La chica del tren - Por Carlos Correa

Esta cinta del director Tate Taylor basada en la novela homónima de Paula Hawkins es de esas películas que dejan pensando que algo faltó o bien no se concretó correctamente. Desde el título de la obra literaria se da una imagen que no se condice con un thriller de suspenso, por ello el esfuerzo en el relato debe ser aún mayor y consistente.

Rachel -Emily Blunt- tiene dificultades. Acaba de separarse de Tom -Justin Theroux-, el alcohol le ha pasado la cuenta y no ve luz al final del túnel. Viaja en tren, en el mismo asiento y vagón día a día, observando e imaginando las vidas que ocurren a su paso. Pero no todo es imaginación. Una pareja le llama la atención. Les observa cada mañana y les envidia. Son muy felices, tienen todo aquello que ella no tuvo. Sin embargo, un día ve algo diferente que cambia totalmente su vida.

Desde el punto de vista del relato, la película es confusa. Advierte cambios temporales, fechas "antes de" que no se logran captar, narración en primera persona de Megan -Haley Bennett- y Anna -Rebecca Ferguson-, las otras dos mujeres protagonistas de la historia que agregan elementos que van sumándose a una trama que en lo sustantivo es predecible, aunque quiera parecer lo contrario. Y esto se produce por el escaso desarrollo de los personajes masculinos, Tom, Scott -Luke Evans- y el Dr. Kamal Abdic -Édgar Ramírez-, carentes de profundidad y empatía.

Sin conocer el Best Seller, la película deja la idea que desaprovecha la oportunidad de llevar el escrito adecuadamente a la pantalla grande. A juzgar por el revuelo y la publicidad obtenida, aquello se ratifica una vez más. La literatura y el cine son lenguajes tan diferentes que necesitan una mano inspirada para lograr su desarrollo complementario. Y acá se extraña esa mano, sin ninguna duda, pues a pesar de las buenas actuaciones, el ritmo y la construcción del relato no logra sostenerse a lo largo del metraje, decayendo con ello la tensión, el suspenso y por lo mismo el corazón de la historia.

Ficha Técnica

Título original: The Girl on the Train

Año: 2016

Duración: 112 minutos

País: Estados Unidos

Género: Thriller, intriga

Guión: Erin Cressida Wilson (Novela: Paula Hawkins)

Música: Danny Elfman

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen

Productora: DreamWorks Studios / Amblin Entertainment / Marc Platt Productions

Reparto: Emily Blunt, Rebecca Ferguson, Haley Bennett, Luke Evans, Edgar Ramirez, Justin Theroux, Allison Janney, Lisa Kudrow, Laura Prepon, Lana Young, Nicole Bonifacio, Marko Caka, Danielle M. Williamson, Alexander Jameson, Sidney Beitz

Director: Tate Taylor

Nunca vas a estar Solo -Por Juan Pablo Donoso

Más que un relato argumental, esta película – inspirada en el asesinato del joven gay Daniel Zamudio – es una denuncia en base a estampas crudas y  dolorosas.

   

Sus personajes principales, el joven bailarín Pablo (Andrew Bargsted)  y su padre Juan (Sergio Hernández), son víctimas de una sociedad hipócrita que, refugiándose en resquicios legales, económicos y burocráticos ataca a los homosexuales desvalidos, los masacra brutalmente para luego dejarlos abandonados. 

   

Nos instalamos en la perspectiva del padre quien, impotente ante el destino sexual de su hijo, debe verlo agonizar, en estado de coma, en un hospital público. El tratamiento cuesta millones de pesos, de los que él carece.  

  

Para peor, la fábrica de maniquíes de la cual es socio minoritario ha sido traspasada a empresarios más pudientes quedando aún más disminuido en lo económico, y humillado como profesional.

   

El filme se ambienta en una ciudad crepuscular  (Santiago de Chile) enorme, gris, y en cuyos sórdidos rincones esconde amores prohibidos por una sociedad hipócrita. 

   

Se rehuye de la psicología motivacional de sus personajes. Se limita a reproducir diálogos que realzan la soledad e impotencia de Juan. Los demás son vecinas, jóvenes amigas, amantes homosexuales transitorios, clases de ballet, funcionarios públicos indolentes y empresarios codiciosos. 

   

El que realmente queda SOLO es ese padre. (Nunca Vas a Estar Solo, dice irónicamente el título).

   

Los diálogos – a veces largos y sordos - sólo cumplen la función de ahondar la indefensión de ese hombre desolado.

   

Hay varias escenas de homosexualidad  explícitas – ¡sin eufemismos! - para que el espectador tenga la certeza de quiénes  son  esos  jóvenes y cómo  viven  su  erotismo.

   

En lo cromático es casi siempre anochecido, claroscuros en interiores, y exteriores nublados cuando es de día. Se insiste en mostrar la ciudad de Santiago como un gigante que parece dormido, y autos que desde lo alto semejan luciérnagas mecánicas que se desplazan por avenidas interminables.

   

La música incidental electrónica de Andwanter, tal vez demasiado insistente y monótona en algunos momentos, se alterna con boleros y conjuntos populares de la década del 60.   Sólo en esas canciones habría algún amago de alegría externa y mediática. Se habrían agradecido más instantes de silencio, de sonido sólo ambiental, y de la directa respiración de sus personajes. 

   

La banda sonora, en su totalidad, merecería ser analizada para constatar cómo expresa – en forma burlescamente farandulera – el drama del personaje central, trabajado con tan honesta profundidad interior por Sergio Hernández. 

   

Tragedia poco grata, con estética visual y sonora definidas y coherentes.

   

La escena final, con un largo primer plano del padre que nos mira angustiado mientras viaja en un bus, parece pedirnos que le extendamos una mano, o un gesto de misericordia, en su impenetrable soledad.

DOLOROSA  DENUNCIA  CONTRA  LA  HIPOCRESÍA, LA HOMOFOBIA  Y  LA  INDIFERENCIA.

Ficha técnica

Chile

2016

81 minutos

Drama familiar, Homosexualidad

Fotografía: Matías Illanes

Edición: Felipe Gálvez Haberle

Actores: Sergio Hernández, Andrew Bargsted, Jaime Leiva, Antonia Zegers, Gabriela Hernández, Edgardo Bruna

Director, Guionista y Músico: Alex Andwanter

Rara - Por Juan Pablo Donoso

Sólo 8 minutos antes de finalizar la película surge -¡por fin! – el probable conflicto de los personajes. Todo el relato anterior es una sucesión de pequeñas rencillas y chismes caseros, intrascendentes, que se evaporan con la misma facilidad con que surgen.

   

Hay una niñita (Julia Lübert) sufriente por razones que ignoramos, ya que la mayoría de sus angustias se diluyen al poco rato. 

   

Si las guionistas y directora, quisieron incursionar en un relato con evanescencia trágica debieron estudiar previamente a algunos de los maestros en ese tratamiento: Tarkovsky, Antonioni, Alain Renais, Margueritte Duras, y a los grandes neorrealistas italianos. Porque una cosa es dejar fluir un discurso en que – aparentemente – casi nada ocurre, pero donde la “procesión va por dentro”, y otra es acumular nimiedades prescindibles apoyándose en una situación ambigua, pero que sólo en apariencia es muy importante.

   

Tal es el caso de un par de niñitas – de 9 y 13 años – que viven bajo la tutela de su madre, quien a su vez ha rehecho su vida junto a su pareja lesbiana. Las pequeñas llevan una vida normal en ese hogar. El padre ha vuelto a casarse, es feliz en su nuevo matrimonio, y sigue comunicándose cordialmente con sus hijitas. De pronto, cerca del final de la cinta, nos enteramos que ha entablado un juicio – ¡sin motivación explícita! - contra su primera mujer para arrebatarle la custodia de sus hijas.

   

Es tal la inmadurez del guión que la mayoría de los adultos – el gentil padre (Daniel Muñoz), la abuela (Coca Guazzini), la madrastra (Sigrid Alegría), el profesor y la psicóloga, etc. – carecen del más básico objetivo dramático para desarrollar  sus personajes. Daniel Muñoz suena incómodo y errático tratando de hacer verosímiles sus textos e inflexiones, Coca Guazzini se limita a estar en escena manteniendo una actitud sólo formal, sin posible interioridad, y así los demás. Sólo las niñas, en sus pequeños diálogos cotidianos, dicen y oscilan en lo que normalmente siente una niñita real a esa edad. Por eso resultan creíbles y naturales, incluso cuando acarician a una gatita, pero ¿sobre qué situación dramática se sustentan estas trivialidades? ¿Qué tragedia latente borbotea bajo estas ligerezas cotidianas? ¿Qué está dolorosamente en juego? Nada. En ambos hogares las chicas viven cómodas y con amor. 

   

Sin duda el tema se inspira en el caso real  de la jueza Atala. Pero aquí, ¿dónde se enclava el dolor trágico de madres lesbianas, que son felices y asumidas en su condición de tales, y cuando las hijas también crecen con cariño y normalidad? ¿Quién es la “rara” aquí?????  Nadie, porque nadie siquiera las molesta.

   

Fotografía y plano-secuencias muy prolijos, y con hermosas composiciones plásticas; logrados escenarios y utilerías que transmiten excelente ambientación. El problema está en la dramaturgia.  

MINIMALISMO  NATURALISTA  MAL  ESTRUCTURADO  COMO  CONFLICTO. SÓLO  UNA  CÁSCARA  CON  TONO  DE TRAGEDIA. 

Ficha Técnica

Dilema familiar

Chile

2016

88 minutos

Fotografía: Enrique Stindt

Música: Ignacio Pérez Marín

Edición: Soledad Salfate

Guionistas: Alicia Scherson y Pepa San Martín

Actores: Julia Lübbert, Emilia Ossandon, Mariana Loyola, Agustina Muñoz, Daniel Muñoz, Coca Guazzini

Dirección: Pepa San Martín

Mandarinas - Por Juan Pablo Donoso

Denuncia de brutalidad bélica concentrada en una pequeña granja de Estonia.

Los habitantes de la República Autónoma de Abkhazia luchan por separarse de Georgia. En plena década de los años 90 la guerra entre ellos es a muerte.

En una pequeña granja dedicada al cultivo de mandarinas, sólo permanecen dos campesinos a la espera de la cosecha para exportar la fruta y abandonar esa zona que se ha convertido en un campo de batalla. 

Ellos son Margus (Elmo Nüganen) e Ivo (Lembit Ulfsak). El primero es quien cosecha los cítricos, el segundo es el carpintero que fabrica los cajones para embalar la fruta. Sus familias han huido a radicarse en zonas y pueblos más seguros.

En un enfrentamiento de fuerzas enemigas, frente a la granja, mueren  soldados de ambos lados. Los campesinos sólo consiguen rescatar a 2 heridos graves, uno de cada bando. Los instalan en casa de Ivo, y traen a un médico rural quien les salva milagrosamente la vida. 

Durante la recuperación cada soldado va tomando conciencia de que cohabita, bajo el mismo techo, con el enemigo enfermo. Y a medida que se rehabilitan rebrota en ellos el odio y el impulso de venganza. 

Los pacíficos campesinos Ivo y Margus se limitan a darles techo y comida. Y a medida que avanza la mejoría intentan evitar que se maten mutuamente.

Tal es el desarrollo de la trama. Lenta e íntima. Siempre tensa. Las conversaciones van revelando sus historias familiares. Gradualmente, brota la verdadera condición humana. Son todos hombres sencillos, trabajadores, con similares anhelos y esperanzas. 

Esta convivencia va limando los resentimientos y recuperando la condición normal de personas atrapadas en medio de un conflicto externo  que ninguno provocó.

Cuando ya se pueden mirar a la cara y comienzan a congeniar, la ferocidad de la guerra vuelve a invadir aquella pequeña franja de tierra dejando en evidencia la irracionalidad de semejantes conflictos bélicos.

Cada uno de los personajes, absolutamente individualizados,  transmite su drama personal con simpleza. La sabia generosidad de Ivo, el carpintero y anfitrión, nos permite empatizar emocionalmente con el desquicio que trae la guerra. Margus, por su parte, humilde e ingenuo, sólo quiere recoger las mandarinas de su huerto antes de irse. Y los dos combatientes van desprendiéndose de sus aguijones de enemistad, reconociéndose también como seres humanos víctimas de las circunstancias.

Amable idea del exhibidor de la sala El Biógrafo de tener en el foyer un canasto lleno de exquisitas mandarinas para que el público saque gratuitamente.

INTIMA  TRAGEDIA  BÉLICA  EN  QUE  ENEMIGOS IRRECONCILIABLES  RECUPERAN  POR  UN  INSTANTE  LA CORDURA  Y  LA ILUSIÓN  DE  VIVIR EN  PAZ.  

Ficha Técnica

Mandariinid

2013

Fotografía: Rein Kotov                                                                       

Música:  Niaz Diasamidze                                                                     

Drama antibélico                                                                                  

Estonia, Georgia

87 minutos

Actores: Lembit Ulfsak, Elmo Nüganen, Giorgi Nakashidze

Director y Guionista: Zuzu Urushadze

Un doctor en la Campiña - Por Juan Pablo Donoso

Relato de convivencia con un antiguo médico rural y su joven doctora ayudante.

Típico tratamiento del cine francés contemporáneo, donde el argumento se centra más en la humanidad de los personajes, y en los detalles de su vida diaria, que en algún conflicto más estridente.

Jean-Pierre (Francois Cluzet) es un querido y abnegado médico en una zona rural de Francia. Cuando le informan que tiene un tumor maligno, y deberá someterse a quimioterapia, recibe como ayudante a una joven doctora con poca experiencia todavía (Marianne Denicourt). 

La cinta es una sucesión de casos que deben atender, tanto en la consulta como en lugares más apartados y agrestes de la región. Al comienzo la doctora cometerá pequeños errores propios de su inexperiencia, de cómo hay que tratar con la gente sencilla. Pero junto a su jefe sentirá reflorecer su vocación más pura en favor de los necesitados. Se reencuentra con el encanto de ejercer la medicina conversando y mirando a sus pacientes a los ojos, es decir, tratando a cada uno con la dignidad que se merecen como personas.

Con un semi-espontáneo tratamiento de cámara el factor de proximidad con los personajes  alcanza mayor calidez..

A nuestro parecer, y a pesar de la simpatía de los actores centrales y de la autenticidad de los secundarios, el filme se alarga más de lo necesario. Con ello pierde fuerza dramática y sólo deja espacio a la reflexión y al mensaje de fondo. La misma atmósfera de convivencia campesina y vocación profesional se habría logrado en un relato más breve, pero más preciso y dramático.

El momento de mayor introspección lo da un monólogo que expresa Jean-Pierre sobre la batalla de los médicos por luchar contra los errores de la naturaleza, y donde al final son siempre derrotados por la muerte. 

El director y guionista, Thomas Lilti, es médico y en sus filmes anteriores (Hipócrates , Con los Ojos Vendados) también entrega vivencias suyas y de otros colegas, mayores o principiantes, que sirven de estímulo para quienes ponen su salud en manos de los galenos, especialmente en aquellos que se sacrifican en regiones apartadas por los habitantes de menores recursos.

AMABLE  CONVIVENCIA  CON  MÉDICOS  RURALES  Y  SUS  SENCILLOS PACIENTES, COMO  LOS  HAY  EN  TODAS  PARTES  DEL  MUNDO.   

Ficha Técnica

Medecin de Campagne)

Guionistas: Thomas Lilti y Baya Kasmi

Fotografía: Nicolas Gaurin

Música: Alexader Lier, S. Ohrel, Nicolas Weil

Tragicomedia rural

Francia

102 minutos

Cine-arte Galería Patricia Ready

Actores: Francois Cluzet, Marianne Denicourt, Ch.Odent
Director: Thomas Lilti

Ouija, El Origen del Mal - Por Juan Pablo Donoso

Dejará satisfechos a quienes disfrutan de asustarse con filmes de terror cada vez más sofisticados.       

                                                      

El guionista, director y montajista Mike Flanagan se especializa en filmes de miedo sobrenatural. Los aficionados a este sub-género lo recordarán por sus obras anteriores: SONMIA (comentada por nosotros en julio de este año), OCULUS, ABSENTIA, FANTASMAS DE HAMILTON STREET y otras.

En esta película se nota que va perfeccionando su técnica narrativa. El desarrollo inicial es mejor que su desenlace. La atmósfera de gradual misterio del comienzo despierta  interés y simpatía por sus personajes femeninos, lo que  permite mejores actuaciones. 

A diferencia de la mayoría de los filmes de terror, agradecemos que este tenga menos “sreamers” (imágenes y estruendos súbitos para que el espectador salte en su butaca).

Una atractiva viuda (Elizabeth Reaser) en 1965, madre de dos pequeñas hijas, ejerce como médium para mantener a su familia. Aunque los recursos que utiliza son engañosos, ella los justifica porque traen paz a quienes desean comunicarse con sus seres queridos que ya han fallecido.

Pero las cosas cambian cuando compran un juego de Ouija y comienzan a utilizarlo. Los espíritus malignos sepultados bajo la vieja casa se apoderarán de la mente de la hija más pequeña (Lulu Wilson) y, gradualmente, desatarán una catarata de horror y locura. 

Notables actuaciones de las pequeñas Lulu Wilson y su hermana mayor Annalise Basso.

Estos filmes, cuando incursionan más en la sutileza que en los efectismos comerciales, adquieren mayor calidad artística.

Ojo: después de la larga lista de créditos finales aparece un nuevo y misterioso personaje femenino, ¿quién es ella? Tal vez en las próximas secuelas lo sepamos.

NUEVA  HISTORIA  MACABRA  DE  OUIJAS, Y CON MAYOR CALIDAD EN LAS ACTUACIONES JUVENILES.

Ficha técnica

Terror

EE.UU. 

2016

99 minutos

Andes Films

Fotografía: Michael Fimognari

Actores: Elizabeth Reaser, Lulu Wilson, Annalise Basso

Director, Guionista y Editor: Mike Flanagan

El Precio de un Hombre - Por Juan Pablo Donoso

Algunos creerán que el guionista y director Brizé tenía muy poco que contar y, por eso, se solazó filmando escenas tan largas y estáticas. Pero resulta que ahí está la fuerza y la empatía de este drama testimonial.

Lenguaje de “cine-verdad”= cámara en mano, tomas muy largas, bajo presupuesto, actores que parecen estar improvisando sus conversaciones, personajes cotidianos, y, silencios que permiten al espectador reflexionar sin apuro sobre la realidad que se le está presentando. 

Es el sencillo caso de un obrero de edad mediana que ha quedado cesante y busca trabajo. Tiene una esposa y un hijo discapacitado. Lo acompañamos en sus postulaciones y rechazos; en sus deudas y deliberaciones de cómo sobrevivir; en sus inocentes pasatiempos como asistir a cursos de baile con su esposa, bañar a su hijo y lijar los muebles de su hogar para llenar sus horas muertas.  Finalmente, cuando encuentra un puesto de guardia en un supermercado, la vulnerabilidad de algunos clientes y compañeros de trabajo superarán su resistencia emocional, y lo harán optar por volver al calvario de la dura, pero digna, cesantía.

Las actuaciones de Vincent Lindon (Premio Mejor Actor, Cannes 2015), de su esposa Karine Mirbeck, y del joven espástico Matthieu Schaller, quedarán grabadas en la simpatía del espectador justamente por su falta de estridencia e impactante naturalidad.

   

CONMOVEDOR  POR  SU  VALIENTE  SIMPLEZA. DRAMÁTICA  RECREACIÓN  DE  UNA  REALIDAD  COTIDIANA.

Ficha técnica

Drama semi documental

Francia

98 minutos

Cámara : Eric Dumont

Guionistas : Stephane Brizé y Oliver Gorce

Actores: Vincent Lindon, Karine Mirbeck, Mathieu Schaller

Director : Stephane Brizé

Fatima - Por Juan Pablo Donoso

Un testimonio gentil y preciso, casi documental, sobre cómo los inmigrantes árabes deben adaptarse, y sobrevivir, en la Francia de hoy.     

                      

Sin estridencias dramáticas el director Phillipe Faucon demuestra, una vez más (La Desintegracion – En la Vida - Samia ) su sensibilidad hacia los inmigrantes del mundo argelino.  

Ingresamos al hogar de una mujer de 44 años, Fátima, de muy poca educación y que habla con dificultad el francés; mantiene a sus dos hijas adolescentes: Saoud, escolar de 15 años y Nesine de 18. 

El padre de ambas es un obrero vuelto a casar en Francia, pero que sigue en contacto con sus hijas, esperando que ellas conserven las tradiciones arábigas. Fátima, la madre, sólo puede trabajar como aseadora en casas particulares y empresas. Conservando sus costumbres musulmanas ha concentrado sus energías para lograr la prosperidad de sus hijas en esta sociedad tan diferente a la suya.     

                                                                      

Asistimos al periodo de sus vidas en que la quinceañera se rebela contra las viejas tradiciones, flirtea con muchachos y presenta un bajo rendimiento escolar. Una espina para su madre. Nesrine postula a la carrera de medicina, y con enormes dificultades idiomáticas – y gracias a la venta de las joyas de su madre – se esfuerza por seguir adelante en sus estudios. Convivencia cotidiana de este hogar de mujeres, donde incluso hay altercados menores con vecinas de la misma procedencia.

El punto de quiebre se produce cuando Fátima sufre un accidente laboral, queda semi inválida de un brazo, y caducan sus licencias médicas. En aquel periodo de reposo empezará a escribir poemas sobre sus sentimientos. Una traumatóloga, también de origen marroquí, al conocer sus poemas la estimulará a publicarlos y lograr, con ello, reconocimiento en el mundo literario. Desde entonces será conocida como Fatima Elayoubi, y sus sencillas vivencias inspiraron al director Faucon a trasmitirnos un nuevo hálito de comprensión hacia este pueblo en el exilio, especialmente de las mujeres.

CRONICA  SENCILLA Y CONMOVEDORA  DE  UN  MOMENTO EN  LA VIDA DE  LA  ESCRITORA  MARRQUÍ  FÁTIMA  ELAYOUBI.

  

Ficha técnica

Francia-Canada

79 minutos

Premio Cesar 2015

Drama familiar

Musica: Robert-Marcel Lepage

Idiomas: Francés y árabe

Libros: Fatima Elayoubi

Actores:  Soria Zeroual, Zita Hanrot, Kenza Noah Aïche Fotografia: Laurent Fenard

Director y guionista: Phillipe Faucon

Inferno - Por Carlos Correa

Ron Howard dirige una nueva adaptación al cine de un Best Seller de Dan Brown (El código Da Vinci; Ángeles y Demonios). Esta vez se trata de su libro  “Inferno”, donde el profesor Robert Langdon -Tom Hanks- debe descifrar un complejo enigma relacionado con el gran Dante. En este camino es ayudado por la Dra. Sienna Brooks -Felicity Jones-, quien ha atendido al protagonista en un hospital de Florencia, Italia, donde ha despertado sin memoria de lo sucedido en los últimos días.

Como es difícil explicar y comentar la cinta sin alguna de las bases que la sustentan, y sin miedo a contar demasiado de la trama, es importante saber al menos dos premisas que el relato descubre a poco comenzar. La primera tiene relación con el aumento de la población del mundo. Con cifras estadísticas reales, se visualiza que el crecimiento exponencial tiene en grave riesgo a la raza humana si no se toman medidas concretas que prevean una situación que se volvería inmanejable. La segunda es la que surge del control de la población a través de pandemias generadas por la propia humanidad, lo que de alguna manera permitiría controlar el crecimiento asumiendo costos importantes ahora, pero abriendo una ventana de esperanza para el futuro.

La cinta se desarrolla con un marcado acento en la segunda, cortando de plano el equilibrio que la novela de Dan Brown intenta reflejar. Y por cierto, “Inferno” es cine de acción, thriller emocional, ágil y vivo que pretende capturar al espectador de principio a fin, y no un “paper” sobre demografía ni políticas públicas asociadas al control del crecimiento poblacional.

El rodaje da cuenta de una excelente fotografía. Los lugares históricos -algo que marca a Brown y que Howard respeta y releva- son muy bien tratados, aunque pasen rápido, se destruyan o bien solo sirvan de introducción a los rincones internos donde se desarrollan gran parte de las escenas de mayor complejidad y tensión.

Es cierto que no podemos esperar más que entretención de una cinta de estas características. Y aquello está garantizado, a pesar que Hanks ofrece tal vez el papel menos convincente de sus tres participaciones. Su acompañante de turno, sin embargo, es bastante más interesante que sus anteriores partners, tal vez porque Brown delineó mejor este personaje y porque hay una historia detrás que no logramos comprender del todo hasta el último tercio del relato.

La música de Zimmer es siempre una luz y le entrega a la cinta una espectacular textura que se funde con el trabajo fotográfico de Salvatore Totino. Planos amplios, parajes hermosos y escenas de acción a tope, configuran dos horas que pasan volando y que cumplen con el objetivo fundamental de entretener y cautivar.

Ciertamente uno esperaría siempre un poco más. La presencia de la OMS, su papel en la crisis, las persecuciones políticas, todo lo que rodea la difusión mediática y este llanero solitario que lucha contra todo el mundo para “salvar al mundo” podría ser mucho mejor retratado y trabajado. Sin embargo, esto no es cine arte ni tampoco cine de investigación. Es solo entretención, efectos visuales, agilidad, ritmo y vértigo constante. Tanto es así que podemos marearnos, pero no podemos evitar sumergirnos en una fantasía de proporciones que resulta más atractiva de ver y disfrutar que el análisis que podamos hacer de ella.

Ficha técnica

Título: Inferno

País: Estados Unidos

Año: 2016

Género: Suspense

Duración: 121 minutos

Idioma: Inglés

Producción: Brian Grazer, Ron Howard, Michael De Luca, Andrea Giannetti

Guión: David Koepp

Música: Hans Zimmer

Fotografía: Salvatore Totino

Montaje: Tom Elkins, Dan Hanley

Protagonistas: Tom Hanks, Felicity Jones, Omar Sy, Sidse Babett Knudsen, Pierfrancesco Favino, Ben Foster, Irrfan Khan

Dirección: Ron Howard

El bebé de Bridget Jones - Por Juan Pablo Donoso

Tercer capítulo de la saga de Bridget Jones; primero fue EL DIARIO DE B.J.(2001), luego vino SOBREVIVIRÉ o AL BORDE DE LA RAZÓN (2004), y ahora ésta que acontece 12 años después. 

Comedia romántica, sobre una soltera confundida, con un presupuesto de US$ 40.000.000, y con sus galanes anteriores (Colin Firth y Hugh Grant) agregando ahora a Patrick Dempsey, (el niño bonito rompecorazones de Grey´s Anatomy), que llega con muchos aprontes de ser un éxito comercial. 

Y de las tres nombradas EL BEBÉ podría ser tal vez la más lograda, a pesar de durar más de 2 horas. ¿Por qué? 

Por su dilema central: la cuarentona Bridget queda embarazada e ignora quién es el padre de la criatura. Tuvo sexo casual con Dempsey en un festival de música, y pocos días después con su antiguo amor Colin Firth. A esa edad comprende que el hijo viene como una bendición a enriquecer su madurez solitaria. Insiste en llevar a cabo la gestación a como dé lugar.

Pero el retorno a su vida del flemático abogado Firth y, simultáneamente, la aparición del matemático Dempsey  la ponen en la encrucijada de saber cuál de los dos es el padre de la guagua. 

Como se niega a extraer líquido amniótico para determinar el ADN porque arriesgaría la vida del feto, caminará durante los 9 meses por la cuerda floja entre ambos posibles progenitores. Ambos desean ser el padre del niño que viene.

Tal es el núcleo del conflicto. El resto de la trama incluye su labor en un canal de TV, sus compañeros y amistades, y las reacciones que su embarazo provocan en sus ancianos padres. El guión y los diálogos son ágiles y los actores cumplen profesionalmente con sus tareas. Y destacamos la presencia de Emma Thompson como la obstetra (y también guionista). En sus breves escenas demuestra, una vez más, su tremendo carisma actoral, transmitiendo emoción con mínimas frases y gestos, pero imposibles de ignorar.

Renée Zellweger, originaria de Texas, ahora domina mejor el acento británico, se la ve mayor y con más kilos, y demuestra en varios momentos su progreso como actriz en este rol que le ha dado mucha fama en su carrera. 

En su objetivo, entretener y empatizar con su público femenino, la cinta lo logra con simpatía y a ratos con gentil emoción. 

Sorprende constatar cómo los personajes femeninos hablan con exceso de groserías mientras los hombres son recatados en su lenguaje (¿?). 

¿Vendrá una 4ª etapa? Al final lo insinúan, pero sólo el éxito comercial de ésta lo decidirá.  

UN  MANJAR  PARA  LAS  SEGUIDORAS  DE  BRIDGET  JONES Y  ADMIRADORAS  DE  SUS  ANTIGUOS  Y  NUEVOS  GALANES.

Ficha técnica

Comedia, romance

Irlanda, Inglaterra, Francia, EE.UU. 

123 minutos

Andes Films 

Guión: Helen Fielding, Dan Mazer y Emma Thompson

Fotografía: Andrew Dunn

Vestuario Steven Noble

Actores: Reneé Zellweger, Colin Firth, Patrick Dempsey, Emma Thompson y Sarah Solemani

Directora: Sharon Maguire

Psycho Raman - Por Juan Pablo Donoso

Una obra de arte indiscutible. 

Retrato íntimo de un asesino en serie (41 crímenes) y testimonio visual del policía desquiciado que lo persigue. ¿Quién es más brutal, la presa o el cazador?       

                                                 

Pesadillesca y desagradable, pero con el extravío fascinante de los cuadros de Bosch o de Brueghel.          

                                                               

Mientras soportamos el filme, resulta a la vez admirable en su forma y  fondo. 

Iluminación penumbrosa, casi siempre nocturna, ambientada en rincones, como los recodos siniestros de la mente de sus protagonistas, y quizás a veces de la nuestra.                                                       

Música perfecta, que toma presencia justo cuando es necesaria, y pasa desapercibida, sólo subliminal y atmosférica, cuando así se lo requiere la trama.  

En cada toma, aun la que parece más  insignificante, hay miedo, miseria subyacente, y acierto visual.  Lejos de cualquier película convencional  de terror.

El director y guionista Anurag Kashyap se declara admirador de Tarantino y Aronovsky, y con esta obra demuestra ser un discípulo capaz de emular las virtudes de sus maestros, y al mismo tiempo narrar con voz propia.

Es uno de lo filmes más poderosos del mundialmente conocido Bollywood, sin las inoportunas concesiones coreográficas de aquellas, pero al mismo tiempo insertando la música para potenciar el dramatismo del discurso.

Aunque al comienzo anuncia que es ajena al verdadero Raman Raghav, su espíritu está presente en cada fotograma. 

Con sus monólogos, el asesino nos desliza por los vericuetos de su mente, escuchando la motivación de sus crímenes, y cómo auto-justifica su sangre fría.   

El sádico proceso es la urdimbre para llegar, finalmente, al encuentro climático de los antagonistas. Un diálogo de antología, cuando ambos criminales abren sus almas llevándonos a pensar que, en el fondo, son una misma monstruosa criatura habitando dos cuerpos. Y donde el más despiadado podría ser el menos perverso y bestial.    

El actor Nawazzuddin Siddiqui exuda verdad en cada segundo, como si fuera un documental. Logró tal transparencia en la interpretación de su personaje, que llegó a enfermarse y alucinar mientras balbuceaba sus textos durante la filmación. Otro tanto, equivalente en su gestualidad, consigue Vicky Kaushal el corrupto policía drogadicto.  

Lo incómodo del tratamiento audiovisual es deliberado y mérito artístico del filme. Carece en absoluto de “glamour”.    

De ninguna manera es aconsejable para quienes van al cine a pasar un rato agradable, o a salir inspirados por las bondades del alma humana.

UNA OBRA MAGISTRAL PROFUNDAMENTE PERTURBADORA.

Ficha técnica

Crimen, drama, “cine-noir”

India – 133 minutos

Fotografía: Jay Oza

Música: Ram Sampath

Edición: Aarti Bajaj

Cinetopia

Guionistas: Vasan Bala y Anurag Kashyap

Actores: Nawazuddin Siddiqui, Vicky Kaushal, Sobhita Dhulipala 

Director: Anurag Kashyap

El abrazo de la Serpiente - Por Juan Pablo Donoso

Un filme inmenso por sus implicancias  poéticas,  antropológicas y esotéricas.

Narra los viajes de dos exploradores científicos en la selva amazónica en busca de una planta con poderes curativos: primero fue el alemán Theodor Koch-Grünberg, y 30 años después el estadounidense  Richard Evans Schultes. 

Inspirado en los diarios de viaje de estos dos hombres, el guionista y director colombiano Ciro Guerra recrea ambas expediciones con talento y coraje narrativo.

Pero lejos de hacerlo con tratamiento documental, optó por imbuirse en la subjetividad de ambos exploradores generando así una experiencia “alucinante y alucinógena” en todo sentido.

El sólo hecho de tomar como guía a un chamán aborigen llamado Karamakate, e internarse con él por la selva milenaria, obliga a adoptar, además de su idioma, su visión de mundo, del lenguaje de la naturaleza y de los animales, de los aborígenes,  del sentido de la vida, de la muerte y del origen del universo.  Y bajo esa óptica evaluar el daño y el horror que los “civilizados” de comienzos del siglo XX trajeron a ese mundo tan sabiamente primitivo.

Filmada con premeditación en blanco y negro nos transporta a la época en que esos testigos vivieron sus experiencias, que para nosotros amalgaman lo tangible con lo paranormal. Y la belleza que alcanza la cámara de David Gallego es más elocuente que si se hubiera rodado en colores, por muy exuberante que fueran la vegetación y los ríos. Porque lo importante era internarse en el latido espiritual, de luces y sombras, de aquel mundo esotérico.

En el lenguaje del director  resulta imposible desconocer la influencia de realizadores previos en esa línea temática como Glauber Rocha y Alejandro Jodorowski . Pero Ciro Guerra consigue diferenciar  su  mensaje de manera personal y responsable.

En todo momento se narran en forma alternativa las vivencias de ambos exploradores. Los une, y complementa, la presencia del chamán, joven y agresivo al comienzo, maduro y desmemoriado después, pero siempre fiel al espíritu trascendente de ese universo invadido y contaminado por la cultura enloquecida y “salvaje” llamada civilización moderna. 

Los 125 minutos se siguen con embeleso precisamente por la corriente de misterio que fluye bajo las imágenes, reflejando tanto lo visible como lo subyacente. 

Aquí los sueños de sus habitantes son tanto o más reveladores que el testimonio de los sentidos. Es un choque de culturas donde cabe preguntarse cuál de ellas es más válida para la preservación de la vida en el planeta. 

Después de estas experiencias, que rayaron en el delirio existencial, dudamos si esos dos científicos pudieron readaptarse a la civilización occidental como la conocemos y vivimos hoy día. Es posible que a su retorno se los rotulara como dementes por su incapacidad para expresar lo que les fue revelado en aquella fragua de dolorosa lucidez interior.

UNA  JOYA CINEMATAOGRÁFICA  CUYO  DISCURSO LATENTE ES AÚN MÁS PODEROSO QUE LA BELLEZA DE SUS IMÁGENES.   

   

Ficha técnica

Semi- documental

Aventura, Drama, Antropología

Colombia, Venezuela, Argentina

125 minutos

Guionistas: Ciro Guerra, Theodor Koch-Grunberg (based on the diary by), Richard Evans Schultes, Jacques Toulemonde Vidal  

Fotografía: David Gallego

Edición : Etienne Boussac

Música : Nascuy Linares

Actores: Nilbio Torres, Jan Bijvoet, Antonio Bolivar 

Director: Ciro Guerra

La Bruja de Blair - Por Carlos Correa

Un grupo de estudiantes se aventura en un bosque de Maryland. ¿Qué los lleva allá? Investigar la misteriosa desaparición de Heather Donahue, la hermana de James -James Allen McCune- relacionada con la leyenda de La Bruja de Blair, y por cierto, tema central de la ya famosa primera parte de esta saga. Unos lugareños se ofrecen como guías. La noche avanza. ¿Ruidos, visitas extrañas, accidentes, presencias? ¿Verdad o mentira? ¿Sugestión o realidad?

El director Adam Wingard, usando un formato del tipo “reality”, es decir filmaciones más amateurs, desde celulares o cámaras aficionadas, imprime a esta cinta el sello de la original “El Proyecto de la Bruja Blair”. Hay mucho corte, movimiento permanente y una edición nerviosa que no da tregua visual. hay momentos que el formato cansa, sin embargo este “aire de realidad” es bienvenido hacia el punto de mayor tensión.

Sin ser muy explícito, el guión va internándose en misteriosas situaciones que parecen estar relacionadas con la leyenda. Los protagonistas no están solos en el bosque, aparentemente. Las dudas sobre los guías se dejan caer. Varias sospechas van configurando escenarios oscuros, tensos y en ocasiones inexplicables. Poco sucede, sin embargo la tensión crece. Acá el formato ayuda, sin duda, a generar esa incomprensible inestabilidad que nos permite asustarnos con efectos sencillos: golpes, caídas, sonidos extraños y angustiosos laberintos que conducen a lo desconocido.

La cinta es la historia de una persecución. La hermana de James es el objetivo. ¿O son finalmente los jóvenes los perseguidos? No lo sabemos. Pistas hay, pero son confusas. El relato es confuso y ello es parte de la magia y el suspenso. ¿Resolución? No podemos adelantar el final, ni tampoco el comienzo. Para quienes son fanáticos del género, cumplirá sus expectativas. Para los fans, tal vez no tanto. La original sigue siendo referencia. Sin embargo, en una temporada baja del cine de terror, vale la pena ver esta nueva secuela de “Blair Witch”. Tal vez tengamos la suerte de verla en el bosque o encontrarla dentro de una casa abandonada. Nunca se sabe.

Ficha técnica

Título original: Blair Witch

Año: 2016

País: Estados Unidos

Género: Terror, Thriller

Duración: 89 minutos

Elenco: Valorie Curry, Callie Hernandez, James Allen McCune

Director: Adam Wingard

El Príncipe Inca - Por Juan Pablo Donoso

"Reconectarse con el lugar de dónde venimos"

Documental de viaje, muy personal, que nos permite conocer regiones y gente de Bolivia poco vistos en cine.

Felipe Cusicanqui es un joven pintor chileno – de antepasados bolivianos – que decide viajar al altiplano para visitar las tierras originales de su familia. 

Su abuelo le inculcó desde pequeño que él descendía de la realeza quechua y que, por lo tanto, era un legítimo Príncipe Inca.

La directora y guionista Ana María Hurtado con su equipo fílmico lo acompañan, muy de cerca y escuchando sus reflexiones, en un largo viaje por lugares cuya historia ya está casi perdida.

Desentierra ruinas de antiguos asentamientos olvidados en medio de llanuras áridas y despobladas. Llegará a un pueblo de provincia donde abunda el apellido Cusicanqui, parientes desconocidos que lo reciben con enorme cordialidad y festejos, para seguir viaje a La Paz.

Aquí, en la ciudad principal, logrará que un anciano cuidador, medio sordo, le permita ingresar a la casona en que vivió su abuelo antes de irse a Chile. Un caserón urbano a punto de ser demolido. En la soledad de sus paredes silenciosas deseará captar los ecos de más de un siglo de antiguas vivencias familiares.

Felipe Cusicanqui es artista de plástica combinada, es decir, a la tela, además de pintura, se le agregan trozos de objetos sólidos, como pedazos de género, maderas, cueros, plantas, etc., para lograr una combinación creativa de lo abstracto con lo concreto.

Y, para plasmar la huella emotiva de lo que significó su viaje ancestral, Cusicanqui recogió y machacó viejos platos de metal, palanganas, y trastos abandonados en aquellas ruinas como testimonio artístico de lo que fue su experiencia.

DOCUMENTAL  SERENO E  INTIMO DE UN PINTOR QUE FUE EN  BUSCA DE SUS  RAICES  DE  NOBLEZA  INCA.   

Ficha técnica

Documental

Chile

81 minutos

Antipoder Producciones

Fotografía: Mauricio García

Montaje: Jorge Lozano

Sonido: Mario Puerto

Producción General: Viviana Erpel

Dirección y guión: Ana María Hurtado

La Chispa de la Vida - Por Juan Pablo Donoso

Alguien atrapado por accidente, con las horas contadas y sin poder salir: un tema que suele ser apasionante en el cine. Más aún cuando se presenta la morbosidad de la opinión pública frente al drama de la situación.

En Chile tuvimos LOS 33. Y en años anteriores han sido muchos los filmes que se han valido de este tipo de suspenso y de sus efectos sociológicos. Ha habido desde náufragos en el mar, agregando astronautas a la deriva en el espacio, y obras paradigmáticas como CADENA DE ROCAS (Ace in the Hole) de Billy Wilder (1951 ) y HORAS DE ESPANTO (14 Hours) de Henry Hathaway (1951), entre otras.

Ahora el español Alex de la Iglesia (BALADA TRISTE DE LA TROMPETA – 2010 y  MI GRAN NOCHE, 2015), experto en humor negro y escenas de multitud, incursiona en la temática logrando una tragicomedia ágil con actores eficaces, muchos secundarios y un sólido manejo técnico. Incluso hay una remanencia remota de  LA  MUERTE  DE  UN  VENDEDOR VIAJERO.

Un publicista (José Mota) de edad mediana, felizmente casado con Luisa (Salma Hayek) y padre de hijos post-adolescentes, se encuentra cesante y trata de ser contratado, sin éxito, en alguna agencia del rubro. Años antes fue el creador del slogan “La Chispa de la Vida” para Coca Cola.  Para animarse busca el hotel donde pasó su luna de miel en la ciudad murciana de Cartagena. Pero el hotel fue demolido porque estaba construido sobre un circo del Imperio Romano. Hurgando solitario por los pasillos del monumento cae por accidente desde lo alto. Queda tendido en el escenario con una estaca de fierro ensartada en su nuca. Sería fatal moverlo. 

Se difunde la noticia, llega la TV y la prensa. Él está consciente y puede hablar. Es el evento del día. A partir de ese momento se inicia la seguidilla de oportunistas y codiciosos aprovechando la emergencia. Desde altos empresarios, pasando por médicos y público morboso, todos buscan algún beneficio a costa del accidentado. Hasta el mismo publicista, desde su lamentable condición, ve también la posibilidad de acceder a la fama y obtener ganancia económica con su desgracia.

Una vez más constatamos el instinto carroñero del ser humano cuando ve la posibilidad de obtener ventajas  a costa de la desgracia ajena. Y mezcladas con el patetismo de la situación surgen evidencias de la estupidez humana que, por medio del absurdo, le dan el toque tragicómico al relato.

Salma Hayek, como la esposa, demuestra nuevamente su capacidad de comunicar emociones, especialmente en las secuencias finales; y Mota, en su difícil rol de postrado, capaz de pensar y tomar decisiones, conquista nuestra empatía. La galería de secundarios, todos con objetivos claros, están bien diseñados por el guionista.

TRAGICOMEDIA  DE  SUSPENSO QUE, UNA VEZ MÁS, DENUNCIA  LA MORBOSIDAD Y CODICIA DEL SER HUMANO ANTE  LA  DESGRACIA  AJENA.

Ficha técnica

Tragicomedia negra

España – Francia – EE.UU.

93 minutos

Guión: Randy Feldman

Fotografía: Kiko de la Rica

Actores: José Mota, Salma Hayek, Blanca Portillo,Juan Luis Gallardo

Director: Alex de la Iglesia