Piola - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Bien realizado testimonio de la confusión, e inmadurez, de un grupo de adolescentes chilenos en nuestros días.

Ha obtenido más de 8 distinciones en festivales nacionales e internacionales.

Hecha con profesionalismo, habla de una generación, todavía escolar, de clase media suburbana. Pasto potencial para encapuchados y vándalos juveniles. Hay una rabia contenida, poco definible, pero dolorosa, unida a ciertos ideales, en especial relacionados con la música.

Se ambienta en Quilicura, barrio de origen de su guionista/director Luis Pérez García, egresado de la Escuela de Cine de la Universidad de Chile.

Dividida en 7 episodios, luce como fondo musical canciones de Piero, Ontoro, Dr. Pez, Patio Solar, Rawcorp, Ezekiel Nunez, Lord Sucio y Nick Santino.

Su protagonista es un colegial, Martín (Max Salgado), quien junto a cuatro jóvenes más, se dedica a rapear, grafitear paredes, tatuarse y robar alcohol. Poco le importan sus estudios, y menos su hogar de clase media. Su único ideal es la música.

Mantiene nuestro interés gracias a una conjunción de méritos: actuaciones honestas y espontáneas, fotografía y edición sobrias y, como ámbito sociológico, flota una impotencia existencial contra el mundo ajeno que los rodea.

En forma paralela seguimos a Sol (excelente Ignacia Uribe), una muchachita escolar, también desorientada y rebelde que vive con su madre (Paula Zúñiga), y adora a su perrita Canela.

Cuando se le extravía la mascota iniciará la búsqueda por calles y plazas hasta que, por un accidente automovilístico, conocerá a Martín y a sus amigos, entablando con ellos una relación de amistad y nobleza humanitaria.

Prioriza la convivencia diaria, y los avatares familiares, por sobre un argumento más orgánico. Llena de cabos sueltos que sólo sirven para atisbar el mundo del cual provienen esos jóvenes.

El autor prefiere acompañar a Martín en la consecución de su objetivo: grabar un vídeo rapero, y escuchar, hasta donde sea posible, sus motivaciones:

“Para mí el rap es todo; la forma que tengo de expresarme. La manera de ordenar mis ideas. La rabia contra el sistema, pero también es poesía. Es lo real, lo verdadero. El Hip Hop es mi casa. Es el mundo que me ha visto crecer. Por eso lo cuido tanto”. Y agrega: “Las letras son para mí como un hijo”.

Con estos ideales se siente incluso capaz de apagar los faroles de alumbrado callejero con sólo desearlo.

La realidad de su entorno se encarga de consolarlo con el lema: “La desilusión es inevitable al crecer en un mundo injusto. Pero con buenos amigos el futuro alberga esperanza”.

HONESTA EXPLORACIÓN DEL MUNDO DE JÓVENES MARGINALES, SIN PERSPECTIVA PARA EL FUTURO DE SUS VIDAS.

Ficha técnica

Drama social - 2020 Chi1e -1,39 hrs. 

Fotografía: Simón Kaulen 

Música: Pablo Mondragón 

Actores: Max Salgado, Ignacia Uribe, René Miranda 

Guionista y Director: Luis Pérez García

Pelé - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Pelé, el ídolo; Pelé, el futbolista; Edson Arantes do Nascimento, el hombre.

Sin escarbar demasiado, este trabajo resulta emocionante. ¿Por qué? Antes de responder, debemos recordar algunas cosas.

Pelé es considerado por muchos el mejor jugador de fútbol de la historia. El título que le han otorgado como el “rey del fútbol” no es menor y se condice plenamente con su notable talento y sus múltiples premios. No solo es el único jugador que ganó tres Copas del Mundo con la selección de su país, Brasil (1958, 1962 y 1970), sino que maravilló con su destreza a millones de espectadores que lo vieron jugar, en vivo o en la televisión, en su época de oro.

Recuerdo haberlo visto en su paso por el Cosmos de Nueva York. Era ya su etapa final, aquella que lo impulsó a potenciar el fútbol en Estados Unidos con un ideal más comercial que deportivo. Pero ese desafío no mermó su gloria y su brillantez como un jugador diferente, aquel que marcaba distancia de sus compañeros, el que podía resolver en milésimas de segundo y coronar con un hermoso gol alguna jugada de ensueño.

Pero Pelé no solo fue una estrella deportiva. Su aparición en escena, en los años 50, se produjo poco después del famoso “Maracanazo”, cuando Brasil, de local, perdió la final del mundo frente a Uruguay. La decepción fue total y recuperarse de aquello, una ilusión lejana. Allí apareció Pelé, en el club de toda su vida, el “Santos Futebol Clube” y desde un inicio encandiló. Lo que vino después, su ascenso y extraordinaria carrera, la historia lo relata de muchísimas formas, con abundante material en video y con una fama que lejos de disminuir, creció siempre de forma exponencial.

“Pelé”, el documental, se aparta un poco de lo tradicional, de aquello que ya conocemos, para explorar otras vertientes. Sí, la historia está presente, cómo no, pero lo más importante es el foco al que apunta este trabajo periodístico y de edición: un acento específico en los años que transcurren entre los mundiales de 1958 en Suiza y de 1970 en México. Lo que en un comienzo es algo puramente deportivo, se transforma con un paralelo de total trasfondo social. Y es que esta pieza se sumerge en el Brasil de los años 60 y en los efectos de su brutal dictadura militar.

Como deportista, Pelé no toma partido. El juega al fútbol, declara no entender nada de política y señala que el mayor bien que puede hacer por su gente, por su pueblo, es jugar al fútbol. Es por eso que el fracaso de su selección en el Mundial de Inglaterra, en 1966, cala hondo en el jugador y principalmente en la persona.

Pero, entonces, ¿por qué emociona? Tal vez, una de las razones es porque quien relata la historia es el propio Pelé, ahora de 79 años, con movilidad reducida, sentado en una silla de ruedas, apoyado de un andador y con la emoción a flor de piel. También quizás por su honestidad y sinceridad, cuando no elude las infidelidades juveniles y tampoco esquiva los difíciles años en los que la dictadura trató de aprovecharse de su imagen, liderazgo, carisma y atracción. Aporta a este cúmulo de emociones las voces de sus compañeros de selección, Zagallo, Amarildo, Jairzinho, Rivelino, entre otros, junto a familiares, amigos, periodistas, líderes políticos y sociales, etc. La composición del relato les entrega espacios amplios que permiten que se despliegue la narración sin sobresaltos, siempre fluctuando entre la admiración, la emoción, y sin perder nunca de vista el foco del profundo cambio social de la época.

“Pelé” deja varias interrogantes y también, opiniones diversas. Que podría haber profundizado más, que se centra en unos pocos años, que no describe más la vida personal del “rey”, que no desnuda del todo sus inconsecuencias en los años duros, que no presenta al Pelé político de los años 90, etc., etc., etc. Pero claramente, en poco menos de dos horas, no se puede abarcar todo y las decisiones respecto a ello son vitales. Para quienes disfrutamos el fútbol es un regalo revivir la acción del mejor de la historia, y para quienes nos encanta el cine, es interesante observar una perspectiva diferente que intenta abordar al ser humano desde otro ángulo, desde su influencia en la sociedad de la época hasta la marca indeleble que deja en todo un pueblo, en un país completo, en un continente, y en el mundo.

Ficha técnica

Título original: Pelé
Año: 2021
Duración: 108 minutos
País: Reino Unido
Productora: Pitch International (Distribuidora: Netflix)
Género: Documental | Fútbol. Biográfico. Documental deportivo
Música: Felipe Kim
Fotografía: Michael Latham
Reparto: Documental, (intervenciones de: Pelé)
Dirección: David Tryhorn, Ben Nicholas

Shaun, el cordero: la película - Granjaguedon - Por Jackie O.

“baa, baaa, baaaa!” 

Shaun la oveja, salió a la luz más o menos el 2007, donde fue grito y plata en la TV británica. Por lo que de cortos a series, pasamos a su primera película el año 2015, que fue cuando la conocí, ya que tuvo varios premios y otras tantas nominaciones, incluido el Oscar.

Y ahora volvieron a arriesgarse a una nueva película con su particular humor blanco.

Shaun es una oveja que vive en una granja con sus amigos que son otras ovejas, un perro que cuida sigilosamente que todo marché bien, un granjero algo despistado y otros animales. Y como siempre, nuestro amiguito se manda “condoros” (errores y torpezas garrafales y/o meterse en líos graves) los cuales debe corregir, teniendo ahí la oportunidad de ir dejando un buen mensaje.

En esta nueva aventura, vemos como una nave proveniente del espacio exterior (ovni) cae cerca de la granja, lugar donde la fiebre por los ovnis ha crecido por cierto avistamiento, y nuestro esponjado amigo acoge a su curioso pasajero, pero no exento de diversas situaciones simpáticas o de líos dentro de la granja, y fuera de ella. El granjero, aprovechando las recientes noticias de avistamientos de extraterrestres, deduce que puede crear un parque temático basado en extraterrestres, naciendo de la mano de los animales: "Farmageddon", lugar con el que puede ganar dinero para pagar una nueva cosechadora, su sueño.

Todo está muy bien construido, y se ve el gran diseño técnico por parte de Aardman Animations en esta animación estilo stop-motion. Además, otra de las cosas que hay que destacar es que es una película sin ningún tipo de diálogo, donde el slapstick es muy bueno, se ve bien, lo que la hace visualmente muy buena y amena para estos tiempos.

El meter extraterrestres en compañía de estos personajes suena como muy poco original y muy infantil, pero funciona llegando a todas las edades. Shaun y sus amigos son muy carismáticos, y los nuevos personajes agregan buena cuota de comedia.

La ternura y trabajo en equipo, como siempre, se destaca para poder salir del embrollo y además, en este caso, hacer que nuestro extraterrestre vuelva a su hogar.

Y a pesar de no ser una película excelente, es buena porque te hace pasar un buen rato con una historia inocente y divertida. Incluso, si no han visto la primera película, igual disfrutarán de esta nueva historia, porque no hay conexión entre ambas.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon
Dirección: Will Becher y Richard Phelan
Producción: Paul Kewley
Guion: Mark Burton y Jon Brown
Historia: Richard Starzak
Música: Tom Howe
Fotografía: Charles Copping
País: Reino Unido 

Año: 2019 

Duración: 87 minutos
Género: Comedia y ciencia ficción de animación

Emma - Por Carlos Correa

Disponible en HBO Go. 

Basada en la novela homónima de Jane Austen, esta cinta narra la historia de Emma -Anya Taylor-Joy-, una joven aristocrática de solo 21 años que logra influir en la vida amorosa de todo el círculo de personas que le rodea. Emma no tienen rivalidad alguna, su opinión trasciende y su oficio de casamentera cobra cada vez mayor relevancia. Cuando debe buscar una nueva dama de compañía, inesperadamente se ve inserta en una historia de idas y vueltas, de engaños y desengaños, para finalmente tropezar directamente con sus propias trampas.

La película consigue su atractivo gracias a un colorido diseño estético. La representación de sus personajes, los estereotipos, las relaciones, influencias, y todo aquello que rodea la vida social de la época, infunden al metraje variadas características que atrapan al espectador. Anya Taylor-Joy se luce interpretando a Emma con cada matiz de su rostro, con sus luminosos ojos, en sus movimientos y por supuesto con sus filosas intervenciones. Johnny Flynn le sigue el paso muy de cerca, junto con un reparto que ciertamente está a la altura de las circunstancias.

La cuidadosa puesta en escena se observa especialmente en el trabajo de decorado de los grandes salones junto con algunos detalles que habitualmente no se encuentran en producciones de este tipo. Por ejemplo, las coreografías de los bailes son bellas y precisas, y están acompañadas de música interpretada por un conjunto de cámara que toca de verdad, es decir, no son extras que solo hacen mímica. Incluso, la atención en estos detalles se intensifica porque justamente en estas piezas, la afinación no es del todo correcta lo que, además, entrega ese aire de naturalidad que impregna todo el ambiente.

Los enredos de la historia no representan nada nuevo, sin embargo la sutileza de la narración permite seguirles la pista, aunque siempre con algún grado de dificultad. La gran cantidad de personajes confunden aún más, sobre todo en la primera mitad, no obstante el guion se encarga lentamente de armar las relaciones y hacer calzar cada pieza en el lugar que le corresponde.

“Emma” no utiliza una construcción tradicional. Es más, el conflicto central demora en ser expuesto. Gran parte de la cinta transcurre mostrando las rutinas de sus personajes usando un modo de narración muy coloquial, cercano a la gracilidad de una comedia. El tono es, en general, optimista y, cual más cual menos, todos los personajes se amoldan a estructuras previsibles. En este sentido, la tensión va por dentro. Algo no tiene tranquila a Emma; ella no quiere fallar, no quiere equivocarse ni tampoco dar su brazo a torcer.

Es por lo anterior que, cuando se presenta abruptamente la dificultad mayor de la trama, a la cinta ya le queda poco espacio para su desarrollo. Esto sería un problema para la mayoría de las películas, pero “Emma” lo sortea con elegancia, esquivando las irregularidades y recorriendo el último cuarto apurando su velocidad.

A mi modo de ver, las mayores fortalezas de esta adaptación son las actuaciones de sus protagonistas y la banda sonora a cargo de Isobel Waller-Bridge y David Schweitzer. Es un lujo de partitura que no solo acompaña la escena sino que se transforma en un personaje más de la acción. Bien ejecutada, logra un realce impecable, y es difícil imaginar cada cuadro sin sus sonidos respectivos.

La cámara de Autumn de Wilde pone en relieve la fotografía de Christopher Blauvelt quien logra planos abiertos realmente bellos y perfectas locaciones interiores con la cantidad exacta de luz con especiales tonalidades. Privilegiando la estética por sobre cualquier otro elemento, logra una conjunción de estilo visual y sonoro que no solo resulta agradable sino que traspasa la esencia de lo que vemos en pantalla.

“Emma” es una grata sorpresa; encantadora, amable, cordial y sencilla. Logra que la disfrutemos con particular gusto. Nos remonta a la época de la Regencia, en Inglaterra, sin embargo presenta historias cotidianas que no tienen un tiempo y lugar definido, porque cuando se trata de líos amorosos, vida social, familias influyentes, manipulaciones particulares e intervenciones de todo tipo, la época en que transcurran no tiene mayor importancia. Lo fundamental aquí son los sentimientos y si se cumplen o no los designios sociales de cada persona.

Ficha técnica

Título original: Emma
Año: 2020
Duración: 124 minutos
País: Reino Unido
Productora: Working Title Films, Blueprint Pictures (Distribuidora: Focus Features)
Género: Comedia. Drama. Romance | Drama de época. Siglo XIX
Guion: Eleanor Catton (Novela: Jane Austen)
Música: Isobel Waller-Bridge, David Schweitzer
Fotografía: Christopher Blauvelt
Reparto: Anya Taylor-Joy, Angus Imrie, Letty Thomas, Gemma Whelan, Bill Nighy, Aidan White, Rupert Graves, Edward Davis, Johnny Flynn, Miranda Hart, Esther Coles, Mia Goth, Myra McFadyen, Josh O'Connor, Nicholas Burns, Callum Turner, Tanya Reynolds, Chloe Pirrie, Suzy Bloom, Anna Francolini, Lucy Briers, Connor Swindells, Amber Anderson, Isis Hainsworth, Christopher Godwin, Charlotte Weston, Oliver Chris
Dirección: Autumn de Wilde

Akelarre - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Obra muy hermosa - en fondo y forma - que expone una aberración histórica y, a la vez, celebra la astucia femenina cuando es el último recurso para sobrevivir.

Sucede en el país vasco español en 1609. La Inquisición ataca con fuerza. En una aldea de pescadores todos los hombres se han internado en el mar hasta la próxima luna llena. En el villorrio sólo quedaron las mujeres, niños, y un pusilánime fraile joven.

Por orden del rey Felipe III, el juez Rostegui, junto a un notario, un cirujano y unos soldados, debe recorrer la región en busca de personas que practiquen la brujería. Si las encuentra, luego de torturarlas arderán en la hoguera de los herejes.

Llegan a esta comarca porque alguien les dio el soplo que hay cinco muchachas que practican magia negra. La verdad es que son sólo cuatro adolescentes, y una niña chica, que se divierten jugando y bailando en el bosque.

Como las respuestas del interrogatorio son confusas, serán brutalmente fustigadas y mantenidas aparte en una prisión insalubre. La única esperanza es el retorno de los marineros para hacerles frente a los inquisidores.

Ante la incapacidad de probar su inocencia, y su inevitable ejecución, urden un plan desesperado para sugestionar a los sabuesos. Utilizando los mismos prejuicios de los cancerberos fingen ser hechiceras de verdad, y con poderes infernales seducir sexualmente al Juez y a su comitiva. Ello con la esperanza de ganar tiempo hasta el retorno de los pescadores.

Si bien el hecho es una tragedia, el encanto de las jóvenes y la estupidez obcecada de los inquisidores, bañan el relato con un hálito de humor negro. La supuesta magia demoníaca transformará el final en magia poética: única salida para aquellas almas inocentes oprimidas por el fanatismo y la brutalidad.

Actuaciones frescas y espontáneas. Bellísima iluminación evocando pinturas al óleo de la época, música incidental folclórica, y primeros planos empáticos de todos los personajes. Hablada en euskera.

Para mejor disfrutarla sugerimos dejarse absorber por el ambiente medieval, seguir la trama admirando sus costumbres, y reaccionar frente al horror satírico de la ignorancia.

UNA FASCINANTE DENUNCIA TANTO POR LO QUE DICE COMO POR LO QUE CALLA. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Tragicomedia, oscurantismo

2020 España, Francia, Argentina - 1,30 hrs. 

Fotografía: Javier Aguirre 

Edición: Teresa Font 

Música: Maite Arrotajauregui, Aránzazu Calleja 

Diseño Prod.: Mikel Serrano 

Guion: Pablo Agüero, Katell Guillou 

Actores: Amaia Aberasturi, Alex Brendemühl, Daniel Fanego 

Director: Pablo Agüero

Ausencia - Por Jackie O.

“Conociendo a otra mujer fuerte”. 

Sinopsis: “Carmen Arriagada es una mujer singular en su época, la primera escritora chilena y con un fuerte discurso político, algo que genera extrañeza en la aburrida y conservadora Talca de 1845. Casada con el militar retirado Eduardo Gutike, pasa sus días escribiendo cartas a su amante, el renombrado pintor Moritz Rugendas, con quien mantiene una relación epistolar por 10 años. Hasta que Rugendas vuelve a Talca por última vez, antes de regresar a Alemania definitivamente, esta visita no sólo pone en manifiesto el triángulo amoroso que viven los tres amigos, sino también el dolor y la soledad en que ha vivido Carmen su ausencia”. 

Maravilloso es poder conocer a personajes de la historia de nuestro país.

Y no sabía de la existencia de esta mujer, por lo que mi curiosidad y placer para ver esta película creció.

María del Carmen Thomasa del Rosario Arriagada García nació en 1807. Mujer culta,  de buena situación económica, a los 18 años, más o menos, contrajo matrimonio con un militar alemán. A los 28, participaba de las tertulias que solo eran para hombres, pero se ganó su espacio por su cultura y carácter. Pero las mujeres la miraban mal, más aun porque no tenía hijos, situación que se ve reflejada en esta cinta.

Una cinta de época, con un buen diseño de arte, cada detalle está bien posicionado, vestuario, peinado y maquillaje bien logrado, unas locaciones bellísimas de un sector de nuestro país.

Lamentablemente una buena historia, con un personaje femenino que debió haberse potenciado más.

Estaban todos los elementos: una mujer con carácter pero a la vez con cierta fragilidad, una escritora, un trio amoroso, una pasión y más. Pero las actuaciones, su guion, como su dirección,  fallaron.

En varias partes de la película, los susurros impiden entender bien el dialogo, el hablar bajo se entiende que en determinados momentos es necesario, por el sonido falló.

Las escenas de amor y sensualidad no se aprovecharon, no provocaron.

Una propuesta que dio para conocer a un personaje de nuestra cultural, a una mujer llena de pasión. 

Disponible en www.ondamedia.cl

Ficha técnica

Año: 2017

Chile
Largometraje drama, ficción / 76 min. / Digital / Color
Dirigida por Claudio Marcone y Liu Marino
Guion: Rodrigo Antonio Norero
Elenco:
Daniela Ramírez, Diego Noguera, Francisco Ossa, Paola Lattus, Ernesto Anacona, Daniel Antivilo
Dirección de fotografía: Enrique Stindt
Montaje: José Luis Torres Leiva
Dirección de Arte: Bernardita Ross y Camilo Solis
Sonido: Cristián Mascaró
Música: Darío Segui
Vestuario: Lizbeth Haltenhoff

Buenos días, Verónica - Por Jackie O.

“El infierno del maltrato.” 

Serie de TV brasileña basada en la novela del mismo nombre, creada por Raphael Montes junto a Ilana Casoy, bajo el seudónimo de Andrea Killmore.

Esta serie seguirá la historia de Verônica Torres, una secretaria de policía que trabaja en una comisaría de homicidios en São Paulo. Casada y con hijos, su rutina acaba siendo interrumpida al presenciar el impactante suicidio de una joven, y posteriormente, recibe una llamada anónima de una mujer desesperada pidiendo ayuda.

Una serie que habla sobre el maltrato hacia la mujer. Cruda, dramática, real.

Verónica tiene sus traumas que iremos descubriendo en el transcurso de la trama. Tiene un trabajo más bien administrativo, no tiene experiencia en el “campo”, así es que no tiene el conocimiento real y la experticia de participar de la crudeza de las calles, y eso hace que tenga más tiempo y paciencia para la contención ante la crisis cuando se requiere.

Es real, y se ve cruel, enfrentar a quienes ven muchos delitos que no tengan el tiempo y/o paciencia, o incluso la empatía para dedicarlo exclusivamente a una víctima, se va directo al grano. Lo emocional está en juego para ambos lados.

Los primeros minutos presenciaremos una muerte y eso afecta a Verónica. Eso la hace, y más bien necesita ella, saber más de los hechos, más cuando aparece otra víctima en la oficina que pudo haber pasado por lo mismo que la suicida. Provoca  que se inmiscuya en el caso y aparezca en la TV.

Y por ese enlace televisivo aparece nuestra otra protagonista, Janet, una mujer que sufre maltrato físico y psicológico.

Ahí, entre ambas, se entrelaza esta historia.

Las escenas que nos muestran hablan no solo del maltrato físico, sino que del psicológico y del laboral. También vemos corrupción, de la dualidad sororidad y poca empatía. Además, vamos conociendo los traumas que nuestros principales personajes tienen con sus padres.

Vemos lo vulnerable y pisoteado que es el ser humano, en este caso la mujer, cuando su mente es trabajada, posesionada por otros más fuertes y crueles que se aprovechan.

La puesta en escena fue bien trabajada, las actuaciones de los personajes es buena; destaco principalmente a Camila Morgado y Eduardo Moscovis. Un guion bien adaptado y buen maquillaje.

Al finalizar cada capítulo hace un llamado a denunciar los maltratos. Bueno, quiero terminar esta reseña de la misma forma:

Si eres testigo o víctima de violencia, llama a cualquiera de los siguientes números (Chile):

Fono Familia, Carabineros: 149. 

Policía de Investigaciones: 134.
Fono de orientación y ayuda por violencia contra las mujeres: 1455.
Fono Denuncia Segura: 600 400 0101.
WhatsApp Mujer +569 9700 7000.
https://minmujeryeg.gob.cl

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Bom Dia, Verônica
Dirigido por José Henrique Fonseca, Izabel Jaguaribe y Rog de Souza
País: Brasil

Año: 2020
Temporadas; 1
Episodios: 8
Reparto:
Tainá Müller, Verônica Torres
Elisa Volpatto, Anita
Camila Morgado, Janete
Eduardo Moscovis, Claúdio Antunes Brandão
Antônio Grassi, Wilson Carvana

Fatman - Por Jackie O.

"Lo único rojo, es sangre". 

Sinopsis : Un niño de 12 años que recibe un carbón en Navidad contrata a un sicario para que acabe con Santa Claus, quien, ajeno al precio que han puesto a su cabeza, vive preocupado por lo mal que funciona el negocio.

Podríamos decir que esta película llegó tarde, pero no, ya que no hay cánticos, ni risas, ni luces, ni unos jo jo jo! . 

Mel Gibson nos trae un Santa Claus diferente, de pasado y presente oscuro, gruñón, cansado, bebedor y molesto por las deudas. Vive con su paciente y amable esposa de raza negra, quien lo anima cada día y le prepara su chocolate caliente y galletas.

El negocio de los juguetes va mal, ya que este viejo pascuero ha regalado más carbón que juguetes; es que los niños hoy en día no se merecen otra cosa por sus actos. Y además, la sociedad ha perdido el espíritu de la Navidad, todo es un negocio. 

Pero las deudas lo tiene mal, así que lejos de lo que quería, debe asociarse con el ejército de los E.E.U.U. para que sus duendes ayuden en la fabricación de elementos de guerra, para así poder ganar algo de dinero.

Por otro lado tenemos a un niño mimado, solo y arrogante, que recibe de regalo un carbón, pues se lo merece. Y como tiene muchos recursos económicos, le paga a un sicario para que mate a este viejo gordo, ni tanto en realidad, por ese hecho.

Y nuestro tercer personaje principal es el sicario, un sujeto obsecionado con Santa Claus, buscando y comprando todos los juguetes que salen de su taller, pero su principal pasatiempo es ser un matón sin escrúpulos, que acepta gustosamente esta nueva misión, ya que tiene asuntos pendientes a con este "Gordo".

La película es una comedia negra, divertida por lo absurdas de sus situaciones, diferente, con un guion original e inteligente.

Pudo haber sido mejor, sí, ya que la acción sangrienta está casi al final, por lo que faltó algo de tensión entremedio. Pero no resta de que sea algo diferente y simpático para ver.

Además, en lo personal, me encanta ver a Mel Gibson en cualquier rol.

Disponible a través de Cining, en las salas de cine online de Cinemark y Cine Hoyts.

Ficha técnica

Título Original: Fatman
Año: 2020
Fantasía/Comedia negra
Duración: 1h 40m
Director: Eshom Nelms y Ian Nelms.
Reparto: Chance Hurstfield., Marianne Jean-Baptiste, Mel Gibson, Walton Goggins.

Descuida, yo te cuido - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

La necesidad es inminente. Cuando una persona mayor no es autovalente necesita ayuda. Y si no tiene a quién recurrir, el estado se preocupa de ella o de él, y le asigna un tutor legal. De esta forma, la persona será cuidada en la etapa final de su vida en una residencia especializada. El propósito es perfecto, pero la realidad es muy diferente. Marla Grayson -Rosamund Pike- conoce muy bien la ley y sabe usarla, pero a su favor. El objetivo no es el bienestar de sus representados; muy por el contrario, el fin último es su enriquecimiento personal y el de su socia y compañera Fran -Eiza González-.

Como el “negocio” va bien, surge una oportunidad que vale oro. La Dra. Karen Amos -Alicia Witt-, principal socia de Marla y responsable de los falsos informes médicos que permiten vulnerar el sistema, tiene una nueva paciente en la mira. Se trata de Jennifer Peterson -Dianne Wiest-, una mujer mayor, jubilada y adinerada que, al parecer, no tiene descendencia ni familia que se pueda interponer. Se transforma en la presa perfecta pues luego de investigarla de arriba a abajo, no encuentran nada que les haga sospechar. El problema es que por deficiencias de información o exceso de confianza, han marcado un blanco incorrecto; se han involucrado con la persona equivocada. 

Escrita y dirigida por J Blakeson, esta cinta tiene al menos dos premisas interesantes en el trasfondo de su trama. La primera tiene que ver con el abuso de la condición física o mental de ancianas y ancianos débiles, sin muchas redes, logrando sentencias en base a antecedentes fraudulentos que entregan la tutoría legal a una inescrupulosa profesional que, en vez de velar por su bienestar, usufructa de sus bienes y su dinero a través una red creada para esos efectos. La segunda es que la película no tiene personajes que representen nada bueno; los hay malos y los hay peores… y, además, pelean entre ellos.

El desarrollo del guion atrapa desde el comienzo, sobre todo, diría, en los primeros dos tercios. La edición es rápida, los hechos suceden vertiginosamente y el escenario queda claro desde el inicio. Parte fundamental de esta exposición y primeros minutos del desarrollo es la notable actuación de Rosamund Pike, quien personifica a una mujer que avanza sin transar, con gran prestancia y seguridad, prácticamente sin grietas que la hagan vulnerable y que, además, está decidida a alcanzar la cima. Su caracterización es sólida y, aunque por momentos exagerada, configura un personaje creíble desde la ambición y arrogancia que demuestra sin miramientos de ningún tipo, actuación que se le ha reconocido con un reciente Globo de Oro.

Como contraparte tenemos al siempre versátil Peter Dinklage. Encarnando a Roman Lunyov, un frío y despiadado mafioso ruso y principal interesado en la condición de la anciana secuestrada, Dinklage se potencia junto a Pike, logrando ambos, los mejores pasajes del relato. Por separado o juntos, sostienen el metraje con sus miradas penetrantes y sus gestos particulares. El resto del elenco les acompaña de cerca, siempre dejándolos en posición central para que brillen sin contraste alguno.

Thriller entretenido, con matices de comedia negra, humor en gotitas y un dejo de sabor amargo, “Descuida, yo te cuido” se hace ágil y liviana. El problema radica en su último tercio, cuando lo improbable se apodera de la pantalla, cuando el guion quiere producir quiebres para enrielarse y cuando, a poco de concluir, hace imprescindibles ciertos giros argumentales para poder cerrar una historia que ya se escapa de las manos. Son los minutos más flojos, en los que pasa poco y que funcionan como una carga de arrastre en comparación con la dinámica construida anterioriormente.

“I Care a Lot” podría haber conseguido algo mejor amarrando de otra forma su parte conclusiva. Aquello no le quita mérito a su atinente temática que devela profundos quiebres morales e incorpora importantes dilemas éticos. Si bien no posee marcados contrapesos, al menos no se olvida del origen primigenio de la temática sobre la que está basada esta gran estafa.

Ficha técnica

Título original: I Care a Lot
Año: 2020
Duración: 118 minutos
País: Reino Unido
Productora: Black Bear Pictures, Crimple Beck (Distribuidora: Netflix, GEM Entertainment)
Género: Thriller. Drama | Comedia negra
Guion: J Blakeson
Música: Marc Canham
Fotografía: Doug Emmett, Mike Valentine
Reparto: Rosamund Pike, Peter Dinklage, Eiza González, Dianne Wiest, Chris Messina, Isiah Whitlock Jr., Macon Blair, Damian Young, Arthur Hiou, Jamie Ghazarian, Kayla Caulfield, Georgia Lyman, Leah Procito, Jose Guns Alves, Kevin McCormick, Adam Desautels, Cassidy Neal, Scott Sederquist, Ava Gaudet, Lin Hultgren, Elaine Victoria Grey, Nicholas Logan, Celeste Oliva, Daniel Washington, Michael Malvesti, Jeff Bouffard, Marinko Radakovic, Alicia Witt, Janelle Feigley, Heidi Garrow, Rob Lévesque
Dirección: J Blakeson

WandaVision (Parte 2) - Por Jackie O.

“Aventuras, penas y amor”.

La historia que nos mantenía cautivados llegó a su fin.

El primer capítulo comenzó después de Avengers Endgame, y lidia con las diferentes etapas en el duelo de Wanda Maximoff. (Y ya hice mención de los primeros capítulos en otro post).

Continuamos con esta trágica y romántica historia de Wanda y Vision, quiénes se enamoraron en las pasadas películas de Marvel. La química comienza desde "Avengers: Age Of Ultron", donde Vision nace y Wanda conoce a los vengadores.

Después del capítulo 9, podemos saber el por qué esta historia debía contarse como una serie. El desarrollo de Wanda es grandioso, Elizabeth Olsen nació para el rol de La Bruja Escarlata. Todos teníamos conocimientos sobre lo poderosa que era, y lo fácil que es para ella dominar y usar ese poder a su antojo, tal como vimos en la serie. 

Vemos a Wanda y Vision compartiendo su vida como dos personas normales. Donde Wanda crea un mundo alrededor del pueblo de Westview, y se basa en un formato de series de comedia estadounidense a través de las épocas, iniciando en la década de los 50 y hasta nuestros días. La historia va progresando con cada capítulo por las diferentes décadas, y se va desenvolviendo el misterio de qué sucede en Westview.

Una serie que está llena de referencias y guiños a series de comedia históricas, del MCU, películas, y por supuesto, los cómics de Marvel.

En cuanto a sus personajes, Elizabeth Olsen está genial en dramatismo y comicidad para mostraros la intimidad de su personaje. Destaco su rol como dentro de lo mejor que ha hecho en su carrera. En cuanto al personaje de Agatha es fabulosa, y Kathryn Hahn fue un acierto para representarla.

No sorprendió al saber su rol, ya que los fans conocen la historia Marvel, en donde Agatha apareció por primera vez en 1970 en el cómic N°94 de Fantastic Four. Y al contrario de la serie, ella es en realidad un soporte muy importante para Wanda. En la serie, vemos guiños muy sutiles a esta relación alumna-maestra, que, tal vez, volveremos a ver en futuras entregas.

El resto del elenco, bueno.

Una serie que todos pueden ver porque entretiene por su puesta en escena, vestuario, maquillaje y peinados fabulosos. Y buenos efectos visuales.

Pero hecho para fans por su guion. El que no es fan y no ha seguido de manera casi religiosa este mundo, creo, repito, creo que se perderá los detalles, porque acá los detalles y personajes son esenciales entenderlos.

¿Segunda temporada? Nadie sabe. Y aunque terminó bien esta temporada, igual quedaron algunas preguntas sin responder.

Una serie que vale ver, sin olvidar que no deben moverse de su asiento hasta que la pantalla quede en negro.

Disponible en Disney+

Ficha técnica

Primer episodio: 15.01.2021
Último episodio: 05.03.2021
Cantidad: 9, de 30 min. aprox. c/u
Dirigido por: Matt Shakman
Protagonistas: 
Elizabeth Olsen,Paul Bettany, Kathryn Hahn, Teyonah Parris, Kat Dennings, Randall Park, otros.

Noticias del gran mundo - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Jefferson Kyle Kidd -Tom Hanks- recorre pueblo tras pueblo dando a conocer las noticias de los periódicos. Kyle Kidd es un veterano de la Guerra Civil de Estados Unidos. Solo han pasado cinco años. Las marcas permanecen en su rostro y en su forma de enfrentar la vida. En el Estado de Texas, y en uno de sus tantos peregrinajes, Jefferson descubre un incidente. Una carreta ha sido asaltada violentamente dejando como resultado un soldado de color muerto y una niña de diez años desamparada. El ex capitán no rehuye la responsabilidad. No puede dejar a la niña sola, abandonada a su suerte, por lo que intenta entregarla a las autoridades pero no es acogido en su gestión. Surge entonces una idea, un nuevo propósito. Leyendo la bitácora que encuentra junto a la pequeña, se entera que la niña se llama Johanna -Helena Zengel-, que ha sido secuestrada seis años atrás por la tribu india Kiowa, y que tendría unos parientes en Castroville. Con todos estos antecedentes, decide emprender el largo viaje hacia ese pueblo, un trayecto no exento de problemas y lleno de dificultades que incluso ponen en peligro sus propias vidas.

Esta película encuentra su fondo narrativo en al menos tres aspectos fundamentales. El primero dice relación con las heridas personales, la soledad, el desarraigo y el abandono. Los dos protagonistas se enfrentan a ello desde dimensiones muy diferentes pero que, sin embargo, conectan desde lo más íntimo.

Un segundo punto tiene que ver con las consecuencias devastadoras de una brutal guerra civil por un lado, y la segregación y disputa violenta que afecta a los pueblos originarios, por otro. Kyle no ha logrado siquiera avanzar en la comprensión de lo que ha vivido y tal vez solo intenta evadirlo y mantenerse en pie estando ocupado. Johanna, por su parte, aun no alcanza a entender su situación, solo la vive de manera instintiva, con temor y desconfianza, con rabietas, pero también con ternura cuando es tratada con cariño.

Un tercer aspecto dice relación con la necesidad de escuchar historias y de contar historias. El oficio de Jefferson Kyle Kidd no es solo leer las noticias. Él las adorna y por supuesto inventa otras; las relata, pero también realiza una cuidada puesta en escena. Johanna comienza a ser parte de aquello, sin saberlo ni proponérselo. Nace algo profundo, no verbal, en sintonía, que permite que ambos se acompañen en la medida que van descubriendo sus particularidades.

“News of the World” se basa en la novela de Paulette Jiles y funciona bien ofreciendo un Western diferente. Los elementos clásicos están presentes en el guion escrito por Luke Davies y el también director Paul Greengrass, pero sin duda se suman otros detalles complementando un fondo que se visualiza difuso y que emerge intermitente durante su desarrollo.

La producción resulta interesante. Su duración, casi dos horas, parece extensa para una acción que se reduce al objetivo del viaje, pero allí está la magia. La mezcla de acción, los peligros que juntos deben enfrentar y esa conexión que va surgiendo entre dos almas tan diferentes, que ni siquiera comparten el recurso del idioma, se transforma en el nervio central de la cinta. Por lo mismo adquieren más importancia las miradas y los gestos. Conocemos la capacidad de Tom Hanks para transmitir sensaciones que captamos solo con observar su postura, sus ojos, o percibir su tono de voz. Pero no sería suficiente sin la sorprendente actuación de la pequeña Helena Zengel que, por momentos, se roba la escena y el corazón de la audiencia.

“Noticias del Gran Mundo” deja un sabor dulce. De la mano de una partitura sobria y adecuada compuesta por James Newton Howard, el relato nos presenta un punto de vista distinto de una historia tal vez conocida y retratada en innumerables trabajos. Es un viaje al pasado, pero también un reflejo de nuestro presente. Carencias afectivas, divisiones, maldad, buena voluntad, coraje y decisión, componen un argumento que va transformando lentamente a sus protagonistas. Hay temas que fluyen delicadamente y otros que tal vez necesitan un poco más de desarrollo, pero aquello no dificulta su comprensión. Lo que queda es, en parte idealismo, en parte redención, aspectos suficientes para dotar de una buena base a una película que se ubica un tanto más allá de la media.

Ficha técnica

Título original: News of the World
Año: 2020
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Playtone, Pretty Pictures, Universal Pictures, Perfec World Pictures Co (Distribuidora: Universal Pictures, Netflix)
Género: Western. Drama | Road Movie. Secuestros / Desapariciones. Siglo XIX
Guion: Paul Greengrass, Luke Davies (Novela: Paulette Jiles)
Música: James Newton Howard
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Tom Hanks, Helena Zengel, Neil Sandilands, Elizabeth Marvel, Ray McKinnon, Mare Winningham, Bill Camp, Chukwudi Iwuji, Thomas Francis Murphy, Tom Astor, Michael Angelo Covino, Fred Hechinger, Annacheska Brown, Christopher Hagen, Stafford Douglas, Michelle Campbell, Stephanie Hill, Clint Obenchain, Cheo Tapia, Winsome Brown, J. Nathan Simmons, Cynthia Casaus, Francheska Bardacke, William Sterchi, David Hight, Brenden Wedner, Randy Ritsema, Bob Knowlton
Dirección: Paul Greengrass

La Excavación - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Biografía histórica y sentimental de un fabuloso descubrimiento arqueológico en pleno siglo 20. Se trata de una nave funeraria anglosajona, anterior a los vikingos, sepultada en una finca de Suffolk, Inglaterra.

A primera vista sólo podría parecer la historia de un hallazgo arqueológico. Pero la belleza técnica de su realización, la madurez interpretativa de sus actores, y la enorme cantidad de metáforas que casi pasan desapercibidas la colocan entre aquellas películas que, sin aspavientos, son un deleite de inteligencia, historia y sutileza narrativa.

Edith May Pretty (Carey Mulligan-Las Sufraguistas 2015) fue una terrateniente inglesa, viuda, en cuyas tierras se descubrió el entierro de Sutton Hoo, después de que contratara a Basil Brown, un excavador/arqueólogo aficionado local, para que averiguara si había algo debajo de unos montículos de su propiedad.

La porfiada intuición de Mrs.Pretty, y la vocación incansable del ya maduro Basil Brown (Ralph Fiennes: Lord Voldemort en Harry Potter), hicieron factible la proeza.

El tratamiento cinematográfico nos acerca, con discreción muy británica, a la intimidad cotidiana de ambos protagonistas.

A medida que avanza el proceso, desde vagas presunciones, hasta que empiezan a surgir las primera evidencias, irán incorporándose nuevos científicos, y la inevitable rivalidad por llevar el tesoro al Museo Británico o al de Ipswich, por ser regional.

El cercano advenimiento de la 2ª Guerra Mundial, con su secuela de reclutamientos y bombardeos, otorga la urgencia de los excavadores por completar pronto la tarea, y poner las reliquias a resguardo.

En el proceso se develarán escenas adyacentes con personajes secundarios y sus conflictos matrimoniales. Entre ellos está el de Peggy Piggott (Lily James), joven arqueóloga que tuvo la suerte de hallar un tremis merovingio de la Edad Media, s VI, joya invaluable de la antigüedad. Y fue justamente esta señora la tía de John Preston, autor de la novela que dio origen a la película.

Además de conocer los detalles del hecho histórico y de quienes lo forjaron, el filme nos permite disfrutar de un guion fluido y acompasado, de una fotografía hermosa (Mike Eley) editada por Jon Harris que sobrepone con acierto diálogos previos o posteriores, sobre imágenes diferentes para enriquecer la continuidad del relato.

Admirable caracterización, física y psicológica, de Ralph Fiennes como el modesto Basil Brown. El Estado inglés le rindió póstumo homenaje a este hombre que en su momento fue, injustamente, menos valorado.

HERMOSO HOMENAJE A LA MEMORIA DE EDITH PRETTY Y BASIL BROWN POR SU APORTE A LA HISTORIA. FINA, AMENA Y EDUCATIVA. 

Ficha técnica

Título Original: The Dig

2021 Biografía, historia Inglaterra - 1,52 hrs. 

Fotografía: Mike Eley 

Edición: Jon Harris 

Música: Stefan Gregory 

Diseño Prod.: Maria Djurkovic 

Guion: Moira Buffini, John Preston (novela) 

Actores: Carey Mulligan, Ralph Fiennes, Lily James 

Director: Simon Stone

Malcolm & Marie - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Escrita y dirigida por Sam Levinson, esta cinta presenta al director de cine Malcolm Elliott -John David Washington-, y a su novia Marie Jones -Zendaya-, la noche del estreno de su película. El desarrollo se produce al regresar a su hogar, la Caterpillar House, una casa privada ubicada en Carmel-by-the-Sea, California.

La esencia de la cinta es teatral. Solo dos actores, dos personajes, que dialogan extensamente durante casi toda la noche sobre el arte de las películas, sobre el papel de la crítica, sobre sus vidas, sobre la sociedad, y por sobre todo, sobre su propia relación de pareja.

Malcolm llega eufórico luego de la buena acogida de su trabajo cinematográfico por parte del público y de los críticos presentes en la función. Marie, algo distante, le cocina unos macarrones con queso y escucha sus divagaciones. En poco tiempo, el peso dramático cambia. Es ella, ahora, quien se adueña del discurso y comenzamos a observar las primeras fisuras. Los diálogos se van turnando, largos momentos para uno y otro, crece la tensión, aumentan las recriminaciones, sube el tono y también las fricciones.

Sam Levinson construye un texto interesante, por momentos abrumador. Entrega, a cada personaje, líneas que reflejan una emotividad que brota desde las entrañas. El trabajo de Zendaya y Washington transpira oficio actoral, completando sus respectivas voces con acentos corporales que reflejan un prominente lenguaje no verbal.

La cinta transcurre en una sola locación, otro desafío mayor para el rodaje. Es de noche y, aunque la casa es amplia, la acción se circunscribe a unos pocos espacios que encierran aun más a los protagonistas.

La cámara de Levinson tiene muchos elementos interesantes, movilidad, cambios de perspectivas y primeros planos crecientes. Sin embargo, en algunos momentos, estos recursos se tienden a agotar, ya sea por repetición o bien porque no aportan necesariamente una mirada diferente dentro de la larga discusión que presenciamos.

“Malcolm & Marie” carece de encuentros sexuales sin embargo se percibe especialmente sensual. La tensión entre ambos es innegable, existe química y atracción. Incluso, en los instantes más álgidos, se percibe ese imán invisible que hace que sus cuerpos se acerquen.

Uno de los méritos de la película es su minimalismo. Filmada en blanco y negro -aunque no entiendo el por qué de la decisión-, apunta a resaltar contrastes, tanto en los argumentos como en los diferentes planos que captura. Al ser rodada de noche, cobra aun más relevancia la iluminación utilizada para cada escena, como asimismo la continuidad que se debe observar para conservar la unidad de la narración.

Si tomamos en cuenta que la cinta fue escrita durante la pandemia y filmada entre junio y julio de 2020, resulta interesante el trabajo desarrollado. Si bien no denota la influencia del COVID-19, la película aborda otros tipos de confinamientos, exclusiones y discriminaciones a través de sus generosos párrafos. Las temáticas abordadas son múltiples, sin embargo las más llamativas tienen que ver con los sentimientos que Malcolm y Marie tienen en su interior y lo que que recriminan a su pareja. Esta montaña de emociones es frenética, intensa, desgarrante, arrebatadora, incesante.

“Malcolm & Marie” es más una obra de teatro filmada que un trabajo cinematográfico puro. Aquello no le resta mérito a la estupenda fotografía de Marcell Rév ni a su apropiada banda sonora. Por el contrario, se transforma en una verdadera experiencia donde muchas escenas se potencian gracias a primeros planos muy cercanos y también producto de ciertos ángulos de cámara que enfocan perspectivas atractivas. Aun así, creo que su esencia responde más al teatro que al cine, límite que por cierto se hace difuso y por cierto debatible.

El desafío actoral para Zendaya y John David Washington es superado satisfactoriamente. Ambos sostienen un metraje extenso y de gran intensidad. El respiro tarda en llegar, sin ser de ninguna manera conclusivo. ¿Llegará la luz de un nuevo día para augurar el inicio de un nuevo ciclo de dos personas íntimamente conectadas y cuyo amor se percibe más allá de sus profundas discusiones y diferencias vitales?

Ficha técnica

Título original: Malcolm & Marie
Año: 2021
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Little Lamb, The Reasonable Bunch (Distribuidora: Netflix)
Género: Drama. Romance | Drama romántico
Guion: Sam Levinson
Fotografía: Marcell Rév (B&W)
Reparto: Zendaya, John David Washington
Dirección: Sam Levinson

Locas Mujeres - Por Jackie O.

“Yo no me merezco ese cariño suyo, y menos esa admiración.”

Sinopsis: “Documental que explora el mundo interior de la poeta chilena Gabriela Mistral y su relación con la norteamericana Doris Dana. 

Gabriela encuentra en Doris una compañera, una familia y un hogar en Roslyn, Long Island. Y consciente de que su compañera pronto ya no estará, Doris registra las conversaciones con Gabriela y los amigos que llegan a la casa. Esas grabaciones, son nuestra llave de acceso al universo afectivo de esta mujer, cuya sensibilidad y ambición, la convierten en protagonista de su época”.

Un documental que nos hace entrar en parte a la vida de una mujer chilena, recorremos un poco el mundo, conocemos gente y escritos inéditos de nuestra Gabriela. Además de su intimidad y de su talento.

Mientras, recordamos que Doris Dana ejerció como albacea de la poetisa, guardando innumerables cartas, manuscritos y documentos, que después de su muerte fueron donados por su sobrina al Estado de Chile, por lo que la historia de estos documentos, y la relación entre ambas mujeres, son el centro de atención del documental. Y es esta sobrina, quien nos abre la puerta en la historia de estas mujeres de manera emotiva y sincera.

Podemos ver como Gabriela Mistral fue alguien que entregó cariño y conocimiento a muchos, también logró plasmar sus sentimientos más profundos en papel, creando grandiosas obras, que, incluso en pequeñas notas,  podemos ver su sensibilidad y talento.

Y este documental nos muestra a un ser humano con sentimientos, con penas y alegrías, un documental que analiza la vida y obra de la artista a partir de documentos cuidadosamente guardados y sacados a la luz para hablarnos de amor.

De amor sincero, de amor noble.

El documental, en sí, es un antecedente histórico que vale ver. Con su cuidadoso blanco y negro nos hace retroceder amablemente en el tiempo; en lo único que podría reparar es que a veces, sus tomas tan cerradas no dieran espacio a la apreciación, y que la cámara se detuviera fijamente en momentos y lugares que no eran lo mejor, existiendo muchas imágenes bellas.

Disponible en www.ondamedia.cl

Ficha técnica

Año: 2010 

Duración: 72 minutos
Género: documental
Dirigida por: María Elena Wood
Guion: María Elena Wood y Rosario López
Dirección de fotografía: Gabriel Díaz
Montaje: Sophie França
Sonido: Miguel Hormazábal

La Bruja - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Leyenda folclórica inglesa del siglo 17 llena de magia y misterio. 

Denuncia las aberraciones psicológicas del fundamentalismo religioso.

William y su familia - profundamente cristianos - se alejan de una comunidad puritana en EE.UU. por cuestionar ciertas normas internas. Se instalan a vivir solos en un claro del bosque.

Subsisten en armonía hasta que un día, sin explicación, desaparece Sam, el 5° hijo, todavía lactante. Nunca lo hallarán.

El fracaso de la búsqueda, el desconsuelo de la madre y la angustia de todos irá dando origen a una cadena de pequeñas mentirillas que, para sus conciencias, son graves pecados contra Dios.

Para calmar la mezcla de tristeza y escrupulosidad moral

terminarán acusando a la hija mayor - Tomasina - de bruja, por más que ella lo niegue.

Los supuestos peligros del bosque circundante, las extrañas luces y ruidos nocturnos, la carencia de cosechas y las pesadillas, activarán la fantasía de sus miembros - niños y adultos - creando para ellos una nueva realidad cada vez más infernal.

Las alucinaciones se harán concretas, haciendo imposible diferenciar lo real de lo ilusorio. Y mientras más recurran a la oración, más sentirán el castigo por sus pecados.

Para ellos el demonio se encarnará en el chivato negro del corral y en otros animales. La maldición de las criaturas del bosque los seducirá hasta matarlos.

La espiral de dolor, culpa y sugestión seguirá ascendiendo hasta demostrarles que todo lo temido e imaginado podría ser verdad.

Temprano lucimiento de Anya Taylor-Joy, como Tomasina (El Juego de Gambito -2020) actriz predilecta del director Eggers. Apuntalada por expertos actores como Ralph Ineson, el padre (Guardianes de la Galaxia, 2014), y la escocesa Kate Dickie, como la madre (Prometeo, 2012). Sin olvidar a los niños, destacando a Harvey Scrimshaw, como el adolescente Caleb (El Demonio Exterior, 2018).

¡Inspirado trabajo de dirección! Robert Eggers (El Faro - 2019) logra un filme de terror elegante, sin los habituales clichés efectistas, privilegiando la temática espiritual para envolvernos en el pavor psicológico del fanatismo.

Atmosférica por excelencia. Paisajes nublados y agrestes. Silenciosa oscuridad entre secuencias. Poesía onírica: pequeños mellizos capaces de visualizar una bruja desnuda mientras a su madre un cuervo, como encarnación del bebé perdido, le picotea un seno hasta hacérselo sangrar.

Epílogo: este filme se inspiró en leyendas folclóricas, diarios y documentos de brujería. Muchos de sus diálogos se obtuvieron de ahí.

APASIONA MÁS POR SU ATMÓSFERA Y ACTUACIONES QUE POR LA SOLIDEZ DE SU ARGUMENTO. UNA VALIOSA ALTERNATIVA DE TERROR. MUY INTERESANTE.

Ficha técnica

Título Original: The Witch

2015 Terror, misterio Canadá, EE.UU. - 1, 32 hrs. 

Fotografía: Jarin Blaschke 

Edición: Louise Ford 

Música: Mark Korven 

Diseño Prod.: Craig Lathrop 

Actores: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie 

Guionista y Director: Robert Eggers