Wish, el poder de los deseos - Por Jackie O.

"El valor de lo que amas"

Sinopsis: La joven Asha pide un deseo tan poderoso que es respondido por una fuerza cósmica, representada por una pequeña bola de energía ilimitada llamada Estrella. Con la ayuda de Star, Asha debe salvar su reino del Rey Magnífico y demostrar que cuando la voluntad de un humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas.

El reino de las rosas es un lugar mágico, creado por un Rey quien se hace llamar "Magnífico", que junto a su esposa, creó un reino alejado y maravilloso para que no ocurran incidentes que lamentar, pues él tiene un pasado triste.

La gente llega y llega de todas partes para vivir en ese hermoso lugar, lugar donde Asha, nuestra protagonista, es una guía de turismo de la gente, y así nos enteramos de sus maravillas.

Pero nada es gratis, y las personas deben entregar algo al rey para vivir ahí y para ser felices, según lo que se les ha prometido. Y eso que entregan es su "su mayor deseo", donde este rey es un mago y podrá hacerles realidad ese deseo. Pero siempre hay algo oculto ante tanta dadivosidad.

Asha quiere, desea con todo su ser, hacer feliz a su familia compuesta por su abuelo, su madre y una simpática cabra. Pero también quiere ser aprendiz del rey, y aprender sobre magia, para lo que postula y va a una entrevista. Todo sale bien, hasta que descubre el secreto del rey. Y eso hace que su percepción de todo cambie, y deba tomar una decisión.

Asha cuenta con amigos que la apoyan, pero también existen dudas de seguirla en su aventura de si desenmascarar al rey o no.

La cinta en idioma original cuenta con un gran elenco, así como en voces latinas, lo cual no hay que dejar de mencionar pues aportan mucho y hacen que la cinta suene fantástico en español.

Disney está cada vez más en baja, no sé que pasó con su equipo creativo, ya que esta historia es olvidable, ya dejó Disney de hacer producciones donde sus personajes se quedaban grabados en nuestra mente, que tarareábamos sus canciones, que aparecieran los cosplay identificables, etc.

Esta película es livianita, o sea, para pasar el rato, los niños disfrutarán de los personajes porque son simpáticos, comenzando por "la cabra" y "la estrella", además de un gran colorido. Pero la médula de la historia queda a medias, no se profundiza la realización entre algunos personajes, o en los personajes en sí, esto hace que algunos no te interesen. No hay canciones pegajosas (aunque las letras son buenas), pero lo peor es que cada canción estaba mal incluida entre las escenas.

Destaco al villano, que aunque caricaturesco, es un reflejo de villano que no pasa desapercibido, aunque me habría gustado saber más de él.

La historia se cuenta muy rápido, parece que hubo falta de creatividad para desarrollarla más, o era urgente sacar alguna película y ya.

Es una historia sencilla para disfrutar en familia, sin mayor pretensión que mirar y relajarse. Personajes agradables, colorido bello y atrayente. Y, por supuesto, mensajes positivos de amor, unión, amistad, fortaleza y más.

Ficha técnica

Director: Chris Buck y Fawn Veerasunthorn
Escrita por: Jennifer Lee y Allison Moore
Historia por: Jennifer Lee, Chris Buck, Fawn Veerasunthorn y Allison Moore
Music Dave Metzger (score), Julia Michaels (songs) y Benjamin Rice (songs)
95 minutos - EEUU

Elenco: Ariana DeBose , Chris Pine , Alan Tudyk , Angelique Cabral, Victor Garber, Natasha Rothwell , Evan Peters , Harvey Guillén , Ramy Youssef y Jon Rudnitsky.
María León, Pepe Vilchis, José Eduardo Delves, Francisco Colmenero, Irina Índigo, Lucero Mijares, Emilio Triviño.

Diana - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Prime Video.

Sinopsis: Biopic que narra los dos últimos años de Lady Di (Naomi Watts), princesa de Gales. Siendo una mujer ya separada de su marido, el Príncipe de Gales, Diana conoce en 1995 a un cirujano británico-paquistaní, el Dr. Hasnat Khan (Naveen Andrews), con el que inicia una secreta relación amorosa. Su noviazgo duraría 18 meses, y terminó pocas semanas antes de la trágica muerte de Lady Di junto a su nuevo compañero sentimental, el millonario egipcio Dodi Al-Fayed, en un accidente de coche en París en 1997 cuando ambos eran perseguidos por los paparazzi.

Esta película, del director Oliver Hirschbiegel, podríamos decir que resulta un tanto fallida, dado que no logra agarrar vuelo. Se pierde en manidas obviedades y en una intrascendente farándula que no alcanza a otorgarle peso verdadero a una historia que conocemos bastante de cerca -entre otras cosas por la notoriedad pública alcanzada por la princesa-, y que, por lo mismo, dificulta aún más cualquier intento de recreación.

En algunos planos y secuencias la edición se ve poco prolija, se notan los cambios, no se entienden los cortes, y da la impresión de un cierto descuido editorial. Asimismo, el guion entrecortado no ayuda en la fluidez del relato, impidiendo que logremos compenetrarnos de los personajes, salvo lo que intentan sus correctas actuaciones.

Naomi Watts hace su mejor esfuerzo en representar a Lady Di, sin embargo esto no es nada sencillo. Lo logra al caminar, sí, cuando es tomada por la cámara desde atrás o desde el costado. No obstante, en los primeros planos directos es más difícil encontrar parecidos, una porque obviamente son personas diferentes, por más maquillajes que se usen, y por otro, Naomi luce mucho más bella que la propia princesa. Por otra parte, Stephen Jeffreys, como el cirujano pakistaní Hasnat Khan, configura un muy buen rol, sensible y bastante creíble, un contrapeso ideal para una figura mundialmente famosa que, aunque de verdad parece que quiere, no puede salir de toda la nube que la rodea.

Irregular película y con poco fondo, creo que en parte por las opciones que toma el guion de Stephen Jeffreys. Por momentos se torna muy descriptiva, pasa muy por encima de las problemáticas más profundas de aquellos últimos meses de vida de Diana, y eso es una pena. Quizá abarcar menos e internarse más podría haber sido una mejor decisión, pero claro, desde afuera es fácil decirlo, porque otra cosa es con guitarra.

Ficha técnica

Título original: Diana (Caught in Flight)
Año: 2013
Duración: 113 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Francia; Ecosse Films, Le Pacte, Scope Pictures
Género: Drama. Romance | Drama romántico. Biográfico. Años 90
Guion: Stephen Jeffreys
Música: Keefus Ciancia, David Holmes
Fotografía: Rainer Klausmann
Reparto: Naomi Watts, Naveen Andrews, Cas Anvar, Laurence Belcher, Harry Holland, Douglas Hodge
Dirección: Oliver Hirschbiegel

Godzilla Minus One - Por Jackie O.

"La resurrección de un rey"

Tenemos nuevamente a este personaje que ha sido llevado a la pantalla muchas veces, ¿Pero, por qué ver esta, si ya hace poco tuvimos trabajos holywoodenses no muy buenos?
Simplemente, porque volvemos a las raíces.

Esta cinta teje magistralmente una narrativa convincente con el telón de fondo del Japón posterior a la Segunda Guerra Mundial. Si a eso le agregamos que de forma inteligente se combina el drama histórico con este monstruo, la combinación es "una bomba".
Las secuencias iniciales de la película en la isla Odo no solo preparan el escenario para el surgimiento de Godzilla, sino que también establecen el complejo personaje de nuestro protagonista, Koichi Shikishima.

Visualmente esta cinta se siente más realista en sus grandes secuencias de efectos que cualquier otra película de la franquicia, incluidas las películas de Hollywood de mayor presupuesto, por lo que la recomiendo ver en pantalla grande, o la mas grande que exista. Este es el tipo de realización de películas que exige experiencias de primera calidad.

La película equilibra hábilmente el drama humano con las impresionantes batallas entre Godzilla y sus adversarios, creando una sinergia perfecta que mantiene a los espectadores interesados ​​en cada momento. La proximidad a los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial le otorga un acercamiento con cada escena bien tratada, los mensajes complejos y el mea culpa cultural que se combina con el peso abrumador del dolor, la pérdida y la sensación de los peligros existentes en el país y el mundo.

"Godzilla Minus One" es esencialmente una nueva versión de Godzilla de 1954, con inspiración (particularmente en su primer y tercer acto) de Godzilla, Mothra y King Ghidorah: Giant Monsters All-Out Attack. Pero, si bien la película toma prestada la estructura básica de la historia, aporta una gran cantidad de narración y caracterización original, al tiempo que mejora esos elementos inspiradores de otras películas.

Nos encontramos con actuaciones asombrosas, imágenes increíblemente deslumbrantes, así como una banda sonora impecable que hace referencia a las partituras originales.
Tiene el equilibrio perfecto entre seriedad, suspenso, terror, emocionalidad e incluso algunos chistes puestos en el punto adecuado; en general es una película con buen ritmo en términos de historia. Cada personaje tiene su propia personalidad y motivación, y no hay ningún caso en el que el diálogo parezca aburrido o innecesario. Por ejemplo, el desarrollo del personaje principal es un aspecto destacado, con el viaje de Shikishima. Desde un sobreviviente lleno de culpa, hasta un vengador decidido, forman el núcleo emocional. Y La resiliencia de Noriko, la otra personaje principal, su crecimiento y paciencia, y el compromiso del elenco secundario, realzan los elementos humanos de la película, haciendo que la audiencia se involucre profundamente en el destino de los personajes.

El clímax es un triunfo cinematográfico que combina suspenso, acción y sacrificio. Con un final melodramático muy acertado.

Que los próximos festivales no la olviden, vale todas las nominaciones.
Recomendadísima.

Ficha técnica

ゴ ジ ラ-1.0マイナスワン
ゴジラ マイナスワン
Escrita y dirigida por Takashi Yamazaki
Efectos visuales por Takashi Yamazaki y Kiyoko Shibuya
Cinematografía: Kozo Shibasaki
Editado: Ryūji Miyajima
Musica: Naoki Sato
País: Japón

Año: 2023
Protagonistas: Ryunosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yuki Yamada, Munetaka Aoki, Hidetaka Yoshioka, sakura ando, Kuranosuke Sasaki

Los que se quedan - Por Carlos Correa Acuña

“The Holdovers” es de esas películas que tienen mucho contenido y que a veces cuesta abordarlas con una sola mirada general. Abundante en detalles, y como si de un viaje íntimo se tratara, esta realización del director Alexander Payne, basada en el guion de David Hemingson, es, en apariencia, sencilla, sin embargo esconde hábilmente un sinnúmero de temáticas que desarrolla en múltiples capas, para dar forma a un relato que conmueve gracias a lo sutil de su tratamiento.

Paul Hunham -Paul Giamatti, estricto profesor del internado “Barton Academy”, New England, Estados Unidos, recibe un encargo especial. Como una especie de “castigo” por no aprobar al hijo de un conocido benefactor político, y con ello perder la donación que la escuela recibiría, el director le pide quedarse con un grupo de estudiantes que no tienen dónde pasar las fiestas de fin de año. Corre 1970, y el ambiente está cargado por las pérdidas sufridas por muchas familias en la Guerra de Vietnam, pero también por un ritmo social un poquito en cámara lenta, una modorra o resaca que anticipa algunos hechos políticos importantes que están por suceder.

Pero la política o la actualidad de ese entonces no es el tema de esta película, sino la relación que el profesor establece con uno de los estudiantes que permanece en el internado, Angus Tully -Dominic Sessa-, inteligente e emocionalmente inestable alumno que vive un drama familiar. Su madre ha decidido pasar las celebraciones con su nueva pareja, asunto que lo posterga y lo deja al cuidado del colegio. El tercer personaje que completa la ecuación es la jefa de cocina de la escuela, Mary Lamb, -Da'Vine Joy Randolph-, madre desconsolada tras la muerte de su hijo en la guerra ya citada.

Desde el comienzo, la cinta propone mover nuestras emociones. La música inicial evoca situaciones. Mezcla de clásica y balada, el ambiente claramente sensibiliza la audiencia. La caracterización que Giamatti hace de este rudo profesor, que no tranza y que desconoce el significado de la palabra equilibrio, no es más que un anticipo de lo que sucederá a continuación. Al quedarse solo, y con cinco estudiantes a su cargo, no tardan en aparecer los conflictos y peleas que, a la vieja usanza, intenta solucionar con métodos antiguos similares al “divide para gobernar”

No queda duda que la rutina que se practica en el internado es para forjar el carácter de los educandos. Pero este tiempo de vacaciones, tanto o más exigente que lo normal, se pasa un poco de la raya. Y emerge otro problema, porque uno de los padres -uno tremendamente adinerado-, llega en helicóptero para llevar a su hijo de vacaciones sumando a casi todos sus compañeros menos a Tully, porque su madre no es ubicarle para solicitarle el permiso respectivo. Angus Tully se queda solo, dejado de lado, no considerado; en síntesis: no querido.

El paralelo de la situación descrita es la relación de los dos adultos, Paul y Mary, quienes, a pesar de compartir durante el año, aun no se conocen lo suficiente. Este espacio a solas les abre otra perspectiva, ambos comparten más de lo que piensan, especialmente respecto a la soledad y a la frustración.

Un inesperado accidente marca el punto de inflexión. De allí en más, el relato se centra en los intersticios de las relaciones humanas entre sus personajes y retrata, de manera íntima pero elocuente, muchos de sus sentimientos y emociones. Vemos cómo se acercan y se alejan, observamos la desolación que les marca de una u otra forma, somos testigos de la fragilidad del aislamiento y lo que provoca el abandono, y por supuesto de la contraparte, esa energía que produce el acompañamiento y la empatía. Ante temores y traumas compartidos, los vínculos se estrechan. Las profundidades insondables, y las pudorosas intimidades salen a la luz de manera natural.

“Los que se quedan” es un viaje de introspección. Una historia humana, sensible y cálida, tratada como comedia en su punto justo, con algo de humor, pero con respeto, sin caer en exageraciones ni tampoco en concesiones. Una película sobria pero incisiva, que puja por cuestionar los lazos relacionales de sus protagonistas y con ello tocar la fibra de nuestros corazones.

Ficha técnica

Título original: The Holdovers
Año: 2023
Duración: 133 minutos
País Estados Unidos
Guion: David Hemingson
Música: Mark Orton
Fotografía: Eigil Bryld
Reparto: Paul Giamatti, Da'Vine Joy Randolph, Dominic Sessa
Dirección: Alexander Payne

El Niño y la Garza - Por Juan Pablo Donoso

Quienes conocen, y admiran, la obra de Hayao Miyazaki disfrutarán con esta nueva creación suya.

Para muchos, al verla por primera vez, resultará tal vez más desconcertante que sus clásicos Mi Vecino Totoro (1988), El viaje de Chihiro (2001) y El castillo ambulante (2004)).Pero si conocemos la biografía, y el universo espiritual de este creador de 82 años, aplaudiremos el “paso adelante” que da en su “visión de mundo” (weltanshauung).

Cuando Natsuko, la bella madrastra (tan similar a su madre fallecida) desaparece misteriosamente, el pequeño Mahito, inducido por una estrambótica garza bipolar se internará en una vieja torre abandonada para buscarla.

De ahí en adelante, incursionará en mágicas dimensiones - unas insertas en otras - conociendo personajes y locas criaturas que lo harán vivir experiencias cada vez más abstractas y de alucinante fantasía.

Al presenciar este caleidocopio por segunda vez, se nos enriquece la fábula. La primera visión solo nos expone y acumula incidentes. Al verla de nuevo, y conocer el final, todo adquiere más sentido, calza, y entrega la madurez de su mensaje.

Miyasaki sale de su retiro para proponernos una parábola sobre cómo tener una familia verdadera, si estamos dispuestos a aceptarla tal como es.

Un relato complejo, hermoso, profusamente imaginativo y con muchas capas de lectura.

Deja al criterio de cada espectador descifrar las múltiples ideas que la aventura, en su catarata de seres, colores, sonidos y escenarios van sugiriendo. De ahí que tantas experiencias queden sin explicación. Por eso, ante la belleza de las imágenes, y las chispas de humor, basta dejarse llevar y gozar del espectáculo.

Del torbellino que fluye sin cesar, y que tampoco permanece en un punto fijo, se vislumbran elementos reiterativos de la mente del autor. Entre ellos brotan reminiscencias de la guerra, de sus ancianos parientes dotados de sabiduría y mágicos poderes, y de juguetones globitos blancos (bawawaras) que son las almas de niños aún sin nacer, sumergidos en universos multicolores.

Pero en el terreno axiológico, al igual que en sus filmes anteriores, expone su ambivalencia frente a la Realidad. Aquella donde el Mal es necesario para reconocer al Bien; donde el Amor, más que en el clásico Romance se realiza por medio de la Amistad y la colaboración. Bien y Mal son fuerzas inseparables. Por eso más vale nunca juzgarlos sin comprenderlos en sus circunstancias.

En síntesis, aceptar la ambivalencia de la Realidad.

Son algunos valores del alma que Miyasaki encarna en sus historias, sus personajes y en su caprichoso destino.

He ahí la causa de por qué el final nos resulta abrupto cuando hacemos el viaje por primera vez; luego lo comprendemos en su dimensión más lírica.

PARA DISFRUTAR DE LA FANTASÍA DE MIYASAKI Y, COMO SIEMPRE, DE UNA BELLÍSIMA Y POÉTICA ANIMACIÓN JAPONESA.

Ficha técnica

Título original: Kimitachi wa dô ikiru ka

2023 Animación, aventuras, drama Japón - 2,04 hrs. 

Fotografía: Atsushi Okui 

Edición: Rie Matsubara, Takeshi Seyama, Akane Shiraishi 

Música: Joe Hisaishi 

Dirección de Arte: Yôji Takeshige 

Voces: Soma Santoki, Masaki Suda, Kô Shibasaki 

Guionista y Director: Hayao Miyazaki

Wish: el poder de los deseos - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Asha y una pequeña bola de energía ilimitada llamada Star demuestran que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas.

Cien años de Disney y una película como para tirar toda la carne a la parrilla. ¿Resulta bien? Veamos.

Asha es parte de una comunidad que está por celebrar una fiesta anual donde el rey “Magnífico” hace realidad el deseo de alguno de sus súbditos. El rey, un verdadero galán de teleserie, representa el poder absoluto, la bondad, y los mejores valores que implican el cuidado y dedicación respecto de los deseos que cada uno de los miembros de la comunidad le han entregado para ser cuidados y con ello, resguardados. Luego, ellos se olvidan, dejan de ser parte de cada uno, pasan al rey, quien decide cuándo y a quién favorecer.

Asha es una aspirante a aprendiz del supremo soberano. Postula a un puesto destacado, y debe ser entrevistada por “su majestad”. Nerviosa, pero siempre honesta, la joven no tiene empachos en decir lo que piensa, y ante la suma de evidentes injusticias, no le queda más que rebelarse. Además, la figura del rey revela, de a poco, varias capaz que no se observan de buenas a primeras: es ególatra, narciso, farsante, juega con la inocencia e ignorancia de un pueblo que cree a pies juntitas lo que su líder les plantea.

Asha es especial. Su rectitud y buena voluntad sobrepasa cualquier posible mal, y por eso su deseo se cumple, así sin más. Una estrella baja y se transforma en luz de esperanza, una guía del buen camino, con poder y decisión. Pero todo tiene sus costos. Al dar habla a los animalitos del lugar se provoca una verdadera revolución. Literalmente revuelve el gallinero, y en esos momentos presenciamos lo mejor de Disney que es tanto la animación, como el colorido, la alegría y el gran sentido de comunidad.

“Wish” es conceptualmente difícil para los más pequeños. Representar esto de causa - efecto no es tan sencillo, y la película, por momentos, parece hablar a un público de mayor edad.

¿Dónde está el punto de conflicto mayor que expone la historia? En la maldad, disfrazada de bondad, en ese poder total que dice estar al servicio de todos pero que en realidad lo niega todo y cancela a todos.

La moraleja de esta ambiciosa película de Disney, que se queda con varios flancos abiertos, es que cuando no se ve salida alguna, necesariamente debemos volver a la esencia. “Cada uno es una estrella”. Bella frase, más real que cualquiera de las sentencias que se puedan soñar. El rescate del sentido de unidad y comunidad viene de inmediato, complementario y necesario, porque sin ello, no hay futuro posible, de ninguna forma.

Con un final “a lo Disney”, esta cinta completa una historia que destaca por el colorido y la animación, más que por las bases prácticas de su fundamentación. La enseñanza es clara y concisa; cuando la libertad está en juego, los deseos y la capacidad de soñar pueden superar cualquier obstáculo, incluso el mayor y el más grande: el propio ser humano, con sus limitaciones y evidentes contradicciones.

Ficha técnica

Título original: Wish
Año: 2023
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Walt Disney Animation Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Comedia. Musical | Cine familiar
Guion: Jennifer Lee, Allison Moore. Historia: Chris Buck, Jennifer Lee, ver 4 más
Música: Dave Metzger. Canciones: Julia Michaels
Fotografía: Animación
Reparto
Dirección
Chris Buck, Fawn Veerasunthorn

El niño y la garza - Por Jackie O.

“Un viaje muy personal”

Cinta con mucha fantasía, mundos irreales, pero lleno de metáforas, esto es lo bueno y que atrae en las películas de Miyazaki, su poesía con bellas imágenes; pero también le puede jugar en contra, ya que genera que solo cierto grupo de personas puedan verla para así entender su fantástico mundo, pero aún así puede sentirse lenta y pesada en momentos. Su técnica, como siempre, no es una narrativa tradicional, pero lo que interesa es la forma de contar la historia, por lo que mucho queda a la ambigüedad o la interpretación que cada espectador le dé, ya que, también, somos lanzados en este mundo abstracto e inexplicable, a veces.

Tenemos a un niño llamado Mahito, que perdió a su madre en medio de la guerra por un incendio, y pasados dos años, más o menos, su padre se casa con su cuñada. La pérdida de su madre, y esta nueva familia, complican a este joven, quien aún no supera la situación. Su padre se enfoca en su trabajo relacionado a la guerra, pues esta historia está ambientada en una época conflictiva; eso hace que el joven Mahito se refugie en su tristeza y soledad en este nuevo hogar. Su madrasta, es una joven cordial que está embarazada, y que trata que el joven se sienta cómodo, pero este se aleja, más cuando una extraña y grotesca garza merodea el sector convirtiéndose en una cacería entre ambos.

Así deambulan en este mundo y en el fantasioso inframundo, donde la necesidad de buscar su pasado y presente se transforma en un camino difícil en esta aventura, entre criaturas extrañas y una naturaleza hipnotizante, donde el director no deja atrás las tradiciones de su país, respetuosamente tratadas.

Hay diversos personajes, como las ancianas protectoras que saben de leyendas y se dedican a cuidar a sus seres queridos, o el anciano que vive en el inframundo, este mundo bajo nuestros pies, este mundo de fantasía que creó este sujeto con los años, refugiándose en él para escapar de la realidad, no permitiendo que cualquiera herede su “reino”; un sujeto que siente que su final está cerca y con algo de arrepentimiento, ¿será que el autor se refleja en él?

Tiene unas imágenes perfectamente trazadas, casi palpables por su realismo, cada movimiento, cada gesticulación nos acerca a cada personaje o lugar que vemos. Una bellísimas animación.

Una linda película, pero no la mejor del Director, pero sí personal para él, sobre la pena, la pérdida, de cómo saber seguir adelante, la soledad, el miedo y la familia.

Pero toda esta historia tiene más sentido, para mí, con el nombre original de esta cinta que es, “¿Cómo vives?”.

Para hacernos reflexionar sobre el dolor, el crecimiento personal, y más.

Ficha técnica

君たちはどう生きるか
Dirección y guion : Hayao Miyazaki ​
Basada en ¿Cómo Vives?, de Yoshino Genzaburō
Música: Joe Hisaishi
Montaje: Takeshi Seyama
País: Japón 

Año: 2023
Género: Animación
Duración: 124 minutos
Idioma(s): Japonés

Beekeeper: Sentencia de Muerte - Por Juan Pablo Donoso

Dentro del género de acción y violencia, este filme logra suspenso e interés gracias a un guion inteligente y con personajes provocativos.

El héroe ahora es Adam Clay (Jason Stratham), un taciturno apicultor que arrienda el establo en la parcela de una anciana de color jubilada (Phylicia Rashad). Allí produce miel cultivando panales con miles de abejas.

Todo es paz, armonía y respeto en aquella granja. El conflicto se desata cuando la ex maestra de escuela es víctima de un hacker electrónico que la estafa y le roba las reservas bancarias de toda una vida de trabajo.

Ante semejante tragedia que acabó con la vida de la mujer, se despierta el guerrero que habitaba en el solitario Clay, y se lanza en la búsqueda de los canallas capaces de semejante crimen contra tantos otros ancianos inocentes e ingenuos.

Lo que comienza con la ruina y muerte de la gentil Eloise, irá revelando, gradualmente, las gigantescas organizaciones piramidales de estafadores billonarios que se jactan de sus triunfos, fortunas e impunidades.

El actor Jason Stratham ha tomado la posta justiciera de sus famosos predecesores: Swartzenegger, Stallone, Charles Bronson, Jean Reno, Bruce Willis, Van Damme, Seagal, Chuck Norris y, por supuesto, del legendario Bruce Lee.

Además de los eximios combates de artes marciales de aquellos anti-héroes, el motivo de sus venganzas es tan lógico para el público que, aparte de admirar sus destrezas - físicas y mentales - sólo anhelamos que triunfen en su lucha contra el mal, solidarizando con ellos en el desprecio por las corruptas organizaciones políticas y policiales.

Son paladines esteparios que por sí solos enfrentan - y desenmascaran - la putrefacción de las estructuras supuestamente respetables y civilizadas.

En la inverosímil, pero apetecida, escalada de Clay irán apareciendo venerables autoridades, magnates, poderosos venales, hasta llegar a los parientes más cercanos de la Presidencia de la República.

Y nuestro héroe solitario, con genial astucia, y dominio absoluto de sus puños, dejará la maraña perversa al descubierto, venciendo incluso a otros titanes sicarios con fuerzas similares a la suya.

Loas al guionista Kurt Wimmer, por tejer una trama que equilibra la acción con la prominencia de los personajes secundarios - entre los cuales contaron con el cinismo del siempre imponente Jeremy Irons; con una éticamente vacilante policía (Emmy Raver-Lampman); una desgarrada política y madre (Jemma Redgrave), y un desfile de jóvenes actores encarnando la amoralidad, la prepotencia, y el desenfrenado afán de dinero y poder.

Los méritos de este típico filme de acción y violencia radican en la calidad de su factura, la prestancia de sus actores secundarios y, muy importante, la similitud de sus vicios políticos con la corruptela, e impunidad, de los miembros de tantos gobiernos contemporáneos.

Queda abierta la secuela.

LOGRADO FILME DE ACCIÓN CUYO FONDO ES TANTO O MAS ELOCUENTE QUE EL MERO PASATIEMPO. SUGERENTE PARANGÓN CON LOS ENJAMBRES DE ABEJAS.

Ficha técnica

Título Original: The Beekeeper

2024 Acción, suspenso, delincuencia Inglaterra, EE.UU. -1,45 hrs. 

Fotografía: Gabriel Beristain 

Edición: Geoffrey O'Brien 

Música: Jared Michael Fry, David Sardy 

Diseño Prod.: Ben Munro Guion: Kurt Wimmer 

Actores: Jason Stratham, Jeremy Irons, Emmy Raver-Lampman 

Director: David Ayer Diamond, Hoyts

El Juego de la Muerte - Por Juan Pablo Donoso

Película rusa que - por su fondo y tratamiento audiovisual - resulta inquietante.

Tiene suspenso, crímenes, mucho ritmo y una denuncia rampante de precaución para los padres cuyos hijos entran en peligrosos juegos cibernéticos con sus celulares y computadores.

Al igual que DESCONECTADA (SIGNIS 2 de marzo 2023) de los guionistas-directores Nicholas D. Johnson y Will Merrick, realiza la hazaña de contar todo un drama utilizando sólo textos escritos y vídeos, por computador y celulares.

En una ciudad de provincia se desata una seguidilla de suicidios de adolescentes. Una colegiala, Dana, terca e inquieta, llora la muerte de su hermana menor. Muchachita sana y alegre que, sin razón aparente se lanzó a la ruedas de un tren.

Al explorar los contactos en línea de su hermana descubre un siniestro juego de redes sociales: incitaba a los jóvenes a infligirse lesiones. El juego llamado Ballena Azul va aumentando los desafíos hasta llevar a sus seguidores a la autodestrucción.

Dana se matricula en el juego, ingresando a un mundo oculto de sadomasoquismo. El hacker/ líder se mantiene anónimo tras una máscara lúgubre, espiando incluso los hogares de sus víctimas.

Este drama de suspenso policial tuvo su origen en uno verdadero surgido en 2015. Muchas fueron las víctimas juveniles vulnerables debido a su inmadurez y/o problemas familiares.

Lo admirable es que la historia completa se nos narra por medio de ventanas virtuales que se abren y se cierran, y un computador que esconde secretos misteriosos.

¿Logrará Dana encontrar al responsable de la muerte de tantos adolescentes y vengar la muerte de su hermana? ¿O caerá ella también como víctima fatal?

La diferencia con DESCONECTADA es que en aquella una niña buscaba a su desaparecida madre entre las marañas del universo cibernético. Aquí, se trata de hallar al asesino en serie que logra camuflarse con astucia diabólica.

Reiteramos el valor pedagógico de este filme que, al margen de ser apasionante, advierte a los padres de los peligros que corren sus hijos, en especial los adolescentes.

ENCOMIABLE REALIZACIÓN QUE JUNTO CON ENTRETENER DENUNCIA UN PELIGROSO ANZUELO CAPAZ DE ASESINAR JÓVENES ALIENADOS POR EL UNIVERSO CIBERNÉTICO DE LAS REDES SOCIALES.

Ficha técnica                      

Título Original: Blue Whale ((“YA idu igrat”)

2021 Crimen, terror, redes sociales Rusia - 1,31 hrs. 

Fotografía: Egor Vetokhin 

Edición: Alexander Koshelev 

Música: Serguéi Moiseenko 

Diseño Prod.: Nadezhda Shahovskaya 

Actores: Anna Potebnya, Timofer Eletsky, Diana Shulmina 

Directora: Anna Zaytseva BFDistribution

Beekeeper - Por Carlos Correa Acuña

Esta historia bien podría ser una fábula. La base es una comunidad que, una vez alterada, cambia, muta y se transforma, para defenderse de las amenazas externas. Tenemos simbolismos y metáforas entre la comunidad humana y la comunidad de abejas, con sus similitudes y diferencias, pero con una esencia común.

Todo parte con un fraude informático que afecta a quien da cobijo al protagonista, Adam Clay -Jason Statham-. Incitada a tomar acciones y entregar los datos de sus cuentas bancarias y claves de acceso, un grupo inescrupuloso vacía los ahorros de esta buena persona y los de de una organización benéfica bajo su tutela. Este timo merece la pena verlo en detalle, porque la construcción clásica de la estafa, el escenario, y el contexto, son elementos que pueden servir de modelo o de enseñanza de lo que no se debe hacer en determinados casos de acoso cibernético.

Lo que llama la atención es que una temática tan actual y humana esté presente en una película del singular Jason Statham, pero está, y eso es un punto a favor. Que luego se diluya y vayamos a lo mismo de siempre no es más que un dato de la causa. Y surge con esto el primer reparo, porque la situación nos causa empatía. ¿Cómo no tratar de defender y de hacer justicia ante el tremendo daño causado? Es casi obvio, salta de maduro, pero esa empatía se lía con el protagonista y allí, casi sin querer nos vamos con él y si no somos conscientes, validamos sin más su violenta reacción.

No tardan en aparecer las múltiples caricaturas que adornan la trama. El imbécil, el justiciero, el aplicado, el nerd, el débil…; son tantas, pero no pasan de ser dibujos (desdibujados) de personalidades que solo quieren ejemplificar un universo vasto, reducido a unos pocos personajes.

Aquello que resulta contradictorio, finalmente no tiene explicación ni sustancia; se queda en el mismo punto donde comienza: la hija de la víctima es quien debe perseguir a quien quiere hacer justicia. De buenas a primeras, sería el orden inverso, o el mundo “patas” arriba, pero no importa, está ahí, y debemos aceptarlo. ¿Hay algo de redención en las conductas de Adam Clay? Puede ser, pero eso esta cubierto con una gruesa capa de odio y de venganza que hace difícil verlo en forma transparente.

En lo que la película acierta un pleno es en la elaboración de la red máxima de corrupción que logramos descifrar casi al final. Los alcances del flagelo son evidentes, y nos hacen temblar si pensamos que la realidad supera la ficción. Si es así, tal como se nos presenta, no queda títere con cabeza y no podríamos confiar en nadie, ni siquiera en nuestra propia sombra.

“The Beekeeper” es adrenalina pura, una entretención para adultos con criterio formado porque la cantidad de balas por metro cúbico supera cualquier expectativa posible. Y Jason Statham jamás defrauda, porque sigue sin mover un solo músculo de su cara, en un acto de contrición absoluto y proporcional al camino que recorre su personaje. Y aunque sea siempre el mismo, se las arregla para parecer diferente (al menos en inicios y finales), algo importante si quiere continuar una carrera marcada por golpes, metrallas y destrucción. ¡Valor!

Ficha técnica

Título original: The Beekeeper
Año: 2024
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Cedar Park Studios, Miramax. Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género: Acción. Thriller | Venganza
Guion: Kurt Wimmer
Música: Jared Michael Fry
Fotografía: Gabriel Beristain
Reparto: Jason Statham, Emmy Raver-Lampman, Josh Hutcherson, Bobby Naderi, Minnie Driver, Phylicia Rashad y Jeremy Irons
Dirección: David Ayer

La sociedad de la nieve - Por Jackie O.

“No hay amor más grande, que el que da la vida por sus amigos”

Sinopsis: En 1972, un vuelo procedente de Uruguay se estrella en un glaciar en los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobreviven al accidente. Atrapados en uno de los entornos más hostiles del planeta, se ven obligados a luchar por sus vidas.

Hechos catastróficos suceden en todo el mundo, pero este nos toca más debido a que fue en la Cordillera de Los Andes, un hecho donde la naturaleza es desafiada ante la voluntad de querer seguir viviendo por un grupo de personas.

En cuanto a la historia cinematográfica, y de acuerdo con lo recopilado (puede que falte alguno), no es la primera vez que se lleva a la pantalla esta historia, sino que ha habido muchas (sin contar los libros, podcast, etc.) como:

Supervivientes de los Andes (1976) - René Cardona Jr.

¡Viven! (1993) - Frank Marshall

Documental Alive: 20 Years Later (1993) - Jill Fullerton-Smith

Documental La sociedad de la nieve (2007) - Gonzalo Arijón

Documental Trapped: Alive in the Andes (2007) - National Geographic

Documental I Am Alive: Surviving the Andes Plane Crash (2010) - Brad Osborne

La sociedad de la nieve (2023) - Juan Antonio Bayona

El vuelo 571 de la Fuerza Aérea de Uruguay pasó a la historia tras un fatal accidente el viernes 13 de octubre de 1972, cuando el avión que transportaba a un grupo de veinteañeros uruguayos a una competencia de rugby en Santiago de Chile, más otras personas, cayó en medio de las nevadas montañas de los Andes.

De los 45 pasajeros que abordaron el Fairchild FH-227D, 32 sobrevivieron al colapso, pero, la primera noche tras el accidente fallecieron cuatro de ellos debido a las inclemencias del tiempo. Los otros sobrevivientes no serían rescatados hasta 72 días después, el 22 de diciembre de 1972. Para ese día solo quedaban 16 pasajeros vivos, pues el resto sucumbió a un alud de nieve, a enfermedades sin tratar y al frío extremo de la cordillera.

¿Qué sucedió en esos 72 días?

Estéticamente nos narra una voz en off los hechos, es Numa Turcatti, uno de los jóvenes protagonistas, a través de sus ojos vemos la angustiosa situación. Hechos donde se ve desafiada la voluntad de vivir, las creencias religiosas, lo moralmente correcto, el miedo, el pánico, la esperanza y la falta de ella. Los Andes fue el principal testigo de lo ocurrido, solo él estuvo presente en las decisiones que tomaron, cómo las enfrentaron, de la necesidad de salir de ahí usando sus capacidades, e incluso su desesperación. Lo anterior está muy bien tratado mediante un cuidadoso guion, que en momentos es poético y cruel a la vez, las actuaciones son correctas, buenas, pero nada que destacar, donde la música aporta bastante.

Las tomas de cámara son bellas ante tanta desolación, y aquí me detengo ya que los planos generales nos inmiscuyen en la historia con muchos detalles, los primeros planos son muy personales, en el sentido que vamos conociendo más a los partícipes, y los primeros planos son brutales, donde el maquillaje se ve perfecto. La escenografía está muy buena, donde se mezclan escenas reales con trabajo computacional. Pocas imágenes se rodaron en el sitio real andino "El valle de las lágrimas", la mayor parte es en montañas de España y en estudio. Ambas se mezclaron digitalmente, quedando una realidad deslumbrante.

Muy buena dirección, ya conocemos el trabajo de Jose Antonio a quien le gusta ser muy personal, en el sentido que cada personaje se vaya presentando con todas sus emociones. Esto juega en contra, ya que hay varios personajes que debo confesar me confundían a veces, y no me aprendí todos sus nombres.

Tal vez el hecho de verla en televisión (lamento no haberla visto en el cine) hizo que no me cautivara al 100%, eso no significa algo negativo, son sensaciones, porque técnicamente está bien desarrollada.

Fue muy interesante ver algunos cameos, que son de varios de los sobrevivientes actuales que actúan como extras, algunos con más participación como el de Carlos Páez en su etapa final.

Otro punto favorable corresponde a los efectos de sonido, a cargo de Oriol Tarragó, no puede no destacarse.

También es muy importante mencionar, que estas personas no practicaron el canibalismo, agreguemos a nuestro vocabulario otro término, ellos practicaron la antropofagia.

Y añadir que no estamos ante un remake. J.A. Bayona se aleja del estilo Hollywodense de su antecesora, para llevarlo a un punto más real.

Una cinta que nos habla de la necesidad de vivir, las esperanzas, los miedos, dignidad, moralidad, heroísmo, frustraciones, el ser humano en su esencia, porque la supervivencia en situaciones extremas puede ser algo muy escabroso, y hacernos cambiar todo lo que creímos es correcto o no.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección: Juan Antonio Bayona
Guion: J. A. Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques, Nicolás Casariego
Basada en "La sociedad de la nieve",  de Pablo Vierci
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Pedro Luque
Montaje: Jaume Martí
Narrador: Enzo Vogrincic
Protagonistas: Enzo Vogrincic, Matías Recalt, Agustín Pardella, Felipe González Otaño, Luciano Chatton, Valentino Alonso, Francisco Romero, Agustín Berruti, Andy Pruss, Simón Hempe, Juan Caruso.
País: España, EEUU
Año: 2023

Duración: 144 minutos
Género: Aventuras, cine biográfico, drama, cine histórico y suspenso
Idioma(s): Español

Maestro - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Un retrato del singular carisma de Leonard Bernstein y de su pasión por la música a medida que ascendía a la fama como el primer director de orquesta nativo de Estados Unidos de renombre mundial, todo ello tras su ambición de componer tanto obras sinfónicas como populares para Broadway.

Lo que primero destaca de esta enorme producción es el gran parecido que logra Bradley Cooper al interpretar a Leonard Bernstein. Realmente se parece mucho. Y eso augura una película de detalles, de sinuosidades, y provoca gran expectación. ¿Lo cumple? Por una parte sí, porque conocemos detalles de la vida de un músico esencial en la escena mundial del Siglo XX, pero por otra parte no, porque algo no cuadra en esta esperada película.

Vamos a los aspectos principales. Siendo una película sobre un músico, hay bastantes secuencias sin sonido, diálogos largos, y un ritmo mayormente lento. Los textos no son demasiado profundos, salvo algunas frases inolvidables de Bernstein. Son más bien cotidianos y algo mundanos. Es la decisión editorial del tratamiento, es decir, aquello a lo que se le pone énfasis y que se destaca de la personalidad del famoso director y su entorno más cercano. Es contradictorio, sí, pero claro, ¿tal vez es su vida una contradicción en sí misma?

Desde su debut, reemplazando a un gigante como Bruno Walter, comienza la carrera del joven Leonard, con altos y bajos pero siempre “in crescendo”. ¿El foco? Su sexualidad, o mejor dicho su bisexualidad. Aparece Felicia Montealegre -Carey Mulligan-, y la fascinación es inmediata, pero no al punto de abandonar su esencia. Entonces, ¿esta película es sobre Leonard o Felicia? ¿O sobre el artista o la persona? La centralidad no se decide, y nos perdemos. Son muchos estímulos los que se presentan y nos obligan a deambular entre unos y otros en busca de alguna explicación convincente.

Leonard Bernstein es, indudablemente, un genio. Musicalmente hablando, y desde el punto de vista de la composición, su trabajo es alucinante. Partituras llenas de color, un estilo inigualable, y un derroche de energía que se siente actual hasta el día de hoy. Como director, imprescindible, sus años en Nueva York dejaron una huella indeleble que se recordará por años. Y como persona, bueno, acá está el punto central de una cinta que tal vez pretende desmitificar el mito, o bajar a un sitio pedestre a un ser humano de arte excepcional, y poseedor, por cierto, de muchas carencias.

La cinta va y viene entre la euforia y la depresión, algo similar al forte-piano (sonido fuerte, sonido suave), esos contrastes permanentes y fundamentales a la hora de analizar cualquier partitura clásica de los grandes maestros. Y la película también los tiene, porque por momentos es luminosa, y por otros, oscura y hasta tenebrosa.

Si la relación con Felicia es el gran motivo del relato, quisiera compartir una frase que no es mía pero que me representa completamente. Leonard Bernstein se ve atrapado por Felicia en una vida que él, realmente, no quería vivir. Y este punto podría ser clave para interpretar todo el recorrido de la cinta, porque ante las indefiniciones focales, es necesario encontrar el punto fundamental, la esencia de un retrato que, queramos o no, persigue algún fin u objetivo.

Dejo para el final los mejores momentos que, para mí, son musicales. La escena con el Adagietto de la Quinta Sinfonía de Mahler es brillante. La breve aparición de “West Side Story”, de fondo, ilustrando una escena aparentemente menor, es perfecta. Y la secuencia con la Sinfonía No 2, “Resurrección”, de Mahler, es sencillamente sublime. ¿Por la música o por la realización? Abro el debate.

Reconozco que esperaba una película diferente, una donde el componente musical fuera mayor, o al menos equilibrado con el comportamiento personal. ¿Qué me encontré? Un enorme trabajo de producción, una realización excepcional pero con poca alma, con poco cuerpo, indefinida, irregular y con mínimos contrapesos. Tal vez me jugaron en contra las altas expectativas, quizá, pero esperaba algo diferente, lo que no significa que no valore enormemente el talento de Bradley Cooper en la actuación y en la dirección. Es solo que no cumplió con mi imaginación, y mi propia concepción del Maestro Bernstein, a quien conozco principalmente gracias a sus composiciones e interpretaciones.

Un aviso. Al final hay imágenes reales para apreciar el gran trabajo de similitud en la interpretación.

¡Bravo! ¡Bradley Cooper además dirige, no solo cine, y déjenme decirlo, bastante bien!

Ficha técnica

Título original: Maestro
Año: 2023
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Sikelia Productions, Amblin Entertainment, Netflix, Fred Berner Films, 22 & Indiana Pictures. Productor: Martin Scorsese, Steven Spielberg, Bradley Cooper, Todd Phillips. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Biográfico. Música
Guion: Josh Singer, Bradley Cooper. Biografía sobre: Leonard Bernstein
Música: Leonard Bernstein
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Bradley Cooper, Carey Mulligan, Matt Bomer, Maya Hawke, Sarah Silverman
Dirección: Bradley Cooper

La sociedad de la nieve - Por Carlos Correa Acuña

La historia la conocemos, y se siente reciente a pesar de haber sucedido hace un poco más de 50 años. Se trata del vuelo de la Fuerza Aérea Uruguaya que trae a Chile un equipo de Rugby, y que, en plena Cordillera de Los Andes, se estrella en el medio de un glaciar. De sus 45 ocupantes, entre tripulación y pasajeros, solo sobreviven 29, y quedan indefensos en un entorno bastante inaccesible. El operativo de rutina para su rescate no logra resultados. Pasan los días y las energías decaen, la esperanza disminuye, y la frustración amenaza con fatigar y vencer hasta al más fuerte. Hay que tomar decisiones, y decisiones extremas; hacer todo lo posible por sobrevivir.

Basada en el libro “La sociedad de la nieve”, de Pablo Vierci, el director español J.A. Bayona ofrece un thriller cuyo mayor mérito es sostener un relato cuyo final es públicamente conocido. Y no solo eso, existe una película sobre el caso, la conmovedora “Viven” del año 1993, por lo que contar nuevamente esta historia es claramente un desafío aún mayor.

El prólogo de esta película es sucinto. En pocos minutos tenemos los antecedentes, el contexto, y en menos de 15 minutos ya estamos en pleno accidente. La secuencia de la fatal caída es de excelente factura, sin embargo hay un detalle que quiero destacar: el uso del silencio como “el” elemento dramático. Potente. Sobrecogedor. Además, no es necesario profundizar en otros detalles cuando tenemos muertos, heridos y mínimos afortunados ilesos. Basta poco material y breves diálogos, pues las imágenes hablan por sí solas.

El escenario que presenciamos entonces es dantesco. La amplia y hermosa fotografía del valle de Los Andes completamente cubierto por una nieve de blanco radiante, contrasta con el gélido ambiente y el sufrimiento de un grupo de personas que no entienden lo que están viviendo y menos imaginan lo que está por venir.

¡Qué difícil es mantener la ilusión en el rescate! ¡Y qué fácil es dejarse consumir por la evidente frustración! Estos sentimientos contradictorios están siempre presentes y muy bien representados, ya sea por el comportamiento de los protagonistas o por los aciertos del director al enlazar cada una de las secuencias.

La acción llega pasados tres días. Buscar la cola del avión, las baterías, la radio. Ya van seis días y nada. Los víveres encontrados ya se han consumido y cunde el hambre. Deben comer. ¿Qué? El dilema es total, se trata de una decisión muy difícil pero vital. Es de vida o muerte. Las diferencias de criterio son evidentes, y al menos se produce una clara división: los que deciden comer, y los que deciden no hacerlo, en espera de una señal en el cielo. Pero el relato no pone necesariamente su centro en ello; esto es otro acierto de su director.

La búsqueda finaliza a los diez días. Se enteran porque han podido usar una radio y así sintonizar una emisora local. El avión no los ha matado al estrellarse, pero la montaña amenaza con liquidarlos por completo porque viene lo peor: una avalancha gigante; nieve sobre nieve sepulta, literalmente, casi toda perspectiva de poder seguir viviendo. Tremendo, desolador. Inimaginable.

J.A. Bayona es muy hábil en la configuración de los personajes. Casi sin que nos percatemos, ha podido igualarlos a todos en la tragedia, sin embargo aquellos líderes empáticos son necesarios y surgen de manera espontánea. Acá, eso sí, un punto menos, porque no nos hace parte, divide demasiado el protagonismo, y podemos correr el riesgo de perdernos por el gran número de detalles puestos sobre la palestra.

Cuando un grupo de avanzada sale a buscar algún tipo de ayuda, bastante incierta por lo demás, se presenta un debate no menor. Creer en Dios o en quienes actúan. Siempre en un tratamiento de respeto, no hay inclinaciones editoriales, solo exposiciones, porque las muertes no pueden ser en vano, deben tener un sentido, y los sobrevivientes, una mirada existencial de la vida.

La película es pródiga en mensajes positivos y valores profundos. El cansancio no puede ganarle al sacrificio, debe haber una genuina entrega, no bajar nunca los brazos, ni menos rendirse ante tamaño agobio. ¡Hay que dar la vida por los amigos!

“La sociedad de la nieve” tiene una construcción de lujo, una ambientación de realismo puro que despierta todos los sentidos. Por momentos estamos ahí, en el frío de la nieve o en la apretada cabina conformada por los restos del avión. J.A. Bayona sabe manejar los tiempos y también nuestras emociones, porque dosifica la intensidad. Sabemos que viene el encuentro con el arriero, pero aun así nos sorprende. Sabemos del rescate, del recibimiento y del volver a nacer, pero esa secuencia nos emociona profundamente. Y eso es lo que le pedimos al cine: entrar a ver una película y salir diferentes, cambiados, enriquecidos.

Una reflexión para el final: ¿Son efectivamente héroes de Los Andes quienes lograron el milagro de sobrevivir? Sé que la respuesta no es sencilla y que el debate que se ha abierto tal vez nunca se cerrará. Lo que sí podemos tener más o menos claro, es que tragedias de este tipo, retratadas de forma artística y respetuosa, forman parte de nuestra experiencia, algo fundamental al momento de poner en la balanza quizá lo más importante e inherente al ser humano: su propia vida.

Ficha técnica

Título original: La sociedad de la nieve
Año: 2023
Duración: 144 minutos
País: España
Compañías: Apaches Entertainment, Telecinco Cinema, Benegas Brothers Productions, Cimarrón Cine, El Arriero Films. Productor: Belén Atienza, Sandra Hermida. Distribuidora: Netflix
Género: Drama. Aventuras | Basado en hechos reales. Supervivencia. Naturaleza. Años 70. Zonas frías/polares
Guion: J.A. Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marqués, Nicolás Casariego. Libro: Pablo Vierci
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Pedro Luque
Reparto: Enzo Vogrincic Roldán, Matías Recalt, Agustín Pardella, Tomás Wolf, Diego Vegezzi, Esteban Kukuriczka, Francisco Romero
Dirección: J.A. Bayona

Wish: el poder de los Deseos - Por Juan Pablo Donoso

Para celebrar sus 100 años de existencia la empresa Disney decidió hacer un largometraje animado gigantesco que estuviera a la altura de la conmemoración.

El resultado fue una fábula compleja, recargada, con menos de la magia y el humor que lo han caracterizado en la historia del cine mundial.

Si bien aplica recursos de probada eficacia anterior - aquellos con animalitos y plantas amistosas que hablan, cantan, bailan y colaboran con la protagonista - tal vez por ambicionar demasiado le faltó ese “toque de gracia” tan propio de los grandes filmes de Disney - animados, o con actores - a lo largo de los años.

Como dice el título (Wish) invita a recuperar la capacidad de tener sueños y deseos distintos y personales.

Se pinta un cuadro social, de gente ilusionada bajo el mando de un tirano ladrón y mentiroso (Rey Magnífico) que finge ser benefactor de su pueblo al administrarles sus anhelos más íntimos. Para ello se autoproclama dueño de las estrellas.

El engaño se rompe cuando Asha, una niñita optimista e ingeniosa, se atreve a escoger una estrellita del firmamento - lúdica y enredosa - para invitarla a compartir sus propias ilusiones.

Ello desatará la furia del tirano, quien intentará conservar, por cualquier medio, su poder sobre la mente del pueblo, y evitar ser descubierto en su egoísmo.

El relato es más para adolescentes que para niños. La trama es compleja, y plantea juicios de valor incorporando muchos personajes secundarios para transmitir su mensaje.

A veces, cuando se domina una fórmula eficaz, es innecesario alterar lo que ya funciona bien… salvo por algo mejor.

Por un lado utiliza recursos probadamente exitosos, y por otro, al intentar renovarse se torna abundante y pierde fluidez.

Las canciones y bailes son menos en cantidad. Se sienten más como distensión que como complementos al relato.

Destacamos el tratamiento de bellos dibujos al estilo de los antiguos libros de cuentos europeos; un evidente progreso en la minuciosa gesticulación facial de los personajes; y, por primera vez, una incursión en temática sindical y sociológica.

Si vemos la versión en inglés, subtitulada, disfrutaremos las canciones con la hermosa voz de Ariana di Bose.

Al viejo sistema triunfador de Disney le hizo falta el último “control de calidad” para ir a la segura.

UN GRANDIOSO ESPECTÁCULO QUE MÁS PREFIERE LUCIR SU FACTURA QUE CONMOVER Y ENTRETENER A LOS NIÑOS.

Ficha técnica  

Título Original: Wish (II)

2023 Animación, fantasía, rebelión 

EE.UU. 1, 32 hrs 

Edición:Jeff Draheim 

Música: David Metzger 

Diseño Prod.: Michael Giaimo 

Guion: Jennifer Lee & Allison Moore 

Voces: Ariana De Bose, Chris Pino, Alan Tudyk 

Dirección: Chris Buck, Fawn Veerasunthorn 

Cine Color

Crypto Boy - Por Jackie O.

"No trabajes por dinero, que el dinero trabaje por ti...dicen..."

Sinopsis: Tras una pelea con su padre, un joven cae preso del encanto de las criptomonedas y las grandes promesas de libertad financiera que da un joven empresario.

Dinero, dinero, es lo que el ser humano necesita en su vida. Quien te diga que no le interesa el dinero, miente.
Sí, claro que sí, también paz, espiritualidad, amor, etc., eso es una base necesaria para el alma del ser humano, pero las cuentas no se pagan con buenas intenciones. Y lo material es parte de las personas, o si no mira tu closet con marcas caras, con docena de zapatos, el auto o moto que te compraste, las vacaciones que te tomaste, los regalos que hiciste, etc.
Pero calma, desear cosas no es malo, el problema es cuando la intensidad de desearlo cae en lo negativo.

Algunos les carga trabajar con empleadores porque no les gusta tener jefes u horarios, otros se cansan de ser independientes con horas y horas de trabajo para acceder a lo que desean; por eso abundan los juegos de azar y la oferta de negocios lucrativos con cero esfuerzo. El problema radica en que después se llora culpando a otros por malas acciones propias.

Así conocemos la vida de Amir, un joven de Amsterdam que ve como el pequeño negocio de comida que su padre mantiene con mucho esfuerzo, quien es un inmigrante egipcio, va decayendo. Ya no tiene tantos pedidos, tampoco se moderniza ya que su padre es muy chapado a la antigua, y por más que Amir, quien ayuda como repartidor, le da ideas nuevas para ir al corriente con la actualidad, su padre hace caso omiso. Eso ha generado ciertos roces entre ellos.

Es así que, un día de trabajo cualquiera, Amir va a dejar un pedido a un edificio encontrándose con una conferencia. Le llama la atención quien está en el escenario, es un joven que habla con mucha propiedad, es creíble y se queda escuchándolo. Habla de ganar dinero de forma fácil (primer error del ser humano, creer en eso) de que las inversiones en criptomonedas es la solución. Y se entusiasma. Lo va a ver, se reúne con él y le demuestra que él, Amir, tiene el don de la palabra, que puede trabajar para él y traer más inversores.
El problema se genera cuando invierte los ahorros de su padre a escondidas en este negocio, y por supuesto, lo pierde todo.

Pero antes de eso, vive la vida de "ricos y famosos": limusinas, champagne, fiestas, Jet privado, ropa de marca, dinero en efectivo, etc. Es la puesta en escena (uno de los requisitos de la estafa)
Pero todo eso era pantalla, la empresa quiebra, las promesas de inversiones productivas no era tal, todo se desvanece así como su gerente, Amir se queda a la deriva sin saber qué hacer. ¿Cómo enfrentará a su padre, quien no sabe lo que sucedió con su dinero?

El ser humano tiende a competir con el del al lado, querer tener la mejor casa, el mejor auto, las mejores vacaciones, etc. Incluso, algunos se aprovechan de instituciones sin fines de lucro para sí mismos, sí hay gente así de horrible.
El gastar lo que no se tiene a veces, o desear lo que no se puede tener, el demostrar a otros que la vida es mejor que la de ellos. De vivir el aquí y ahora. De creer en que el dinero llega de la nada, no es sano. Por eso rodiémosnos de gente buena.

Interesante trabajo para hacernos reflexionar y poner atención en los negocios, de tomar buenas decisiones ya que es válido crecer e invertir, pero tomar las debidas precauciones. No engolosinarnos con palabras bonitas que nos hablan del dinero que crece en los árboles. Hay que valorar el trabajo y del esfuerzo personal o grupal.

También esta cinta toca temas como la gentrificación, trabajo honesto, unión familiar, y tener precaución con los estafadores que abundan.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

  
Dirección: Shady El-Hamus
Idioma original: Holandés

País: Países Bajos
Año: 2023

Duración: 103 minutos
Genero: dramático
Fotografía: Daan Bukman
Música: Juho Nurmela
Escenografía: Tim Balk
Vestuario: Minke Lunter
Personajes:
Shahine El-Hamus : Amir
Minne Koole : Roy Warners
Sabri Saad El-Hamus : Omar
Loes Schnepper : Bertha
Isabelle Kafando : Ima
Jonas Smulders : Danny
Tobías Kersloot : Gianni