Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) - Por Juan Pablo Donoso

El premiado realizador mexicano Alejandro González Iñárritu, ha demostrado su fuerza narrativa con filmes tales como Amores Perros, Biutiful, 21 Gramos, Babel  y otros. En sus temáticas reitera la vulnerabilidad del ser humano frente a los accidentes de la vida, a la incomunicación afectiva y a los difusos límites entre la realidad y la ilusión.

En Birdman – con un goloso presupuesto de US$ 22.000.000 – (80 técnicos para efectos especiales) vuelve a plantear estas inquietudes intimistas y con mayores recursos visuales.

Nos preguntamos – en medio de toda la parafernalia – ¿qué es exactamente lo que nos quiso comunicar… o sólo quiso lucir sus habilidades narrativas, y el carisma de sus actores y actrices?

Riggan, un astro cinematográfico famoso por interpretar a un superhéroe de comic llamado Birdman, desea probarse a sí mismo, y al mundo, que es capaz de actuar “en serio” protagonizando una obra teatral en Broadway. 

Lo acompañamos durante los últimos ensayos, sus funciones de pre-estreno y el gran debut. En el ambiente y en la crítica neoyorkina hay cierta sorna con respecto a su capacidad para triunfar en esos escenarios.

El hombre (Michael Keaton, quien años atrás de verdad protagonizó BATMAN), inseguro de sí mismo, y peor aún, atormentado por el espectro de Birdman, con tal de erradicarlo, sigue adelante porfiadamente en su intento.

La alienación con el héroe de historieta es tal que se siente poseedor de los mismos súper poderes del personaje infantil: asistimos a sus sesiones de levitación, a sus arrebatos de telekinesia, y a su capacidad de volar.

En medio del ajetreo previo al estreno teatral conocemos de las relaciones con su ex esposa, su amante y su hija drogadicta  rehabilitándose.

A mayor abundamiento – para sentirse respaldado en el oficio – contrata a un talentoso actor joven (Edward Norton) quien le hace la tarea aún más caótica con sus extravagancias.

Para darle más ritmo al desquicio, Iñárritu opta por el humor negro y el lenguaje de plano secuencia, es decir, que todo parezca una sola toma, sin cortes, con cámara en mano siguiendo a los personajes, y  falseando los saltos en el tiempo.

Estos serían los ingredientes argumentales y los juegos tecnológicos.

Los temas de entre bastidores teatrales – salvo notables excepciones (All About Eve, de J. Manckiewicz) – suelen ser poco familiares para la mayoría del público. 

Durante el desarrollo surge la pregunta inevitable: ¿a dónde nos va conduciendo el autor? ¿Qué nos querrá decir  con tanto malabarismo?

Y al final prevalece la misma incertidumbre: sólo vimos los tormentos de un hombre confundido y asustado, que lucha contra una imagen publicitaria que se resiste a abandonarlo, y con la cual, ¿tal vez?, termina por reconciliarse con ella saltando por la ventana, ¡quizás!

Si bien el discurso cinematográfico es dinámico porque nos incluye en la esquizofrenia del protagonista, la enorme cantidad de temas y relaciones afectivas sólo se enuncian sin profundidad entregando un producto recargado, de comedia negra poco graciosa, y con recursos de fantasía visual   pudiendo algunos ser prescindibles.

Ni siquiera el tratamiento de Plano Secuencia es cabal, ya que en un momento de ludismo onírico se interrumpe por una especie de clip musical lleno de cortes y, a diferencia de verdaderas joyas en esa materia – como LA SOGA de Hitchcock, EL ARCA RUSA de   Russkiij Kovcheg, y SALMO ROJO de Miklos Jancso – aquí son evidentes los empalmes de escenas para un ojo medianamente conocedor. Mejor logradas son las tomas frente a espejos evitando que aparezca la cámara.

¿Qué significa el ostentoso subtítulo “La inesperada Virtud de la Ignorancia”? ( ¡Al menos dentro de la película nunca se supo!).

En suma, un filme de intimidad atmosférica,  con exceso de elementos que impiden  urdir  una trama emotiva, comedia negra  semi lograda, actores mal aprovechados (como Norton quien empieza brillante y va desapareciendo en el último tercio de la historia por falta de fundamento dramático para justificar su personaje), y carencia de una premisa más clara y sólida para sustentar este ambicioso proyecto creativo.

    

PROYECTO  ATRACTIVO, PERO  SOBRECARGADO  Y  CON PREMISA  POCO  CLARA.  GRANDILOCUENTE  “CAJÓN DE ABUELA”.

Ficha técnica

Título original: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Año: 2014

Duración: 119 minutos

Calificación: 14 años

País: USA

Elenco: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis, Naomi Watts, y Amy Ryan

Director: Alejandro González Iñárritu

Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) - Por Carlos Correa

“Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)” es la nueva producción del director mexicano Alejandro González Iñárritu. Una celebridad -un excelente Michael Keaton- que encarnó al famoso superhéroe “Birdman”, se encuentra 20 años después preparando el estreno en Broadway de una adaptación propia de “What We Talk About When We Talk About Love” de Raymond Carver. Riggan Thomson, el actor interpretado por Keaton, trabaja en este montaje con su hija Sam -Emma Stone-, su novia Laura -Andrea Riseborough-, Lesley -Naomi Watts - e incorpora en los últimos ensayos a Mike Shiner -un notable Edward Norton-. Riggan está ansioso. Necesita sentirse vivo, vigente, necesita la adrenalina del éxito, sentirse nuevamente reconocido y triunfar esta vez “en serio”. 

González Iñárritu usa el plano secuencia para filmar de cerca y sin parar. Los cortes naturales y saltos temporales están perfectamente encadenados con sutileza y nos introducen en un delirio vertiginoso que toma más y más cuerpo en la medida que el metraje avanza. La tensión es evidente y nada parece aplacarla. Esta mezcla explosiva entre locura, arte, fama y amor no sabemos bien dónde nos conduce. La banda sonora -una percusión que no da tregua, salvo algunos medidos silencios- incluye dos motivos musicales que podrían pasar inadvertidos y que por cierto son parte importante del relato: el comienzo de la Novena Sinfonía de Gustav Mahler y el segundo movimiento de la Quinta Sinfonía de Tchaikowski usados en secciones clave. Todo ello entrega un contrapunto esencial a las actuaciones convincentes de todo el elenco.

“Birdman” es también una sátira. Se ríe de las superproducciones de consumo masivo, de las redes sociales y de lo “viral” de algunas situaciones que no tienen mayor importancia. Critica la crítica, que puede hundir o elevar una obra con o sin argumentos. Por momentos se transforma en una oda al ego artístico, sin embargo se encauza hacia lo íntimo, hacia lo más profundo del ser artista, aquello que mueve internamente la pasión que luego se comunica sobre cualquier escenario. Y en esto, Keaton está brillante. Tal vez su propia historia con “Batman” le ayuda a interpretarse a si mismo, sin embargo la mano de González Iñárritu para seguir y descubrir al hombre dentro del personaje es notable.

“Birdman” pisa fuerte o mejor aún, vuela alto. Es cine complejo, bien desarrollado y sólido, con todos los elementos de una gran película. Y por cierto, es arte puro, por lo que admite opiniones diversas y análisis desde muchos puntos de vista. En mi caso, va el reconocimiento a una joya cinematográfica, con un excelente guión, un elenco de lujo y un director que cada vez nos entrega mejores realizaciones, reflexivas y llenas de humanidad.

Ficha técnica

Título original: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Año: 2014

Duración: 119 minutos

Calificación: 14 años

País: USA

Elenco: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis, Naomi Watts, y Amy Ryan

Director: Alejandro González Iñárritu

St. Vincent - Por Juan Pablo Donoso

¿Es razonable sacralizar a un badulaque?  Sobre tal idea se concibió esta película.

Más que una trama argumental es un trabajo sobre personajes; todos presentan un diseño sensible, sin grandilocuencias, y de bajo perfil.

Encabeza la galería Vincent (Bill Murray) en torno al cual, y en contraste con él, surgen las circunstancias del relato. Es un veterano de guerra alcohólico y de mal genio que pasa por serios problemas económicos y amarguras. Sus escasos puntos afectivos son su esposa con alzheimer, recluida en un asilo, y su gato persa  blanco. Todos y todo lo demás son detonantes de su desprecio e insolencia.

Hay ecos de GRAN TORINO de Clint Eastwood (2008): llega una vecina gorda (Melissa Mc Carthy), divorciada, con un hijo judío adoptado y pre-adolescente. 

Gradualmente, el niño irá conquistando la estima del áspero anciano hasta transformarse, para el muchacho, en el “primer santo vivo, imperfecto y cotidiano” que conocerá en su vida. De ahí el nombre de la cinta ST. VINCENT.

El atractivo está en descubrir qué hará Bill Murray a continuación: a quien insultará, cómo conseguirá dinero para perder en las carreras de caballos, a quien estafará, y cómo mantendrá su vínculo sexo-comercial con una prostituta grávida (Naomi Watts, quien debió aprender a hablar como inmigrante rusa en EE.UU.).

Una vez más los protagonistas Bill Murray y Melissa McCarthy hacen alarde de su carisma actoral; pero el guionista y director Theodor Melfi, puso énfasis en la elección y tratamiento de todos los actores secundarios: el niño, el sacerdote católico del colegio, las enfermeras y truhanes que elevan la calidad humana y sensible en esta crónica íntima y vecinal.

AMABLE  RELATO DE  PERSONAJES MENORES CUYO ENCANTO RADICA EN  LA  FLUIDEZ DE  SUS CONTINGENCIAS. OPORTUNIDAD PARA LUCIR TALENTOS  SIN  RECURRIR  A  EFECTISMOS.

Ficha técnica

Género: Tragicomedia

País: EE.UU.

Duración: 102 minutos 

Actores: Bill Murray, Melissa McCarthy, Naomi Watts,  Jaeden Lieberher, Melissa McCarthy, Chris O’DowdDirector y Guionista: Theodore Melfi 

No Confíes en Nadie - Por Juan Pablo Donoso

El tema de la amnesia ha sido muy recurrente en el cine. Aquí tenemos una nueva historia con este factor tan fecundo en conflictos.

Desde La Noche del Pasado (Random Harvest) 1942, pasando por Memento (2000) hasta Como si Fuera la Primera Vez (2004), entre otros, la novela de S.J. Watson nos llega con actores de la talla de Nicole Kidman, Colin Firth y Mark Strong.

Una mujer cuarentona se despierta cada mañana sin recordar nada de su vida anterior. El marido debe repetirle ritualmente su identidad y su pasado. Perdió la memoria hace 14 años cuando fue violada y golpeada salvajemente por un desconocido.

La tensión mental de la mujer la hace recurrir a un psiquiatra quien le hace grabar un registro de lo que hace cada día.

Poco a poco ella comienza a notar contradicciones y a dudar de la honestidad de todos quienes la rodean. Su investigación va entregando nuevos datos, dispersos, que aumentan aún más su confusión. El puzzle se irá resolviendo hasta revelarnos la verdad final. 

Con guiños a Hichcock, Kubrick y Resnais pudo ser menos expositiva y más visceral. Un buen filme para la televisión nocturna.

SÓLIDAS  ACTUACIONES  EN  UN  THRILLER  MÁS CONVENCIONAL  QUE  EMOCIONANTE.   

Ficha técnica

Género: Misterio – suspenso - amensia

Reino Unido - 92 Minutos

Elenco: Colin Firth. Nicole Kidman, Mark Strong

Director y Guionista: Rowan Joffe 

La Familia Bélier - Por Juan Pablo Donoso

Es de aquellas obras que solemos llamar “hechas en estado de Gracia”.

Sin estridencias va conquistando por su sencillez, por la fragilidad de sus personajes, por sus pequeños conflictos cotidianos, y por la sutileza con que logra emocionar casi hasta las lágrimas.

Lo hace sin efectismo, sólo con pureza y naturalidad.

Aunque algunos espectadores – acostumbrados a los platos de contundencia dramática – pudieran preguntarse durante el desarrollo - ¿qué tiene esto de especial? – en su mayoría serán permeados por la autenticidad de las emociones y sentimientos.

Una familia campesina de sordo-mudos: el padre, la madre y el joven hijo. Sólo es normal la hija adolescente, Paula, quien hace de intérprete entre sus padres y el resto de las personas de la región y el pueblo.

Los hijos van al colegio y tienen amistades. El profesor de Música organiza un coro. Descubre que Paula tiene talento, y comienza a darle clases particulares para postularla al coro de la Ópera de París.

Para los padres sordo-mudos esto, además de enigmático en lo sonoro, significaría, en caso de ser aceptada en la capital, quedarse sin la ayuda de la hija en la lechería, y sin comunicación con el resto de las personas de la comarca. ¡Un terremoto familiar!

El resto del filme son los detalles de la convivencia con el padre y madre que se adoran, de hijos mentalmente sanos, e incluso del intento del padre de postularse para alcalde, cosa insólita pero de de exquisito sabor aventurero.

Más importante que los acontecimientos, es la pureza con que reaccionan sus personajes a las contingencias cotidianas, y a la franqueza con que llaman las cosas por su nombre.

Cada actor está perfecto en su rol; cada uno tiene su carga de humanidad para transmitirnos – incluidos los secundarios como el Profesor de Música (admirable Eric Elmosnino), los condiscípulos y los vecinos. Desde el comienzo creemos en la minusvalía audio-parlante de los protagonistas, y los acompañamos con gusto durante el relato. Pasan todos a ser nuestros amigos.

Incluso lo previsible del final carece de importancia frente al proceso transparente y cálido con que el director Eric Lartigau nos va envolviendo y conquistando.

UNA  EXPERIENCIA  DE  TERNURA  Y  HUMANIDAD ABSOLUTAMENTE  LOGRADA  EN  FORMA  Y  FONDO.  

Ficha técnica

Director: Eric Lartigau 

Guionistas: Victoria Bedos (idea original), Thomas Bidegain (adaptación) 

Actores: Karin Viard, François Damiens, Louane Emera, Eric Elmosnino,  

Familia – Comedia - Amor 

Francia  – 100 minutos 

BFDistribution

NEBRASKA - Por Juan Pablo Donoso

Periplo cargado de conmovedora humanidad.

En un pueblito rural de Nebraska vive una pareja de ancianos, Woody, decrépito y alcohólico y Kate, su regañona y destemplada esposa. La relación con sus hijos adultos es fría y distante.

Un día Woody s entera que cobrando los cupones de una revista es merecedor de un millón de dólares. Decide partir al estado de Montana a cobrar su premio. Como nadie quiere llevarlo inicia el recorrido caminando. Uno de sus hijos, compadecido por la semi-demencia de su padre lo lleva en auto. 

El trayecto, la dolorosa incomunicación entre ellos, y los lugares en que se detienen, las personas con que interactúan hasta llegar, constituyen la médula de este relato.

Todos, menos el anciano, desde el comienzo sabían que el aviso era sólo una treta publicitaria.

¿Qué significaba existencialmente la obsesión del anciano?

Acompañar a Woody en tan loca jornada es lo que gatilla los más poderosos resortes de compasión reflexiva en el espectador. 

Fantásticas actuaciones de Bruce Dern y June Squibb (que debieron ser nominados al Oscar), secundados por actores prolijamente escogidos.

Alexander Payne, con un pulso de dirección maduro y arriesgado, transmite la atmósfera exacta y casi demencial de  sus protagonistas.

Galería de criaturas patéticas en su sencillez.

Eximio guión y diálogos precisos.

Una lección fotográfica en Blanco y Negro con virtuosa composición plástica; sensibilidad adecuada para captar el alma del filme.

IMPECABLE Y CONMOVEDOR  PERIPLO POR  EL  ALMA  DE  UN ANCIANO,  DE  SU HIJO Y  SU  FAMILIA.  MAGNÍFICA.

Ficha técnica

Director: Alexander Payne

Guión: Bob Nelson 

Fotografía: Phedon Papamichael 

Música: Mark Orton 

Actores: Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Stacy Keach 

Tragicomedia – Poética de la vejez 

EE.UU. 115 minutos

EXODO - Dioses y Reyes - Por Juan Pablo Donoso

Esta vez Ridley Scott estuvo bajo el nivel de sus famosos filmes anteriores: Gladiador – Blade Runner – Alien el 8° Pasajero – Thelma y Louise – G.I. Jane – Hannibal, para sólo nombrar algunos. Y tal vez su declarado agnosticismo influyó en el resultado.

El realizador incluso reemplaza la presencia de Yavé por la de un niño mensajero de Dios para dictarle los 10 mandamientos. ¿Para qué? ¿Sería una metáfora de su propia conciencia? Mostrado así tampoco gravita lo suficiente como dilema de fe.

Conociendo la inteligencia y prolijidad de las obras anteriores de Scott resulta extraño que al finalizar este largo filme, nos preguntemos qué reflexión importante nos quiso proponer el realizador y sus guionistas, especialmente si entre ellos estuvo Steven Zaillian, autor ni más ni menos que de La Lista de Schindler y Hanibbal entre muchos otros.  

Desde Los 10 Mandamientos de Cecil B. de Mille hasta Moisés el Legislador (1974), áspera, y realista teleserie protagonizada por Burt Lancaster, el tamaño humano y espiritual de Moisés invade el alma de cualquier relato. 

Scott declara su interés por las relaciones entre sus personajes; pero en esta película predominan las batallas, los grandes escenarios egipcios y desérticos, los episodios bíblicos imprescindibles (las plagas y el Mar Rojo), y los personajes prominentes quedan sólo esbozados, unidimensionales, y con tibia humanidad. ¿Será tal vez porque fue filmada para durar 4 horas, y hubo que recortarla?

Las plagas devastadoras y otras escenas espectaculares se resolvieron con efectos especiales demasiado obvios. ¿Serán tal vez para salvar la taquilla – US$140.000.000 – y complacer al público masivo?

Primó la INDEFINICIÓN, en cualquiera de sus opciones.

 Si bien Christian Bale (Moisés) es un buen actor, la vaguedad de los guionistas para abordar el ángulo novedoso del personaje, lo deja desdibujado, y sólo reaccionando con tibieza ante el devenir de los acontecimientos. Bajo cualquier óptica, Moisés fue uno de los máximos líderes espirituales y políticos de la historia de la cultura occidental. 

Joel Edgerton –Ramsés –joven y carismático actor australiano tuvo la suerte de tener un personaje con mayor profundidad emotiva.

La demasiado glamorosa actriz española María Valverde (Séfora), al igual que Penélope, esperó que su esposo Moisés regresara triunfante trayendo consigo a los 600.000 hebreos desde Egipto. ¿Sería tan bella y sensual a esa edad? 

Sigourney Weaver, irreconocible, pero siempre digna en su brevísimo rol.

La mayoría de los demás actores de renombre cumplen papeles muy secundarios, que pudieron ser interpretados por otros menos conocidos y que se parecieran más a los egipcios de aquella época.

Por último, la Esfinge de Giza en aquel tiempo todavía tenía nariz; se la volaron en el siglo 14 de nuestra era. Además, ¿cómo pudo Ramsés ser el ÚNICO sobreviviente del Mar Rojo?

PREDOMINARON LAS AVENTURAS, LAS LICENCIAS HISTÓRICAS Y LOS EFECTOS ESPECIALES POR SOBRE EL FONDO POLITICO Y DIVINO DEL RELATO.  MEJOR VOLVER A LA BIBLIA. 

Ficha técnica

Director: Ridley Scott 

Guionistas: Adam Cooper, Bill Collage, Jeffrey Caine y Steven Zillian

Actores: Christian Bale, Joel Edgerton, Ben Kingsley, Maria Valverde 

Bíblica – Acción

150 minutos 

Inglaterra, EE.UU. España

Primicia mortal - Por Carlos Correa

Lou Bloom -excelente interpretación de Jake Gyllenhaal- es un joven errático que busca ganarse la vida en Los Ángeles de cualquier forma y que descubre por accidente el mundo de los camarógrafos independientes que filman exclusivas que luego venden a los ávidos canales de TV que buscan esas imágenes para nutrir su crónica roja.

Esta cinta del debutante Dan Gilroy es oscura. No solo por su filmación, sino también por su temática, valores, ética y moralidad involucrada. Los accidentes, el crimen y los desastres generan audiencia. La prensa lo sabe, hay un gran mercado que lo consume. Sin embargo, ¿no es este un círculo vicioso? Si se muestra se consume. Si no se muestra, ¿podrían cambiar las prioridades? ¿Qué es primero, la necesidad de informar o ganar la mejor exclusiva aunque se pase a llevar la dignidad de las personas? No es un tema nuevo, se ha escrito mucho de él, se ha debatido y analizado en profundidad sin llegar a una respuesta única o al menos de consenso.

Gyllenhaal deslumbra con su interpretación. Su caracterización es creíble dentro de un mundo que aparece bastante falso, caricaturizado y vacío. Rene Russo como Nina, la productora de noticias es su excelente contraparte. Le exige premura, novedad, primicia. Llegar primero es lo único importante, pero ¿dónde está el límite?. Lou Bloom es inteligente y tiene una capacidad notable de adaptarse a los escenarios que va conociendo y recorriendo. Aprende de cada situación, de cada persona. Él es el centro, no tiene principios, escrúpulos, es arriesgado y no le importa sacrificar lo necesario por alcanzar sus propios objetivos. ¿El fin justifica los medios? En este caso, indudablemente. No hay asomo de cuestionamiento y si existen algunas personas que se cruzan en el metraje que no están de acuerdo terminan cediendo por la fuerza del dinero, por la necesidad o por la fuerza de las circunstancias.

“Nightcrawler” es interesante pero hay que leerla bien. No es solo una crítica a los medios, es mucho más profunda que eso. Da cuenta del riesgo de la irreflexión, de la codicia y del poder. La influencia de las imágenes exclusivas es al parecer omnipotente. Parece superarlo todo, incluso el orden establecido y la legalidad. ¿Quién detiene este proceso que se incrementa con los avances tecnológicos y que tiene como base la libertad de expresión y de información? En ese sentido, la cinta no solo deja planteada la interrogante sino que su mensaje es que en definitiva estamos perdiendo la partida.

Ficha técnica

Titulo Original: Nightcrawler

Distribuidor: Diamond

Calificación: 14

Duración: 117 minutos

Género: Thriller, Drama y Crimen

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Jake Gyllenhaal y Rene Russo

Director: Dan Gilroy

Magia a la Luz de la Luna - Por Juan Pablo Donoso

Cuando Woody Allen se propone hacer una comedia simple y encantadora, siempre lo logra.

Ahora nos transporta a los años 20 en el sur de Francia con una  elegante fábula de amor y de magia.

Colin Firth (Stanley) es un famoso y engreído mago de grandes espectáculos. Se jacta de ser escéptico, racionalista, y ateo. Se siente capaz de desenmascarar hasta a los más avezados espiritistas. Un colega y amigo lo invita al sur de Francia para presentarle a una prodigiosa vidente. Lo desafía a descubrir si es falsa. Stanley acepta, y al poco tiempo cae deslumbrado por las habilidades de la joven medium estadounidense. Su escepticismo vacila e incluso se atreve a incursionar en la fe religiosa.

El filme es deliberadamente ingenuo y  trata de temas  recurrentes que obsesionan a Woody Allen: la religión, la fantasía, y el vértigo irrefrenable del amor.

Los misterios del corazón vencerán la arrogancia del mago inglés y, mediante un final feliz, lo pondrán de rodillas ante la astucia intuitiva del sexo femenino.    

Película de bellísima ambientación y lúdicos personajes secundarios, hace alarde de diálogos obvios, para que la historia se sienta clara y amena en todo momento.

El propósito  es demostrarnos que las emociones de la vida y sus giros inesperados serán siempre más mágicos y poderosos que los grandes trucos y malabares intelectuales.

FÁBULA  DE  AMOR  Y  MAGIA  ENCANTADORA  POR  SU SENCILLEZ  E  INGENUIDAD.

Ficha técnica

Titulo Original: Magic in the moonlight

Distribuidor: BF Distribution

Calificación: 14

Duración: 97 minutos

Género: Comedia y Drama

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden

Director: Woody Allen

La mejor oferta - Por Juan Pablo Donoso

Excelente película con muchos niveles de lectura. Y todos están claros y logrados.

Un martillero, coleccionista, y gran experto en obras de arte es famoso por ser presumido, prepotente y misántropo. Hasta que una muchacha millonaria, joven y misteriosa consigue -gradualmente- derribar sus barreras de soberbia y dejarlo sometido a sus pies. 

Tornatore combina magistralmente diversos géneros: amor, suspenso, misterio, belleza y sátira; y todos ellos con fineza y profundidad.

El deslumbrante desfile de cuadros y esculturas son el caldo de cultivo visual para ablandar el corazón más duro: del protagonista y del espectador.

Si bien el tema central pareciera ser el ARTE, distante y admirable, en verdad denuncia la fragilidad, las vilezas y las imperfecciones del ser humano. 

En paralelo con las joyas de pinacoteca, la decoración y la artesanía mecánica, el autor agrega una mujer secundaria, fea y contrahecha, pero con una mente tan prodigiosa como las obras exhibidas.

Para denunciar la vulnerabilidad de todo lo supuestamente original, el relato expone su tesis:  

“Siempre hay algo auténtico en toda falsificación: porque el falsificador siente el vértigo irresistible de dejar su propia huella”.

Y al internarse en el corazón del protagonista, intenta comprobar ese planteamiento

El ARTE de AMAR será, tarde o temprano, la piedra de tope para derribar la prepotencia de cualquier parafernalia. 

Una pugna multifacética entre la Pasión y la Posesión; y Tornatore, como guionista y director, logra urdir esta trama con talento magistral. 

UNO DE  LOS  FILMES  MÁS  BELLOS, COMPLEJOS  Y  APASIONANTES  ESTRENADOS  EN CHILE  DURANTE  2014

Ficha técnica

Título original: La Migliore Oferta – The Best Offer

Fotografía: Fabio Zamarion

Música: Ennio Morricone

Artes plásticas – Romance - Suspenso

Italia – 131 minutos

Actores: Geoffrey Rush, Jim Sturgess, Sylvia Hoeks, Donald Sutherland

Director y Guionista: Giuseppe Tornatore 

El aprendiz - Por Juan Pablo Donoso

Nuevo thriller de acción, espionaje internacional y violencia ambientado en Europa de los años 70.

El súper héroe es Pierce Brosnan, quien fue James Bond en algunos filmes anteriores. La estructura de esta fábula nos recuerda mucho aquellas, aunque con menos glamour y erotismo.

Un experto ex agente de la CIA vuelve a su antiguo trabajo debido a una misión muy personal. Un antiguo protegido y discípulo joven, ahora es antagonista que, por órdenes superiores, debe destruir a su maestro. En el conflicto están implicados oficiales con altos cargos  en el Gobierno de Estados Unidos, además del entonces candidato a Presidente de Rusia. Autoridades corruptas de todos los bandos, e implacables en su afán de asesinar a sus opositores.

Por la gran cantidad de personajes – masculinos y femeninos – la trama resulta algo compleja al comienzo. Poco a poco, gracias al ritmo de acción y de montaje, se va aclarando (en parte), ya que hay secuencias con personajes secundarios de cuya presencia podría prescindirse sin  afectar la historia total.

Las mujeres juegan un rol notorio: por sus dudosas inocencias, o por sus brutales talentos para asesinar a sangre fría.

Peter Devereaux (Brosnan) es indestructible, tanto por su experticia como ex agente, como por su capacidad para matar guardaespaldas y policías por  montones.

La muchachita principal – Olga Kurylenko – logra aquí un mejor desempeño que en Quantum Solace. Es lo mejor de su breve carrera estelar. Por su parte Brosnan, como veterano héroe de acción, cumple profesionalmente con lo que corresponde. 

Además, aquí es el padre de una niñita de 12 años que también es utilizada como rehén para intentar aplacarlo.  

ENTRETIENE A PESAR DE SUS INVEROSÍMILES HAZAÑAS DE ESPIONAJE E INTRIGA INTERNACIONAL. POCA NOVEDOSA. ERA MEJOR LA SAGA DE BOURNE.

Ficha técnica

Titulo Original: Novenmber Man

Distribuidor: BF Distribution

Calificación: +14

Duración: 108 min.

Género: Acción y Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Eliza Taylor, Pierce Brosnan y Luke Bracey

Director: Roger Donaldson

Calvario - Por Carlos Correa

De la mano del director y guionista Irlandés, John Michael McDonagh, “Calvario” narra la historia de un sacerdote que es amenazado de muerte en una confesión. Quien lo amenaza ha sido abusado desde los 7 años por otro sacerdote que ya está muerto y busca vengar su vida asesinando a un buen sacerdote, el padre James, interpretado por el excelente Brendan Gleeson.

Filmada con serenidad en la costa de Irlanda, en los alrededores de Sligo y su incomparable montaña Benbulbin, McDonagh describe una comunidad alejada de valores, con variados estereotipos y grandes problemas. La belleza del paisaje es un contrapunto perfecto a la decadencia del pueblo que lo habita. Vemos así a un anciano escritor a punto de morir, mujeres adúlteras, un médico cínico, al extraño dueño del Pub local, a un mecánico inmigrante, un rico burgués alcoholizado, al carnicero y al comisario de policía; todos personajes dañados que contrastan con este cura bueno, ya maduro, que ha sido ordenado tras la muerte de su mujer y cuya hija le visita justamente en esta especial semana.

La cinta es fragmentada. La compone una serie de cuadros -las acciones pastorales que el Padre James sigue realizando a pesar de la amenaza- que cobran especial fuerza en la medida que se acerca el domingo elegido. El Padre sabe quien lo ha amenazado, sin embargo no lo denuncia. Solo lo habla con un obispo que no es capaz de aconsejarle sino que le traspasa toda la responsabilidad a su propia decisión. 

“Calvario” es reflexiva. Da cuenta del grave problema de abusos cometidos por sacerdotes en Irlanda y sus consecuencias posteriores donde la Iglesia es puesta en duda y sus pastores juzgados por los excesos de otros. En ese sentido, la historia es brutal, desde la primera línea del guión -la cruda confesión de los abusos y la amenaza de muerte- hasta su desenlace, provocando una tensión que no cede hasta el final. Vale la pena observarla. No deja indiferente, y tampoco entrega una clara sensación al concluir. Necesita pausa y meditación para comprender el mensaje que entrega y procesarlo. Una vez hecho esto, la película adquiere otra dimensión, que se resume en palabras del propio director: “probablemente hay películas en desarrollo sobre sacerdotes involucrados en abusos. Mi misión era hacer lo contrario de lo que hacen los demás, yo quería hacer una película sobre un buen sacerdote."

Ficha técnica

Titulo Original: Calvary

Distribuidor: 20th Century Fox (FOX-WB)

Calificación: +14

Duración: 102 minutos

Género: Drama

Año: 2014

País: Irlanda

Elenco: Brendan Gleeson, Kelly Reilly

Director: John Michael McDonagh

Caminando entre tumbas - Por Carlos Correa

Liam Nesson es Matt Scudder, un oficial retirado de la Policía de Nueva York que ahora trabaja como detective sin licencia. Su rutina es básica pero su historia es una pesada mochila emocional que lleva al hombro desde que un desafortunado incidente le hiciera renunciar. Y es un alcohólico en rehabilitación. Uno de los principales traficantes de la ciudad lo convence de ayudarlo a resolver el caso del secuestro de su mujer, por la que pagó rescate y sin embargo de igual modo fue asesinada. Scudder comienza a investigar, a encontrar cabos sueltos y pistas que le llevan por los lugares más oscuros de un sórdido Nueva York, en busca de respuestas y culpables.

El director Scott Frank filma una cinta violenta y oscura sobre una ciudad donde el miedo, la corrupción, la decadencia y la obsesión son pan de cada día. Nesson es sólido con su personaje y lidera un buen reparto que consigue credibilidad en sus actuaciones. La historia por momentos se hace confusa. Los personajes abundan, no ha mucha descripción ni diálogo, sino más bien asociaciones y un relato que avanza entre sombras.

“Caminando entre tumbas” por momentos se hace extensa, dura y cruda. Sin ceder, transita por lugares por los que nadie quisiera caminar. Y paralelo a su rudeza, la cinta también es una historia personal de salvación. Matt tiene una deuda con la vida y quiere saldarla. Aunque los medios puedan discutirse, el objetivo es su principal preocupación. ¿El fin justifica los medios? En este caso, el mensaje entregado es justamente así y es debatible. Sin embargo hay un desarrollo en aquello que alberga una pequeña esperanza en un mundo que parece avanzar hacia su propia perdición. ¿Lograremos superar la prueba? Ciertamente, de nosotros depende.

Ficha técnica

Titulo Original: : A Walk Among the Tombstones

Distribuidor: Cinecolor

Calificación: +14

Duración: 114 min.

Género: Thriller

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Liam Nesson, Boyd Holbrook, Dan Stevens, Adam David Thompson, Ólafur Darri Ólafsson, David Harbour, Eric Nelsen y Mark Consuelos.

Director: Scott Frank

El juez - Por Carlos Correa

Hank Palmer -Robert Downey Jr.-, exitoso abogado de las grandes ligas, regresa a su pueblo natal producto de la muerte de su madre. Su padre, el Juez Palmer -Robert Duvall- lleva 42 años ejerciendo justicia en el condado y un accidente mortal lo sindica como el principal sospechoso. La relación padre - hijo es prácticamente inexistente, a pesar de lo que Hank decide defender a su padre para descubrir la verdad.

Esta película trata principalmente de humanidad. Aquella que tal vez se pierde en las grandes ciudades y bajo las adulaciones de un mundo lleno de lujos y exigencias. Habla de reencuentros, familiares, amorosos y de amistad. El camino no es sencillo para Hank. El carácter de su padre es imposible, el principal obstáculo para desarrollar una mejor relación. Y Hank tampoco se queda atrás. Su soberbia, exitismo e inteligencia le impiden en ocasiones avanzar hacia lazos afectivos más honestos, puros y simples.

“El Juez” avanza implacable en la construcción de una historia cuyo final es menos importante que su desarrollo. Su ritmo es constante, pausado, sin apuro, lo que entrega al relato un aire de tensión permanente. La producción es de muy buen nivel y las actuaciones de los protagonistas son excelentes. Probablemente supera en expectativas lo que promete y revitaliza la sensación que siempre es posible la redención y el reencuentro cuando se persevera honestamente.

Ficha técnica

Titulo Original: The Judge

Distribuidor: Warner Bros (FOX-WB)

Calificación:

Duración: 142 minutos

Género: Drama

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Robert Downey Jr., Robert Duvall, Vera Farmiga

Director: David Dobkin

Sinsajo parte 1 - Por Juan Pablo Donoso

Continúa la saga de JUEGOS DEL HAMBRE, inspirada en la novela homónima de Suzanne Collins.

Hay un estado totalitario futurista – Capitol - donde un grupo de jóvenes fueron seleccionados por sus destrezas para salir a luchar engañados – unos contras otros - por una bestial sobrevivencia.

SINSAJO serán dos películas – 1ª y 2ª parte – continuación de lo que sucedió a los héroes de la anterior epopeya.

El nombre SINSAJO es el de la heroína Kidniss Everdeen – una joven “supermujer” genial con el arco y las flechas. En inglés se la llama Mockinjay. 

Mega producción que pone todo en la parrilla para lograr el máximo de emoción y ganancias comerciales. Costó US$ 140.000.000.

Con varios actores antiguos y consagrados, mas una promoción de nuevos rostros juveniles.

Espectaculares efectos especiales con eximio sonido envolvente. 

Cientos de extras – reales y computarizados.

Ritmo ágil en un relato de apariencia confuso al comienzo, pero que la eficacia del guión va aclarando a medida que la acción prosigue sin ralentarse.

Los realizadores supieron graduar y compensar el dinamismo con las explicaciones verbales del cuento y – muy importante – evita cualquier profundidad psicológica de sus personajes: todos deben ser “prototipos”.

Típico manejo del “heroísmo contemporáneo”: juventud, feminismo y alarde tecnológico.

El antagonismo corre por cuenta de los adultos maduros, poderosos en dinero, pero decadentes en su elegancia, soberbia y crueldad.

Son los Rebeldes de Penem (nuestros héroes de bajo tierra) versus el poderío y sadismo de Capitolio, que tiraniza a un planeta en ruinas.

Los Rebeldes combaten desde los submundos: Distritos Numerados y en extinción – viendo morir a miles de víctimas inocentes bajo las potentes armas bélicas del enemigo dominante.

Sólo el coraje y la belleza de los jóvenes combatientes podría salvar a la humanidad de un mundo catastrófico y perversamente globalizado de aquel futuro.

Conserva la sencilla y contagiosa canción de toda la saga: El Árbol de la Horca, de James Newton Howard. 

Mejor que en la primera gesta, ahora la actriz Jennifer Lawrence comprendió mejor a su disyuntivo personaje de Katniss. La acompañamos en su dolor al descubrir que su amado Peeta sobrevivió, pero satánicamente alienado.

El final queda, obviamente, abierto para dar paso a la 2ª Parte, que ya está en filmación.

VIRTUOSO DESPLIEGUE DE ACCIÓN, FUTURISMO CORRUPTO Y HOLOCÁUSTICO.   

Ficha técnica

Titulo Original: The Hunger Games: Mockingjay - Part 1

Distribuidor: BF Distribution

Calificación: TE +7

Duración: 123 minutos

Género: Drama - Acción

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Julianne Moore, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Toby Jones, Jennifer Lawrence, Jena Malone, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Natalie Dormer, Liam Hemsworth, Willow Shields, Sam Claflin, Josh Hutcherson

Director: Francis Lawrence