Pobres Criaturas - Por Jackie O.

"Un viaje bizarro, desde las entrañas del ser humano"

Basada en la novela homónima de Alasdair Gray, publicada en 1992, se centra esta película donde su director hizo volar su imaginación, mezclando una variedad de géneros para hacernos alucinar en un mundo, tal vez, salido de un cuadro de Gaudí con fantasía Burtoriana.

El Dr. Baxter, es un medico-científico-loco-extravagante, del que vamos conociendo su vida de a poco y de lo dañado que está. Tiene una hija-experimento llamada Bella, una persona que comienza de cero en su vida, porque fue rescatada por él y le hizo un trasplante de cerebro. Por esa razón la conocemos en actitud extraña, recién está comenzando a absorber conocimiento nuevos como hablar, caminar, etc., pero con una rapidez increíble, por lo que la acompañamos en su proceso de "crecimiento".

Hasta que el Dr. le pide a uno de sus alumnos que lo ayude en su laboratorio; es Max McCandless, quien le basta solo unos días para enamorarse de ella, y que el Dr. Baxter aprobara un matrimonio entre ellos, pero quiso redactar un contrato "de posesión", y he ahí su error, porque llegó un abogado, Duncan Wedderburn, quien quedó muy curioso con las cláusulas de dicho documento, y de esta enigmática mujer que es nombrada, y hace lo que puede para conocerla, hasta que la ve y reconoce su "punto" débil, esa pasión que estaba siendo ya descubierta desde hace poco por Bella, y ambos huyen a una loca aventura llena de pasión.

Cuando Duncan cree tener bajo su dominio a Bella, las cosas se revierten. Bella es dueña de su ser, su cuerpo y sus pasiones, no tiene límites para explorar la vida que tiene ante sus ojos.
Es un empoderamiento femenino desde la perspectiva de un hombre (director), y ese poder lo toma a través del sexo, de tenerlo cuando quiera, de darle libertad a su cuerpo. Vive libre de cualquier tipo de presiones.
Vemos a una niña sin coordinación que, en poco tiempo, se transforma en una culta mujer.

Personajes: todos sus partícipes son dignos de nominaciones, Emma merece el Óscar por lo jugado de su rol. Mark Ruffalo es un cínico encantador, que juega en esta disparatada travesía. Sale de su zona de confort y es excelente. Willem Dafoe, es de aquellos artistas que se le debe un Óscar, pero esta vez no fue suficiente su rol, a pesar de que es desgarrador ver a este hombre dañado como el doctor Godwin Baxter; faltó más saber de su historia. Su maquillaje es genial a manos de Coulier, Stacey y Weston, merecidas sus nominaciones, y posible Óscar. Ramy Youssef, es un inocente prometido que asume la realidad que aceptó. En realidad, el elenco hasta sus secundarísimos, como Hanna Schygulla y Kathryn Hunter, entre otros, se ven increíbles en actuaciones, peinado y maquillaje. En esto último el trabajo efectuado es maravilloso.
Vestuario: por Holly Waddington, aunque no es alguien que se haya destacado en el área, creo que este es un gran puntapié para reforzar su carrera. Creó hermosos diseños victorianos en los varones y damas, pero con Emma jugó más, pues tenemos a una niña a mujer, con vestidos tipo babydoll, de mangas abullonadas y elaborados volantes, con pantalones bombachos y camisones. Y además, hizo un trabajo anterior con el fotógrafo Robbie Ryan (Ginger y Rose) Este último captó la esencia de la historia (ya había trabajado con el director en "La Favorita"), marcó un asombroso colorido combinado con escenas en blanco y negro. Jugó con la deformación del lente (Ojo de pez), para hacerla más bizarra, indicándonos una formación y deformación de los personajes.
El guión juega con esto al llevarnos a las reglas de la sociedad, a ridiculizarlo con filosofía o a reflexionar con ella, a liberarnos de ataduras y dejar que todo fluya. Una mágica locura con la cual hay que dejarse llevar.

El director agrega varios generos y subgeneros como el Coming-of-age, el cual centra en el crecimiento personal del protagonista, la evolución de las emociones y de la percepción de la realidad.
Tenemos una mirada extraña sobre las personas, es una metamorfosis de bizarras criaturas. Una obra llena de extravagancia, ficción, sátira, del cinismo del ser humano. Con una gran dirección.

Al finalizar me pregunto, ¿Es correcto revivir a alguien que decidió poner fin a su miseria? ¿El Dr. Baxter creó un monstruo o fue él, el verdadero monstruo? ¿O dio una nueva oportunidad?

Película para mayores de edad y criterio formado.

Ficha técnica

Poor Things
Dirección: Yorgos Lanthimos
Guion: Tony McNamara
Basada en ¡Pobres Criaturas! de Alasdair Gray
Música: Jerskin Fendrix
Fotografía: Robbie Ryan
Montaje: Yorgos Mavropsaridis
Protagonistas: Emma Stone, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Kathryn Hunter, Margaret Qualley
Pais: Reino Unido, EEUU, Irlanda
Año: 2023
Género: Fantasía Científica, Comedia Oscura, Aventuras Duración 141 minutos

Los Colonos - Por Carlos Correa Acuña

Esta película de Felipe Gálvez Haberle, candidata al Óscar representando a Chile y que lamentablemente no fue escogida por la Academia, se teje a través de diferentes miradas. Por lo pronto la de José Menéndez -Alfredo Castro-, el omnipotente terrateniente; también la del teniente MacLennan -Mark Stanley-, el ejecutor práctico y leal colaborador del hacendado; la de Segundo -Camilo Arancibia-, un mestizo chileno que guía la expedición; y la de Kiepja -Mishell Guaña-, una mujer indígena que se les une en el camino. Todas son miradas únicas, particulares y sesgadas, que no tienen el panorama completo de la acción, porque la mirada amplia la tiene Felipe Gálvez cuando cuenta la historia del Genocidio Selk’nam desde una posición clara y definida. Se trata de la colonización de la Patagonia a un costo brutal, inhumano, y bestial.

Corre 1901. El Estado Chileno ha entregado tierras en usufructo a Menéndez. De pocas palabras pero de acción concreta, el patrón no duda en pedir condiciones especiales para que su negocio ovejero prospere. Y esas condiciones no son inocuas. Muy por el contrario, significa el exterminio de cualquier posibilidad de enfrentamiento en el camino que se debe recorrer. Él pide una ruta despejada y MacLennan lo entiende literal, libre de obstáculos, libre de indígenas, libre de cualquier ser humano que se interponga en el camino.

El equipo reclutado es mínimo. Son solo tres quienes van a la aventura para abrir paso: el teniente, el mercenario y el mestizo. No hay códigos, menos honor. El viaje, este camino de apertura, es una tarea dura, por lo que la rutina, incluso entre ellos, se da entremedio de golpes, gallitos y peleas. El crudo inicio ya lo había anticipado: un accidente y un asesinato. En dos minutos, las cartas credenciales son explícitas, la respuesta a cualquier dificultad es la aniquilación total y completa, es decir, borrar del mapa, liquidar a diestra y siniestra.

Felipe Gálvez Haberle usa algo de western, de aventuras y de thriller político para narrar la historia. Y lo hace en un tono discursivo exponiendo y cuestionando el poder y el valor de la propiedad. Entre parajes recónditos y una intimidad que por momentos podría resultar abrumadora, Gálvez pone acento en la mirada de Segundo, en sus silencios, en su observación quieta y tranquila por fuera, y encendida y ardiente por dentro. Furtivas miradas de los caballos se suman para configurar esa figura pasiva, una persona que involuntariamente se transforma en cómplice de brutalidades que está lejos de poder comprender.

Al encontrarse en una playa con un batallón que custodia el lugar -las fronteras están delimitándose, pero en la práctica hay muchísima tierra de nadie-, son llevados a un refugio. A cargo del coronel Martin -Sam Spruell-, un viejo oficial inglés, vemos cómo la traición no se perdona por ningún motivo. Es el momento en que Kiepja se une a la expedición, y también es el momento en que el nivel de violencia alcanza una de sus cumbres. Es el fin del mundo, pero ¿hasta dónde puede llegar la falta de humanidad y consideración de estos hombres, si de verdad podemos llamarles hombres?

Luego de un salto temporal de 7 años, pasamos a un epílogo que tiene su centro en otra dimensión, tal vez la más política de la cinta. Un emisario del Presidente Montt, Manuel Vicuña -Marcelo Alonso-, hace una visita de cortesía a Menéndez. Lo enfrenta, sí, pero lo trata como el pétalo de una rosa para enrostrarle las matanzas, las muertes y los remates de indígenas. No obstante, esto parece no ser suficiente, porque quien manda realmente es el poderoso estanciero, y contra eso, el Estado de Chile no puede hacer nada. El viaje de Vicuña a la zona de Chiloé, -hacia el norte-, logra un testimonio indígena que es, tal vez, lo más logrado de la película en términos de la historia, y esto gracias a la sensibilidad, honestidad y transparencia con la que Camilo Arancibia construye su personaje, y la ironía con que sutilmente el director da cuenta de lo que, para la capital, Santiago, sería lo más importante: la formalidad y las apariencias.

Difícil película “Los Colonos”. Difícil de ver, incómoda, y por momentos desagradable, me atrevería a decir, porque es un cine visceral que no esconde su deseo de molestar y punzar respecto al tratamiento temático. Gálvez no concede respiro y tampoco cede en su afán de ser ilustrativo y descriptivo. En cuanto a la forma, los diálogos-multi idioma se podrían tomar como una metáfora a la gran dimensionalidad que el tema adquiere en su contexto político social. Como lo hemos visto en otras cintas, “Blanco en Blanco”, por ejemplo, pero con un foco diferente, Felipe Gálvez Haberle compromete su propia mirada de la historia y se la juega para dejar una marca importante esta cinta, una película cruda sobre un genocidio espantoso.

Ficha técnica

Título original: Los colonos
Año: 2023
Duración: 97 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Argentina-Dinamarca-Francia-Reino Unido-Suecia-Taiwán; Don Quijote Films, Rei Cine, Snowglobe Films
Género: Drama. Aventuras | Años 1900 (circa)
Guion: Felipe Gálvez Haberle, Antonia Girardi
Música: Harry Allouche
Fotografía: Simone D’Arcangelo
Reparto: Alfredo Castro, Camilo Arancibia, Mark Stanley, Benjamin Westfall, Marcelo Alonso
Dirección: Felipe Gálvez Haberle

Un matrimonio feliz - Por Jackie O.

"Secretos de familia"

Sinopsis: En el verano del 2007 falleció Laura Urrutia, una ama de casa. En 1999 su marido, Juan Pizarro, la había infectado con VIH. La enfermedad azotaría a sus muchos descendientes.

Contado en primera persona, Juan, relata su historia, a veces interrumpido con dos voces en off que son su nieto y una de sus hijas; de cómo Juan conoce a Laura, y de cómo criaron a todos sus hijos. Una familia de buena situación económica, que se ve unida, un matrimonio feliz, entonces por qué Juan, o mejor dicho ¿cómo él se infectó de VIH?

Pueden haber diversas razones, pero Juan en su relato es claro, y confiesa que ya a su avanzada edad, no tiene vergüenza de contarlo; le fue infiel en múltiples ocasiones a su amada señora con diversas mujeres, prostitutas y amigas, sin tener el más mínimo cuidado, e infectó a su mujer. Los hijos estaban grandes, y no le contaron a todos, pero se supo igual, y la familia de ella dejó de hablarle, obvio, había matado en vida a su mujer. Lo peor, es que Laura comenzó a tener sintomas que comenzaron a apagarla.
Pero Juan dice que Laura lo perdonó y que seguía amándolo, ¿Será eso cierto? Debemos creerle, no tenemos la versión más importante, ella.

Una tragedia que viven millones de personas, la mayoría sin recursos que no pueden costear los medicamentos, muchos se quedan solos y deben vivir esa pesadilla, sea por negligencia de ellos o por terceras situaciones ajenas a su voluntad.
Una enfermedad que, como muchas, es terrible.

Este trabajo ha recibido algunos premios. Pero encuentro que faltó más en el guión, solo Juan, un abuelo sin titubear y tal vez sin escrúpulos, relata algunas cosas.
Habría sido muy interesante que el director se hubiera arriesgado en conocer la opinión al respecto, de este "matrimonio feliz", a otros miembros de la familia. Si ya se estaba hablando a todos de esta tragedia, debieron haber involucrado a la familia de Laura. O tal vez ellos no quisieron, quién sabe, pero que quedara registro de su intento.

Un relato doloroso, que nos habla de esperanzas de amor (no muy convincentes), con buena edición, pero que nos hará de todas formas reflexionar en la responsabilidad de nuestras acciones. Y lamentar, buscando una paz mental y tal vez espiritual, si la enfermedad se adquiere por hechos fuera de nuestro actuar.
Perdonar, muchas veces, es una carga que nos aliviana el camino, para seguir viviendo en paz o morir con la calma que se requiere.

Si no sanamos el cuerpo, por lo menos nuestra mente esté en descanso.

Ficha técnica

Disponible en Ondamedia
2019

20 minutos
Cortometraje documental
Dirección y Guion: Antonio Zagal

Pobres Criaturas - Por Carlos Correa Acuña

Bella Baxter -Emma Stone-, es la figura central de este nuevo trabajo del realizador griego Yorgos Lanthimos, recientemente ganadora del León de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Venecia y con once nominaciones a los premios Óscar. El director apunta alto, y la protagonista realmente se luce en una cinta irreverente y provocadora ante la que no podemos permanecer indiferentes.

La historia remite al poco convencional científico y cirujano Godwin Baxter -Willem Dafoe-, quien rescata el cuerpo de Bella y la resucita gracias a un implante cerebral de un bebé. De esa forma, la mujer comienza a dar sus primeros pasos de vida en un cuerpo adulto ya formado. La protección de Godwin es similar a la de un padre, por ello cuando su aprendiz-colega Max McCandles -Ramy Youssef-, queda prendado de la joven y pide su mano, el doctor entrega su aprobación sin ningún reparo.

Aunque Bella inicialmente acepta la propuesta de Max, el momento coincide con su despertar sexual, lo que cambia completamente el estado de las cosas. La presencia del elegante abogado Duncan Wedderburn -Mark Ruffalo-, produce en ella un deseo irrefrenable que los lleva a emprender una loca aventura intercontinental, un verdadero viaje de conocimiento, descubrimiento y experimentación que incluye el desarrollo de cada uno de sus sentidos.

Escrita por Tony McNamara y basada en la novela de Alasdair Gray, del año 1992, “Poor Things” tiene de todo menos algún tipo de concesión. Ya conocemos el estilo excéntrico de Lanthimos, y es por eso que tal vez no nos sorprenda su obsesión por destacar un aspecto por sobre otro, en este caso la libertad sexual femenina, enfocando cada una de sus etapas con un desarrollo frenético y arrollador.

Emma Stone brilla bajo la mano del cineasta. La complementación es perfecta, y ella parece tener rienda suelta ante una cámara que la sigue y persigue desde todos los ángulos posibles. Los ojos de Lanthimos son los nuestros, pero también los de Bella, quien los abre ante un mundo lleno de posibilidades, quizás impensadas, para el Londres victoriano que solo sirve de pretexto. Es notable el manejo de la actriz en cada una de las etapas de desarrollo de su personaje. El tránsito desde lo infantil, pasando por la adolescencia, hasta llegar a la adultez, es encarado por Emma Stone gracias a un abanico de recursos dramáticos siempre puestos al servicio del relato. Realmente vibrante, un papel deslumbrante ya reconocido ampliamente con nominaciones y premios.

Willem Dafoe, por su parte, construye un personaje fascinante, no solo gracias a un maquillaje estupendo, sino que gracias a la prestancia y templanza que el actor entrega a Godwin Baxter. Desde su modo de caminar, sus modales, y sus miradas, siempre vemos transparentemente a este loco científico, quien no deja de admirar su creación, siendo, tal vez, lo más cercano a un verdadero dios terreno que dispone según su voluntad. Mark Ruffalo, el victimario que muy pronto se convertirá en víctima, aporta ese tono de comedia tan necesario para suavizar las cosas, y a la vez jugar de pivote en un triángulo -o mejor aún, cuarteto-, que se mantiene firme a lo largo de todo el metraje.

Como en toda película de Lanthimos, el nivel de producción es óptimo. El uso del blanco y negro y el color, la disposición del cuadro (sin panorámica), el intercambio permanente de lentes, y los bruscos acercamientos y alejamientos, son todos elementos técnicos que tienen una razón de ser para retratar la particularidad de cada momento. Esta característica denota inquietud, la necesidad de salir de los moldes convencionales para la creación de un estilo particular, porque aunque nos aventuremos, podemos perfectamente hablar de un estilo "Lanthimos", tan reconocible como inconfundible. Por cierto, no sería él mismo sin referencias políticas y sin algunas banderas de lucha. Si bien no es su foco central, están presentes y por lo demás, muy bien puestas, dibujadas adecuadamente en una trama que, por lo impredecible que resulta, nos mantiene en suspenso permanente.

“Pobres Criaturas” es una película disruptiva, qué duda cabe, pero hecha con delicadeza y sutileza a pesar de que parezca todo lo contrario. Hay que tener cuidado, porque hay varias capas presentes, y si nos quedamos solo con las obvias nos perderemos las más profundas. Por lo mismo, se requiere criterio formado para ver esta cinta, ya que sería muy fácil confundirse, extraviar el foco y marearse con el mar de distractores que nos ofrece el director. Yorgos Lanthimos lo tiene claro, y por eso él se explica a sí mismo, y en sí mismo, con cada toma, con cada encuadre, para, de esa forma, provocar un gran contraste con la perspectiva general de la obra.

Ficha técnica

Título original: Poor Things
Año: 2023
Duración: 141 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos; Element Pictures, Film4 Productions, Fox Searchlight, TSG Entertainment. Distribuidora: Fox Searchlight
Género: Fantástico. Romance. Ciencia ficción. Comedia | Siglo XIX. Realismo mágico
Guion: Tony McNamara. Novela: Alasdair Gray
Música: Jerskin Fendrix
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Christopher Abbott y Jerrod Carmichael
Dirección: Yorgos Lanthimos

Jack en la Caja Maldita 3: El Ascenso - Por Juan Pablo Donoso

Secuela de terror ramplona, al borde de la ridiculez.

Como la serie parece tener éxito comercial, por lo menos la atmósfera fotográfica (siempre sombría), los lóbregos escenarios de un internado femenino inglés, y la temblorosa música incidental, denotan un aceptable presupuesto.

Lo demás, una acumulación de clichés, giros ilógicos, diálogos obvios y actrices mayores que simulan ser agresivas jovencitas colegialas.

Al liberar de la caja de sorpresas a un demonio vestido de payaso saltarín con dedos de gancho, los personajes irán muriendo perforados en orden inverso a la importancia de sus roles. ¿Saldrán vivas de la escuela, o el demonio reclamará sus víctimas para resucitar en la próxima secuela?

Mina de oro de la familia Fowler (alcancé a contar 7 de sus miembros en los créditos).

RECOMENDABLE SÓLO PARA ADOLESCENTES MUY MARIHUANEADOS.

Ficha técnica  

Título Original: Jack in the Box (3) Rises

2024 Terror Reino Unido - 1,32 hrs. 

Fotografía: Vojta Stanek 

Música: Christoph Allerstorfer 

Maquillaje: Max Van De Banks 

Guion: Geoff Fowler, Lawrence Fowler 

Actores: Isabella Colby Brown, Nicholas Anscombe, Leona Clarke 

Director: Lawrence Fowler

El juego de la muerte - Por Jackie O.

"Un mensaje de alerta"

Sinopsis: Yulya (Polina Vataga), una adolescente pierde la vida aparentemente suicidándose en las vías de un tren. Visiblemente afectada, su hermana mayor, Dana (Anna Potebnya), comienza una desesperada búsqueda de respuestas a través de la profundidad de la red. En el proceso de unir cada pieza de este siniestro rompecabezas, se da cuenta que Yulya fue manipulada por un supuesto hacker para entrar a un famoso juego entre los adolescentes llamado La ballena azul, el cual consiste en cumplir diferentes retos por 50 días… sus últimos 50 días de vida. ¿Logrará Dana encontrar al responsable de la muerte de decenas de adolescentes y vengar la muerte de su hermana?

Un muy buen trabajo cinematográfico inspirado en hechos reales, un reto o conocido ahora en redes como #Challenge, o con otros nombres, juegos inocentes aparentemente para ser repetidos por otros, principalmente jovenes menores de edad. Hay Challenger simples, juguetones que cualquiera puede ejecutar, incluso para reirse. Pero están aquellos que van más allá, que lastiman emocionalmente, que obligan a dañarte físicamente, que para los jovencitos es un reto de hombría, para agradarle a alguien, o solo lo hacen por desesperación.

"La ballena azul" comenzó a través de Internet aproximadamente en mayo de 2016, y se originó en la red social rusa Vkontakte. El por qué usaron ese nombre para este macabro juego, "ballena azul", no lo sé, pero consiste en una serie de tareas dadas por los administradores, en donde los jugadores deben completar, por lo general una al día, algunas de las cuales implican hacerse cortes en los brazos, cruzar carreteras en hora de alta afluencia vehicular, etc., hasta llegar al suicidio. Este administrador se mete en tu mente, poco a poco, y capta tu vulnerabilidad.

La película lo grafica bastante bien, en todo momento estamos dentro o frente a una computadora, está bien logrado el efecto pues a veces creemos que efectivamente es nuestra pantalla la que puede tener un problema de imagen. En su mayoría, roles principales, estamos ante actores jovenes muy convincentes.

Anna se inmiscuye en esta red haciéndose pasar por una joven que quiere llegar al final con este juego, solo con el fin de descubrir al "administrador", pues su hermana nunca se habría suicidado según ella. Para Anna, esta persona es un asesino que mató a su hermana menor. Pero el juego es peligroso, y ella va más allá, conociendo a otros jóvenes perdidos en esta espiral de maldad.

La tecnología llegó para quedarse y sirve para mucho, si la sabemos usar. Los adultos no mantienen un control con sus hijos en cuanto a redes sociales; es más, me atrevería a decir que antes de los 14 no deberían tener teléfonos celulares, ya que los comienzan a aislar, a perturbar, ya que comienzan a navegar por "aguas peligrosas" sin control. Pero para muchos padres, que se ven abrumados por el estrés del día a día, la necesidad de lo material, el internet se transformó en la "nana" moderna. ¿Dónde quedaron las conversaciones?

Ser adulto es complejo, ser niño aún más, se necesita impregnar de cosas buenas y ya, cuando adulto, elegir su camino.

Pero, los engaños en redes no solo le suceden a niños, los adultos también podemos ser atrapados por algo, la vulnerabilidad puede ser captada por una mente siniestra.

Buena historia, buena edición, buenos diálogos y actuaciones.

Una cinta para verla los padres junto a sus hijos, y mantener un diálogo sincero y educacional, donde los profesores también pueden intervenir en parte sobre este tema, pero en lo que les corresponde, pues la educación debe provenir de casa.

Si no lo hacen en pareja no se llegará a buen puerto. Pero sí existen los jovenes conflictivos y lo vemos en esta cinta, ahí los padres deben actuar con prontitud, con ayuda profesional.

Un tema difícil de tratar como familia, pero necesario.

Ante cualquier situación extraña en internet, no dudes en contactar al cibercrímen fono 134, 2-27080000, 2-27080658, 32- 3311500, 41- 2865129, para que te puedan orientar.

Ficha técnica

Título original: YA idu igrat
Duración: 91 minutos
Dirección: Anna Zaytseva
Reparto: Anna Potebnya, Timofer Eletsky, Diana Shulmina, Ekaterina Stulova, Olga Pipchenko, Anastasiya Bratsyun, Daniil Kiselev
Música: Sergey Moiseenko
Fotografía: Egor Vetokhin
Género: Thriller, Redes sociales
Rusia - 2021

El Niño y la Garza - Por Carlos Correa Acuña

Basada en la novela de 1937, “Kimitachi wa Dō Ikiru ka”, escrita por Yoshino Genzaburō, esta película sigue a un niño de 12 años llamado Mahito, quien pierde trágicamente a su mamá. Luego de un tiempo, junto a su padre abandonan Tokio y se trasladan a otra ciudad y visitar a Natsuko, su tía. Para Mahito, esto es incómodo, toma distancia de ella, una situación que se acrecienta cuando la joven mujer queda embarazada de su padre. Ensimismado y solitario, Mahito comienza a relacionarse más y más con un ave especial, una garza parlante que le desafía a incursionar en un torreón abandonado. Es en ese lugar donde Mahito comienza una aventura maravillosa en la que busca a su madre mientras, poco a poco, va descubriéndose a sí mismo.

Esta película de Hayao Miyazaki, es una joya desde el punto de vista artístico por su maravillosa y cuidada animación, y también desde el punto de vista literario, dada su exposición conceptual y narración fluida. No es fácil enfrentar una historia de pérdida y de trauma que refleje la desprotección, la incertidumbre y la tristeza de la que da cuenta el pequeño protagonista. Esa torre clausurada, misteriosa y atractiva, es sin duda una invitación para un alma inquieta que necesita obtener respuestas. Mahito ve allí una oportunidad, una ventana a un mundo desconocido, con cierto temor pero también con mucha esperanza. Y todo no nace de él, el impulso se lo da la garza, que al comienzo pelea, lo provoca, lo enfrenta, despierta su curiosidad y produce que la indecisión propia de la circunstancia de vida por la que transita se transforme en un fuego necesario y vital.

Hábilmente, este gran realizador nos muestra un camino, un tránsito repleto de metáforas, una síntesis de un viaje que perfectamente puede resumir una vida entera con un recorrido cuyos caminos son esenciales para entender el origen de la vida y la permanente búsqueda de la paz. ¿Cuánto de sí mismo encuentra Mahito en esta formidable excursión? Mucho, tal vez, porque bastante de lo que vemos puede interpretarse como un reflejo, un sueño, un espejo de su propia espiritualidad que poco a poco se va develando y dando a conocer.

Hay muchísimos elementos interpretables en el curso de este relato. Por ejemplo, los conceptos de arriba y abajo, las almas por nacer que necesitan madurar, la abundante belleza, la protección de la familia, la historia de los antepasados, etc. Mucho de esto funciona, además, en clave de homenaje, junto con esa división de dimensiones, esos paralelos, tratados conjuntamente y por separado.

“El niño y la garza” habla de un descubrimiento permanente, de enfrentarse a uno mismo y a nuestros propios temores sin achacarle nada de esto a los demás. Las reglas y el deber ser, dan paso a la inspiración y al brillo de una luz esperanzada, porque las decisiones y opciones que corresponden a cada uno de nosotros, y mucho más, nuestros vínculos más trascendentes, no se consiguen sin primero descubrir nuestro propio camino interior. Si bien la esencia -o motivación inicial-, es la búsqueda de su madre, lo que emerge es la multidimensionalidad del ser, con los pasos y traspasos que moldean la personalidad y construyen el yo, íntimo, social y lleno de vida.

Dentro de los puntos importantes que el relato releva, se encuentra presente el legado necesario y la permanente dicotomía entre el bien y el mal. Así, emergen como puntales fundamentales, tres ideas, tres conceptos que son desarrollados en múltiples direcciones y ejemplificados con una delicada pluma artística. Se trata de la generosidad, la paz y la belleza, elementos particulares que tienen valor en sí mismo, pero que al estar juntos, potencian la forma de ser y de vivir, de desarrollarse, y con ello, finalmente, trascender.

“El niño y la garza” es una poesía audiovisual, una fábula fantástica sobre la vida, una síntesis magistral que Hayao Miyazaki nos regala sobre ese mundo interior, amplio y inescrutable que llevamos dentro.

Ficha técnica

Título original: Kimitachi wa dô ikiru ka
Año: 2023
Duración: 124 minutos
País: Japón
Compañías: Studio Ghibli. Productor: Toshio Suzuki. Distribuidora: Toho
Género: Animación. Drama. Fantástico | Años 40. Drama psicológico
Guion: Hayao Miyazaki
Reparto: Animación
Música: Joe Hisaishi. Canción principal: Kenshi Yonezu
Fotografía: Animación, Atsushi Okui
Dirección: Hayao Miyazaki

Sobrevivientes después del terremoto - Por Jackie O.

"Supervivencia o muerte"

Sobre terremotos tenemos experiencia como país, lo devastador que queda todo, las formas de ayudar y salir adelante.

Esta película nos narra un devastador sismo que deja a la ciudad de Seúl bajo escombros, sin saber hasta dónde se extendió este acontecimiento natural. Solo nos centramos en esta ciudad y en quiénes sobrevivieron, que no son muchos para la extensión de la ciudad; no vemos ayuda de autoridades, tal vez porque está todo desmoronado y cada quien debe valerse por sí mismo. Pero, milagrosamente solo un gran edificio quedó en pie, y todos van a refugiarse del frío a él. Pero al ver los residentes de dicho edificio que se comienza a llenar de extraños que solo buscan refugiarse ante esta catástrofe, comienzan a sentirse atemorizados y molestos, por lo que toman medidas que cuestionan el acto de moralidad o supervivencia.

Se comienzan a organizar; lo primero es hacer una votación, que es ¿se quedan o se van estos extraños? Por supuesto que gana "que se vayan", y ahí comienza otro caos, donde niños, ancianos, hombres y mujeres son echados a la calle; tratar de dialogar es el primer paso pero es imposible, y la violencia gana, más cuando se elije a un representante, un delegado, un presidente en este pequeño mundo que es el edificio "Hwang Gung". Es Yeong-tak (dpto. 902), quien por su valentía, palabras de aliento y ser decisivo ante temas relevantes es considerado el líder. Y así comienza a armarse en este nuevo pequeño mundo, delegaciones (especies de ministerios para hacerse cargo de temas relevantes): enfermería, almacenamiento, guardias, recolectores, mantención, etc. Y los de afuera, los de afuera mueren o sobreviven como pueden.
De a poco conocemos a los protagonistas, sus miedos y ambiciones, pero por sobretodo, sus secretos.
Y en esto último Myeong-hwa (dpto 602) comienza a ser protagonista.

El director no se centra intrínsecamente en la destrucción del lugar, aunque no descuida su fotografía grisácea y lúgubre para mostrarnos un estado apocalíptico. Se concentra principalmente en el comportamiento humano ante ese desastre, lo que hace que tenga un guión estructuralmente bien armado, donde el ser humano tiene su carácter en la vida cotidiana, pero ¿qué sucede ante un estado de alarma, de emergencia, de sobrevivencia? Cambia, lo crean o no, cambiamos.

Estamos ante una película de catástrofe, con suspenso y una pizca de acción, con sátira social, drama psicológico y otros condimentos típicos en la cinematografía de ese rincón del mundo.

Tiene un buen desarrollo de personajes en térninos generales, profundidad en los temas tratados con mucha inteligencia y unos buenos efectos visuales con efectos de sonido atrapantes.

Ficha técnica

Utopía concreta ( coreano : 콘크리트 유토피아 ) Utopía de concreto. Konkeuriteu Yutopia
Directed: Um Tae-hwa
Screenplay: Um Tae-hwa y Lee Shin-ji
Based on Pleasant Bullying de Kim Sungnyung
Cinematography: Cho Hyoung-rae
Edited by Han Mee-yeon
Music by Kim Hae-won
130 minutos

2023 - Corea del Sur.
Protagonistas: Lee Byung-hun, Park Seo-joon, Park Bo-young, Kim Sun-young, Park Ji-hu.

Con todos menos contigo - Por Carlos Correa Acuña

Simpática comedia, especial para este tiempo estival y pasar un buen rato. Es, por supuesto, un tema con variaciones del original “chica conoce chico”, pero el modelo debe resultar. Acá funciona, veamos por qué.

La atracción es inmediata. Cuando Bea -Sydney Sweeney-, conoce a Ben -Glen Powell-, luego de un ingreso apurado a una cafetería para usar el baño urgentemente, poco falta para que se desmaye al instante. Es que el guapo galán no solo se fija en ella, sino que le ofrece una particular ayuda: fingiendo ser su esposo, usa su lugar en la fila para comprarle un té y, gracias a eso, pedir la llave del baño para la, a esa altura, angustiadísima joven.

El incidente, que bien podría haber pasado a ser solo una anécdota, no se queda ahí. Ben la invita a salir de inmediato, y ambos recorren la ciudad contándose historias e intercambiando puntos de vista sobre muy diversos temas. Ella estudia derecho y él se desempeña en finanzas, lo que no es impedimento para una larga conversación que termina con una improvisada y austera cena en el departamento del joven. Tanto hablan que se quedan dormidos en el sofá, y antes del amanecer, Bea se escapa a hurtadillas. Pero regresa, arrepentida, pero escucha los improperios que Ben le cuenta a su mejor amigo Pete -GaTa-, sobre una noche desafortunada con una desastrosa chica.

La historia se salta seis meses para llegar a otro encuentro fortuito. Halle, la hermana de Bea, sale con Claudia, la hermana de Pete, y coinciden en una fiesta que les pone de frente para que se digan todo lo que tienen guardado el uno del otro desde su primer y único encuentro. Las cosas no mejoran, y la invitación al matrimonio de Halle y Claudia, nada menos que en Sidney, no hace más que complicar las cosas, porque viajan en el mismo vuelo, comparten mismos trayectos y deben vivir la incomodidad de alojar bajo el mismo techo.

El relato sigue enredándose pues también están invitados a la boda la ex pareja de Ben y el ex novio de Bea. O sea, realmente son muy pocos invitados pero, que duda cabe, son una multitud, y eso no es agradable. A esa altura, el odio que se tienen traspasa umbrales, sin embargo la perspectiva de enfrentarse a sus respectivos “ex” les ofrece una salida poco delicada aunque bastante arriesgada. ¿Qué tal si fingen ser pareja? Eso ayudaría a Bea para alejar a Jonathan, y también a Ben, para así darle celos a Margaret. Negocio redondo, ganancia para todos, pero esto es película y las cosas no salen según lo planeado. Lo que viene después es de manual: aventuras y desventuras que derivan en un predecible final que no esconde ninguna pieza. No entrega ningún giro copernicano, pero que entretiene, entretiene.

Primero punto a favor, química pura entre los protagonistas. Desde su encuentro inicial y durante los posteriores desencuentros, ambos son imanes que se potencian estando juntos en pantalla. Segundo punto, buenos gags, sobre todo los primeros. Naturales y sin sobrecargar situaciones, provocan risas y alivianan el tranco. Y tercer punto, el entorno es paradisiaco, y la fotografía le saca partido con tomas aéreas preciosas que resaltan el bello paisaje.

Donde se cae “Anyone But You” es en la elaboración de los nudos de conflicto. Como el más importante está al inicio, demora mucho en decidir con qué provocará el conflicto final. Mientras eso ocurre, todo se va diluyendo en un paulatino declive que solo es contenido con un pequeñísimo giro que anticipa lo que todos, por supuesto, sabemos de antemano.

Pero no nos quedemos con lo menos logrado, relevemos aquello que funciona bien, como esas imágenes nocturnas de la bahía de Sidney mientras esta pareja de “enemigos-amigos” flota agarrada a una boya de seguridad en espera de un rescate milagroso. O las imágenes diurnas de una urbe colorida que llama a gritos ser visitada, o revisitada, con el emblemático Teatro de la Ópera como telón de fondo.

Liviana y agradable, con una buena producción, esta comedia, aunque no reinvente nada, se las arregla para lograr su cometido. De tan cotidiana, pasa por encima algunos puntos importantes que se asoman de cuando en vez, y ese es un mérito, porque no hay nada más difícil que hacer parecer simple aquello que, quizá, es de lo más complejo de nuestra vida.

Ficha técnica

Título original: Anyone But You
Año: 2023
Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Sony Pictures, Fifty-Fifty Films, Olive Bridge Entertainment, RK Films. Distribuidora: Sony Pictures
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica
Guion: Will Gluck, Ilana Wolpert. Historia: Ilana Wolpert
Música: Este Haim, Christopher Stracey
Fotografía: Danny Ruhlmann
Reparto: Sydney Sweeney, Glen Powell, Alexandra Shipp, GaTa, Hadley Robinson, Michelle Hurd, Dermot Mulroney, Darren Barnet, Bryan Brown y Rachel Griffiths
Dirección: Will Gluck

Breaking Social - Por Juan Pablo Donoso

Ignoramos si este documental es INGENUO o PANFLETARIO.

De novedoso nada tiene desde los albores de la humanidad.

Lo que denuncia ya lo postularon las encíclicas Rerum Novarum (1891) y Cuadragésimo Anno (1931). Luego Jacques Maritain (1882 -1973), en su metafísica “Filosofía de la Inteligencia y del Existir”. Principal exponente del humanismo cristiano. Uno de los padres de la auténtica Democracia Cristiana Internacional.

Acusa élites capitalistas corruptas con sedes en todo el planeta.

Pide tomar conciencia, protestar y combatir. ¡Qué! ¿La codicia eterna de la humanidad, o el derecho a progresar de los capaces y empeñosos?

El símbolo reiterativo es una muchachita solitaria que baila libremente por calles y parques. Ella merece una vida plena sin abusos económicos... pero , ¿tampoco de opresiones políticas estatistas???. (¡El sueño del pibe!).

Gertten, realizador sueco de 68 años, enarbola banderas de lucha como un colegial termocéfalo que nunca ha leído historia.

Plantea que, ¡oh novedad!, predomina el poder económico sobre el político. (¡!) Que la “meritocracia” es mentira; los que más contribuyen obtienen lo menos; los que rompen las reglas obtienen beneficios; los magnates pagan menos impuestos que sus más humildes empleados; las grandes universidades, en Economía, solo enseñan a robar el dinero de otros; la confianza en la democracia es una desilusión: solo triunfan los tramposos y ladrones. Es el Progreso al revés= “mientras más contribuyas al orden y la legalidad, más te empobreces”.

La filantropía de las grandes fundaciones es hipócrita. Es inútil criticar al mecenas: estamos sometidos a su poder.

La venta fraudulenta de pasaportes en Europa emerge triunfante como NEGOCIO GLOBALIZADO.

Su hipótesis nos ilustra variados abusos agiotistas en Afganistán, Malta, Holanda, Inglaterra, Estados Unidos, para terminar concentrándose, a fondo, en nuestro país de los últimos años.

“Extraer es quitar sin dar nada a cambio”. Por ejemplo, en Chile unos pocos se han apoderado del agua de los ríos para propio beneficio, y la minería liquidó la agricultura en Choapa.

Avivemos, entonces, la necesidad imperiosa de PROTESTAR. Venga el rimbombante y galardonado LASTESIS, colectivo feminista interdisciplinario y transinclusivo con sus performances a partir de 2018 (¿Existe todavía?).

Y luego el tan apoteótico “estallido social” de octubre 2019. Impulso encubierto que justificó la variopinta protesta masiva, con el inevitable vandalismo, que a su vez confundió la violación a los Derechos Humanos con la represión policial justificada del Orden Público.

De aquel terremoto surgió la Convención Constitucional. Largo y costoso proceso de elaborar una nueva Carta Fundamental para Chile. Respuesta Nacional=aplastante RECHAZO - por VOTACIÓN DEMOCRÁTICA - de la nueva Constitución que aspiraba a refundar la Patria bajo una nebulosa estructura marxistoide.

Quienes vemos este documental ahora en 2024 - bajo el actual régimen de gobierno - ya podemos leer los acontecimientos con más claridad.

Es sospechoso que el filme nunca critica, ni menciona la miseria ni las represiones de los regímenes totalitarios iraníes, norcoreanos, ni chinos (¡!).

¿Qué queda hoy en Chile del ideal Demócrata Cristiano de Maritain? Esto SÍ merece una reflexión madura y honesta.

LLEGASTE TARDE A CHILE, FREDRIK GERTTEN. TU PROPUESTA SOCIOLÓGICA SUENA SIMPLISTA Y TRILLADA (Manual de Cortapalos).

Ficha técnica

Documental - 2024 Suecia, Países Bajos, Noruega, Suiza, Finlandia - 1,33 hrs. 

Fotografía: Janice D'Avila 

Edición: Benjamin Binderup 

Testimonios: Rutger Bregman, Gerald Bryson, Sarah Chayes 

Director: Fredrik Gertten

Sobrevivientes después del terremoto - Por Carlos Correa Acuña

La ciudad de Seúl, capital de Corea del Sur, ha sido devastada por un mega terremoto que resulta indescriptible. Caos total, incredulidad extrema. Una sorpresiva acción de la naturaleza que ha cobrado miles de vidas y arruinado toda la infraestructura kilómetros a la redonda. La destrucción es total, aún persisten los focos de incendio y los sobrevivientes son realmente escasos. La miseria se abre paso entre medio de un paisaje desolador donde no parece quedar nada en pié; salvo un edificio, solo uno, los departamentos “Hwang Gung”.

Esto es solo el comienzo de esta película dirigida por Um Tae-hwa. Lo que viene a continuación, luego del shock inicial, responde a la pregunta que se hacen los habitantes del edificio, y que por lo demás, nos haríamos todos nosotros en una situación similar: ¿qué hacemos ahora? No hay respuesta, sino más bien ligeras intuiciones. Ante la falta de comida, organizarnos; ante la seguridad, protegernos; ante la incertidumbre, explorar qué opciones tenemos. No es fácil decidir, pues la primera reacción de los 219 sobrevivientes, correspondientes a 136 hogares es, probablemente, bastante natural: aislarse, rascarse con las propias uñas. El cambio hacia la apertura no es sencillo, sin embargo es vital. En comunidad se enfrentan mejor las dificultades, pero cuál comunidad, la del edificio, la exclusiva de los residentes, o aquella que involucra a todos los sobrevivientes, internos y también externos?

Los personajes clave se van construyendo paulatinamente. Min-seong -Park Seo-joon-, y su esposa Myeong-hwa -Park Bo-young-, el matrimonio joven del departamento 602, y Geum-ae -Kim Sun-young-, la presidenta de la asociación de mujeres del complejo, habitante del 1207 son los primeros reconocibles. Luego surge Yeong-tak -Lee Byung-hun-, del 902, el electo delegado responsable de organizarlo todo, un hombre en un principio quitadito de bulla pero que, poco a poco, va construyendo sus responsabilidades en base a osadas decisiones. Este cuarteto soporta en sus hombros gran parte del metraje y resulta convincente, tanto en el desarrollo dramático de sus representados, como en los aspectos que se refieren a sus respectivas personalidades.

¿Es una bendición sobrevivir a una debacle de este tamaño? Podríamos responder casi automáticamente que sí, pero a poco andar nos damos cuenta que tras el infierno vivido, surge un nuevo infierno, tal vez más crudo y profundo, cuando emergen las divisiones internas producto de la lucha instintiva por sobrevivir. Las acciones y reacciones suelen ser irracionales, viscerales, dejando de lado cualquier consideración lógica para un comportamiento que comienza a ser regido en base al poder y que tiene una cara que muestra la mayor miseria humana.

El sentido de pertenencia se explicita fuertemente en las primeras acciones del grupo. Ellos son los “elegidos”, por tanto se deben proteger de las amenazas externas. Su derecho está dado por la propiedad de sus departamentos, algo que les permite imponer defensa y excluir a los foráneos. Y parecen no dudarlo. La figura del delegado cobra más importancia al aplicar las decisiones grupales, aunque siempre veamos un poder en las sombras; la mujer presidenta. Se deben fijar normas, lo hacen; necesitan organizarse y definir la forma repartir las raciones que, obviamente, son limitadas. Es imperioso salir a buscar sustento; un grupo de avanzada se encarga de aquello mientras otro grupo defiende el lugar y los demás se protegen bajo un pseudo escudo de confort.

La cinta corre y con ello también se visualizan cambios en el joven matrimonio. Él ensaya papeles más protagónicos, al punto de transformase en el asistente, o mano derecha, del delegado; ella, por su parte, permanece callada pero lo observa todo a su alrededor, y a través de su mirada vemos, tal vez, lo mismo que a ella le llama la atención. Lo que están haciendo no parece correcto, hay grietas, excluir a los externos, tarde o temprano se les volverá en contra, y la discriminación también llegará a un punto de no retorno.

Entre imágenes intercaladas, previas a la catástrofe, vemos que también son capaces de generar espacios de esparcimiento y de fiesta. No parece real, pero lo es, momento en el que el director decide mostrarnos la vida pasada del delegado, mientras este personaje, lentamente, se va transformando en un pequeño dictador. Las diferencias de trato internamente aumentan, la diferencia de trabajos o responsabilidades se ve reflejada en privilegios de comida, y así, en cada cosa cotidiana. Los ataque externos aumentan. A las avanzadas, y también asonadas al edificio. Cuando se descubren intrusos al interior son desalojados, y a quienes los han ayudado y escondido, se les marca y estigmatiza.

El regreso de Hye-won -Park Ji-hu-, una estudiante residente del 903 marca el punto de inflexión. Desde ese momento comienzan algunos descubrimientos importantes y se pone en evidencia al delegado. Todo crece en tensión y la contención ya no se ve posible. La locura de ha desatado, la enajenación es total, y amenaza destruirlo todo, acabarlo todo.

“Concrete Utopia”, su título original, mucho más claro y decidor, es una película eminentemente provocativa. Las brisas de comedia negra al interior de un drama de proporciones épicas están perfectamente delineadas. Podríamos decir, incluso, que estamos frente a un estudio social, un estudio sobre la naturaleza humana que, bajo ese leve tono de sátira, esconde parcialmente la rudeza y fuerza de argumentos que por momentos son expuestos sin ningún tipo de filtro. La mega catástrofe resulta, así, una buena excusa para realmente mostrar comportamientos humanos ante situaciones extremas, acciones y reacciones donde sale lo peor -y también lo mejor- de las personas.

Pero no todo está perdido. Hay una moraleja, una luz de esperanza y generosidad. Lo difícil es saber encontrarla, o bien, luego de qué camino la podríamos encontrar. Es por eso que, en un cierre vital, la película logra completar el círculo, redondear una historia que es mucho más que la sobrevivencia de un grupo de personas. Corresponde, aunque sea algo reduccionista, a la sobrevivencia de la especie humana en un mundo que está siendo devastado por nosotros mismos y al que la naturaleza, en cualquier momento, podría ponerle el punto final.

Ficha técnica

Título original: Concrete Utopia
Año: 2023
Duración: 130 minutos
País: Corea del Sur
Compañías: Climax Studios, BH Entertainment Co. Ltd.
Género: Ciencia ficción. Thriller. Drama | Catástrofes. Terremotos. Supervivencia. Distopía
Guion: Um Tae-hwa, Kim Dong-gyun
Música: Kim Hae-Won
Fotografía: Cho Hyung-rae
Reparto: Lee Byung-hun , Park Seo-joon y Park Bo-young .
Dirección: Um Tae-hwa

Héroe por encargo - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Mason Pettits, exagente de las fuerzas especiales está atrapado en un aburrido trabajo de oficina. A regañadientes acepta un encargo para proporcionar seguridad privada a Claire Wellington, una periodista fracasada, mientras entrevista a Juan Venegas, un despiadado -pero impecablemente vestido- dictador. Justo cuando está a punto de conseguir la primicia de su vida, estalla un golpe militar. Para salir con vida, el peculiar trío debe apañarse para sobrevivir a los asesinos, a la selva y a ellos mismos.

Esta es una película menor, pero no por ello, menos entretenida. ¡Qué similitud hay entre John Cena y Arnold Schwarzenegger! Seguro que Cena es gran fan y admirador. Me atrevo a pensar que si esta película se hubiera hecho hace más de 30 años, seguro que el papel era para Schwarzenegger junto a … ¿Salma Hayek? Pero bueno, estamos en 2024 y los roles pasan indudablemente por las modas, bien lo sabemos.

Ok, entiendo, volvamos a lo que nos convoca. El inicio presenta un arco completo, una descripción en detalle de gran parte de la vida del protagonista que da una vuelta larga para mostrarnos, finalmente, su frustración total. Y la guinda de la torta es que su relación de pareja se termina (aunque no se crea mucho, porque se ve muy falsa esa escena). De ahí en más, y antes también, por supuesto, el desfile de caricaturas y estereotipos no se hace esperar, porque comienza una aventura que tiene como eje un dictardocillo latinoamericano, de esos que no abundan pero dañan bastante a su pueblo. ¿Raya para la suma? El protector, y esta vez al cuadrado, debe defender a la joven periodista (y también al galán autoritario) de un cuanto hay de situaciones que amenazan su vida a cada paso que dan.

Algo que me llama la atención es la poca química entre los dos protagonistas. Y no es que no sean simpáticos o no atraigan miradas. Tampoco destiñe el elegante dictador vestido de un blanco impoluto en el medio de la selva tropical, pero aun así, no cuadra, tal vez por lo básico de un guion que, si no recurre a la acción, se cae al suelo y varias veces. Además, con 15 minutos menos (hasta 20 me atrevo a decir), habría resultado mejor, porque hay al menos dos posibles finales antes que se baje definitivamente el telón.

No quisiera terminar mi comentario sin destacar lo bueno que tiene “Freelance” (es mejor el título original, sin duda). Las aventuras son entretenidas, los paisajes filmados son lindos, y los efectos especiales de disparos, bombas, ataques, explosiones y escenas aéreas, abarca, y muy bien, un nutrido abanico de elementos de entretención. Y a este tipo de películas, de verdad, no le pedimos mucho más, solo que cumpla lo que promete y que no se vaya por las ramas para terminar desinflada y con respiración artificial. Esta película se mantiene sobre la raya de flotación la mayor parte del tiempo, aunque da la impresión que le entra bastante agua al bote.

Ficha técnica

Título original: Freelance
Año: 2023
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Endurance Media, Sentient Entertainment, Sentient Pictures, AGC Studios, Signature Films
Género: Acción. Comedia
Guion: Jacob Lentz
Música: Geoff Zanelli, Elliot Leung
Fotografía: Thierry Arbogast
Reparto: John Cena, Alison Brie, Juan Pablo Raba y Christian Slater
Dirección: Pierre Morel

Héroe por encargo - Por Jackie O.

"Hacer lo correcto"

Un ex agente de las fuerzas especiales (John Cena) que, producto de una misión fallida la cual lo deja lesionado, estudia y se gradúa de abogado para comenzar una nueva vida. Pero con problemas en su casa y la insatisfacción de lo que hace, un casual reencuentro con un ex colega (Christian Slater), aviva la llama de su vida, aceptando un trabajo para proporcionar seguridad a una periodista (Alison Brie), quien irá a un lugar de latinoamerica a entrevistar a un dictador (Juan Pablo Raba), pero apenas llegan, estalla un golpe militar viéndose obligados a escapar a la jungla, donde serán perseguidos por militares bien armados. Ahí, John Cena deberá hacer gala de sus dotes de militar, mientras la periodista y este presidente lo acompañan por diversos rincones del país, enterándose, de a poco, quién es quién en esta loca persecución.
¿Quién es realmente el malvado?
¿Quién quiere el poder y por qué?

Los tres personajes principales, John Cena, Alison Brie y Juan Pablo Reba, son entretenidos y sus interacciones se compaginan bien, se nota que lo pasaron muy bien haciendo la película. Alison lleva tiempo haciendo del mismo personaje, pero le queda; Cena es muy simpático y el reírse de sí mismo es grandioso, aunque no sea buen actor; y qué decir de Juan Pablo, lo había visto de matón o dramas, pero como el extravagante y caricaturesco presidente aporta una capa extra de disfrute a la cinta.

Una película que, por bien que la haya pasado viéndola, porque sí la disfruté, tiene errores de efectos visuales, coreografías, actores secundarios poco creíbles, guión, entre otros detalles, en donde posiblemente tenga nominaciones a los premios Razzie, quien sabe.

Pero al detenernos, y no solo dejarnos llevar por el disfrute, también toca temas sociales fuertes, como las empresas o corporaciones que buscan desestabilizar a los países subdesarrollados solo para explotar sus recursos; o sobre la identidad del ser humano, en que debemos detenernos y pensar qué es lo que nos hace felices, y ese es el viaje que Cena hace para saber qué quiere para su futuro como hombre, padre y esposo.

Ficha técnica

Freelance
Directed: Pierre Morel
Written: Jacob Lentz
Cinematography: Thierry Arbogast
Edited: Chris Tonick
Music: Elliot Leung y Geoff Zanelli
109 minutos

EEUU. - 2023.
Comedia, acción.

Breaking Social - Por Carlos Correa Acuña

Según su premisa -breakingsocialfilm.com- , este trabajo documental analiza los patrones globales de cleptocracia y el extractivismo. Un periodista de investigación asesinado en Malta, un río sin agua en Chile, dos casos como ejemplo. Además, expone que cuando la gente llega a un punto de no retorno, empieza a organizarse y a protestar. Por eso anuncia que veremos a quienes luchan en las primeras líneas de levantamientos sociales en varias partes del mundo.

Asimismo, la cinta da cuenta de una exploración sobre las posibilidades de superar la injusticia y la corrupción, señalando finalmente que es una película sobre cómo reinventar los componentes básicos de nuestras sociedades y cómo encender las semillas de esperanza que viven dentro de cada uno de nosotros.

De una hora y media de duración, y dirigida por Fredrik Gertten, se inicia con imágenes de Chile. Vemos a una bailarina rodeando el Centro Cultural GAM, en pleno centro de Santiago, su capital. Luego se muda a Afganistán, y pone el foco en el fenómeno de la corrupción. Asumiendo un trabajo de investigación, suma otros países y ya viajamos a Malta, donde se observan movimientos callejeros y protestas a raíz del colapso del estado de derecho y la cooptación del poder para beneficio de las personas que lo ejercen.

La cleptocracia, ese aprovechamiento general de todo, es su foco central, y nos trasladamos a Países Bajos y a Estados Unidos antes de regresar a Chile, a su valle central para ver la ausencia actual de agua y una sequía mortal, con una gran empresa minera como culpable.

Los testimonios que escuchamos denuncian un sistema económico impuesto que no sabemos hacia dónde va, si es que realmente va a alguna parte. Toma relevancia, entonces, la situación pre estallido social chileno, porque da cuenta de aquel enojo que desencadena cambios, punto desde el que, según esta visión editorial, mejoran las cosas. Nos movemos a Inglaterra, a la venta de pasaportes dorados (para millonarios) en Malta, volamos a Nueva York y asistimos a las dificultades de sindicalización tomando el ejemplo del grupo de trabajadores de Amazon y las excentricidades de su CEO, Jeff Besos. No paramos, vamos de punto en punto, de cima en cima, de lugar en lugar.

Estamos ante un trabajo que juzga, califica y descalifica. Su máxima es que la unidad de las personas puede vencer cualquier situación. Propone que desde allí surgirá la esperanza que derrote la corrupción, modifique las políticas económicas, enmiende la política partidista, y con ello mejore, o reinicie, todo el sistema político social.

En mi opinión, es un trabajo interesante pero incompleto. Por ejemplo, en el caso chileno no muestra la violencia destructiva del denominado estallido. Luego, al mencionar el proceso de la Convención Constitucional describe, desde la óptica de una joven, cómo se plasman los sueños e ilusiones después de la revolución de Octubre de 2019, pero sin dar cuenta del posterior rechazo mayoritario (en un participativo plebiscito) a la propuesta refundacional del país.

No deja de ser complejo cuando en una investigación no tenemos todos los elementos encima de la mesa. Es cierto que la línea editorial la decide el realizador, sin embargo cuando aquella es mayoritariamente ideológica se torna complaciente al ofrecer solo una postura, una sola cara de la moneda.

“Breaking Social” claramente es una denuncia, y muy bien filmada, pero no da cuenta de todos los hechos o de todas las visiones. ¿Es un trabajo destinado a influir realmente, o solo con el objetivo de entregar un mensaje, independiente de su acogida y aceptación? Aunque falten elementos, esto último, en vez de clausurarlo de cuajo, puede resultar una buena oportunidad para abrir un debate que aun tiene mucho que decir. El tiempo lo dirá, y quienes lo observen también.

Ficha técnica

Producción ejecutiva: Fredrik Gertten y Margarete Jangård
Producción: Fredrik Gertten y Margarete Jangård
Edición: Benjamin Binderup
Distribución: : DocsBarcelona Distribution
Director: Fredrik Gertten

El juego de la muerte - Por Carlos Correa Acuña

Muy interesante propuesta resulta ser esta película, de factura Rusa, a cargo de la directora Anna Zaytseva. Y son varias las razones que están involucradas en este ágil desarrollo de una hora y media de duración que nos mantiene atrapados, y al borde del asiento, de comienzo a fin.

La historia trata de dos hermanas adolescentes, Dana y Julia, quienes viven junto a su madre. Por supuesto la relación entre ellas es frenética y cambiante a cada minuto, sin embargo un punto de inflexión lo cambia todo. Julia descubre unas fotos “subidas de tono” de su hermana mayor, amenaza con dejarla al descubierto, y al poco tiempo pierde la vida en forma trágica. Nada es muy claro ante tal conmoción, pero existen algunas pistas ocultas en el computador de Julia que sugieren la posibilidad de algún tipo de intervención por parte de terceros. Dana se obsesiona, quiere saber la verdad, descubrir qué motivó la muerte de su hermana. Para lograrlo, se interna en oscuras redes virtuales, y también reales, de las que le resultará tremendamente difícil escapar.

“Blue Whale”, la ballena azul, ¿les suena? Claro. A mediados de la década pasada surge este juego en base a desafíos que llevan al extremo a muchos adolescentes. Autolesiones, peligrosas acciones, e incluso atentar contra la propia vida son parte de las pruebas, sin dejar de lado otras más que tienen que ver con humillaciones públicas, situaciones indignas, y tantas otras. Esto es parte del mundo que encuentra Dana Brunetti -Anna Potebnya-, al investigar en qué se encontraba su hermana Julia -Diana Shulmina-, al momento de morir.

Anna Zaytseva, la directora, cuenta que conoció una historia similar por las noticias, por lo que cuando recibió esta idea no dudó en llevarla a la pantalla para ejemplificar muchas cosas que deberían ser tomadas en cuenta y reflexionadas. Y es verdad, poco se sabe sobre lo que hacen los adolescentes en línea, menos con sus grupos de amigos virtuales, y menos aún, si ante diferentes estímulos y sensaciones se embarcan en situaciones que no alcanzan a dimensionar y sopesar.

La película atrapa, no cabe duda. La puesta en escena -aunque ya hemos visto esto muy bien desarrollado en otras cintas como “Missing”-, basada en una pantalla de computador con aplicaciones, ventanas, chats de todo tipo, y un vértigo virtual permanente, resulta muy atractiva. Tiene muchos de entornos que conocemos, sin embargo no los explicita mayormente, obviamente por los derechos de marca que están involucrados, sin embargo sabemos de qué espacios se trata. Y acá varios puntos. No se puede demonizar a los mensajeros (aplicaciones) por lo que sucede dentro de ellas. Son los comportamientos de las personas aquello que marca la diferencia, porque un determinado lugar de encuentro virtual no tiene nada malo en sí mismo, salvo, por supuesto, el control inicial de seguridad, la validación de sus usuarios, las políticas de uso, etc., pero que en la mayoría de los casos son tan generales y fáciles de burlar, que en realidad de filtro poco y nada tienen.

Volviendo al metraje, impacta la velocidad y verosimilitud de lo que vemos en pantalla. Hay muchas pistas y también muchos distractores mientras vemos cómo Dana va internándose en una red que la come por fuera y también por dentro. Las amistades en línea también son inestables (más que mal, lo virtual es un símil de lo real, pero en una dimensión diferente), y tal como sucede en más de una oportunidad, las confianzas son defraudadas una y otra vez.

“YA idu igrat”, aparte de ser entretenida, es interesante, además, como punto de partida de una reflexión mayor con jóvenes que pueden estar viviendo situaciones de este tipo y que no saben cómo comportarse o cómo manejarse. Punto de partida, no final, sin duda, porque otra característica de los tiempos actuales es la velocidad con la que suceden los cambios, porque si pensamos que hoy día cualquier inteligencia artificial puede sostener un diálogo fluido, definitivamente ya no sabemos quién está detrás de los mensajes y de las pantallas.

Bien por esta película al relevar un tema importante con una estética y ritmo adecuado. Ojalá logre conversaciones y aperturas tal como los actores solicitan al público al final, antes de los créditos. Un aporte en esa línea, desde la dinámica del cine, siempre es bienvenida, y supera cualquier aspereza técnica o aspecto no logrado, ya que, raya para la suma, es mucho más lo que propone para solo ser un producto de entretención.

Ficha técnica

Título original: YA idu igrat
Año: 2021
Duración: 91 minutos
País: Rusia
Compañías: Bazelevs Production, RTP
Género: Thriller | Redes sociales
Guion: Evgeniya Bogomyakova, Olga Klemesheva, Anna Zaytseva
Música: Sergey Moiseenko
Fotografía: Egor Vetokhin
Reparto: Anastasya Bratsyun, Timofey Yeletsky, Danya Kiselyov, Olga Pipchenko, Anna Potebnya
Dirección: Anna Zaytseva