Boyhood, Momentos de una Vida - Por Juan Pablo Donoso

El mérito principal de este proyecto fue filmar durante 12 años la vida de una familia de Texas, registrando – de manera continuada - el crecimiento de los hijos y la maduración psíquica y biológica de los adultos/actores.

La hazaña consistió en conservar, durante todo ese tiempo, a los mismos actores, sin perder  a ninguno, y lograr que todos mantuvieran la fidelidad a la evolución de sus personajes ficticios.

 La cinta dura casi tres horas, y la estructura del guión es lineal y sin momentos de extremo dramatismo.

Es, precisamente, en el bajo perfil del acontecer cotidiano  donde radica el mayor desafío de esta obra: denunciar el paso del tiempo en las personas, las naturales evoluciones del acontecer diario, y lograr el interés del espectador en forma continuada.

Por mucho que un relato intente parecer una simple “convivencia” con sus personajes, de todos modos la estructura argumental requiere de antiquísimos principios dramáticos – ya enunciados por Aristóteles en su Poética – para lograr la necesaria catarsis en el espectador. Si falla esto, se incurre en el viejo peligro de “aburrir aburriendo” en vez de resaltar poéticamente la tragedia del “tedio existencial”, que jamás perderá fuerza ni vigencia.

BOYHOOD tiene hermosos momentos familiares – en especial durante la primera hora – algunos diálogos precisos y sensibles, honestas y sólidas actuaciones, y fluido manejo de cámara. Sin embargo, por la carencia de ascenso progresivo dramático, sin  clímax intermedios  menores que nos fueran conduciendo a la gran crisis y clímax final, la última hora y media se empieza a sentir pesada, reiterativa, casi vacía, para culminar en una resolución abierta y carente de emoción.

Tal vez detrás de este largo relato nos quieren decir que la vida pasa rápida, y que a pesar de la lucha por alcanzar ciertos  ideales, al final todo tiene poco sentido, y sólo nos queda seguir  respondiendo a los retos de cada momento, hasta envejecer y morir. 

Pero si un  discurso dramático sólo tiene simpatía, y  falta el adecuado manejo de la EMOCIÓN, la sola exposición de la VERDAD es insuficiente para mantener absorto al espectador durante tanto rato.

NOTABLE  HAZAÑA  AUDIOVISUAL  PARA  TESTIMONIAR  EL  PASO DEL TIEMPO, PERO QUE  SE  TORNA  MONÓTONA  POR  FALTA  DE PROGRESIÓN   DRAMÁTICA.   

Ficha técnica

Director y Guionista: Richard Linklater 

Actores: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater 

Fotografía: Lee Daniel y Shane F. Kelly 

Edición: Sandra Adair

Vida familiar - Maduración

EE.UU. – 165 minutos

Whiplash, Música y Obsesión (¿Latigazo?) - Por Juan Pablo Donoso

Si bien el tipo de conflicto ya se ha visto en muchísimas películas anteriores, ésta brilla por su esplendida  realización,  y  por el desempeño concentrado de sus actores principales.

Una vez más estamos ante el caso de un joven músico baterista que desea surgir, que ingresa a una importante escuela de jazz, y cae en las manos de un profesor perfeccionista y sádico.

El muchacho, incluso desalentado por su familia, insistirá en perfeccionarse, pasando por  vejaciones, accidentes e injusticias, con tal de alcanzar el nivel que se le exige.

La cinta, además de una magnífica banda sonora con virtuosismos de jazz, logra crear la tensión casi demencial entre aquellos para los cuales el sentido de competencia es “vencer o morir”.

El carisma del actor J.K Simmons como el maestro es deslumbrante, e incluso aterrador para los espectadores; y la prolijidad interpretativa de Milles  Teller (Divergente), como el joven postulante, constituye una fiera resistencia  contra la fuerza del profesor.

El pulso del relato se mantiene en todo momento encaminado hacia el final. Y aunque la resolución, como suele suceder con las películas estadounidenses, tendrá su final feliz, la trayectoria para alcanzarlo, la música y las actuaciones cumplirán con su propósito de entretener y generar en el espectador sentimientos de furia y admiración.

SADISMO  PEDAGOGICO VERSUS CORAJE Y OBSTINACIÓN DE UN VIRTUOSO MÚSICO JUVENIL. LOGRDA EN SU GÉNERO. 

Ficha técnica

Director y Guionista: Damien Chazelle 

Actores: Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser

Música: Justin Hurwitz

Fotografía: Sharone Meir

Edición: Tom Cross

Jazz - Drama

EE.UU. – 107 minutos

De Tal Padre Tal Hijo (Soshite chichi ni Naru) - Por Juan Pablo Donoso

Japonesa. Plantea el dilema de 2 familias que tienen un hijo de 6 años cada una.

Uno de los padres es un próspero arquitecto. El otro es un sencillo comerciante y reparador de máquinas que vive en un barrio modesto. Éste también tiene otros niños. Un día les avisan del hospital que los niños fueron intercambiados al nacer. 

El desarrollo se basa en la reacción de padres y madres al amar a un hijo que es biológicamente ajeno y al cual han criado con inmenso cariño. Además de las engorrosas denuncias y acciones legales contra la clínica, devuelven a cada hijo a su hogar biológico. Pero los niños extrañan a sus familias de crianza.

Hay escenas más agrestes en las desazones emotivas de los padres, y más tiernas en la solidaridad de las madres. Al final optan por el camino lógico y natural: se establece una profunda amistad entre ambos hogares. 

El filme, con un tema tan humano, y con personajes tan dignos de empatía, se alarga sin necesidad sólo en algunas secuencias. 

CONMOVEDOR DILEMA PATERNAL TRATADO CON FINURA Y COMPASIÓN. 

Ficha técnica

Director y Guionista: Hirokazu Koreeda 

Actores: Masaharu Fukuyama, Machiko Ono, Yôko Maki 

Drama familiar

Japón – 121 minutos

El francotirador - Por Carlos Correa

“American Sniper”, novela autobiográfica de Chris Kyle, un militar norteamericano que es enviado a Irak con la misión de proteger a sus compañeros de armas, es la inspiración de esta película dirigida por Clint Eastwood. Chris -excelente actuación de Bradley Cooper- tiene gran habilidad con el rifle desde muy joven. Proveniente de un ambiente granjero, en Odessa - Texas, Chris se integra -no sin dificultad- en el programa de élite SEAL y es enviado a la guerra como francotirador a las ciudades de Ramadi, Anwar y Bagdad. Luego de 10 años de servicio y cuatro turnos de relevo hasta su retiro en el año 2009, se le lograron acreditar 160 muertes, lo que lo transformó en una leyenda viviente y un objetivo de sus enemigos. Chris Kyle, por sus actos, ganó dos Estrellas de Plata y cinco Estrellas de Bronce.

La película se centra en la vida de Chris. Repasa rápidamente su niñez y juventud para quedarse en la etapa del duro entrenamiento, el comienzo del amor con Taya -Sienna Miller- y sus incursiones en Irak. Eastwood, fino como nos tiene acostumbrados, filma muy de cerca y guía a sus actores de manera privilegiada. Cooper está realmente brillante sosteniendo esta cinta, cuyo relato no pierde jamás el norte y acrecienta la tensión con el correr de los minutos. En esto hay una sintonía perfecta entre cámaras, actuaciones, escenarios y música que nos hace partícipes del infierno de una guerra que vemos sin sentido, cruda, violenta y descarnada, donde todo es destrucción y cuyo horizonte no se dibuja ni se aprecia claramente.

La cinta tiene un gran nivel de producción. La mano de Clint Eastwood se aprecia en toda su magnitud tanto en el tratamiento del guión como en la siempre aguda observación de la realidad que nos quiere transmitir. Sin duda es una película norteamericana, patriota y heroica, sin embargo no deja de estar presente un cuestionamiento permanente al enfrentamiento bélico aunque sea una forma de proteger al país o a los soldados que dan la vida por su patria. Hay esbozadas historias de los habitantes de Irak, algunos inocentes, otros guerreros insurgentes que ven la invasión a su país como una afrenta que deben vengar a toda costa. No hay visiones intermedias. Es blanco o negro, vivir o morir, y en eso Eastwood es capaz de transmitir vivamente sentimientos, emociones y reflexiones.

El francotirador, nominada a 6 premios Oscar, tiene muchos méritos. Es una gran película sobre la guerra vista a través de los ojos de este “héroe americano” y al mismo tiempo es una cinta que pone énfasis en los traumas físicos y emocionales de los soldados, sus historias personales, sus familias, sus esposas e hijos que viven con el alma en un hilo, pendientes de sus seres queridos que pueden volver o no volver a sus hogares. Es estremecedora y emotiva, violenta y cruda, combinando con maestría los elementos de un relato que lleva a la reflexión y nos cuestiona permanentemente desde la ética y la moral. ¿Validamos la muerte bajo ciertas circunstancias? ¿Quién decide que alguien viva o muera? ¿Puede una persona ser juez y parte al mismo tiempo? “American Sniper” bajo mi perspectiva no toma partido. Presenta los hechos y nos hace transitar entre muchas posibilidades y reflexiones. Clint Eastwood consigue nuevamente sobrecogernos con esta historia real y llevarnos al límite de nuestras emociones.

Ficha técnica

Título original: American Sniper

Año: 2014

Duración: 132 minutos

Calificación: 14 años

País: USA

Elenco: Bradley Cooper, Sienna Miller

Director: Clint Eastwood

El Gran Hotel Budapest - Por Juan Pablo Donoso

Brillante fábula satírica centrada en un lujoso hotel imaginario en los Alpes europeos. 

Con una pléyade de actores famosos – algunos casi irreconocibles – nos cuenta de los avatares de distinguidos aristócratas que debieron sufrir los embates políticos, militares y sociales de la 1ª Guerra Mundial. La circunstancia amalgama a las diversas clases sociales en una aventura de total desquiciamiento. 

El filme mantiene un feérico tono nostálgico en sus escenarios, colores, utilería, vestuarios y gestualidad. Cabe resaltar la prodigiosa banda sonora, cuya música, muy elocuente, corre en paralelo con el ritmo endemoniado de esta comedia que combina el absurdo con un grotesco flemático. Con reminiscencias de Monty Phyton nos mantiene alertas durante los 100 minutos de duración, que pasan volando.

SOFISTICADA Y ENLOQUECIDA SÁTIRA DE UNA ÉPOCA. HERMOSA EN SU GÉNERO GROTESCO.  

Ficha técnica

The Grand Budapest Hotel 

Año 2014

Sátira 

Inglaterra, Alemania, EE.UU. - 100 minutos

Elenco: Ralph Fiennes, Murray Abraham, Edward Norton,  Willem Dafoe  

Música: Alexander Desplat  

Fotografía: Robert D. Yeoman

Director y Guión: Wes Anderson

La Teoría del Todo - Por Juan Pablo Donoso

Biografía del gran físico inglés Stephen Hawking. 

Aunque el relato es lineal, supera la simple documentación gracias a la sensible humanidad, y al eximio desempeño de sus actores principales. 

El parecido físico y gestual de Eddie Redmayne como Hawking  es perfecto y conmovedor. La historia se narra desde la óptica de su esposa Jane, con quien se desposó  cuando  aún estudiaban en Cambridge, y con la cual tuvieron 3 hijos normales. 

Siendo aún muy joven le diagnosticaron su enfermedad neurológica degenerativa, y sólo 2 años de vida. Pero la suerte, la tecnología y – muy en especial – el amor y cuidados de su esposa le han permitido sobrevivir hasta hoy a los 73 años de edad. 

Junto con presenciar su deterioro neurológico, admiramos el ascenso de su carrera como científico de fama mundial, y el desgaste anímico de su abnegada esposa. Ni siquiera el divorcio y la unión de Hawking con otras 2 mujeres pudo romper el vínculo que los unió en la juventud.

La lúcida emotividad interpretativa es la médula dramática de este testimonio de la vida real.

Sólo se enuncian algunas de sus teorías, tales como la injerencia de Dios en la creación del Universo, y su afán por hallar la fórmula “única” que dé sentido racional a la existencia del cosmos.

ADMIRABLE  COMO  BIOGRAFIA DE UN  GENIO, Y COMO  TESTIMONIO DE UNA  PROFUNDA SOLIDARIDAD  CONYUGAL.

Ficha técnica

The Theory of Everything

Año 2014

Biográfica – Drama – Ciencia

Inglaterra- 123 minutos

Biográfica - Inglaterra

Elenco: Eddie Redmayne – Felicity Jones – Tom Prior

Director: James Marsh 

La Teoría Del Todo - Por Carlos Correa

Una película sobre el científico Stephen Hawking, aún vigente y tal vez es uno de los más conocidos y renombrados de los últimos años llama la atención por si misma. “La teoría del todo”, basada en las memorias de Jane Hawking,"Travelling to Infinity: My Life with Stephen”, esposa de Hawking, madre de sus tres hijos, actualmente divorciada manteniendo una buena relación con él, está escrita a modo de homenaje. Y un hermoso homenaje. Todo cuadra y encaja perfectamente y las tensiones más grandes se disipan alrededor de una atmósfera limpia, agradecida y llena de admiración.

Stephen -interpretado de forma magistral por Eddie Redmayne- se encuentra estudiando un doctorado en cosmología en la prestigiosa Universidad británica de Cambridge. Es 1963, Stephen, que es activo, saludable y brillante, aunque con pocas habilidades sociales, se enamora perdidamente de una estudiante de arte en la misma universidad, Jane Wilde -FelicityJones- y con ello se cruzan mundos tan distintos como los que el científico estudia para su tesis doctoral. Jane es encantadora y la pareja parece complementarse a la perfección. Sin embargo la noche está por llegar, y este joven idealista de 21 años recibe la peor de la noticias: tiene una enfermedad que ataca las neuronas motoras y que lentamente le irá paralizando hasta la muerte en no más de dos años.

La historia la conocemos. El diagnóstico fue certero en la enfermedad, esclerosis lateral amiotrófica (ELA), sin embargo Stephen Hawking acaba de cumplir 73 años el pasado 8 de enero y sigue vigente. Por estas razones, este homenaje en vida a un hombre capaz de sobreponerse a una limitación física tan importante se transforma en una lección de vida y en modelo de inspiración para muchos.

La cinta dirigida por James Marsh postula a 5 premios Oscar: mejor filme, actor principal, actriz principal, guión adaptado y música original. Los escenarios naturales son hermosos, el detalle de la dirección de arte es fino y preciso y la partitura, aun con influencia de Morricone, es bella y acogedora. Destaca por sobre todo la vida de este hombre resiliente, capaz de incorporar el universo en su mente y a la vez incapaz de realizar movimientos que para la mayoría de nosotros son los más normales y cotidianos. Es una paradoja y provoca compasión y admiración, independiente de lo cercano o lejano a la linea de pensamiento que cada uno pueda estar del reputado científico.

“The Theory of Everything“ es una bella historia. El relato es interesante aunque a veces su ritmo decae porque no tiene mucho más detalle que aportar. La ausencia de una verdadera tensión -aparte de la limitación física- juega en contra del guión que si bien es notable, pudo conseguir un resultado mucho más sobrecogedor. Por cierto, lo mejor del filme son las actuaciones, en especial la de Redmayne que lo tiene al borde del Oscar. La decisión de dedicar la mayor parte del tiempo a la vida cotidiana del científico sin profundizar demasiado en sus ideas, teorías y definiciones puede tener opiniones diversas, pero a mi modo de ver humaniza la ciencia y acerca al gran público a una figura relevante de la matemática aplicada, la física teórica y la refísica cuántica de los últimos 50 años.

Ficha técnica

Título original: “The Theory of Everything“

Año: 2014

Duración: 123 minutos

Calificación: TE

País: Gran Bretaña

Elenco: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Tom Prior, David Thewlis

Director: James Marsh

El Código Enigma - Por Juan Pablo Donoso

Alan Turing, alumno prodigio en matemáticas, de carácter difícil y homosexual, es incorporado por el gobierno inglés, junto a un equipo de otros brillantes jóvenes, para descifrar los mensajes radiales con que los nazis anunciaban sus bombardeos. 

El sistema críptico alemán es tan complejo que tomaría meses y años en decodificarse. Alan Turing, de 26 años, diseña el primer computador de la historia. Lo llama Christopher  en memoria de un compañero/pareja del colegio que falleció de tuberculosis a temprana edad. Si en esa época llegaran a descubrir su homosexualidad sería encarcelado y apartado de su gran proyecto cibernético. Se integra al equipo una muchacha también brillante matemática, con la cual Turing se casa para encubrir su condición y seguir trabajando en su máquina de alto secreto de Estado. 

Luego de un tormentoso proceso de experimentación, y de plazos fatales, el invento funciona y – gracias a él – la 2ª Guerra Mundial termina antes, y se salvan millones de vidas. Al finalizar la guerra, tanto la máquina como los documentos y planos deben ser destruidos. Durante la construcción de Christopher  hubo que negar su existencia para evitar que los nazis volvieran a cambiar las claves.  

Años después Turing debió someterse a un tratamiento de hormonas  para – supuestamente – curar su inclinación sexual. Pero ello derivó en problemas psíquicos que lo llevaron al suicidio. 

El relato, a pesar de su complejidad, queda claro, ameno y bien realizado como filme. Sobrias y verosímiles actuaciones.

DRAMA SECRETO  Y VERDADERO  QUE AYUDÓ A FINALIZAR LA 2ª GUERRA MUNDIAL 

Ficha técnica

The Imitation Game 

Año: 2014

Inglaterra - 114 minutos

Cibernética, Bélica

Elenco: Benedict Cumberbatch y Keira Knightley

Director: Mortem Tyldum  

El Código Enigma - Por Carlos Correa

Basada en un hecho real, “El código enigma” trata sobre la vida y obra de Alan Turing, genio y matemático inglés, quien junto a un grupo de mentes privilegiadas lograron resolver uno de los acertijos más complejos de la Segunda Guerra Mundial, el código de encriptación usado por los alemanes en todas sus comunicaciones estratégicas, que diariamente cambiaba y que tenía millones de millones de combinaciones posibles.

Benedict Cumberbatch interpreta a Alan Turing. Su actuación es excelente, tanto en la dinámica como en la construcción del personaje. Turing era homosexual -ilegal en la Inglaterra de mediados del Siglo XX- por lo que fue procesado el año 1952 y condenado a un tratamiento de castración química. Así comienza la cinta, que se mueve entre tres momentos de su vida: el presente donde es juzgado, su etapa de estudiante y el desafío emprendido durante la guerra. Turing siempre fue rechazado por sus escasas o más bien nulas habilidades sociales, y Cumberbatch se involucra con su personaje generando una notable credibilidad. Le acompaña en esta aventura Joan Clarke -Keira Knightley-, una joven brillante que entrega un contrapunto sólido al protagonista, incluso al punto de sostener juntos el relato en varios pasajes de la cinta.

“The Imitation Game”, su título original, tiene muchas otras virtudes. Una banda sonora preciosa compuesta por Alexandre Desplat, una hermosa fotografía a cargo de Óscar Faura, escenarios excelentemente decorados e imágenes históricas, entre muchas otras. El director Morten Tyldum conduce el relato de una manera envolvente, manejando muy bien los saltos temporales e impregnando una tensión creciente en la medida que la guerra avanza y el tiempo para descifrar “Enigma” se termina.

Nominada a 8 premios Oscar, “El código enigma” tal vez solo peca de relevar en exceso, en mi opinión, la condición homosexual de Turing en desmedro del prodigio técnico y científico que el matemático desarrolló para descifrar lo que era considerado imposible. En ese sentido, una frase marca la envergadura del desafío: “a veces de los que no imaginamos nada, son los que logran lo que nadie puede imaginar”, y Turing logró algo totalmente inimaginable sentando las bases de lo que hoy en día para nosotros es lo más natural del mundo y desde hace años llamamos “computación”.

Ficha técnica

Título original: “The Imitation Game”

Año: 2014

Duración: 114 minutos

Calificación: TE7+

País: UK

Elenco: Keira Knightley , Benedict Cumberbatch

Director: Morten Tyldum

Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) - Por Juan Pablo Donoso

El premiado realizador mexicano Alejandro González Iñárritu, ha demostrado su fuerza narrativa con filmes tales como Amores Perros, Biutiful, 21 Gramos, Babel  y otros. En sus temáticas reitera la vulnerabilidad del ser humano frente a los accidentes de la vida, a la incomunicación afectiva y a los difusos límites entre la realidad y la ilusión.

En Birdman – con un goloso presupuesto de US$ 22.000.000 – (80 técnicos para efectos especiales) vuelve a plantear estas inquietudes intimistas y con mayores recursos visuales.

Nos preguntamos – en medio de toda la parafernalia – ¿qué es exactamente lo que nos quiso comunicar… o sólo quiso lucir sus habilidades narrativas, y el carisma de sus actores y actrices?

Riggan, un astro cinematográfico famoso por interpretar a un superhéroe de comic llamado Birdman, desea probarse a sí mismo, y al mundo, que es capaz de actuar “en serio” protagonizando una obra teatral en Broadway. 

Lo acompañamos durante los últimos ensayos, sus funciones de pre-estreno y el gran debut. En el ambiente y en la crítica neoyorkina hay cierta sorna con respecto a su capacidad para triunfar en esos escenarios.

El hombre (Michael Keaton, quien años atrás de verdad protagonizó BATMAN), inseguro de sí mismo, y peor aún, atormentado por el espectro de Birdman, con tal de erradicarlo, sigue adelante porfiadamente en su intento.

La alienación con el héroe de historieta es tal que se siente poseedor de los mismos súper poderes del personaje infantil: asistimos a sus sesiones de levitación, a sus arrebatos de telekinesia, y a su capacidad de volar.

En medio del ajetreo previo al estreno teatral conocemos de las relaciones con su ex esposa, su amante y su hija drogadicta  rehabilitándose.

A mayor abundamiento – para sentirse respaldado en el oficio – contrata a un talentoso actor joven (Edward Norton) quien le hace la tarea aún más caótica con sus extravagancias.

Para darle más ritmo al desquicio, Iñárritu opta por el humor negro y el lenguaje de plano secuencia, es decir, que todo parezca una sola toma, sin cortes, con cámara en mano siguiendo a los personajes, y  falseando los saltos en el tiempo.

Estos serían los ingredientes argumentales y los juegos tecnológicos.

Los temas de entre bastidores teatrales – salvo notables excepciones (All About Eve, de J. Manckiewicz) – suelen ser poco familiares para la mayoría del público. 

Durante el desarrollo surge la pregunta inevitable: ¿a dónde nos va conduciendo el autor? ¿Qué nos querrá decir  con tanto malabarismo?

Y al final prevalece la misma incertidumbre: sólo vimos los tormentos de un hombre confundido y asustado, que lucha contra una imagen publicitaria que se resiste a abandonarlo, y con la cual, ¿tal vez?, termina por reconciliarse con ella saltando por la ventana, ¡quizás!

Si bien el discurso cinematográfico es dinámico porque nos incluye en la esquizofrenia del protagonista, la enorme cantidad de temas y relaciones afectivas sólo se enuncian sin profundidad entregando un producto recargado, de comedia negra poco graciosa, y con recursos de fantasía visual   pudiendo algunos ser prescindibles.

Ni siquiera el tratamiento de Plano Secuencia es cabal, ya que en un momento de ludismo onírico se interrumpe por una especie de clip musical lleno de cortes y, a diferencia de verdaderas joyas en esa materia – como LA SOGA de Hitchcock, EL ARCA RUSA de   Russkiij Kovcheg, y SALMO ROJO de Miklos Jancso – aquí son evidentes los empalmes de escenas para un ojo medianamente conocedor. Mejor logradas son las tomas frente a espejos evitando que aparezca la cámara.

¿Qué significa el ostentoso subtítulo “La inesperada Virtud de la Ignorancia”? ( ¡Al menos dentro de la película nunca se supo!).

En suma, un filme de intimidad atmosférica,  con exceso de elementos que impiden  urdir  una trama emotiva, comedia negra  semi lograda, actores mal aprovechados (como Norton quien empieza brillante y va desapareciendo en el último tercio de la historia por falta de fundamento dramático para justificar su personaje), y carencia de una premisa más clara y sólida para sustentar este ambicioso proyecto creativo.

    

PROYECTO  ATRACTIVO, PERO  SOBRECARGADO  Y  CON PREMISA  POCO  CLARA.  GRANDILOCUENTE  “CAJÓN DE ABUELA”.

Ficha técnica

Título original: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Año: 2014

Duración: 119 minutos

Calificación: 14 años

País: USA

Elenco: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis, Naomi Watts, y Amy Ryan

Director: Alejandro González Iñárritu

Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) - Por Carlos Correa

“Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)” es la nueva producción del director mexicano Alejandro González Iñárritu. Una celebridad -un excelente Michael Keaton- que encarnó al famoso superhéroe “Birdman”, se encuentra 20 años después preparando el estreno en Broadway de una adaptación propia de “What We Talk About When We Talk About Love” de Raymond Carver. Riggan Thomson, el actor interpretado por Keaton, trabaja en este montaje con su hija Sam -Emma Stone-, su novia Laura -Andrea Riseborough-, Lesley -Naomi Watts - e incorpora en los últimos ensayos a Mike Shiner -un notable Edward Norton-. Riggan está ansioso. Necesita sentirse vivo, vigente, necesita la adrenalina del éxito, sentirse nuevamente reconocido y triunfar esta vez “en serio”. 

González Iñárritu usa el plano secuencia para filmar de cerca y sin parar. Los cortes naturales y saltos temporales están perfectamente encadenados con sutileza y nos introducen en un delirio vertiginoso que toma más y más cuerpo en la medida que el metraje avanza. La tensión es evidente y nada parece aplacarla. Esta mezcla explosiva entre locura, arte, fama y amor no sabemos bien dónde nos conduce. La banda sonora -una percusión que no da tregua, salvo algunos medidos silencios- incluye dos motivos musicales que podrían pasar inadvertidos y que por cierto son parte importante del relato: el comienzo de la Novena Sinfonía de Gustav Mahler y el segundo movimiento de la Quinta Sinfonía de Tchaikowski usados en secciones clave. Todo ello entrega un contrapunto esencial a las actuaciones convincentes de todo el elenco.

“Birdman” es también una sátira. Se ríe de las superproducciones de consumo masivo, de las redes sociales y de lo “viral” de algunas situaciones que no tienen mayor importancia. Critica la crítica, que puede hundir o elevar una obra con o sin argumentos. Por momentos se transforma en una oda al ego artístico, sin embargo se encauza hacia lo íntimo, hacia lo más profundo del ser artista, aquello que mueve internamente la pasión que luego se comunica sobre cualquier escenario. Y en esto, Keaton está brillante. Tal vez su propia historia con “Batman” le ayuda a interpretarse a si mismo, sin embargo la mano de González Iñárritu para seguir y descubrir al hombre dentro del personaje es notable.

“Birdman” pisa fuerte o mejor aún, vuela alto. Es cine complejo, bien desarrollado y sólido, con todos los elementos de una gran película. Y por cierto, es arte puro, por lo que admite opiniones diversas y análisis desde muchos puntos de vista. En mi caso, va el reconocimiento a una joya cinematográfica, con un excelente guión, un elenco de lujo y un director que cada vez nos entrega mejores realizaciones, reflexivas y llenas de humanidad.

Ficha técnica

Título original: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Año: 2014

Duración: 119 minutos

Calificación: 14 años

País: USA

Elenco: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis, Naomi Watts, y Amy Ryan

Director: Alejandro González Iñárritu

St. Vincent - Por Juan Pablo Donoso

¿Es razonable sacralizar a un badulaque?  Sobre tal idea se concibió esta película.

Más que una trama argumental es un trabajo sobre personajes; todos presentan un diseño sensible, sin grandilocuencias, y de bajo perfil.

Encabeza la galería Vincent (Bill Murray) en torno al cual, y en contraste con él, surgen las circunstancias del relato. Es un veterano de guerra alcohólico y de mal genio que pasa por serios problemas económicos y amarguras. Sus escasos puntos afectivos son su esposa con alzheimer, recluida en un asilo, y su gato persa  blanco. Todos y todo lo demás son detonantes de su desprecio e insolencia.

Hay ecos de GRAN TORINO de Clint Eastwood (2008): llega una vecina gorda (Melissa Mc Carthy), divorciada, con un hijo judío adoptado y pre-adolescente. 

Gradualmente, el niño irá conquistando la estima del áspero anciano hasta transformarse, para el muchacho, en el “primer santo vivo, imperfecto y cotidiano” que conocerá en su vida. De ahí el nombre de la cinta ST. VINCENT.

El atractivo está en descubrir qué hará Bill Murray a continuación: a quien insultará, cómo conseguirá dinero para perder en las carreras de caballos, a quien estafará, y cómo mantendrá su vínculo sexo-comercial con una prostituta grávida (Naomi Watts, quien debió aprender a hablar como inmigrante rusa en EE.UU.).

Una vez más los protagonistas Bill Murray y Melissa McCarthy hacen alarde de su carisma actoral; pero el guionista y director Theodor Melfi, puso énfasis en la elección y tratamiento de todos los actores secundarios: el niño, el sacerdote católico del colegio, las enfermeras y truhanes que elevan la calidad humana y sensible en esta crónica íntima y vecinal.

AMABLE  RELATO DE  PERSONAJES MENORES CUYO ENCANTO RADICA EN  LA  FLUIDEZ DE  SUS CONTINGENCIAS. OPORTUNIDAD PARA LUCIR TALENTOS  SIN  RECURRIR  A  EFECTISMOS.

Ficha técnica

Género: Tragicomedia

País: EE.UU.

Duración: 102 minutos 

Actores: Bill Murray, Melissa McCarthy, Naomi Watts,  Jaeden Lieberher, Melissa McCarthy, Chris O’DowdDirector y Guionista: Theodore Melfi 

No Confíes en Nadie - Por Juan Pablo Donoso

El tema de la amnesia ha sido muy recurrente en el cine. Aquí tenemos una nueva historia con este factor tan fecundo en conflictos.

Desde La Noche del Pasado (Random Harvest) 1942, pasando por Memento (2000) hasta Como si Fuera la Primera Vez (2004), entre otros, la novela de S.J. Watson nos llega con actores de la talla de Nicole Kidman, Colin Firth y Mark Strong.

Una mujer cuarentona se despierta cada mañana sin recordar nada de su vida anterior. El marido debe repetirle ritualmente su identidad y su pasado. Perdió la memoria hace 14 años cuando fue violada y golpeada salvajemente por un desconocido.

La tensión mental de la mujer la hace recurrir a un psiquiatra quien le hace grabar un registro de lo que hace cada día.

Poco a poco ella comienza a notar contradicciones y a dudar de la honestidad de todos quienes la rodean. Su investigación va entregando nuevos datos, dispersos, que aumentan aún más su confusión. El puzzle se irá resolviendo hasta revelarnos la verdad final. 

Con guiños a Hichcock, Kubrick y Resnais pudo ser menos expositiva y más visceral. Un buen filme para la televisión nocturna.

SÓLIDAS  ACTUACIONES  EN  UN  THRILLER  MÁS CONVENCIONAL  QUE  EMOCIONANTE.   

Ficha técnica

Género: Misterio – suspenso - amensia

Reino Unido - 92 Minutos

Elenco: Colin Firth. Nicole Kidman, Mark Strong

Director y Guionista: Rowan Joffe 

La Familia Bélier - Por Juan Pablo Donoso

Es de aquellas obras que solemos llamar “hechas en estado de Gracia”.

Sin estridencias va conquistando por su sencillez, por la fragilidad de sus personajes, por sus pequeños conflictos cotidianos, y por la sutileza con que logra emocionar casi hasta las lágrimas.

Lo hace sin efectismo, sólo con pureza y naturalidad.

Aunque algunos espectadores – acostumbrados a los platos de contundencia dramática – pudieran preguntarse durante el desarrollo - ¿qué tiene esto de especial? – en su mayoría serán permeados por la autenticidad de las emociones y sentimientos.

Una familia campesina de sordo-mudos: el padre, la madre y el joven hijo. Sólo es normal la hija adolescente, Paula, quien hace de intérprete entre sus padres y el resto de las personas de la región y el pueblo.

Los hijos van al colegio y tienen amistades. El profesor de Música organiza un coro. Descubre que Paula tiene talento, y comienza a darle clases particulares para postularla al coro de la Ópera de París.

Para los padres sordo-mudos esto, además de enigmático en lo sonoro, significaría, en caso de ser aceptada en la capital, quedarse sin la ayuda de la hija en la lechería, y sin comunicación con el resto de las personas de la comarca. ¡Un terremoto familiar!

El resto del filme son los detalles de la convivencia con el padre y madre que se adoran, de hijos mentalmente sanos, e incluso del intento del padre de postularse para alcalde, cosa insólita pero de de exquisito sabor aventurero.

Más importante que los acontecimientos, es la pureza con que reaccionan sus personajes a las contingencias cotidianas, y a la franqueza con que llaman las cosas por su nombre.

Cada actor está perfecto en su rol; cada uno tiene su carga de humanidad para transmitirnos – incluidos los secundarios como el Profesor de Música (admirable Eric Elmosnino), los condiscípulos y los vecinos. Desde el comienzo creemos en la minusvalía audio-parlante de los protagonistas, y los acompañamos con gusto durante el relato. Pasan todos a ser nuestros amigos.

Incluso lo previsible del final carece de importancia frente al proceso transparente y cálido con que el director Eric Lartigau nos va envolviendo y conquistando.

UNA  EXPERIENCIA  DE  TERNURA  Y  HUMANIDAD ABSOLUTAMENTE  LOGRADA  EN  FORMA  Y  FONDO.  

Ficha técnica

Director: Eric Lartigau 

Guionistas: Victoria Bedos (idea original), Thomas Bidegain (adaptación) 

Actores: Karin Viard, François Damiens, Louane Emera, Eric Elmosnino,  

Familia – Comedia - Amor 

Francia  – 100 minutos 

BFDistribution

NEBRASKA - Por Juan Pablo Donoso

Periplo cargado de conmovedora humanidad.

En un pueblito rural de Nebraska vive una pareja de ancianos, Woody, decrépito y alcohólico y Kate, su regañona y destemplada esposa. La relación con sus hijos adultos es fría y distante.

Un día Woody s entera que cobrando los cupones de una revista es merecedor de un millón de dólares. Decide partir al estado de Montana a cobrar su premio. Como nadie quiere llevarlo inicia el recorrido caminando. Uno de sus hijos, compadecido por la semi-demencia de su padre lo lleva en auto. 

El trayecto, la dolorosa incomunicación entre ellos, y los lugares en que se detienen, las personas con que interactúan hasta llegar, constituyen la médula de este relato.

Todos, menos el anciano, desde el comienzo sabían que el aviso era sólo una treta publicitaria.

¿Qué significaba existencialmente la obsesión del anciano?

Acompañar a Woody en tan loca jornada es lo que gatilla los más poderosos resortes de compasión reflexiva en el espectador. 

Fantásticas actuaciones de Bruce Dern y June Squibb (que debieron ser nominados al Oscar), secundados por actores prolijamente escogidos.

Alexander Payne, con un pulso de dirección maduro y arriesgado, transmite la atmósfera exacta y casi demencial de  sus protagonistas.

Galería de criaturas patéticas en su sencillez.

Eximio guión y diálogos precisos.

Una lección fotográfica en Blanco y Negro con virtuosa composición plástica; sensibilidad adecuada para captar el alma del filme.

IMPECABLE Y CONMOVEDOR  PERIPLO POR  EL  ALMA  DE  UN ANCIANO,  DE  SU HIJO Y  SU  FAMILIA.  MAGNÍFICA.

Ficha técnica

Director: Alexander Payne

Guión: Bob Nelson 

Fotografía: Phedon Papamichael 

Música: Mark Orton 

Actores: Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Stacy Keach 

Tragicomedia – Poética de la vejez 

EE.UU. 115 minutos