Trátese con cuidado - Por Juan Pablo Donoso

Bello filme noruego que expone de manera sobria y sensible el dilema de un padre viudo y su pequeño hijo adoptivo.

Luego de la muerte de su esposa, un trabajador petrolero se queda solo con su hijo adoptado, Daniel, de 6 años.

Kjetil, como padre soltero, se reconoce incapaz de criar a un niño tan chico.

En su desesperación lleva a Daniel a Colombia para devolvérselo a su madre biológica.

Mientras la busca, en Bogotá recibe apoyo de un taxista humanitario y de su familia. Le ayudan a comprender la idiosincrasia de aquel país tan diferente al suyo. Con el correr de los días el pequeño Daniel se va familiarizando con su tierra natal.

Cuando logran hallar a la verdadera madre del niño, cuya realidad es miserable, surge la posibilidad de una solución inesperada. Kjetil deberá tomar, entonces, la decisión más importante de su vida.

Este filme se estrenó en Colombia con el título Regreso a Casa.

Junto a los acontecimientos centrales la historia va transcurriendo por dentro del corazón, y los sentimientos, de todos los personajes. Tremenda madurez narrativa cinematográfica. Por su sobria delicadeza, se nos queda incrustada como una vivencia emotiva difícil de expresar.

Reproduce con crudeza el nivel de vida de Colombia en contraste con el de Noruega. Y esto repercute en la sensibilidad tanto del niño Daniel como en Kjetil de maneras elocuentes y dolorosas.

Si bien Kristoffer Joner (Kjetil) es uno de los grandes actores noruegos, los secundarios colombianos y el niño están maravillosamente bien.

UNA RELATO ADMIRABLE DE INTELIGENCIA, SOBRIEDAD Y EMOCIÓN. ESTUPENDA.

Ficha técnica

Título Original: Hjertestart 

Drama, paternidad Noruega - 1,42 hrs. 

Fotografía: David Katznelson 

Edición: Vidar Flataukan 

Música: Jonas Struck 

Diseño Prod.: Elsje de Bruin 

Guionistas: Hilde Susan Jaegtnes, Arild Andresen, Jorge Camacho 

Actores: Kristoffer Joner, Marlon Moreno, Kristoffer Bech 

Director: Arild Andresen 

Festival del Nuevo Cine Noruego, Bs.As.

El hombre invisible - Por Jackie O.

"Una SORPRESA"

H.G. Wells fue uno de los grandes escritores de ficción en la historia. Con una visión futurista para la época, imaginandose viajes en el tiempo invasiones alienígenas, etc.
Y dentro de sus grandes obras tenemos esta, "El hombre invisible" de 1897.

Ahora en el 2020, Leigh Whannel nos trae una adaptación a dicho libro que se aleja de las otras adaptaciones. Esta vez no estamos ante un hombre que se corrompe ante la ciencia.
Ya es un hombre corrompido, malvado y abusador en vida.

Nuestra protagonista Cecilia vive el terror con su marido día a día.
Osea estamos ante el subgénero conocido como "home invasión".

La película comienza mostrándonos con el silencio a una mujer maltratada que huye de su hogar, dejando atrás a su maltratador, millonario e inteligente hombre de ciencias que es su marido.

Elizabeth Moss, en el papel de Cecilia muestra con gestos y posturas los terrores que vive una mujer maltratada física y psicológicamente. Y es creíble.
Pero cuando se entera que su abusivo marido se suicidó, fue un alivio.
Su vida comienza, o es lo que ella cree.

Mientras sigue viviendo en casa de su amigo, comienza a sentir una presencia extraña y nadie le cree.
Los miedos surgen a partir de planos vacíos y largos, haciendo que la tensión en el público se genere con la puesta de Cámaras fijas.
Donde esperamos que algo pase y puede que sí, o solo es generar esa tensión,y lo logra bien.

El resto del elenco cumple bien con el soporte que hacen a Elizabeth, quien es la que lleva el peso de la película.

Con escenas muy buenas que dan con esa tensión que se busca. Hacen que tus ojos no se despegue de la pantalla para ver más, es como si tratas de ver donde está ese ente invisible.
O si es producto solo de su imaginación.
Bueno quién sabe, ¡sorpresa!

La Música de fondo está correcta con los tiempos, pero no así con su volumen pues hace que se pierdan otros ruidos de fondo o diálogos.
En cuanto a la duración, unos 10 minutos menos habría estado perfecta.

El Universo de monstruos tomó ahora el camino correcto (luego del desastre de la momia).
Así que queremos más Dark Universe, siempre que siga esta misma línea.

Una película que tiene los elementos y puesta en escena justos para crear la tensión que hace tiempo no se veía.

Ficha técnica

El hombre invisible (The Invisible Man, Estados Unidos-Australia/2020).
Guion y dirección: Leigh Whannell.
Elenco: Elisabeth Moss, Oliver Jackson-Cohen, Aldis Hodge, Storm Reid, Harriet Dyer, Michael Dorman y Benedict Hardie.
Fotografía: Stefan Duscio.
Edición Andy Canny.
Música: Benjamin Wallfisch.
Distribuidora: @AndesFilmsChile (Universal). Duración: 124 minutos.

Invasión: el fin de los tiempos - Por Carlos Correa

Esta película de ciencia ficción no es típica. Primero que nada, es Rusa y segundo, es la secuela de la entrega de 2017 llamada “Invasión: la guerra ha comenzado” que narra el derribo por parte del ejército ruso de un objeto no identificado, posiblemente de origen extraterrestre, sobre Moscú. Este hecho y sus consecuencias cambia la vida de Julya -Irina Starshenbaum- y por cierto con ello la visión que tenemos del universo. Ahora, en esta continuación de la historia tres años más tarde, el Coronel Lebedev -Oleg Menshikov- protege a su hija, salvada de morir con la ayuda de la tecnología extraterrestre y ahora con habilidades especiales, de posibles reacciones y ataques.

Julya es objeto de investigación en un laboratorio secreto del Ministerio de Defensa pues su nueva condición no solo atrae a personas en la Tierra, sino también la atención de los alienígenas. Es por ello que el Coronel Lebedev debe modificar sus planes ante una nueva amenaza exterior y la aparición de Khariton -Rinal Mukhametov- quien regresa para proteger a la protagonista.

Para quienes no vimos la primera película -atención con la introducción que la resume someramente- la confusión del argumento en el primer tercio ayuda a ponernos en alerta. Se entiende la trama en la medida que avanza, sin embargo hay varios enlaces que quedan inconclusos y que ameritan conocimiento previo para comprenderlos a cabalidad.

Fedor Bondarchuk, su director, imprime fuerza al relato con muy buenos efectos visuales. Ya en la introducción marca un sello que se reafirma con el correr de los minutos. Resulta muy interesante la descripción de la tecnología utilizada, el control de todos los sistemas a distancia y el hackeo de redes digitales para incorporar contenido falso. Surge allí la necesidad de un apagón, de desconectar todo y volver a lo analógico, a lo antiguo. Teléfonos convencionales y máquinas de escribir se roban algunas escenas para regocijo de quienes vivimos en aquella “prehistoria”.

Como sucede en muchas cintas de este género, el comienzo sorprende pero luego va decayendo en intensidad. Es difícil mantener la novedad, crear un giro inesperado y sostener la tensión. Esta película lo consigue intermitentemente pero en su último tercio baja notoriamente, dando paso a elementos que son en extremo predecibles. De todas formas, este filme elabora correctamente varios de sus elementos y aunque está dentro del promedio, destaca su filmación en Imax por lo que vale la pena verla en la gran pantalla para apreciar cabalmente todos sus efectivos y sólidos efectos visuales.

Ficha técnica

Título original: Prityazhenie 2
Año: 2020
Duración: 134 minutos
País: Rusia
Guion: Oleg Malovichko, Andrey Zolotarev
Fotografía: Vladislav Opelyants
Reparto: Alexander Petrov, Irina Starshenbaum, Rinal Mukhametov, Oleg Menshikov, Yuriy Borisov, Sergey Garmash
Productora: Art Pictures Studio / Vodorod 2011
Género: Ciencia ficción | Extraterrestres. Secuela
Dirección: Fedor Bondarchuk

Buscando Justicia - Por Carlos Correa

Basada en hechos reales, “Buscando Justicia” narra la historia del joven abogado Bryan Stevenson -Michael B. Jordan- quien, recién egresado de Harvard, funda en Alabama un centro jurídico para defender a reclusos condenados a muerte. El foco del abogado es ayudar a quienes han sido condenados por error o que carecen de recursos para tener una representación legal adecuada. Su trabajo lo realiza con el apoyo de la activista local Eva Ansley -Brie Larson- con quien comparte el idealismo y la búsqueda de igual Justicia para todos.

El caso principal que presenta la cinta es el de Walter "Johnny D." McMillian -Jamie Foxx- un afroamericano acusado en 1987 del asesinato de Ronda Morrison, una joven blanca de 18 años. Revisando su expediente, Bryan se percata de lo débil de la acusación y de la falta de pruebas. El caso construido por la fiscalía solo se basa en la declaración de un convicto, Ralph Myers -Tim Blake Nelson- quien declara contra McMillian para aliviar su propio castigo.

La película relata en primera persona -está basada en el libro que el propio Stevenson escribió como homenaje a McMillian- las infinitas maniobras legales que el joven abogado debe realizar para defender a su cliente. Con todo en contra, sin colaboración de las autoridades, con humillaciones y presiones indebidas producto de un solapado aunque evidente poder racista, Bryan debe sacar todo su coraje para sobreponerse a ello y no darse por vencido.

En mi caso personal, las películas que refieren a esta temática legal me encantan y la historia que presenta ésta en particular es, además, conmovedora. La realidad del llamado “corredor de la muerte” o “death row” en inglés, es desoladora. Allí los reclusos esperan su hora, elevan sus plegarias en busca de un milagro, de un aplazamiento o algún recurso de último minuto que retrase su sentencia a muerte. De nueve condenados a la pena máxima, uno es liberado sin cargos, señala una estadística que es tan brutal como incomprensible. Por ello, este relato es principalmente un grito contra la pena de muerte y un épico llamado a que cada persona, por más culpable que parezca o pueda ser, reciba la mejor, la más oportuna y la más diligente defensa.

El guion de Destin Cretton con la colaboración de Andrew Lanham deja muchas cosas en claro. Habla de un idealismo que nos reflota nuestras convicciones y nos entrega esperanza. El luchar por la gente que más ayuda requiere es su principal bandera sobre todo en un estado -Alabama, en el sur de Estados Unidos- donde algunas personas son vistas como culpables desde el mismo momento en que nacen, donde los prejuicios y el racismo va en contra de todo derecho humano de todo quien no es de textura blanca.

También observamos muchísima humanidad a lo largo del metraje. Los gestos del abogado hacia la familia de su defendido y también el trato que le da a otros clientes en similares condiciones es un signo a destacar. Donde algunos ni siquiera llaman, Bryan concurre personalmente, se da el tiempo de hablar con todos y aquello sin duda es un impulso para no darse por vencido a pesar de que todo se ve cuesta arriba.

“Just Mercy” su título en inglés es elocuente. Solo misericordia, es lo que resalta una cinta que independiente de su epílogo, escarba en las injusticias de un sistema penal que no resulta infalible. El poder abusa, hace la vida difícil a quienes lo desafían con hostigamientos, presiones ilegales y que también pasa por encima de la verdad en muchas oportunidades. Sin embargo, esta historia releva lo importante que es pelear por las convicciones. Nunca es tarde para la Justicia y aunque no se pueda asegurar o conseguir en todos los casos, la defensa de la verdad es algo que nadie nos puede quitar jamás.

Ficha técnica

Título original: Just Mercy
Año: 2019
Duración: 136 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. / Endeavor Content / Participant Media / MACRO / Netter Productions. Distribuida por Warner Bros.
Género: Drama | Biográfico. Basado en hechos reales. Drama judicial. Racismo. Años 80. Años 90
Guion: Destin Cretton, Andrew Lanham (Novela: Bryan Stevenson)
Música: Joel P. West
Fotografía: Brett Pawlak
Reparto: Michael B. Jordan, Brie Larson, Jamie Foxx, O'Shea Jackson Jr., Tim Blake Nelson, Rob Morgan, Lindsay Ayliffe, Ron Clinton Smith, Mary Kraft, Drew Scheid, David Michael-Smith, Denitra Isler, Rhoda Griffis, Steve Coulter, Elizabeth Becka, Dominic Bogart, Terence Rosemore, Jay DeVon Johnson, Kirk Bovill
Dirección: Destin Cretton

Frankie - Por Carlos Correa

En la preciosa localidad de Sintra, Portugal, se desarrolla esta historia cuyo centro es Frankie -Isabelle Huppert-, una famosa y renombrada actriz que reúne a toda su familia un día de vacaciones. Es mucho más que una reunión de descanso, involucra su vida, sus amores y a todos quienes, en su círculo más íntimo, le rodean.

Esta cinta de Ira Sachs tiene muchas vertientes. La principal es la protagonista, sin embargo es capaz de delinear a cada uno de sus personajes de tal forma que cada historia es una rama vital e interesante. Estas vidas paralelas -su hijo solitario que pronto se va a vivir a Nueva York, su hija en severos problemas de pareja, su nieta en plena adolescencia, su actual marido a la par con su exmarido y hasta una amiga maquilladora que viaja con su compañero- están cargadas de humanidad y pueden tener aun más protagonismo si se lo proponen.

Temas fundamentales como el amor, el desamor, el destino incierto, la elección de caminos de vida, disputas y herencias, están presentes en una extensión que siempre fluye pese a un ritmo lento y cadencioso. Los parajes del lugar, jardines, casas, cerros y bosques de ensueño, entregan un marco de belleza que acentúa lo transcendente del relato; la cercanía de la muerte, la necesidad de ordenar sentimientos y también las cosas materiales y prácticas.

Huppert está magnífica y sus acompañantes también, gracias a una filmación cercana que combina planos cerrados junto con aperturas que dan cuenta de preciosos rincones de la localidad. La cámara de la directora es cercana y la fotografía de Rui Poças tiene numerosos aciertos a lo largo de un metraje que, si bien dura solo 98 minutos, por momentos se siente más extenso de lo que realmente es.

“Frankie” es una suma de elementos vitales. Muy profunda en su fondo y sencilla en su forma, aborda lo más importante que tenemos los seres humanos: nuestra vida y por supuesto la familia. Tal vez Ira Sachs pone demasiado foco en la forma con la que construye el relato, sin embargo lo compensa con la manera en que compone y desarrolla a sus protagonistas. Logra que nos sintamos cercanos, que comprendamos sus problemas y que nos involucremos. Aun sin lograr demasiada empatía ni emoción en su recorrido total, la escena final -sin diálogos y observada desde lejos- es un perfecto cierre minimalista para una bella historia.

Ficha técnica

Título original: Frankie
Año: 2019
Duración: 98 minutos
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-Portugal; Beluga Tree / O Som e a Fúria / SBS Productions
Género: Drama
Guion: Ira Sachs, Mauricio Zacharias
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Rui Poças
Reparto: Isabelle Huppert, Brendan Gleeson, Greg Kinnear, Marisa Tomei, Jérémie Rénier, Pascal Greggory, Carloto Cotta, Vinette Robinson, Ariyon Bakare
Dirección: Ira Sachs

Qué dirá la gente - Por Juan Pablo Donoso

Anacrónico drama sobre lazos familiares, comunitarios y ancestrales.

Yuxtapone la compleja relación entre un padre y su hija, una joven que necesita encontrar su propio camino en la vida occidental.

Denuncia muy bien lograda del choque de culturas en un mundo globalizado.

Un inmigrante pakistaní llegó pobre a Noruega. Debió forjarse un duro camino hasta ser el próspero dueño de un almacén, muy querido y respetado por sus paisanos en Oslo.

El malentendido con su hija, creyéndola libertina, trae merma a su negocio y al prestigio familiar.

Decide enviarla – casi raptada - a vivir con la familia de su hermano en Pakistán.

Nisha sufre mucho al comienzo, y cuando ya comienza a adaptarse a ese modo de vida tan diferente, por besarse con su primo en la calle es sorprendida por policías quienes sobornan a su tío a cambio de silencio.

Su padre, socialmente humillado, debe llevarla de vuelta a Noruega deseándole incluso la muerte.

Para subsanar el oprobio la obligan a concertar un matrimonio a distancia con un joven médico pakistaní musulmán radicado en Canadá. En ella hay un constante dilema entre el cariño por sus padres y hermanos y las conductas tan arcaicas e indignas que le imponen. En el colmo de su angustia, decide escapar del hogar paterno y refugiarse en el Servicio Social noruego.

Los personajes son todos buenas personas, y sus sentimientos y tradiciones son respetables, pero el mundo ha cambiado y se manifiesta dolorosamente en la realidad existencial de la muchacha.

Filme realizado con delicadeza, buen oficio, actores muy verosímiles y queribles, destacando la bella María Mozhdah como Nisha. Escrito y dirigido por una joven realizadora también de origen pakistaní.

TRÁGICO DILEMA DE LOS HIJOS DE INMIGRANTES MUSULMANES ATRAPADOS ENTRE DOS CULTURAS TAN OPUESTAS. HONESTA Y EMOTIVA.

Ficha técnica

Título Original: Hva vil folk si o El Viaje de Nisha

Drama cultural Noruega, Suecia, Dinamarca, Alemania - 1,46 hrs. 

Fotografía: Nadim Carlsen 

Edición: Janus Billeskov, Anne Osterud 

Música: Lorenz Dangel, Martin Pedersen 

Diseño Prod.: Vinteel Bansa, Abhishek Benarjee 

Actores: Maria Mozhdah, Adil Hussain, Rohit Saraf 

Guionista y Directora: Iram Haq
Ciclo Nuevo Cine Noruego – Bs.As. - Argentina

La Gomera - Por Juan Pablo Donoso

Intriga policial rumana con bastante suspenso, sarcasmo y claras alusiones a los clásicos del cine-negro (film-noir) estadounidenses.

Si el guionista/director Cornelius Poromboiu, con la misma experticia, mantiene esta combinación de crueldad gansteril con guiños satíricos, estaría iniciando un nuevo estilo agridulce de humor rumano.

Durante casi todo el desarrollo nos mantiene tratando de distinguir entre quiénes son los buenos y los malos. Y cuáles mujeres son espías, prostitutas o comisarias de la policía. Ni siquiera sabemos si el supuesto protagonista está a favor o en contra de los mafiosos narcotraficantes.

Cristi (Vlad Ivanov - 4 meses, 3 semanas, 2 días – 2007) es un policía rumano que viaja a La Gomera (Islas Canarias) para aprender el típico “silbido gomero”, un folclórico lenguaje local. Los isleños, imitando el canto de ciertos pájaros – especie de código telegráfico - se comunican mensajes a grandes distancias entre las montañas. Los traficantes de drogas, y forajidos, lo aprovechan para sus operaciones.

Se supone que el policía se infiltra en la mafia canaria para descubrir dónde tienen escondido un botín de 30 millones de dólares. Para ello debe aprender, con gran esfuerzo, el lenguaje de chiflidos.

Serán muchos los vericuetos y contactos, con hombres y mujeres, para descubrir el secreto. Mientras tanto, las autoridades rumanas sospechan de la honestidad de Vlad, y lo siguen con una red de cámaras secretas.

Si bien casi todos los personajes son unidimensionales, están bien definidos en sus roles. Así la película marca el ritmo de acción y, a la vez, mantiene al espectador tratando de discernir quién es malo, quien es bueno, y cuál de las mujeres es digna de confianza – incluida la madre de Vlad.

Muy buena realización. Estupenda la actriz Catrinel Marlon como Gilda. Y una banda sonora amenizada con bellísimos trozos de óperas… tal vez para contrastarlos con el canto de los pájaros.

COMPLEJA INTRIGA RUMANA DE ESPIONAJE Y NARCOTRÁFICO. SEDUCE POR SU SARCÁSTICA AMBIGüEDAD. MUY ENTRETENIDA.

Ficha técnica

Título Original: Fluierãtorii 

Tragicomedia policial Rumania, Francia, Alemania, Suecia – 1,37 hrs. 

Fotografía: Tudor Mircea 

Edición: Roxama Szel 

Diseño Prod.: Simona Paduretu 

Actores: Vlad Ivanov, Catrinel Marlon, Rodica Lazar 

Guionista y Director: Cornelius Poromboiu
Cine-Arte Cosmos, Bs.As. - Argentina

Los sonámbulos - Por Juan Pablo Donoso

Historia minimalista más pretenciosa que interesante.

Como tema es casi banal. Se apoya, primordialmente, en el virtuosismo del trabajo de cámara, y en el exceso de dramatismo de los actores tratando de insuflarle mayor sustancia al relato.

Dos hermanos – argentinos o uruguayos (¿?) - se reúnen con sus familias durante unos días para celebrar el Año Nuevo en la casona de campo donde vive la abuela (Marilú Marini).

Luisa (Érica Rivas) escritora, y su marido Emilio (Luis Ziembrowski) tienen una hija adolescente (Ornella D´Elía) de 15 años que sufre de sonambulismo.

La otra pareja tiene varios hijos varones de distintas edades, incluyendo una guagua llorona aún lactante. El hijo mayor es Sergio (Daniel Hendler) ya post-adolescente y algo vago. Estos padres – Alejo (Rafael Federman) e Inés (Valeria Lois) – están viviendo una soterrada crisis matrimonial.

La mayoría de las escenas fueron filmadas con cámara en mano; se mantienen muy cerca del rostro de los personajes, con planos muy cerrados de sus expresiones. Más, todo se reduce a las conversaciones habituales de estos parientes, entre cuyos temas recurrentes está la discusión sobre vender la finca de la abuela. Pero ella se resiste por ser un lugar lleno de recuerdos, donde estos mismo hijos, ahora adultos, crecieron. Tiene bosques, una lagunita donde se bañan y juegan los niños, además de una bella piscina en el jardín de la casa. Entre asados y viajes al pueblo vamos conociendo las actividades profesionales de los adultos, momentos de intimidad matrimonial, y un clima veraniego con calor húmedo y moscas.

Se supone que el núcleo dramático lo pone la joven Ana, que recién empieza a menstruar, y deambula por la casa y el bosque siempre enojada y confundida con sus propios, inexplicables, y variantes estados de genio.

Hay algo relacionado con su tendencia al sonambulismo – al parecer heredado de la abuela – que nada aporta a la historia, salvo un pequeño percance que ocurre una noche – cerca del final – en un camping de los jóvenes primos, que desata una reacción desorbitada de sus padres, con ribetes hecatómbicos de tragedia griega.

ARGUMENTO PRETENCIOSAMENTE ATORMENTADO. PROLIJO MINIMALISMO AUDIOVISUAL. DEMASIADO RUIDO PARA TAN POCAS NUECES.

Ficha técnica

Drama familiar Argentina, Uruguay – 1,47 hrs. 

Fotografía: Iván Gierasinchuk 

Edición: Rosario Suárez 

Música: Pedro Onetto 

Diseño Prod.:Aili Chen 

Actores: Ornella D´Ellia, Rafael Federman, Daniel Hendler. 

Guionista y Directora: Paula Hernández Cine-Arte Cosmos Bs.As. - Argentina

Una guerra brillante - Por Carlos Correa

Desde 1880, Thomas Edison -Benedict Cumberbatch- y George Westinghouse -Michael Shannon- libran una competencia decisiva para el futuro del uso y distribución de la energía eléctrica. Edison, inquieto inventor y dueño de muchísimas patentes opta por la corriente continua, que sin embargo es costosa y de alcance limitado. Westinghouse, por su parte, apuesta por la corriente alterna, la que puede funcionar a mayores distancias y con un costo significativamente menor. Ambas, con muchos pro y contra, ofrecen dar un salto respecto al uso del gas y con ello un notable y significativo progreso.

La cinta del director Alfonso Gomez-Rejon no ha estado exenta de polémica. Originalmente supervisada por Harvey Weinstein -coproductor del filme y responsable de su distribución- la cinta obtuvo una mala recepción en el Festival de Toronto. Luego de la disolución de “The Weinstein Company” producto de las acusaciones en contra de su dueño, Gomez-Rejon rehizo partes de la cinta, acortó su duración y modificó la banda sonora para su estreno comercial el año 2019.

Gracias a la inspiración en hechos reales, el sustento de la historia es muy interesante. Aun cuando abusa de algunos tecnicismos respecto a la electricidad, la película no abandona la confusión como sello narrativo. El guion de Michael Mitnick no logra claridad -no la busca en ningún momento- y no profundiza en sus personajes. La inclusión de un tercer referente, el inventor Nikola Tesla -Nicholas Hoult- tampoco logra impregnar al metraje de un mejor desarrollo, dejando la tensión solo en manos de los dos grandes adversarios.

“The Current War”, su título original que da cuenta de “actual” y no “brillante”, es una película que se siente desconectada. Pese al interés que despierta la temática y a un sólido elenco, la cinta se diluye rápidamente y cae en un bache que no logra superar. La banda sonora -que más bien parece tomada de otra cinta- no se condice con las escenas ni tampoco con el ritmo de la filmación. Si bien la recreación de la época es un punto a favor, no alcanza para entregarle mayor dinamismo e interés a la historia.

En síntesis, “Una guerra brillante” no entrega lo que promete porque no corre riesgos, no configura mayormente a sus personajes y no profundiza en algunos elementos que sí están a su alcance. Es posible que el conflicto del director con la producción original y la labor de enmendar lo realizado sea el centro del problema, sin embargo la desconexión que muestra es evidente lo que resta méritos a lo fundamental, la llamada “guerra de las corrientes”, sus resultados y su legado.

Ficha técnica

Título original: The Current War
Año: 2017
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Bazelevs Production / Film Rites / Fourth Floor Productions / The Weinstein Company / Lantern Entertainment. Distribuida por 101 Studios [USA]. Productor: Martin Scorsese, Timur Bekmambetov
Género: Drama | Siglo XIX. Biográfico
Guion: Michael Mitnick
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Benedict Cumberbatch, Michael Shannon, Nicholas Hoult, Katherine Waterston, Tom Holland, Tuppence Middleton, Matthew Macfadyen, Celyn Jones, Tom Sweet, Damien Molony, Louis Serkis, Simon Kunz, Craig Conway, Amy Marston, Emma Davies, Woody Norman, Colin Stinton, Tom Bell, John Schwab, Abigail Johns, Conor MacNeill
Dirección: Alfonso Gomez-Rejon

Una guerra brillante - Por Jackie O.

“Que se haga la luz” 

La guerra de las corrientes (o batalla de las corrientes) fue una serie de eventos de una pugna motivada por la introducción de los sistemas de transmisión de energía eléctrica en los EEUU, librada entre finales de la década de 1880 y el comienzo de la década de 1890. Desencadenando un debate público sobre la seguridad eléctrica, acompañado de campañas de propaganda en los medios de comunicación.

Los sistemas de corriente continua (CC) de la Compañía Edison y de corriente alterna (CA) de la Westinghouse Electric, con sus respectivas ventajas e inconvenientes, se convirtieron en los protagonistas del enfrentamiento entre empresas.

Así como el episodio donde se enfrentó a Westinghouse, Edison y Tesla en una lucha por conseguir las licitaciones e iluminar el territorio de Estados Unidos.

Su director Alfonso Gomez-Rejon tiene más experiencia en series de televisión que en películas, por lo que para ser novato en el cine, y de los conocidos problemas que el Director tuvo que enfrentar para poder lanzar esta película rehaciendo escenas, montando otras, etc. se puede decir que es satisfactorio este trabajo.

(Harvey Weinstein estuvo en la producción al comienzo y hubo que eliminar su huella).

Esta cinta está bien ambientada, donde vemos enfrentarse en una dura disputa a Thomas Alva Edison (interpretado por Benedic Cumberbatch) y George Westinghouse (interpretado por Michael Shannon). Mostrándonos a un Edison egocéntrico, arrogante, padre y esposo algo alejado, y aun Westinghouse a quien no le molestaba mostrar su poder adquisitivo, y ser más humano que su contrincante.

Aparte de los actores nombrados la película cuenta con un destacado elenco, quienes se preocupan de dar todo para que la cinta vaya desarrollando esta problemática de luces.

Se destaca lo extraordinario de su música compuesta por Dustin O'Halloran y Hauschka, quienes nos trasporta a la época y los momentos vividos. Muy acorde.

La fotografía de Chung Chung-Hoon es maravillosa, pasando de la oscuridad a la luz y viceversa, tanto en electricidad como en los pasajes de sus vidas.

El vestuario es acorde a la época y se luce muy bien.

Pero el guion resulta en algunos momentos tedioso, algo desigual en su ritmo narrativo.

Aun así, el tema es muy interesante ya que nos muestra algo más de la historia que debemos saber.

Ficha técnica

Nombre original: The Current War
Duración: 107 minutos
Director: Alfonso Gomez-Rejon
Producción: Timur Bekmambetov y Basil Iwanyk
Guion: Michael Mitnick
Montaje: David Trachtenberg y Justin Krohn
Protagonistas: Benedict Cumberbatch, Michael Shannon, Nicholas Hoult, Katherine Waterston, Tom Holland, Tuppence Middleton, Matthew Macfadyen, Damien Molony, otros.

Prometo Volver - Por Carlos Correa

Esta película de Alice Winocour narra la historia de Sarah -Eva Green-, una astronauta francesa que entrena para una importante misión. Se trata de un viaje al espacio como preparación para el exigente objetivo de llegar a Marte. Tanto la fase previa en tierra como el viaje propiamente tal, ocupan extensos períodos de tiempo. Para Sarah la exigencia es enorme, tanto físicamente como emocionalmente. Ella vive sola con su hija Stella, de 7 años e indudablemente las decisiones de Sarah impactan en la vida de ambas y tensionan la relación madre-hija.

El guion de Jean-Stéphane Bron y Alice Winocour describe muy bien los sentimientos que tiene la protagonista. Siente culpa al optar por su trabajo postergando con ello a su hija. También siente el orgullo de ser la única mujer en una tripulación masculina y en un entorno evidentemente machista. Su deseo de estar a la par se enfrenta con la vulnerabilidad de su situación de vida. La responsabilidad de cuidar a su hija pequeña es una carga que no consigue alivio. Incluso el compromiso y ayuda de su ex pareja parece insuficiente a la luz de las altísimas exigencias que tiene Sarah como madre.

“Proxima”, su titulo original, muestra el vínculo familiar de una madre con su hija. La reflexión surge espontáneamente porque es difícil ponerse en el lugar de Sarah. La cinta logra visualizar el conflicto aunque con dificultades pues, a pesar que el dilema está presente, la opción de la protagonista es clara desde un comienzo.

La cinta también funciona un homenaje a muchas mujeres astronautas, describiendo los sacrificios que deben hacer, mostrando los programas de entrenamiento que llevan al límite sus capacidades y sobre todo poniendo en relieve la relación con sus familias y seres queridos. Este último punto es el que la cinta observa con mayor atención pues, independiente de las enormes exigencias físicas que la protagonista debe superar, lo más importante y trascendente sin duda es el vínculo familiar, emocional y afectivo con Stella.

Ficha técnica

Título original: Proxima
Año: 2019
Duración: 107 minutos
País: Francia
Productora: Dharamsala / Pandora Film
Género: Drama. Acción | Aventura espacial. Familia
Guion: Jean-Stéphane Bron, Alice Winocour
Fotografía: Georges Lechaptois
Reparto: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Nancy Tate, Marc Fischer, Zélie Boulant, Alexey Fateev, Vitaly Jay, Birger Frehse
Dirección: Alice Winocour

Una vida oculta - Por Carlos Correa

Franz Jägerstätter -August Diehl- vive con esposa Franziska -Valerie Pachner- y sus tres hijas en una granja en las montañas de Sankt Radegund, Austria. Su rutina es ardua y la vez encantadora. El cuidado de sus animales, la siembra, la cosecha, los juegos y reuniones en el pueblo, son parte de las actividades de esta abnegada familia campesina. Corre el año 1938 y las tropas de Hitler entran en Austria y todo gira en 180 grados. Se respira el nazismo y el reclutamiento para la confrontación es inminente. Pero Franz se niega a prestar juramento a Hitler. Es un objetor de conciencia que rechaza combatir para la alemania nazi por lo que es encarcelado en Linz y después en Berlín.

El director Terrence Malick filma un guion de su autoría de una manera muy particular. Construye un sensible homenaje a la consecuencia, a los valores y a la familia en base a la firme convicción de su protagonista. El relato es extenso y Malick se toma bastante tiempo para componerlo. Los paisajes son preciosos, la fotografía de Jörg Widmer es de gran belleza y la cámara del director pone acento en ello con lentes de gran ángulo que entregan una perspectiva amplia y magnífica. La banda sonora y las composiciones de James Newton Howard coronan un trabajo estético de primer nivel que resulta fuertemente conmovedor.

La tensión en la historia es un hilo interno que la recorre de forma permanente. Sabemos que esa vida apacible en esos parajes no es para siempre. Percibimos algo de lo que vendrá, lo suponemos, lo imaginamos. Malick se encarga de entregarnos elementos que se reiteran una y otra vez. Por eso es que las secuencias se sienten repetidas y en ocasiones parecen aportar poco al desarrollo del metraje.

El tiempo que el director decide entregar al desarrollo de la historia es extenso, son 180 minutos que se sienten. Pueden parecer excesivos tomando en cuenta que muchas secuencias podrían abreviarse para entregar mayor profundidad a otros personajes y también en beneficio de duración del filme. Malick justifica la extensión por la calidad de la filmación, sin embargo no debemos olvidar que el foco del relato es la vida y el acto objetor de Franz Jägerstätter y no un precioso documental de la vida campesina en la alta montaña.

El testimonio de Jägerstätter es ejemplar y está lleno de una vitalidad interior indescriptible. Estamos hablando de decisiones que tienen un componente moral y ético que es tremendamente complejo y que en este caso no solo lo involucra a él sino que a toda su familia. El inconmensurable amor de su esposa junto con su temple y su enorme fe cristiana, es probablemente lo que permite a Franz mantener su decisión a pesar de todas las salidas y opciones propuestas.

“Una vida oculta” es una historia potente, un drama que exuda humanidad, valentía, fe y esperanza. Malick nos relata valores y nos entrega elementos para la discusión, rodeado de entornos significativos que no nos dejan indiferentes. Solo debemos cuidar tener tiempo para verla sin apuro y permitir sorprendernos a pesar de las reiteraciones. La historia de Franz Jägerstätter, nos permite contemplar un sentido tributo a un hombre que, sin medir consecuencias, se mantuvo siempre firme en sus convicciones.

Ficha técnica

Título original: A Hidden Life
Año: 2019
Duración: 180 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Studio Babelsberg / Medienboard Berlin-Brandenburg
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Biográfico. Nazismo. Años 30. Años 40
Guion: Terrence Malick
Música: James Newton Howard
Fotografía: Jörg Widmer
Reparto: August Diehl, Matthias Schoenaerts, Valerie Pachner, Michael Nyqvist, Jürgen Prochnow, Bruno Ganz, Martin Wuttke, Karl Markovics, Franz Rogowski, Tobias Moretti, Florian Schwienbacher
Dirección: Terrence Malick

Venezia - Por Juan Pablo Donoso

Bella forma de narrar una tragedia inevitable.

Sofía y Carlos, pareja argentina, llegan en luna de miel a un hotel de Venecia. Cuando ella sale del baño encuentra a su esposo muerto en la cama por un ataque al corazón. Deberá esperar 48 horas legales antes de regresar a su país con el cadáver. En su desazón, comienza a vagar por Venecia durante el día y toda la noche.

¿Qué siente, y qué puede hacer una mujer recién viuda, sola, en un país del cual desconoce el idioma, esperando que le entreguen el cuerpo de su marido? Mientras la acompañamos, nos transmite – sólo con el rostro – sus emociones, sentimientos e ideas confusas sobre su condición. Paula Lussi acomete el desafío con grata mesura, sin exagerar. Antes sólo había actuado en cortos argentinos. Con este trabajo se revela como nuevo talento cinematográfico.

Estupendo trabajo de todo el equipo: director de fotografía Gustavo Tejeda, y del guionista y director Rodrigo Guerrero. Casi siempre con cámara en mano acompañamos a esta viuda joven, adolorida y desconcertada por las calles, puentes, canales, plazas y callejones de esa legendaria ciudad italiana tan llena de belleza y sorprendentes rincones. Una Venecia nocturna, llena de turistas y transeúntes ajenos al dolor de Sofía, los amaneceres, y la generosidad de personas, en especial mujeres, que cobijan a nuestra víctima como si fuese una antigua familiar. En los cafés y bares tampoco estará libre del asedio de hombres también solitarios en busca de alguna aventura fugaz. El discurso narrativo lleva un ritmo pausado donde las principales sorpresas son los recovecos y paisajes de la ciudad.

Y cuando ya se acerca el momento en que Sofía debe abordar el avión junto al ataúd de su marido, sobreviene un giro inesperado y valiente para culminar este doloroso trayecto emocional.

HERMOSO FILME, REALIZADO CON INTELIGENCIA Y COMPASIÓN. MUY RECOMENDABLE

Ficha técnica

Drama Argentina, Francia, Italia – 1,10 hrs. 

Fotografía: Gustavo Tejeda 

Actores: Paula Lussi, Margheritta Mannino 

Guionista y Director: Rodrigo Guerrero 

Cine-Arte Gaumont – Buenos Aires

Hogar - Por Juan Pablo Donoso

Este relato, tan visceralmente femenino, tiene dos títulos oficiales: Hogar y/o Maternal. Y ambos expresan el tema de la historia.

Ocurre en un Hogar de acogida argentino para madres solteras, regido por una congregación de monjas.

Allí, las jóvenes internas realizan trabajos manuales, y a la vez pueden criar a sus hijos pequeños.

Durante la primera mitad pareciera que nada importante ocurre. Sólo interacciones cotidianas de mujeres que, para obtener los beneficios, deben permanecer internas y obedecer las reglas básicas de convivencia.

Poco antes de jurar sus votos perpetuos, llega desde Italia una joven novicia -Sor Paula - a radicarse y colaborar con los quehaceres de la institución benéfica.

Con el correr de los días se irá familiarizando con las madres y, especialmente, con los niños.

Para Luciana, una de las internas, el encierro resulta insoportable. Aunque tiene una hijita de 5 años llamada Nina, sus instintos de rebeldía y libertinaje la impulsan a escapar varias veces del Hogar. Durante sus ausencias, y rabietas, la pequeña encuentra consuelo en la calidez acogedora de la joven novicia. Se crea entre ambas un poderoso vínculo afectivo.

Cuando llega el momento en que Sor Paula debe oficializar sus votos monacales, surge en ella el dilema entre su vocación religiosa y sus instintos maternales hacia la pequeñita cuya madre pareciera haberla abandonado.

Serán las circunstancias, las leyes y las convenciones sociales las que zanjen el destino de la monja, de la madre díscola, y el futuro de la pequeña Nina.

ESCRITA Y REALIZADA CON EL CORAZÓN, EL ÚTERO, Y UNA EXQUISITA SENSIBILIDAD ARTÍSTICA.

Ficha técnica

Drama, maternidad 

Italia, Argentina – 1, 31 hrs. 

Fotografía: Soledad Rodríguez 

Edición: Ilaria Fraioli, Luca Mattei 

Diseño Prod.: Yamila Fontan 

Actrices: Liiya Liberman, Denise Carrizo, Agustina Malale 

Guionista y Directora: Maura Delpero
Cine-Arte Gaumont, Buenos Aires

Nueva York sin salida - Por Carlos Correa

Medianoche en Manhattan. Un robo sale mal. El enfrentamiento entre los dos jóvenes asaltantes y la policía arroja un saldo de ocho oficiales muertos. El escape es complejo y el operativo que se monta, implacable. El tiempo apremia. En contra de los fugitivos y también en contra de quienes los persiguen.

Andre Davis -Chadwick Boseman- es quien lidera el procedimiento. Davis es hijo de un policía asesinado en acto de servicio por lo que conoce muy bien las reacciones cuando mueren uniformados. Como detective debe sobreponerse y hacer lo posible para atrapar vivos a los responsables. Pero el reloj corre. Se decreta el cierre de los 21 accesos que tiene la isla de Manhattan -“21 Bridges” es el título original de la película- para cercar a los fugitivos. Se conocen detalles del robo, las identidades de los prófugos y también suceden situaciones confunden todo. Andre Davis debe apurarse, el tiempo avanza. Todo es vértigo, adrenalina y suspenso.

Con una trama previsible pero entretenida, el guion de Matthew Carnahan y Adam Mervis funciona bien. Con un tour nocturno por un oscuro Manhattan como telón de fondo, la cinta gira en torno al robo y a la persecución policial sin dejar de lado el aspecto humano del detective y la actitud de los oficiales desplegados por toda la ciudad. Por cierto es un robo de droga y donde la hay, también se encuentra la corrupción, que aparece como un ingrediente adicional y altamente fundamental para el desarrollo de la historia.

Me gustan las películas así. Cuando tienen las dosis justas de acción más una trama entretenida que incluye giros, estas cintas aunque sean “de manual”, funcionan cuando están bien hechas. Y no se pide más. Que cumplan con lo que prometen, que entretengan y que por obvias que sean, dejen algún gusto a sorpresa. Brian Kirk y su equipo lo logran gracias a actuaciones convincentes y a un excelente trabajo de fotografía de Paul Cameron. Si puede verla en el cine, mejor. Si no, podrá ser un buen panorama para una tarde de otoño-invierno frente a la TV.

Ficha técnica

Título original: 21 Bridges
Año: 2019
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: AGBO. Distribuida por Film & TV House / GEM Entertainment / STX Entertainment
Género: Thriller. Drama. Acción | Crimen. Policíaco
Guion: Matthew Carnahan, Adam Mervis
Música: Alex Belcher, Henry Jackman
Fotografía: Paul Cameron
Reparto: Chadwick Boseman, Sienna Miller, Taylor Kitsch, J.K. Simmons, Stephan James, Keith David, Victoria Cartagena, Gary Carr, Shayna Ryan, Toby Hemingway, Dale Pavinski, Louis Cancelmi, Christian Isaiah, Morocco Omari, Katie McClellan, Jamaal Burcher, Adam Desautels, Lucky Harmon, Kevin D. Benton, Suzette Gunn, Wesley Green, Gina Destra, Jamie Neumann
Dirección: Brian Kirk