomás, quienes han perdido a sus padres en un accidente automovilístico. Ellos han quedado huérfanos y solos en Roma, expuestos a la ciudad y a la vida, situación que deben enfrentar con las escasas herramientas que tienen. Ambos abandonan la escuela para agregar dinero al seguro social que se les otorga luego del accidente. Bianca trabaja de asistente en una peluquería y Tomás en un gimnasio. Conocen a dos "amigos" que se instalan en su departamento y les hablan sobre un viejo actor retirado, Maciste -Rutger Hauer-, quien habita en solitario una ruinosa mansión que Bianca comienza a visitar frecuentemente.

"El futuro" es una cinta sobre el cambio. El paso a la vida adulta sin pausa y sin remedio. Dos jóvenes que se quedan solos inician un camino desconocido, sin referentes ni guías que los acompañen. Y ciertamente el cambio se observa muy bien representado en Bianca, que transita desde una vaga inocencia hacia un mundo oscuro y peligroso que va envolviéndola poco a poco, lentamente.

La cinta está filmada con naturalidad y con mucha calma, con secuencias largas y una construcción de escenarios y ambientes perfectamente cuidados. El trabajo de la luz, la iluminación de la película es realmente notable, como también lo es la banda sonora que la acompaña. Las actuaciones responden perfectamente a la textura que la directora entrega a cada personaje. Hay profundidad, sentimientos, emociones, incluso en ocasiones sin necesariamente representarse. La sensación de soledad, de literalmente caminar por el desafiante mundo se transmite perfectamente. Asimismo, es muy importante el amor de estos hermanos, valor fundamental para enfrentar su futuro juntos.

Ganadora del premio KNF Award en el Festival de Cine de Rotterdam (Holanda), considerado uno de los cinco más importantes del mundo, "El futuro" es una cinta que tal vez puede no generar empatía por la naturaleza de la historia. Sin embargo, el guión y la dirección hacen de esta película un excelente trabajo, muy bien filmado, bien actuado y con secuencias que sin duda se inscriben meritoriamente dentro del buen cine chileno de los últimos años.

Ficha técnica

Título original: Il Futuro

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 99 minutos

Género: Drama

Año: 2013

País: Chile, Italia, Alemania, España

Elenco: Manuela Martelli, Rutger Hauer, Luigi Ciardo, Nicolas Vaporidis, Alessandro Giallocosta, Pino Calabrese y Patricia Rivadeneira

Director: Alicia Scherson

El futuro - Por Juan Pablo Donoso

Atmósfera muy lograda. Su título es esencial para comprender la trama. Un mundo – supuestamente Europa – va decayendo en valores e ideales. Los jóvenes - cuyos padres han fallecido - carecen de perspectivas para mirar el futuro. Están a la deriva. 

La aparición de un ex héroe cinematográfico, ahora anciano y ciego, aporta el encanto marchito de un remedo de ternura, de erotismo exótico, de añoranzas y nostalgias de un cine anticuado que, al menos,  contenía sueños de heroísmo y leyendas mitológicas. 

Bianca, la protagonista, renuncia a estafarlo en señal de gratitud por aportarle aunque fuera la reminiscencia de ensueños y fantasías. 

Según el libro de Roberto Bolaño, “Una Novelita Lumpen”, el futuro se disolvió en el misterioso resplandor de un presente estático que gira sobre sí mismo – día a día – sin avanzar ni tampoco retroceder. 

La vitalidad de la juventud, a la que Bianca pertenece, se reduce a lo biológico del sexo y al oropel masculino del fisiculturismo estéril. 

La decadencia del viejo actor – Rutger Hauer - al menos conserva la atmósfera claroscura de la vieja mansión llena de secretos y ecos de tiempos idos. Para Bianca, aquel anciano merece seguir viviendo y deambulando por las calles, en las tinieblas de su ceguera, porque al menos para ella significó el espectro de un sueño sentimental: herencia que ella llevaría en su corazón en los años que le quedan por vivir.

La cinta denota un alto nivel profesional en la realización: actuaciones sólidas y sugerentes – en especial de la actriz chilena Manuela Martelli – y un lenguaje fotográfico – del argentino Ricardo de Angelis - que logra en muchos momentos crear poesía con la iluminación, especialmente en el variado reflejo de los ojos de la protagonista.

La audición, en su doble lenguaje: musical y sonoro, va narrando en forma paralela su propia historia  de inefable premonición por parte de Bolaño sobre el destino del Occidente europeo. Hay algo en los golpes musicales de la banda sonora que parecieran anunciar un evento próximo, y que gradualmente se desintegra en un constante círculo vicioso inconducente.  

La directora Alicia Scherson y su equipo supieron crear una atmósfera viva, de tal manera que el vacío existencial de sus personajes fuera más que un simple acompañar personajes huecos, como sucede a veces con filmes que sólo se apoyan en las formas y convierten a sus personajes en zombies actorales. Aquí hubo arte logrado y envolvente. Personajes sin destino pero dolorosamente vivos y dignos de compasión.

UNA OBRA DE DOLOR, DECADENCIA Y VACÍO EXISTENCIAL, MUY LOGRADA EN LO ARTÍSTICO Y FIEL AL ESPÍRITU DE ROBERTO BOLAÑO.

Ficha técnica

Dirección y Guión: Alicia Scherson

Actores: Manuela Martelli, Rutger Hauer, Luigi Ciargo, Nicolas Vaporidis

Fotografía: Ricardo DeAngelis

Música: Caroline Chaspoul, Eduardo Henríquez

Producción: Bruno Bettati

Chile, Italia, Alemania y España – 94 minutos

Los ilusionistas: nada es lo que parece - Por Carlos Correa

Cuatro magos que están repartidos por el mundo reciben una misteriosa invitación. Cada uno tiene una especialidad diferente por lo que juntarlos supone un desafío no menor y un gran equipo en potencia. Un año después de la reunión ya son un "team". "Los cuatro jinetes", liderados por Atlas -Jesse Eisenberg- un joven carismático y brillante, ya están dispuestos a dar su primer espectáculo.

En un masivo show en Las Vegas, estos fantásticos magos ilusionistas son capaces de robar un banco en París y repartir el dinero entre los asistentes. Y eso es sólo el principio, anuncian nuevos desfalcos para sus próximas presentaciones. Dylan Hobbs -Mark Ruffalo-, un agente especial del FBI, parece estar dispuesto a capturarlos a como de lugar, de la mano de una joven agente francesa asignada especialmente para el caso por la Interpol. Dylan usará todas las herramientas a su disposición para lograr su objetivo, incluso recurriendo a un ex mago Thaddeus -Morgan Freeman-, que se dedica a descalificar y a dejar en evidencia la forma en que se realizan cada uno de los trucos utilizados por sus compañeros de oficio solo con el fin de ganar dinero.

"Now you see me", su título original, no es una película sobre magia o sobre ilusionismo. Si se ve con esa perspectiva, tal vez pierda realmente la "magia". La cinta es una historia sobre personalidades, sobre el oportunismo, la traición, el ajuste de cuentas y  el amor, que logra un buen ritmo entre el suspenso y la acción, entreteniendo plenamente durante sus 116 minutos. Son interesantes las construcciones de los personajes. Los cuatro magos que transgreden con sus habilidades una delgada línea moral, un generoso -y sospechoso- mecenas que les ayuda en sus espectáculos, un agente de policía desconfiado y obsesionado, junto a un ex mago que señala estar siempre adelante y saberlo todo. Esta suma de personalidades, algo compleja, donde todos compiten por llevar la delantera y en ser los más rápidos e inteligentes, es bien llevada por el director Louis Leterrier, quien en pocas secuencias, diálogos precisos y una excelente producción, nos sitúa siempre dentro del contexto necesario para tomar palco de la acción.

"Los ilusionistas: nada es lo que parece", su título en español, da cuenta precisamente de lo que es: creemos ver una película de magia e ilusionismo, sin embargo su fondo es mayor aunque, paradójicamente, resulte a veces eclipsado por su propia factura audiovisual.

Ficha técnica

Título Original: Now you see me

Distribuidor: BFD

Calificación: TE

Duración: 116 minutos

Género: Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Mark Ruffalo, Morgan Freeman, Jesse Eisenberg, Woody Harrelson y Dave Franco.

Director: Louis Leterrier

El Gran Gatsby - Por Carlos Correa

En esta nueva adaptación cinematográfica de la novela "El Gran Gatsby" de F. Scott Fitzgerald, publicada en 1925, el director Baz Luhrmann nos entrega su particular versión de la obra. Un novel escritor Nick Carraway -Tobey Maguire-, quien trabaja en la bolsa y busca su "sueño americano", vive al lado de un enigmático millonario, Jay Gatsby -Leonardo DiCaprio-, coincidentemente en la misma bahía donde posee su mansión su prima Daisy -Carey Mulligan- y su acaudalado esposo, Tom Buchanan -Joel Edgerton-. 

Corre la primavera de 1922 y Nueva York deslumbra. Jazz, contrabando, dinero y alcohol por doquier, hacen de la ciudad una fiesta interminable. Son los años previos a la crisis, donde literalmente se "tiraba la casa por la ventana". Gatsby, por cierto, es el mejor exponente de este lujo, de su ilusión y de un real desenfreno. Esta vida de excesos, de la que Nick es testigo privilegiado, a veces siendo parte y en otras sólo como un mero observador, no es necesariamente lo que parece. No conocemos el pasado de Gatsby y menos sabemos cómo construyó su fortuna. Lo vemos fuerte, seguro, confiado, y misterioso, sin embargo es a fin de cuentas un hombre solitario que tiene como gran obsesión recuperar a Daisy, el amor de su vida.

La cinta tiene una estética especial. La ambientación de los años 20 está "modernizada" casi al punto de ser un gran video clip o una "ópera moderna". La grandilocuencia de los eventos es realmente impresionante, sin embargo se observa nítidamente el vacío que hay detrás. El relato es pausado y bastante plano. Un guión que no ayuda a mantener la tensión y que se relaja demasiado con extensos planos y secuencias que poco aportan al metraje. Es cierto que la filmación es cuidada y que la cinta logra cautivar a parte de la audiencia, sin embargo hay algo en la forma de contar la historia que a mi modo de ver no permite que la cinta tome ritmo y despegue hacia su punto de inflexión.

"El Gran Gatsby" es una cinta romántica, es una historia de amor, sin duda. Sin embargo, el tratamiento que Luhrmann da al rodaje, desvía su atención en tantos elementos distractores que tanto los protagonistas como la audiencia pueden perder su foco de atención. Hay temas que simplemente se suprimen o se tocan muy de prisa, como por ejemplo la pobreza, la explotación del trabajo y todo aquello que era usado para generar la gran opulencia que se muestra. La construcción de los personajes es casi nula. Existen, los vemos, pero no logramos conocerlos, no llegamos a formarnos una impresión más profunda que sus caras o sus caricaturas. La cinta promete más de lo que finalmente nos entrega y más vale tener menos expectativas que las que nos entrega el trailer para no salir decepcionados.

Ficha técnica

Título Original: The Great Gatsby

Distribuidor: Warner

Calificación: TE+7

Duración: 142 min.

Género: Drama, Romántica

Año: 2013

País: Estados Unidos - Australia

Elenco: Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Isla Fisher, Tobey Maguire, Joel Edgerton.

Director: Baz Luhrmann

Los ilusionistas, nada es lo que parece - Por Juan Pablo Donoso

Con tan atractivo tema – la magia – tan buen reparto, y tan costosa producción, pudieron lograr una cinta más inteligente e ingeniosa.

El comienzo augura mucha diversión, ya que hay alarde de espectáculos y prodigios mágicos.

Pero a poco andar la trama comienza a complicarse porque se sumerge en ribetes policiales y financieros. 

Caerán hasta en las infaltables persecuciones callejeras en auto por las avenidas transitadas de la ciudad, y en los devaneos amorosos de los protagonistas.

Si los autores hubieran explotado más la personalidad histriónica de “los cuatro jinetes” magos, que a la vez eran ladrones, la supuesta sorpresa final habría estallado con verdadero encanto climático. Pero, en vez de ello, optaron por manidas convenciones y, lo que pudo ser una historia fascinante que mezclaba el espectáculo mágico con el delito, termina como una cinta más  de acción y tibio romance.

DESPERDICIO DE BUENOS ACTORES Y DE UN TEMA QUE PUDO SER NOVEDOSO Y ESPECTACULAR.  

Ficha técnica

Director: Louis Leterrier
Guionistas: Ed Solomon y Boaz Yakin
Actores: Jesse Eisenberg, Mark Ruffalo, Woody Harrelson, Morgan Freeman, Michael Caine.
EE.UU. – 110 minutos

Carne de perro - Por Juan Pablo Donoso

Nueva y muy premiada cinta chilena narrada con la modalidad minimalista, hoy tan en boga por nuestro cine nacional (El Año del Tigre, La Vida de los Peces, Gloria, etc.).

Este lenguaje consiste en poner al personaje central en una situación provocativa, y seguirlo muy de cerca, con exceso de primeros planos, a lo largo de un lentísimo proceso.

Ahora se trata de Alejandro (Alejandro Goic), un ex torturador de la DINA o CNI quien, una vez retornada la democracia a Chile, queda enfrentado a la soledad, al olvido, al desprecio de los suyos, y a los tormentos de su conciencia y de su memoria. 

Lo acompañamos en su desolado e inhóspito domicilio, donde sólo lo acompaña su viejo perro. Trabaja manejando un taxi y deambula por la ciudad como un alma en pena, relacionándose con otros tan traumatizados como él, y con ocasionales mujeres para la cuales tampoco tiene relevancia.

Desorientado psicológicamente hasta la hipocondría, ya que incluso su ex esposa lo rehuye y le impide acercarse a la hija de ambos, terminará incorporándose a una iglesia evangélica donde sentirá que – por fin – como ayudante del Pastor, su vida volverá a tener un asomo de sentido.

El filme es lento y lleno de detalles, tanto de los objetos que manipulan los personajes como por el deambular de Alejandro por las calles y barrios de Santiago de Chile. 

La dirección de fotografía, de Bárbara Álvarez, que incluye una elocuente iluminación, demuestra una vez más el talento y sensibilidad de la artista. 

La actuación de Alejandro Goic nos mantiene cerca del corazón de su personaje sin aspavientos y con una rica variedad de sutiles matices. 

Participan en roles secundarios otras conocidas caras del teatro y la TV chilenos; todos ellos adecuadamente al servicio de la idea rectora del guionista y director Fernando Guzzoni.

El realizador participó de la prestigiosa residencia otorgada por el Festival de Cannes para proyectos de jóvenes autores entre septiembre de 2011 y marzo de 2012: ahí gestionó ahí co-producción chileno-francesa-alemana.

Estamos ante un filme que se negó a utilizar efectos emocionales y que, por lo mismo, podría resultar algo plano, e incluso críptico, a cierto público. Pero su factura audiovisual, su pulso narrativo, y su honestidad al mostrar la situación de los parias de un régimen autoritario, suscitarán el respeto de aquellos espectadores más exigentes de un cine estéticamente más purista y con menos concesiones. 

TRABAJO SERIO, MADURADO  Y  PROLIJO,  DESTINADO A ESPECTADORES  MÁS  EXIGENTES  Y  REFLEXIVOS.

Ficha técnica

Director y Guionista: Fernando Guzzoni
Fotografía: Bárbara Álvarez
Actores: Alejandro Goic, Amparo Noguera, Daniel Alcaíno, Sergio Hernández
Chile, Francia y Alemania – 81 minutos

Distinguida en los festivales de Suecia, Cuba, San Sebastián y Valdivia.

Un Lugar donde Refugiarse - Por Juan Pablo Donoso

Esperábamos algo más enjundioso de Lasse Hallström, connotado director sueco (Chocolate, ¿Qué perturba a Gilbert Grape?, etc.) de gran trayectoria.

Con bellísima fotografía de paisajes en Southport, una aldea pesquera en Carolina del Norte, nos presentan a una esposa quien, habiendo apuñalado a su sádico marido, escapa de la ciudad y se refugia en este pequeño pueblo.

Como su esposo era detective, sin  duda investigaría e iría en busca de ella; cosa que emprende desde el comienzo de la cinta.

Mientras Katie se adapta a su nuevo hogar e identidad, trabajando de mesera en un restaurante, conoce a un viudo joven, padre de 2 hijos. 

Se inicia el romance, esquivo al comienzo y pleno a medida que pasan los días.

El filme se hace muy largo y lento en sus escenas de ambientación; lo peor es que carece de conflicto, ya que de vez cuando nos muestran al marido buscándole pistas a su esposa fugitiva.

Sólo en las últimas secuencias, cuando la encuentra, sobreviene un clímax de mayor violencia, pero siempre dentro de las manidas fórmulas de acción de los filmes estadounidenses.

Una vez producido el happy end convencional, la película nos entrega un giro sorpresivo que irradia una suave emotividad ya que revela un fenómeno sentimentalmente metafísico.

Es posible que mantenga entretenidas a las espectadoras de historias románticas, pero, sin duda, pudo ser más concisa en lo dramático y más profunda en lo psicológico.

Jóvenes actores, aún poco conocidos por el grueso público, tienen aquí la oportunidad de seguir apareciendo en futuros filmes.

ROMÁNTICA Y SEMI POLICIAL, PERO INNECESARIAMENTE  LARGA.

Ficha técnica

Director: Hasse Halstöm

Actores: Julianne Hough, Josh Duhamel, Cobie Smulders 

Guión: Dana Stevens, Gage Lansky – Nicholas Sparks (novela)

Fotografía: Terry Stacey

EE.UU. – 115 minutos

Efectos colaterales - Por Carlos Correa

Steven Soderbergh nos seduce con esta nueva cinta sobre los efectos secundarios de los medicamentos que se usan para controlar la depresión y la ansiedad. Emily -Rooney Mara- y Martin -Channing Tatum-, una exitosa pareja que parece tenerlo todo, atraviesa una crisis importante cuando Martin es enviado a prisión. Emily le espera, pacientemente durante 4 años, en un pequeño departamento de Manhattan. Cuando su esposo está pronto a ser liberado, cae en una profunda depresión que no puede controlar, incluso intenta suicidarse. El siquiatra que le atiende, el Dr. Jonathan Banks -excelente Jude Law-, le receta un medicamento que provoca efectos secundarios devastadores, amenazando la convivencia e incluso la vida de los protagonistas.

La película tiene un ritmo y una tensión creciente. Soderbergh nos presenta un verdadero puzzle y debemos estar atentos para desentrañarlo. El tema de las drogas para la ansiedad es solo la punta de una trama muy bien armada donde son las relaciones personales se transforman en el eje de la historia. La actuación de Law es sólida. El Dr. Banks se juega mucho con el tratamiento de su paciente, no solo desde el punto de vista de la salud de Emily sino en cuanto a su propia vida. Hechos graves marcan sus decisiones y está dispuesto a no transar sus valores y a buscar explicaciones coherentes a todo lo que acontece. Incluso busca ayuda en una colega, la Dra. Victoria Siebert -Catherine Zeta-Jones- para poder entender ciertas acciones y así poder ayudar de mejor forma a Emily y a si mismo.

Efectos colaterales tiene también ingredientes morales importantes. Sobre la medicación y sus efectos, las buenas y malas prácticas médicas, los laboratorios que desarrollan y venden los medicamentos, entre otros. Destaca profundamente la búsqueda de honestidad que marca la acción del Dr. Banks y como ciertos hechos pueden trastornar y nublar completamente a algunas personas. En ese sentido Steven Soderbergh nos va develando la historia lentamente, con un metraje denso, por momentos oscuros, que avanza naturalmente y compone escenas -y actuaciones- llenas de profundidad.

Estamos en presencia de una cita reflexiva, que no pasa inadvertida y que cuestiona modelos que damos totalmente por ciertos. Los constantes giros del guión toman gran cuerpo por el particular estilo narrativo de su director, con un excelente montaje en el que las apariencias en varias ocasiones nos engañan y cada pieza va encontrando su lugar dentro de la intrincada trama.

Ficha técnica

Título Original: Side Effects

Distribuidor: DIAMOND

Calificación: 14

Duración: 105 minutos

Género: Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Jude Law, Rooney Mara, Catherine Zeta-Jones y Channing Tatum.

Director: Steven Soderbergh

Broken City - Por Carlos Correa

Un policía -Billy Tagart interpretado por Mark Wahlberg- es dado de baja por un confuso incidente en el que ha resultado muerto un delincuente. El alcalde, Nicholas Hostetler -Russel Crowe- lo considera un héroe sin embargo no puede hacer nada para mantenerlo en el cuerpo policial. Años más tarde, Billy, que ejerce como investigador privado desde su retiro, es llamado por el alcalde, que ahora está en plena campaña de reelección, para que le ayude a investigar a su esposa -Catherine Zeta Jones- pues sospecha que le es infiel. Billy comienza una investigación que le revelará oscuros secretos, verá más de lo que corresponde y lo pondrá al centro de un sistema que no sólo huele mal sino que está total y completamente podrido.

Esta cinta de Allen Hughes es realmente oscura y cruda. Parece que nadie se salva. No hay valores rescatables ni nada positivo en el entorno. Todo está roto, es corrupto o tiene una doble intención. En ese sentido es un golpe bajo a la esperanza. Sin embargo, lamentablemente suponemos que no puede estar lejos de más de alguna realidad. Cuando el fin justifica los medios, todo es válido y todo es posible. ¿Qué es aquello que no podemos nunca transar? ¿Cuál es e límite que no podemos transgredir? En "Broken City" todo se transa y todo se transgrede. Y más de una vez. Y a cada momento.

Películas de ese tipo, que parecen fotografías de una realidad en ocasiones oculta, nos sirven para observar una delgada línea entre realidad y ficción. Los valores florecen justamente como oposición a lo que observamos a lo largo de toda la cinta. Esperamos que no sea así, que lo que vemos en pantalla sea solo ficción y que la honestidad, la lealtad y la esperanza sean realmente los principios inspiradores de todo servicio público en favor de la comunidad.

Ficha técnica

Título Original: Broken City

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 109 minutos

Género: Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Mark Wahlberg, Russell Crowe, Catherine Zeta Jones, Natalie Martinez, Jeffrey Wright

Director: Allen Hughes

Gloria - Por Carlos Correa

Esta nueva película del director chileno Sebastián Lelio nos muestra la historia de Gloria -Paulina García en una sobresaliente interpretación-, una mujer de 58 años que vive en Santiago, profesional activa, separada hace años y con hijos ya mayores. Gloria vive su rutina diaria entre el trabajo, esporádicos contactos con sus hijos, vida social y fiestas nocturnas que le permiten divertirse y conocer otras personas. En una de estas fiestas conoce a Rodolfo -excelente Sergio Hernández-, también mayor, separado hace un año, con quien comienza una aventura sentimental.

La cinta, naturalmente, se centra en la vida de Gloria, sin embargo existe un entorno, a veces más presente y en ocasiones menos presente, que llena de atmósfera el dedicado metraje. Lelio, una vez más, nos introduce en conflictos y problemáticas internas, personales, íntimas, sin dejar de lado el contexto social-cultural transversal a los protagonistas. Es así como el conflicto personal de Gloria, su búsqueda de compañía, de acogida, de cariño, se ve matizado por una variedad de detalles y signos importantes. La relación con sus hijos, que percibimos distante pero intensa, sus recuerdos cercanos a la nostalgia, representados por las canciones escuchadas y cantadas en sus traslados y su deseo de mantenerse siempre activa, configuran una personalidad atractiva y en aparente movimiento. Sin embargo, Gloria parece no saber hacia donde realizar ese movimiento. En ocasiones se le ve perdida y sin rumbo, en otras sin horizonte cercano ni lejano y cree ver una luz en esta nueva relación de pareja en la que se ha involucrado.

La película tiene muchos méritos. Tantos, como temáticas aborda a lo largo de sus 109 minutos. Analizarla desde ese punto de vista podría ser riesgoso, pues finalmente la cinta se refiere a emociones, valores y proyectos de vida. La actuación de Paulina García, que la valió el Oso de Plata del Festival Internacional de Cine de Berlín es memorable. Construye un personaje no sólo creíble sino de una solidez dramática notable. Personifica a diferentes "Glorias", sin pudor en el abandono y en la soledad, arriesgada en la aventura y en la pérdida del control. Y no lo hace sola. La actuación de Sergio Hernández, con un personaje del que poco conocemos, salvo a través de los llamados de sus hijas y su ex mujer, es el complemento perfecto, aquel que le permite dar curso a un gran abanico de posibilidades muy bien filmadas, de cerca y transparentemente, por el joven director.

Gloria se inscribe dentro de lo mejor de nuestro cine en los últimos años. Es sincera y honesta. En ocasiones se transforma en una fotografía actual, en otras muestra un futuro incierto o una gran desesperanza. Lo señala claramente un diálogo profundo en la medianía del metraje y que remarca una idea fuerza, tal vez manida pero no por ello menos importante. Chile ya no es lo que fue. Intuimos con ello un mensaje desafiante: miremos el futuro en movimiento, disponibles para enfrentar los cambios por venir -tal vez con pocas certezas-, con un espíritu optimista y decidido para vivir en plenitud.

Ficha técnica

Titulo Original: Gloria

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 109 minutos

Género: Drama

Año: 2012

País: Chile

Elenco: Sergio Hernández, Paulina García, Coca Guazzini, Antonia Santa María

Director: Sebastián Lelio

Gloria - Por Juan Pablo Donoso

Tratamiento minimalista, muy íntimo y lento, que sigue la interioridad de la protagonista en base a primeros planos, igual que en EL AÑO DEL TIGRE, logrado filme del mismo director.

Excelentes actuaciones de Paulina García (Oso de Plata Festival de Berlin) y Sergio Hernández, admirable en su manejo de subtextos y sutilezas faciales.

Espléndida fotografía y posiciones de cámara.

Difícil  y riesgoso desafío de acompañar durante tanto rato a los personajes sin apoyarse en un conflicto más agresivamente dramático.

La honestidad de los actores hace que la cinta sea más emotiva después de verla - cuando la recordamos - que durante la exhibición, debido a su ritmo tan pausado, y a la sensación de estatismo y de ignorar hacia dónde apunta la trama.

Sólo al final se nos hace patente el antiguo lema de tantas mujeres mayores: “Más vale estar sola que mal acompañada”.

Una mujer madura, separada,  madre de hijas adultas, se siente sola y necesitada de afecto masculino. En una discoteque conoce a un hombre sesentón, separado, y padre también de hijas grandes. Inician un romance que a partir del sexo casual comienza a echar raíces más sentimentales. Pero Rodolfo, a pesar de su atracción hacia ella, depende demasiado de su ex esposa y de sus hijas, y en repetidas ocasiones, tal vez por temor al compromiso o por debilidad, escapa del lado de su nueva pareja dejándola humillada, herida  y  en doloroso desconcierto. 

RELATO RIESGOSO - DE  APARENTE  BANALIDAD - QUE LOGRA  SEMBRAR  EMOCIÓN  GRACIAS AL TALENTO DE SUS INTÉRPRETES  Y  REALIZADORES.

Ficha técnica

Director: Sebastián Lelio

Actores: Paulina García, Sergio Hernández, Marcial Tagle, Diego Fontecilla, Fabiola Zamora, Antonia Santa María, Alejandro Goic, Luz Jimenez.

Guionistas: Sebastián Lelio – Gonzalo Maza

Fotografía: Benjamín Echazarreta

Premio: Oso de Plata Festival de Berlin a la Mejor Actriz

Chile – 110 minutos

Mamá - Por Juan Pablo Donoso

Fue una lástima que optaran  por  efectismos de innecesarias sorpresas visuales y estridencias sonoras.

Era un bellísimo tema que, de ser tratado por Stanley Kubrick, por ejemplo, otro habría sido el resultado artístico con los mismos ingredientes argumentales. 

Desperdicio de poesía audiovisual teniendo elementos tan apasionantes como fantasmas, niños y dolor maternal.

Tuvieron en sus manos la posibilidad de entregar un mensaje de trascendencia y amor.

En vez de eso recurrieron al tratamiento “degouttante” de cierto cine japonés que ya empieza a obsolecer. 

Con el suspenso pudo ser cautivante, pero predominó lo desagradable.

Una pena si consideramos lo elaborado de su producción.

Uno de sus principales productores, Guillermo del Toro, con su filme El Laberinto del Fauno, logró lo que a esta cinta le faltó.

Sus temas: la Maternidad, corpórea y fantasmal, y la orfandad infantil, con toda su carga de fantasía y paranormalidad.

Magníficas las actuaciones de las niñitas, en especial Lily, la más pequeña; conmovedora en los momentos en que le permitieron transmitir sus emociones. 

Cuando un padre, mentalmente desequilibrado, lleva a sus dos hijitas pequeñas a una cabaña en el bosque con el propósito de asesinarlas, ellas son rescatadas por un siniestro fantasma femenino que las cría transformándolas en seudo niñas lobas.

Vuelven a la civilización, cinco años más tarde, y son adoptadas por un matrimonio sin hijos. Pero el espectro femenino que las salvó de la muerte las visita causando pavor en la madre adoptiva y en quienes las rodean.

Luego de un horroroso clímax final, el tema de la Maternidad – humano y esotérico - hallará un relativo consuelo

habiendo cobrado valiosas víctimas inocentes.

TRUCULENCIA QUE PUDO SER MÁS FINA, EMOTIVA Y PROFUNDA.

Ficha técnica

Director: Andrés Muschietti 

Guión: Neil Cross, Andrés Muschietti, Barbara Muschietti 

Actores: Jessica Chastain, Nikolaj Coster-Waldau, Megan Charpentier

España y Canadá – 100 minutos

La huésped - Por Juan Pablo Donoso

Es raro que Andrew Niccol, guionista de Truman Show y, además, director de filmes de ciencia-ficción tan sugerentes como Gattaca, haya incurrido en una obra tan pueril como ésta. Tal vez partió de una buena idea, pero en el proceso perdió la inteligencia de la historia.

El arte dramático puede volar muy lejos en la fantasía y alejarse del realismo cotidiano; sin embargo, una vez que nos inserta en su propio universo puede hacernos “creer” y empatizar con lo que están viviendo sus personajes. 

Es aquí donde falla esta cinta: desde las primeras secuencias se nota el esfuerzo por crear una realidad diferente, pero va de tumbo en tumbo, tratando de involucrarnos en su trama sin lograrlo. 

Los personajes fracasan en convencernos de la seriedad de su conflicto.  Algunos diálogos suenan hasta graciosos sin pretenderlo y, a pesar de la costosa parafernalia de efectos especiales, el conjunto nos resulta poco interesante y con secuencias prescindibles.

Los alienígenas se apoderan del cuerpo de los humanos, y como tales organizan un sociedad casi perfecta. Se caracterizan por tener los ojos de un color muy azul y fosforescente.

Sin embargo, y para mantener el perfecto equilibrio social y político, deben evitar que queden humanos auténticos sobre la Tierra; y si los encuentran deben enajenarlos para usurpar su mente.

Sólo un pequeño grupo logra escapar y esconderse en una gigantesca caverna en el desierto de Arizona. Hasta ahí llegará una muchacha que quedó “mal enajenada” y, por lo tanto, en su cuerpo dialogan la original y la “huésped”.

El resto de la historia muestra cómo tratan de ubicarla y descubrir aquella cueva donde aún quedan terrícolas incontaminados.    

La cacería adquiere el tono de las antiguas películas de matinée, incluyendo el romance doble de nuestra heroína que, como humana reencuentra a su antiguo novio en el refugio, pero que como alienígena se enamora de otro de los jovencitos fugitivos.

El guionista se encargó de darle un happy-end en que todos queden contentos. Incluso la ejecutiva alienígena más perversa y despiadada recupera su antiguo cuerpo y, por fin, vivirán felices de ahí en adelante. 

Los galancitos bellos fueron escogidos tal vez para entusiasmar al público femenino adolescente, aunque se parecen tanto unos con otros que a ratos cuesta distinguirlos. Por otra parte, los diálogos internos de la doble identidad de la heroína se confunden y resulta difícil saber cual es cuál en muchos momentos.

CIENCIA FICCION FORZADA Y, POR LO TANTO, INVEROSÍMIL DENTRO DE SU GÉNERO.

Ficha técnica

Director: Andrew Niccol
Guión: Andrew Niccol - Stephenie Meyer (novela)
Actores: Saoirse Ronan, Diane Kruger, Max Irons
125 minutos – Estados Unidos