Chicago Boys - Por Juan Pablo Donoso

Serio y sugerente documental para conocer quiénes fueron los Chicago Boys, y el rol que desempeñaron durante el gobierno militar en Chile.

Un grupo de estudiantes egresados de Economía de la Pontificia Universidad Católica de Santiago, viajó a la Universidad de Chicago a realizar cursos de postgrado. Allá fueron discípulos de los maestros Milton Friedman y Arnold Harberger, de quienes aprendieron los principios fundamentales del neoliberalismo económico. 

El rigor de esos estudios, y la fuerte disciplina a que fueron sometidos, les permitió imbuirse en aquella filosofía. Se les abrió un nuevo y fascinante universo aún desconocido en las aulas académicas chilenas. Al regresar y ejercer la docencia universitaria entregaron una óptica renovada de esta ciencia. Como ejercicio, elaboraron un proyecto hipotético de lo que podría elevar el nivel socio-económico de nuestros países siguiendo los principios aprendidos de Friedman y Harberger. 

Cuando irrumpió el Golpe Militar que derrocó al gobierno marxista de la Unidad Popular, llegó a oídos del General Pinochet que había un estudio académico elaborado por jóvenes economistas que podría recuperar la situación desastrosa en que se hallaba le economía del país. Asignó a un alto oficial de apellido González para que estudiara aquella Tesis e informara sobre ella. Ese estudio - teórico en principio - fue el que se puso en práctica durante los 17 años de gobierno militar. Se lo llamó El Ladrillo, y sus ejecutores fueron en su mayoría aquellos mismos profesionales formados en Chicago que ocuparon los cargos ministeriales de la especialidad. 

Chile  fue el primer país en adoptar los principios de Friedman, que postulaba más espacio de decisión a las personas y menos al Estado. Se abrió el mercado libre al capitalismo y el nivel socio-económico del país comenzó a prosperar con éxito y a gran velocidad.

El documental, realizado por Carola Fuentes y Rafael Valdeaevellano, permite al espectador ver y escuchar los testimonios de aquel período  con un abundante acopio de imágenes de archivo, que van desde la estadía de los jóvenes en EE.UU., hasta el retorno a la democracia en 1989.

Lo especial de este filme es el testimonio vivo  y la narración que hacen ahora, como hombres maduros, aquellos Chicago Boys de entonces. Y también de los que fueron sus monitores estadounidenses. 

Pero la situación política del país y la violación a los derechos humanos durante aquel periodo es ineludible. Y ellos también deben responder a esas interrogantes, ya que fueron artífices fundamentales del régimen. 

Y de este contraste entre el  desarrollo económico de Chile y el doloroso proceso político y represivo, es de donde los realizadores Fuentes y Valdeavellano nos entregan su mensaje sociológico: “el objetivo de la Economía es para el desarrollo integral de las Personas, versus una  Economía para la perfección de la misma Economía”.

Y el documental llega en un momento muy oportuno a nuestras pantallas: junto a las aristas del progreso material, trae también incubado el virus de las corrupciones financiero-políticas y las  colusiones lucrativas de algunas  empresas en desmedro y alienación farandulera de la las grandes masas consumidoras.   

UN DOCUMENTAL MUY OPORTUNO, INTELIGENTE Y EDUCATIVO, PARA EVALUAR EL ESTADO SOCIO-ECONÓMICO, Y CULTURAL, DE CHILE EN EL PRESENTE.  

Ficha técnica 

Documental – Política – Historia

Chile

85 minutos  

2015 

Market Chile

Testimoniales: Milton Friedman, Sergio de la Cuadra, Rolf Lüders, Ricardo French-Davis, Arnold Harberger, Roberto Kelly, Juan Gabriel Valdés, Jorge Cauas,etc.

Directores y Guionistas: Carola Fuentes, Rafael Valdeavellano

El Principito - Por Juan Pablo Donoso

Quienes crean que este es El Principito llevado al cine se decepcionarán.

Con el fabuloso presupuesto de US$ 81.200.000 realizaron una historia de animación en que sólo “interviene” el Principito de Antoine de Saint Exupery. Pero es otra la protagonista, es otra la fábula, y es otro el desenlace.

Es la historia de una niñita obligada por su madre a ser eficiente y productiva y que, por accidente, va descubriendo al Principito y a sus personajes. Su vecino, caricatura de George Bernard Shaw, es un anciano que, supuestamente, sería el mismo Saint-Exupery. Tanto la niña como el anciano piloto vivirán aventuras junto al verdadero Principito, que es un niño, y más adelante en el relato lo encontrarán ya adulto, como barrendero y sin ilusiones. 

Se sustenta en dos postulados: “No es malo crecer; lo malo es olvidar”, y “Lo esencial es invisible a los ojos”.

Compleja alegoría que mezcla el libro clásico con periplos ajenos al original. Es posible que por su densidad canse, confunda, e incluso aburra a los niños. Ya se hizo un filme musical de El Principito en 1974, dirigida por Stanley Donen, y también con un resultado poco feliz. 

El valor del libro es que por su sencillez, y por su profundidad poética, se defiende por sí mismo. Resuena de distintas maneras en la sensibilidad de cada lector; y, a la vez, constituye una crítica al egoísmo materialista e invita a recuperar la más pura e inocente humanidad con que todos nacimos y que al crecer fuimos perdiendo. 

ATIBORRADA Y OSTENTOSA EPOPEYA QUE MÁS BIEN DEBIÓ LLAMARSE “A PROPÓSITO DE”  EL PRINCIPITO. 

Ficha técnica

BFDistribution

2015

Animación

Francia y Canadá - 88 minutos

Voces: Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Riley Osobrne, Benicio del Toro, Ricky Gervais , Paul Giamatti, Albert Brooks y Bud Cort. 

Guionistas:  Irena Brignull, Bob Persichetti

Director: Mark Osborne

La Sal de la Tierra - Por Juan Pablo Donoso

Una nueva joya documental del director alemán Wim Wenders. Esta vez rinde un homenaje a uno de los máximos fotógrafos contemporáneos: Sebastiao Salgado.

Junto con darnos a conocer quién es el brasilero Salgado, su vida, su familia y su trayectoria artística, este documental nos deslumbra con la sensibilidad y la inteligencia espiritual del fotógrafo. Dice Salgado que una fotografía deja de ser una “foto” cuando revela tras ella un abismo de vida, de verdad y de misterio insondable. 

Y eso lo confirma el documental de Wenders: cada testimonio visual – casi siempre en blanco y negro – nos deslumbra por su belleza, primero, y luego nos golpea la conciencia sobre el mundo en que vivimos. Nos recuerda que somos hermanos de toda la humanidad, de los animales, y de la naturaleza en su conjunto. 

Durante los últimos 40 años la cámara de Salgado captó los mayores conflictos internacionales: guerras, hambrunas y éxodos. Y en el último tiempo, junto a su esposa Leila, en una gesta ímproba, se abocaron a reforestar las tierras áridas del campo de sus ancestros, hasta lograr que allí renacieran los bosques y volvieran a morar innumerables especies de animales silvestres.

Después de recorrer todos los continentes retratando dolor,  miseria y brutalidad, eleva un tributo a la belleza vital de nuestro planeta.

Recomendamos esta película a todo espectador que, junto con admirar la maestría plástica, conozcan al hombre cuyo ojo logró captar con su cámara la esencia que habita detrás de las imágenes. Y con ello invitarnos a ver nuestro entorno con los ojos de la misericordia y del amor por toda la creación.  

Este filme debería ser obligatorio en los planes de estudio escolares, estimular sus reflexiones, e iniciar a los jóvenes en la capacidad de reconocer belleza en las imágenes, con sus luces y sombras.

Es lamentable que esta obra tenga tan poca publicidad en nuestro medio frente a otras que sólo fomentan la estridencia y el éxito comercial. En el cine habíamos apenas cuatro espectadores.

UN PRODIGIO DE BELLEZA Y SABIDURÍA CUYO MENSAJE JAMÁS  PASARÁ DE MODA.  

Ficha técnica

The Salt of the Earth 

Año 2014

Documental  

Francia, Brasil, Italia - 110 minutos 

Directores y Guionistas : Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado, David Rossier

El Último Cazador de Brujas - Por Juan Pablo Donoso

Revoltijo pretencioso y recargado, tanto en su argumento como en sus efectos especiales. La hermosa actriz Julie Engelbrecht está caracterizada como la horrible Reina de las Brujas - ¡qué desperdicio! En cambio, pusieron a la joven Rose Leslie en un personaje que, amén de absurdo, entrega una actuación monocorde y elemental. El veterano Michael Caine aplica su oficio lo mejor que puede. Y los demás, incluido el héroe Kaulder (Vin Diesel), patinan, a la deriva, en una historia que da palos de ciego porque carece de una premisa medianamente cuerda.

Durante la peste negra en la Europa del siglo 14, un guerrero, Kaulder, se enfrenta en una caverna con la Reina de las Brujas – supuestamente causante de la peste – y al matarla, ella, antes de morir (¡tal vez!) carbonizada, le hace una maldición: él vivirá eternamente. Ochocientos años después lo encontramos en Nueva York persiguiendo brujas para combatirlas, y viendo morir (¡tal vez!) a sus amigos por la acción siniestra de las parcas (y brujos). En esta gesta endemoniada surgen más de diez sub-historias intercaladas, salpicadas con diálogos obvios y forzados. 

Consiguieron un presupuesto de US$ 90.000.000 creyendo que lograrían una gran superproducción; y sólo crearon una súper mazamorra con personajes poco simpáticos, y con situaciones sin interés, pero muy estruendosas.

GIGANTESCA PARAFERNALIA EN UN RELATO ESTÚPIDO Y CONFUSO.

Ficha técnica

Título original: The Last Witch Hunter

BFDistribution

Acción, terror, fantasía                                                                                 

EE.UU.

105 minutos                                                                        

Guionistas: Cory Goodman, Matt Sazama  

Actores: Vin Diesel, Rose Leslie, Julie Engelbrecht, Elijah Wood, Michael Caine    

Director: Breck Eisner    

Puente de Espías - Por Juan Pablo Donoso

Hazaña histórica – político/judicial – de un abogado estadounidense durante la Guerra Fría.

Mientras en Alemania Oriental levantan el Muro de Berlín, en EE.UU. la CIA descubre a un diestro espía soviético, Rudolf Abel. Al mismo tiempo, sobre territorio ruso es derribado el avión U2 pilotado por el oficial Francis Gary Powers.

Así, en ambos bandos bélicos tienen prisioneros a dos espías cruciales.

James B. Donovan es un habilísimo abogado experto en cobranzas de Seguros.

La CIA le encomienda la defensa del espía soviético Abel para que pierda el juicio, se lo declare culpable y sea condenado a muerte.

Donovan, gran conocedor de la Constitución, libera al acusado de morir. Esto le acarrea el desprestigio popular como defensor de los enemigos de la democracia occidental.

Pero Donovan (Tom Hanks) propone una solución al conflicto político: intercambiar a Abel por el piloto Powers. Lograría así una tregua pacificadora para ambos países.

El gobierno de EE.UU. lo envía a Alemania Oriental a negociar el intercambio. 

Será esta gestión secreta, con sus vicisitudes y riesgos, el núcleo dramático del filme.   

Incluso, los comunistas también capturan a un joven estudiante norteamericano (Will Rogers) quien, en la RDA, elaboraba una tesis universitaria, y es retenido injustamente como sospechoso de espionaje para Occidente.

Presenciamos el vínculo emotivo de Donovan con el prisionero Abel, y admiramos la inteligencia, y suerte, con que resolvió tan delicado conflicto internacional.

Se plantea, por parte de Spielberg, una vez más, la ambigüedad de los deberes patrióticos (Munich. Lincoln, Schindler), ante un equivalente intercambio de espías. Y para ello se toma el tiempo – 141 minutos – para desarrollar el tema. Gracias al aporte al guión de los hermanos Ethan y Joel Coen, el relato mantiene nuestro interés. Y, por supuesto, también a la eximia interpretación de dos actores: Tom Hanks, que 4 veces ha protagonizado obras de Spielberg y, muy en especial, Mark Rylance, como Rudolf Abel. Rylance, de 54 años, actor inglés bastante menor que el personaje, que resulta fascinante de observar en esta caracterización minimalista, impecable y conmovedora. Muy posible candidato al Oscar como actor secundario.

Hay una impecable reconstrucción atmosférica del Berlín Oriental de esa época, captado en claro-oscuros por el Director de Fotografía Janusz Kaminski. Y en esta película, a diferencia de otras de Spielberg,  hay más suspenso en los diálogos que en la acción.

GRAN  OFICIO  NARRATIVO EN  UNA  HAZAÑA  HISTÓRICA DURANTE  LA  GUERRA  FRÍA. LENGUAJE  MADURO E  INTELIGENTE.

Ficha técnica

Título original: Bridge of Spies

Director: Steven Spielberg 

Guionistas: Matt Charman, Ethan Coen, Joel Coen 

Actores: Tom Hanks, Mark Rylance, Alan Alda, Will Rogers, Austin Stowell 

Fotografía: Janusz Kaminski 

Editor: Michael Kahn 

EE.UU. – 141 minutos

Pacto Criminal - Por Juan Pablo Donoso

Resulta difícil evitar la comparación con GOODFELLAS (Martin Scorsese) y/o la saga de EL PADRINO, o CHINATOWN. La diferencia está en que los personajes de PACTO CRIMINAL existieron de verdad, y muchos de ellos aún están activos. 

Esta historia de mafiosos se ubica en la década de los 70, en el sur de Boston. Su líder fue James “Whitey” Bulger, hermano del influyente senador demócrata Billy Bulger.

Era un barrio pobre al sur de la ciudad. Los muchachos de origen irlandés se apoyaban unos con otros contra la miseria o los matones. Esto los unió bajo estrictos códigos de lealtad para sobrevivir o prosperar en el futuro.

Con el tiempo, uno de ellos, Connolly, ingresó como eficaz funcionario del FBI; otro, Billy, hizo carrera política y llegó al Senado; su hermano mayor, James “Whitey”, optó por el liderato delictual en su zona, adquiriendo enorme poder en el hampa.  Cuando la mafia italiana del norte de Boston comenzó a tomar fuerza, “Whitey” inició una guerra contra ellos gracias a su parentesco con el senador, al comienzo, y luego, denunciando oficialmente las ilegalidades de los italianos. Hizo esto aprovechando los antiguos lazos de lealtad con el policía Connolly, y logrando así desarticular a sus rivales de origen itálicos. Con ello su imperio de drogas y prostitución prosperó notoriamente. Sus espaldas estaban cubiertas por los políticos y por el FBI.

Cualquier persona que amenazara su poder era asesinado sin clemencia por orden suya, o por su propia mano. 

Cuando sus excesos – e influencias - comenzaron a trascender a  la opinión pública y perdió el apoyo de las instituciones, escapó de la ciudad para sumergirse en el anonimato por 17 años. Hasta que los testimonios de sus cómplices lo delataron y permanece encarcelado hasta hoy.

La película nos permite conocer aquella fracción de la historia mafiosa de EE.UU., y la habilidad de Whitey para manejar sus contactos.

Aparte de la muerte de su pequeño hijo y de la ruptura de su hogar, ¿cuáles fueron las motivaciones que llevaron a Bulger a convertirse en semejante líder y asesino a sangre fría?  Sólo de pasada se menciona que era un psicópata que halló la circunstancia adecuada para cometer sus fechorías. En un momento se lo ve contribuyendo con dinero y armas al movimiento terrorista del IRA. Pero ¿fue simplemente un hombre “malo” y astuto, que logró sobrevivir hasta los 81 años?

Johnny Depp, en una cuidada y minuciosa caracterización, logra transmitir el carácter amenazante de su personalidad, como todos los que por ansias de poder infunden miedo a su alrededor, unido al humor macabro y a la ambigüedad de su comportamiento.

Destacan también  Joel Edgerton (el Faraón en Exodo,Dioses y Reyes), como el corrupto policía Connolly, y Benedict Cumberbatch (El Código Enigma), como el hermano senador demócrata.

VALE  MAS  POR LAS ACTUACIONES Y POR SU  APORTE  DOCUMENTAL, QUE  POR LA PROFUNDIDAD DRAMÁTICA DEL  RELATO.

Ficha técnica

Director: Scott Cooper 

Guionistas: Mark Mallouk, Jez Butterworth, Dick Lehr, Gerard O´Neil 

Actores: Johnny Depp, Benedict Cumberbatch, Dakota Johnson, Kevin Bacon 

EE.UU. – 122 minutos

Operación Ultra - Por Juan Pablo Donoso

Una historieta de “comic” envuelta en formato de intriga política.

El director de origen iraní Nima Nourizadeh (Proyecto X) logró mezclar una aventura de acción política con una disimulada dosis de comedia y disparate.

Para ello contribuyó con acierto el guionista Max Landis (hijo del director John Landis).

Al comienzo nos hacen creer que se trata de una seria historia de violencia y drogadicción. Pero a poco andar los giros caricaturescos nos dan la clave para tomar el filme como un divertido juego de exageraciones.

La CIA elaboró un proyecto para lavarles el cerebro a muchos jóvenes drogadictos y convertirlos en feroces armas humanas: una especie de semi-robots de gran poder destructivo. Pero el experimento falló y los conejillos de india quedaron como zombies esclavizados. Sólo se salvó el humilde muchacho de un pueblito rural, quien nada recuerda de su tratamiento científico, que trabaja en un supermercado, y que tiene una novia a la que adora y con la cual quiere casarse.

Pero los “malulos” de la CIA necesitan exterminarlo. Entonces, su entrenadora (Connie Britton, protagonista de Nashville), quien sentía por él un cariño maternal, decide prevenirlo contra los que vendrán a matarlo.  

De ahí en adelante el muchacho, al igual que Rambo, vivirá violentos enfrentamientos en los cuales demostrará que su preparación como súper combatiente fue eficaz. 

A diferencia de RAMBO, el tratamiento cinematográfico de esta película optó por el lenguaje grotesco del “comic”, logrando un tono de sutil comedia y restándole gravedad a las matanzas, a la sangre, a las explosiones, y a la revelación de terribles secretos políticos y de traición amorosa. 

Para mayor abundamiento los créditos finales son dibujos animados.

ACCIÓN  Y  VIOLENCIA  EN  TONO DE “COMIC”.  AMENA, INVEROSIMIL  Y  SATÍRICA.

Ficha técnica

Operación Ultra

(American Ultra)

BFDistribution

Acción, comedia                                                                                   

EE.UU.- Suiza  - 96 minutos                                                          

Guión: Max Landis                                                                                     

Actores: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Connie Britton, Topher Grace                                                                            Director: Nima Nourizadeh

Everest - Por Carlos Correa

Subir montañas tiene algo difícil de describir. Es una mezcla de desafío, temor, audacia y trabajo que cuesta explicar. En mi caso personal siempre me encantó y por ello formé parte de un grupo de andinismo en mi colegio con el que subimos 3.500 metros de altura sobre el nivel del mar. Es una impresión única y conmovedora divisar todo desde la altura y cumplir un objetivo propuesto.

"Everest" es una cinta que logra transmitir una parte de los sentimientos y sensaciones que brevemente describo en el primer párrafo de estas líneas. Por cierto, no se trata de una montaña cualquiera, sino de la más alta de la tierra, 8.848 metros de altura. Un desafío al que pocos pueden acceder y menos aún pueden conquistar.

El relato se basa en una historia real de un grupo de Aventuras -con fines comerciales- que se dedica a llevar personas a la cima más alta, y lo más importante, a regresar sin problemas. Jason Clarke es Rob Hall, el carismático líder de la expedición, que cuenta con mucha experiencia y condiciones para cumplir su misión. Lo acompañan sus fieles colaboradores y un reducido número de integrantes con los que han planeado en detalle este viaje. Todo está previsto para hacer cumbre el 10 de mayo, fecha que está dentro del margen en los que la montaña presenta el mejor clima. Sin embargo, no todo se puede planificar y una tormenta anunciada para el día siguiente adelanta su paso y se desata con una magnitud inusual en pleno descenso de la expedición.

La película está muy bien filmada y también muy bien actuada. Los paisajes son magníficos y las cámaras dan cuenta de la hermosura de un entorno sin igual. Asimismo, la ferocidad de las inclemencias del tiempo están muy bien construidas, dando al filme un tono y calidad excelente.

Independiente de la historia, la cinta es inspiradora para reflexionar. El asumir un desafío de tamaña naturaleza es ciertamente un trabajo enorme. Trabajo de equipo, colaboración, lealtad, honestidad se deben imponer a los temores individuales, a las dudas y a la competencia que por momentos -y tal vez de forma muy natural- puede despertar la vital necesidad de sobrevivir en condiciones absolutamente adversas. Tomando en cuenta estas y muchas más variables, la cinta entrega una perspectiva clara que llevar al límite las posibilidades puede desencadenar una tragedia. Esa conciencia hay veces que se desafía o simplemente no se toma en cuenta, dejando al descubierto las vulnerabilidades de los seres humanos frente a fenómenos naturales que no podemos controlar aunque lo queramos.

"Everest" es una cinta fascinante y de la que podríamos hablar mucho, pues su centro está en la esencia del liderazgo adaptativo y lo que debe ser un trabajo en equipo, donde el bien más preciado que es la vida, está en manos de todos y cada uno de quienes componen el grupo.

Ficha técnica

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Acción, aventura, thriller

Duración: 121 minutos

Protagonistas: Jake Gyllenhaal, Jason Clarke, Josh Brolin, John Hawkes, Vanessa Kirby, Sam Worthington, Robin Wright, Thomas M. Wright, Michael Kelly, Clive Standen, Tom Goodman-Hill, Ingvar Eggert Sigurðsson, Martin, Henderson, Emily Watson, Micah Hauptman, Naoko Mori

Dirección: Baltasar Kormákur

El Clan - Por Juan Pablo Donoso

Trágica historia real de una familia bonaerense, que adoptó el crimen político como medio de subsistencia.

Arquímedes R. Puccio fue un eficaz agente de la Policía Secreta durante el gobierno militar entre los años 82 y 85. Durante aquel periodo ejerció las prácticas represivas que le ordenaban sus autoridades, incluyendo secuestros y asesinatos.

Cuando retorna la democracia en Argentina, y  Puccio debe reintegrarse a las labores civiles para mantener a su familia, opta por continuar con las prácticas aprendidas durante la dictadura.

Junto a unos pocos ex camaradas del régimen anterior, elaborará eficientes secuestros de familiares de empresarios pudientes cobrándoles altas sumas de dinero por la devolución de sus seres queridos. Los prisioneros estarían recluidos en el sótano de su hogar hasta recibir el monto del rescate.

De esta maniobra, que en un comienzo dio buenos dividendos, hizo partícipe a dos de sus hijos varones, Alejandro y Maguila. Para las hijas esto permanecía en secreto. 

Como en algunas circunstancias, por seguridad, hubo que ajusticiar a los prisioneros, el joven rugbista Alejandro, comenzó a tener cargos de conciencia e intentar evadir su participación en los hechos. 

Llega el momento en que la Justicia los descubre y cae sobre esta familia, llamada El Clan, con todo el peso de la ley. 

El director Pablo Trapero (Carancho, 7 Días en La Habana, Elefante Blanco) vuelve a lucir su capacidad de contar una historia con peso temático y agilidad narrativa. Junto a los guionistas Julián Loyola y Esteban Student  baraja los tiempos pasados y presentes logrando mantener el suspenso y varias incógnitas que gradualmente se van aclarando.  

Sorprende ver al famoso comediante argentino Guillermo Francella interpretando al siniestro Arquímedes Puccio con toda la aberrante alienación de un  hombre que se comporta como un ejemplar padre de familia y, a la vez, como un frío profesional del secuestro, la represión, y que puede llegar al asesinato de las víctimas si es necesario, declarándose inocente hasta el día de su muerte en prisión.

Seguimos muy de cerca la destreza de Puccio y, a la vez, el gradual tormento de su hijo Alejandro que quisiera escapar de las atrocidades que lo involucran.  Los demás miembros de la familia, incluida la esposa (Antonia Bengoechea), secundan con mesura e ingenuidad este acontecer que fue consecuencia de siniestros tiempos políticos de un pasado reciente. 

UN  FILME  REALIZADO CON OFICIO Y  CUYAS RESONANCIAS HISTÓRICAS  Y PSICOLÓGICAS  SON  INELUDIBLES.  

Ficha técnica

País: Argentina

Año: 2015

Género: Drama

Duración: 108 minutos

Protagonistas: Guillermo Francella, Peter Lanzani, Lili Popovich

Dirección: Pablo Trapero

El Clan - Por Carlos Correa

Pablo Trapero tiene una característica muy particular en su manera de hacer cine: nos involucra completamente dentro de su relato. En este trabajo de joyería, luego de la excelente "Elefante Blanco", Trapero entrega su maestría en el relato de una historia real que conmocionó a la Argentina de los 80. Se trata del conocido "Clan Puccio", el que encubierto tras la fachada de una tradicional familia del barrio de San Isidro, se dedicó a secuestrar y cobrar millonarios rescates por sus víctimas.

Arquímedes Puccio -excelente Guillermo Francella- es quien lidera y planifica los operativos. Alejandro -Peter Lanzani-, su hijo mayor, estrella de un club de rugby y jugador del mítico seleccionado "Los Pumas" colabora con su padre en la búsqueda de víctimas y también en ciertas partes de los operativos de captura. El resto de los miembros de la familia están involucrados en mayor o menor medida en este "negocio" familiar, que sin duda no pueden por ninguna forma desconocer.

El relato de Pablo Trapero es sólido desde el comienzo. Sus cámaras, la ubicación de la acción, el desarrollo del suspenso y la naturalidad de los personajes llama la atención e incluso confunde en un comienzo, con interesantes saltos de tiempo. Francella lleva la historia con una soltura propia de años de oficio y gracias a la guía de un director que no tiene ninguna duda al momento de retratar una atrocidad que no tiene nombre.

Es magistral la forma de mostrar los ambientes, las relaciones de la familia, esa activa vida social que sirve de pantalla perfecta para ocultar los crímenes que el patriarca cometía para obtener suculentos rescates. En este sentido, Pablo Trapero nos entrega tal vez su mejor trabajo, no sólo cinematográfico sino también una película que permitirá a generaciones recordar algo que sucedió y de lo que hasta ahora no se  tenía una visión global por estar fragmentada la historia y casi toda contenida en testimonios de las personas que le sobreviven.

Nominada para representar a Argentina en los premios Óscar de 2016, esta gran película sigue poniendo en alto la factura del cine argentino, un cine que con pasión y honestidad se encumbra con méritos propios ganando cada vez más espacio en el circuito de distribución para tener así una llegada cada vez más global. Cine del bueno, que no podemos dejar de admirar y alabar.

Ficha técnica

País: Argentina

Año: 2015

Género: Drama

Duración: 108 minutos

Protagonistas: Guillermo Francella, Peter Lanzani, Lili Popovich

Dirección: Pablo Trapero

Knock Knock - Por Juan Pablo Donoso

La falla principal de esta película es que sus personajes carecen de MOTIVACIÓN. Entonces, por muy elaborado que esté el suspenso, por muy atractivas que sean las actrices, y por una prolija fotografía y edición, la pregunta final es “¿y para qué fue todo esto?”.

El director Eli Roth se ha especializado en filmes de terror y crueldad (Canibales, Grindhouse, Cabin Fever). Armó con el chileno Nicolás López y el uruguayo Guillermo Amoedo un equipo de guionistas para contar este drama de impotencia y brutalidad.

Vinieron a Chile a rodarla, con la presencia del famoso actor Keanu Reeves quien también colaboró en la producción. 

La idea central ha servido para muchas películas anteriores, y suele ser atractiva si se fundamenta con inteligencia. Aquí falló eso.

Un arquitecto queda sólo en su casa cuando su familia va por un fin de semana donde unos parientes. En una noche lluviosa tocan a su puerta dos muchachas jóvenes, empapadas, que equivocaron el domicilio de una fiesta y solicitan el teléfono. El arquitecto se los presta y les permite secar sus ropas hasta que llegue un taxi a buscarlas. De ahí en adelante, las niñas se encargarán de seducirlo sexualmente y luego apoderarse de la casa. Lo harán de las maneras más brutales, perversas y acumulativas. Ni siquiera el final de la cinta nos aclara una razón, por loca que fuera, de tan sádico disparate.   

AUNQUE  HAY  SUSPENSO, POR FALTA DE MOTIVACIÓN CAE  EN  RIDICULA GRATUIDAD. 

Ficha técnica

Guión: Eli Roth, Nicolás López, Guillermo Amoedo

Género: Suspenso, sadismo erótico

EE.UU. – Chile

Duración: 99 minutos

Actores: Keanu Reeves, Lorenza Izzo, Ana de Armas, Ignacia Allamand

Director: Eli Roth

Mia Madre - Por Juan Pablo Donoso

Nanni Moretti es talentoso cuando se trata de relatar una anécdota interesante. Tal fue el caso de HABEMUS PAPAM, en que el cardenal electo como Sumo Pontífice sufre un ataque de pánico y escapa del Vaticano antes asumir. En Mía Madre falla, precisamente, el dilema de interés dramático. Nada muy importante está en juego. Los personajes son bonachones, cada uno con su carácter, pero sin conflictos; y por muy honestas que sean las actuaciones, la historia se arrastra sobre simples  banalidades.

El personaje central es Margherita, una exitosa directora de cine, que ahora filma una nueva película. En forma paralela sufre porque su anciana madre ( Giulia Lazzarini) está moribunda y sin esperanzas de mejoría. 

En forma paralela asistimos a los problemas del rodaje de la cinta, a la agonía de su madre que fue una eximia profesora de latín, al quiebre de la directora con su pareja, a los problemas con su hija adolescente que se resiste a estudiar materias odiosas en el colegio, y a lidiar con un actor estadounidense (John Turturro) que viene como estrella a trabajar en Italia, pero que se comporta como un caprichoso divo inmaduro. 

Todos estos elementos van entretejidos conduciendo hacia el fallecimiento de la abuela, y el dudoso feliz término de la película que están filmando.

Cuando termina la cinta da la impresión que tanto los guionistas como el director se enredaron y se perdieron en los vericuetos del argumento. Aparte de la previsible salud de la madre, nada importante hay en juego. Sólo es un día a día de personas sencillas, cuyos actores interpretan con sinceridad emocional. La protagonista, Margherita Buy, tiene unos bellos ojos grandes a través de los cuales contempla los avatares cotidianos, y de la cual sólo se “dice” que tiene un carácter difícil, pero que nunca se manifiesta como tal en este filme. Por el contrario,  se la ve confundida, frágil y llena de reminiscencias.

MINIMALISMO REALISTA EN UN DRAMA CASI SIN DRAMA. SOPORTABLE  SÓLO POR  LA  SINCERIDAD DE   LAS  ACTUACIONES.

Ficha técnica

Tragicomedia cotidiana                                                                               

Italia y Francia – 103 minutos

Guionistas:  Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Valia Santella, Gaia Manzini, Chiara Valerio                                                                         

Actores: Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini

Director: Nanni Moretti

La memoria del agua - Por Carlos Correa

Algo me sucede con el cine de Matías Bize. Me agobia, pues siento que no estoy preparado o no tengo la necesaria profundidad para entrar a él. O bien, existe demasiada emoción y menor razón en sus relatos que son eminentemente imágenes, silencios, planos cerrados, luz y oscuridad. Cualquiera sea la razón, lo cierto es que reconozco que estoy siempre en presencia de buen cine, de un director que sabe lo que quiere y lo que hace, y que finalmente -gracias por ello- cada película es una obra de arte.

Amanda -Elena Anaya- y Javier -Benjamín Vicuña- sufren la muerte de su hijo Pedro lo que ha desestabilizado su relación de pareja. Esta traumática experiencia se marca a fuego en sus corazones y provoca un quiebre que irremediablemente modifica sus vidas. Javier lucha por retener a Amanda y ella lucha por no olvidar a su hijo. Ambas situaciones no son opuestas, sin embargo no se complementan ya que cada uno vive el dolor profundo y el amor incontenible de maneras muy diferentes.

Desde el punto de vista argumental, el relato es de una tristeza desgarradora. De ello dan cuenta las actuaciones, los escasos diálogos, el tránsito de los protagonistas y los numerosos planos cerrados que conmueven profundamente. Bize se conecta con Javier y con Amanda desde lo más profundo de su interior y no está dispuesto a guardar nada para intentar dar a conocer un proceso que tal vez es imposible de comprender si no se vive personalmente.

Acá el arte y la subjetividad se apodera de la película y de mi reflexión. No logro entrar en la profundidad que propone Matías Bize. La reconozco, por cierto, sin embargo no puedo traspasar la segunda capa, superar aquello que me impide lograr una mayor conexión emocional con la historia, con el relato, con el sentimiento de los protagonistas. Me llaman profundamente la atención ciertas características de la propuesta del director, cuyas películas tienen un sentido, una firma y una marca que es perfectamente reconocible. Por ejemplo, la fragilidad de la cámara, la intención de volatilidad que le otorga al seguir a los personajes. También me llama la atención que sigue a Javier y enfrenta a Amanda. En este detalle se observa una decisión, una posición respecto al tránsito femenino y masculino.

El cine de Bize es muy interesante, no cabe duda. Distinto es que sea más o menos cercano con cada espectador, que logre penetrar capas más profundas o que simplemente guste o no guste (haga sentir cómodo o incómodo a quien lo observa). Y acá puede haber una pista. Bize incomoda, y aquello es fundamental en el arte. Bien, lo valoro mucho y lo siento así. Sin embargo, en mi caso personal, necesito ser parte de la película y no un simple observador para que esa incomodidad despierte en mi un estado superior de compromiso para ser parte de la construcción del relato y con ello generar una experiencia compartida. Buen desafío para un galardonado director que sigue su carrera ascendente de la mano de un estilo fiel y claro.

Ficha técnica

Título original: La memoria del agua
Género: Drama
Duración: 88 minutos
Elenco: Elena Anaya, Benjamín Vicuña, Néstor Cantillana, Sergio Hernández, Antonia Zegers, Pablo Cerda, Silvia Marty, Etienne Bobenrieth, Alba Flores
Dirección: Matías Bize

El Gran Pequeño - Por Juan Pablo Donoso

Esta es una obra sobre la FE.

Cuando alguien carece de Fe en Dios, aún podrá apoyarse en las personas que SI tienen Fe.

Lejos de ser una típica cinta confesional “religiosa y/o predicante”, los autores logran con esta anécdota demostrarnos que los valores espirituales tienen la fuerza suficiente como para dominar la materia. Hasta incluye la metáfora del granito de mostaza que podría mover montañas.

Durante la II Guerra Mundial, en un pueblito de EE.UU., hay un niño de 8 años cuyo crecimiento está retardado. Por su baja estatura es objeto del abuso de sus compañeros. Su padre es reclutado para ir a la guerra. El hogar queda a cargo de la madre y de un confundido hermano mayor. Sólo un milagro podría salvar al padre de la muerte.

Cuando llega al pueblo un espectáculo de magia, el niño cree que basta con desear algo para que ocurra. Y entre sus deseos está que regrese su padre y que los otros muchachos dejen de torturarlo. 

La fe del niño en el poder absoluto del Espíritu es tan prístina que ni el párroco puede disuadirlo. 

Conocerá a un anciano vecino japonés (enemigos bélicos de EE.UU.) y entablará una gradual amistad con él. El budismo del nipón será incluso positivo para la campaña espiritual en que se empeña el Gran Pequeño Niño.

La cinta, que desde otro ángulo nos recuerda EL TAMBOR DE HOJALATA de  Volker Schlöndorff, fue realizada con prolijidad y sencillez, contó con buenos actores que hacen verosímil la premisa central del argumento.

Evitando recursos almibarados que podrían abaratar este tema, el filme aborda sin tapujos los elementos de crueldad, prejuicios y torpeza de la realidad cotidiana, y por ello la inteligencia  espiritual emerge con más fuerza y empatía.

UNA SABIA HISTORIA SOBRE  EL PODER Y LA IMPORTANCIA DE LA FE. MUY  RECOMENDABLE PARA VER EN  FAMILIA. 

Ficha técnica

BF Distribution

Género: Comedia, Drama, Guerra  

EE.UU. – México – 106 minutos 

Guionistas: Alejandro Monteverde, Pepe Portillo 

Actores: Jakob Salvati, Emily Watson, David Henrie, Kevin James                                                     

Director: Alejandro Monteverde

Allende, mi Abuelo Allende - Por Juan Pablo Donoso

La historia política de Chile durante la Unidad Popular y del posterior período de gobierno militar es demasiado conocida. Las controversias de sus orígenes y consecuencias seguirán latiendo por varios decenios, tanto en nuestro país como entre los analistas extranjeros.

El valor de este documental radica en algo que trasciende la política: se concentra en los miembros de la familia de Salvador Allende, 42 años después del golpe militar, desde su viuda, Hortensia Bussi, hasta las nietas más pequeñas que nacieron años después en el exilio.

Así como el conmovedor documental chileno LA ONCE, escrito y dirigido por una mujer, Maité Alberdi, este filme ALLENDE,… realizado por Marcia Tambutti, nos confirma que cuando las mujeres abordan el cine, atreviéndose a hacerlo desde la sensibilidad y la ternura, los resultados emanan autentica femineidad y arrolladora inteligencia emocional.

Si bien el contexto político de la vida de Salvador Allende es ineludible, la autora/nieta declara en la misma cinta que su objetivo es reflejar el alma de las personas que constituyeron la familia del patriarca, y cómo ven desde sus condiciones de hoy día lo que quedó de aquel tormentoso período de ideologías y catástrofes.

En paralelo con cientos de fotografías y noticiarios filmados de la extensa carrera política de Allende, las conversaciones con parientes actuales, la visita a lugares de veraneo, los silencios, y la simple fragilidad cotidiana de los descendientes, van conmoviendo al espectador justamente por su proximidad, como si fueran nuestros vecinos, inocentes víctimas de una ya lejana tragedia histórica.

El agridulce testimonio conyugal de la viuda de Allende, Tencha Bussi, muy anciana y moribunda; el recuerdo de las hijas del político, Isabel y Carmen Paz, el triste final de Beatriz en Cuba, sonsacados en cálidas charlas por sus nietas ya adultas, revelan cicatrices, reproches y juicios que prefieren dejar dormir en las sombras del recuerdo. La película logra su objetivo: acercar y rescatar la humanidad de aquellos descendientes que, como familia, siguen siendo tan chilenos y vulnerables como el resto de nuestros compatriotas.

CONMOVEDOR DOCUMENTAL  QUE  TRASCIENDE  LO POLÍTICO Y LLEGA AL CORAZÓN CON FINURA, AMOR Y RESPETO.     

Ficha técnica

País: Chile - México

Duración: 90 minutos   

Año: 2015

Guión: Marcia Tambutti, Paola Castillo, Bruni Burres 

Fotografía: David Bravo, Eduardo Cruz-Coke                             

Género: Documental - Familia - Historia política                                                                        

Dirección: Marcia  Tambutti Allende