Casi un gigoló - Por Juan Pablo Donoso

Es difícil deducir qué nos quiso comunicar el carismático actor John Turturro con esta cinta que protagonizó, escribió y dirigió.

Incluyó como co-protagonista a Woody Allen quien se comporta y razona con la misma agudeza que en la mayoría de sus propias películas.

 Si bien la autoría de esta obra es de Turturro, el tratamiento fotográfico, la compaginación de secuencias, los escenarios y hasta las canciones denotan una fuerte influencia de Allen.

Es como si Turturro hubiera querido imitar a su maestro, teniéndolo como actor en esta réplica.

Pero el relato resulta menos efectivo y brillante que los filmes de Allen. Ojalá Turturro, quien ha participado antes en obras de magníficos directores, encuentre su propio lenguaje de expresión.

Un anciano librero deberá clausurar su antigua librería en Brooklyn porque ya muy pocos disfrutan de la lectura. Su dermatóloga (Sharon Stone) le confidenció que deseaba experimentar un menage a trois  para superar la monotonía de su vida matrimonial. Y le preguntó a Murray (Woody Allen) si conocía algún hombre interesado en satisfacerla. Murray le propone la misión a su joven amigo Fioravante (Turturro), y este, acosado por deudas, accede. Se inicia así, administrando al joven como gigoló de mujeres adineradas, un floreciente negocio para ambos.

Como esto sucede en un barrio judío de Nueva York, una viuda de la secta jasídica acepta ponerse en manos de Fiaravante como masajista. Entre ellos surgirá una atracción afectiva difícil de concretar debido al rigor de la ortodoxia judaica. La viuda se siente sola y carente de compañía; Fioravante emerge como una luz de posible realización sentimental. Pero el rigor de las normas judías ancestrales resulta más fuerte, y la mujer (Avigal – la cantante Vanessa Paradis) opta por un policía hebreo que siempre la amó.

Cuando Fioravante, decepcionado, le comunica a su empresario Murray (Allen) que desea abandonar el negocio sexual, la presencia de una francesita en un café lo hacen cambiar de opinión y seguir con la empresa.

¿Qué reflexiones, o críticas, están en juego en esta tragicomedia? Si quiso denunciar la rigidez de ciertas tradiciones, versus la realización de amores auténticos, el exceso de divagaciones secundarias y seudo- irónicas, debilitan semejante propósito.

SUGERENTE FACTURA, A LA MANERA DE LOS FILMES DE WOODY ALLEN, SUCUMBEN BAJO UN GUIÓN DE MÉDULA DÉBIL Y DISPERSA.    

Ficha técnica

Título original: “Fading Gigolo”

País: EE.UU.

Año: 2014

Distribuidor: BF Distribution

Calificación: 14 años

Género: Comedia

Duración: 90 minutos

Elenco: Woody Allen, John Turturro, Sharon Stone, Vanessa Paradis, Sofía Vergara, Live Schreiber.

Director: John Turturro

La Danza de la Realidad - Por Juan Pablo Donoso

Este último filme de Alejandro Jodorowski abunda en méritos:

El primero de ellos es haber conseguido un presupuesto de US$ 3.000.000 de dólares para realizar una superproducción en Chile. Y el dinero fue bien aprovechado.

La cinta tiene universo poético propio, y el autor lo ha mantenido en todas sus películas a lo largo de muchos años.

El relato es fluido y coherente para el espectador.

Como estructura narrativa es una epopeya, plagada de episodios, en que los personajes se van turnando en el protagonismo.

La obra deja sensaciones e imágenes en el recuerdo; lo que revela que fue concebida desde una creatividad orgánica, honesta, y con sólida visión de mundo.

Las alegorías – por muy caprichosas o impactantes que parezcan en un comienzo – son pertinentes como síntesis poéticas cuando se ha recibido el relato completo.

A diferencia de otras creaciones cinematográficas plagadas de metáforas y alegorías – que resultan crípticas y sólo comprensibles para sus autores – en este caso, por fantasiosas o escatológicas que se vean a primera vista, son siempre claras y pertinentes con el proyecto total.

El autor se da el gusto de hacer intervenciones personales que podrían parecer sólo afanes de impresionar, o de figurar en las imágenes; sin embargo resultan livianas y facilitan el flujo de la historia.

Si bien vemos el relato desde los ojos y la sensibilidad del niño nacido y criado en Tocopilla (el mismo Jodorowski en su infancia), el protagonista será siempre el padre – quien pasa de una brutal tiranía hacia su familia a convertirse en un ser dolorosamente humano, cuando vive en carne propia las consecuencias de sus impulsos e ideologías totalitarias. 

La madre – muy eróticamente idealizada por el niño – en vez de hablar, sólo se expresa cantando operáticamente.

“Cuando mi madre – desnuda - se pintó entera de negro dejé de temer a la oscuridad”, dice Jodorowsky.

En todos sus filmes incorpora personas con extremidades mutiladas, que gravitan con fuerza en la trama. ¿Será esto algún resabio subconsciente de su niñez?

Esta vez incluye recursos del teatro Butoh, hasta el punto de contar con la colaboración de Ítalo Tai, máximo exponente de esa expresión físico-teatral en nuestro país.

SURREALISMO AUTOBIOGRÁFICO CLARO, CONMOVEDOR Y AMENO, CON EL SELLO PERSONAL Y MADURO DE JODOROWSKY. 

Ficha técnica

Director y Guionista: Alejandro Jodorowsky

Actores: Brontis Jodorowsky, Pamela Flores, Jeremías Herskovits, Bastán Bodenhöfer, Axel y Adán Jodorowsky

Chile – Francia – 130 minutos

Transcendence, Identidad virtual - Por Carlos Correa

El doctor Will Caster -Johnny Depp- es un reconocido y reputado científico que trabaja en la creación de una computadora “inteligente” que será realmente única. Su mujer Evelyn -Rebecca Hall-, apoya este trabajo junto al también investigador Max Waters -Paul Bettany-. Debido a las fuertes críticas por el desarrollo tecnológico emprendido por estos investigadores, Will es atacado con una bala radiactiva que le provocará la muerte en menos de 6 semanas. Conocido este hecho, los esfuerzos se centran en intentar introducir la mente de Will en el proyecto para entregarle esta “trascendencia”, eje principal de la cinta.

“Transcendence, Identidad virtual” posee un concepto realmente interesante y que es la discusión ética y moral sobre el desarrollo de la inteligencia artificial, defendida por investigadores y científicos y criticada por grupos contrarios a la dependencia tecnológica cada vez más presente en el mundo actual. En ese sentido, la base argumental del filme es sólida y permite abrir múltiples debates al respecto. El guión, si bien es cadencioso y en ocasiones pierde el ritmo necesario para mantener la tensión de la historia, está bien construido, elaborado en base a buenos diálogos, actuaciones convincentes y a efectos especiales muy bien realizados. El experimento da resultado y Will trasciende su muerte en una inteligencia que comienza a tomar poco a poco el control de toda la tecnología disponible, incluso obteniendo el poder de curar enfermedades, reconstruir objetos y seres humanos, conectándolos a su propia red. El agente del FBI Donald Buchanan -Cillian Murphy, con el apoyo del científico Joseph Tagger -Morgan Freeman, se unen para detener todo esto, pero se ven enfrentados a una realidad que les supera con creces.

El dilema planteado no es menor. La duda razonable si aquella inteligencia es o no la mente del Dr. Caster ronda permanentemente en el desarrollo de la cinta. La búsqueda de un poder cada vez mayor, aunque tenga como fin “salvar el planeta y aprender los secretos del universo”, según las mismas palabras de Will, es algo que provoca un cuestionamiento serio y los esfuerzos se centran en detener una situación que sencillamente será incontrolable e invencible. 

“Transcendence” es una buena película. No resultó excelente básicamente por su desarrollo fílmico, porque elementos argumentales tiene de sobra. Y acá observamos que la dirección de Wally Pfister pudo haber resultado más efectiva, tanto en la edición del corte final como en el ritmo que se le debe intencional a un relato de ciencia ficción. De todas maneras el sabor final es agradable, una temática que cada vez será más abordada, tal vez porque estamos cerca o vivimos ya con una realidad tecnológica que en ocasiones abruma, y que sin duda debe ser la base de un debate profundo y serio sobre un camino que la humanidad debe enfrentar: los valores fundamentales del ser humano, el avance vertiginoso de la ciencia y la tecnología, la centralidad de la Fe, todo aquello en una ecuación filosófica, ética y moral que debe ser desarrollada por las actuales y futuras generaciones.

Ficha técnica

Titulo Original: Transcendence - Identidad Virtual

Distribuidor: DIAMOND

Calificación: TE+7

Duración: 119 minutos

Género: Ciencia ficción

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Johnny Depp, Morgan Freeman, Paul Bettany

Director: Wally Pfister

Cómo entrenar a tu dragón 2 - Por Carlos Correa

Han pasado cuatro años desde la primera entrega de “Cómo entrenar a tu dragón”, película que sorprendió el 2010 a grandes y chicos al momento de su estreno. Con un lenguaje cercano, directo y totalmente basado en valores, la cinta de vikingos y dragones fue un bálsamo para todos quienes disfrutamos del cine de animación. Esta segunda parte, muy esperada por lo demás, no tiene la originalidad de su primera versión, sin embargo se las arregla para sostenerse y entregar 102 minutos de sana entretención. En la isla Berk, ahora conviven fraternalmente quienes antes eran antagonistas, en un ambiente mágico, dulce y alegre. 

Hipo y Chimuelo, amigos inseparables, recorren su entorno buscando nuevos dragones, tal vez con la esperanza de encontrar otro “Furia Nocturna”. En uno de sus viajes conocen a unos cazadores de dragones dirigidos por un hombre llamado Drago Manodura lo que pone en alerta a Estoico, padre de Hipo y líder de la tribu, quien desde ya comienza a preparse para una posible guerra. Hipo no los quiere y vuela junto a su dragón para evitarlo, sin embargo en el camino son conducidos por un extraño y misterioso jinete de dragones a un lugar mágico y encantador. Y el jinete misterioso, resulta ser nada más y nada menos que la madre de Hipo. Contar más de la historia sería revelar muchos detalles y la idea es ver y disfrutar la película sin saber más de la cuenta. 

Dean DeBlois dirige esta segunda entrega con precisión y un ritmo por momentos frenético. La historia tiene un argumento menos denso y las escenas de acción están bastante más presentes. Ya conocemos a los personajes, y los queremos, por lo que no es necesario profundizar demasiado en ello. Ahora, la centralidad se enfoca en la familia -tanto la de Hipo, como la gran familia del pueblo y la gran familia de dragones- como una unidad indivisible donde cada cual aporta fundamentalmente al grupo nuclear. Es muy interesante observar las relaciones construidas sobre ella, la lealtad, el cariño, la confianza y el desarrollo del liderazgo que nuestro pequeño protagonista va adquiriendo en la medida que el metraje avanza.

“Cómo entrenar a tu dragón 2” recrea un ambiente maravilloso, con efectos preciosos y una animación suave, cada vez mejor desarrollada que por momentos parece ser totalmente real. En ese sentido, la técnica está al servicio de una historia que busca rescatar lo positivo, busca la paz donde hay guerra y el amor donde hay odio. Villanos hay, por cierto, pero el bien se impone siempre con humildad y honestidad, dejándonos moralejas y aprendizajes llenos de esperanza y optimismo. Hipo y Chimuelo son nuestros héroes, nuestros líderes, y de ellos podemos aprender mucho. Por ello el desafío ya está planteado: vendrán nuevas aventuras que nos permitan acompañar a nuestros queridos protagonistas en su cruzada por hacer de su mundo un mundo mejor.

Ficha técnica

Titulo Original: HOW TO TRAIN YOUR DRAGON 2

Distribuidor: FOX-WB

Calificación: TE

Duración: 102 minutos

Género: Animada

Año: 2014

País: Estados Unidos

Director: Dean DeBlois

Bajo la misma estrella - Por Carlos Correa

Bajo la misma estrella -"The Fault in Our Stars", su título original en Inglés- es una película basada en el best-seller del mismo nombre escrito por John Green. El gran éxito del libro da pie al desarrollo de esta versión en pantalla grande dirigida por Josh Boone, que muestra la historia de amor de dos adolescentes con diagnóstico de cáncer terminal. Hazel -Shailene Woodley- tiene serios problemas en sus pulmones. Necesita de oxígeno permanente y su cáncer reaparece cada cierto tiempo en forma de grave crisis. Augustus Waters -Ansel Elgort-, ya ha perdido una pierna en su tratamiento contra un rebelde cáncer que al parecer esta oculto y sin muestras visibles de regresar. Ambos se conocen en un grupo de apoyo religioso y es allí donde comienza su historia.

Ante un argumento y trama predecibles, la magia que propone la historia es la intensidad de los sentimientos. Hazel se siente derrotada por su enfermedad, parece que sólo espera que llegue "el momento", su vida gira en torno a ello y a un libro que la ha marcado en este camino: "un dolor imperial" del escritor Peter Van Houten (ojo con el papel secundario de Willem Dafoe). Por su parte, "Gus" es todo lo contrario, siente que puede vivir y que la vida está abierta a nuevas oportunidades y posibilidades. Así de opuestos y así de complementarios son los dos protagonistas. Sus historias de vida se cruzan inesperadamente. Hazel se resiste, Gus insiste, y ello se repite al menos en la primera parte de la cinta.

El relato es sin lugar a dudas emotivo. Pone de relieve una situación dramática que es la sentencia de muerte que tiene una persona con cáncer terminal. Ello conmueve desde un comienzo y permite que afloren otros temas importantes que tienen directa relación con la forma de llevar la enfermedad de los protagonistas. Son dos maneras, opuestas totalmente, de vivir con esta "granada" como Hazel se describe a sí misma.

Las actuaciones son convincentes. Ansel Elgort representa a un verdadero príncipe azul del siglo XXI que, aunque sabemos que es un ideal "de película", anima a ver la vida desde un ángulo distinto provocando empatía, representando también una humanidad llena de temores y carencias. Shailene Woodley, a quien vimos hace muy poco en "Divergente", es capaz de sobrellevar un papel con un peso dramático importante, una relación familiar compleja, junto con una contención emocional que por momentos impacta.

"Bajo la misma estrella" no presenta novedad en cuanto a una temática difícil y complicada de enfrentar, sin embargo cuenta muy bien la historia, se da tiempo para ello y refuerza los valores más fundamentales del ser humano -amor, empatía, esperanza, acompañamiento, comprensión- para enfrentar una situación crítica que nos lleva inequívocamente a un desenlace conocido. El mayor valor de la historia, triste sin duda, llena de angustia y emoción, es precisamente la valoración de la vida, de las personas y del tiempo que podemos compartir -tanto en cantidad como en calidad- con nuestros seres queridos mientras los tenemos junto a nosotros.

Ficha técnica

Titulo Original: The Fault in Our Stars

Distribuidor: FOX

Calificación: TE+ 7

Duración: 125 minutos

Género: Drama

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Shailene Woodley, Ansel Elgort, Willem Dafoe

Director: Josh Boone

La vida de Adèle - Por Juan Pablo Donoso

Para el grueso público chileno esta cinta puede resultar demasiado provocativa: incluso obscena por la crudeza de algunas escenas.

Esta advertencia conviene tenerla en cuenta antes de verla.

Sin embargo, si la evaluamos como expresión artística, sus méritos son indiscutibles.

Mediante una prolija fotografía y tratamiento de cámara, nos sumergen en el universo de una muchacha adolescente que se siente inevitablemente inclinada al lesbianismo. Su intento de incursionar en la heterosexualidad le resulta ajeno e hipócrita. Conocerá a otra mujer, un poco mayor que ella, estudiante de bellas artes, ya experimentada homosexual, con quien sentirá que su naturaleza afectiva se ilumina y realiza plenamente.

Lejos de ella está la maldad o la perversión; por el contrario, ejerce con gran eficacia su vocación de educadora de párvulos.

Hasta aquí es una historia de amor y compañerismo entre dos mujeres.

Adele incluso deberá afrontar con valentía el desprecio de sus compañeras de estudio.  

Más, cuando en determinada circunstancia – debido al éxito artístico de Emma, su pareja – Adele se siente sola, sucumbe en el amorío con un compañero de trabajo.

Esto significará la ruptura de las amantes, y la honestidad amorosa de Adele la sumergirá en un destino de soledad y búsqueda de futura conformidad.

La actuación de las dos actrices centrales es eximia – ellas también recibieron la Palma de Oro, junto con el Director Kechiche. Predominan los primeros planos para captar hasta las más mínimas emociones. La extrema longitud del filme – 3 horas – se debe a la lentitud de una trama sin dramatismos estridentes, pero siempre sensibles. Los diálogos parecieran improvisados por su cotidiana sencillez. 

UNA VIVENCIA DE AMOR LESBIANO PROFUNDAMENTE ÍNTIMA. AUDACES ESCENAS DE SEXO EXPLÍCITO. LOABLE RESULTADO ARTÍSTICO. OBRA DEMASIADO CRUDA Y LENTA PARA UN PÚBLICO MASIVO O  PUDOROSO.    

Ficha Técnica

Título original: La vie d’Adèle

País: Francia

Año: 2013

Distribuidora: BF Distribution

Calificación: 

Género: Drama  - Romance

Duración: 179 minutos

Elenco: Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salime Kechiouche, Mona Welravens.

Director: Abdellatif Kechiche

3 días para matar - Por Juan Pablo Donoso

Fórmula comercial que mezcla con oficio la violencia, espionaje internacional,  persecuciones de autos, explosiones, y un héroe vulnerable que trata de recomponer su vida familiar, pero a quien la CIA se lo impide. 

El guionista y productor Luc Besson es experto en este tipo de narrativas sangrientas. Ahora le entregó la dirección a McG que logra entretenernos, deseosos de que los “malos” sean ferozmente castigados al final, y condimentados por almibaradas escenas familiares.

El personaje central (Kevin Gostner), es un batido de James Bond, Clint Eastwood y Bruce Willis. Es decir, un héroe implacable para matar, pero vulnerable porque sólo le quedan pocos meses de vida, Y como tal se desempeña. A cambio de una droga que le prolongaría por un tiempo la existencia, acepta la última misión de la CIA que es liquidar a dos poderosos terroristas internacionales. 

Ambientada y filmada en París, nuestro desastrado paladín se debatirá entre la reconciliación con su abandonada esposa, su casi desconocida hija adolescente, y la brutalidad insensible con que masacra bandas enteras de mafiosos.

Si evaluamos el guión, veremos que tiene dosificados los ingredientes para mantener un filme de acción convencional, donde los malos son pésimos y unidimensionales, los secundarios inocentes transmiten simpatía, y logra barajar las secuencias de ternura familiar con la brutalidad de asesinatos, comandados por una hermosa, pero gélida, jefa que hace ostentación de su lesbianismo, tal vez para darle más elegancia internacional a la fábula.

HÉROE SICARIO, PERO VULNERABLE, EN UN THRILLER DE ACCIÓN Y VIOLENCIA CUYO PROPÓSITO PRINCIPAL ES ENTRETENER Y FLIRTEAR CON  REFLEXIONES MORALES.

Ficha técnica

Titulo Original: 3 Days To Kill

Distribuidor: BDF

Calificación: 14

Duración: 117 minutos

Género: Drama, Suspenso, Acción

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: : Amber Heard, Kevin Costner, Hailee Steinfeld

Director: Joseph McGinty Nichol 

Una familia peligrosa - Por Juan Pablo Donoso

El director y guionista francés Luc Besson (Azul Profundo, Nikita), experto en filmes de intensa y cruel acción, sólo quiso divertirnos con esta comedia negra de gangsters. Como tiene gran oficio narrativo y contó con buenos actores, logra su propósito. Hasta tuvo a Martín Scorsese como productor ejecutivo.

Un gangster neoyorkino, por haber denunciado al FBI a un capo de la mafia, queda bajo la protección judicial y lo esconderán con su familia en un pueblito de Normandía, en Francia. Deberá cambiar de identidad y mantenerse con bajo perfil. La mafia lo busca para matarlo y la policía estadounidense lo vigila y resguarda. Pero tanto Giovanni Mazoni como su esposa y sus dos hijos sólo saben “socializar” por medio de la venganza o el matonaje. Así veremos cómo cada miembro de la familia, cuando sienten que sus dignidades son ofendidas, hacen justicia con gran experticia: Mazoni en su barrio, la esposa dinamitando un supermercado, la hija protegiéndose de posibles violadores a raquetazos, y el hijo menor adolescente configurando un reino del terror en su escuela secundaria. Cuando los mafiosos yanquis descubren su escondite procederán al ajusticiamiento, pero las habilidades innatas de la familia saldrán airosas en una sangrienta masacre final. Y así seguirán cambiándose de domicilio por el mundo, ejerciendo sus atípicos “derechos humanos”.

La secuencia más pintoresca es cuando invitan a Mazoni a dictar una conferencia sobre el filme BUENOS MUCHACHOS (Goodfellas) de Scorsese, donde el mismo Robert de Niro fue protagonista años atrás. Es un guiño humorístico de metacine, (cine que habla de cine) maquinado por el director, el actor y el productor ejecutivo. A pocos espectadores les importará que los aldeanos franceses entiendan y hablen inglés con tanta facilidad. Será más entretenido seguir la acción perdonando las licencias de lógica.      

AMENA COMEDIA NEGRA DE GANGSTERS A LA QUE SOLO DEBEMOS PEDIRLE DIVERSIÓN Y SIMPATÍA POR SUS PERSONAJES.

Ficha técnica

Comedia, Crimen, Suspenso

EEUU y Francia – 111 minutos

BF DISTRIBUTION

Actores: Robert De Niro, Michelle Pfeiffer, Dianna Agron

Director: Luc Besson

X-Men: Días del futuro pasado - Por Carlos Correa

La historia continúa. X Men, una de las más prolíficas producciones cinematográficas de los últimos años basada en el cómic del mismo nombre escrito en 1981 por John Byrne y Chris Claremont, da un giro completo en esta nueva entrega. En un futuro no muy lejano (2023), los mutantes están seriamente amenazados por el creciente número de centinelas cuyo fin último es exterminarlos completamente. Es un futuro oscuro, sin esperanza, destruido y dominado por facciones. Magneto -Michael Fassbender en el pasado y Ian McKellen en el presente- y el profesor Charles Xavier -James McAvoy en el pasado y Patrick Stewart en el presente- intuyen que el final está cerca y ven como última clave para cambiar la historia, retroceder al año 1973 que según ambos, fue el comienzo del fin. Este viaje en el tiempo parece imposible, no se ha intentado antes y sólo Volverine -Hugh Jackman- sería capaz de alcanzarlo con la ayuda de los poderes de Kitty Pryde.

El salto temporal no sólo funciona como argumento central sino que además dota a esta cinta de un estilo particular. La tecnología en ese año es notablemente limitada y la sociedad, por cierto, enteramente diferente. Charles Xavier es joven e impetuoso. Magneto está en una prisión en medio del pentágono. Mystique -Jennifer Lawrence- ha decidido matar a Bolivar Trask -Peter Dinklage-, el científico inventor del proyecto Centinelas, hecho clave para que los acontecimientos se sucedan tal como las cintas anteriores -y posteriores- nos han mostrado. Volverine -viniendo del futuro y conociendo los hechos- debe convencerlos a todos de tomar un rumbo diferente y con ello cambiar definitivamente la historia.

El título es sugerente: "Días del futuro pasado". Y hay allí al menos dos premisas involucradas. La primera, la aventura de volver al pasado para modificar conductas, acciones y hechos clave. La segunda, la dimensionalidad paralela del espacio-tiempo, es decir, la simultaneidad del futuro y del pasado en una relatividad asombrosa. Y la cinta las conjuga de excelente forma en un relato continuo con un guión, aunque previsible de cierta manera, fluido y entretenido. La producción es excelente y los efectos visuales del comienzo sorprendentes, lo que nutren a esta entrega de un gran nivel y calidad. Bryan Singer vuelve a la dirección (dirigió las primeras dos partes de la trilogía inicial) y su estilo se nota, tanto en el excelente manejo de la tecnología como en esta relación futuro-pasado como centro del filme.

“X-Men: Days of Future Past” es posiblemente de las mejores películas de la saga y que con su giro argumental volvemos a un punto en el que podemos nuevamente volver a escribir esta historia de humanos y mutantes. Y ojo, no salir antes del final de los créditos para poder apreciar el anuncio de lo que viene: veremos pronto a otro de los villanos mutantes, posiblemente el más poderoso de todos los tiempos. Apocalipsis.

Ficha técnica

Titulo Original: X-Men: Days of Future Past

Distribuidor: FOX

Calificación: TE+7

Duración: 132 minutos

Género: Acción y Ciencia Ficción

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Hugh Jackman, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Ian McKellen y Patrick Stewart
Director: Bryan Singer

Pasión inocente - Por Juan Pablo Donoso

Como conflicto es previsible y poco novedoso. Su mérito está en la atmósfera, en el ritmo y, especialmente, en las actuaciones. Además, permite disfrutar de la hermosa música de Dustin O´Holloran y de trozos clásicos maravillosamente interpretados.

Una muchacha de 18 años viene de Inglaterra, en intercambio estudiantil por un semestre, a vivir al hogar de una familia bien avenida de clase media. El padre es chelista y vive de hacer clases de música en un colegio secundario. Pero su anhelo es integrar a tiempo completo una gran orquesta sinfónica de Nueva York. Él y su esposa tienen una hija, también de 18 años, con la cual comparte habitación Sofía, la hermosa y frágil británica. Con el correr de los días nos enteramos que la visitante es una eximia pianista, y ansiosa de liberarse de ataduras convencionales. Surgirá la atracción entre el padre de familia y ella, pero ambos con extrema reticencia y represión. De ahí en adelante la armonía familiar sufrirá un sismo catártico que, finalmente, devolverá las cosas a su orden original, pero dejando una lección de madurez emotiva en todos los personajes de la historia.

Cuando la cinta concluye, cabe preguntarse cuál fue el impacto dramático de esta fábula si todo sucedió con sutileza, sin estruendos eróticos ni melodramáticos, y con un final conciliador.

La respuesta radica en la forma delicada en que se expone la intimidad de los sentimientos, y en el sutil tratamiento de los primeros planos de sus intérpretes.

UNA HISTORIA “CASI” DE AMOR NARRADA CON SENSIBILIDAD Y BUEN GUSTO.    

Ficha técnica

Director: Drake Doremus

Protagonistas:  Felicity Jones, Guy Pearce, Mackenzie Davis

Drama, Romance.

EE.UU. – 98 minutos

BF Distribution

La gran belleza - Por Juan Pablo Donoso

A la manera de LA DOLCE VITA, durante un verano acompañamos a un periodista de la 3ª edad en su periplo por la Roma de hoy. 

Se entrelazan la deslumbrante belleza de lugares, calles, estatuas, palacios y conventos, con burgueses, aristócratas, jóvenes, clérigos y hasta santos (Teresa de Calcuta), que viven hastiados, deprimidos y tratando de hallarle sentido a sus vidas entre mentiras, hedonismo, ilusiones y drogas. 

Bellísimo trabajo fotográfico de Luca Bigazzi, que nos descubre lugares maravillosos y poco conocidos.

La selección musical realza la atmósfera de los escenarios, a tal punto que sólo requiere  brevísimos diálogos. El protagonista Servillo se encarga de comunicar la denuncia con su tragicómica interpretación.

Conclusión del autor Sorrentino: todo este conglomerado de tesoros es sólo un gran “truco” de magos (desaparición de una jirafa); es la asfixiante – y tal vez inútil - herencia de un pueblo de artistas geniales y de místicos.

FINURA NARRATIVA, PAUSADA Y ATMOSFÉRICA: UNA  SOCIEDAD BURGUESA QUE  LANGUIDECE  PRISIONERA  EN  LA  BELLEZA  DE  SU  ENTORNO.

Ficha técnica

Director y Guionista: Paolo Sorrentino 

Actores: Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli 

Italia – Francia – 142 minutos

Tierra de María - Por Carlos Correa

Juan Manuel Cotelo nos entrega una nueva cinta luego de la exitosa “La última cima”. Esta vez, Cotelo interpreta al Abogado del Diablo en una misión especial: descubrir, a través de una investigación, lo que sucede con un grupo cada vez más numeroso de personas alrededor de todo el mundo que extrañamente creen en Dios. ¿Están todos locos, creen en una gran mentira o en verdad existe Dios y también la Virgen María? Esta investigación le lleva a recorrer varios países -Panamá, España, Francia, Portugal y México, entre otros- en busca de respuestas. El viaje concluye en “Medjogorje”, una aldea de Bosnia-Herzegovina, donde la Virgen María lleva apareciéndose durante más de 30 años, hecho que convoca a un número cada vez mayor de peregrinos de todas latitudes.

Cotelo es hábil con el relato. Luego de un comienzo lleno de humor, la cinta entra de lleno en su contenido principal. Los protagonistas son personas reales a quienes Dios y la Virgen les ha cambiado la vida. Son diez testimonios profundos, emotivos y que no nos dejan indiferentes. Y en ese sentido, en la clave testimonial, esta cinta pertenece más al género documental, es decir, va avanzando en la medida que conocemos cada historia, las situaciones y las personas involucradas en ellas. El hilo conductor no es un guión o un argumento que se va desarrollando, sino un metraje se construye en base a cuadros, unidos y en secuencia, que le dan unidad permitiendo llegar a un final que en realidad se plantea como interrogante y comienzo.

En clave de fe, esta película aporta con ejemplos explícitos de conversiones increíbles, donde -en voz de sus propios protagonistas- se ve claramente la mano de la Virgen y de Dios modificando sus conductas y prioridades. En clave de cine, el resultado es más difuso que el logrado en “La última cima” que tenía una historia reconocible con comienzo, desarrollo y fin. Y no es que “Tierra de María” no tenga historia. La tiene y es importante, sin embargo el trabajo realizado deriva a un enfoque más parcelado que indudablemente busca destacar los testimonios personales como eje central.

“Tierra de María” se inscribe como un notable esfuerzo evangelizador. Es clara, noble y no abusa de elementos conocidos, a pesar de una historia bíblica presentada de forma bastante infantil al comienzo del relato. No obstante aquello, quedan preguntas para reflexionar y aquello es muy valioso. Por un lado, las historias presentadas son todas conversiones de fe ya en edad adulta. ¿Qué pasa con aquellos casos donde la fe es producto una continuidad familiar, una tradición, una vida? ¿Pareciera menos atractiva, cuando es así? Los casos presentados son extraordinarios, pero ¿y los casos de fe más “normales”, son menos testimonio o llaman menos la atención? Son preguntas o cuestionamientos que pueden dar lugar a debate. Lo mismo sucede con la presentación de la piedad popular que representa la Virgen de “Medjogorje”, como punto de llegada del filme, lo que también es rebatible y es interesante que así sea, pues mientras más podamos reflexionar siempre será mejor para tener propia opinión y fundamento.

La película es entretenida y ha tenido buena taquilla donde se ha presentado. ¿Provocará conversiones? ¿Atraerá a más personas? No lo sabemos y tampoco parece ser el objetivo explícito del director. Sin embargo la cinta logra adhesión, interés en verla, promocionarla, es decir, provoca expectación y en ese sentido “Tierra de María” cumple al ser una ventana a la fe, con testimonios que impactan, con una producción muy bien cuidada y totalmente al servicio del contenido que nos entrega.

Ficha técnica

Título original: Mary’s Land

Distribuidor: Areópago Comunicaciones 

País: España

Año: 2013

Género: Documental - Ficción

Duración: 122 minutos

Calificación:

Elenco: Juan Manuel Cotelo, Carmen Losa, Luis Roig, Emilio Ruiz, Lucía Ros.
Director: Juan Manuel Cotelo

Pompeya - Por Juan Pablo Donoso

Superproducción ambientada en Pompeya justo antes de la gran erupción del Vesubio. Combina todos los clichés taquilleros de una recreación de la Roma antigua: gladiadores, esclavos de pueblos sometidos, senadores corruptos, comerciantes inescrupulosos, héroes invencibles y muchachas hermosas y abnegadas por amor.

Con motivo de las Fiestas Vinilas viene a Pompeya – Casia - la hija de un rico comerciante a visitar por un tiempo a sus padres. En el camino – debido a un accidente del carruaje -conoce a un joven esclavo gladiador – Milo - que resuelve el impase. Más adelante se enterará que el joven está destinado a luchar contra campeones gladiadores debido a su gran agilidad. Cuando ya se libran los combates finales en la arena, acontece la erupción del volcán y todo se convertirá en un pandemonio. Para llegar a esta culminación hemos asistido a combates intermedios, a las argucias del senador y sus secuaces para desposar a la muchacha, y al desarrollo del romance de la parejita central.

Es siempre entretenido transportarse a la recreación de ciudades y personajes de la antigua Roma. Sólo que esta vez, para mantener activo el relato y las emociones, los guionistas incurren en muchos errores históricos: Por ejemplo, sitúan a Pompeya a la orilla del mar: en realidad estaba más adentro del territorio, aunque nunca tanto como en nuestros días; la vecina, e igualmente grande ciudad de Herculano, también sucumbió bajo la lava, y en las tomas aéreas del filme deberíamos al menos divisarla. La región quedó sepultada bajo una gruesa capa de lava que, derretida, arrasó campos y casas. Aquí el volcán dispara rocas incandescentes que, cual bombas, incendian y demuelen la ciudad. Nunca ocurrió: las personas murieron asfixiadas por el humo. Por último, los habitantes son arrasados por gigantescos tsunamis que barren lo que el terremoto perdonó. Nada de esto corresponde con la realidad histórica.

Todo sea por mantener el interés de los espectadores en la fábula de amor y combates de gladiadores feroces.

Incluso el final entrega – mediante los cuerpos petrificados por la lava – el último toque de romanticismo al mostrar a la pareja principal besándose para siempre convertidos en piedra pomez. Versión precoz de Romeo y Julieta romanoides.

Aparte de los magníficos efectos especiales, hay pálidas influencias de ESPARTACO, GLADIADOR, QUO VADIS, YO CLAUDIO, LA CAIDA DEL IMPERIO ROMANO entre muchas, y hasta la siempre controvertida CALIGULA, en su propia categoría...

ESPECTACULAR RECREACIÓN DE LA CATÁSTROFE DE POMPEYA, CON ROMANCE, GLADIADORES Y AVENTURAS, QUE SÓLO EVOCA GRANDES CLÁSICOS SIMILARES DE LA HISTORIA DEL CINE.  

Ficha técnica

Titulo Original: Pompeii

Distribuidor: BFD

Calificación: TE+7

Duración: 105 min.

Género: Aventura y Drama.

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Kit Harington, Emily Browning, Jared Harris, Kiefer Sutherland, Carrie-Anne Moss, Paz Vega, Jessica Lucas, Sasha Roiz, Currie Graham, Joe Pingue.

Director: Paul W.S. Anderson

Pompeya - Por Carlos Correa

Milo -Kit Harington- y Cassia -Emily Browning-, son los protagonistas de esta historia que intenta recrear el desastre del Vesubio que sepultó la ciudad de Pompeya y sus alrededores bajo un manto de lava y cenizas que a su paso arrasó con todo. Y digo, intenta, porque el director de “Pompeya” -‘Pompeii’-, Paul W.S. Anderson nos ofrece un filme que se va cayendo a pedazos tal como la erupción del famoso volcán. El guión es pobre, de una simpleza infantil, predecible y aburrida. Ni siquiera los efectos especiales ayudan mucho a un metraje que se hace largo y tedioso y del cual por cierto conocemos el final.

El gancho de Kiefer Sutherland, interpretando a un corrupto senador romano que quiere a toda costa conseguir a Cassia como esposa, tampoco logra ser atractivo dentro de la historia. Un par de guiños actorales a “24” revelan que Sutherland no puede dejar a Jack Bauer fuera de sus papeles. Y se nota. Tal vez el personaje mejor posicionado resulta ser un esclavo en busca de su libertad y contrincante del protagonista Milo, interpretado por Adewale Akinnuoye-Agbaje, sin embargo no logra desarrollarse del todo y finalmente convencer en su papel.

Mientras todo sucede con mucha calma, entre los conflictos políticos, amores platónicos y el siempre importante “circo para el pueblo”, el volcán comienza a despertar de su letargo para entregarnos tal vez los mejores efectos especiales en el momento mismo de la explosión y el impresionante desastre que sobreviene a ella. No obstante, no se entienden bien los tiempos. Las cenizas, el humo y la lava están sobre la ciudad, el agua entra también por las calles y nuestros personajes deambulan de un lado para otro, unos para huir y otros para rescatar a la “princesa”. La ciudad se destruye y con ello también la película que resulta finalmente una decepción, teniendo todos los elementos para estructurar algo mejor: buenos actores, presupuesto y material para un buen relato. Se cumple una vez más algo común en el cine: es mucho más complejo contar una historia de la que sabemos el final, porque la esencia está justamente en cómo se cuenta dicha historia, no en la trama propiamente tal y su desenlace. En ese sentido, “Pompeya” carece de relato, se llena de lugares comunes y nada evita que sea una víctima más del feroz Vesubio, varios siglos después y ahora en pantalla grande.

Ficha técnica

Titulo Original: Pompeii

Distribuidor: BFD

Calificación: TE+7

Duración: 105 min.

Género: Aventura y Drama.

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Kit Harington, Emily Browning, Jared Harris, Kiefer Sutherland, Carrie-Anne Moss, Paz Vega, Jessica Lucas, Sasha Roiz, Currie Graham, Joe Pingue.

Director: Paul W.S. Anderson

El sorprendente hombre araña 2 - Por Carlos Correa

Solo dos años pasaron para que llegara a las salas de cine esta nueva entrega de “El sorprendente hombre araña”. En su segunda versión, la película no necesita contar nuevamente la historia inicial de cómo Peter Parker -Andrew Garfield- se transformó en el súper héroe que todos conocemos. Comienza a partir de dicho supuesto a pesar de las imágenes iniciales que muestran a los padres de Peter huyendo de OsCorp, eliminando datos de sus investigaciones y enviando lo más sustantivo a un misterioso “Rosevelt”.

El hombre araña, por su parte, ya es parte del paisaje de Nueva York. Y Peter está contento de ser el héroe de la ciudad. Es pieza indispensable para combatir el crimen no obstante comienza a recibir críticas por su accionar y permanente presencia. Su novia Gwen Stacy -Emma Stone- le demanda tiempo y por cierto se transforma en su mayor preocupación pues ella está naturalmente en peligro si alguien los llega a asociar directamente. En esta nueva entrega la trama es simple: un funcionario de OsCorp, Max -Jamie Foxx- sufre un accidente y se transforma sin querer en “Electro”, una amenaza importante pues concentra toda la energía eléctrica disponible a su alrededor. Paralelo a ello, Harry Osborn, un viejo conocido de Peter, asume el control de la empresa al morir su padre. Y por añadidura, tanto Electro como Harry, se transforman en la nueva amenaza para nuestro súper héroe.

La película es ágil, el guión es ameno -aunque decae un poco en largas escenas centrales-, y los efectos especiales son superlativos. Los saltos sobre los edificios, la excelente ubicación de las cámaras -da vértigo real en algunas escenas gracias a la dirección de Marc Webb que lo enfatiza- y las secuencias de acción, están muy bien logradas. Tienen una escenografía y producción que resulta perfecta. La química de Peter y Gwen -novios en la vida real- funciona de maravillas, por lo que sumando los elementos descritos anteriormente tenemos una cinta que sin duda alguna entretiene. La música de Hans Zimmer apoya todo en justa medida. Nueva York luce atractivo con sus rascacielos, puentes y calles. Finalmente, el fondo argumental del conflicto entre el bien y el mal, entre la luz y la sombra, da vueltas y vueltas en una espiral difícil de detener y apaciguar, situándose en permanente estado de tensión. Y aquello es el hilo conductor del filme y de la historia, es lo que da vida a los personajes, manteniendo vigentes y actuales a nuestros héroes y villanos.

“El sorprendente hombre araña 2”, es una película perfecta para ver en pantalla grande y con todos los efectos posibles. Garantiza 142 minutos inmersos en un mundo de fantasía, donde todo es posible y que nos transporta a él gracias a la magia de una gran producción. Y no decepciona en absoluto, salvo que esperemos de ella algo más profundo que la sana y esperada entretención. Y ojo, no salir antes de los créditos finales pues hay una sorpresa, sobre todo para los amantes de Marvel Comics.

Ficha técnica

Titulo Original: The Amazing Spider-Man 2

Distribuidor: ANDES

Calificación: TE+7

Duración: 142 minutos

Género: Acción y Aventura.

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Andrew Garfield, Emma Stone, Jamie Foxx, Dane DeHaan, Campbell Scott, Embeth Davidtz, Colm Feore, Paul Giamatti, Sally Field.

Director: Marc Webb