domingo, 19 de enero de 2020

A Bigger Splash - Por Jackie O.

"Esperando la historia" 

Este docufilms hecho en 1974, lo llamaron así por la pintura más famosa de la serie de albercas de Hockney.

Hockney también sirvió de inspiración para el artista Billy Pappas en el documental Waiting for Hockney (2008).

De que trata este DocuFilms: El novio de David Hockney, Peter Schlesinger, termina con él su relación amorosa, y el artista queda completamente quebrado emocionalmente. Este docudrama presenta una versión semi ficcionada del contexto que dio origen a una de las obras mas icónicas del siglo XX: A bigger splash.

Al ser David el primer famoso británico en hablar abiertamente de su homosexualidad, convirtió este film en un culto en los círculos gay del underground de Londres en los años 70’.

Para hacer esta cinta, Jack Hazan ganó la confianza de David Hockney para entrar a su círculo íntimo de amigos y al proceso de creación de algunas de sus más icónicas obras de la serie de piscinas. Y poder preparar este trabajo.

David es un personaje muy interesante, que debe tener muchas historias que contar, pero este docufilms hecho en los 70 no conecta con el público, su edición no está bien tratada como para seguir una línea continua en la historia. Salta de un tema a otro, sin terminar de sentir empatía con sus intérpretes. Incluso las actuaciones no fueron del todo buenas. Y no hay buenos diálogos. Y los silencios que existen, y son muchos, aburren.

La figura femenina es mínima en este docufilms, lo que prima son jóvenes y tonificados cuerpos desnudos de hombres que se muestran en todo su esplendor, no siendo vulgar. Pero a lo más puritanos puede chocarles.

Creo que fue desaprovechada la historia.

Rescato los colores fuertes que se marcaba en algunos momentos, y que aprovechaban bien la luz de día en algunas tomas.
También los efectos de sonido eran bien usados, siendo un gran fondo.

Por lo que creo, que voy a esperar una nueva historia de este artista.

La pueden ver EN Dart-festival

Ficha técnica

Director: Jack Hazan
Editor: David Mingay
Música compuesta por: Patrick Gowers
Guion: Jack Hazan, David Mingay

Escapes de Gas - Por Jackie O.

¿Por qué se destruye algo?
¿Para no recordar quien lo hizo?


En 1972 se construyó en un tiempo récord de 275 días, un enorme edificio para la celebración de una Conferencia Internacional de Naciones Unidas. Y fueron 34 artistas quienes realizaron obras que se incluyeron en la construcción de ese edificio, el UNCTAD. 

Luego, el 11 de septiembre de 1973 fue atacado el edificio y pocas obras sobrevivieron. 

El edificio llamado Unctad luego cambió de nombre a "Diego Portales", hasta ser rebautizado como lo que conocemos ahora: GAM.

40 años más tarde de su destrucción, Joaquín Maruenda hijo del fallecido escultor Félix Maruenda, encuentra un registro que lo lleva a indagar en el acontecer de la escultura "Chimeneas" y su posible restauración. Ésta era una gran chimenea minimalista, que servía para liberar los gases del comedor popular del edificio.

Ahí comienza el proceso de indagar sobre todas las esculturas y quienes participaron en ella, con grandes registros fotográficos y videos.-

Olvidando la parte política, el documental está bien tratado en cuanto a mostrar las obras y sus partícipes. Quien, como y cuando es lo que veremos, cada quien tendrá su propia respuesta.

El arte es tan amplio y tiene tantas ramas que puedes disfrutarla en todas las formas.
Acá nos muestran trabajos bellos que lamentablemente se destruyeron, y nos preguntanos, es necesario destruir el arte?

La fotografía es muy interesante, confieso que no sabía sobre esta historia, como se llamaba el edificio en un comienzo, que obras tuvo ni quien participó. Por lo que lo encuentro un gran valor histórico.

La edición fue bien tratada acompañada de un buen fondo de sonido.

Es inevitable que los partícipes de la época no se aboquen solo a hablar de arte, que es lo que nos interesa. Si no que dan sus impresiones políticas.

Un interesante trabajo audiovisual para ver, y que el Festival Dart lo trajo.

Ficha técnica

Escapes de Gas
Documental
Chile
Dirección y producción: Bruno Salas
Guion: Bruno Salas, Diego del Pozo, Ernesto Parada y Valentín Atías
Casa productora: Trampa Films
Producción: Bruno Salas
Dirección de fotografía: Valentín Atías
Montaje: Valentín Atías
Sonido: Ernesto Parada
Música: Marcelo Espíndola

viernes, 17 de enero de 2020

Mujercitas - Por Carlos Correa

Un clásico de la literatura tiene una nueva adaptación a la pantalla grande. Esta vez, la directora y guionista Greta Gerwig -“Lady Bird”-, desarrolla una cinta que recoge el material de la famosa novela de Louisa May Alcott que narra la vida de las cuatro hermanas March, su relación familiar, sus vecinos, sus amores adolescentes, sus conflictos cotidianos, sus sueños e ilusiones y sus decepciones, con el contexto de la Guerra Civil norteamericana como telón de fondo.

La película, desde el punto de vista de su realización, es espléndida. Finos decorados, bellas recreaciones de época, vestuario, iluminación, hermosas locaciones y maravillosos paisajes funcionan como un todo orgánico sin puntos bajos. La cámara de Gerwig brinda comodidad a los personajes, no los atosiga ni presiona, y con ello permite que luzcan con soltura y espontaneidad.

Cada una de las protagonistas, Jo -Saoirse Ronan-, Meg -Emma Watson-, Beth -Eliza Scanlen-, y Amy -Florence Pugh-, tienen personalidades marcadas. Grandes sueños artísticos las mueven, la escritura, la pintura, la actuación, la música, pero también lo cotidiano, su propio desarrollo personal. La relación entre las hermanas no es sencilla y su madre, Marmee -Laura Dern- logra conducirlas con mano tierna y sabia ante las visibles dificultades económicas y la ausencia del padre que combate en la guerra. No tenemos antagonistas ni conflictos externos. El corazón del guión está en estas “Mujercitas”, en sus emociones y en sus relaciones, donde los personajes masculinos son solo referenciales y en algunos casos apenas parte del decorado.

Greta Gerwig decide presentar el relato con saltos temporales. La historia va y vuelve entre presente y pasado, tanto para explicar el contexto como para adicionar un toque de refresco a una narración que si fuera lineal tal vez sería mucho menos dinámica. Esta opción hace confuso el comienzo de la cinta, sumándose a ello las pocas diferencias físicas que presentan las protagonistas a pesar de los varios años transcurridos entre cada espacio de tiempo.

También acierta Greta Gerwig al componer un guion con múltiples subtextos y que en ocasiones se superponen sin priorización ni jerarquía. Esto es algo tan propio del relato que las conversaciones simultáneas entre las hermanas, estas acciones que transcurren en simultáneo, se observan difusas e incluso contradictorias. Esta virtud reconocida, al menos en mi caso, me pone una dificultad adicional.

Sólidas actuaciones y una música maravillosa de Alexandre Desplat le entregan a “Little Women” un toque de belleza estética indiscutida. Sin embargo, a pesar de la gran cantidad de aciertos técnicos y narrativos, no logré conectar con la cinta. Algo me pasó que no pude empatizar con los personajes y aquello me llevó a verla como un espectador distante sin ser parte del relato. Es posible que los saltos temporales o lo confuso del primer tercio me produjeran cierta incomodidad que no logré superar hasta la recta final momento donde la novel directora imprime su mensaje para los tiempos actuales, basado en una historia que definitivamente es atemporal y que vive y revive cada vez que tenemos la oportunidad de acercarnos a ella.

Ficha técnica

Título original: Little Women
Año: 2019
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE) / New Regency Pictures / Pascal Pictures / Regency Enterprises. Distribuida por Columbia Pictures
Género: Drama. Romance | Vida rural (Norteamérica). Familia. Siglo XIX
Guion: Greta Gerwig (Novela: Louisa May Alcott)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Yorick Le Saux
Reparto: Saoirse Ronan, Timothée Chalamet, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Meryl Streep, James Norton, Louis Garrel, Bob Odenkirk, Chris Cooper, Tracy Letts, Abby Quinn, Sasha Frolova, Jamie Ghazarian, Hadley Robinson, Ken Holmes, David Arthur Sousa, Jayne Houdyshell, Jen Nikolaisen, Domenic Arduino, Tom Kemp, Mikayla S. Campbell, Edward Fletcher, Lilly Englert, Rob Lévesque, Kayla Caulfield, Cassidy Neal, Adam Desautels, Bill Salvatore, Dash Barber, Jason Mulcahy, Tom Stratford, Erin Rose, Lonnie Farmer, Robert Marsella, Bill Mootos, Yefim Somin, Adam Teper, Alexander Davis, Thomas J Berry, Scott Sederquist, Michael Cassata, Dave Maguire, Yair Koas, Brian Tobin
Dirección: Greta Gerwig

jueves, 16 de enero de 2020

Jojo Rabbit- Por Jackie O.

“Bailemos, ya que debemos demostrarle a dios que estamos agradecidos de estar vivos.”

Taika Waititi hace que nos riamos, pero no de los oscuros hechos que se conocen de esa época, sino de la estupidez nazi.

Sinopsis: “Jojo es un tímido niño de 10 años, pero muy fanático y estricto en su pensamiento hitleriano. Quien descubre que su madre oculta a una “monstruo judía” en su casa, y todos sus ideales nazis comienzan a caer de a poco”.

Una película más que una sátira hitleriana, creo que con su humor “crítico” quiere transmitir mensajes de temas tan importantes como la inocencia, los prejuicios, el amor, fraternidad y la bondad.

Primero que todo se lleva los plausos su protagonista, el pequeño JOJO interpretado carismáticamente por Roman Griffin Davis.

Un niño obsesionado con su ídolo Hitler, al punto de tenerlo como amigo imaginario, un niño que solo quiere servir a “la causa” de la forma que sea. Incluso participa activamente en un campamento tipo boy scouts pero más agresivo, llamado Jóvenes Alemanes de las Juventudes Hitlerianas, que lidera un muy divertido Sam Rockwell. Lugar que sirve para manipular a estas almas nobles e inocentes.

No solo reirás en esta película con situaciones jocosas, sino que nos enroscará el tema de los prejuicios.

Veremos cómo la inocencia de un niño y la calidez de su madre, hacen que el drama se presente. Una madre que no le impone nada a su hijo, que lo deja ser, que trata de enseñarle lo bello de la vida, sin dureza sino con amor.

Otro valor a destacar es la amistad que crece entre el fanático hitleriano Jojo con la chica judía. Ahí el pequeño Jojo verá como su fanatismo se pone a prueba, de cómo ella le enseña a ver un mundo desconocido para él. Un mundo que solo está en su cabeza.

El guion adaptado está genial y porque, porque de la novela “El cielo enjaulado”, una novela dramática, Waititi la transforma con sus situaciones cómicas y ridículas (sin dejar de lado momentos dramáticos).

Taika no solo dirige esta película, sino que participa ridiculizando a este Hitler, encarnándolo. Con un guion que no le interesa ser políticamente correcto, reservándose el papel de “raza aria” cuando no tiene el aspecto, agregándole que es de descendencia judía.

De esta forma trata la temática del racismo, un tema muy delicado y lo transforma en una comedia para grandes y chicos.

El vestuario está correcto, acorde a la historia. La puesta en escena está muy bien lograda. Su diseño de producción está bello.

Las actuaciones son muy destacables en su mayoría, por ejemplo Rebel Wilson encontré su personaje desaprovechado.

En que puede fallar, en que sus partes cómicas sean algo irregular que te pueden descolocar, ya que no sea en el momento adecuado para ello.

A pesar de ello, es muy buena película y recomendada.

“Mientras tanto voy a masticar unas uvas”.

Ficha técnica

Dirigido: Taika Waititi
Guión por Taika Waititi
Protagonistas: Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Rebel Wilson, Stephen Merchant, Alfie Allen, Sam Rockwell, Scarlett Johansson
Musica: Michael Giacchino
Cinematografía: Mihai Mălaimare Jr.

Mujercitas - Por Juan Pablo Donoso

Excelente y hermosa. Lejos de ser feminista, deja un hondo sentimiento de ternura y admiración por las mujeres.

La novela de Luisa May Alcott (1832 - 1888) junto con ser un clásico de la literatura estadounidense, ha sido un éxito rotundo cada vez que lo han llevado al cine. Desde la muda de 1917 hasta hoy se han filmado 7 versiones, sin incluir las más de 10 teleseries; y siempre espléndidas.

La magia de su autora ilumina también cada película. Y todas han recibido un tratamiento narrativo distinto. Más, al parecer, el carisma de sus personajes se encarga de conmovernos de todas maneras.

Su directora y guionista, Greta Gerwig (Lady Bird 2017), debió ser nominada al Oscar por su manejo de actores, su sintaxis audiovisual (perfecta combinación de vistas panorámicas con primero planos) y por abordar una novela tan conocida de manera tan diferente, fresca, entendible, y desbordante de emoción.

La historia se nos cuenta saltando en los tiempos. Así compenetramos las contingencias más íntimas de sus personajes. Las escenas del futuro explican las angustias del pasado. Y las pretéritas hacen más sensibles las posteriores. Lo que pudo ser confuso se torna - gracias al genial tejido del guion - en un fluir similar a la memoria en que las criaturas van cautivándonos cada vez más.

La joven escritora Jo March luchará por ser una buena escritora en pleno siglo 19, volcando en sus obras la condición de su familia: un padre ausente luchando en la Guerra Civil, y una madre generosa, y pobre, a cargo de mantener a sus 4 hijas adolescentes.

Fabulosa recreación de época tanto en exteriores (calles, edificios y paisajes) como en interiores de diversos niveles sociales y económicos. Prolija selección de decorados, utilería, vestuarios y caracterizaciones, en especial de los personajes masculinos (Mr. Laurence - Chris Cooper (Agosto 2013 y Belleza Americana 1999) y Timothee Chalamet como "Laurie" (Beautiful Boy 2018).

Las actrices se ven embebidas en sus personajes. Interactúan con exquisita espontaneidad. Las 2,15 hrs. pasan volando por la belleza y sutil pulso narrativo de cada etapa.

Hay en el personaje de Jo March mucho de autobiográfico. Lo interpreta Saoirse Ronan (Brooklyn 2015) con fluida honestidad. Cada hija, muchacho y adulto fue encarnado por actores tan carismáticos como Emma Watson (Harry Potter), Florence Pugh (Midsommar 2018), e incluyendo entre otros a Meryl Streep como la sarcástica tía decimonónica.

La adaptación capta perfecto el espíritu del libro. Por carecer de sentimentalismo fácil, sin duda, Alcott lo habría ensalzado como fiel a su propósito.


Será difícil que algún espectador abandone la sala sin haberse conmovido con una obra tan noble, bella y talentosa.

UNA VEZ MÁS ESTAS MUJERCITAS CLÁSICAS DESBORDAN TALENTO, BELLEZA Y EMOCIÓN. CANDIDATA A VARIOS OSCARES.

Ficha técnica


Título Original: Little Women 
Drama familiar, romance EE.UU. - 2,15 hrs. Sony - Andes Films 
Fotografía: Yorick Le Saux 
Edición: Nick Houy 
Música: Alexandre Desplat 
Diseño Prod.: Jess Gonchor 
Actores: Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh 
Guionista y Directora: Greta Gerwig

Dolittle - Por Juan Pablo Donoso

Quienes crean que sólo es para niños chicos se llevarán una grata sorpresa.

Es un cuento de hadas muy bien tramado, gracioso y con excelentes efectos especiales.

Una delicia para los que aman y sienten que se comunican con los animales.

El primer Doctor Dolittle fue un clásico de 1965. Dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Rex Harrison con Samantha Egar y otras estrellas de la época.

Las secuelas con Eddie Murphy fueron decayendo hasta parecer que la veta se había secado.

Pero un buen guion, un elevado presupuesto y nuevas estrellas lograron resucitarlo con encanto.

Cuando la Reina Victoria (Jessie Buckley - Judy 2019 - Taboo 2017) se enferma de gravedad, la pequeña Princesa Rose (Carmel Laniado) decide visitar al ermitaño Dr. Dolittle para que consiga un remedio mágico que salve a la soberana.

Junto a un joven amiguito amante de los animales llamado Tommy Stubbins (Harry Collett -Dunkerque - 2015) irrumpirán en la clausurada mansión del veterinario Dolittle para convencerlo de salvar a la reina.

El médico (Robert Downey Jr.) - que vivía rodeado de diversos animales con los cuales conversaba de igual a igual - acepta y emprenden todos juntos la aventura por los mares en busca del Árbol del Edén.

En su travesía llegan a la isla gobernada por el feroz pirata Rassouli (Antonio Banderas) quien, por coincidencia, era el padre de Lily, la esposa fallecida de Dolittle, y por quien el galeno se había marginado del mundo.

Vendrán muchas y graciosas aventuras en que participan todos los animales del grupo, cada cual con su propio talento. Llegarán por fin a la isla mágica del Árbol del Edén, y ya en posesión del fruto volverán a Inglaterra para salvar a la Reina. Aunque en el mismo palacio real hallarán nuevos obstáculos.

Ritmo muy ágil, personajes simpáticos, fabulosos efectos especiales para dar vida y lenguaje a todos esos animales (422 técnicos aprox.) y una sucesión de peripecias con hermosa fotografía y muy grata música incidental.

En la versión de habla inglesa muchos astros y actrices importantes dieron voz a cada animal (Tom Holland, Marion Cotillard, Emma Thompson y Ralph Fiennes, y muchos más).

Y entre los actores secundarios se lucen Michael Sheen como el celoso Dr. Blair, y Jim Broadbent como el flemático Primer Ministro de la Reina, hábilmente dirigidos por Stephen Gaghan (El poder de la ambición 2015 - Syriana 2005).

UNA BRILLANTE COMEDIA DE AVENTURAS, LLENA DE HUMOR Y SIMPATÍA. RECOMENDABLE PARA TODA LA FAMILIA.

Ficha técnica

Aventuras, comedia, familiar Andes Films -Universal EE.UU. - 1,46 hrs. 
Fotografía: Guillermo Navarro 
Edición: Craig Alpert 
Música: Danny Elfman 
Diseño Prod.: Dominic Watkins 
Guionistas: Stephen Gaghan, Dan Gregor 
Actores: Robert Downey Jr., Antonio Banderas, Michael Sheen 
Director: Stephen Gaghan

miércoles, 15 de enero de 2020

War of Art - Por Jackie O.

“Una Guerra cultura, donde quien muere o vive es el ego”

SINOPSIS: Mientras el mundo está al borde de la guerra, un grupo de artistas contemporáneos occidentales están invitados al ojo de la tormenta: Corea del Norte. Este elenco de personajes coloridos invade el país notoriamente clandestino y sombrío, y mientras llegan en busca de un intercambio cultural pacífico, su proyecto bien puede convertirse en una Guerra de Arte.

La palabra guerra suena muy fuerte, pero no se trata de esa guerra con muertos o heridos. Salvo heridas de ego, que sí se verán en este documental.

Tenemos a siete artistas que deciden internarse en la actual Corea del Norte para un intercambio cultural pacífico, pero esta experiencia dará paso a una guerra por el arte entre visitantes y anfitriones.

Es una experiencia que los llena de ilusión, y con mucho entusiasmo estos visitantes exponen su trabajo viéndose algunos frustrados al no ser comprendidos.

Conoceremos a unos extravagantes, bizarros, originales y entusiastas artistas, en sus respectivas áreas de trabajo que mostrarán en este estricto régimen que es Corea del Norte.

¿Pero cómo tomarán los trabajos con sangre de uno de ellos, o la mezcla de sonidos de naturaleza de otro? Choque de culturas, choque de egos.

Tratada de una manera humana, muestra las diferencias de opiniones, sus trabajos y la pasión que los mueve a desarrollarlas. Con las frustraciones y las alegrías propias de un ser humano, y en este caso de “artistas”.

El documental es dinámico, y es otra manera de conocer áreas de trabajo en este amplio mundo de las artes.

War of Art, la puedes ver en sala K este viernes 17, y en Matucana 100 el domingo 19.

Ficha técnica

Dart Festival
2019 ‧ Documental ‧ 1h 42m
Director: Tommy Gulliksen
Cinematografía: Sven Erling Brusletto
Editor: Uwe Klimmeck
Productores: Andreas Gutzeit, Linn Aronsen, Eirin Høgetveit, Benedicte Danielsen
País: Noruega, Alemania

lunes, 13 de enero de 2020

1917 - Por Carlos Correa

Esta cinta del director Sam Mendes es una proeza cinematográfica por donde se la mire. Deslumbra por la calidad técnica de su factura y es imposible dejar de pensar en ello, a riesgo de dejar de lado algunos detalles.

Estamos en la Primera Guerra Mundial y la misión que reciben dos jóvenes soldados británicos, Schofield -George MacKay- y Blake -Dean-Charles Chapman- es prácticamente imposible. Deben atravesar territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará una emboscada alemana que cobrará cientos de víctimas, entre los que se encuentra el hermano de Blake. Para lograrlo tienen solo un día y las condiciones son en extremo adversas por lo que esta travesía es una verdadera odisea.

Los hechos se inspiran en una anécdota contada a Mendes por su abuelo paterno, Alfred Mendes, por lo que el compromiso personal que tiene el director con el relato resulta ser vital. Mendes, quien escribe el guion junto a Krysty Wilson-Cairns, toma una importante decisión que se transforma en el sello de la historia: la narración es una gran secuencia lineal provista por una cámara que sigue y acompaña a los protagonistas sin despegarse de ellos en ningún momento.

La calidad de la fotografía de Roger Deakins es excepcional. Capta mínimos detalles con una precisión maravillosa que permite observar permanentemente y con diversas perspectivas esta épica aventura. Es todo tan real que parece que nosotros estamos acompañando a los protagonistas. Sentimos su temor, percibimos sus dudas y admiramos su arrojo y valentía. Es un mérito innegable que Sam Mendez nos haga parte del relato empatizando con ambos soldados.

Hay que conocer y saber mucho de cine para intentar detectar los cortes y la edición en una filmación que se inscribe dentro de lo mejor del último tiempo. La verdad, a mi en lo personal me cuesta mucho y prefiero no hacerlo porque podría disminuir la magia de una cinta que se vive y se percibe como una sola y larga escena, casi en tiempo real.

Cada lugar y cada cambio de locación se desarrolla con una continuidad asombrosa. Aparecen personajes, batallones enteros, trincheras repletas de soldados, otras completamente abandonadas, trampas por doquier, enfrentamientos y lugares que parecen desolados pero no lo están. Todo ello implica sorpresa. No sabemos qué hay detrás del túnel o al interior de una ubicación enemiga. La tensión es máxima, por momentos agobiante y abrumadora, no cede y nos mantiene en permanente estado de alerta.

Sam Mendes logra esta proeza gracias a una acertada reunión de elementos que logra coordinar al milímetro. La banda sonora de Thomas Newman permite dividir el relato y dotar de color cada una de las escenas que lo componen. Logra quietud, reflexión y a la vez permite movilizar la acción como consecuencia de la situación que se debe enfrentar.

“1917” es estupenda y no puede dejarse de ver en el cine, en pantalla grande y en las mejores condiciones. Es de un virtuosismo tan alto que gracias a ello podemos dejar pasar algunos detalles que tal vez en otras cintas no podríamos dejar de mencionar. Es tan sólida su construcción y tan potente lo que logra transmitir que aquello es lo más importante y lo más destacado. Colin Firth y Benedict Cumberbatch, interpretando al general Erinmore y al coronel Mackenzie respectivamente, aparecen menos de cinco minutos en pantalla y sus intervenciones son cruciales. Es solo una pequeña muestra del arte conseguido por Mendez en una cinta que cautiva, sorprende y emociona de comienzo a fin.

Ficha técnica

Título original: 1917
Año: 2019
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Amblin Partners / Neal Street Productions / DreamWorks SKG / New Republic Pictures. Distribuida por Universal Pictures
Género: Bélico. Drama | I Guerra Mundial
Guion: Sam Mendes, Krysty Wilson-Cairns
Música: Thomas Newman
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Richard Madden, Benedict Cumberbatch, Mark Strong, Colin Firth, Andrew Scott, Teresa Mahoney, Daniel Mays, Adrian Scarborough, Jamie Parker, Nabhaan Rizwan, Justin Edwards, Gerran Howell, Richard McCabe, Robert Maaser, John Hollingworth, Anson Boon, Jonny Lavelle, Michael Jibson, Chris Walley
Dirección: Sam Mendes

jueves, 9 de enero de 2020

La Maldición de la Ouija - Por Jackie O.

“La real maldición es soportar 95 minutos”.

“Ouija House” es una película que se cataloga de terror sobrenatural estadounidense, que se estrenó el 2018.

La cinta narra la historia de una joven que está escribiendo un libro sobre actividad paranormal, y para darle el final perfecto decide reunir a sus amigos llevándolos a una casa que tiene un pasado muy oscuro. En dicho lugar encuentra una ouija, donde el grupo invoca a una entidad malvada que juega con ellos.

Se lee interesante, y cuantas situaciones realmente aterradoras se podrían hacer con una historia así.

Su director ha hecho un par de películas con críticas muy desfavorables, pero insiste, y lamento decir que ésta no está ni cerca de poder ser una película buena de terror. Tampoco vemos situaciones que puedan ser valores rescatables para detallar.

Creo que hacer un poco de historia de cine es más interesante que hablarles de la misma película: La tabla Ouija es una tabla marcada con las letras del alfabeto, los números del cero al nueve, las palabras “sí”, “no”, “hola” y “adiós”. Se supone que sirve para invocar espíritus colocando un puntero movible sobre la tabla y desplazándola con los dedos.

Para muchos es un objeto aterrador y esto se ha debido, en gran parte, a las películas. Creo que la primera vez que se utilizó esta tabla en el cine fue en la película “The Uninvited” de Lewis Allen en 1944. Y de ahí han salido diversas películas.

No sé qué decirles de esta película, la cual no tiene nada de terror ni siquiera un ápice de tensión, sin nada de originalidad y rellena con situaciones mal editadas, momentos que sacaron de otras películas como poner una muñeca poseída (tipo Anabelle), típicas posesiones demoniacas (vistas en Constantine por ejemplo), dar vueltas y llegar al mismo lugar (como en pesadilla 3), un par de fantasmas, historias de brujas, extraños ruidos mal instalados, etc.

“La maldición de la Ouija”, es una película que no llega a asustar en ningún momento (ni siquiera a inquietarte un poco) y está plagada de situaciones ilógicas, mala dirección, efectos malísimos, y actuaciones pésimas que llegan a causar risa.

Si quieres la vez en TV, aunque ni ahí vale la pena perder hora y media.

Ficha técnica

Título Original: Ouija House
Duración 95 minutos
Director: Ben Demaree
Producida por: Jeff Miller
Productores Ejecutivos: Stuar Alson, Albert Avramovic, Kwang Rae Choi, David Coppa, Ameer Fawaz, Tom Hillery, Ronnie D. Lee, Felix McNulty, Thomas Webert, Ray Young.
Reparto: Mischa Barton, Tara Reid, Carly Schroeder.

1917 - Por Juan Pablo Donoso

Por sus méritos recibió el Globo de Oro al mejor filme 2019.

Nos cautiva de comienzo a fin.

Su director británico Sam Mendes ya nos admiró con Skyfall- 2012, Sólo un Sueño - 2008, y con esa joya anterior Belleza Americana - 1999.

Ahora recrea el relato de un tío suyo que protagonizó una hazaña milagrosa durante la 1ª Guerra Mundial.

A dos jóvenes soldados se les asigna la tarea suicida de abandonar su trinchera, atravesar varios kilómetros por territorio ocupado por los alemanes, y entregar una contraorden de ataque a otro batallón inglés.

Los germanos fingieron haberse replegado para sorprender a los ingleses por la retaguardia. Nuestros dos soldados debían llegar a tiempo para impedirles caer en la trampa.

La película es la trayectoria completa - con todos los riesgos - que Schofield y Blake sufrieron. Blake insistió en acometerla debido a que su hermano mayor era capitán del otro batallón y, sin duda, sucumbiría en la masacre.

El relato nunca decae. Mantiene estupendo balance entre los horrores de la guerra y la fragilidad de sus personajes.

Las actuaciones de George MacKay (Capitan Fantástico 2016) y Dean-Charles Chapman (Game of Thrones 2013-16) nos atrapan emocionalmente desde el comienzo, y otro tanto hacen algunos secundarios poco conocidos para nosotros.

Más, junto a la insólita epopeya de amistad y heroísmo, resaltamos otros méritos tal vez tan magistrales como la historia misma. Nos referimos a la labor de Roger Deakins, como Director de Fotografía y a Dennis Gassner por el Diseño Integral de la Producción.

Roger Deakins es hoy día uno de los más excelsos fotógrafos del cine mundial. Su fama viene precedida por 14 nominaciones al Oscar en años anteriores, habiéndolo recibido por Blade Runner 2049.

¿Cuál fue ahora su proeza? Filmarla casi entera como un solo Plano Secuencia. Es decir, sin cortes entre una toma y otra. Como si hubiera echado a correr la cámara al comienzo de la aventura, siguiendo a los personajes, y sólo deteniéndola al finalizar la película.

El ojo experto nos dice que hubo 4 cortes - ¡magistralmente disimulados! - para dar la impresión realista de que la cámara (manejada por el mismo Deakins) acompañó sin detenerse a los actores de comienzo a fin. Así genera la idea de tiempo real, para una gesta que en verdad duró más de un día.

El otro prodigio es el de Dennis Gassner, con su equipo de vestuaristas, maquilladores, escenógrafos y utileros. La travesía de los dos soldados incluye la extensa trinchera inicial, atestada de militares hambrientos y cadáveres, el recorrido por el campo de batalla minado con charcos de aguas inmundas y cuerpos de combatientes y animales por doquier, la aldea solitaria y bombardeada, el río caudaloso, los caminos con tropas en marcha y, finalmente, la fétida e insalubre trinchera que debía recibir el mensaje de advertencia.

UN FILME MAGNÍFICO Y LOGRADO EN TODOS SUS ASPECTOS ARTÍSTICOS Y TÉCNOLÓGICOS. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Drama bélico Andes Films EE.UU., Inglaterra - 1,59 hrs. 
Fotografía: Roger Deakins 
Edición: Lee Smith Música: Thomas Newman 
Diseño Prod.: Dennis Gassner 
Guion: Sam Mendes, Krysty Wilson-Cairns 
Actores: Dean-Charles Chapman, George MacKay, Daniel Mays 
Director: Sam Mendes

Lo Mejor está por Venir - Por Juan Pablo Donoso

Un bocado de cardenal para cualquier Cine-Arte.

El cine francés, (excluyendo los policiales) en los últimos 40 años, se ha caracterizado por narrar historias con un argumento pequeño y poco espectacular, centrándose en la íntima relación de sus personajes.

Con excelente tratamiento de fotografía, color y edición, nos pasea por pueblos y paisajes pueblerinos, aportando la presencia de ancianos que dan el toque existencial de madurez y conformidad.

La dupla Alexandre La Patteliere y Matthieu Delaporte, escriben y dirigen sus filmes con inteligencia y calidez.

Sus relatos oscilan entre la acción delictiva (El Inmortal 2010) y los pequeños, pero inquietantes, conflictos interpersonales (El Nombre 2012, también llevada al teatro).

Esta es una tragicomedia en que la amistad y la mentira luchan por hallar un punto de equilibrio.

Arthur y Cesar son amigos queridos desde siempre. Cuando uno de ellos se entera que al otro le queda poco tiempo de vida, sin decírselo, decide invitarlo a disfrutar sin cortapisa de sus últimos días. Pero, el otro, por un malentendido, piensa que lo mismo le está ocurriendo a su amigo, y aprovecha las locas aventuras para festejarlo también por la misma razón.

Cada vez que se intenta confesar la verdad, surge algo inesperado, y el temido momento se posterga.

Una situación tan festiva y, a la vez incómoda por lo arcana, hace que las vidas de ambos, a lo largo de los viajes por campos, pueblos y provincias se sometan a revisiones de tiempos pasados. Estas reflexiones los harán conocer nuevas personas que antes pasaban desapercibidas, a reconciliarse con parientes ancianos, y a mirar la vida desde ángulos insospechados.

Ningún giro del argumento es despampanante. Es un día a día minimalista de encuentros, diálogos y graciosos desafíos a los protocolos. Total, cada uno cree estar alegrando los últimos momentos de la vida del otro.

Como desde el comienzo sabemos la verdad, el transcurso de la historia nos inspira compasión por la inocencia de cada uno, y a la vez suspenso a la espera de que reviente la esquiva realidad.

TRAGICOMEDIA MINIMALISTA, MUY FRANCESA, QUE REALZA LA AMISTAD Y NOS MANTIENE EN GRATO SUSPENSO.

Ficha técnica


Título Original: Le Meilleur reste a Venir 
Tragicomedia BFDistribution Francia, Bélgica - 1,57 hrs. 
Fotografía: Guillaume Schiffman 
Edición: Célia Lafitedupont, Sarah Ternat 
Música: Jérôme Rebotier 
Diseño Prod.: Marie Cheminal 
Actores: Fabrice Luchini, Patrick Bruel, Zineb Triki 
Guionistas y Directores: Alexandre de La Patellière, Matthieu Delaporte

Amenaza en lo Profundo - Por Juan Pablo Donoso

Es lamentable que derrochen US$ 80.000.000 en un filme cuyo guion adolece de elementos que lo hacen obvio, confuso y cansador.

Se nota que el dinero se concentró más en la compleja realización y en sueldos para sus actores principales.

Los trabajadores de una gigantesca instalación submarina - a 11 kms. de profundidad -quedan atrapados cuando un terremoto la rompe y empieza a inundarse. Los sobrevivientes deberán hallar la forma de salir de ella y refugiarse en otra base relativamente cercana. Pero deberán hacerlo caminando por el fondo del mar, con trajes presurizados, con poco oxígeno de reserva, y expuestos al ataque de gigantescos monstruos del abismo.

El cataclismo se desata justo al comienzo. Los primeros 10 minutos nos prometen una aventura extraordinaria. Más aún cuando la heroína principal - Kirsten Stewart (Amanecer 2011 y 12 - Blancanieves y el Cazador 2012) - se nos presenta como una aguerrida tecnóloga, poco glamorosa pero sensual.

Los interiores futuristas se han visto hasta la saciedad tanto en naves espaciales como en relatos de tragedias bajo el océano.

Con diálogos ramplones para explicar lo mismo que estamos presenciando, intentan dar alguna pista del origen de los personajes. Igual quedan esquemáticos y sólo concentrados en sobrevivir. Para actualizarse hasta sugieren, muy de pasadita, un cierto indicio de lesbianismo.

Gran parte del relato sucede bajo el agua, con imágenes muy oscuras, y donde sólo importa que la acción siga avanzando. Como a los 30 minutos ya empezamos a mirar el reloj. Hay mínima empatía con esas personas, y nos importan poco sus muertes y sus destinos.

Tratan de justificar un final poético mediante la inmolación. Ya es muy tarde. Sólo deseábamos que terminara pronto. Tal vez en una novela sería soportable. Hasta mencionan las 20.000 Leguas de Vieja Submarino para consolarnos.

Su joven director - William Eubank (La Señal (2014), Love (2011) y Broken City (2013) - prefirió lucirse más con los efectos especiales que humanizar a sus protagonistas.

TRABAJOSA Y FORZADA PRODUCCIÓN DE UN TEMA TRILLADO Y PERSONAJES DISTANTES. AGOTADORA Y SIN SUSPENSO.

Ficha técnica


Título Original: Underwater 
Acción, horror Fox EE.UU. - 1,35 hrs. Fox 
Fotografía: Bojan Bazelli 
Edición: Brian Berdan, William Hoy, Todd E. Miller 
Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts 
Diseño Prod.: Naaman Marshall 
Guion: Brian Duffield, Adam Cozad 
Actores: Kristen Stewart, T.J. Miller, Jessica Henwick 
Director: William Eubank

jueves, 2 de enero de 2020

El Caso de Richard Jewell - Por Juan Pablo Donoso

Una vez más - a los casi 90 años - Clint Eastwood nos entrega una estupenda película.

En su trayectoria como director - 41 filmes - se ha caracterizado por escoger temas importantes, de profundo valor humano, y con una realización siempre virtuosa, entretenida y excelentes actuaciones.

Hay en sus relatos una constante contraposición entre la virtud y la corrupción; entre la pureza de sus víctimas y la perversidad de sus malhechores; entre la fragilidad de sus héroes versus la estupidez de los poderosos.

Tal vez estos extremos provienen desde los comienzos de su carrera actoral, cuando se consagró en los famosos spaghetti westerns de los años 60 en Italia, bajo la dirección de Sergio Leone (El Bueno, el Malo y el Feo -1964) y con su otro maestro, Don Siegel en EE.UU. (Harry el Sucio - 1971).

Su temática reincide en denunciar vicios y prepotencias, haciéndolos sucumbir bajo el peso de héroes débiles pero llenos de fuerza espiritual.

Así lo vimos en La Mula (2018), Gran Torino (2008), Million Dollar Baby (2004), ampliando su registro directoral con gestas bélicas como Cartas desde Iwo Jima (2006); y con fina madurez romántica en Los Puentes de Madison (1995). Es inmensa la variedad de su espectro, que va desde lo político (J. Edgar - 2011), lo biográfico musical (Bird - 1988), y los crímenes siniestros de Río Místico - (2003) entre tantos otros siempre sensibles por su elegante franqueza.

Ahora nos narra el caso verídico de Richard Jewell (1996), un sencillo guardia de seguridad que, por salvar la vida de cientos de personas en un evento masivo en Atlanta, fue acusado de ser él mismo el terrorista del atentado.

El candor e idealismo de Jewell sufrirá bajo los embates de la prensa sensacionalista, de la soberbia del FBI, y de la farándula que, habiéndolo ensalzado al comienzo como un héroe, lo estigmatiza después como un bestial asesino, con la misma liviandad.

El guion de Billy Ray va relatando el proceso con claridad y realismo. La edición permite a los personajes traslucir la gama de sus ambiciones: desde los más honestos e inocentes hasta los más cínicos y egocéntricos.

La dirección de actores es de alto nivel. Destacamos a Paul Walter Hauser (Yo Soy Tonya - 2017), como el bonachón Jewell. Es admirable su parecido físico con el verdadero Richard Jewell. Su desempeño lo hace nominable al Oscar. Con similar brillo lo siguen Sam Rockwell (3 Anuncios de un Crimen 2017), su abogado; Kathy Bates (Titanic - 1997), su madre, y Olivia Wilde (La Vida Misma 2018), como la periodista insaciable de triunfo a cualquier precio.

DESCARNADA DENUNCIA DE UNA INJUSTICIA CIVIL, NARRADA CON PULSO PRECISO, IRÓNICO Y HUMANITARIO. EXCELENTE.

Ficha técnica


Título Original: Richard Jewell 
Drama social, suspenso Warner Bros. EE.UU. - 2,11 hrs. 
Fotografía: Yves Bélanger 
Edición: Joel Cox 
Música: Arturo Sandoval 
Diseño Prod.: Kevin Ishioka Guion: Billy Ray 
Actores: Paul Walter Hauser, Sam Rockwell, Brandon Stanley 
Director: Clint Eastwood

Los Ángeles de Charlie - Por Juan Pablo Donoso

Ni la sombra de cualquier antiguo capítulo TV de Los Ángeles de Charlie de los años 70.

Mucha edición y poco contenido.

La hermosa actriz Elizabeth Banks (Los Juegos del Hambre 2013), ahora como directora consiguió un presupuesto de US$ 48.000.000 para relanzar a las glamorosas heroínas a luchar por el bien y derrotar a los malvados.

Más, en lugar de un buen guion creyó que bastaban unos cuantos combates inverosímiles, viajar por hermosas ciudades, lucir espectaculares pelucas y peinados, y una galería de vestidos y zapatos vistosos para mantener interesado al público.

La agencia de detectives Townsend es conocida por sus Ángeles: un trío de mujeres que cambia de una generación a otra. Lo propio de la serie era tener mucha acción y proezas físicas femeninas.

Pero aquí, por su excesiva longitud y parafernalia glamorosa, atentó contra el suspenso y el carisma de sus nuevas protagonistas.

La historia del cine cuenta con estupendas películas de acción con súper heroínas blancas, negras y orientales. Que nos baste recordar las sagas de Kill Bill, Nikita, Tomb Ryder, La Mujer Maravilla y tantas más.

La directora Banks que, obviamente, se incluyó como actriz en ésta, declaró a la prensa que a los espectadores masculinos les desagradan las súper campeonas en la pantalla grande. ¡Pamplinas! Aventuras bien realizadas, con buenos argumentos y actuaciones atractivas conquistan a cualquiera.

Con tal de vindicar al poder femenino, olvidaron incluir el factor amoroso y, muy en especial, los giros o alusiones humorísticas. Todos los hombres/objeto son paradigmas de idiotez. En vez de promover la equidad cayeron en la más burda ramplonería.

Los relatos en favor del feminismo pueden ser justicieros, ingeniosos, con personajes eróticamente pintorescos (aunque seas de comics), y también serán gratos.

UN ABRUMADOR Y OSTENTOSO INTENTO DE REVIVIR A LAS LEGENDARIAS ANGELES DE CHARLIE. POCO SUSPENSO Y POCO INTERÉS.

Ficha técnica

Título Original: Charlie´s Angels 
Aventuras, acción, seudo comedia 
EE.UU. - 1,58 hrs. Andes Films 
Fotografía: Bill Pope 
Edición: Alan Baumgarten, Mary Jo Markey 
Música: Brian Tyler 
Diseño Prod.: Aaron Haye 
Guion: Elizabeth Banks, Evan Spiliotopoulos 
Actores: Kristen Stewart, Naomi Scott, Ella Balinska 
Directora: Elizabeth Banks 

miércoles, 1 de enero de 2020

El caso de Richard Jewell - Por Carlos Correa

Clint Eastwood regresa a la silla de director para conducir una película sobre un caso real sucedido durante el desarrollo de los Juegos Olímpicos en el año 1996. Richard Jewell -Paul Walter Hauser, mientras estaba de guardia durante un Concierto en el Centennial Olympic Park de Atlanta, descubrió una mochila sospechosa. Con premura hizo activar el protocolo de seguridad y logró evacuar a cientos de personas. Efectivamente la amenaza era cierta, la mochila contenía un aparato explosivo que detonó en el concurrido lugar causando dos muertos y un centenar de heridos. La acción de Richard, oportuna y a la vez arriesgada, evitó que las consecuencias fueran aún más lamentables. Hasta ese momento, los hechos lo posicionaban como figura nacional, un héroe que con valentía había impedido una tragedia mayor, sin embargo, la historia cambia radicalmente; comienza a ser investigado por el FBI como principal sospechoso y el caso adquiere una inusual cobertura cuando la investigación es filtrada por la prensa.

Eastwood configura el relato en torno a la personalidad de Richard. El comienzo de la cinta, algo lento y con detalles que no parecen demasiado trascendentes, es fundamental para comprender lo que el metraje ofrece desde su segundo tercio. La vida de Richard, su permanente ilusión de ser reconocido junto a sus sueños y fracasos, nos da luces sobre lo que viene. El protagonista vive con su madre, Barbara "Bobi" Jewell -Kathy Bates-, en una pequeña casa de Atlanta. La relación de ambos es estrecha y naturalmente las características de hijo único brotan espontáneamente como rasgos importantes de su personalidad.

Paralelamente, el director desarrolla la otra cara de la moneda, es decir lo que sucede con los responsables en el FBI y su necesidad imperiosa de encontrar culpables. Suma a lo anterior el decisivo papel e influencia que los medios de comunicación ejercen una vez que se hacen públicas las sospechas sobre el guardia. En estos dos papeles, tanto en del agente a cargo del FBI como en el de la reportera que difunde la noticia, Eastwood sitúa una mirada que, desconociendo si es verdadera o no, introduce un aspecto polémico pues expone el intercambio de información a cambio de favores sexuales.

En el centro del relato está la relación de Richard con Watson Bryant -Sam Rockwell-, el abogado que toma la defensa de su caso. Ambos se conocieron anteriormente en una pequeña oficina de abogados donde Richard era el encargado del correo postal. Ahora, en este momento angustiante, Watson es la única carta a la que puede recurrir y para su beneficio, el ahora abogado independiente no duda en tomar su representación. Jewell debe soportar la humillación de ser investigado sin mayores pruebas que acrediten su participación y de ver cómo su madre sufre por esta situación. También asume estoicamente presiones indebidas. Su respeto a la autoridad y a la ley le hace más vulnerable aún pero con ello también muestra un coraje digno de destacar e imitar. Watson no solo debe lidiar con las implicancias jurídicas de una situación que a todas luces se presenta como un caso débil sino que también con la firme convicción de inocencia de su representado la que tal vez por lo mismo le impide defenderse y se expone en demasía.

Clint Eastwood filma un guion escrito por Billy Ray, basado en el artículo de 1997 “American Nightmare: The Ballad of Richard Jewell” de Marie Brenner y lo dota de carácter documental. “Es una historia que necesita ser contada”, señala el director y con ello define su posición sobre la injusticia que recae sobre Richard, las investigaciones parciales y guiadas hacia el primer sospechoso, las verdaderas responsabilidades del acto terrorista y la influencia de los medios en casos de esta connotación social. “Es por eso que quise hacer esta película", continúa el director, "para devolverle el honor a Richard. Porque es el hombre común, que quiere ser un oficial de policía, más que nada, para dedicarse a mejorar a la humanidad, quien hace esta acción heroica y luego paga un alto precio por ello”.

“El caso de Richard Jewell” encierra muchos detalles y puntos de vista. Es real, compleja y tambien polémica; fija posiciones que naturalmente pueden ser compartidas, rebatidas o tal vez solo desestimadas. Eastwood, con una cámara precisa y clara que pone su foco en la humanidad de los personajes, en sus sentimientos y emociones, logra trasmitir un mensaje vital sobre una realidad que muchas veces se instala por sobre la veracidad de los hechos. Nuevamente Clint Eastwood nos regala, fiel a su estilo y a su manera, un homenaje a la justicia filmando una historia que lleva a la reivindicación definitiva de Richard Jewell.

Ficha técnica

Título original: Richard Jewell
Año: 2019
Duración: 131 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Malpaso Productions / Warner Bros. Brasil / Appian Way / Misher Films / 75 Year Plan Productions. Distribuida por Warner Bros. Brasil
Género: Drama | Basado en hechos reales. Juegos olímpicos. Años 90. Periodismo
Guion: Marie Brenner, Billy Ray
Música: Arturo Sandoval
Fotografía: Yves Bélanger
Reparto: Paul Walter Hauser, Jon Hamm, Olivia Wilde, Sam Rockwell, Kathy Bates, Wayne Duvall, Dexter Tillis, Desmond Phillips, Nina Arianda, Ian Gomez, Randy Havens, Mike Pniewski, Niko Nicotera, Dylan Kussman, Beth Keener, Billy Slaughter, David Shae, Shiquita James, Deja Dee, Kendrick Cross, Jill-Michele Melean, Mitchell Hoog, David Lengel, Marc Farley, Victoria Paige Watkins, Charles Green, Shawn Weston Thacker
Dirección: Clint Eastwood