Ambientada en el sur de Tailandia durante la Segunda Guerra Mundial, Mok -Awat Ratanapintha-, junto a un escuadrón de jóvenes soldados, se lanza contra las fuerzas invasoras japonesas. Lo que él desconoce es que el enemigo carga consigo una horrorosa arma biológica capaz de borrarlos del mapa en cosa de segundos. Por otro lado, el suboficial Mek -Chanon Santinatornkul-, hermano mayor de Mok, recibe la orden de unir fuerzas con los japoneses cuando estos pierden el control del nuevo armamento, descubriendo que estas órdenes podrían significar hasta la muerte de su propio hermano.
En películas de zombies siempre asalta la pregunta respecto al momento en que veremos las primeras apariciones. En este caso, la duda se despeja pronto, a los 16 minutos, momento en el que hacen su entrada con toda propiedad. Y desde ese instante no paran más. Tal vez la única pausa del filme, lo más tranquilo y mesurado, está en los primeros minutos, en ese breve preámbulo que nos muestra la vida cotidiana de los soldados en un campamento sin que podamos siquiera advertir lo que acontecerá posteriormente.
En palabras del director, Kongkiat Khomsiri, “la película habla sobre la hermandad y los lazos fragmentados, con los zombies actuando como catalizadores de este quiebre. Siguen siendo los zombies que conocemos, pero les damos una razón creíble y plausible para su existencia. Siempre he creído que el terror no solo debe asustar, sino también reflexionar sobre las relaciones humanas”.
“Operation Undead” intenta tener una base de sustento diferente para contar una nueva historia sobre muertos vivientes. Lo consigue a medias, trastabillando, rozando lo grotesco, pero con espacio para intercalar algunos elementos de la cultura oriental. Lo que decepciona es que, a pesar de tener una plausible razón de ser, la película se refugia en lo conocido y no logra salir de su zona de confort. Y es que resulta muy difícil resistir la tentación de mostrar imágenes caníbales y secuencias enteras de enfrentamientos. Y hay que tener estómago para poder terminar de verla, porque si en algo destaca este trabajo es en sus espeluznantes efectos especiales.
Solo para fanáticos del género y que ademas tengan la piel muy gruesa.
Ficha técnica
Título original: Operation Undead
Año: 2024
Duración: 110 minutos
País: Tailandia
Compañías: IFA Media Productions, Threesixzero Productions, Kongkiat Production
Género: Terror. Drama. Bélico | Zombis. Años 40
Guion: Narit Pachoei, Kongkiat Khomsiri, Pass Patthanakumjon, Suebpong Srihatri
Música: Giant Wave
Fotografía: Pramett Chankrasse
Reparto: Seigi Ozeki, Awat Ratanapintha, Supicha Sangkhachinda, Chanon Santinatornkul, Nobu T Watanabe
Dirección: Kongkiat Khomsiri
martes, 12 de noviembre de 2024
lunes, 11 de noviembre de 2024
Código Traje Rojo - Por Carlos Correa Acuña
Santa Claus es secuestrado. Conmoción en el Polo Norte. Se activan las alarmas. Faltan menos de dos días para la Navidad. Callum Drift -Dwayne Johnson-, el poderoso jefe de seguridad, inicia un operativo gigante para dar con los captores.
Pero la historia no parte así. Se remonta 30 años antes en uno de los mejores inicios para una película navideña: la anti Navidad. En ese momento conocemos a Jack O'Malley -Chris Evans-, un niño que no tiene ningún problema en plantar cara y decir todo lo que piensa y sin filtro. Un infante contra la Navidad y contra Santa. ¡Qué contradicción! Pero en el presente, Jack no ha variado mucho su forma de ser. Por el contrario, ha acrecentado sus características, y podríamos decir que es todo un antisistema, un tipo que, oportunidad que ve, la usa para provocar o causar algún daño o algún problema. No en vano es un afamado hacker y, además, un reconocido cazarrecompensas.
Entonces, ¿cómo se juntan Callum con Jack? La necesidad tiene cara de hereje, se ha dicho por años, por lo que ante circunstancias acuciantes, todo vale. La misión de recuperar al señor Claus bien vale la pena. La Navidad no está en peligro pero sí la repartición de los regalos y todos los niños que ansiosamente los esperan. ¿Lograrán su objetivo, contra harto más que viento y marea?
Luego de una premisa y un comienzo prometedor, esta película dirigida por Jake Kasdan, y basada en una historia original de Hiram Garcia, va perdiendo fuelle con el paso de los minutos, desconfigurándose poco a poco. ¿Qué significa esto? El inicio elocuente y hasta la secuencia del rapto, la cinta funciona muy bien, pero, desde ese momento, las lagunas se van haciendo cada vez más grandes. La acción va decayendo, al tiempo que los momentos pausados y de diálogo no logran compensar un ritmo en declive que no logra ser sorteado ni siquiera por el reconocido carisma de sus protagonistas.
Y en esto quisiera detenerme un poco. Ambos, Dwayne Johnson y Chris Evans, no son unos aparecidos. No. Saben de qué se trata esto y muchas veces han debido soportar sobre sus hombros el peso de mantener películas enteras. Incluso, ya han trabajado juntos con éxito. Pero algo sucede en esta entrega. Es extraño, pero no hay mucha química entre ellos cuando están juntos en pantalla. Evans, solo, se las arregla para hacer un rol distinto a sus últimos papeles y realizarlo en forma convincente. Por otra parte, Johnson apaga un poco su habitual carisma para ser un frío jefe y despertar solo a goteras cuando las situaciones lo ameritan. Sin embargo, cuando los dos se reúnen, parecen imanes que no se juntan, como que se anulan en vez de aprovechar el potencial de una dupla que podría fácilmente encenderlo todo. Extraño. Como para darle más de alguna vuelta.
“Red One” no pasa de ser una película más que tiene la Navidad como excusa. Interesante en su concepto, pero con muy poco desarrollo. Y el problema, tal vez, son las expectativas que genera, porque lo que promete no lo alcanza a cumplir. ¿Entretiene? Sí, pero a medias. Se hace larga, sobre todo en su parte central, y su conclusión es tan evidente que ni siquiera guarda una sorpresa bajo la manga. Ni siquiera la mezcla de géneros ayuda mucho, porque lo fantástico se combina con temas familiares, y las demás tramas de la historia pasan a pérdida cuando no se mantiene un foco y un punto de llegada que resulte más preciso.
Bueno, no pidamos tanto. Tenemos una película para pasar el rato y luego olvidarla inmediatamente. Y aquello no es malo, es lo que hay, y nada más.
Ficha técnica
Título original: Red One
Año: 2024
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Seven Bucks Productions, Chris Morgan Productions, Detective Agency, The, Amazon MGM Studios
Género: Fantástico. Acción. Aventuras. Comedia | Navidad
Guion: Chris Morgan. Historia: Hiram Garcia
Música: Henry Jackman
Fotografía: Daniel Mindel
Reparto: Dwayne Johnson, Chris Evans, Lucy Liu, Kiernan Shipka, Bonnie Hunt, Nick Kroll, Kristofer Hivju, Wesley Kimmel, J. K. Simmons
Dirección: Jake Kasdan
Pero la historia no parte así. Se remonta 30 años antes en uno de los mejores inicios para una película navideña: la anti Navidad. En ese momento conocemos a Jack O'Malley -Chris Evans-, un niño que no tiene ningún problema en plantar cara y decir todo lo que piensa y sin filtro. Un infante contra la Navidad y contra Santa. ¡Qué contradicción! Pero en el presente, Jack no ha variado mucho su forma de ser. Por el contrario, ha acrecentado sus características, y podríamos decir que es todo un antisistema, un tipo que, oportunidad que ve, la usa para provocar o causar algún daño o algún problema. No en vano es un afamado hacker y, además, un reconocido cazarrecompensas.
Entonces, ¿cómo se juntan Callum con Jack? La necesidad tiene cara de hereje, se ha dicho por años, por lo que ante circunstancias acuciantes, todo vale. La misión de recuperar al señor Claus bien vale la pena. La Navidad no está en peligro pero sí la repartición de los regalos y todos los niños que ansiosamente los esperan. ¿Lograrán su objetivo, contra harto más que viento y marea?
Luego de una premisa y un comienzo prometedor, esta película dirigida por Jake Kasdan, y basada en una historia original de Hiram Garcia, va perdiendo fuelle con el paso de los minutos, desconfigurándose poco a poco. ¿Qué significa esto? El inicio elocuente y hasta la secuencia del rapto, la cinta funciona muy bien, pero, desde ese momento, las lagunas se van haciendo cada vez más grandes. La acción va decayendo, al tiempo que los momentos pausados y de diálogo no logran compensar un ritmo en declive que no logra ser sorteado ni siquiera por el reconocido carisma de sus protagonistas.
Y en esto quisiera detenerme un poco. Ambos, Dwayne Johnson y Chris Evans, no son unos aparecidos. No. Saben de qué se trata esto y muchas veces han debido soportar sobre sus hombros el peso de mantener películas enteras. Incluso, ya han trabajado juntos con éxito. Pero algo sucede en esta entrega. Es extraño, pero no hay mucha química entre ellos cuando están juntos en pantalla. Evans, solo, se las arregla para hacer un rol distinto a sus últimos papeles y realizarlo en forma convincente. Por otra parte, Johnson apaga un poco su habitual carisma para ser un frío jefe y despertar solo a goteras cuando las situaciones lo ameritan. Sin embargo, cuando los dos se reúnen, parecen imanes que no se juntan, como que se anulan en vez de aprovechar el potencial de una dupla que podría fácilmente encenderlo todo. Extraño. Como para darle más de alguna vuelta.
“Red One” no pasa de ser una película más que tiene la Navidad como excusa. Interesante en su concepto, pero con muy poco desarrollo. Y el problema, tal vez, son las expectativas que genera, porque lo que promete no lo alcanza a cumplir. ¿Entretiene? Sí, pero a medias. Se hace larga, sobre todo en su parte central, y su conclusión es tan evidente que ni siquiera guarda una sorpresa bajo la manga. Ni siquiera la mezcla de géneros ayuda mucho, porque lo fantástico se combina con temas familiares, y las demás tramas de la historia pasan a pérdida cuando no se mantiene un foco y un punto de llegada que resulte más preciso.
Bueno, no pidamos tanto. Tenemos una película para pasar el rato y luego olvidarla inmediatamente. Y aquello no es malo, es lo que hay, y nada más.
Ficha técnica
Título original: Red One
Año: 2024
Duración: 123 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Seven Bucks Productions, Chris Morgan Productions, Detective Agency, The, Amazon MGM Studios
Género: Fantástico. Acción. Aventuras. Comedia | Navidad
Guion: Chris Morgan. Historia: Hiram Garcia
Música: Henry Jackman
Fotografía: Daniel Mindel
Reparto: Dwayne Johnson, Chris Evans, Lucy Liu, Kiernan Shipka, Bonnie Hunt, Nick Kroll, Kristofer Hivju, Wesley Kimmel, J. K. Simmons
Dirección: Jake Kasdan
domingo, 10 de noviembre de 2024
Deepfaked - Por Jackie O.
"La tecnología mal utilizada"
Un deepfake es un video, una imagen o un audio generado que imita la apariencia y el sonido de una persona. También llamados "medios sintéticos", son tan convincentes a la hora de imitar lo real, que pueden engañar tanto a las personas como a los algoritmos. Los deepfakes son generados por la Inteligencia artificial en directo, y sus formas más comunes de aplicación son en videos o en filtros de realidad aumentada.
Luego de esta pequeña aclaración sobre el nombre de este mediometraje, pasemos a lo cinematográfico que nos presenta este director.
Estamos ante elecciones presidenciales, donde dos contendoras que disputan voto a voto, Danka Marull (Katty Kowaleczko) y Adriana Arteaga (Catherine Mazoyer), buscan captar la atención del público para ganar. Pero alguien hace circular un falso video de Adriana, y Priscilla (Tamara Acosta) jefa de campaña de Danka, comienza a efectuar averiguaciones y se entera de que alguien en su oficina falseó contenido de su contrincante, jugando sucio en esta campaña.
Ahí estará en juego la moral y ética de Priscilla, para dejar eso ahí, o continuar y desenmascarar a quién sea.
El trabajo cinematográfico presentado está muy bien realizado como mediometraje, no necesitamos agregarle más minutos, es corto, preciso y conciso. Nos toca un tema real y las implicancias de su riesgo, un tema actual que es una buena herramienta para ser utilizada de muchas formas para el beneficio de terceros, pero cuando cae en manos equivocadas, para perjudicar a otros, puede llegar a ser mortal.
Las actuaciones son creíbles, y vienen de la mano de connotados actores y actrices, un guion fluido y claro, con un mensaje de alerta para tomar buenas decisiones, tener precauciones y profesionalismo con los avances tecnológicos, y que la moral no se vea corrompida.
Disponible desde el 10 de noviembre en YouTube.
Ficha técnica
Chile. 2024
Genero: Drama / Thriller
Duración: 29 minutos
Director: Iñaki Velásquez
Un deepfake es un video, una imagen o un audio generado que imita la apariencia y el sonido de una persona. También llamados "medios sintéticos", son tan convincentes a la hora de imitar lo real, que pueden engañar tanto a las personas como a los algoritmos. Los deepfakes son generados por la Inteligencia artificial en directo, y sus formas más comunes de aplicación son en videos o en filtros de realidad aumentada.
Luego de esta pequeña aclaración sobre el nombre de este mediometraje, pasemos a lo cinematográfico que nos presenta este director.
Estamos ante elecciones presidenciales, donde dos contendoras que disputan voto a voto, Danka Marull (Katty Kowaleczko) y Adriana Arteaga (Catherine Mazoyer), buscan captar la atención del público para ganar. Pero alguien hace circular un falso video de Adriana, y Priscilla (Tamara Acosta) jefa de campaña de Danka, comienza a efectuar averiguaciones y se entera de que alguien en su oficina falseó contenido de su contrincante, jugando sucio en esta campaña.
Ahí estará en juego la moral y ética de Priscilla, para dejar eso ahí, o continuar y desenmascarar a quién sea.
El trabajo cinematográfico presentado está muy bien realizado como mediometraje, no necesitamos agregarle más minutos, es corto, preciso y conciso. Nos toca un tema real y las implicancias de su riesgo, un tema actual que es una buena herramienta para ser utilizada de muchas formas para el beneficio de terceros, pero cuando cae en manos equivocadas, para perjudicar a otros, puede llegar a ser mortal.
Las actuaciones son creíbles, y vienen de la mano de connotados actores y actrices, un guion fluido y claro, con un mensaje de alerta para tomar buenas decisiones, tener precauciones y profesionalismo con los avances tecnológicos, y que la moral no se vea corrompida.
Disponible desde el 10 de noviembre en YouTube.
Ficha técnica
Chile. 2024
Genero: Drama / Thriller
Duración: 29 minutos
Director: Iñaki Velásquez
sábado, 9 de noviembre de 2024
La Matriarca - Por Carlos Correa Acuña
Nueva Zelanda, plena década de los 90. Sam -George Ferrier-, estudia en un internado y su padre lo busca para llevarlo a casa por un fin de semana. Como buen adolescente, Sam no quiere nada y apenas accede a viajar con él. Motivos hay muchos, pero se agrega uno muy poderoso para no querer ir. Su abuela paterna estará de visita pues necesita recuperarse de una intervención a sus piernas.
Así comienza “Juniper”, una película que lentamente va mostrando sus cartas y que captura nuestra atención desde el primero momento. Hay muchas cosas que no sabemos pero que vamos conociendo cuadro a cuadro. Hay un duelo, una pérdida que tiene a Sam en extremo deprimido.
Para pesar del joven, la abuela llega a ocupar la pieza de su madre, y, aunque trata de evadirla, el temido encuentro con ella ocurre más temprano que tarde. Y no es afortunado ni grato. Por el contrario, se trata de un enfrentamiento declarado, una confrontación que no se guarda nada, ni en la forma, ni en el fondo.
El guionista y director Matthew J. Saville, muestra su talento desde la entrada. Con pocos elementos, es capaz de delinear perfectamente los perfiles de cada uno de sus personajes. Basta un encuadre, un diálogo corto y preciso, o bien un pequeño gesto, para comprender perfectamente el papel que tiene cada uno, incluso con sus rasgos característicos potenciados sin la necesidad de entregar mayores explicaciones.
Después del primer round abuela-nieto, el segundo llega muy pronto. El padre de Sam debe viajar a Inglaterra y su madre no puede quedarse sola al cuidado de su enfermera personal. Es imprescindible que el joven participe en el cuidado y pueda auxiliar a la anciana cuando la asistente no pueda estar presente. La necesidad es clara pero Sam no quiere asumirla. Es totalmente obligado a cumplir la instrucción de su padre.
A esta altura ya conocemos un poco más. Ruth -Charlotte Rampling-, requiere mucha atención, ya que no puede valerse por sí misma ni siquiera para ir al baño. Sin asistencia, no puede hacer nada. La situación no solo es ingrata, sino que se hace insoportable pues el carácter de la señora, además, es del terror. Autoritario es poco decir. En verdad es una persona complicada con letras mayúsculas, pero lo que no sabemos es por qué es así. Un encuentro con un sacerdote anglicano entrega un par de luces al respecto, cuando ella se niega a recibir ayuda espiritual. En sus propias palabras, ella “ya está en el infierno”.
Desde el momento en que el joven nieto y la anciana abuela se quedan solos, la brutalidad y los maltratos, por parte de Ruth, aumentan. Sam se desespera, no ve ninguna salida, su vida se torna todavía más frágil; debe tomar una decisión.
El director sabe llevarnos de la mano a través de una historia que va creciendo en intensidad en la medida que conocemos más detalles que no es bueno adelantar. Sí podemos decir que se trata de una película sobre relaciones madre - hijo, padre - hijo, y abuela - nieto, tres generaciones marcadas por eventos que han dejado cicatrices en cada uno de ellos.
Estamos también en presencia de un cuidadoso estudio de personalidades que ocultan o niegan emociones y sentimientos en presencia de sus seres más queridos. los conflictos son subterráneos y persistentes, revelándose en las capas profundas de la narrativa que se vuelve más interesante con cada minuto que transcurre.
La lista de problemas no resueltos es grande. La ausencia y la posibilidad de otra pérdida gatilla aún más temores. La soledad emerge como la principal amenaza. Ante la dificultad para sentir, el antídoto parece ser no quedarse solo, la necesidad de estar acompañado.
Soberbia actuación de Charlotte Rampling encarnando a Ruth, muy bien secundada por George Ferrier quien da vida a su nieto Sam. La tensa relación entre ambos y los paulatinos cambios de comportamiento, se sienten naturales. En ningún momento se nota algo que haga forzadas sus caracterizaciones. Al contrario, la frescura de las actuaciones permite pensar que, incluso, algunas escenas pudieron hasta ser improvisadas.
Cocinada a fuego lento, Juniper (traducida como La Matriarca, título en español que no le hace justicia), es una película reflexiva que contiene un importante mensaje en el interior. Hablamos de la necesidad de la reconciliación para aceptar y sanar heridas, un proceso vital para enfrentar la pérdida de los seres queridos, y preparar el corazón para poder seguir adelante. Cuando eso no está, la vida resulta imposible y no hay forma de ver alguna luz. La posibilidad de transformarnos internamente pareciera ser la respuesta, la que generalmente proviene desde donde menos lo esperamos.
Ficha técnica
Título original: Juniper
Año: 2021
Duración: 94 minutos
País: Nueva Zelanda
Compañías: Distribuidora: Transmission Films
Género: Drama | Vejez / Madurez. Alcoholismo
Guion: Matthew J. Saville
Música: Marlon Williams, Mark Perkins
Fotografía: Martyn Williams
Reparto: Charlotte Rampling, George Ferrier, Marton Csokas, Edith Poor
Dirección: Matthew J. Saville
Así comienza “Juniper”, una película que lentamente va mostrando sus cartas y que captura nuestra atención desde el primero momento. Hay muchas cosas que no sabemos pero que vamos conociendo cuadro a cuadro. Hay un duelo, una pérdida que tiene a Sam en extremo deprimido.
Para pesar del joven, la abuela llega a ocupar la pieza de su madre, y, aunque trata de evadirla, el temido encuentro con ella ocurre más temprano que tarde. Y no es afortunado ni grato. Por el contrario, se trata de un enfrentamiento declarado, una confrontación que no se guarda nada, ni en la forma, ni en el fondo.
El guionista y director Matthew J. Saville, muestra su talento desde la entrada. Con pocos elementos, es capaz de delinear perfectamente los perfiles de cada uno de sus personajes. Basta un encuadre, un diálogo corto y preciso, o bien un pequeño gesto, para comprender perfectamente el papel que tiene cada uno, incluso con sus rasgos característicos potenciados sin la necesidad de entregar mayores explicaciones.
Después del primer round abuela-nieto, el segundo llega muy pronto. El padre de Sam debe viajar a Inglaterra y su madre no puede quedarse sola al cuidado de su enfermera personal. Es imprescindible que el joven participe en el cuidado y pueda auxiliar a la anciana cuando la asistente no pueda estar presente. La necesidad es clara pero Sam no quiere asumirla. Es totalmente obligado a cumplir la instrucción de su padre.
A esta altura ya conocemos un poco más. Ruth -Charlotte Rampling-, requiere mucha atención, ya que no puede valerse por sí misma ni siquiera para ir al baño. Sin asistencia, no puede hacer nada. La situación no solo es ingrata, sino que se hace insoportable pues el carácter de la señora, además, es del terror. Autoritario es poco decir. En verdad es una persona complicada con letras mayúsculas, pero lo que no sabemos es por qué es así. Un encuentro con un sacerdote anglicano entrega un par de luces al respecto, cuando ella se niega a recibir ayuda espiritual. En sus propias palabras, ella “ya está en el infierno”.
Desde el momento en que el joven nieto y la anciana abuela se quedan solos, la brutalidad y los maltratos, por parte de Ruth, aumentan. Sam se desespera, no ve ninguna salida, su vida se torna todavía más frágil; debe tomar una decisión.
El director sabe llevarnos de la mano a través de una historia que va creciendo en intensidad en la medida que conocemos más detalles que no es bueno adelantar. Sí podemos decir que se trata de una película sobre relaciones madre - hijo, padre - hijo, y abuela - nieto, tres generaciones marcadas por eventos que han dejado cicatrices en cada uno de ellos.
Estamos también en presencia de un cuidadoso estudio de personalidades que ocultan o niegan emociones y sentimientos en presencia de sus seres más queridos. los conflictos son subterráneos y persistentes, revelándose en las capas profundas de la narrativa que se vuelve más interesante con cada minuto que transcurre.
La lista de problemas no resueltos es grande. La ausencia y la posibilidad de otra pérdida gatilla aún más temores. La soledad emerge como la principal amenaza. Ante la dificultad para sentir, el antídoto parece ser no quedarse solo, la necesidad de estar acompañado.
Soberbia actuación de Charlotte Rampling encarnando a Ruth, muy bien secundada por George Ferrier quien da vida a su nieto Sam. La tensa relación entre ambos y los paulatinos cambios de comportamiento, se sienten naturales. En ningún momento se nota algo que haga forzadas sus caracterizaciones. Al contrario, la frescura de las actuaciones permite pensar que, incluso, algunas escenas pudieron hasta ser improvisadas.
Cocinada a fuego lento, Juniper (traducida como La Matriarca, título en español que no le hace justicia), es una película reflexiva que contiene un importante mensaje en el interior. Hablamos de la necesidad de la reconciliación para aceptar y sanar heridas, un proceso vital para enfrentar la pérdida de los seres queridos, y preparar el corazón para poder seguir adelante. Cuando eso no está, la vida resulta imposible y no hay forma de ver alguna luz. La posibilidad de transformarnos internamente pareciera ser la respuesta, la que generalmente proviene desde donde menos lo esperamos.
Ficha técnica
Título original: Juniper
Año: 2021
Duración: 94 minutos
País: Nueva Zelanda
Compañías: Distribuidora: Transmission Films
Género: Drama | Vejez / Madurez. Alcoholismo
Guion: Matthew J. Saville
Música: Marlon Williams, Mark Perkins
Fotografía: Martyn Williams
Reparto: Charlotte Rampling, George Ferrier, Marton Csokas, Edith Poor
Dirección: Matthew J. Saville
viernes, 8 de noviembre de 2024
Código Traje Rojo - Por Jackie O.
“Por siempre Navidad”
Sinopsis: Tras el secuestro de Papá Noel (J.K. Simmons) nombre en clave: RED ONE, su Jefe de Seguridad del Polo Norte, Drift (Dwayne Johnson) debe formar equipo con un estafador e infame sujeto, Jack (Chris Evans) en una misión trotamundos llena de acción para salvar la Navidad.
Estamos ante una comedia estrafalaria y loca que hay que ver, en especial si tuviste un mal día, ya que sirve mucho para pensar en nada y solo dejarse llevar.
El “viejo pascuero”, como lo conocemos coloquialmente por estos lados, es un tipo agradable que quiere el bien para todas las personas, en especial para los niños, sean buenos o mal criados. Tiene un guardaespaldas muy cuidadoso, con un equipo de alta tecnología para protegerlo, pero lamentablemente esa tecnología falla cuando intrusos ingresan al domo oculto en el Polo Norte y secuestras al “viejo”. Pero, ¿cómo llegaron a descubrir su guarida? Ahí es donde está involucrado el “sin corazón” de Jack, un sujeto que no tiene empatía con nadie, solo le interesa tener dinero, es un estafador muy inteligente que maneja con habilidad la tecnología y la astucia en el día a día para defraudar a cualquiera, y trabaja con quien sea que le pague bien; y un misterioso personaje le ha estado pagando para que le diga dónde se producen cambios geológicos. Jack no hace preguntas, solo ve sus arcas abultarse y da la información, pero esa información lleva al misterioso sujeto, quien resulta ser la malvada bruja del invierno, a saber dónde está la central del “viejo pascuero” y raptarlo con fines oscuros.
Y a solo un día de llegar la Navidad la conmoción se apodera, y hay que actuar rápido. Drift ubica a Jack obligándolo a trabajar con él, pues lo culpa. Jack se une obligado, ya que descubre este fantasioso mundo de hadas, duendes, ogros y más, que lo atemorizan.
La cinta está efectuada con muchos efectos visuales que se ven bien, acción de principio a fin, un guion liviano con bastante humor, claro, predecible y entretenido. El reparto es de lo mejor, nadie falta ni sobra, todos carismáticos, buena química entre ellos, acertada elección del reparto.
Banda sonora buena, donde está la infaltable, pues no se comienza la temporada de Navidad sin ella: Mariah Carey.
No hay nada nuevo en el guion en este tipo de película, pero no es para tomarlo a mal, pues son los mismos mensajes que vemos y que son positivos y necesarios para recordarnos cosas que debemos tener siempre presente: la bondad, el amor al prójimo, el reencuentro, el perdón, la familia, las buenas amistades y el bien hacia el otro.
También la bruja del invierno nos hace ver situaciones, como que debemos cambiar nuestra actitud de vida, aquí los adultos debemos estar conscientes de una buena crianza y de entregar buenos ejemplos hacia los más pequeños, para que así se vayan creando buenas bases de vida.
Ficha técnica
Red One
Dirección: Jake Kasdan
Guion: Chris Morgan
Música: Andrew Lockington
Fotografía: Daniel Mindel
Protagonistas: Dwayne Johnson, Chris Evans, Lucy Liu, Kiernan Shipka, Mary Elizabeth Ellis, J. K. Simmons, Nick Kroll, Kristofer Hivju
Comedia de acción, aventuras y cine navideño
102 minutos
Sinopsis: Tras el secuestro de Papá Noel (J.K. Simmons) nombre en clave: RED ONE, su Jefe de Seguridad del Polo Norte, Drift (Dwayne Johnson) debe formar equipo con un estafador e infame sujeto, Jack (Chris Evans) en una misión trotamundos llena de acción para salvar la Navidad.
Estamos ante una comedia estrafalaria y loca que hay que ver, en especial si tuviste un mal día, ya que sirve mucho para pensar en nada y solo dejarse llevar.
El “viejo pascuero”, como lo conocemos coloquialmente por estos lados, es un tipo agradable que quiere el bien para todas las personas, en especial para los niños, sean buenos o mal criados. Tiene un guardaespaldas muy cuidadoso, con un equipo de alta tecnología para protegerlo, pero lamentablemente esa tecnología falla cuando intrusos ingresan al domo oculto en el Polo Norte y secuestras al “viejo”. Pero, ¿cómo llegaron a descubrir su guarida? Ahí es donde está involucrado el “sin corazón” de Jack, un sujeto que no tiene empatía con nadie, solo le interesa tener dinero, es un estafador muy inteligente que maneja con habilidad la tecnología y la astucia en el día a día para defraudar a cualquiera, y trabaja con quien sea que le pague bien; y un misterioso personaje le ha estado pagando para que le diga dónde se producen cambios geológicos. Jack no hace preguntas, solo ve sus arcas abultarse y da la información, pero esa información lleva al misterioso sujeto, quien resulta ser la malvada bruja del invierno, a saber dónde está la central del “viejo pascuero” y raptarlo con fines oscuros.
Y a solo un día de llegar la Navidad la conmoción se apodera, y hay que actuar rápido. Drift ubica a Jack obligándolo a trabajar con él, pues lo culpa. Jack se une obligado, ya que descubre este fantasioso mundo de hadas, duendes, ogros y más, que lo atemorizan.
La cinta está efectuada con muchos efectos visuales que se ven bien, acción de principio a fin, un guion liviano con bastante humor, claro, predecible y entretenido. El reparto es de lo mejor, nadie falta ni sobra, todos carismáticos, buena química entre ellos, acertada elección del reparto.
Banda sonora buena, donde está la infaltable, pues no se comienza la temporada de Navidad sin ella: Mariah Carey.
No hay nada nuevo en el guion en este tipo de película, pero no es para tomarlo a mal, pues son los mismos mensajes que vemos y que son positivos y necesarios para recordarnos cosas que debemos tener siempre presente: la bondad, el amor al prójimo, el reencuentro, el perdón, la familia, las buenas amistades y el bien hacia el otro.
También la bruja del invierno nos hace ver situaciones, como que debemos cambiar nuestra actitud de vida, aquí los adultos debemos estar conscientes de una buena crianza y de entregar buenos ejemplos hacia los más pequeños, para que así se vayan creando buenas bases de vida.
Ficha técnica
Red One
Dirección: Jake Kasdan
Guion: Chris Morgan
Música: Andrew Lockington
Fotografía: Daniel Mindel
Protagonistas: Dwayne Johnson, Chris Evans, Lucy Liu, Kiernan Shipka, Mary Elizabeth Ellis, J. K. Simmons, Nick Kroll, Kristofer Hivju
Comedia de acción, aventuras y cine navideño
102 minutos
2024
jueves, 7 de noviembre de 2024
Oasis - Por Carlos Correa Acuña
Sinopsis: Una crisis social sin precedentes estalla en Chile. Una parte de la sociedad se organiza contra un sistema desigual redactando una nueva constitución, mientras que otra parte boicotea silenciosamente el proceso. Oasis es una película colectiva que sigue el proceso constituyente más importante de la historia de Chile, observando las cicatrices entre sociedad y naturaleza.
Con registros capturados mediante cámara fija, este trabajo dirigido por Tamara Uribe y Felipe Morgado, y realizado por el Colectivo MAFI (Mapa Fílmico de un país), se encarga, en palabras de sus propios autores, de “desvelar lo que no se vio del proceso constituyente más importante en la historia de Chile”.
Como primera consideración, cuesta identificar aquello que se anuncia como novedad, pues gran parte de las imágenes corresponden a mucho de lo que, durante todo ese tiempo, también estuvo presente en los principales medios de comunicación. Ahora se ofrece desde otros ángulos u otras perspectivas y desde luego contiene aportes, secuencias inéditas junto con ciertos testimonios que resultan sugerentes para completar el puzzle. No obstante, el nuevo material no resulta ser tan abundante como para que se transforme en el principal eje del relato.
Por otra parte, un documental de esta naturaleza debe analizarse desde su postura editorial para comprender cuál es su objetivo. Acá, la premisa es absolutamente clara, sin ambigüedades. Señala que “parte de la sociedad se organiza contra un sistema desigual redactando una nueva constitución, mientras que otra parte boicotea silenciosamente el proceso”. Es tanta la transparencia que se visualiza en este trabajo que lo que se observa en sus 85 minutos es justamente una ratificación de lo escrito, al presentar un grupo que quiere avanzar y otro que no quiere dejar que se avance. ¿Es tan así?
Desde luego, cuando la posición política y editorial es explicita, lo primero que se pide es que exista coherencia, y este trabajo la tiene de principio a fin, pero si buscamos una mayor objetividad en la narración, probablemente no la tengamos, pues se trata de un testimonio de lo sucedido expresado desde una óptica particular. Ahora, bien, podemos estar más o menos de acuerdo con las decisiones de sus realizadores, pero es indiscutible que el valor intrínseco de los caminos elegidos es que son fieles a su planteamiento inicial.
Desde el punto de vista audiovisual, resulta interesante la forma de capturar las imágenes, partiendo por los contextos que estas ofrecen. Al tener un gran número de personas registrando videos, el material al que se puede acceder posteriormente es enorme. Surge allí la necesidad de darle forma al relato, según expresa la cineasta Tamara Uribe: “el desafío es encontrar las imágenes donde se narra alguna fractura, contraste o momento irrepetible”, lo que complementa Felipe Morgado, co-director del proyecto, quien señala que “hay que sumarle que no era solo un equipo de grabación, sino que 17 realizadores desplazados a lo largo de Chile filmando de manera colectiva. Estamos hablando de horas y horas de material, y había que verlo todo, y en algunos casos, más de una vez”.
“Oasis”, título que hace referencia a una frase del ex Presidente Piñera refiriéndose a Chile, pocos días antes del denominado estallido social, es una película que se siente incompleta. Desafortunadamente no logra traducir en lo concreto toda la diversidad que anuncia contener. Tampoco logra capturar la atención con puntos nuevos, o con un conflicto creciente que nazca desde el mismo material que se presenta. Si bien es cierto que no se detiene en hechos particulares, y logra recorrer con agilidad los meses y los años, cuesta entender finalmente, cuál es el norte de este estudio.
Interesante mas no imprescindible. Otro testimonio gráfico de sucesos trascendentes en la historia de Chile, bajo una mirada más complaciente que crítica, más estética que argumental, más de piel que desde sus entrañas.
Ficha técnica
Año: 2024
País: Chile
Duración: 85 minutos
Casa productora: Fundación MAFI
Producción: Alba Gaviraghi y Diego Pino Anguita
Sonido: Juan Pablo Garreton y David Pacheco
Dirección de fotografía: Adolfo Mesías
Montaje: Tamara Uribe, Felipe Morgado, Andrea Chignoli y Christopher Murray.
Realizadores: Adolfo Mesías, Alba Gaviraghi, Andy Rodríguez, Aníbal Jofré, Antonio Luco, Catalina Alarcón, Christopher Murray, Daniela Camino, David Belmar, Felipe Morgado, Flavia Contreras, Francina Carbonell, Isabel Baeza, Israel Pimentel, Josefina Buschmann, Josie Muñoz, Tamara Uribe, Thomas Woodroffe, y Valeria Hoffman.
Dirección: Tamara Uribe y Felipe Morgado
Con registros capturados mediante cámara fija, este trabajo dirigido por Tamara Uribe y Felipe Morgado, y realizado por el Colectivo MAFI (Mapa Fílmico de un país), se encarga, en palabras de sus propios autores, de “desvelar lo que no se vio del proceso constituyente más importante en la historia de Chile”.
Como primera consideración, cuesta identificar aquello que se anuncia como novedad, pues gran parte de las imágenes corresponden a mucho de lo que, durante todo ese tiempo, también estuvo presente en los principales medios de comunicación. Ahora se ofrece desde otros ángulos u otras perspectivas y desde luego contiene aportes, secuencias inéditas junto con ciertos testimonios que resultan sugerentes para completar el puzzle. No obstante, el nuevo material no resulta ser tan abundante como para que se transforme en el principal eje del relato.
Por otra parte, un documental de esta naturaleza debe analizarse desde su postura editorial para comprender cuál es su objetivo. Acá, la premisa es absolutamente clara, sin ambigüedades. Señala que “parte de la sociedad se organiza contra un sistema desigual redactando una nueva constitución, mientras que otra parte boicotea silenciosamente el proceso”. Es tanta la transparencia que se visualiza en este trabajo que lo que se observa en sus 85 minutos es justamente una ratificación de lo escrito, al presentar un grupo que quiere avanzar y otro que no quiere dejar que se avance. ¿Es tan así?
Desde luego, cuando la posición política y editorial es explicita, lo primero que se pide es que exista coherencia, y este trabajo la tiene de principio a fin, pero si buscamos una mayor objetividad en la narración, probablemente no la tengamos, pues se trata de un testimonio de lo sucedido expresado desde una óptica particular. Ahora, bien, podemos estar más o menos de acuerdo con las decisiones de sus realizadores, pero es indiscutible que el valor intrínseco de los caminos elegidos es que son fieles a su planteamiento inicial.
Desde el punto de vista audiovisual, resulta interesante la forma de capturar las imágenes, partiendo por los contextos que estas ofrecen. Al tener un gran número de personas registrando videos, el material al que se puede acceder posteriormente es enorme. Surge allí la necesidad de darle forma al relato, según expresa la cineasta Tamara Uribe: “el desafío es encontrar las imágenes donde se narra alguna fractura, contraste o momento irrepetible”, lo que complementa Felipe Morgado, co-director del proyecto, quien señala que “hay que sumarle que no era solo un equipo de grabación, sino que 17 realizadores desplazados a lo largo de Chile filmando de manera colectiva. Estamos hablando de horas y horas de material, y había que verlo todo, y en algunos casos, más de una vez”.
“Oasis”, título que hace referencia a una frase del ex Presidente Piñera refiriéndose a Chile, pocos días antes del denominado estallido social, es una película que se siente incompleta. Desafortunadamente no logra traducir en lo concreto toda la diversidad que anuncia contener. Tampoco logra capturar la atención con puntos nuevos, o con un conflicto creciente que nazca desde el mismo material que se presenta. Si bien es cierto que no se detiene en hechos particulares, y logra recorrer con agilidad los meses y los años, cuesta entender finalmente, cuál es el norte de este estudio.
Interesante mas no imprescindible. Otro testimonio gráfico de sucesos trascendentes en la historia de Chile, bajo una mirada más complaciente que crítica, más estética que argumental, más de piel que desde sus entrañas.
Ficha técnica
Año: 2024
País: Chile
Duración: 85 minutos
Casa productora: Fundación MAFI
Producción: Alba Gaviraghi y Diego Pino Anguita
Sonido: Juan Pablo Garreton y David Pacheco
Dirección de fotografía: Adolfo Mesías
Montaje: Tamara Uribe, Felipe Morgado, Andrea Chignoli y Christopher Murray.
Realizadores: Adolfo Mesías, Alba Gaviraghi, Andy Rodríguez, Aníbal Jofré, Antonio Luco, Catalina Alarcón, Christopher Murray, Daniela Camino, David Belmar, Felipe Morgado, Flavia Contreras, Francina Carbonell, Isabel Baeza, Israel Pimentel, Josefina Buschmann, Josie Muñoz, Tamara Uribe, Thomas Woodroffe, y Valeria Hoffman.
Dirección: Tamara Uribe y Felipe Morgado
No te sueltes - Por Jackie O.
“Cortar los lazos y seguir”
Sinopsis: Una madre y sus hijos gemelos sufren desde hace muchos años el tormento de un espíritu maligno. Sin embargo, cuando uno de los niños comienza a dudar de la existencia del mal, el vínculo sagrado de la familia se rompe, lo que lleva a una peligrosa lucha por la supervivencia.
Con una buena premisa que nos lleva a un bosque apartado de toda civilización, y en, al parecer un ambiente post apocalíptico, vemos a una madre con dos gemelos preadolescentes que viven atemorizados por una presencia malévola que los acecha, debiendo transformar sus vidas en una incomodidad al verse siempre atemorizados cada vez que salen de su hogar, tomando unas extrañas y mortales medidas de supervivencia, como el nunca salir de su casa sin atar una soga a su cintura, que está ligada “mágicamente” con la casa.
Pero un día, uno de estos gemelos comienza a cuestionar el estilo de vida que llevan, “¿hay más vida fuera de ese bosque, existen realmente esos espíritus malignos?”Eso hace que su hermano comience a tener una rivalidad con él por haber cuestionado las decisiones de su madre, por lo que dos pequeños se verán enfrentados a cuestiones morales, de sobrevivencia y de lealtades a su corta edad.
La película tiene buena ambientación, y pocos personajes. Hace que comencemos a dudar, al no saber qué es verdad y qué no. Hasta que todo queda claro. Las actuaciones de los pequeños Nolan y Samuel son muy buenas, sus expresiones son provocadoras.
En cuanto al guion, como señalé, tiene buena premisa, pero se va diluyendo a medida que avanza, donde lamentablemente no profundiza el fondo. Pero no quita que no prestemos atención a la historia (se deja ver), ya que tiene un apartado visual interesante.
La cinta nos lleva a deambular por cuestiones de abandono al no querer desprenderse de los hijos, esa soledad que se quiere evitar, de amor y temor disfrazados de “un mal acechador”, la sobreprotección tóxica, y principalmente sobre las enfermedades mentales.
Dónde nos puede hacer reflexionar es que, al cortar la soga de la locura, ¿nos hará realmente libres?
Ficha técnica
Never Let Go
Director: Alexandre Aja
Guion: Kevin Coughlin; Ryan Grassby
Fotografía Maxime Alexandre
Protagonistas Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins
1 hora 40 minutos
Sinopsis: Una madre y sus hijos gemelos sufren desde hace muchos años el tormento de un espíritu maligno. Sin embargo, cuando uno de los niños comienza a dudar de la existencia del mal, el vínculo sagrado de la familia se rompe, lo que lleva a una peligrosa lucha por la supervivencia.
Con una buena premisa que nos lleva a un bosque apartado de toda civilización, y en, al parecer un ambiente post apocalíptico, vemos a una madre con dos gemelos preadolescentes que viven atemorizados por una presencia malévola que los acecha, debiendo transformar sus vidas en una incomodidad al verse siempre atemorizados cada vez que salen de su hogar, tomando unas extrañas y mortales medidas de supervivencia, como el nunca salir de su casa sin atar una soga a su cintura, que está ligada “mágicamente” con la casa.
Pero un día, uno de estos gemelos comienza a cuestionar el estilo de vida que llevan, “¿hay más vida fuera de ese bosque, existen realmente esos espíritus malignos?”Eso hace que su hermano comience a tener una rivalidad con él por haber cuestionado las decisiones de su madre, por lo que dos pequeños se verán enfrentados a cuestiones morales, de sobrevivencia y de lealtades a su corta edad.
La película tiene buena ambientación, y pocos personajes. Hace que comencemos a dudar, al no saber qué es verdad y qué no. Hasta que todo queda claro. Las actuaciones de los pequeños Nolan y Samuel son muy buenas, sus expresiones son provocadoras.
En cuanto al guion, como señalé, tiene buena premisa, pero se va diluyendo a medida que avanza, donde lamentablemente no profundiza el fondo. Pero no quita que no prestemos atención a la historia (se deja ver), ya que tiene un apartado visual interesante.
La cinta nos lleva a deambular por cuestiones de abandono al no querer desprenderse de los hijos, esa soledad que se quiere evitar, de amor y temor disfrazados de “un mal acechador”, la sobreprotección tóxica, y principalmente sobre las enfermedades mentales.
Dónde nos puede hacer reflexionar es que, al cortar la soga de la locura, ¿nos hará realmente libres?
Ficha técnica
Never Let Go
Director: Alexandre Aja
Guion: Kevin Coughlin; Ryan Grassby
Fotografía Maxime Alexandre
Protagonistas Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins
1 hora 40 minutos
Año 2024
Suspenso
Suspenso
miércoles, 6 de noviembre de 2024
La Contadora de Películas - Por Carlos Correa Acuña
Sinopsis: Años 60, desierto de Atacama, Chile. María Magnolia es una mujer que, a pesar de vivir en condiciones difíciles, trata de transmitir a su hija, María Margarita, su pasión por el arte. María Margarita se convertirá en la contadora de historias del pueblo, donde la mayoría de sus habitantes no pueden permitirse una entrada de cine.
Bella propuesta fílmica de la directora Lone Scherfig. Destacan sus paisajes y entornos realistas, configurando una lograda recreación de época. Abundan los detalles finos y delicados. La estética se convierte en el aspecto más relevante de una producción cuyo tratamiento del paso del tiempo llama la atención. En teoría, es poco el lapso, pero en la práctica pareciera ser mucho más.
La historia es emotiva, ya que resulta imposible sustraerse al homenaje que rinde al cine. Basada en la novela homónima de Hernán Rivera Letelier, publicada en 2009, esta adaptación a la pantalla grande captura la esencia del trabajo del escritor nortino. El aporte visual lo entrega la ternura con la que se trata la trama, especialmente las relaciones dentro de la familia protagonista, provocando sensaciones y evocaciones que calan profundamente en la audiencia.
Desde luego, lo que ocurre en este pequeño campamento minero es previsible. El trabajo es duro para los hombres que llevan el sustento a sus hogares, y además está lleno de riesgos debido a las precarias condiciones laborales. En casa, básicamente se les espera y se les concede descanso de cualquier otra tarea, aguardando pacientemente el día de esparcimiento familiar: el domingo, día marcado por la gran entretención que ofrece la comunidad: ver una película en el magnífico cine del pueblo.
Para una familia numerosa, este lujo dominical no tiene financiamiento asegurado. Es caro el que todos puedan asistir cada semana. La economía doméstica flaquea, pero ante la adversidad surge una opción: un concurso para ver quién de ellos puede ver una película y luego transmitirla de la mejor manera. María Margarita gana por lejos, porque su don incluye una expresividad que evidencia un talento nato para no solo retratar lo observado, sino también dotar al relato de gran sensibilidad gracias a su natural histrionismo, configurando una interpretación digna de las mejores producciones.
La historia es preciosa. Esta “contadora” se convierte en el alma viva de un pueblo que poco a poco es devorado por fantasmas. Aunque tiene muchos aspectos positivos, el desarrollo argumental del filme resulta escaso, lo que lo vuelve un tanto plano en términos narrativos. Tal vez el exceso de lo contemplativo le juega un poco en contra, ya que si bien el centro es María Margarita, lo que pasa a su alrededor pierde tensión paulatinamente.
En general, los personajes carecen de arcos pronunciados, lo que resta profundidad al metraje. Ciertas lagunas de contenido, producto de la adaptación del texto escrito y la necesidad de priorizar ciertos elementos, interrumpen la unidad narrativa por momentos, acrecentado por algunas inconsistencias en los detalles temporales de los años en que transcurre la historia. Por ejemplo, aparecen muy cercanos la elección de Salvador Allende como presidente de Chile en 1970 y el Golpe de Estado de 1973 que da paso a la dictadura militar.
“La Contadora de Películas” deja una sensación grata que va aumentando en la medida en que nos alejamos de su visualización. Al olvidar algunos detalles, podemos centrarnos en lo fundamental de un relato que retrata no solo uno, sino varios posibles momentos de la historia del norte de nuestro país. En muy poco tiempo y con una gran dosis de emotividad, nos sumergimos en temas importantes como el trabajo, la familia y la política, todo dentro de un pequeño mundo que también es extrapolable a comunidades de mayor tamaño.
Vívido retrato social, sensible y delicado, desarrollado con cuidada estética y esmero en cada uno de sus detalles. ¡Recomendada!
Bella propuesta fílmica de la directora Lone Scherfig. Destacan sus paisajes y entornos realistas, configurando una lograda recreación de época. Abundan los detalles finos y delicados. La estética se convierte en el aspecto más relevante de una producción cuyo tratamiento del paso del tiempo llama la atención. En teoría, es poco el lapso, pero en la práctica pareciera ser mucho más.
La historia es emotiva, ya que resulta imposible sustraerse al homenaje que rinde al cine. Basada en la novela homónima de Hernán Rivera Letelier, publicada en 2009, esta adaptación a la pantalla grande captura la esencia del trabajo del escritor nortino. El aporte visual lo entrega la ternura con la que se trata la trama, especialmente las relaciones dentro de la familia protagonista, provocando sensaciones y evocaciones que calan profundamente en la audiencia.
Desde luego, lo que ocurre en este pequeño campamento minero es previsible. El trabajo es duro para los hombres que llevan el sustento a sus hogares, y además está lleno de riesgos debido a las precarias condiciones laborales. En casa, básicamente se les espera y se les concede descanso de cualquier otra tarea, aguardando pacientemente el día de esparcimiento familiar: el domingo, día marcado por la gran entretención que ofrece la comunidad: ver una película en el magnífico cine del pueblo.
Para una familia numerosa, este lujo dominical no tiene financiamiento asegurado. Es caro el que todos puedan asistir cada semana. La economía doméstica flaquea, pero ante la adversidad surge una opción: un concurso para ver quién de ellos puede ver una película y luego transmitirla de la mejor manera. María Margarita gana por lejos, porque su don incluye una expresividad que evidencia un talento nato para no solo retratar lo observado, sino también dotar al relato de gran sensibilidad gracias a su natural histrionismo, configurando una interpretación digna de las mejores producciones.
La historia es preciosa. Esta “contadora” se convierte en el alma viva de un pueblo que poco a poco es devorado por fantasmas. Aunque tiene muchos aspectos positivos, el desarrollo argumental del filme resulta escaso, lo que lo vuelve un tanto plano en términos narrativos. Tal vez el exceso de lo contemplativo le juega un poco en contra, ya que si bien el centro es María Margarita, lo que pasa a su alrededor pierde tensión paulatinamente.
En general, los personajes carecen de arcos pronunciados, lo que resta profundidad al metraje. Ciertas lagunas de contenido, producto de la adaptación del texto escrito y la necesidad de priorizar ciertos elementos, interrumpen la unidad narrativa por momentos, acrecentado por algunas inconsistencias en los detalles temporales de los años en que transcurre la historia. Por ejemplo, aparecen muy cercanos la elección de Salvador Allende como presidente de Chile en 1970 y el Golpe de Estado de 1973 que da paso a la dictadura militar.
“La Contadora de Películas” deja una sensación grata que va aumentando en la medida en que nos alejamos de su visualización. Al olvidar algunos detalles, podemos centrarnos en lo fundamental de un relato que retrata no solo uno, sino varios posibles momentos de la historia del norte de nuestro país. En muy poco tiempo y con una gran dosis de emotividad, nos sumergimos en temas importantes como el trabajo, la familia y la política, todo dentro de un pequeño mundo que también es extrapolable a comunidades de mayor tamaño.
Vívido retrato social, sensible y delicado, desarrollado con cuidada estética y esmero en cada uno de sus detalles. ¡Recomendada!
Ficha técnica
Título original: La contadora de películas
Año: 2023
Duración: 111 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-España-Francia; A Contracorriente Films, Selenium Films, Altiro Films
Género: Drama | Años 60. Familia
Guion: Walter Salles, Rafa Russo, Isabel Coixet. Novela: Hernán Rivera Letelier
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Daniel Aranyó
Reparto: Bérénice Bejo, Antonio de la Torre, Daniel Brühl, Sara Becker, Alondra Valenzuela.
Dirección: Lone Scherfig
No te Sueltes - Por Juan Pablo Donoso
Película tratada como de terror cuando en verdad es un caso psiquiátrico de esquizofrenia paranoide.
Su tema central es la LIBERACIÓN. Y su origen está en la TIRANÍA amorosa de una madre que intenta salvar a sus hijos de un enemigo que, tal vez, sólo habita en su fantasía.
Es un relato complejo con tres niveles de lectura claramente diferenciados.
La MADRE solitaria, sobreprotectora, que instruye a sus hijos contra los espíritus malignos. Pero el hambre inminente que los amenaza, le pronostica transformarse ella misma en una versión femenina del mitológico Saturno/Cronos que debió comerse a sus vástagos para protegerlos del Hades.
Los MELLIZOS, alienados y sometidos al rigor de su madre que, gradualmente, comienzan a dudar de sus motivos y sentirse atraídos por el instinto de la liberación.
La atmósfera claustrofóbica, las ocasionales apariciones de demonios, y las advertencias funestas de la madre logran crear suspenso y misterio sobre el origen de esta familia reprimida. Solo la mascota, Koda, corre libre por el bosque y la casa, sin que nada lo amenace. Su presencia, y destino, serán clave para revelar la premisa de la obra.
Bien filmada, con ritmo ascendente e iluminación crepuscular, transmite la tensión que crece entre los miembros de la familia, aterrados con la aparición de incautos visitantes desconocidos.
La galardonada actriz de color Halle Berry, como la madre, encarna con fuerza el tormento de su desgreñado personaje. Por algo colaboró como productora del filme. Y otro tanto aportan los dos niños - Percy Drago IV y Anthony B. Jenkins - quienes a pesar de su corta edad, sortean con éxito la evolución de sus afectos y los impulsos de sobrevivencia en los momentos culminantes del final.
Para dirigir esta madeja de terror, prejuicios y psicosis, contrataron primero a Mark Romanek (Static: contacto con el Más Allá 1985), cuando aún se llamaba Madre Tierra, pero fue reemplazado a última hora por el francés Alexandre Aja (El Despertar del Miedo - 2003) quien salió airoso con este desafío.
RELATO ALEGÓRICO, EN APARIENCIA DE TERROR, QUE ENCIERRA UN FONDO PSICO/MITOLÓGICO PARA QUIEN QUIERA DESCIFRARLO.
Ficha técnica
Su tema central es la LIBERACIÓN. Y su origen está en la TIRANÍA amorosa de una madre que intenta salvar a sus hijos de un enemigo que, tal vez, sólo habita en su fantasía.
Es un relato complejo con tres niveles de lectura claramente diferenciados.
UN CUENTO DE TERROR, angustia y suspenso. Una madre viuda aislada en una choza con sus dos hijitos mellizos, amarrados todos por una cuerda para protegerse de los espíritus malignos que los acechan en el bosque. La humanidad entera ha sucumbido. Solo ellos sobreviven y con escasos alimentos. Si se sueltan serán devorados por los espectros monstruosos.
La MADRE solitaria, sobreprotectora, que instruye a sus hijos contra los espíritus malignos. Pero el hambre inminente que los amenaza, le pronostica transformarse ella misma en una versión femenina del mitológico Saturno/Cronos que debió comerse a sus vástagos para protegerlos del Hades.
Los MELLIZOS, alienados y sometidos al rigor de su madre que, gradualmente, comienzan a dudar de sus motivos y sentirse atraídos por el instinto de la liberación.
La atmósfera claustrofóbica, las ocasionales apariciones de demonios, y las advertencias funestas de la madre logran crear suspenso y misterio sobre el origen de esta familia reprimida. Solo la mascota, Koda, corre libre por el bosque y la casa, sin que nada lo amenace. Su presencia, y destino, serán clave para revelar la premisa de la obra.
Bien filmada, con ritmo ascendente e iluminación crepuscular, transmite la tensión que crece entre los miembros de la familia, aterrados con la aparición de incautos visitantes desconocidos.
La galardonada actriz de color Halle Berry, como la madre, encarna con fuerza el tormento de su desgreñado personaje. Por algo colaboró como productora del filme. Y otro tanto aportan los dos niños - Percy Drago IV y Anthony B. Jenkins - quienes a pesar de su corta edad, sortean con éxito la evolución de sus afectos y los impulsos de sobrevivencia en los momentos culminantes del final.
Para dirigir esta madeja de terror, prejuicios y psicosis, contrataron primero a Mark Romanek (Static: contacto con el Más Allá 1985), cuando aún se llamaba Madre Tierra, pero fue reemplazado a última hora por el francés Alexandre Aja (El Despertar del Miedo - 2003) quien salió airoso con este desafío.
RELATO ALEGÓRICO, EN APARIENCIA DE TERROR, QUE ENCIERRA UN FONDO PSICO/MITOLÓGICO PARA QUIEN QUIERA DESCIFRARLO.
Ficha técnica
Título Original: Never Let Go
2024 Terror, suspenso familiar EE.UU., Canadá, Francia - 1,41 hrs.
Fotografía: Maxime Alexandre
Edición: Elliot Greenberg
Música: Robin Coudert
Diseño Prod.: Jeremy Stanbridge
Guion: KC Coughlin, Ryan Grassby
Actores: Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins
Director: Alexandre Aja
martes, 5 de noviembre de 2024
La Caída del Vuelo 811 - Por Carlos Correa Acuña
Sinopsis: El 24 de agosto de 1981, Larisa y Vladimir, recién casados, tomaron el vuelo Komsomolsk-on-Amur - Blagoveshchensk. 30 minutos antes del aterrizaje, la aeronave civil AN-24 colisionó con otra aeronave y se partió en pedazos a una altura de más de 5 kilómetros sobre el suelo. Se suponía que nadie sobreviviría... pero sucedió un milagro. Larisa Savitskaya se despertó en medio de los restos del avión en la impenetrable taiga siberiana. Desde ese momento, ella misma debe concretar su propio milagro, algo que solo puede llevar a cabo una persona de mente fuerte y sólidas convicciones.
Basada en hechos reales, esta película rusa estrenada el año 2022 construye un llamativo relato. El accidente aéreo, impactante tanto por su secuencia como por sus posteriores consecuencias, es el punto de partida de una historia cuya protagonista demuestra una fortaleza pocas veces vista. Sobrevivir a la destrucción de un avión en pleno vuelo ya es algo absolutamente inusual. Ella es la única sobreviviente, y su sorpresa es enorme. Pero una cosa es salvarse del impacto y otra, muy distinta, es lo que desde ese momento comienza. La taiga, una zona espesa de bosque boreal compuesta por pinos, abetos y arces, no solo tiene dificultades de acceso, sino que también esconde peligros inherentes al lugar. La habitan variados animales salvajes que no están acostumbrados a convivir con humanos en esa vasta región.
Larisa -Nadezhda Kaleganova-, magullada y herida, solo tiene dos opciones. Puede quedarse en el lugar del accidente esperando un improbable rescate, o se pone de pie, en marcha, para buscar un claro desde donde enviar una señal y tener mejores posibilidades de ser avistada por patrullas de rescate. Optar por la segunda no es sencillo. Es ir directo hacia el peligro, pero tal vez la única forma de conseguir al menos una gota de esperanza.
Luego de un inicio veloz que concluye con la recreación vívida del choque a 5400 metros de altura, la película retrocede el tiempo en un año. Se remonta a los recuerdos de la joven pareja, sus aventuras y complicidades. La narración no lineal aporta novedad, pero el ritmo decae y la cinta tiende a transitar hacia una zona gris, plana e incierta. El contexto es necesario, claro está, pero nuestra atención se concentra, casi en exclusiva, en la mujer sobreviviente. Larisa está físicamente sola pero la observamos espiritualmente acompañada por su joven marido Vladimir -Maksim Ivanov-. Y aquí sí vale la historia pasada, porque de aquellos recuerdos surgen herramientas clave: algunas pistas de autocuidado, y una brújula artesanal. En ese instante se mezcla la realidad con la ficción, los hechos actuales con la ensoñación, en una permanente búsqueda cuyo principal eje es mantenerse con vida.
“Odna”, su título original y que se traduce como “Sola”, es una tragedia que tiene un final feliz. Y no es spoiler porque sabemos de antemano que es rescatada. Pero ojo, es una odisea particular y su felicidad, finalmente, es solo hasta cierto punto, porque aunque impresione la fuerza anímica de la protagonista, tampoco se oculta su desesperanza y tristeza extrema. Tal vez, y gracias a ello, es que podemos descubrir un punto importante para destacar, porque a la resiliencia, adaptabilidad, coraje y deseo de superación personal, la cinta ofrece el amor como principal fundamento para mantener viva la esperanza.
Película extrema que se hace aún más interesante con las imágenes finales que muestran a la propia protagonista junto con fotografías y recuerdos de la época. La emoción contenida se desborda rápidamente. Se cierra un relato que no se cuenta dos veces. Los milagros existen, y este es uno de ellos, y con letras mayúsculas.
Ficha técnica
Título original: Odna
Año: 2022
Duración: 108 minutos
País: Rusia
Compañías: SSB Films
Género: Drama. Thriller | Años 80
Guion: Nazarov Andrey, Anton Belov, Leonid Derbenyov, Yuriy Parkaev, Dmitriy Suvorov, Vasiliy Vakulenko, Alla Zokhina
Música original: Vadim Karpenko
Fotografía: Mikhail Kelim
Reparto: Nadezhda Kaleganova, Maksim Ivanov, Viktor Dobronravov, Yan Tsapnik, Anna Dubrovskaya, Vladimir Vinogradov, Mariya Sokova, Vladislav Vetrov
Dirección: Dmitriy Suvorov
Basada en hechos reales, esta película rusa estrenada el año 2022 construye un llamativo relato. El accidente aéreo, impactante tanto por su secuencia como por sus posteriores consecuencias, es el punto de partida de una historia cuya protagonista demuestra una fortaleza pocas veces vista. Sobrevivir a la destrucción de un avión en pleno vuelo ya es algo absolutamente inusual. Ella es la única sobreviviente, y su sorpresa es enorme. Pero una cosa es salvarse del impacto y otra, muy distinta, es lo que desde ese momento comienza. La taiga, una zona espesa de bosque boreal compuesta por pinos, abetos y arces, no solo tiene dificultades de acceso, sino que también esconde peligros inherentes al lugar. La habitan variados animales salvajes que no están acostumbrados a convivir con humanos en esa vasta región.
Larisa -Nadezhda Kaleganova-, magullada y herida, solo tiene dos opciones. Puede quedarse en el lugar del accidente esperando un improbable rescate, o se pone de pie, en marcha, para buscar un claro desde donde enviar una señal y tener mejores posibilidades de ser avistada por patrullas de rescate. Optar por la segunda no es sencillo. Es ir directo hacia el peligro, pero tal vez la única forma de conseguir al menos una gota de esperanza.
Luego de un inicio veloz que concluye con la recreación vívida del choque a 5400 metros de altura, la película retrocede el tiempo en un año. Se remonta a los recuerdos de la joven pareja, sus aventuras y complicidades. La narración no lineal aporta novedad, pero el ritmo decae y la cinta tiende a transitar hacia una zona gris, plana e incierta. El contexto es necesario, claro está, pero nuestra atención se concentra, casi en exclusiva, en la mujer sobreviviente. Larisa está físicamente sola pero la observamos espiritualmente acompañada por su joven marido Vladimir -Maksim Ivanov-. Y aquí sí vale la historia pasada, porque de aquellos recuerdos surgen herramientas clave: algunas pistas de autocuidado, y una brújula artesanal. En ese instante se mezcla la realidad con la ficción, los hechos actuales con la ensoñación, en una permanente búsqueda cuyo principal eje es mantenerse con vida.
“Odna”, su título original y que se traduce como “Sola”, es una tragedia que tiene un final feliz. Y no es spoiler porque sabemos de antemano que es rescatada. Pero ojo, es una odisea particular y su felicidad, finalmente, es solo hasta cierto punto, porque aunque impresione la fuerza anímica de la protagonista, tampoco se oculta su desesperanza y tristeza extrema. Tal vez, y gracias a ello, es que podemos descubrir un punto importante para destacar, porque a la resiliencia, adaptabilidad, coraje y deseo de superación personal, la cinta ofrece el amor como principal fundamento para mantener viva la esperanza.
Película extrema que se hace aún más interesante con las imágenes finales que muestran a la propia protagonista junto con fotografías y recuerdos de la época. La emoción contenida se desborda rápidamente. Se cierra un relato que no se cuenta dos veces. Los milagros existen, y este es uno de ellos, y con letras mayúsculas.
Ficha técnica
Título original: Odna
Año: 2022
Duración: 108 minutos
País: Rusia
Compañías: SSB Films
Género: Drama. Thriller | Años 80
Guion: Nazarov Andrey, Anton Belov, Leonid Derbenyov, Yuriy Parkaev, Dmitriy Suvorov, Vasiliy Vakulenko, Alla Zokhina
Música original: Vadim Karpenko
Fotografía: Mikhail Kelim
Reparto: Nadezhda Kaleganova, Maksim Ivanov, Viktor Dobronravov, Yan Tsapnik, Anna Dubrovskaya, Vladimir Vinogradov, Mariya Sokova, Vladislav Vetrov
Dirección: Dmitriy Suvorov
lunes, 4 de noviembre de 2024
Anora - Por Carlos Correa Acuña
Una verdadera sorpresa. La premisa apenas esboza el fondo que impulsa esta nueva película del realizador Sean Baker. Bajo ropajes que van desde la comedia al desenfrenado humor negro, “Anora” esconde, al interior de sus múltiples capas, un drama crudo e íntimo que obliga a la reflexión al presentar, con ángulos diferentes, problemáticas tan humanas como actuales.
La historia nos muestra a Anora -Mikey Madison-, una joven bailarina stripper de Brooklyn, quien es arrastrada hacia una vida de fantasía con el hijo de un adinerado oligarca ruso. Todo comienza bajo cuerda, porque Ani vive en un sector de inmigrantes soviéticos y trabaja en el Club Nocturno del lugar. Por eso, cuando un cliente importante aparece, es natural que ella sea la encargada de atenderlo, más que mal entiende perfecto el idioma, y si no lo habla fluidamente, al menos se da a entender de forma correcta.
Lo que comienza como un juego o una diversión pasajera, adquiere otro ribete por la fascinación que Ani genera en el joven Ivan "Vanya" Zakharov, interpretado por Mark Eydelshteyn. Del encanto a la locura hay solo un paso, y esa línea es rápidamente traspasada cuando este niño mimado le propone que se transforme en su novia y pase con él una semana. Ani, siempre contenida, imprevistamente cede, y no solo por dinero. En ella también hay una fascinación, al menos material, por vivir una vida que había estado solo en el libro de sus sueños.
Las cosas se salen de control en el preciso momento en que ambos jóvenes cruzan todos los límites. Deciden casarse, impulsados por el deseo de Iván de obtener una “green card” para escapar de sus padres, y de Ani, quien ve la posibilidad de salir del lugar en el que ha vivido postergada por años. Sueños diferentes, motivaciones distintas, pero un eje común: un paso más hacia la propia identidad y la propia independencia.
Lo que viene a continuación, después de los primeros 45 minutos de metraje donde todo es color de rosa, es una secuencia de errores, equivocaciones, discriminaciones, y persecuciones dignas de la mejor película de la mafia rusa. Las caricaturas abundan, por cierto, sin embargo todas tienen sentido y cada personaje posee un umbral de desarrollo capaz de configurar en forma precisa su personalidad.
“Anora”, ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2024, es una película triste, amarga, dura y cruel por momentos, que no cede a la tentación de mejorar la situación de vida de sus protagonistas. Son muchos los sentimientos y emociones que están cubiertos por imágenes complicadas de digerir, una visualización que no escatima escenas sexuales y que, sin embargo, no se ven groseras, ni menos pornográficas.
El guion y la dirección de Sean Baker saca mucho partido de sus actores principales. Mikey Madison realmente hace un papel fantástico representando a esta joven cauta pero también ilusa, que de pronto descubre un mundo impensado. Su repertorio es muy completo y transita desde las luces de la pista de baile, con sus caños y bailes privados, hacia secuencias que muestran la paulatina transformación de su personaje. La química con Mark Eydelshteyn es adrenalina pura. Desde que se miran sacan chispas, y aquello va creciendo en la medida que los encuentros se repiten hasta llegar al punto de inflexión.
El elenco se completa con personajes secundarios que hacen un trabajo notable. Ninguno está de más ni es menos representado que otro. Cada cual en su justa medida, todos aportan para que el relato nunca decaiga en intensidad, a pesar de ser soportado casi en su totalidad por el trabajo maduro y fino de su protagonista.
La abrupta conclusión y la ausencia de sonido en los créditos finales de la película no son detalles dejados al azar. Se trata de un efecto importante, brutal, casi devastador, diría yo. Es la conclusión más dura al enfrentarse a la realidad, cuando nos quedamos en silencio y reflexionamos sobre lo que pudo ser y no fue, sobre tal o cual ilusión que se desvanece y nos aterriza, es decir, nos frena de golpe y porrazo.
“Anora” perdura en el recuerdo tanto como el nombre y el aura de Mikey Madison. La oscura soledad, disfrazada por las luces de neón y otros menesteres, es tanto el punto de partida como de llegada para una película profundamente humana que grita desde las entrañas por las nuevas oportunidades. No todo lo que brilla es oro, bien lo sabemos, pero no es difícil saltarse las luces naranjas y rojas cuando la vida pasa en blanco y negro delante de los ojos de muchas personas. Y este no es un problema menor, porque luego de vivir experiencias límites, y no tan lejanas a la utopía que presenta esta película, la caída es tan fuerte y el golpe tan duro, que solo la experiencia puede llegar a mitigar, al menos en parte, sus complejas consecuencias. ¡Muy recomendable!
Ficha técnica
Título original: Anora
Año: 2024
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Cre Film, Filmnation Entertainment. Distribuidora: Neon
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Prostitución
Guion: Sean Baker
Música: Matthew Hearon-Smith
Fotografía: Drew Daniels
Reparto: Mikey Madison, Mark Eydelshteyn, Yura Borisov, Karren Karagulian, Vache Tovmasyan, Aleksei Serebryakov
Dirección: Sean Baker
La historia nos muestra a Anora -Mikey Madison-, una joven bailarina stripper de Brooklyn, quien es arrastrada hacia una vida de fantasía con el hijo de un adinerado oligarca ruso. Todo comienza bajo cuerda, porque Ani vive en un sector de inmigrantes soviéticos y trabaja en el Club Nocturno del lugar. Por eso, cuando un cliente importante aparece, es natural que ella sea la encargada de atenderlo, más que mal entiende perfecto el idioma, y si no lo habla fluidamente, al menos se da a entender de forma correcta.
Lo que comienza como un juego o una diversión pasajera, adquiere otro ribete por la fascinación que Ani genera en el joven Ivan "Vanya" Zakharov, interpretado por Mark Eydelshteyn. Del encanto a la locura hay solo un paso, y esa línea es rápidamente traspasada cuando este niño mimado le propone que se transforme en su novia y pase con él una semana. Ani, siempre contenida, imprevistamente cede, y no solo por dinero. En ella también hay una fascinación, al menos material, por vivir una vida que había estado solo en el libro de sus sueños.
Las cosas se salen de control en el preciso momento en que ambos jóvenes cruzan todos los límites. Deciden casarse, impulsados por el deseo de Iván de obtener una “green card” para escapar de sus padres, y de Ani, quien ve la posibilidad de salir del lugar en el que ha vivido postergada por años. Sueños diferentes, motivaciones distintas, pero un eje común: un paso más hacia la propia identidad y la propia independencia.
Lo que viene a continuación, después de los primeros 45 minutos de metraje donde todo es color de rosa, es una secuencia de errores, equivocaciones, discriminaciones, y persecuciones dignas de la mejor película de la mafia rusa. Las caricaturas abundan, por cierto, sin embargo todas tienen sentido y cada personaje posee un umbral de desarrollo capaz de configurar en forma precisa su personalidad.
“Anora”, ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2024, es una película triste, amarga, dura y cruel por momentos, que no cede a la tentación de mejorar la situación de vida de sus protagonistas. Son muchos los sentimientos y emociones que están cubiertos por imágenes complicadas de digerir, una visualización que no escatima escenas sexuales y que, sin embargo, no se ven groseras, ni menos pornográficas.
El guion y la dirección de Sean Baker saca mucho partido de sus actores principales. Mikey Madison realmente hace un papel fantástico representando a esta joven cauta pero también ilusa, que de pronto descubre un mundo impensado. Su repertorio es muy completo y transita desde las luces de la pista de baile, con sus caños y bailes privados, hacia secuencias que muestran la paulatina transformación de su personaje. La química con Mark Eydelshteyn es adrenalina pura. Desde que se miran sacan chispas, y aquello va creciendo en la medida que los encuentros se repiten hasta llegar al punto de inflexión.
El elenco se completa con personajes secundarios que hacen un trabajo notable. Ninguno está de más ni es menos representado que otro. Cada cual en su justa medida, todos aportan para que el relato nunca decaiga en intensidad, a pesar de ser soportado casi en su totalidad por el trabajo maduro y fino de su protagonista.
La abrupta conclusión y la ausencia de sonido en los créditos finales de la película no son detalles dejados al azar. Se trata de un efecto importante, brutal, casi devastador, diría yo. Es la conclusión más dura al enfrentarse a la realidad, cuando nos quedamos en silencio y reflexionamos sobre lo que pudo ser y no fue, sobre tal o cual ilusión que se desvanece y nos aterriza, es decir, nos frena de golpe y porrazo.
“Anora” perdura en el recuerdo tanto como el nombre y el aura de Mikey Madison. La oscura soledad, disfrazada por las luces de neón y otros menesteres, es tanto el punto de partida como de llegada para una película profundamente humana que grita desde las entrañas por las nuevas oportunidades. No todo lo que brilla es oro, bien lo sabemos, pero no es difícil saltarse las luces naranjas y rojas cuando la vida pasa en blanco y negro delante de los ojos de muchas personas. Y este no es un problema menor, porque luego de vivir experiencias límites, y no tan lejanas a la utopía que presenta esta película, la caída es tan fuerte y el golpe tan duro, que solo la experiencia puede llegar a mitigar, al menos en parte, sus complejas consecuencias. ¡Muy recomendable!
Ficha técnica
Título original: Anora
Año: 2024
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Cre Film, Filmnation Entertainment. Distribuidora: Neon
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Prostitución
Guion: Sean Baker
Música: Matthew Hearon-Smith
Fotografía: Drew Daniels
Reparto: Mikey Madison, Mark Eydelshteyn, Yura Borisov, Karren Karagulian, Vache Tovmasyan, Aleksei Serebryakov
Dirección: Sean Baker
sábado, 2 de noviembre de 2024
Aventuras Caninas: El misterio de la corona - Por Jackie O.
"Salvar y proteger"
Es la historia de Sansón, un bondadoso perro callejero y sus tres amigos, quienes ayudan a otros perritos callejeros, en el año 1908. Sansón como líder de su grupo, siempre debe estar atento a mantener el orden en su pequeña comunidad perruna, lejos del oficial oscuro y sus ayudantes, quienes están encargados de la perrera del sector, representando una cárcel despiadada para los perritos de la calle.
Y un día, mientras Sansón huía del oficial oscuro y sus malvados perros, termina escondido en la Ópera Metropolitana de Nueva York, conociendo a quien será el amor de su vida, Margo, la perrita de la primera bailarina, quien está muy contenta por usar la corona de la reina para el baile de esa noche. Pero dicha corona ante un leve descuido es robada, viendo Margo al ladrón, por lo que Sansón y sus amigos ayudarán a esta perrita a recobrar la corona para que su dueña no tenga problemas y pueda usarla en el ballet.
Tienen pocas horas para llevar a cabo el plan, con los riesgos que conlleva la misión, ya que el señor oscuro está al acecho.
Estamos ante una cinta entretenida que mantiene colores vivos, un guion muy fluido con muchas intersecciones que harán que estemos atentos en todo momento.
Es una tierna historia familiar, donde los más pequeñitos la disfrutarán al máximo ya que sus protagonistas son personajes muy simpáticos, entregando muchos valores como la amistad, la familia y ayudar a quien lo necesite. También abordando la situación de abandono de los perros, quienes deben sortear muchas cosas para sobrevivir.
Para disfrutar.
Es la historia de Sansón, un bondadoso perro callejero y sus tres amigos, quienes ayudan a otros perritos callejeros, en el año 1908. Sansón como líder de su grupo, siempre debe estar atento a mantener el orden en su pequeña comunidad perruna, lejos del oficial oscuro y sus ayudantes, quienes están encargados de la perrera del sector, representando una cárcel despiadada para los perritos de la calle.
Y un día, mientras Sansón huía del oficial oscuro y sus malvados perros, termina escondido en la Ópera Metropolitana de Nueva York, conociendo a quien será el amor de su vida, Margo, la perrita de la primera bailarina, quien está muy contenta por usar la corona de la reina para el baile de esa noche. Pero dicha corona ante un leve descuido es robada, viendo Margo al ladrón, por lo que Sansón y sus amigos ayudarán a esta perrita a recobrar la corona para que su dueña no tenga problemas y pueda usarla en el ballet.
Tienen pocas horas para llevar a cabo el plan, con los riesgos que conlleva la misión, ya que el señor oscuro está al acecho.
Estamos ante una cinta entretenida que mantiene colores vivos, un guion muy fluido con muchas intersecciones que harán que estemos atentos en todo momento.
Es una tierna historia familiar, donde los más pequeñitos la disfrutarán al máximo ya que sus protagonistas son personajes muy simpáticos, entregando muchos valores como la amistad, la familia y ayudar a quien lo necesite. También abordando la situación de abandono de los perros, quienes deben sortear muchas cosas para sobrevivir.
Para disfrutar.
Ficha técnica
Título original, Великолепная пятерка
(Velikolepnaya pyaterka) Dogs at the Opera
Película animada Rusa
Estrenada en el 2023, Rusia. Y 2024 en Latinoamérica
Dirigida y escrita por Vasiliy Rovenskiy
84 minutos
Voces:
Samson: Diomid Vinogradov / Óscar Olivares
Margo: Anna Starshenbaum / Cuili Valle
Título original, Великолепная пятерка
(Velikolepnaya pyaterka) Dogs at the Opera
Película animada Rusa
Estrenada en el 2023, Rusia. Y 2024 en Latinoamérica
Dirigida y escrita por Vasiliy Rovenskiy
84 minutos
Voces:
Samson: Diomid Vinogradov / Óscar Olivares
Margo: Anna Starshenbaum / Cuili Valle
viernes, 1 de noviembre de 2024
Aventuras Caninas: El misterio de la corona - Por Carlos Correa Acuña
Nueva York 1909. Varios perros callejeros huyen de sus cazadores y se refugian en la Ópera Metropolitana. El encuentro fortuito entre Samson, el líder canino, y Margot, la mascota de Anastasia, solista del cuerpo de baile, saca inmediatas chispas. Coincidentemente, en plena presentación del ballet “Carmen”, una lujosa joya desaparece del camarín de la bailarina. Es una corona que perteneció a la reina de Gran Bretaña y que Anastasia debe lucir en el cuarto acto. Resulta urgente recuperar la preciada corona para que el espectáculo pueda continuar. ¿Lograrán Anastasia, Samson, y sus amigos, encontrar al ladrón y así salvar la función?
Simple y directa es esta cinta procedente de Rusia, escrita y dirigida por Vasiliy Rovenskiy. Si bien la animación no resulta deslumbrante, su tratamiento es colorido y denota frescura, elementos que la hacen atractiva especialmente para los más pequeños del hogar.
Aunque totalmente predecible, la película está llena de valores positivos. Destacan la amistad y el trabajo en equipo de los perros, que acogen sin prejuicios a Margot. También vemos valentía y determinación en cada una de sus acciones, siempre administrando dosis de humor que hacen liviana la trama. El valor artístico que se suma gracias a la música de Georges Bizet, es otro punto a destacar, al ser una ambientación poco usual para este tipo de animaciones infantiles.
En términos generales, el filme no alcanza a despegar, tal vez por varias razones, como el ritmo irregular y la falta de tensión, También juega en contra la poca profundidad de los personajes, los que solo logran destacar gracias al carisma que despliegan.
Fuera de algunas inconsistencias geográficas y musicales, esta fábula animada pone de relieve aspectos sociales importantes como gran moraleja de fondo. Por una parte, la ayuda que los perros callejeros prestan a los más desposeídos es digna de admiración. Que deban delinquir para concretar sus fines, es un buen tema a discutir con los más chicos, ya que hacer el bien no justifica cometer delitos de ningún tipo. La película también incursiona en el encuentro entre dos mundos muy separados, los ricos y los pobres, representados por una pandilla callejera y por una amorosa perrita de alta alcurnia. Es cierto, son detalles, pero sin duda, puntos de partida para conversar con hijos, sobrinos y nietos.
“Aventuras Caninas”, de 75 minutos de duración, es graciosa y amable, una película liviana que transcurre rápido al ritmo de los acordes de la famosa “Carmen”, y que deja un grato sabor por la simpatía de todos sus personajes.
Ficha técnica
Título original: Velikolepnaya pyaterka
Año: 2023
Duración: 75 minutos
País: Rusia
Compañías: Kinofirma, Nashe Kino. Distribuidora: Nashe Kino
Género: Animación. Comedia | Animales. Cine familiar
Guion: Vasiliy Rovenskiy
Música: Anton Gryzlov
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Vasiliy Rovenskiy
Simple y directa es esta cinta procedente de Rusia, escrita y dirigida por Vasiliy Rovenskiy. Si bien la animación no resulta deslumbrante, su tratamiento es colorido y denota frescura, elementos que la hacen atractiva especialmente para los más pequeños del hogar.
Aunque totalmente predecible, la película está llena de valores positivos. Destacan la amistad y el trabajo en equipo de los perros, que acogen sin prejuicios a Margot. También vemos valentía y determinación en cada una de sus acciones, siempre administrando dosis de humor que hacen liviana la trama. El valor artístico que se suma gracias a la música de Georges Bizet, es otro punto a destacar, al ser una ambientación poco usual para este tipo de animaciones infantiles.
En términos generales, el filme no alcanza a despegar, tal vez por varias razones, como el ritmo irregular y la falta de tensión, También juega en contra la poca profundidad de los personajes, los que solo logran destacar gracias al carisma que despliegan.
Fuera de algunas inconsistencias geográficas y musicales, esta fábula animada pone de relieve aspectos sociales importantes como gran moraleja de fondo. Por una parte, la ayuda que los perros callejeros prestan a los más desposeídos es digna de admiración. Que deban delinquir para concretar sus fines, es un buen tema a discutir con los más chicos, ya que hacer el bien no justifica cometer delitos de ningún tipo. La película también incursiona en el encuentro entre dos mundos muy separados, los ricos y los pobres, representados por una pandilla callejera y por una amorosa perrita de alta alcurnia. Es cierto, son detalles, pero sin duda, puntos de partida para conversar con hijos, sobrinos y nietos.
“Aventuras Caninas”, de 75 minutos de duración, es graciosa y amable, una película liviana que transcurre rápido al ritmo de los acordes de la famosa “Carmen”, y que deja un grato sabor por la simpatía de todos sus personajes.
Ficha técnica
Título original: Velikolepnaya pyaterka
Año: 2023
Duración: 75 minutos
País: Rusia
Compañías: Kinofirma, Nashe Kino. Distribuidora: Nashe Kino
Género: Animación. Comedia | Animales. Cine familiar
Guion: Vasiliy Rovenskiy
Música: Anton Gryzlov
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Vasiliy Rovenskiy
Deepfaked - Por Juan Pablo Donoso
Mediometraje chileno que realza el valor de la conciencia ética por encima del triunfo político y de una relación sentimental.
Deepfake = truco de Inteligencia Artificial (IA) que utiliza imágenes falsas - que parecen verdaderas - para engañar a la opinión pública.
En un Chile imaginario, dos mujeres compiten por ganar la presidencia de la República. La propaganda de ambas está desatada.
Cuando en el comando de Danka Marull (Katty Kowaleczko) se descubre que alguien - anónimamente - ha creado un falso vídeo desprestigiando la imagen pública de la contrincante, la Jefa de Campaña (Tamara Acosta) se avergüenza y trata de impedir que el fraude engañe a la población.
Lo que parecía una artimaña política triunfal se ve amenazada por el pundonor de una promotora. Siendo más doloroso aún es que, entre ellas, existía una antigua relación amorosa de pareja.
La ambición amoral de la candidata, que siente cercano el éxito, versus el dilema de conciencia de su principal colaboradora, dará origen al conflicto central de la obra.
Mientras predomina la furia amoral de una, la otra sentirá la nostalgia por refugiarse en los valores tradicionales, aún vigentes, en el regazo cálido de su familia (Anita Reeves).
El guionista y director Iñaki Velásquez nos alerta, en estos 31 minutos de película, contra los peligros de la IA cuando se usa para fines espurios. Logra también que las conocidas actrices encarnen el relato con sincera intensidad, a pesar de los escuetos diálogos con que deben transmitirla.
Previsor estreno de un filme cuya trama se adelanta a los avatares políticos, y morales, que nos esperan en Chile para el año próximo.
EFICAZ LLAMADO DE ALERTA DE LOS PELIGROS DEL USO CORRUPTO DE LA TECNOLOGÍA EN LA CONSECUCIÓN DE BENEFICIOS POLÍTICOS. BUEN NIVEL PROFESIONAL ARTÍSTICO.
Estreno 2 de noviembre en Citylab de GAM, y del 10 al 17 de noviembre disponible online.
Deepfake = truco de Inteligencia Artificial (IA) que utiliza imágenes falsas - que parecen verdaderas - para engañar a la opinión pública.
En un Chile imaginario, dos mujeres compiten por ganar la presidencia de la República. La propaganda de ambas está desatada.
Cuando en el comando de Danka Marull (Katty Kowaleczko) se descubre que alguien - anónimamente - ha creado un falso vídeo desprestigiando la imagen pública de la contrincante, la Jefa de Campaña (Tamara Acosta) se avergüenza y trata de impedir que el fraude engañe a la población.
Lo que parecía una artimaña política triunfal se ve amenazada por el pundonor de una promotora. Siendo más doloroso aún es que, entre ellas, existía una antigua relación amorosa de pareja.
La ambición amoral de la candidata, que siente cercano el éxito, versus el dilema de conciencia de su principal colaboradora, dará origen al conflicto central de la obra.
Mientras predomina la furia amoral de una, la otra sentirá la nostalgia por refugiarse en los valores tradicionales, aún vigentes, en el regazo cálido de su familia (Anita Reeves).
El guionista y director Iñaki Velásquez nos alerta, en estos 31 minutos de película, contra los peligros de la IA cuando se usa para fines espurios. Logra también que las conocidas actrices encarnen el relato con sincera intensidad, a pesar de los escuetos diálogos con que deben transmitirla.
Previsor estreno de un filme cuya trama se adelanta a los avatares políticos, y morales, que nos esperan en Chile para el año próximo.
EFICAZ LLAMADO DE ALERTA DE LOS PELIGROS DEL USO CORRUPTO DE LA TECNOLOGÍA EN LA CONSECUCIÓN DE BENEFICIOS POLÍTICOS. BUEN NIVEL PROFESIONAL ARTÍSTICO.
Estreno 2 de noviembre en Citylab de GAM, y del 10 al 17 de noviembre disponible online.
Ficha técnica
2024. Drama ético, suspenso Chile - 31 minutos
2024. Drama ético, suspenso Chile - 31 minutos
Fotografía: Marco Guzmán
Música: Robert Sparke
Diseño: Elías Valenzuela
Actores: Tamara Acosta, Katty Kowaleczko, Cesar Caillet
Guionista y Director: Iñaki Velásquez
Agatha en todas partes - Por Jackie O.
"Al sendero voy, bruja, bruja soy..."
Sinopsis: Tres años después de quedar atrapada en el pueblo de Westview, Nueva Jersey, al final de la miniserie WandaVision (2021) la bruja Agatha Harkness escapa con la ayuda de un adolescente gótico que desea enfrentarse a las pruebas del legendario Sendero de las Brujas. Pero sin sus poderes mágicos, Agatha y este joven, Teen, forman un nuevo aquelarre de brujas para enfrentarse a las pruebas, mientras luchan con algunos de los viejos enemigos de Agatha.
Después del gran éxito de Jacqueline Schaeffer al escribir WandaVision, nuevamente se transforma en la guionista de esta nueva serie, pero se aventura además a dirigirla, teniendo un excelente resultado.
Agnes, una detective involucrada en un caso de muerte que la comienza a obsesionar, conoce en la unidad policial a Rio Vidal, una agente del FBI, quien la ayuda a recordar su verdadera identidad y a darse cuenta de quién es el cuerpo encontrado, lo que, por supuesto, no le cree.
Estando en su hogar conoce a un joven ladronzuelo que entra a su casa, Teen, y comienzan a descubrir que están bajo un hechizo, buscando ambos su camino, ese sendero que los llevará a la verdad, o eso es lo que creen.
Una serie que se dio cuenta que no se necesita abusar de los efectos visuales para triunfar en Marvel, y sí tiene CGI, porque hablamos de hechicería, brujas y demonios, pero no están mal utilizados, creando un ambiente agradable y entendible para la historia. Aunque a veces creas que hay algo que no cuadra, sus giros cada cierto tiempo aclaran todo.
Este joven, quien no puede pronunciar su nombre producto de un hechizo y al que apodan Teen, ayuda a Agatha a juntar un aquelarre y así ella pueda recobrar sus poderes. ¿Pero, por qué este joven ayuda a esta malvada bruja? Todos saben que Agatha no es de confiar, y tarde o temprano hará de las suyas.
Para poder recobrar esos poderes, Agatha reúne a mujeres con ciertos poderes para pasar las pruebas que la llevarán al final del sendero, donde estará la verdad y el poder que tanto ansía.
Nuestra protagonista, Kathryn Hahn, quien se conoce por participar en comedias, realiza un gran trabajo como este personaje salido del cómic, quien apareció por primera vez en Fantastic Four #94 (octubre de 1969), dándole toques de comedia con cierta ironía, maldad y algo de drama a su personaje, generando curiosamente empatía, digo curiosamente porque es una villana.
Teen, este joven extraño, un actor no reconocido dándole un rol importante, de a poco va ganando nuestra confianza al ir descubriendo su participación acá, porque él también va autodescubriendo su personalidad, va creciendo en cada capítulo. El resto de los secundarios, son un buen aporte.
Vestuario, maquillaje y peinado muy buenos.
Buena introducción y banda sonora.
Guion y dirección buenos, dándonos luces de que se podría venir una segunda temporada. ¿La habrá?
Aunque con este final, estuvo bien.
A pesar de ser una historia de maldad, hay mucha bondad en alguno de sus personajes que van develándose de a poco, hay sacrificios, hay perdón y también esperanza. Pero también tenemos la esencia de cada personaje, la esencia humana que nos identifica, sea esta buena o mala, pero ahí está.
Disponible en Disney.
Agatha All Along.
Género: Comedia negra, superheroes. Horror.
Creado por Jac Schaeffer
Basado en Marvel Comics
Protagonistas: Kathryn Hahn, Joe Locke, Debra Jo Rupp, Aubrey Plaza, Sasheer Zamata
9 capítulos. 2024.
Sinopsis: Tres años después de quedar atrapada en el pueblo de Westview, Nueva Jersey, al final de la miniserie WandaVision (2021) la bruja Agatha Harkness escapa con la ayuda de un adolescente gótico que desea enfrentarse a las pruebas del legendario Sendero de las Brujas. Pero sin sus poderes mágicos, Agatha y este joven, Teen, forman un nuevo aquelarre de brujas para enfrentarse a las pruebas, mientras luchan con algunos de los viejos enemigos de Agatha.
Después del gran éxito de Jacqueline Schaeffer al escribir WandaVision, nuevamente se transforma en la guionista de esta nueva serie, pero se aventura además a dirigirla, teniendo un excelente resultado.
Agnes, una detective involucrada en un caso de muerte que la comienza a obsesionar, conoce en la unidad policial a Rio Vidal, una agente del FBI, quien la ayuda a recordar su verdadera identidad y a darse cuenta de quién es el cuerpo encontrado, lo que, por supuesto, no le cree.
Estando en su hogar conoce a un joven ladronzuelo que entra a su casa, Teen, y comienzan a descubrir que están bajo un hechizo, buscando ambos su camino, ese sendero que los llevará a la verdad, o eso es lo que creen.
Una serie que se dio cuenta que no se necesita abusar de los efectos visuales para triunfar en Marvel, y sí tiene CGI, porque hablamos de hechicería, brujas y demonios, pero no están mal utilizados, creando un ambiente agradable y entendible para la historia. Aunque a veces creas que hay algo que no cuadra, sus giros cada cierto tiempo aclaran todo.
Este joven, quien no puede pronunciar su nombre producto de un hechizo y al que apodan Teen, ayuda a Agatha a juntar un aquelarre y así ella pueda recobrar sus poderes. ¿Pero, por qué este joven ayuda a esta malvada bruja? Todos saben que Agatha no es de confiar, y tarde o temprano hará de las suyas.
Para poder recobrar esos poderes, Agatha reúne a mujeres con ciertos poderes para pasar las pruebas que la llevarán al final del sendero, donde estará la verdad y el poder que tanto ansía.
Nuestra protagonista, Kathryn Hahn, quien se conoce por participar en comedias, realiza un gran trabajo como este personaje salido del cómic, quien apareció por primera vez en Fantastic Four #94 (octubre de 1969), dándole toques de comedia con cierta ironía, maldad y algo de drama a su personaje, generando curiosamente empatía, digo curiosamente porque es una villana.
Teen, este joven extraño, un actor no reconocido dándole un rol importante, de a poco va ganando nuestra confianza al ir descubriendo su participación acá, porque él también va autodescubriendo su personalidad, va creciendo en cada capítulo. El resto de los secundarios, son un buen aporte.
Vestuario, maquillaje y peinado muy buenos.
Buena introducción y banda sonora.
Guion y dirección buenos, dándonos luces de que se podría venir una segunda temporada. ¿La habrá?
Aunque con este final, estuvo bien.
A pesar de ser una historia de maldad, hay mucha bondad en alguno de sus personajes que van develándose de a poco, hay sacrificios, hay perdón y también esperanza. Pero también tenemos la esencia de cada personaje, la esencia humana que nos identifica, sea esta buena o mala, pero ahí está.
Disponible en Disney.
Ficha técnica
Agatha All Along.
Género: Comedia negra, superheroes. Horror.
Creado por Jac Schaeffer
Basado en Marvel Comics
Protagonistas: Kathryn Hahn, Joe Locke, Debra Jo Rupp, Aubrey Plaza, Sasheer Zamata
9 capítulos. 2024.
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