La Decisión de Partir - Por Juan Pablo Donoso

Es de las coreanas barrocas difíciles de evaluar. Ignoramos si sus excesos son defectos o una exquisita exuberancia oriental.

El conflicto central es simple, claro y fácil de seguir.

Un exitoso detective arruina su carrera y su matrimonio al enamorarse de una señora china, sospechosa de asesinar a todos sus maridos.

Acompañamos al detective, durante las 2 horas y 19 minutos, en la encrucijada de su conciencia: ejercer su profesión con ética y, a la vez, lidiar con los impulsos de su corazón enamorado. El título nos da una clave del destino trágico de tan atormentados personajes.

Lo que confunde es toda la ornaméntica audiovisual con que la salpican, complican y agotan, intercalando incluso saltos en el tiempo, y metiendo otros personajes que mucho, poco y nada aportan al conflicto central.

Preciosista en la fotografía, el cromatismo claroscuro, la edición casi virtuosamente endemoniada, los paisajes y los boleros latinoamericanos con que se acercan a nuestra cultura.

Al prestigioso director Park Chan-wook (La Doncella - 2016, Old Boy - 2003) le dieron “chipe libre” presupuestario; pudo deleitarse jugando con las formas para narrar una fatal historia de amor.

Recomendamos verla con paciencia y ánimo para armar el rompecabezas.

UN LARGUÍSIMO SALPÍCÓN ESTÉTICO COREANO QUE REVELA OFICIO PERO POCA SELECCIÓN. AGOTADORA.

Ficha técnica  

Título original: Heojil kyolshim 

2022 Crimen, misterio, romance Corea del Sur - 2,19 hrs. 

Fotografía: Kim Ji-yong 

Edición: Kim Sang-beom 

Música: Jo Yeong-wook 

Diseño Prod.: RYU Seong-hie 

Guion: Park Chan-wookChung Seo-kyung 

Actores: Park Hae-il, Tang Wei, Lee Jung-hyun 

Dirección: Park Chan-wook

Alcarràs - Por Carlos Correa

Esta película dirigida por Carla Simón está muy bien filmada. Además de reflejar lo cotidiano, a través de una sutil manera contemplativa deja entrever ese organizado caos que configura la vida diaria de una familia de campo. Este realismo, que parece muy sencillo pero que es muy difícil de lograr, describe parte de la historia de la propia directora. Es por ello que, quizá por momentos, se perciba como un documental; varias ventanas o puntos de entrada para un relato que se siente como un homenaje a las tantas personas descritas en este trabajo.

El lugar es Alcarràs, provincia de Lérida, Cataluña, y los hechos refieren a la paulatina extinción de las actividades agrícolas. Es exactamente eso lo que vive la familia Solé, quienes ocupan una parcela, siembran, cosechan y venden duraznos, y se ven amenazados por un radical cambio en la utilización de los terrenos; ahora se instalarán paneles solares, por lo que todos los árboles serán cortados de raíz.

La cinta contiene diferentes miradas, desde los niños a los adultos, visiones que emergen desde el interior de una familia constituida por tres generaciones. Ahí están los ojos (abuelos), los gestos y acciones (padres), las dudas (adolescentes), y la inocencia (los más pequeños). Un guion espléndido de Carla Simón junto a Arnau Vilaró, que ofrece lecturas en diversos planos, y sin perder perspectiva. Al contrario, cada capa agrega valor, suma y multiplica, con lo que, además, profundiza.

La familia sufre un golpe brutal al saber que perderán las tierras que trabajan hace unos ochenta años. Claro, no tienen papeles de propiedad, se las entregaron verbalmente y sin una certificación adecuada. Una retribución que ahora pasa la cuenta, porque el heredero desconoce lo obrado décadas atrás. Y este nuevo dueño quiere tecnología: placas solares, un nuevo destino del suelo, moderno y diferente, tal vez más rentable.

El primer sentimiento que tienen los Solé es la negación. Las tradiciones se borran de un plumazo, son arrasadas; pero además está la dicotomía entre lo conocido, lo que por años han ejercido, versus la incertidumbre del porvenir. Aún siendo parte de la lucha de la agricultura por subsistir, porque forman parte de una cooperativa que unida reclama sus derechos, esta familia queda descolocado por este fuerte impacto.

Empezamos a percibir que el ruido de las máquinas o el avance de los camiones es una amenaza. Hay un filtro a una angustia y un dolor que no se ve en HD. Al contrario, lo vemos nublado, borroso, desfigurado, cuando la vida va pasando delante de sus ojos. A veces esto no es perceptible al momento de visualizar la cinta. La reflexión viene después, al recordar y madurar lo observado: la frescura y verdor del paisaje, la candidez de los juegos infantiles, el arduo trabajo de cultivar y cosechar, los diferentes espacios familiares, los conflictos explícitos (y en especial los más ocultos), y aquel dolor físico pero mucho más emocional que se intenta cubrir a cómo dé lugar.

El elenco no profesional resulta notable. Se nota fluido, espontáneo, sin esfuerzo, expresando una naturalidad permanente. Parece que les hubiesen dicho “uno, dos, tres, hagan ustedes lo que siempre hacen”. Es imposible no empatizar con el abuelo, el padrino, que mira lo que sucede y no interfiere. O con Iris, la más pequeña (y además muy resuelta); o con el hombre que lleva el peso de las decisiones. En relieve se encuentran las relaciones familiares de padre-hijos, madre-hijos, hermanos mayores y menores, primos, sobrinos, cuñados, etc., un grupo heterogéneo lleno de matices y colores, sin ocultar sus luces y sus sombras.

“Alcarràs”, propuesta española al Óscar y ganadora del Oso de Oro de Festival Internacional de Cine de Berlín , infunde un aura emocional difícil de describir. Es de esas películas que quedan resonando, que se terminan de construir tiempo después de verlas. La personalidad de la directora se transmite en su esencia, porque Carla Simón nos sumerge en la historia y nos hace cómplices. Algo de los Solé se queda con nosotros y nos acompaña. Tanto es así que, cuando escribo estas líneas, siento aún más presentes aquellas sensaciones que perduran.

Ficha técnica

Título original: Alcarràs
Año: 2022
Duración: 120 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Italia; Avalon P.C, Elastica Films, Vilaüt Films, Kino Produzioni, Movistar Plus+, RTVE, TV3
Género: Drama | Familia. Vida rural. Trabajo/empleo
Guion: Carla Simón, Arnau Vilaró
Música: Andrea Koch
Fotografía: Daniela Cajías
Reparto: Jordi Pujol Dolcet, Anna Otín, Xenia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou, Josep Abad, Montse Oró, Carles Cabós, Berta Pipó
Dirección: Carla Simón

Sin novedad en el frente - Por Jackie O.

"100 años han pasado, y pareciera que nada cambia".

Ambientada en los últimos momentos de la Primera Guerra Mundial, sigue la vida de un joven soldado alemán idealista llamado Paul Bäumer. Después de alistarse en el ejército alemán con sus amigos de la escuela Albert Kropp, Franz Müller y Ludwig Behm, Bäumer se encuentra expuesto a las realidades de la guerra, rompiendo sus primeras esperanzas de convertirse en un héroe mientras hace todo lo posible para sobrevivir.

Basada en la novela "Sin novedad en el frente" (Im Westen nichts Neues), de Erich Maria Remarque, que muestra los horrores de la guerra desde el punto de vista de un joven soldado alemán, el libro se publicó por primera vez en Alemania en 1929, editado por Propyläen Verlag.

La película adaptó parte de esta novela para llevarla a la pantalla, quitando algunos momentos y agregando una historia paralela que no se encuentra en el texto, que sigue las negociaciones de armisticio para poner fin a la guerra por parte del oficial alemán Matthias Erzberger, quien ya cansado de las crecientes pérdidas, se reúne con el Alto Mando alemán para persuadirlos de que comiencen conversaciones de armisticio con las potencias aliadas. El resultado: un deleite visual.

En esta cinta vemos la crudeza de la Primera Guerra Mundial, donde nos muestra a ingenuos adolescentes alemanes que, por un espíritu patriota y creer que esto será una transición de niño a hombre, desean participar defendiendo a su país que está en guerra y se enlistan en el Ejército Imperial Alemán.

Pero se darán cuenta que no es un juego, es horror, incertidumbre, desesperanza, y también encontrarán dentro de tanta ruina la amistad, lealtad, y muchas cosas más que irán aprendiendo a medida que pasan los días, las semanas...

Una historia contada a través de los ojos del joven Paul, que desde los primeros minutos su entusiasmo y euforia inicial, pasa al horror y desesperación sin escape.

La historia la vemos desde el lado alemán, sus miedos, la inminente furia o frialdad que los transforma, y a veces con pequeñas luces de esperanza, que a veces se ven diluirse rápidamente.

Vemos a Generales comer cenas lujosas, mientras sus peones están entre el barro y el miedo luchando la guerra de ellos. Vemos como la inocencia queda perdida en el frente de batalla para traernos hombres fríos.

Una deprimente película que nos provoca dolor y también miedo a través de los ojos de otros, pero que asombra por su estética en general, y a qué me refiero con ello, pues a todo: el director supo llevarnos por esas transiciones anímicas, una puesta en escena donde cada detalle estuvo cuidadosamente pensado, como el barro, ratas, trincheras, casas alejadas, lluvias, etc., perfecto; buenas y creíbles actuaciones, muy buenos efectos de sonido y banda sonora, guion coherente, edición impecable, con un maquillaje realista y vestuario muy acorde a lo que nos cuenta.

Una cinta que nos muestra lo duro que es la guerra, que nos hace seguir preguntándonos ¿por qué debemos estar en ese escenario siempre, por qué la guerra nunca se acaba? ¿por qué algunas personas deben ser peón de otros?

Una película que nos cuenta hechos de hace más de 100 años atrás, y de la inutilidad de la guerra, pero que vemos nuestro presente y pareciera que todo sigue igual, siempre la guerra está presente en algún lugar del mundo. No aprendemos.

Dónde hermano contra hermano deben debatirse la vida por decisión de otros que no están en el campo de batalla.

Mostrándonos que la vida y sus cambios bruscos suceden en un abrir y cerrar de ojos, cuando crees que todo está bien, todo cambia en cuestión de segundos. Así es la vida.

Disponible en Netflix.

Como datos curiosos:

- La novela ha sido llevada tres veces al cine: La primera película, fue dirigida por Lewis Milestone en 1930 y obtuvo dos premios Oscar: al mejor director y a la Mejor película. La segunda película, remake de 1979, dirigido por Delbert Mann, quien en 1980 recibió un Golden Globe como mejor película de TV. Y la tercera es esta, dirigida por Edward Berger, nominada a varios premios , y ganadora ya de otros tantos.

- En 1983, Elton John compuso una canción antibélica titulada "All Quiet on the Western Front", que hace referencia a la película.

Ficha técnica

Dirigida por Edward Berger
Guión de Edward Berger, Ian Stokell y Lesley Paterson
Cinematografía: James Amigo
Editado por Sven Budelmann
Música de Volker Bertelmann
Duración: 147 minutos

Año: 2022
Género: Bélico, I Guerra Mundial, Drama
Países Alemania y EEUU
Idiomas: Alemán y Francés
Protagonizada por Félix Kammerer, Albrecht Schuch, Daniel Brühl, Aaron Hilmer , Moritz Klaus

No hemos terminado aún - Por Jackie O.

"Rabia, dolor, temor y vergüenza"

Sinopsis: Este trabajo sigue a veteranos y miembros del servicio activo, de diversos orígenes y ramas del ejército, que se reúnen para combatir sus traumas a través de la palabra en un taller de artes, patrocinado por la USO en el Hospital Militar Nacional Walter Reed.

Estrés post traumático, así viven muchos soldados que fueron a Afganistan, Irak y otras batallas, donde ellos pelearon guerras que los poderosos crean por su vanidad, orgullo y maldad. Pero, encontraron un espacio donde se reúnen con otros iguales, conversan y realizan talleres de escritura, para así aminorar el daño psicológico que provocó la o las guerra en las cuales estuvieron.
Cada día de sus vidas, esas horribles imágenes de lo vivido no desaparecen, son horribles recuerdos que los atormentan, pero en este taller se sienten acompañados, en un espacio donde pueden ser libres por momentos, comprendidos y con esperanzas.

Jeffrey Wright ha colaborado en varios trabajos sobre la historia norteamericana, y la guerra es parte de su historia. Él es parte del grupo de apoyo, y así conocemos a estos soldados, hombres y mujeres que vieron la muerte directo a los ojos, que fueron objeto de ira, abusos, manipulables para matar y morir. Algunos perdieron a su familia por su estado emocional que les dejó estos eventos, otros abandonados por ese trabajo al cual rendirían hasta la vida si era necesario, sin dejar de mencionar, que deben tomar medicamentos para estabilizarse de por vida.

Acompañamos a algunos en su cotidianeidad, con problemas judiciales y familiares.
Sus pilares emocionales principales asociados al trauma son la rabia, el dolor, el temor y la vergüenza, los cuales deben de a poco erradicar o aceptar sin culpas. Las tres primeras se externalizan más, pero la vergüenza requiere una comunidad que los acepte tal como son.

Hombres y mujeres con traumas donde fueron marginados, humillados, vejados, censurados, abandonados, incluso pensaron en acabar con su propia vida. Pero este grupo de encuentro los levanta de alguna forma. Escriben y comparten sus historias, lo que deseen expresar, es su forma de liberarse, sacar un poco de esa enorme carga que llevan. Y todas esas historias, las transformaron en una obra de arte, y vemos la realización de ello. Los vemos trabajar en equipo, se sienten comprendidos entre ellos. El arte les salvó la vida.

En pocos minutos nos hablan de una verdad que no se acostumbra a mostrar, de gente que es ignorada por ese trabajo ingrato.
La edición acompaña bien, a pesar de no existir la profundidad de emotividad que tal vez como espectador quisiéramos ver, pero está, se siente, se quiebran; aunque no olvidemos, que ellos tienen otra formación.

Existen trabajos con un alto contenido de estrés, donde las autoridades deben velar por la salud mental del ciudadano. Donde los empleadores también deben estar atentos y colaborar, creando buenos ambientes laborales.
La salud mental es relevante, y hay que ponerle atención.
No deben haber personas de primera o segunda clase para tener una atención digna en la salud, todos valemos.

Y recordar que no hay santos en esta tierra, así que no debemos apuntar con el dedo al otro, aprender a no criticar negativamente, dañando, pues que lance la piedra quien no ha cometido pecado.
Ya que como dicen ellos: "sus manos están sucias, pero aún pueden rezar".

Ficha técnica

We Are Not Done Yet
40 minutos - HBO
Director: Sareen Hairabedian
Productores: Jeffrey Wright , David Holbrooke
Música compuesta por Wytold
Fotografía: Umit Gulsen, Sareen Hairabedian, Leo Maco y Chris Mariles
Año: 2018

Género: Short/Documental

Papá al rescate - Por Carlos Correa

Dicen que una carta puede cambiarlo todo. Eso le pasa a Nico -Benjamin Vicuña-, cuando luego de una fiesta anticipada de festejo por su próximo matrimonio con Nacho -Francisco Saavedra-, recibe una inesperada noticia. La mamá de la niña que tuvo hace ocho años acaba de morir. La pequeña reside en un hogar en Mendoza, y en 72 horas se decide su custodia. Si Nico no se presenta para acreditar que es el padre y que quiere hacerse cargo, Lulú será dada en adopción.

Nico comparte casa de soltero con sus mejores amigos, Raimundo -Jorge Zabaleta-, Fernando -Fernando Larraín-, y “Chico” -Rodrigo Muñoz-. Ellos nada saben de la existencia de su hija, por lo que la sorpresa es mayúscula. No obstante, y ante la decisión de Nico de viajar de inmediato, Raimundo toma la iniciativa de acompañarlo. Se suma Fernando, pero no así “Chico”, quien no puede dejar sola a su mamá.

No hay pasajes disponibles para ir en avión, entonces la opción es viajar a Argentina por tierra. “Chico” los lleva al terminal de buses pero tampoco hay asientos, ni siquiera uno solo, porque una marcha feminista convocada en Mendoza ha hecho que se supere con creces la disponibilidad. ¿Solución? El auto de “Chico”, pero él no puede. ¿Resultado? Los cuatro amigos rumbo al paso de Los Andes, un cruce que les deparará sorpresas, imprevistos, infortunados encuentros y una aventura que nunca olvidarán.

Con guion de Sebastián Freund y Rodrigo Muñoz, y dirigida por Marcos Carnevale (“Granizo”), esta comedia se sostiene gracias al carisma y simpatía de sus protagonistas. Las insólitas situaciones que les ocurren, a veces se unen y otras veces están disgregadas, como “pegoteadas”, componiendo un relato que, en general, carece de continuidad narrativa.

La suma de gags o de sketchs- simpáticos, divertidos, ridículos, o anodinos-, no necesariamente componen una película. Y en esta cinta sucede, porque risas más o risas menos, los cuadros están muy delimitados por este tipo de secuencias que no siempre se relacionan entre sí, y que tampoco elaboran un desarrollo que le entregue ritmo al metraje. Por eso se siente como “la suma de”, más que como un todo orgánico.

Las temáticas de fondo que son abordadas, el matrimonio igualitario, la amistad, el compañerismo, la responsabilidad paternal y la discriminación, entre otras, se diluyen en un trabajo que pone su foco en los estereotipos y caricaturas. Esta bien, es una decisión, pero se puede hacer comedia sobre temas importantes y actuales sin necesariamente caer en vacíos o argumentos que se quedan sin piso al poco andar.

“Papá al rescate” quiere entretener. ¿Lo logra? En mi caso, a medias, o más bien bajo la media, básicamente porque los elementos a los que recurre son muy típicos y evidentes. Los actores lo pasan bien, al menos así parece, pero eso tampoco es algo que “per se” traspase la pantalla. ¿Soy muy exigente? Tal vez. Es que hacer una comedia es posiblemente de las cosas más difíciles de realizar.

Ficha técnica

Título original: Papá al rescate
Año: 2022
Duración: 100 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Argentina; Rizoma Films, Frontera Films, Leyenda
Género: Drama. Comedia. Ciencia ficción | Comedia dramática
Guion: Sebastián Freund, Rodrigo Muñoz
Música: Camilo Salinas, Cristián Heyne
Fotografía: Enrique Stindt
Reparto: Benjamín Vicuña, Laurita Fernández, Jorge Zabaleta, Fernando Larraín, Rodrigo Muñoz, Nayaraq Guevara, Silvina Quintanilla
Dirección: Marcos Carnevale

Cadáver - Por Jackie O.

"Descansa en paz"

Sinopsis: Megan, la trabajadora del turno nocturno de una morgue, recibe un cadáver desfigurado. A medida que sufre una serie de visiones espeluznantes, Megan empieza a sospechar que el cuerpo que acaban de recibir está poseído por una entidad demoníaca.

Películas de posesiones demoníacas llaman la atención, y son un buen recurso para atraparnos en el suspenso y/o terror. Ideal para una noche de fin de semana.
Pero veamos qué nos trae este trabajo.

La cinta arranca con un exorcismo violento, el cual creemos salió bien, donde el cuerpo de la joven Hannah es llevado a la morgue, pero dicho cuerpo se ve un tanto grotesco.

Megan, una ex policía que por unos traumas laborales que la hicieron caer en la droga se tomó la decisión de que ya no podía seguir ejerciendo su profesión, tuvo que partir, por lo que estando sin trabajo le ofrecen uno nuevo: La Morgue. Lugar ideal para ella, ya que no le teme a los muertos y no le provoca nada tocarlos al momento de "procesarlos". Además, está acostumbrada a los turnos nocturnos. Y a eso le sumamos que ella estima que esta oportunidad será buena para poder "limpiarse", y comenzar una vida nueva.
Pero en la noche que llega Hannah, comienzan a suceder eventos muy raros en el lugar. Y ella comienza a dudar de su salud mental.

Todo gira en torno al cuerpo de Hannah. Pero es peor aún cuando Megan ve que en ciertos momentos ese cuerpo comienza a cambiar, a sanarse. (Punto en esto para el guionista, pero...)

Así comienza una búsqueda de la identidad de la chica y saber más de ella. Su olfato policial comienza a actuar.

La cinta cuenta con los elementos suficientes para hacer que nos atrape, y que en esa concentración en la que estamos mirando, saltemos de nuestro asiento.
Pero no lo logra.
Las actuaciones, a pesar de estar correctas, no logran atraparnos, son medianamente creíbles. Falta mucho más.
No aprovecharon el efecto claustrofóbico con la entidad sobrenatural, y una morgue, lugar ideal para que nos provoque ciertas sensaciones incómodas.

No sabemos de la posesión de Hannah, que habría sido ideal, más que mal, el título original lleva su nombre. No queda claro, por qué Hannah actúa como actúa cuando se trata de atacar a Megan.
El guion es deficiente en ese aspecto, pues habría mejorado sustancialmente en la estética en general.
El maquillaje está bueno, así como los efectos visuales que, aunque en algunos casos no se ven bien, no molestan.
Los efectos de sonido son buenos, pero como el guion y dirección flaquean un poco, no se aprecian lo suficiente.
Al final... da para una segunda parte, pero piénsalo bien Diederik.

La película en resumen, se deja ver, pero está lejos de provocar miedo, menos terror.

Sobre las posesiones demoníacas ¿existen o no? ¿Por qué suceden? ¿Efectivamente existen personas capacitadas para "sacar" el demonio a otra persona?...
Son muchas preguntas, pero creo que todo dependerá de tus creencias.

Disponible en Google Play o en Cable (Space)

Ficha técnica

The Possession of Hannah Grace
Dirección: Diederik van Rooijen
Guion: Brian Sieve
Música: John Frizzell
Fotografía: Lennert Hillege
Montaje: Stanley Kolk y Jake York
Protagonistas: Shay Mitchell, Kirby Johnson, Stana Katić, Grey Damon, Nick Thune
Año: 2018
País: EEUU
Género: Terror y Suspenso Sobrenatural
Duración: 86 minutos

Los renglones torcidos de Dios - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Estamos ante una película inquietante, de diálogos intensos, y con un problema central a resolver: la muerte de un joven. Los cambios temporales y las combinaciones, sazonan un guion inteligente que nos lleva por diferentes caminos: los que imaginamos, los que presenciamos, y los que que nos conducen a la verdad. ¿A la verdad?

Con una musica inicial a lo Hitchcock, se presenta la trama. Alice Gould de Almenara -Bárbara Lennie-, ingresa a un hospital psiquiátrico luego de ser dejada en la entrada por un hombre mayor. Dice estar “secuestrada legalmente” por su marido Heliodoro para que pueda convertirse en el administrador de sus propiedades. El perfil escrito por su médico, el Dr. Donadío es claro, sufre paranoia y es una paciente muy sagaz, por lo que perfectamente lo que diga o su comportamiento puede llevar a engaño. Quien la ingresa, la subdirectora del centro hospitalario, es Monserrat Castell -Loreto Mauleón-, quien solo le concede llevar un libro a su celda de aislamiento.

Recién en ese momento conocemos cuál es el verdadero objetivo de Alicia: investigar la extraña muerte, en esas instalaciones, del hijo del Dr. Raimundo García del Olmo, un íntimo amigo de su esposo. Luego de un plan meticuloso para lograr que pueda ingresar, Alicia comienza a armar su puzzle y se relaciona con su nuevo entrono. Allí conoce a Ignacio Urquieta -Pablo Derqui-, y a los gemelos Rómulo y Remo -Samuel Soler-. También al acosador Luis Ojeda (El Gnomo), y a otros pacientes de un centro que, tal vez, de lo que menos tiene es de la prometida palabra “recuperación”.

Basada en la novela de Torcuato Luca de Tena, y escrita y dirigida por Oriol Paulo, la cinta se transforma en un laberinto. Otra muerte detona un conflicto mayor. Alicia pierde noción de lo que sucede, abundan las confusiones y ahora es ella la que está desorientada. Ahora quiere salir de la reclusión pero no puede. Parece que la historia es diferente, hay vueltas y giros; la narración adquiere otra perspectiva gracias a una visión diferente de los hechos; parecen ser otras las motivaciones que han dejado internada a Alicia.

Dos hilos de tiempo nos mantienen en ascuas. Aparece entonces la figura del doctor Samuel Alvar -Eduard Fernández-, director del hospital quien se encontraba de vacaciones, que regresa antes por lo delicado de la situación. Desde ese momento, el nudo central es el gallito entre Alicia y él, además de hacernos dudar permanentemente. ¿Cuál historia es cuál? ¿Quién es quién en esta enrevesada trama?

La cinta permite visibilizar a los pacientes que sufren trastornos mentales, a quienes les atienden, y también lo que hacen con ellos. Las condiciones son precarias, y el trato bastante inhumano. Por eso, ciertas medidas del director, como la libertad de desplazamiento al interior de algunas áreas, son aplaudidas; otras, sencillamente cuestionadas y deploradas. En un lugar así, ¿qué es verdad? Todos dicen estar sanos, no estar locos, pero ¿cuál es el límite entre la cordura y la locura? Ese límite, ¿es visible? Los tratamientos, ¿son adecuados? Un gran punto a favor de la ejecución de la película es la muy buena caracterización de los internos y del equipo médico, donde destaca la visión del Dr. Arellano -Javier Beltrán-, terapeuta de Alicia, quien persigue algunas pistas que podrían destrabar la intriga.

“Los renglones torcidos de Dios” tiene cierta similitud con “La Isla Siniestra”, por la temática, y por alguna razón me trajo a la mente “Vértigo”. Será por la fórmula de ver la historia desde otra perspectiva, o mantener preguntas hasta el final. Es cierto que resulta un poco extensa pero está bien llevada. Incluso, algunos giros hacen que uno diga “ahora solo falta…”, y eso pasa. Aún así, la cinta funciona, deja el buen gusto de un trabajo bien hecho, sobretodo gracias a un final vibrante.

Ficha técnica

Título original: Los renglones torcidos de Dios
Año: 2022
Duración: 154 minutos
País: España
Compañías: Nostromo Pictures, Atresmedia Cine, Filmayer Producción. Distribuidora: Warner Bros. España, Netflix
Género: Intriga. Thriller. Drama | Thriller psicológico
Guion: Oriol Paulo, Guillem Clua, Lara Sendim. Novela: Torcuato Luca de Tena
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Bernat Bosch
Reparto: Bárbara Lennie, Eduard Fernández, Loreto Mauleón, Pablo Derqui, Javier Beltrán, Samuel Soler, Federico Aguado, Lluís Soler, Adelfa Calvo, Dafnis Balduz
Dirección: Oriol Paulo

M3GAN - Por Carlos Correa

En la era de las mascotas, las virtuales ganan terreno por varias -y también discutibles- razones. La competencia por fabricarlas y venderlas es despiadada. Ante características similares, el precio menor marca diferencia. ¿Qué hacer entonces? ¿Innovar, buscar otros horizontes incorporando nuevos desafíos?

Gemma -Allison Williams-, una brillante ingeniera experta en robótica, se encuentra justamente en eso, intentando crear un prototipo en base a Inteligencia Artificial. Su idea es fabricar una muñeca muy parecida a una humana, que pueda escuchar y aprender del niño o niña al que se le vincule. Los parámetros básicos del software incluyen instrucciones de compañía y protección, pero el desarrollo es aún incipiente y adolece de los característicos errores que todo proyecto tiene en sus inicios.

Trabajólica y exigente, su vida se ve trastocada de un momento a otro pues su sobrina de 8 años, Cady -Violent McGraw-, queda huérfana al morir sus padres en un terrible accidente al iniciar unas vacaciones en las nevadas montañas de Oregón. Como se debe hacer cargo de ella, y la responsabilidad es enorme, Gemma no se siente capaz. En paralelo, el proyecto “M3GAN” (Model 3 Generative Android) se torna urgente, la empresa de juguetes donde trabaja lo requiere ¡ahora ya!, y ella también, por eso toda su energía está puesta ahí.

Sin pensarlo demasiado, decide unir la muñeca con su sobrina y experimentar. ¿Dos problemas resueltos con una sola acción? A simple vista parece que sí, que funciona, pero por supuesto esta decisión trae consecuencias y efectos colaterales inesperados y terribles.

Basada en una historia de James Wan, esta cinta ofrece un contrapunto entre tecnología y humanidad. Enfatiza la dificultad de los niños solitarios que necesitan algún tipo de entretención, una distracción que les brinde compañía, que les acoja, y se transforme en un vínculo que les permita crecer. Parece que los padres o tutores no serían suficiente.

Por otro lado está la técnica, la creación de un androide que genere conexiones emocionales gracias a un modelo de aprendizaje en base a algoritmos, y que se pueda adaptar a los requerimientos de quien esté a su cargo. Por cierto, esto lo hemos visto ya bastante, por lo que el desafío de mostrarnos algo novedoso es tan complejo como la temática que aborda esta película.

La cinta demora en exponer sus elementos y formar el nudo a resolver. Eso la hace predecible, porque no debemos imaginar demasiado para saber, de antemano, que veremos una muñeca vengadora y diabólica. El tema a descifrar es qué pasa en el camino, o bien qué es lo que tuerce las buenas intenciones que tiene el equipo creador.

Dirigida por Gerard Johnstone, el filme pone en relieve el tema de la atención que requieren los niños, el cuidado, dedicación e importancia que ninguna entretención virtual podría ser capaz de entregarles. Pero esto está en otras capas, más adentro, porque lo que se observa mayormente en el metraje es mucho más simple y se trata de la autonomía que adquiere un robot para hacer lo que quiere y saltarse todas las páginas de su manual de instrucciones.

“M3GAN” se deja ver, y se agradece su acotado tiempo de ejecución. Por varios momentos entretiene a pesar de su irregular narrativa. Aunque no se esmera en ofrecer un final distinto a lo que es fácilmente adivinable, al menos remata. Y aunque deja una luz de apertura, se ve difícil una continuación tipo saga, sin embargo, esto nunca es descartable, menos en estos tiempos donde prima la cantidad de visualizaciones por sobre la calidad del contenido.

Ficha técnica

Título original: M3GAN
Año: 2022
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Atomic Monster, Blumhouse Productions, Divide/Conquer
Género: Terror. Thriller | Muñecos
Guion: Akela Cooper. Historia: James Wan
Fotografía: Peter McCaffrey
Reparto: Allison Williams, Violet McGraw, Ronny Chieng, Brian Jordan Alvarez, Jen Van Epps, Arlo Green, Michael Saccente, Amie Donald, Stephane Garneau-Monten
Dirección: Gerard Johnstone

M3GAN - Por Juan Pablo Donoso

Con semejante publicidad, despliegue tecnológico, más algunas sugerentes ideas iniciales, pudieron hacer una película de mejor nivel.

¿Qué está en Juego? Nada nuevo sobre lo realizado a lo largo de años anteriores. Un androide que se comporta como humano a medida que, gradualmente, adquiere emociones: Frankenstein, Robocop (1 y 2) - Terminator - Oestelandia (1973 de Michael Crichton) - La Pequeña Maravilla (1985-89) - El Hombre Bicentenario (1999 con Robin Williams). Sin olvidar Guerra de las Galaxias, Chucky y Annabelle (2014).

Algunos de estos lograron impactar en su momento gracias al humor, la ternura, o la brutalidad terrorífica que denunciaban.

A una niñita huérfana le fabrican una muñeca robótica, de tamaño natural - M3GAN - capaz de hablar y aprender cada vez más cosas. Compañera y amiguita en la desolación. Será leal a su ama en todo momento y circunstancia. Fidelidad absoluta.

¿Cuándo se pone peligroso el juguete? Cada vez que algo, o alguien, de adrede o por casualidad, agreda a su dueña.

Y como la vida está llena de matones imbéciles, de vecinas abusadoras, y de empresarios codiciosos de fama y dinero, la muñeca M3GAN, carente por completo de conciencia moral, procederá sin reflexión a defender a su ama.

Además, como su mecanismo la hace cada vez más astuta irá detectando aviesas intenciones y acumulando crímenes.

En verdad M3GAN es tan INOCUA como cualquier electrodoméstico de última generación, cuyo objetivo es la máxima eficiencia. Pero que tratándose de una muñeca tan bonita su mecanismo evolutivo resulta irresponsablemente despiadado y fatal. Sus únicos móviles son la obediencia al amo y la SOBREVIVENCIA de sus motores.

La coreografía de la marioneta es una mezcla de animatronics, mo-cap y animación vfx, dependiendo de las tomas.

Los fanáticos del terror se sentirán algo decepcionados. Más que miedo, las masacres generan ira en el espectador al presenciar las estupideces de los humanos, torpes e incapaces de prever las más obvias consecuencias.

Por esa falta de coraje para calar en la moral de una temática tan cercana de nuestros tiempos, fue que guionistas y director culminaron la historia con el trillado combate contra el “monstruo” que se niega a “morir”, cayendo en el facilista “happy end” para dejar a todos contentos.

Lamentable, porque traía semillas de alarma social que películas anteriores aprovecharon de proponer.

AUNQUE COMERCIALMENTE EFICAZ, PARA LA HISTORIA DEL CINE ES UN DEBIL APORTE EN UN TEMA TECNOLOGICO CUYA MORAL AMENAZA AL FUTURO DE LA HUMANIDAD.

Ficha técnica

Crimen, ciencia ficción, suspenso - 2022 EE.UU. - 1,42 hrs. 

Fotografía: Peter McCaffrey, Simon Raby 

Edición: Jeff McEvoy 

Música: Anthony Willis 

Diseño Prod: Kim Sinclair 

Guion: Akela Cooper, James Wan 

Actores: Jenna Davis (voz), Amie Donald, Allison Williams 

Director: Gerard Johnstone

Matrimillas - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Belén -Luisana Lopilato-, y Fed -Juan Minujín-, atraviesan una etapa de crisis en su relación de pareja. La rutina diaria, sus trabajos y sus dos hijos, parecen sobrepasar sus vidas. Han intentado solucionar los problemas pero todo parece que les juega en contra. Cuando descubren una innovadora aplicación que a través de unas pulseras-sensores acumula o resta puntos de acuerdo a los méritos que vayan haciendo el uno con el otro, parece ser la solución perfecta, sin embargo no advierten que se pueden obsesionar y finalmente que el remedio sea peor que la enfermedad.

Esta comedia, dirigida por Sebastián De Caro, tiene un ritmo que no es demasiado fluido. Incluso abordando un tema complejo respecto a las crisis de pareja, es liviana hasta por ahí no más. El concepto, interesante de entrada por esto de la acumulación de esas especiales “millas”, pierde fuelle en el transcurso de una implementación que por momentos se percibe un poco forzada y que parece avanzar como en cámara lenta.

Los dos protagonistas, Luisana Lopilato y Juan Minujín, tienen una química innegable, son simpáticos, aún cuando sus estereotipos y los de sus amigos y cercanos no aporten elementos novedosos al relato, tal vez por sentirse recargados. Los hijos de este matrimonio quedan, eso sí, fuera de foco, por lo confuso de su dibujo y por no tener un piso que sustente sus intervenciones.

De “Matrimillas” rescato una agradable y sencilla puesta en escena, la temática, y un fondo que está bien al fondo, y que tiene que ver con el diálogo al interior de la pareja, el decir las cosas y no guardarlas para ser capaces de desarrollar confianzas, asumiendo, plena y libremente, las consecuencias de las decisiones.

Ficha técnica

Título original: Matrimillas
Año: 2022
Duración: 101 minutos
País: Argentina
Compañías: Buffalo Films, Tieless Media. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Drama. Romance
Guion: Gabriel Korenfeld, Rocio Blanco. Historia: Gabriel Korenfeld
Música: Pedro Onetto
Fotografía: Fernando Lockett
Reparto: Luisana Lopilato, Juan Minujín, Cristina Castaño, Andrea Rincón, Julián Lucero, Santiago Gobernori, Vicente Archain, Aylen Malisani, Betiana Blum
Dirección: Sebastián De Caro

RRR. - Por Jackie O

"Rebelarse, rugir y revolucionar".

Un indio revolucionario intrépido y un valiente oficial de las fuerzas armadas británicas, tienen al parecer intereses diferentes, y llegará el momento en que deben decidir si unen fuerzas o van por caminos distintos.

Tenemos a dos hombres, dos vidas, y una pelea.

En 1920, durante el Raj británico, Gobierno de la Corona Británica en el subcontinente Indio, el administrador Scott Buxton y su esposa Catherine visitan un bosque en Adilabad, y secuestran a Malli, una joven con talento para el arte, de la tribu Gond, llevándosela a su custodiado hogar solo para lucirla como trofeo.
Eso hace enfurecer a la tribu, que nada puede hacer por el dominio británico del cual son objeto.

Ese es el primer golpe que nos da, el tema humano, el abuso que vemos da impotencia, ya que el trato denigrante que se le da a la población india por parte de los británicos, es menos que el valor de una bala.

Conocemos a Komaram, un líder del pueblo de Telangana, con una fuerza descomunal, con amor a su pueblo, y principalmente a su hermana raptada, y luchará incansablemente por recuperarla, ideando un plan que no debería fallar.
Por otro lado está Raju, un corajudo soldado indio-británico que desea subir de grado a toda costa, dándole como misión detener a un grupo revolucionario, encabezado por Komaram.

Ambos hombres, sin querer, se unen en una amistad que no pueden deshacer. La confianza que se depositan el uno con el otro es inigualable, se transforman en hermanos, aunque saben, y eso los lástima internamente, tienen sus secretos.

¿Pero qué pasará con las raíces de ambos, y los gobernantes despóticos que los someten?

Una película que dura tres horas las cuales no se hacen pesadas ya que contiene mucha acción, peleas, drama y muchos efectos visuales atrayentes. Sin dejar de mencionar, que tiene el más estilo Bollywood: danzas bien sincronizadas, canto, y excentricidades varias. No escatimaron en gastos, todo muy producido hasta la exageración. Efectos visuales y coreografías, algunas imposibles, que acá son posibles con la magia Hindi.

Se dice que la historia está inspirada en dos principales epopeyas mitológicas hindúes: Ramayana y Mahabharata. Los dos protagonistas de la película, Alluri Sitarama Raju y Komaram Bheem, que se basan en estas personalidades de la vida real, también siguen el modelo de sus homónimos de la mitología hindú.

La puesta en escena nos transporta a los años 20, con grandes escenografías, bellas tomas rurales y céntricas, con un bien cuidado vestuario y maquillaje. Mantiene buena edición, al intercalar el presente y el pasado de los protagonistas, que sirve para no solo conocer sus raíces, sino que sus motivaciones.
Las canciones son pegajosas, las coreografías bellas y "cansadoras". Mantiene buenos efectos visuales. También destaco en este mismo sitial, el buen manejo de la luz.
Buenas tomas, en especial los primeros planos que nos involucran.
Y no puedo dejar de mencionar que nuestros protagonistas son muy carismáticos, bailan y demuestran sus peripecias en la pelea.
Una película ideal para haberla visto en pantalla gigante, y qué lástima que no se pudo.

La cinta entretiene visualmente, y también trata de varios temas interesantes; la familia, la traición, la lealtad, el amor entre diferentes culturas, la amistad, tener esperanza, el valor humano y el legado, serían como temas principales.

Esta cinta ha recibido varios premios y nominaciones, y tiene pendientes varias nominaciones más, como por ejemplo cinco nominaciones a los premios Critics' Choice, 02 a los Los Globos de Oro y más.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Escrita y dirigida por S. S. Rajamouli
Historia de V. Vijayendra Prasad
Duración: 182 minutes.
India 

Año: 2022
Cinematografía: K. K. Senthil Kumar
Edición: A.Sreekar Prasad
Musica: M.M. Keeravani.
Protagonistas: N. T. Rama Rao Jr., Ram Charan, Ajay Devgn, Alia Bhatt, Shriya Saran, Samuthirakani, Ray Stevenson, Alison Doody, Olivia Morris

Blue Jay - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Jim Henderson -Mark Duplass-, está de regreso en su natal California. Su madre ha muerto. Debe decidir qué hacer con sus cosas y qué destino tendrá la casa donde vivió su infancia y adolescencia. De compras en el supermercado se encuentra con Amanda -Sarah Paulson-, su exnovia de la secundaria. Incómodos en un comienzo, el diálogo no contiene más que monosílabos, sin embargo, y luego de verse de nuevo en el estacionamiento, Jim abre la opción de ir por un café al “Blue Jay”. Amanda acepta, son veinte años sin verse y por cierto hay mucho de qué hablar. Ella está casada, es madrastra de dos hijos, y expresa sentirse feliz. Él, por su parte, se nota melánico, se dedica a remodelar casas antiguas asociado con un tío, y dentro de las posibles opciones es hacer aquello con la casa de su madre.

Este encuentro causal, esta fortuita coincidencia, provoca un reencuentro emocional, entre ellos y con ellos mismos. Emerge, libre y espontáneamente, ese vínculo afectivo profundo que aún los une, una complicidad que, vista en perspectiva, parece que nunca ha dejado de existir. Ambos expresan su sentir de forma opuesta con el correr de los minutos.

En Jim, la emoción está a flor de piel, con lágrimas que brotan instantáneamente y se deslizan por sus mejillas. Amanda lleva años sin llorar. Siente angustia y no sabe por qué. Se encuentra agobiada y tensa sin entender cuál es la razón.

Escrita por el protagonista, Mark Duplass, esta película es una añoranza de lo que pudo ser y no fue. Íntimo, profundo, y con una fotografía en blanco y negro de abundantes matices, el trabajo dirigido por Alexandre Lehmann tiene un tratamiento teatral, con escasos elementos de entrono, y un manejo del tiempo compacto e intenso.

Las vivencias, los recuerdos y remembranzas dan cuenta de vidas marcadas que han transitado caminos distintos, un pasado y un presente que se unen como si el tiempo no hubiese transcurrido. La magia está intacta, sensación que provoca más de alguna luz equívoca, especialmente cuando recuperan el encanto de su juego favorito de adolescentes: imaginarse juntos muchos años y celebrar su aniversario de matrimonio número 20.

“Blue Jay” es ensoñación y también un brusco golpe de realidad, porque mientras transcurre la noche comparten intensos sentimientos, junto con sus temores e incertidumbres. Recién casi al final conocemos el conflicto principal de la ruptura, la capa más profunda en esta relación de dos personas unidas por un lazo tan invisible como esencial.

El emotivo cierre no hace más que confirmar lo que vislumbramos durante sus 85 minutos: un final abierto con un futuro impredecible.

Ficha técnica

Título original: Blue Jay
Año: 2016
Duración: 85 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Duplass Brothers Productions, The Orchard
Género: Drama. Romance | Drama romántico. Cine independiente USA
Guion: Mark Duplass
Música: Julian Wass
Fotografía: Alexandre Lehmann (B&W)
Reparto: Mark Duplass, Sarah Paulson, Clu Gulager, Cindy Greer, Ana Iovine, Bill Greer, James Andrews
Dirección: Alexandre Lehmann

El Misterio de la Felicidad - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en MUBI y Prime Video.

Tragicomedia argentina que desborda encanto por sus buenos actores e inteligente guion.

Bajo su trama sencilla, y previsible, subyace una premisa de madurez donde todas las cosas, tarde o temprano, se acomodan por sí mismas.

Montaje lúdico de comienzo a fin. Habla sobre el amor, el cambio, y el momento del ajuste de cuentas que todos debemos enfrentar

Argumento y ritmo fluyen ágiles dando todas las “puntadas con hilo”.

El talento y versatilidad de Guillermo Francella ya lo conocemos desde hace tiempo. Pero sus compañeros de actuación (Estévez, Awada y Arenilla) aunque menos populares, nos sorprenden por similar carisma y experticia.

Santiago y Eugenio son amigos desde la infancia. Cuando adultos crearon una empresa de electrodomésticos bastante exitosa. Son socios de negocios, de alma y de vida. Se comportan casi como gemelos.

Santiago (Gmo. Francella) es soltero pero vividor. Eugenio (Fabián Arenillas) está casado desde hace mucho con Laura (Inés Estévez). Un día, inesperadamente, Eugenio rompe la rutina diaria y se ausenta del trabajo. Nadie sabe de su paradero, ni si le ha ocurrido alguna desgracia. Se lo tragó la tierra.

Con el paso de los días la angustia se apodera del socio y de su mujer. Recurren a un legendario investigador privado, en retiro (Alejandro Awada), de origen afgano. Éste acepta de malas ganas la tarea, pero limitándose a supervisar, desde lejos, la investigación del socio y la esposa. “Hay verdades ocultas y secretos que son verdades”.

Gradualmente Laura tomará el rol de Eugenio en la administración de la empresa, e intentará imponer sus criterios. La búsqueda del perdido los hará frecuentarse e ir revelando secretos tanto de la relación matrimonial, como de las aventuras juveniles de los dos amigos. Pintoresca “intrusión” en las intimidades de personas supuestamente conocidas.

Como el círculo se va cerrando sin entregar pistas, deciden viajar a un balneario de Brasil donde los muchachos vivieron inolvidables aventuras en el pasado.

El final sorprende poco, pero el viaje a lo largo del camino, con sus contratiempos, es hermoso y divertido.

La sabiduría de la película se nos acerca discreta y con sigilo.

Inteligente y virtuosa dirección de Daniel Burman (El Abrazo Partido - 2004). Logra que los actores se diviertan interpretándola más que los personajes.

¡UNA SENCILLA HISTORIA DE AMOR LOCO, MUY AMENA, SABIA Y GRACIOSA!

Ficha técnica

Tragicomedia, misterio, romance

2012 Argentina, Brasil - 1,32 hrs. 

Fotografía: Daniel Ortega 

Edición: Luis Barros 

Música: Nico Cota 

Diseño Prod.: Margarita Tambornino 

Guion: Daniel Burman, Sergio Dubcovsky 

Actores: Guillermo Francella, Inés Estévez, Alejandro Awada 

Director: Daniel Burman

Sin novedad en el frente - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Esta película es tan realista que la angustia que provoca es feroz. El inicio es desgarrador, una cruda muestra de las barbaridades de la guerra, con las decentas, las cientos, y las miles de muertes que deja a su paso.

Estamos en 1917, en plena Primera Guerra Mundial. Paul Bäumer -Felix Kammerer -, de 17 años, y sus amigos Albert -Aaron Hilmer-, y Frantz -Moritz Klaus-, se ofrecen como voluntarios para el servicio militar, con una ilusión y una emoción indescriptible, inclusive contagiosa. Son destinados por el Imperio Alemán al frente occidental, La Malmaison, en el norte de Francia, un sector donde se lleva a cabo una cruenta guerra de trincheras.

Los muchachos entablan amistad con Stanislaus Katczinsky -Albrecht Schuch-, y con Tjaden Stackfleet -Edin Hasanovic-, y como todo lo que viven es impactante, estas dos figuras pasan a ser sus modelos de comportamiento y actitud. Y en eso están, adaptándose, conociendo esas nuevas condiciones, cuando reciben un ataque francés de consecuencias devastadoras. Pero aquello no es lo más grave. Lo peor está por venir.

Edward Berger dirige una pieza que enfatiza con destellos, colores, luces y filtros, un amplio escenario que transmite extrema verosimilitud. Los efectos visuales sorprenden, tal como los logrados maquillajes y una producción cuya construcción posee una alta factura técnica y que cumple a cabalidad su objetivo: sumergirnos en batallas brutales.

La música de Volker Bertelmann es inquietante. Provoca intriga esa tríada menor ascendente, los golpes de percusión, y esos cortes y silencios abruptos. El miedo, el pánico, y la desolación que siente Paul -y por cierto todos quienes allí están-, configura una atmósfera tremenda, terrorífica, espantosa. Es vivir verdaderamente el infierno.

Pasamos a 1918, a otro escenario, más reflexivo. Continúan atrapados en el enfrentamiento bélico. ¿Tienen sueños? Claro, que termine pronto. Pero, ¿qué harán posteriormente? Rápidamente volvemos al frente, y lo que vemos es una carnicería. La guerra debe terminar. Aparece la figura de Matthias Erzberger -Daniel Brühl-, un político que negocia con los franceses. ¿Negocia? Poco es lo que puede hacer pues es conminado a aceptar condiciones unilaterales en un plazo de 72 horas para que todo concluya.

Siguen los ataques, ¿hay avances o más retrocesos? ¿Existe un ideal de lucha? ¿Para qué, qué sentido tiene? Vemos la guerra desde los mandos, también desde un escritorio, donde la realidad es tal vez invisible y ni siquiera las estadísticas de las cuantiosas bajas hacen mella.

“Sin novedad en el frente” es brutal y desesperanzadora. Su mayor mérito es ese, traspasar la pantalla y calar hondo en el espectador. Vivimos y sufrimos lo que vemos: un absurdo sinsentido. La cinta es triste, sobrecogedora y descarnada, y cuando calma un poco las acciones militares, logra mostrar una intimidad dañada y violentada, donde los signos no logran transformarse en esperanza y todo conduce hacia un precipicio, tanto físico como existencial.

Mucho de lo que expresa esta película lo hemos visto. En ese sentido, ¿aporta novedades? Pocas. ¿Impacta con su relato? Muchísimo. Corresponde a un cine visceral que una vez más pone en relieve la estupidez de la guerra, esta vez representando la voz de la derrota, y una amargura pocas veces vista.

Ficha técnica

Título original: Im Westen nichts Neues
Año: 2022
Duración: 147 minutos
País: Alemania
Compañías: Coproducción Alemania-Estados Unidos; Amusement Park Films, Rocket Science, Sliding Down Rainbows Entertainment. Distribuidora: Netflix
Género: Bélico. Acción. Drama | Ejército. I Guerra Mundial. Remake. Años 1910-1919
Guion: Lesley Paterson, Ian Stokell, Edward Berger. Novela: Erich Maria Remarque
Música: Volker Bertelmann
Fotografía: James Friend
Reparto: Felix Kammerer, Albrecht Schuch, Aaron Hilmer, Moritz Klaus, Edin Hasanovic, Daniel Brühl, Sebastian Hülk, Adrian Grünewald, Devid Striesow, Thibault de Montalembert
Dirección: Edward Berger

El Prodigio - Por Jackie O.

"No todo lo que se hace por amor, es bueno".

Ambientada en The Irish Midlands en 1862, la historia sigue a una niña que deja de comer pero permanece milagrosamente viva y bien, siendo una atracción para turistas y peregrinos, que ven en ella un milagro. Ante eso, la enfermera inglesa Lib Wright es llevada a ese pequeño pueblo para observarla.

Tenemos a una comunidad alejada, un país azotado por la hambruna con una población ignorante. Todos estos elementos hacen que cualquier ser humano grite por un milagro, o se refugie en la esperanza de algo o alguien.

Y ahí está la joven Anna de 11 años, quien hace unos meses dejó de comer y está bien por la gracia de Dios, así dicen; su familia se encargó de correr la voz. Las autoridades debaten el hecho, llegando a la conclusión de que la niña debe ser observada, contratando a una enfermera y a una monja por un tiempo, y así verificar qué sucede, pues no sabemos si estamos ante un milagro o una farsa.

El Director chileno da a esta cinta un tratamiento visual diferente desde el comienzo, pues juega con su puesta en escena, al transportarnos a una historia que pudo haber existido, o tal vez no. La historia transcurre en un ambiente enigmático, jugando con la paleta de colores sombrías y frías del lugar. Con gente desesperada y triste, armando una madeja de misterio.

Nos enfocamos en la relación entre la joven Anna y la enfermera Lib, y nos enteramos, cómo es de suponer, que mantienen sus demonios internos que poco a poco van liberando, a medida que se va investigando este supuesto milagro.
Lib también debe interactuar con la familia de esta niña, que no cesa de creer en milagros. Así también, con un comité de viejos del pueblo, que la escuchan pero también la discriminan por ser mujer.
Lib lucha como Anna, con el presente y con el pasado.

¿Estamos ante un milagro? Es la pregunta que debemos respondernos.
Todo subyase en el miedo al castigo divino por los pecados cometidos en la tierra.

Una película que nos muestra que la vida tiene dos caras, la de la verdad y la fantasía. ¿Y qué es lo uno y lo otro?
La misma Lib que nos muestra lo objetivo del hecho versus los religiosos del sector que solo ven irrealidades que llaman milagros.

Una cinta que podría solo centrarse en lo religioso, y el fanatismo descerebrado a veces. Pero va más allá, nos inserta en la familia, pero principalmente el sentido de la madre hacia sus hijos, la maternidad. Así como la Fe, la vida, el pecado, la muerte, el renacer o el sucumbir.

Cuenta con un gran elenco, algunos desperdiciados en su potencial pero agrada verlos. La fotografía es atrayente con esa brumosidad que nos señala que hay algo que "no es claro".
La dirección estuvo correcta. Vestuario y maquillaje acordes a la época.
El ritmo de la historia es lento, se debe poner atención, ya que nada es apresurado. Todo tiene un halo de misterio, aunque faltó más tensión para haber provocado al espectador. Tal vez un thriller psicológico habría resultado algo mucho mejor.

Hoy en día también es fácil engañar a ser humano con falsos milagros, está en nosotros creer o no. Pero ¿qué es falso y qué es un real milagro? En qué momento es uno y es otro?

Todo dependerá de quién cuenta la historia y de quién la escucha, de cómo se vive y se cree.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

The Wonder
Director: Sebastián Lelio
Musica: Matthew Herbert
Cinematografía: Ari Wegner
Año 2022

Drama/Misterio - 1h 43m
Protagonistas: Florence Pugh, Kíla Lord Cassidy, Tom Burke, Niamh Algar, Elaine Cassidy, Toby Jones, Ciarán Hinds, Dermot Crowley