jueves, 14 de mayo de 2015

Desde la Oscuridad - Por Juan Pablo Donoso

A diferencia de otros filmes de terror  este trae una denuncia ecológica, y abusa menos de sorpresas efectistas.

Ambientada en Santa Clara, Colombia, pueblo rural donde se venera el alma de los niños muertos, nos cuenta de una familia estadounidense que viene a radicarse en un nuevo trabajo empresarial. Son el padre, dibujante, la madre, economista, y su pequeña hijita Hannah.

Desde que llegan a una mansión en la selva, para ejecutivos de una gran industria papelera, comienza el asedio de misteriosos fantasmas infantiles que buscan venganza. Y que, por supuesto, se concentran en la pequeña hija del matrimonio.

Tanto el desarrollo como el desenlace son convencionales. Pero la denuncia contra la codicia empresarial extranjera le dará algo más de peso a la trama.

Por el suspenso y el terror podría gustar más a los adolescentes  que a los adultos.

HABITUAL DE TERROR, PERO  MEJOR  NARRADO Y CON ADVERTENCIA   ECOLOGISTA.

Ficha técnica

Titulo Original: Out of the Dark
Distribuidor: BFD
Duración: 92 minutos
Calificación: Pendiente
Género: Terror - Thriller
Año: 2014
País: Colombia - España
Elenco: Pixie Davies, Alejandro Furth, Stephen Reacine
Director: Luís Quílez

domingo, 10 de mayo de 2015

Mr. Kaplan - Por Juan Pablo Donoso

Las ideas de fondo que inspiraron al autor y director Álvaro Brechner son más valiosas que la escritura del guión.  

Y por ello el filme resulta más expositivo que emocionante.

Los temas centrales son el envejecimiento, la insignificante mediocridad de la vida, las relaciones familiares, la amistad y el idealismo.

Brechner nos invita a evocar a Don Quijote en la utopía, y  a Sancho Panza en la solidaridad. Ambos incluso presentan aspectos similares en la delgadez estilizada de uno, y en la corpulencia vulgar del otro.

Jacobo Kaplan, cuando tuvo su bar mitzvah a los doce años se sintió invitado a realizar una obra ejemplar. Después de la 2ª Guerra Mundial se radica en Uruguay. Lo encontramos a los 76 años, revisando su existencia y buscando alguna causa noble que justifique su vida. 

Así, inspirado en la gesta de Simon Wiesenthal, famoso cazador de criminales nazis, sospecha que hay un prófugo alemán de incógnito en una playa cerca de la ciudad. Con la ayuda de Wilson, un ex policía abandonado por su mujer e hijos, inicia la observación de su presa primero, y luego comienza a tramar la forma de raptarlo y llevarlo a la justicia. 

Aquí está la semejanza con el Quijote que sale al mundo a la caza de malandrines. Y también la réplica de Sancho quien intenta hacerlo dudar con realismo.

Y, al igual que en la obra de Cervantes, nuestro idealista Kaplan sufrirá las consecuencias de luchar contra molinos de viento, creyendo que eran el enemigo.

El desempeño de los actores y la calidad fotográfica logran muy buen nivel al ponerse al servicio de las motivaciones narrativas. Nuestro compatriota Héctor Noguera, como Kaplan, alcanza unos de sus mejores desempeños actorales: patetismo, mesura y compasión reflejada hasta en sus más pequeños gestos. Néstor Guzzini, como Sancho, emana verdad y sencillez en todas sus escenas. El supuesto nazi, Rolf Becker, con su enigmática postura nos convence que es el misterioso prófugo perseguido. Hay oficio y sensibilidad fotográfica especialmente en los exteriores y en los atardeceres. Así mismo en los primeros planos.  

Si bien el relato va combinando lo patético con lo humorístico – en especial cuando incursiona en un tema tan delicado como el holocausto – es el factor “suspenso” el que denota carencia. Si nuestros personajes se embarcan en una aventura detectivesca, con riesgos y contratiempos, unidos a la oposición  de la familia, el elemento ACCIÓN debió hacerse más patente que tantos diálogos reflexivos.  Además, resultan lamentablemente obvias las réplicas a momentos tan conocidos como el “¿Tú me Amas?” de El Violinista en el Tejado, y a los duelos clásicos de “spaghetti westerns”.

FILME  CON GRANDES  MÉRITOS QUE  PUDO SER  MEJOR CON MÁS  SUSPENSO NARRATIVO.  

Ficha técnica

Tragicomedia,suspenso
España, Uruguay, Alemania
98 minutos
Fotografía: Álvaro Gutiérrez
Música: Mikel Salas 
Actores: Héctor Noguera, Néstor Guzzini, Rolf Becker, Nidia Telles
Director y Guionista: Álvaro Brechner 

viernes, 8 de mayo de 2015

Zapatero a tus Zapatos - Por Juan Pablo Donoso

En esta fábula se juega con el antiguo dicho: “Ponerse en los zapatos de otra persona para comprenderla mejor”.

Es así como un humilde zapatero remendón judío de Brooklyn, al ponerse los zapatos de uno de sus clientes, por arte de magia se transforma en ese propietario. A veces será un anciano, en otras un chino, un galán, un difunto, un travesti y un feroz bandido negro, entre muchos otros.

Al entrar en las vidas y circunstancias de aquellos personajes – tan distintos física y psicológicamente a él - podrá juzgarlos e incluso ayudarlos a resolver sus problemas.

Se trata de una comedia, una fantasía. Y su mérito es que el conocido bufo Adam Sandler tiene la oportunidad de interpretar un rol diferente al ya tan conocido payasesco de sus filmes anteriores. Se lo ve intentando – como le sucedió también a Jim Carrey hace tiempo – salir del encasillamiento en que la industria comercial del cine lo tiene prisionero.

El vive con su madre anciana y deprimida. Ella añora a su marido que, tiempo atrás, desapareció y jamás retornó (Dustin Hoffman). Sandler aprovecha también de ponerse los antiguos zapatos de su padre y brindarle a su mamá una comida llena de ternura y reminiscencias.

Para darle suspenso, el remendón se ve envuelto en peligrosos conflictos con despiadados asesinos entre los cuales intenta poner algo de paz y misericordia, sin demasiado éxito.

El relato se mantiene a base de giros inesperados reservando para el final una gran sorpresa para el zapatero y los espectadores.

Es un filme de fantasía entretenido, con momentos de hilaridad y también de ternura. Y así hay que recibirlo e internarse en el juego de semejante irrealidad, con la esperanza de que en algún momento nos permita alguna reflexión más trascendente.

GRATA COMEDIA DE FANTASÍA EN QUE ADAM SANDLER INTERPRETA  ALGO MÁS ELABORADO QUE LO HABITUAL. 

Ficha Técnica

Título original: The Cobbler
BFDistribution
Comedia, fantasía, suspenso.                                                                                          
EE.UU.
99 minutos                                                                                                   
Actores: Adam Sandler, Steve Buscemi, Dustin Hoffman
Director: Thomas McCarthy  

miércoles, 22 de abril de 2015

El Bosque de Karadima - Por Juan Pablo Donoso

Este tema – por ser escandaloso – será siempre objeto de dramatizaciones espectaculares o caricaturas.

El título ya sugiere la metáfora de que la parroquia de El Bosque, por ser “bosque”, puede ser guarida de algún lobo feroz que acecha a los inocentes que allí buscan refugio y orientación.

El lobo sería el párroco Fernando Karadima, recién ahora sentenciado por el Vaticano a reclusión de por vida en un convento por delitos de abuso sexual con sus discípulos. 

Seguimos el caso testimonial de un joven alumno de medicina quien, decepcionado de su familia amoral, busca junto al “santo” sacerdote un nuevo círculo de vida, una comunidad con valores religiosos, y a un afamado Director Espiritual.

Poco a poco, la astuta manipulación del sacerdote irá alienando la voluntad del joven Thomas Leyton en un cerrado ambiente que mezcla la cariñosa paternidad con jugueteos eróticos que culminarán en explícitas escenas de homosexualidad.

El dilema del joven entre la lealtad hacia el párroco, su vocación sacerdotal, y el amor por su polola se irán transformando en una tortura psicológica que lo sumergirá en una neurosis imposible de resolver. 

Incluso ya casado, con hijos, y profesionalmente próspero, el espectro enclavado de su “santo Tutor” seguirá persiguiéndolo hasta llevarlo a denunciar públicamente las aberraciones vividas durante años junto a otros compañeros. 

Los altos contactos sociales del párroco, su prestigio e influencia en círculos de poder económico, acallarán durante muchos años las denuncias de los que fueron sus seguidores primero, y sus víctimas después. 

Por último, en tiempos recientes, sus voces llegaron a la opinión pública y el asunto fue investigado por las autoridades superiores del Vaticano.

La película, realizada con prolijidad técnica y actoral, presenta dos carencias argumentales: a) sólo se centra en la figura siniestra del Karadima manipulador y homosexual, y sus consecuencias en las vidas truncadas de quienes fueron sus víctimas, y, b) faltan las motivaciones más profundas del POR QUÉ esos jóvenes, cultos e inteligentes, permanecieron tanto tiempo en tales circunstancias sin darse cuenta de las aberraciones a que estaban sometidos.

Así como siempre habrá algunos sacerdotes dignos de las peores vergüenzas y canalladas, son muchos más los que con sus vidas y obras dan testimonio del mensaje de Jesucristo en todos los rincones del mundo. En este filme falta el contraste con el verdadero apostolado, con los buenos sacerdotes, con la vida sacramental, y con la devoción de millones de personas que con su Fe constituyen la Iglesia Católica universal.

Sólo aparece un clérigo (Francisco Melo) que escucha a la víctima  y que - ¡con demasiada cautela! - le cree y lo apoya.

Al presentarse distanciada de la real espiritualidad cristiana, queda sólo como una denuncia contra el “capo” de una mafia que bajo el amparo de una parroquia, forma secuaces sectarios y comete tropelías.  

Fuera de decirse que el cura era tan “santo”, nunca se nos muestran sus facetas supuestamente carismáticas. Sólo las perversas. 

Si bien el entonces joven Thomas, y ahora prestigioso médico, fue víctima de tan satánica alienación, falta conocer más rasgos de su carácter, así como la de otros compañeros, para comprender su ceguera y pasividad que hicieron posible semejante situación durante tanto tiempo.

Y por otro lado, se denuncia la parsimonia diplomática de cierta jerarquía eclesiástica, que prefiere dilatar el tiempo para evitar conflictos, y que serían el caldo de cultivo para que estos abusos ocurran.
   
CRÓNICA DE  UNA  MANZANA  PODRIDA Y DE  SUS ENCUBRIDORES. ¿DÓNDE  ESTABA  NUESTRA  “VERDADERA”  IGLESIA CATÓLICA?

Ficha técnica

Título original: El Bosque de Karadima
BF Distribution                                                                                                                                                   
Drama                                                                                                        
100 minutos   
Chile                                                                                
Mayores de 14 años                                                                                      
Actores: Luis Gneco, Benjamín Vicuña, Fsco. Melo, Ingrid Isensee 
Guionistas: Elisa Eliash, Álvaro Díaz, Alicia Scherson   
Director de Fotografía: Miguel Ioan Littin
Director: Matías Lira   

sábado, 18 de abril de 2015

Maléfica - Por Juan Pablo Donoso

Una versión diferente y enriquecedora del cuento de Perrault LA BELLA DURMIENTE.

Esta vez con actores y bellísimos efectos visuales nos entregan la fábula cargada de valores y dilemas morales que, desde siempre, han condicionado la conducta de los seres humanos.

El primer mérito es del guión. Linda Woolverton logra un relato feérico lleno de poesía, con personajes bien motivados, y con un fondo que – ¡sin moralinas! – plantea las pasiones del amor, la ambición de poder, la traición, la inocencia, la venganza y la redención que surge del perdón y la misericordia.

Todo eso amalgamado en un cromatismo fotográfico propio de cuentos de hadas, con vestuarios y maquillajes imaginativos sin caer en lo grotesco, con actuaciones que mezclan la ternura con la crueldad, para mantenernos atentos a la acción, y a la vez, reconociendo las luces y sombras del alma humana.

Tan logrado es el equilibrio entre la fantasía de las formas y la claridad de los valores, que las variantes en la historia clásica de Perrault enriquecen la anécdota original generando un poderoso impacto emotivo en el espectador, especialmente en la conclusión.

Hasta el título desvía el centro de gravedad otorgando protagonismo a la bruja MALÉFICA por encima de la princesa durmiente, el príncipe encantando y el rey. Es en el personaje interpretado por Angelina Jolie –admirable caracterización física - donde se presencia el dilema entre el amor y la venganza, entre la pureza y la manipulación de los poderes destructivos, entre la concepción de una sociedad armónica y otra desquiciada por el egoísmo y la opresión.

LA  BELLA  DURMIENTE  NARRADA CON GRAN BELLEZA Y CON  INTELIGENTES  APORTES  DE  CONCIENCIA   Y  DE  MORAL.  

Ficha técnica

Título original: Maleficent                                                                
Fábula, drama                                                                  
EE.UU./Inglaterra
97 minutos
Guión: Linda Woolverton                                                                      
Actores: Angelina Jolie, Elle Fanning, Sharlto Copley  
Fotografía: Dean Semler
Director: Robert Stromberg   

viernes, 17 de abril de 2015

Dios Mío, ¿qué hemos hecho? - Por Juan Pablo Donoso

Encantadora comedia francesa. Además de inteligente, nos mantiene entretenidos y riendo casi todo el tiempo. 

Hay un matrimonio burgués y acaudalado, muy católico y tradicional. 

Tienen 4 hijas jóvenes, en edad y condición de casarse. 

Pero cada una escoge como marido a un joven hijo de familias inmigrantes: un judío, un árabe, un chino y la menor se compromete con un negro de africano.

El desarrollo del filme será el tragicómico proceso de adaptación de los padres a esta insólita e inevitable situación. 

Estupendo ritmo de comedia, actores/personajes de gran simpatía, y una resolución feliz y festiva que pone de manifiesto el absurdo de los prejuicios raciales. 

COMEDIA  INTELIGENTE  Y  ENCANTADORA. 


Ficha técnica

Qu'est-ce qu'on a fait au Bon Dieu?"
2014
Guionistas: Philippe de Chauvron y Guy Laurent
Actores: Christian Clavier, Chantal Lauby, Ary Abittan
Comedia
Francia – 97 minutos
Director: Philippe de Chauveron

El Séptimo Enanito - Por Juan Pablo Donoso

Largometraje animado – primordialmente alemán – que nos entrega una aventura diferente de los 7 Enanitos de la tradicional Blanca Nieves.

Esta vez, en el Palacio del Rey se organiza una gran fiesta en homenaje a la Princesa. Los invitados son los protagonistas de antiguos cuentos de hadas: Cenicienta, el Gato con Botas, Caperucita Roja y el Lobo, y muchos otros.

La Princesa ama a un muchacho sencillo que vive en el bosque. Pero la envidiosa Reina de los Hielos – Dellamorte – decide secuestrar al galán y tenerlo prisionero bajo la custodia de un feroz dragón volador, que utiliza como su esclavo.

Por la fuerza del hielo, la sensual  Dellamore deja en estado de hibernación a todos los comensales de la fiesta del Palacio Real. Sólo los enanitos, al mando de Bobo, uno de ellos que aún ignora cómo abrocharse los zapatos, liberarán al muchacho de su prisión, ayudados por el mismo dragón que se ha rebelado contra la crueldad de su ama; descongelarán a la Princesa y la reunirán con el joven amado. También se descongelan los invitados para seguir la celebración; sólo Dellamorte quedará congelada por enviar su embrujo gélido a su propio espejo por equivocación.

AMENA AVENTURA ANIMADA DONDE LOS ENANOS DE BLANCA NIEVES SON LOS HÉROES.


Ficha técnica

BJDistribution
Animación, aventura, Comedia                                                                                                                                                 Alemania - 88 minutos
Directores: Boris Aljinovic, Harald Siepermann    

martes, 7 de abril de 2015

El Poder de la Cruz - Do You Believe? - Por Juan Pablo Donoso

Este filme religioso se inspira en 3 ideas fundamentales: la cita de Santiago Apóstol “De poco sirve la Fe sin acción”; la Cruz de Cristo es punto de encuentro para la humanidad; los que descubren la Cruz encuentran en ella a Cristo Jesús.

Es un relato paralelo de 12 familias que, en muy distintas circunstancias, viven experiencias dolorosas y encuentran la paz convergiendo en el signo vivo de la Cruz.
  
En el desarrollo del relato se van cumpliendo las 3 ideas enunciadas más arriba. En todos los casos es la ACCIÓN misericordiosa para el prójimo la que abre caminos de luz; los dramas de todos los personajes los llevan a coincidir y encontrarse en un sitio preciso y en un terrible momento determinado, y; la aceptación de la Cruz de Cristo los salva milagrosamente en este mundo, o les permite morir en la paz y alegría de Jesús.

El guión, de fácil comprensión para todo espectador, está bien estructurado, y permite a los actores crear personajes sinceros y   emotivos.
Los textos, que en algún momento pudieran parecer proselitistas o predicantes, son superados por la fuerza de las situaciones y por el  dolor  verosímil de sus personajes.

Tiene muy buenos actores – jóvenes y veteranos del cine – que enfrentados a sus diversas circunstancias, reaccionan con la verdad que exigen las tragedias extremas.

Buen ritmo, excelente fotografía, actuaciones sobrias, música adecuada, y una premisa dramática que unifica espiritualmente más allá de si son católicos, protestantes, agnósticos, o simples buscadores de una verdad trascendente y redentora.

ESTA  HERMOSA  PELÍCULA  DEBIÓ  TENER  MEJOR PROMOCIÓN  PUBLICITARIA. SOBRECOGEDORA  EN  SU ECUMENISMO  CONTEMPORÁNEO.

Ficha técnica

Director: Jonathan M. Gunn 
Guionistas: Chuck Konzelman, Cary Solomon 
Actores: Lee Majors, Cybill Shepherd - Mira Sorvino, Sean Astin, Alexa PenaVega   
Drama religioso 
EE.UU. – 120 minutos

miércoles, 1 de abril de 2015

La Cenicienta - Por Juan Pablo Donoso

Versión con actores que – por ser de los Estudios Disney – conserva en su argumento muchas giros del clásico animado de 1950.

Esta vez, dirigida por Keneth Branagh, con algunos eximios intérpretes y una fastuosa producción, nos llega un filme bello y con momentos emotivos.

Sin perder el tono de cuento de hadas, gracias a sus actrices (Helena Bonham Carter está sublime como la mágica Madrina) y al inteligente guión, logra una comunicación más real con los sentimientos de sus personajes, incluso con los supuestamente malvados.

Se recomienda llevar a niñas pequeñas y adolescentes. Por tratarse de un drama tan delicadamente femenino tocará la sensibilidad de las mujeres, y en algunas secuencias también de los hombres.

La experiencia y el talento shakesperiano de Branagh, unido a la inexorable supervisión comercial de la empresa Disney, son garantía de una velada eficaz y gratificante.

Durante los créditos finales rescatan famosas canciones del filme animado de 1950 – como Bi Bi Di Babidi Bú, entre otras – y deslizan frases humorísticas de sus actores, en caso que aún quede público en la sala.

ENCANTADORA  Y  EMOTIVA  VERSIÓN, AHORA CON EXCELENTES  ACTORES  Y  ESCENAS  MÁS  LÓGICAS.

Ficha técnica

Guionista: Chris Weitz  
Actores: Lily James, Cate Blanchett, Richard Madden, Helena Bonham Carter, Derek Jacobi 
Fantasía
EE.UU. – Inglaterra – 105 minutos
Director: Kenneth Branagh 

jueves, 26 de marzo de 2015

Allende en su Laberinto - Por Juan Pablo Donoso

El título de esta película enuncia la clave de la tragedia.

Y decimos que es TRAGEDIA, en todo el sentido de palabra, porque se sustenta en los dos elementos fundamentales trágicos: la destrucción final del protagonista, y la encrucijada de tener que tomar una DECISIÓN trascendente: huir o inmolarse.

El filme se circunscribe a las 7 horas finales del gobierno de la Unidad Popular encabezado por el Presidente Salvador Allende el 11 de septiembre de 1973.

Lo acompañamos desde que lo van a buscar, temprano en la mañana, a su domicilio en Tomas Moro, hasta su fatal desenlace.

Asistiremos a su creciente angustia al saberse abandonado por la fuerzas militares y de orden. Sólo lo acompañan sus colaboradores más cercanos, uno que otro ministro y su guardia civil de protección armada. Tendrá también la visita moral de sus hijas, de su médico, y de su fiel compañera hasta el penúltimo minuto, la Payita.

Los acontecimientos históricos de esa fecha son - para nosotros los chilenos – demasiados conocidos y reiterados durante los últimos 42 años.

Lo que Miguel Littin quiso hacer con este filme, fue acercarnos a Salvador Allende EL SER HUMANO, EL MANDATARIO y el soberbio IDEALISTA.

Para ello entregó el rol a Daniel Muñoz, quien logra transmitir de la manera más excelsa lo que el personaje pensó, sintió y decidió, para sí mismo y para el futuro del país.

La progresión de diálogos – que van desde lo trivial hasta lo más trascendente – se van barajando con tal eficacia en el guión que permiten recrear desde el carácter del aquel hombre, pasando por etapas de su anterior trayectoria política, hasta llegar al callejón sin salida de su existencia.

El oficio narrativo y audiovisual de Littin confirma su madurez como cineasta, y le permiten combinar escenas ambientales del Palacio La Moneda con instancias de conmovedora intimidad entregadas en primero planos de rostros desconcertados.

Gran trabajo fotográfico de Cristian Petit-Laurent, de reconstrucción de  ambientes de Sebastián Accorsi y Yuruaní  Rodríguez, y de edición de Rodolfo Wedeles.

Si bien hay fidelidad histórica en los hechos de aquella mañana – e incluso se enuncian algunas de las causas y errores políticos que llevaron al país a semejante encrucijada – llama la atención la manera en que Littin plantea el desenlace del drama. Todos saben cómo murió Salvador Allende, dónde y cómo estaba su cuerpo cuando se suicidó. Pues bien, luego de tan prolijo tratamiento realista, al final se nos muestra al Presidente muerto en el suelo de un salón, donde un equipo de bomberos lo recoge y lo tienden cuidadosamente en un sofá.  

¿Qué nos propone esta alegoría que se liga con una imagen posterior del mismo Allende confrontando consigo mismo, a  su propia identidad, diciendo: “¡Allende!”,  frente a un espejo?
Quedan abiertas las lucubraciones para múltiples lecturas.

RECREACIÓN  DE  LAS  7  ÚLTIMAS  HORAS  DE  SALVADOR ALLENDE  REALIZADA CON GRAN  OFICIO, Y  UNA CONMOVEDORA  INTERPRETACIÓN  DE  DANIEL  MUÑOZ.

Ficha Técnica

Título Original: Allende en su laberinto
País: Chile
Año: 2015
Género: Drama
Duración: 90 minutos
Calificación:
Elenco: Daniel Muñoz, Aline Kuppenheim, Luis Dubó, Daniela Ramírez, Benjamín Vicuña, Roque Valdero, Horacio Videla
Director: Miguel Littin

sábado, 21 de marzo de 2015

Insurgente - Por Juan Pablo Donoso

Saga basada en la novela de Verónica Roth. Obra previa: DIVERGENTE.

Tris (Shailene Woodley) y Cuatro (Theo James) se han convertido en fugitivos y deberán escapar de Jeanine (Kate Winslet), la líder de la ambiciosa élite de Erudición.

Deberán descubrir qué es lo que ocultaba la familia de Tris al sacrificarse, y por qué los jerarcas de Erudición harán todo lo posible para detenerlos.

Descubrirán la verdad sobre el pasado y, finalmente, sobre el futuro de su mundo.

Argumento futurista muy bien estructurado: alterna con eficiencia las escenas de gran acción con los diálogos y relaciones entre personajes.

Admirable factura de efectos especiales que combinan acción, gigantescos escenarios de ciudades devastadas, y belleza plástica y coreográfica en las fantasías cibernéticas.

Extrema violencia.

Momentos de emotivas actuaciones, especialmente de Shailene Woodley en el rol de la joven heroína Tris Prior.

En un futuro cercano, luego de guerras totales, sobrevive un mundo encerrado tras una gran muralla; se ha creado una nueva sociedad  “ideal”. 

Sus habitantes se clasifican, y agrupan, según sus rasgos de carácter. Así, supuestamente, sobreviven en completa y armónica PAZ.

Pero es una organización alienada bajo la tiranía de Jeanne – quien con sus esbirros armados controla la marcha del país valiéndose de la más alta tecnología virtual.

Los Divergentes, una de las castas, son rebeldes que desean conocer la verdad de su historia pasada. El secreto se encuentra en un cofre misteriosamente sellado con una clave secreta que oculta lo que hay fuera de los muros: la verdadera HUMANIDAD.

La acción se concentra en recuperar ese cofre que está en poder de Jeanne.

Sólo quien sobreviva a los golpes electro-psíquicos - letales para cada casta - será capaz de abrir el cofre. 

La única persona con semejante resistencia será Tris, la feroz y atormentada rebelde Divergente, ayudada por 3 de sus compañeros que le ayudaron a superar  la epopeya del filme anterior.

A pesar de sus casi 2 horas de duración, debido a su ritmo, efectos espectaculares, personajes malvados y jóvenes audaces, mantiene el interés, contagia emociones y nos sumerge en ese universo tan ficticio y sobrehumano.

Queda abierta la continuación de la epopeya.

NOTABLES  EFECTOS  ESPECIALES  EN  UN  RELATO BIEN NARRADO. 2ª PARTE DE UNA  SÚPER SAGA  DE  ACCIÓN  Y FUTURISMO.  

Ficha técnica

Director: Robert Schwentke
Guionistas: Brian Duffield, Akiva Goldsman, Marc Bomback
Actores: Shailene Woodley, Theo James, Kate Winslet, Miles Teller, Naomi Watts, Octavia Spencer Ciencia Ficción, Thriller
Estados Unidos – 119 minutos
BFDistribution

  

Big Eyes - Por Juan Pablo Donoso

Lo mágico y el talento narrativo de Tim Burton son virtudes indiscutibles en todas sus obras.

Basta ver cómo él mismo se viste y se peina para comprender que su universo creativo navega por los mares del comic, del gótico, y del kitch.

Sus historias, y el comportamiento de sus personajes, nada tienen que ver con motivaciones psicológicas, realistas ni neuróticas. Son ámbitos de fantasía donde lo que importa es el carisma directo de sus criaturas: pudiendo ser éstas perversas o de pureza angelical.
El cuento debe seducirnos, lo verosímil es prescindible. Si la historia y sus circunstancias irreales son hermosas y coherentes en su propia fórmula, nada más es necesario.

Burton es un contador de historias fantásticas e irreales. 
Es por ello que nos deleitó con EL JOVEN MANOS DE TIJERAS, HANSEL Y GRETEL (1982), BEETLEJUICE, CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, EL GRAN PEZ, SWEENEY TODD, BATMAN, entre otras.

Sabe crear mundos de fantasía con personajes queribles y con   poética propia.

Esta vez, con BIG EYES (Ojos Grandes) incursionó en la biografía de   
una persona real y que aún vive: la pintora Margaret Keane. Tal vez la escogió justamente porque los cuadros de Keane alteran la realidad para internarse en el sentimiento cándido de sus modelos: todos sus niños tienen ojos inmensos, desproporcionados con el tamaño de sus rostros.

Burton empatizó con la pintora por esta misma distorsión de belleza formal. Y decidió contarnos el drama de su vida.

Margaret, al separarse de su primer marido y escapar a una ciudad lejana con su pequeña hija, busca trabajo como dibujante aficionada. Es pintora de feria. Y gradualmente sus retratos comienzan a revelar este detalle de los ojos grandes. Un pintor mediocre y charlatán repara en el hecho, y empieza a promoverla aprovechando su habilidad de vendedor. Ella, tímida y solitaria se enamora y desposa con él. Al poco tiempo él comienza a publicitar estas pinturas como propias; la moda los lleva a la fama, y de ahí a la prosperidad económica. 

Margaret – incógnita – sigue trabajando febrilmente. La gloria se la lleva su esposo. 

Ella, cansada de ser explotada por un  tipo sin escrúpulos, decide abandonarlo y dar a conocer su verdadera identidad.

Esto desencadena un juicio legal que será ferozmente combatido por el ex marido.

La cinta está impregnada por el carácter ingenuo y temeroso de Margaret, versus la codicia de su marido, y el testimonio de su hija que, al crecer, va descubriendo la verdad. Para ello Burton reviste los escenarios con colores rosados, celestes, amarillos, para mantenernos en el lenguaje del comic o del semi-cuento de hadas.

Es difícil, entonces, entregar la historia de una persona real envuelta en recursos de fantasía. Esto hace que el relato, siendo muy entretenido, e incluso con suspenso en el clímax, resulte desconcertante como sensación final, porque siendo los hechos verdaderos, están revestidos de irrealidad. 

Por esa carencia de motivación psicológica es que los protagonistas, o se comportan como sonámbulos (Amy Adams, Keane), o como villanos sobreactuados como el excelente actor Christoph Waltz, que sólo logra sustentar su comportamiento en la caricatura.


AMENO DRAMA BIOGRÁFICO QUE OSCILA ENTRE LO VEROSÍMIL Y  EL  TALENTO CARICATURESCO DE  SU  REALIZADOR.  

Ficha técnica

Director: Tim Burton
Guionistas: Scott Alexander, Larry Karaszewski
Actores: Amy Adams, Christoph Waltz, Krysten Ritter
Biografía – Drama
EE.UU. – Canadá – 106 minutos

miércoles, 11 de marzo de 2015

Escobar, el Paraíso Perdido - Por Juan Pablo Donoso

Para ser el primer largometraje del joven director italiano Andrea Di Stefano, el resultado es más que satisfactorio. Entrega documentación histórica, aventura, suspenso y romance. ¿Qué mejor para llegar a un vasto público?

En torno a la figura de Pablo Emilio Escobar Gaviria, el más poderoso emperador de la droga en la historia contemporánea, se inventa un personaje romántico canadiense, Nick, cuyo destino lo coloca bajo el amparo del magnate para su felicidad y posterior desdicha. Similar al médico de EL REY DE ESCOCIA.

El eje de la trama está en el joven surfista que se enamora y desposa con María, muchacha protegida por Escobar como si fuera su hija. Esto coloca a Nick entre los allegados de mayor confianza del narcotraficante.

Pero a poco andar, los métodos de Escobar para enriquecer su imperio y deshacerse de sus enemigos, van demostrando un nivel de crueldad y violencia superior aún al de las mafias sicilianas y napolitanas. 

Esto porque para los pobres de Colombia, en especial de Medellín, Escobar fue un benefactor idolatrado, cuyo antagonismo con las esferas políticas fue legendario y justiciero.

Así como era venerado por los más pobres, su manera de ejercer el poder y los negocios fue de la mayor brutalidad y salvajismo.

El filme deja muy en claro quién fue Escobar, su carácter, sus vínculos familiares y su carisma. Pero una vez demostrado esto, la trama se concentra en el drama de Nick, cuando es requerido para ejecutar actos criminales ajenos a su moral y a sus costumbres.

Así como las secuencias iniciales nos ambientan en ese mundo paradisíaco y demencial del magnate, los últimos 45 minutos son de extremo suspenso.

Buen guión que mantiene el relato atractivo, ágil y revelador de aquella realidad. La interpretación de Benicio del Toro es memorable; aunque su parecido físico con el verdadero Escobar sea menos literal, nos entrega con maestría la fuerza carismática del personaje, con sus claroscuros brillantes y tenebrosos. Josh Hutcherson, como Nick, conduce la aventura más gracias al argumento que a su poca expresividad. En cambio la actriz española Claudia Traisac, como María, además de hermosa fue capaz de proyectar finas y poderosas emociones.

LOGRADO RELATO DE SUSPENSO, HISTORIA  Y  ROMANCE. 

Ficha técnica

Título original: Escobar, Paradise Lost
Director: Andrea Di Stefano 
Guionistas: Andrea Di Stefano y  Francesca Marciano 
Actores: Josh Hutcherson, Benicio Del Toro, Claudia Traisac
Historia, Suspenso y Romance
Francia | España| Bélgica | Panamá – 120 minutos

miércoles, 4 de marzo de 2015

Boyhood, Momentos de una Vida - Por Juan Pablo Donoso

El mérito principal de este proyecto fue filmar durante 12 años la vida de una familia de Texas, registrando – de manera continuada - el crecimiento de los hijos y la maduración psíquica y biológica de los adultos/actores.

La hazaña consistió en conservar, durante todo ese tiempo, a los mismos actores, sin perder  a ninguno, y lograr que todos mantuvieran la fidelidad a la evolución de sus personajes ficticios.

 La cinta dura casi tres horas, y la estructura del guión es lineal y sin momentos de extremo dramatismo.

Es, precisamente, en el bajo perfil del acontecer cotidiano  donde radica el mayor desafío de esta obra: denunciar el paso del tiempo en las personas, las naturales evoluciones del acontecer diario, y lograr el interés del espectador en forma continuada.

Por mucho que un relato intente parecer una simple “convivencia” con sus personajes, de todos modos la estructura argumental requiere de antiquísimos principios dramáticos – ya enunciados por Aristóteles en su Poética – para lograr la necesaria catarsis en el espectador. Si falla esto, se incurre en el viejo peligro de “aburrir aburriendo” en vez de resaltar poéticamente la tragedia del “tedio existencial”, que jamás perderá fuerza ni vigencia.

BOYHOOD tiene hermosos momentos familiares – en especial durante la primera hora – algunos diálogos precisos y sensibles, honestas y sólidas actuaciones, y fluido manejo de cámara. Sin embargo, por la carencia de ascenso progresivo dramático, sin  clímax intermedios  menores que nos fueran conduciendo a la gran crisis y clímax final, la última hora y media se empieza a sentir pesada, reiterativa, casi vacía, para culminar en una resolución abierta y carente de emoción.

Tal vez detrás de este largo relato nos quieren decir que la vida pasa rápida, y que a pesar de la lucha por alcanzar ciertos  ideales, al final todo tiene poco sentido, y sólo nos queda seguir  respondiendo a los retos de cada momento, hasta envejecer y morir. 

Pero si un  discurso dramático sólo tiene simpatía, y  falta el adecuado manejo de la EMOCIÓN, la sola exposición de la VERDAD es insuficiente para mantener absorto al espectador durante tanto rato.

NOTABLE  HAZAÑA  AUDIOVISUAL  PARA  TESTIMONIAR  EL  PASO DEL TIEMPO, PERO QUE  SE  TORNA  MONÓTONA  POR  FALTA  DE PROGRESIÓN   DRAMÁTICA.   


Ficha técnica

Director y Guionista: Richard Linklater 
Actores: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater 
Fotografía: Lee Daniel y Shane F. Kelly 
Edición: Sandra Adair
Vida familiar - Maduración
EE.UU. – 165 minutos

Whiplash, Música y Obsesión (¿Latigazo?) - Por Juan Pablo Donoso

Si bien el tipo de conflicto ya se ha visto en muchísimas películas anteriores, ésta brilla por su esplendida  realización,  y  por el desempeño concentrado de sus actores principales.

Una vez más estamos ante el caso de un joven músico baterista que desea surgir, que ingresa a una importante escuela de jazz, y cae en las manos de un profesor perfeccionista y sádico.

El muchacho, incluso desalentado por su familia, insistirá en perfeccionarse, pasando por  vejaciones, accidentes e injusticias, con tal de alcanzar el nivel que se le exige.

La cinta, además de una magnífica banda sonora con virtuosismos de jazz, logra crear la tensión casi demencial entre aquellos para los cuales el sentido de competencia es “vencer o morir”.

El carisma del actor J.K Simmons como el maestro es deslumbrante, e incluso aterrador para los espectadores; y la prolijidad interpretativa de Milles  Teller (Divergente), como el joven postulante, constituye una fiera resistencia  contra la fuerza del profesor.

El pulso del relato se mantiene en todo momento encaminado hacia el final. Y aunque la resolución, como suele suceder con las películas estadounidenses, tendrá su final feliz, la trayectoria para alcanzarlo, la música y las actuaciones cumplirán con su propósito de entretener y generar en el espectador sentimientos de furia y admiración.

SADISMO  PEDAGOGICO VERSUS CORAJE Y OBSTINACIÓN DE UN VIRTUOSO MÚSICO JUVENIL. LOGRDA EN SU GÉNERO. 


Ficha técnica

Director y Guionista: Damien Chazelle 
Actores: Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Sharone Meir
Edición: Tom Cross
Jazz - Drama
EE.UU. – 107 minutos