Los Niños - Por Juan Pablo Donoso

Otro acierto conmovedor de Maité Alberdi y su equipo (La Once, 2014).

Magistral trabajo para configurar las historias de esos niños con Síndrome de Down y seguir sus evoluciones a lo largo del tiempo. (El inicio de un romance y la confrontación con lo factible). Sus penas, amores, alegrías y temperamentos. La conciencia de su condición y cómo la asumen. Las personas que trabajan con ellos y la forma en que los aman, les enseñan, les explican la vida, y los preparan para trabajar.

Síndrome de Down:

La película nos habla más al corazón que a la cabeza.

Los Downs son criaturas angelicales llamadas a convivir y adaptarse con el resto de las personas. Pudieron ser nuestros tíos, nuestros hermanos, nuestros hijos o nuestros nietos. Tienen sentimientos profundos y duraderos, y experimentan las emociones básicas.

¿Cómo integrarlos al mundo para que aporten sus valores a cualquier sociedad? Su condición es imposible de cambiar; sólo podemos paliarla por medio del Amor y abriendo canales de inclusión entre nosotros.

Son personas con almas puras, incorruptibles e incapaces de actuar con Maldad y premeditación.

Sólo tienen una conciencia distinta. Seres adultos para siempre niños con inmensa capacidad de amar, sentir, emocionarse, gozar y también sufrir.

Poseen el don innato de Perdonar.

Son ángeles encarnados en cuerpos e inteligencias diferentes. Nos observan desde sus propios universos afectivos. Y desde ahí nos aman sin reservas cuando intuyen que estamos abiertos para ellos.

La Película:

Penetrante y provocativa. Arduo y paciente trabajo de filmación para seguir un proceso real entre aquellas niñas y muchachos oligofrénicos. Todas sus acciones y escenas son auténticas y espontáneas. Admirable captación sonora de sus voces, frases y pensamientos.

Al igual que en LA ONCE, (señoras mayores tomando té durante varios años), fue una hazaña conseguir comportamientos tan sinceros como estos. Un modelo de paciencia y talento para captar y organizar estas vivencias. Y de transmitirnos tanta emoción.

Se puede mirar esta película tanto como una triste historia de enamorados que jamás podrán casarse y formar familia, como también de aquella rama de seres humanos merecedores de inmenso CARIÑO, como el que ellos saben devolver sin límites.

Se nos revela su capacidad para trabajar con eficiencia (gastronomía en este caso). Su tremendo poder de concentración. Su inclusión en la vida laboral. Su capacidad de enamorarse y amar con erotismo. Su deseo de formar familia e imposibilidad de hacerlo. Sus ansias de independencia. La incomprensión e incluso crueldad de sus propios familiares (la abuela le dice “estúpido”). Su sana y sencilla alegría de vivir. Su sensualidad y compasión. Su ejemplar sentido de SOLIDARIDAD.

Con un tema difícil y doloroso, Alberdi y su equipo realizan un semi-documental que en todo momento irradia ternura y queda palpitando en nosotros por muchas horas después de la exhibición.

La película nos recuerda que los Down son integrantes de nuestra raza humana: han existido siempre, y siempre existirán.

UNA LECCIÓN DE AMOR. ADMIRABLE COMO REALIZACIÓN Y PROFUNDAMENTE CONMOVEDORA. UN NUEVO PRODIGIO ARTÍSTICO DE MAITE ALBERDI Y SU EQUIPO.

Ficha técnica

Título en inglés: 

The Grown-Ups Semi-documental 

Distribuidor: Chile Market
Países: Chile- Holanda –Francia – 82 minutos
Música: Miguel Miranda, José Miguel Tobar 

Fotografía: Pablo Valdés 

Guionista y Directora: Maite Alberdi

Como ser un Latin Lover - Por Juan Pablo Donoso

Comedia muy simpática para pasar un rato agradable.

Aunque fue hecha en EE.UU., el humor y el estilo de actuación reflejan la idiosincrasia mexicana.

La tragicomedia alude a la decadencia de los gigolós cuando empiezan a envejecer. A cómo, después de llevar una vida entera dependiendo de la fortuna de mujeres mayores, son desplazados por gigolós más jóvenes y deben ingeniárselas para recuperar su “oficio” y sobrevivir.

Realizada con buen presupuesto y estrellas conocidas - más de ayer que de hoy - contagia el ánimo juguetón con que fue realizada. El guión es ágil, los diálogos son precisos y, a pesar del tema, esquiva con éxito las obscenidades orales o gestuales. Se limita a lo picaresco para encubrir el drama interior de sus principales personajes.

El protagonista es Eugenio Derbez, también productor de la cinta. Comediante carismático, de origen mexicano pero formado en Los Ángeles como actor. Lo acompañan una siempre cálida Salma Hayek, un ex galán ya maduro como Rob Lowe, reaparece Renée Taylor (Silvia en The Nanny) y nos sorprende la legendaria venus Raquel Welch ahora interpretando a una multimillonaria mutilada de ambos brazos. Todo el equipo, actores, guionistas y director, obviamente decidieron hacer una comedia para divertir al público divirtiéndose ellos también. Hasta los niños Mackenna Grace (revelación de Un Don Excepcional) y Raphael Alejandro se afiatan a este juego humorístico.

Tras las risas y chascos se esconden las penurias de muchos seductores latinos que sólo saben aprovechar la fortuna de ricachonas solas y envejecidas.

LOGRADA COMEDIA SOBRE EL OCASO DE LOS GIGOLÓS LATINOS Y DE LAS ANCIANAS QUE RECURREN A ELLOS.

Ficha técnica

Título Original: How to be a Latin Lover 

BFDistribution EE.UU. – 115 minutos 

Fotografía: John Bailey 

Edición: John Daigle Música: Craig Wedren 

Guionistas: Chris Spain, Jon Zack 

Actores: Eugenio Derbez, Salma Hayek, Rob Lowe, Kristen Bell, Raquel Welch

Director: Ken Marino

Dancer: Serguei Polunin - Por Juan Pablo Donoso

Biografía documental sobre un joven prodigio de la danza clásica. El atronador éxito de su talento y la excesiva demanda pública a que fue sometido, lo estresó al punto de abandonar su arte para salvar su equilibrio psicológico

Serguei Vladimir Polunin, nacido en 1991 en Kherson, una humilde localidad del sur de Ucrania, demostró su talento corporal desde muy niño. Primero fue entrenado como gimnasta infantil, pero luego lo derivaron hacia la danza.

Para sus padres, de clase obrera rusa, financiar sus estudios en Kiev era demasiado caro. El padre emigró a Portugal como obrero para seguir manteniendo a la familia, y la abuela se fue a Grecia por la misma razón. La madre, con enorme sacrificio lo matriculó en la Academia de Ballet. Allí el pequeño Serguei sobresalió por su asombroso talento.

A los 18 años llegó a ser Primera Figura del Ballet de Moscú. Y desde entonces sus presentaciones públicas se multiplicaron hasta lograr aclamación internacional. Por su extrema juventud se lo llamó el “James Dean de la Danza”.

Siendo perfecto en las técnicas del ballet clásico era capaz de introducir novedades creativas en cada una de sus presentaciones, de una función a otra.

Fue tan vertiginosa su carrera ascendente, y en tan poco tiempo, que el director cinematográfico Steve Cantor pudo recopilar material de su trayectoria desde la niñez hasta que cumplió 25 años.

En el documental dan testimonio, en primer lugar su madre, y luego sus compañeros, de cómo este genio precoz sufrió en plena adolescencia la fragmentación de su familia, y de cómo careció de una natural evolución hacia la madurez como persona. Cosa habitual con los niños prodigios, tanto en arte como en algunas disciplinas intelectuales.

Y en la cumbre de la fama, por la incesante actividad, llegó su momento de saturación. Amaba la danza con toda su alma, pero hallándose en la cima de la carrera, lo aterró la duda de adónde más podría ascender y, peor aún, qué sentido tenía su vida, como persona, para el futuro.

Ante el asombro del mundo artístico comunicó su retiro de los escenarios, volvió a su pueblo natal a encontrarse con sus primeros maestros de danza escolar, comenzó a grabar películas con mayores contenidos experimentales, y a administrar, personalmente, su vida para recuperar su autoimagen.

A lo largo de este filme lo vemos desplegar su talento en múltiples espectáculos. En sus danzas combina la perfección técnica, con el carisma de un intérprete que pareciera bailar en “estado de gracia” artística.

El mérito del documental – además de admirar a este sucesor indiscutible de Nureyev y Barishnikov - es la reflexión que suscita sobre la excesiva explotación de los artistas prematuros. Y más aún teniéndolo a él como anfitrión, que se atreve a confesar el dolor por los vacíos existenciales en su desarrollo como ser humano.

DOLOROSO TESTIMONIO EXISTENCIAL DE UN GENIO PREMATURO. UN MANJAR PARA LOS BALLETÓMANOS.

Ficha técnica

Galería de Arte Patricia Ready 

Biografía. Documental

Ballet Inglaterra, Rusia, 85 minutos 

Edición: Federico Rosenzvit 

Fotografía: Frank Wolf 

Director: Steven Cantor

Los niños - Por Carlos Correa Acuña

Reconozco que cuando vi por primera vez el trailer de "Los niños" me sentí incómodo. Si para mi era difícil verlo en pantalla, pensaba en lo complejo que debe ser filmar una realidad de la que poco conocemos y que en muchos casos se omite o al menos se oculta. Maite Alberdi, la premiada directora de "La once", es valiente y se atreve a mostrarnos una nueva dimensión a través de una cinta documental que esta vez incluye a personas con Síndrome de Down. Y el resultado es realmente maravilloso.

Este grupo de amigos y amigas lleva juntos 40 años. Asisten al Centro Educacional Especial y Laboral COOCENDE y participan en un taller de gastronomía donde ofrecen a la comunidad diversos productos de elaboración propia. Ricardo, Anita, Andrés y Rita son los cuatro protagonistas de este relato que tiene tanto de cotidiano como de futuro y de esperanza. Es difícil imaginar un acercamiento fílmico a este particular mundo sin el talento de la joven directora. Su delicadeza para situar las cámaras y configurar tomas precisas, la sensibilidad sobre los tiempos de exposición, la construcción del relato a partir de situaciones simples y un extremo cuidado y respeto por quienes son retratados, son características que dotan a esta cinta de un encanto y una magia que conmueve.

El metraje se desarrolla en varios planos. Uno de ellos, el descriptivo, nos muestra el día a día con sus luces y sombras. Otro es de ensueño, abarca las ilusiones explícitas -y principalmente las implícitas- de los protagonistas, sus deseos de llevar una vida normal, de acercarse al modelo idealizado de sus padres, de ser independientes, de poder ganar lo suficiente para mantener su propia vida, de acompañar y velar por la persona amada y tantos otros deseos que tal vez nosotros consideramos tan normales y que para todos ellos son anhelos casi inalcanzables. La dimensión social pone de manifiesto una discriminación que no debe ser tolerada, y el amor, principio central de la historia, profundiza su fundamental importancia en la relación de Andrés y Anita, y es así también reflejado en las otras parejas que la cinta nos revela.

La película construye un relato cercano, amable y también ameno gracias a un guión sencillo, bien elaborado y muy bien narrado, gracias a una sorprendente naturalidad. Lentamente vamos conociendo a los protagonistas hasta sentirlos inexplicablemente -y entrañablemente- cercanos. Somos capaces de vibrar con la difícil -también curiosa y llena de guiños- elección entre Anita y Ricardo como representante del grupo, sufrir con la tristeza de Anita por la muerte de su padre, proteger a Rita en su debilidad por el chocolate y empatizar con los deseos irrefrenables de Andrés por formar su propio hogar. Esta fuerte y sincera transmisión de sentimientos hace de "Los niños" una película tremendamente emotiva y profunda.

Aquello que se ve simple es tal vez lo más difícil de hacer, es por ello que la genialidad está muy cerca de la sencillez. El cine de Maite Alberdi tiene ese talento, hacer sencillo aquello que es tremendamente complejo, y esto es una virtud notable que nos permite acceder a mundos que tal vez nunca imaginamos conocer ni menos apreciar y valorar. "Los niños" no solo es un bellísimo relato, es al mismo tiempo una oportunidad de acercamiento a una realidad compleja. El cine puede ser una excelente mediación y en este caso esta expresión de arte cumple cabalmente su misión. Encanta, entretiene, conmueve e involucra.

Ficha técnica

Título original: Los niños
Título en ingles: The Grown-Ups
Países productores: Chile- Holanda -Francia
Año de finalización: 2016
Director de fotografía: Pablo Valdés
Montajistas: Juan Eduardo Murillo-Menno Boerema
Música original: Miguel Miranda, José Miguel Tobar
Productor: Maite Alberdi.
Compañía Productora: Micromundo Producciones, www.micromundo.cl
Productores: Maite Alberdi, Denis Vaslin, Fleur Knopperts, Sebastián Brahm.
Directora y guionista: Maite Alberdi

La mentirita blanca - Por Carlos Correa

Esta cinta chilena explora una temática que resulta interesante en los tiempos que corren. En un pequeño pueblo rural del sur de Chile, el Diario “El Esfuerzo” se está quedando sin auspicios y corre el riesgo de cerrar. Las personas ya no lo compran y los avisadores no ven sentido a seguir publicando allí sus menciones. Edgardo -Rodrigo Salinas- es el periodista que ante la necesidad de mantener su trabajo y junto a su ayudante Vladimir -Ernesto Meléndez- comienza inocentemente a inventar noticias para levantar la venta y recuperarse económicamente. Esto tal vez funcione en un comienzo, pero luego la fama, la soberbia, el poco tino, la falta de preparación y los errores naturales que provocan una seguidilla de falsedades van complicando cada vez más a los protagonistas de esta película.

La cinta del joven director Tomás Alzamora posee un ritmo lento. Nada apura, todo transcurre en calma, no hay urgencias y la vida pasa sencilla y engañosamente plácida. Hay amenazas, pero al parecer no son lo suficientemente importantes como para movilizarse con premura. En este contexto, se observan dos conflictos muy claros. Por un lado la posibilidad de quedarse sin trabajo y por otro, el compromiso con la honestidad profesional del periodismo. Esta problemática, Alzamora la resuelve inclinando la balanza hacia lo práctico, hacia lo que podríamos llamar “conveniencia”. Si puedo perder mi trabajo, soy capaz de sacrificar mi ética para salir adelante.

Esta película no falla en la argumentación ni en el fondo de la historia. Tropieza -y cae- debido a una fuerte carencia de estructura dramática que le proporcione identidad. Es un relato a medias, donde los personajes solo son esbozos, donde no hay desarrollo ni profundidad y a pesar de los reconocibles esfuerzos, no logran soportar el peso que significa llevar una historia.

Demasiadas caricaturas tampoco aportan a su construcción. El dueño -“el patrón”- del Diario, la hermana enferma del protagonista, el ayudante de imprenta iletrado y el jefe de Carabineros, entre otros, son personajes cuya inclusión y justificación por momentos no se comprende. Hay una sensación de corrupción general y de ignorancia extrema que cuesta asimilar, entendiendo por supuesto el fondo de la argumentación que la historia representa y la moraleja que quiere entregar al concluir.

Dejo para el final algo que me cuesta aún más entender. Enmarcada dentro del género comedia, no recuerdo haber compartido ninguna sonrisa cómplice durante sus casi 80 minutos de duración. Tal vez no tengo un sentido del humor propio para películas como esta, o bien no me causa risa la sola actuación de Rodrigo Salinas, reconociendo que este es tal vez su papel más serio de los últimos años. Entiendo también que las historias de aprovechamiento, de abuso por tener información privilegiada y finalmente del poder que subyuga a los más débiles son temáticas cada vez más presentes en la actual realidad socio cultural de nuestro país. Sin embargo, no entiendo la forma en que se relatan, la manera como cobran forma y el estilo que imprimen a una película como “La mentirilla blanca”. Aspiraría a un mayor desarrollo, a la transmisión de un mensaje más enfocado y a una historia con mayor narrativa.

Pero claro, esto es arte y podemos tener opiniones diferentes, intereses distintos y muchos otros variados grados de subjetividad. Y esta película está en cartelera y gracias a ello podemos apreciar, disentir y conversar. La posibilidad de debatir está abierta, y de nosotros depende.

Ficha técnica

Título original: La Mentirita Blanca
Calificación: Todo Espectador
Duración: 75 minutos
Género: Comedia
Producción: Pablo Calisto
Empresa Productora: EQUECO
Dirección de fotografía: Jonathan Maldonado
Dirección de arte: Michelle Mege
Montaje: Tomás Alzamora y Roberto Doveris
Sonido: Sebastián Arjona
Música Original: Martín Schlotfeldt
Productor asociado: Christian Turres
Elenco: Rodrigo Salinas, Ernesto Meléndez, Catalina Saavedra, Daniel Antivilo, Jonas Sanche, Daniel Candia, Alejandra Yáñez

Dirección y guión: Tomás Alzamora

Niñas Araña - Por Carlos Correa

Primera plana de diarios y apariciones reiteradas en los principales noticiarios de televisión. La historia de las tres adolescentes denominadas "niñas araña" porque trepaban altos edificios para entrar a departamentos desocupados, y que conmocionó a la opinión pública hace algunos años, entrega la base para esta película del director Guillermo Helo. Inspirada en "hechos reales", como señala su publicidad y basada en la obra de Teatro de Luis Barrales, la cinta intenta incursionar en una problemática difícil, compleja, vulnerable y de extrema sensibilidad social.

Avi -Michelle Mella-, Cindy -Javiera Orellana- y Estefany -Dominique Silva- son tres amigas que viven en la Toma de Peñalolén. Juntas, sus aventuras cerca de la toma, que incluyen pequeños hurtos, cambian de matiz y de carácter cuando deciden ir al "barrio alto" y al observar las grandes diferencias existentes con su precario entorno, ven la posibilidad de acceder a lugares y a bienes que a ellas les son negados.

Helo no hace concesiones. Los planos con los que filma la carencia -material y mayormente afectiva- suelen ser crudos y a veces chocantes. Nos cuesta asimilarlos, podrían resultarnos ajenos si no hemos tenido la posibilidad de conocerlos y en muchos casos esta ficción es claramente superada por una realidad dinámica, presente y agobiante.

Un guión activo nos lleva por una senda delicada, donde parece que no hay solución, un callejón aparentemente sin salida. El cuestionamiento que la película provoca es inmenso. En su logro, las convincentes actuaciones de las tres protagonistas colaboran muchísimo. Sus caracterizaciones resultan naturales y la cámara del director es capaz de mostrar de cerca los sentimientos que cada una experimenta en diferentes momentos, en un excelente trabajo conjunto. La fotografía de Mauro Veloso es intensa e inquieta. El transitar, el movimiento continuo, la premura y la pausa se hacen presentes a cada momento.

La película va más allá de un relato policial o de una trama simplemente delictual. Es una historia de vida, de falta de oportunidades, de pobreza, de diferencias que no se entienden y de aspiraciones que exceden las posibilidades, mostrando claramente con ello una brecha real que muchos aspiramos cambiar, o al menos reducir. La inspiración es este bullado caso, sin embargo el fondo es provocador, intenso, desafiante y al mismo tiempo presenta una humilde falta de respuestas. ¿Un sistema económico insensible que aniquila a los más desposeídos y vulnerables? ¿Una realidad social imposible de cambiar? ¿Existen luces de esperanza o todo es negativo? Las preguntas y posibles respuestas son nuestro trabajo si nos dejamos interpelar por la cinta. Guillermo Helo nos entrega un relato vívido, incomodo y honesto, que nos hace estar en permanente tensión y no nos defrauda.

Ficha técnica 

Título original: Niñas araña

Año: 2017
Duración: 94 minutos
País: Chile
Género: Drama | Basado en hechos reales
Guión: Daniela Aguayo, Ticoy Rodríguez, Guillermo Helo (Obra: Luis Barrales)
Música: Angelo Pierattini
Fotografía: Mauro Veloso
Productora: Altirosapiens / Demente
Reparto: Michelle Mella, Javiera Orellana, Dominique Silva, Patricio Contreras, Francisca Gavilán, Pablo Schwartz, Pablo Macaya, Francisco Diaz, Marcelo Castro

Director: Guillermo Helo

La Novia - Por Juan Pablo Donoso

Teníamos curiosidad por ver cómo hacían los rusos una película de terror. El resultado fue más o menos decepcionante.

Con excepción de los nombres y la iluminación crepuscular, lo demás es igual a tantas que se filman en Europa y en EE.UU. con fines comerciales.

Si proviniera de una larga novela eslava, adaptada al cine, perdonaríamos lo compacto de las secuencias y sus efectos sensacionalistas. Pero al parecer, fue concebida tal como la presentan: sugerentes escenas iniciales, con personajes perturbados a la manera de Dostoyevsky, y un planteamiento inicial que pudo desarrollarse en la línea de Tarkovsky, donde el tormento de las almas es más doloroso que los acontecimientos.

Pero el director y guionista, Svyatoslav Podgayevskiy, para asustar al público entra demasiado pronto en la truculencia y el facilismo. Una atmósfera inicial inquietante pudo desenvolverse por su propia inercia hasta el desquicio del horror final.

En el siglo 19 creían que si retrataban a un muerto su alma quedaba retenida en las sales de plata de los negativos fotográficos. Y un tenebroso fotógrafo quiso hacerlo con el cadáver de su esposa vestida de novia.

Muchos años más tarde, en nuestros días, las descendientes del fotógrafo, habitantes de una vieja mansión de campo, esperan que su hermano se case con una muchacha virgen para enterrarla viva y así liberarse del espectro maligno de la bisabuela de antaño que habitaba en el hueco de las paredes.

Poco a poco la joven prometida sospechará que es candidata al martirio pero, por haber perdido la virginidad, deberá ser castigada como cordero expiatorio de toda la familia.

De ahí en adelante se suceden las apariciones siniestras, los arpegios orquestales que anuncian sorpresas, las visiones sangrientas en los espejos, y los afanes interminables por escapar de aquel infierno.

Hay incluso un par de sobrinos pequeños del novio que habitan la casa y son testigos innecesarios de los demonios que dominan el lugar y a sus propietarias, incluyendo al torvo mayordomo, para recordarnos a los antiguos mujiks de Rusia.

Prolija, especialmente en la luz y ambientación, con un considerable presupuesto, asustará más a los adolescentes que a los adultos que esperan algo distinto en el tratamiento narrativo de este género tan socorrido en el último tiempo. Deja cabos sueltos y acciones inexplicables.

Y para colmo, el final queda listo para una secuela.

HISTORIA RUSA DE TERROR QUE PUDO SER MÁS NOVEDOSA, PERO SUCUMBIÓ BAJO EL FACILISMO COMERCIAL DE OCCIDENTE.

Ficha técnica

Título Original: Nevesta 

BFDistribution Terror, suspenso

Rusia – 93 minutos 

Fotografía: Ivan Burlakiv 

Música: Jesper Hansen 

Actores: Vyacheslav Chepurchenko, Aleksandra Rebenok, Igor Khripunov 

Guionista y Director: Svyatoslav Podgayevskiy

Ali y Nino - Por Juan Pablo Donoso

Hermosa realización. Relato de un amor principesco casi imposible por motivos de tradición (él es musulmán y ella católica ortodoxa de Georgia), inserto en hechos históricos, guerra, deslumbrantes paisajes de montaña, fastuosos palacios, y lujosos vestuarios y utilería.

Asif Kapadia es un multipremiado realizador de cortos documentales en los mayores Festivales. Aunque nacido y formado en Inglaterra, su familia es originaria de la India y sus contornos.

La historia proviene del best-seller homónimo de Kurban Said.

La estructura del guión hace sospechar que fue concebida, en un principio, para miniserie y luego compactada en 110 minutos como relato unitario. Esto debido a lo sinóptico de ciertos eventos y con políticos muy importantes interpretados por conocidos actores en brevísimas escenas.

Aunque el tema es romántico, el conflicto bélico y geográfico – nacimiento de la república de Azerbajian - podría resultar lejano para nuestros públicos. Transcurre durante la 1ª Guerra Mundial y en países caucasianos.

El protagonista es el Amor, y el gran enemigo es la guerra y las tradiciones ancestrales. Hará lagrimear a más de alguna señora serntimental.

HISTORIA DE AMOR PRINCIPESCA, CONFLICTUADA POR GUERRAS Y HONDAS DIFERENCIAS RELIGIOSAS.

Ficha técnica

Cine-arte Galería Patricia Ready 

Historia, romance, guerra Azerbaijan

110 minutos 

Fotografía: Gorkan Tiryaki 

Edición: Alexander Berner 

Música: Dario Marianelli 

Guionista: Christopher Hampton, Kurban Said (novela) 

Director: Asif Kapadia

Alien: Covenant - Por Carlos Correa

Ridley Scott y "Alien" a esta altura son inseparables, fecundos e inagotables, sobre todo luego que el director propusiera filmar la precuela de la saga original que debutara hace ya 38 años, en 1979. El modelo es similar y solo cambia la forma, lo que naturalmente no es tan original pero si muy efectivo. Y esta nueva entrega, ”Alien: Covenant”, no es la excepción.

Walter -excelente actuación de Michael Fassbender personificando al androide asistente de esta misión- colabora en la nave colonizadora Covenant que se traslada hacia el remoto planeta Origae-6. Es el año 2104, la distancia es larga y la tripulación humana junto a los 2.000 colonos viajan en estado de hibernación. En una rutinaria recarga de energía, una onda de radiación afecta a la nave, se declara una seria emergencia y "Madre" -el cerebro informático- debe despertar a la tripulación. Los daños son importantes y le cuestan la vida al capitán de la misión. Mientras se reparan los destrozos, una señal de radio de origen desconocido es captada, lo que llama la atención del ahora responsable de la operación -el capitán Christopher Oram, Billy Crudup,- quien decide, pese a la oposición de Daniels -Katherine Waterston-, la experta en terraformación, explorar un planeta que ofrece características similares a la Tierra y que se encuentra considerablemente más cerca que el destino original. Y claro, nada es lo que parece. Cuando se acercan y aterrizan en este supuesto "paraíso", descubren que el peligro está mucho más cerca de lo que imaginan.

En tres secciones claramente identificables, Scott da forma a este relato futurista que conjuga ciencia ficción y terror extraterrestre en una alucinarte aventura espacial. La primera de ellas es una joya de tecnología y diseño, donde los elementos expuestos son tan transparentes como la luminosa secuencia de apertura. La segunda sección responde al clásico "encuentro", donde en luchas totalmente desiguales y crudas los colonizadores pierden a varios de sus compañeros de manos de un enemigo muy poco convencional. Naturalmente la parte final relata el escape de los sobrevivientes, o más bien los esfuerzos extraordinarios que deben realizar para poder lograrlo.

Una fórmula así de probada es funcional al resultado, lo que no le resta ningún mérito al filme. Scott tiene un gran talento para situar las cámaras, generar tensión y mantenernos alerta durante los 123 minutos que dura el metraje. La banda sonora de Jed Kurzel es particularmente atractiva y acompaña muy bien el desarrollo de la acción. Los efectos especiales están muy en consonancia con la tecnología que visualizamos y entregan fluidez a un relato que, si bien es muy predecible, resulta atractivo.

Al parecer tenemos asegurada la continuación de la franquicia, al menos con la tercera parte de esta serie de precuelas a la que le correspondería enlazar con la versión original. El tema seguramente ya no estará en qué novedad nos podrá aportar sino en la forma que Ridley Scott elegirá para desarrollar la nueva historia, completando un círculo y probablemente abriendo múltiples ramificaciones. Bienvenido sea, para los fans y para quienes lo vemos un poco más de lejos. Como mucho en la vida, se dice, la historia se repite y solo cambian los protagonistas. Y "Alien" en eso, tampoco es la excepción.

Ficha técnica

Título original: Alien: Covenant
Año: 2017
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Scott Free Productions / Brandywine Productions
Género: Ciencia ficción. Terror | Extraterrestres. Aventura espacial
Guión: John Logan, Dante Harper (Historia: Jack Paglen, Michael Green)
Música: Jed Kurzel
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Michael Fassbender, Katherine Waterston, Billy Crudup, Demián Bichir, Danny McBride, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Amy Seimetz, Callie Hernandez, Benjamin Rigby, Alexander England, Uli Latukefu, Tess Haubrich, Guy Pearce, Noomi Rapace, James Franco

Director: Ridley Scott

Si no despierto - Por Carlos Correa

Parece, a simple vista, una película más sobre temáticas adolescentes: chicas populares, jóvenes en busca de experiencias, juegos, diversión, fiestas, carretes que se salen de control y un fuerte bullying. Sin embargo esta historia, basada en el libro “Before I Fall” de Lauren Oliver, y que tiene como eje el fenómeno del "Día de la Marmota" -volver a revivir, una y otra vez el mismo día-, va un paso más allá en sus intenciones.

Samantha Kingston -Zoey Deutch- parece tenerlo todo: su grupo de amigas, cuatro en total, son las “chicas top”, su novio es guapo y su vida promete mucha más aventura y diversión que algún desencanto. Sin embargo, ese viernes 12 de febrero algo extraño sucede pues luego de un día normal de colegio y una masiva fiesta con todos los ingredientes ya descritos, Sam y sus amigas se ven envueltas en un accidente automovilístico donde la protagonista muere… pero despierta, asustada, en la misma mañana del viernes 12 de febrero. Lo que al principio parece solo un “Déjà vu”, comienza a tomar forma y Sam lo hace consciente: está viviendo lo mismo, una y otra vez, y el final es siempre igual.

Una película juvenil, abordando el tema de la muerte, está directamente en la actual contingencia y es una razón más que poderosa para verla. Sin embargo esta cinta, a diferencia de la exitosa serie “13 Reasons Why”, enfrenta los problemas de la protagonista desde otro ámbito. El hecho de volver a vivir lo mismo, día a día, jornada tras jornada, impone a la protagonista un esfuerzo consciente de realizar variantes a sus conductas para observar diferencias, ya sea en el final o bien en la interacción con sus compañeros, amigos y familia. Estos cambios que Sam va experimentando e intencionado, nos muestran claramente lo que las relaciones provocan en cada uno de nosotros. Sabemos -o más bien nos vamos dando cuenta con el tiempo- que a veces sin querer podemos herir y otras veces cuesta muy poco acoger y hacer sentir bien a otra persona. Sin embargo la poca conciencia que tenemos sobre esto muchas veces nos juega en contra. Un libreto conocido permite hacer cambios, pero no es sencillo. Hay que probar, no sabemos que puede suceder, ¿y si no despierto?…

“Before I Fall” -Antes de caer- su título original, da una pista del enfoque y perspectiva que guía la historia. A pesar que nosotros como audiencia conocemos el desenlace del día al igual que la protagonista, hay algo en el relato que no nos permite bajar la guardia y que nos compromete con el resultado de este “tema con variaciones”. La tensión se respira, por momentos tal vez somos nosotros quienes hacemos los cambios -de perspectiva, claro- para entender una u otra acción, actitud u omisión. El metraje es activo, actual, consistente y plantea más preguntas que respuestas. Es como una fotografía de los tiempos actuales, donde no sabemos muy bien cómo leer la dinámica juvenil, su relación con la tecnología, y/o con sus amigos y amigas. Lo que si vemos, en ocasiones con temor, son los pasos que aceleradamente van dando hacia un mundo que es diferente al que nos tocó vivir a nosotros cuando teníamos su edad.

Es cierto que tal vez esta película como construcción dramática es sencilla, sin embargo su contenido no deja de ser importante y central. Acá prima la historia, el relato, la construcción de un personaje -muy bien caracterizado por Zoey Deutch- que va cambiando, que toma conciencia lentamente de lo trascendente que es el camino que se recorre día a día. Y abrir un espacio de conversación a partir de esta cinta -como también es bueno hacerlo sobre “13 …”- puede ser una excelente oportunidad para observar, apreciar y acercarse al mundo juvenil. Por supuesto que hay estereotipos y moldes, lugares comunes y frases cliché, sin embargo la suma de los elementos es positiva y lleva a la reflexión y aquello ya es un paso adelante, sin duda.

Ficha técnica

Título Original: Before I Fall
BfDistribution
Drama, misterio EE.UU.
98 minutos
Música: Adam Taylor
Fotografía: Michael Fimognari
Edición: Joe Landauer
Guión: Maria Maggenti, Lauren Oliver (novela)
Actrices: Zoey Deutch, Halston Sage, Cynthy Wu, Jennifer Beals
Directora: Ry Russo-Young

Si No Despierto - Por Juan Pablo Donoso

Fantasía paranormal profundamente femenina.

¿Qué haríamos si amaneciéramos cada mañana en el mismo día?

¿Sólo nos conformaríamos con que volvieran a suceder las mismas cosas una y otra vez?

En este filme Samantha, muchacha que está terminando su colegio, vive esa experiencia. Primero la acompañamos en el primer día del fenómeno, desde que despierta hasta que llega la noche, con su cúmulo de alegrías, conflictos, y tragedia.

Cuando a la mañana siguiente ella nota que todo se repite igual que ayer, se desconcierta. La próxima vez siente pánico. Y así sucesivamente, a medida que se repiten los eventos; comienza a introducir leves modificaciones.

Esos pequeños cambios van marcando notorias diferencias, y como ella conoce el futuro, los irá acentuando, tanto en sus relaciones amistosas, sentimentales, sexuales y familiares.

La gente que la rodea se extraña de sus comportamientos; pero ella viene del futuro cercano. Así, irá creciendo en precaución y, particularmente, en compasión y madurez.

A tal punto llegará su capacidad de comprender lo que ocurre en aquel continuo presente, que llevará su propia vida a un desenlace inesperado aún para ella misma.

La autora de la novela, Lauren Oliver, mediante esta suposición poética parece aconsejarnos reconocer las maravillas de cada minuto del presente, y preguntarnos cuántas cosas actuales enmendaríamos para evitar las trágicas consecuencias del diario vivir. En otras palabras, imaginarnos el hoy visto desde el futuro.

Excelente actuación de la protagonista (Zoey Deutch), y un guión editado de tal manera que nos mantiene expectantes de cada nueva alteración en el destino. Con ciertas reminiscencias de Atrapado en el Tiempo (Groundhog Day,1993), aquí enfatizan la solidaridad entre amigas, y denuncian la torpeza de discriminar a quienes, por múltiples razones, son diferentes. Celebramos la inclusión de aquella carismática actriz, Jennifer Beals, en el rol de la madre, que tan pocas veces vemos en nuestro país.

FANTASÍA PARANORMAL QUE INSPIRA SABIAS REFLEXIONES. SIN SER FEMINISTA ES PODEROSAMENTE FEMENINA.

Ficha técnica

Título Original: Before I Fall 

BfDistribution 

Drama, misterio EE.UU. 

98 minutos 

Música: Adam Taylor 

Fotografía: Michael Fimognari 

Edición: Joe Landauer 

Guión: Maria Maggenti, Lauren Oliver (novela) 

Actrices: Zoey Deutch, Halston Sage, Cynthy Wu,Jennifer Beals 

Directora: Ry Russo-Young

Un Don Excepcional - Por Juan Pablo Donoso

Se plantea el dilema de compatibilizar la crianza de un niño genio con una vida familiar sana y afectiva.

Dentro de su estilo comercial estadounidense, logra emocionar con una problemática difícil que, a la vez, invoca respuestas humanitarias.

Casi entera filmada con cámara en mano, le da una constante inestabilidad a la imagen, tal vez para contagiarnos con la inseguridad de la resolución al problema planteado.

Frank es un ex profesor de filosofía universitario que, cansado de la vida académica, se dedica a reparar lanchas en un atracadero. Es pobre y crió a su pequeña sobrina Mary, de siete años, huérfana de madre y de padre desconocido. La niña detesta ir al colegio. El motivo es su desarrollado coeficiente intelectual. Es capaz de resolver mentalmente complejos problemas matemáticos. Heredó de su madre y su abuela el talento para calcular sin dificultades. Pero su tío insiste en que vaya a clases y sociabilice con otros niños de su edad. Pero la pequeña dejará boqueabiertas a las profesoras con su inteligencia. Le sugieren al tío inscribirla en una academia para niños superdotados; pero él se resiste. Es aquí donde interviene la abuela paterna, también matemática excepcional, quien por medio de un juicio contra su hijo, intenta separa a la niña de su tío/padre para que ingrese a un organismo de acuerdo a su prodigiosa habilidad. 

El tema es apasionante, más aún cuando vemos cómo la pequeña deslumbra a los sabios que la ponen a prueba. Y por el otro lado está el apego de Mary por su tío, y el suyo por ella. 

Hay espacio para admirar lo extraordinario, y para empatizar con los personajes sometidos a una encrucijada emocional.

Las soluciones previsibles y equitativas llegarán, tarde o temprano, para todos; y como corresponde a un filme típicamente norteamericano, el público masivo deberá quedar satisfecho al final.
Conviene resaltar la estupenda elección de Mackenna Grace, como la pequeña genio que conquista con su complejo personaje. El tío – Chris Evan – nos transmite su angustia por el dilema entre lo afectivo y lo racional. Las mujeres secundarias: Octavia Spencer, como la vecina de color que acompaña a ambos con ternura y comprensión, demuestra una vez más su enorme carisma; Jenny Slate, sin ser hermosa cumple bien como la amable profesora que, obviamente, inicia un romance con el tío, y la experimentada actriz escocesa Lindsay Duncan, como la obstinada abuela, pudo dar mayores matices a su personaje quedando demasiado rígida en sus expresiones faciales.
Ideal para exhibirla en un largo vuelo aéreo. Los pasajeros lo agradecerán.

AMENO DILEMA QUE CONFRONTA LA GENIALIDAD INFANTIL CON LOS LAZOS FAMILIARES.

Ficha técnica

Título Original: Gifted 

Fox WB Drama EE.UU.

101 minutos 

Fotografía: Stuart Dryburgh 

Edición: Bill Pankow 

Música : Rob Simonsen 

Guionista : Tom Flynn 

Actores: Chris Evans, Mckenna Grace, Lindsay Duncan, Octavia Spencer

Director: Marc Webb

Nuestra Hermana Pequeña - Por Juan Pablo Donoso

Japonesa e intrínsecamente femenina. Sutil como discurso total. Sin estridencias de ningún tipo. Es casi plana en sus diversos capítulos. Carece de confrontaciones. Nada sucede demasiado impactante ni trascendente, salvo las penas naturales como la muerte lejana del padre o el anuncio de enfermedad terminal en una vecina querida. Llena de detalles cotidianos menores pero sensibles para las protagonistas.

Tres hermanas jóvenes, adultas, viven en la ciudad de Kamakura en la casa que les dejó su abuela. Viven juntas desde que su padre abandonó el hogar, años atrás, y emigró a un pueblo de provincia junto a otra mujer con la cual tuvo una hija, Suzu. La madre abandonada, por su parte, también se fue a vivir con otro hombre. Las tres hermanas forman una compacta familia entre ellas. Cuando se enteran que el padre ha fallecido, viajan para asistir a sus funerales. Allí, además de conocer a la viuda, conocen también a su pequeña hermanastra de 15 años. Al ver que madre e hija tienen desaveniencias, invitan a Suzu a vivir con ellas a Kamakura. La colegiala acepta.

El resto de la película es el lento proceso de adaptación de Suzu a la nueva vida y a la convivencia con sus hermanastras. Éstas la acogen con enorme cariño, la tratan como hermanita nueva y la acompañan en su proceso de maduración como mujer e hija huérfana de padre.

En casi todo momento, el director Hirukazu Koreeda se deleita luciendo la delicada femineidad de sus actrices, pero principalmente de sus pies. Lo hace con ellas descalzas o con diversos tipos de medias o calzados; incluso con reposados diálogos en que se pintan las uñas, o cuando juegan a esquivar mojarse las zapatillas con las olas de la playa junto al mar. Hay una reiteración clara y constante de todo lo que se refiera a los pies femeninos. Tal vez con aquella insistencia el realizador resalta la fragilidad de los leves temas que va desarrollando la trama.

La falta de un conflicto más frontal, o de algo más vital en juego, hace que la película se sienta larga, que parezca terminar varias veces pero continúa y continúa sin que nada imprevisto suceda. Cuando el espectador ya se ha preguntado varias veces por el propósito dramático de esta camaradería tan minimalista, en la última escena hay un breve diálogo que rubrica, también de manera sutil, el profundo amor fraternal de aquellas mujeres.

JAPONESA CONTEMPORÁNEA, MUY LENTA Y DELICADA. HOMENAJE AL AMOR FRATERNAL. SIN ESTRIDENCIAS NI CONFLICTOS. PARA CONVIVIRLA SIN URGENCIAS. JD 

Ficha técnica

Título Original: Umimachi Diary 

Cine-Arte Galería Patricia Ready 

Tragicomedia Japón

128 minutos 

Fotografía: Mikiya Takimoto 

Edición: Hirukazu Koreeda 

Música: Yoko Kanno 

Jefe de Arte: Mami Kagamoto 

Guionistas: Akimi Yoshida (manga) y Hirukazu Koreeda 

Actores: Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Kaho 

Director: Hirukazu Koreeda

Huye - Por Carlos Correa

Este filme del director Jordan Peele es un thriller diferente a lo que acostumbramos observar habitualmente. Chris -Daniel Kaluuya- es afroamericano y tiene a una novia, Rose -Allison Williams-, que es blanca. La relación es perfecta y el paso natural es que él pueda conocer a sus padres. Con cierto recelo, temor y nerviosismo, Chris accede a pasar un fin de semana con sus futuros suegros. Todo va de maravillas, la acogida es generosa y la bienvenida es muy distinta a todo lo que Chris podía imaginar para una relación interracial. Sin embargo lo que parece ser no lo es necesariamente, y lo que va descubriendo en el camino es inquietante y perturbador.

Fuera de los moldes tradicionales, con agudeza y precisión, Jordan Peele como guionista y director nos regala una composición de contrastes. Hay crítica social, diferencias raciales, psicosis, peligro y un sinnúmero personalidades y algunas caricaturas, por cierto, que van retratando este tiempo que vive Estados Unidos post Barack Obama que no parece ser tan distinta a la realidad actual.

Las actuaciones resultan convincentes y naturales. Hay planos muy interesantes que logran transmitir la angustia del protagonista, que avanza sin entender lo que está sucediendo. La edición está hecha a medida para conseguir que todo se vea real, entregando un ritmo que luego de los dos tercios se va agilizando enormemente. Cámaras, banda sonora e iluminación contribuyen a generar atmósferas concretas que dan a la cinta una textura propia y una sensación de estar al filo de la sorpresa en casi en todo el metraje.

“Get Out”, su título original es naturalmente más apropiado que “Déjame salir” -traducción en otros países-, en el contexto de la trama. “Huye” -el título para nuestros países- es similar al imperativo y a la orden que no se discute sino solo se obedece, que nos señala la expresión en inglés. Y a raíz de esto una advertencia: que sea un thriller diferente no significa la ausencia de aquello que esperamos del género. Hay sangre, terror y suspenso pero con altas dosis de humor negro desopilante que altera las líneas y que lleva a esos elementos a insertarse en un cine más profundo, afilado, no consecuente y a la vez altamente contingente.

Ficha técnica

Título original: Get Out
Año: 2017

Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Género: Terror. Thriller
Productora: Blumhouse Productions / QC Entertainment
Guión: Jordan Peele
Música: Michael Abels
Fotografía: Toby Oliver
Reparto: Daniel Kaluuya, Bradley Whitford, Allison Williams, Catherine Keener, Betty Gabriel, Caleb Landry Jones, Lyle Brocato, Ashley LeConte Campbell, Marcus Henderson, LilRel Howery, Gary Wayne Loper, Jeronimo Spinx, Rutherford Cravens

Director: Jordan Peele

Frantz - Por Juan Pablo Donoso

Tenemos la suerte en estos días de conocer dos películas de Francois Ozon. Es un joven director francés que en poco tiempo ha demostrado enorme talento como realizador y también por resaltar ángulos sensibles, y poco explotados, en sus argumentos.

En El Biógrafo de Santiago se está exhibiendo EN LA CASA (comentada recientemente en esta página) y ahora en el Cine-Arte de la Galería Patricia Ready pudimos disfrutar de FRANTZ (2016), una de sus recientes obras.

Con propiedad decimos que FRANTZ es un brillante melodrama. Sensible y estético redime el buen sitial del desprestigiado apelativo de “relato melodramático” o “dramón”. 

Aquí los ingredientes restituyen su fuerza emotiva basándose en dolorosas realidades históricas, escogiendo personajes que fueron víctimas de aquellas circunstancias, y personas de diversas edades y condiciones sociales que sólo aspiraban a vivir en paz y realizarse en el amor. 

 
Y es la tristeza de ver esos ideales frustrados lo que conmueve al espectador hasta las lágrimas. Pero es el tratamiento vulgarizado, y muchas veces sólo por afán comercial, el que ha desprestigiado este noble género dramático.

Estamos en los días inmediatos después de la Primera Guerra Mundial. En Alemania, una gentil familia de provincia ha perdido a su único hijo. Hay un natural resentimiento hacia Francia que resultó vencedora. Su novia, Anna, ha quedado desolada viviendo junto a quienes pudieron ser sus suegros. 

De pronto, aparece un muchacho francés, ex combatiente, quien dice haber sido amigo entrañable, en épocas anteriores a la guerra, con el hijo caído en combate. Poco a poco, y superando prejuicios, la familia lo acoge como a un buen amigo llegando, incluso, a establecer una relación vagamente sentimental con la novia/viuda. 

 
Pero el suspenso del filme nos sorprende con giros inesperados que, al afectar dolorosamente a los personajes, también cambian el curso lógico de los acontecimientos. Tales serán los vuelcos emocionales que hasta Anna decide viajar a Alemania para seguir indagando en la psiquis atormentada de Adrien, el joven amigo francés.

Hasta ahí conviene pespuntar el argumento. El resto de los méritos de esta bella película radica en la compasión con que nos muestra a los sobrevivientes de ambos países, todos con seres queridos muertos en un conflicto bélico del que siempre fueron ajenos e inocentes. En Francia hablan francés, en Alemania germano, pero el dolor por las pérdidas y el resentimiento es el mismo e inevitable. Las escenas del “presente” se ven en blanco y negro, los recuerdos o momentos de alegría en color. Y todo ambientado en una recreación de época magistral de Susanne Abel y su equipo que, en forma impecable, nos transportan a esos días de 1919, a esas calles y a la naturalidad de esos vestuarios ya distantes a los nuestros.

Esperemos que la exhiban también comercialmente.

UN BELLÍSIMO RELATO DONDE TANTO EL AMOR COMO EL DOLOR DE LOS INOCENTES FUE VULNERADO POR UNA GUERRA INHUMANA Y FEROZ.

Ficha técnica

Título Original: Frantz 

Cine-Arte Galería Patricia Ready 

Drama, Historia, Guerra 

Francia y Alemania

113 minutos 

Fotografía: Pascal Marti 

Edición: Laure Gardette 

Música: Philippe Rombi 

Jefa de Arte: Susanne Abel 

Guionistas: Francois Ozon y Philippe Piazzo 

Actores: Pierre Niney, Paula Beer, Ernst Stötzner 

Director: Francois Ozon