Transformers: El Último Caballero - Por Juan Pablo Donoso

Abrumadora para el público lego. Pero una fiesta para sus seguidores.

Disfrutarán más quienes ya conocen las 4 etapas previas (aún más largas que ésta). Son 149 minutos de incontables combates y espectacularers efectos especiales.

Epopeya clásica que incluye desde los caballeros medievales hasta cataclismos futuristas.

Recargada por el número de secuencias, de personajes, y por la acción casi incesante.

Hay breves momentos de calma con textos que poco importan, tal vez para descansar de los estruendos. Para ello insertaron a connotados actores sólo por motivos taquilleros ya que lo primordial es la acción. (Anthony Hopkins, John Turturro, Stanley Tucci).

Para evitar que los alienígenas de Creyton destruyan la Tierra, hay que hallar el cetro del Rey Arturo, que guardaba en su tumba el Mago Merlín.

Los Transformers son máquinas inteligentes que, cuando es necesario, toman gigantescas formas andróginas. Algunos son Buenos y habitan la Tierra, otros vienen de la galaxia Creyton enviados por la perversa Reina Quintessa, que flota en el espacio con largas piernas de medusa marina. Los Malos atacarán en concomitancia con otros Transformers malditos que habitan desde hace siglos en una nave especial sumergida en el fondo del oceano.

Infaltables y torpes serán también los militares estadounidenses, con geniales matemáticos que intentan dirigir – sin éxito - por computadores las Guerra entre humanos y alienígenas. Solo Cade, el “jovencito bueno” (Mark Wallbrook) y la hermosa Dra. Vivianne (Laura Haddock) serán los héroes definitivos quienes, obviamente, terminanarán enamorados.

Sobran personajes como la niñita huérfana (el toque de ternura) que sabe reparar transformers y casi todos los jefes militares, más abundantes en maquillaje de guerrilla y tanques que en efectividad bélica.

Para el espectador novato es difícil a ratos identificar a los contendores, pero se puede seguir el complejo hilo central de la historia.

Hay resabios de Guerras de las Galaxias en algunos de sus robotitos humorísticos (Cogman). Compaginar todo esto, y a la velocidad con que fluye, es para enloquecer a cualquier editor de imagen y sonido. Se explica el gigantesco presupuesto de US$ 217.000.000.

Con los créditos finales se anuncia la próxima guerrra: será contra el Unicornio espacial.

Se recomienda a los aficionados verla en 3D y en pantalla IMAX.

UN BANQUETE PARA LOS SEGUIDORES DE ESTA SAGA. PARA EL RESTO SERÁ ACCIÓN ABRUMADORA Y RECARGADA DE EFECTOS ESPECIALES.

Ficha técnica

Títutlo Original: Transformers – The Last Knight 

Aventuras, Ciencia ficción EE.UU. – 149 minutos 

Música: Steve Jablonsky 

Fotografía: Jonathan Sela 

Edición: Roger Barton y equipo 

Dirección de Diseño: Anthony Carion-Delion y equipo 

Vestuario: Lisa Lovaas 

Guionistas: Art Marcum, Matt Holloway, Ken Nolan 

Actores: Mark Wahlberg, Laura Haddock, Anthony Hopkins, Josh Duhamel 

Director: Michael Bay

Harmonium - Por Juan Pablo Donoso

“El pecado de los padres recae en los hijos inocentes”. (Axioma de la tragedia clásica).

Bajo esa premisa nos llega esta tragedia contemporánea del cine japonés. Merecidamente obtuvo Premio del Jurado en el reciente Festival de Cannes.

Para algunos resultará un poco lenta, pero creemos que su propósito es introducirnos en el corazón herido de sus personajes más que en la agilidad del relato.

El joven director y guionista Koji Fukada (Adiós al Verano (2013), Hospitalidad (2010), Adiós (2015), elabora un caso de apariencia cotidiana, pero hipnótico, de profunda complejidad psicológica a medida que avanza. Pertenece a la nueva escuela del cine oriental, que privilegia más la evolución que la revolución rupturista del lenguaje dramático.

Lo que se inicia en el hogar de una familia de clase media en Tokyo - un padre artesano industrial, su esposa y su pequeña hijita de 10 años - devendrá en una tragedia cuyas leyes karmáticas se siguen cumpliendo desde que el hombre pudo diferenciar lo bueno de lo malo.

Eludiremos narrar los pasos que llevan a la catástrofe final. Sólo diremos que un día aparece en este hogar un antiguo amigo del dueño de casa que recién ha cumplido años de prisión. Toshio lo acoge en su domicilio y le da trabajo en su taller.

El visitante agradece la hospitalidad tratando de agradar cortésmente a sus anfitriones. Hasta le ayudará a la pequeña Hotaru en sus estudios musicales de armonio.

Al comienzo ignoramos el motivo de sus años en la cárcel y de la extrema generosidad de Toshio, el dueño de casa. Hay algo secreto en la antigua relación de ambos individuos.

Mientras los cuatro disfrutan de una grata convivencia, surgirá una atracción entre Akié, la esposa, y Yasaka, el forastero. Pero antes de consumar el previsible adulterio, el inquilino dará rienda a un instinto aberrante que sumirá a toda esa familia en un infierno espiritual aún más doloroso que la desgracia física que los azota.

El ritmo pausado del relato, la forma gradual en que se van dando los hechos, le otorgan ese hálito verosímil a la conducta de sus personajes. Lo que ocurre viene motivado de antes, y cada uno de esos seres, y de los que aparecen años más tarde, son víctimas de las acciones del ayer.

Los hechos más violentos suceden fuera de la escena. Por eso sólo presenciamos las consecuencias. Se plantean vértigos existenciales que parecieran carecer de respuestas consoladoras.

Invitamos a los espectadores a entrar en aquel hogar, convivir con esos personajes, comprenderlos y dejarse emocionar sin oponer resistencia.

La obra nos dejará admirados y compadecidos. Hasta en el final abierto hay un llamado a enfrentar la vida con humildad, porque nadie está libre de los demonios que yacen ocultos en cada corazón, y que sólo acechan el momento de flaqueza para atacar y herir donde más nos duele.

EXCELENTE Y DOLOROSA.

Ficha técnica

Titulo Original: Fuchi Ni Tatsu 

Cine Arte Galería Patricia Ready 

Japón – 120 minutos 

Tragedia familiar 

Música: Onoyuki Onogawa 

Fotografía: Ken´ichi Negishi 

Edición: Koji Fukada y Julia Gregory 

Actores: Mariko Tsutsui, Tadanobu Asano, Kanji Furutachi 

Director y Guionista: Koji Fukada

El Planeta de los Simios, La Guerra - Por Juan Pablo Donoso

Capítulo final de la última trilogía del Planeta de los Simios. Aunque filmes con esta temática hubo muchos más: 1968-1970-1973-2001-2011-2014-2017.

Súper-súper producción, de casi dos horas y media, con estructura argumental clásica, de bellísimos paisajes, grandes efectos especiales, vestuarios y maquillajes que superan a todas las etapas anteriores, y una epopeya donde el heroísmo y las secuencias bélicas están llevadas a su máximo despliegue.

Había poca expectación con esta nueva gesta luego del desastre de Tim Burton algunos años antes. Sin embargo, ahora el personaje de Cesar será lo que Hugh Jackman es para Wolverine: merecedores de competir para los Oscar. Ambos se ven envueltos en un conflicto ajeno creado por la mentecatez de los humanos.

El líder Cesar envía a los miembros de su tribu de monos a refugiarse en las alturas selváticas mientras él intenta desviar a los militares que desean someterlos como esclavos y después aniquilarlos. Hemos visto al personaje de César evolucionar desde una humillante infancia, pasando por un pacífico liderato, hasta verse ahora obligado a ser un feroz guerrero.

Extraordinaria la interpretación de Andy Serkis en ese rol, por sus expresiones faciales y su habilidad para moverse como un simio.

Es la pugna entre la “humanidad” de César vs. el desquicio al que ha llegado su antagonista el Coronel (Woody Harrelson), quien nos recuerda al psicopático oficial encarnado por Marlon Brando en Apocalipsis Now.

Notable actuación de casi todos los actores y actrices principales. Detrás de complejos maquillajes, y casi sólo con la expresión de los ojos, deben comunicar sus emociones y sentimientos.

Como los textos son reducidos y mucho se expresa con gestos, la música cumple un importante rol paralelo, tanto en las escenas de acción como para las texturas emotivas de los personajes.

En este filme los monos se sienten cada vez más creíbles y plenos de nobleza. ¿Serán los evolucionados simios quienes salvarán, y habitarán, el planeta Tierra del futuro?

GRANDIOSA Y ADMIRABLE REALIZACIÓN. DENUNCIA LA ESTUPIDEZ Y BRUTALIDAD DE LOS HUMANOS.

Ficha técnica

Título Original: War for the Planet of the Apes
Fox Aventuras, drama, ciencia ficción EE.UU. – 140 minutos
Fotografía: Michael Seresin
Edición: William Hoy y Stan Salfas
Música: Michael Giacchino
Escenografía: Amanda Moss Serino
Vestuario: Melissa Brunning
Maquillaje: Naomi Backstadt, Bev Wright, Darah Wyant
Guionistas: Mark Bomback y Matt Reeves
Actores: Andy Serkis, Woody Harrelson, Steve Zahn, Karin Konoval, Amiah Miller
Director: Matt Reeves

Cars 3 - Por Carlos Correa

Añorando la primera entrega de Cars, aquella del año 2006, esta tercera versión nos devuelve a la esencia de la historia. En esta oportunidad el gran Rayo McQueen parece vivir del pasado. Sus días de gloria podrían haber quedado atrás pues nuevos y jóvenes corredores que son mucho más rápidos que él, le superan fácilmente en la pista de carrera. Sin embargo, el “95” no quiere dar su brazo a torcer ni menos pensar en su retiro. Aún no es tiempo, aún puede luchar, aún puede defender su liderazgo.

La cinta se construye hábilmente como una metáfora de la vida. Alguna vez McQueen también fue un joven que irrumpió en el circuito de la “Copa Piston” y lo ganó todo, arrasando con sus rivales y provocando el retiro de más de algún histórico. Ahora son otros los que irrumpen en escena, llenos de ímpetu, energía y tecnología. ¿Y Rayo? ¿Perdió su lugar, puede mantenerse en competencia, cuál es su futuro?

Emotiva y situada desde esta otra perspectiva, “Cars 3” funciona muy bien en este estilo de fábula. El mundo va evolucionando y lo que ayer resultaba, no necesariamente tiene el mismo éxito hoy. Los cambios son imposibles de frenar y la adaptación a ellos es requisito fundamental para seguir -literalmente- en carrera.

La película explora una serie de elementos, como ya es clásico en la exitosa fórmula de Pixar. La presencia femenina está encarnada por Cruz Ramírez, joven entrenadora y mecánica de carreras, quien es la encargada de guiar y animar al protagonista para que retome los triunfos con diferentes estrategias, herramientas motivacionales, técnicas y actitudes personales. Otro elemento que aparece como fundamental es aquél que visibiliza el rol que cumplimos en diferentes etapas de nuestra vida. Indudablemente no es el mismo siempre y va sufriendo transformaciones. Saber diferenciar este rol es clave en el proceso de maduración necesario para seguir adelante. Los avances tecnológicos también se destacan y se ponen en relieve en el relato. Son nuevos tiempos y hay nuevos aires. Nuevas formas parecen desplazar todo lo conocido hasta ahora. La prensa insistiendo en el retiro de Rayo, el amor propio que lleva a McQueen a tomar decisiones que terminan en un accidente que casi le cuesta la vida y la inspiración en el fallecido “Fabuloso Hudson Hornet”, su mentor, también son argumentos que suponen giros inesperados en una historia llena de sensibilidad y nobleza.

“Cars 3” retoma mucho del vigor de su primera entrega. Se centra en sus personajes y en su desarrollo sin alejarse. No es tan vertiginosa como sus predecesoras, es cierto, sin embargo la animación es simplemente de lujo, muy bien cuidada en los detalles y con el tratamiento de excelencia al que ya nos tiene acostumbrados Pixar Animation Studios.

Por supuesto, esta vez es el turno de “LOU”, el corto animado que siempre nos sorprende previo a cada una de las producciones. Realmente es una pequeña joyita que vale la pena verla con detención. Otra mini fábula animada que tiene mucho que aportar con una temática relevante y actual para reflexionar.

Ficha técnica

Título original: Cars 3
Año: 2017
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Pixar Animation Studios
Género: Animación. Aventuras. Comedia | Coches / Automovilismo. Secuela. Pixar
Guión: Kiel Murray, Bob Peterson, Mike Rich
Historia: Brian Fee, Ben Queen, Eyal Podell, Jonathon E. Stewart
Música: Randy Newman
Fotografía: Jeremy Lasky
Director: Brian Fee

Mi villano favorito 3 - Por Carlos Correa

Esta tercera entrega nos trae de regreso a la pantalla grande al entrañable Gru, Lucy, a las niñas Margo, Edith y Agnes y sus fieles Minions. Sin la frescura de las anteriores (en especial la recordada y ya nostálgica primera parte), la cinta se comporta algo floja, sin mucha novedad y bastante plana desde el punto argumental. Esta vez el villano de turno es Balthazar Bratt , un personaje televisivo de los 80 que una vez que fue desechado, se dedicó a construir su alter ego real. También es el turno de la introducción de otra parte de la historia. Gru tiene un hermano gemelo, Dru, quien lo ha venido a buscar para poder aprender de él y así seguir la tradición familiar de villanos.

Cuando las historias se van gastando y los personajes comienzan a naufragar en una constante repetición de muletillas y acciones, la entretención se limita solo a las situaciones que pueden alterar en algo la rutina que bien conocemos. Es un poco lo que pasa con esta tercera parte, cuyo ritmo narrativo se pierde al no poder sostener el relato, tal vez por predecible, tal vez por conocido o tal vez por la ya vista separación de los Minions en una saga independiente.

El trabajo de animación, siempre pulcro y detallista, se mantiene técnicamente en gran nivel, pero sin duda al carecer de una buena historia que contar, pierde en esencia gran parte de su reconocida fortaleza artística. Por otra parte, la repetición incansable de escenas y acciones también dan cuenta de un desgaste importante. Ya no basta con ver los gags de los Minions o la ya conocida bondad de Gru. Tampoco logran destacar las niñas y el villano de turno, que es solo una mala copia, aparece en un tono muy menor que no representa problema alguno para los protagonistas.

Con una onda retro ochentena en la estética y en la música, “Despicable Me 3” producida por Illumination Entertainment y dirigida por el mismo director de las anteriores entregas, Pierre Coffin y Kyle Balda, y co-dirigido por Eric Guillon, se sitúa lejos de sus antecesoras lo que es una lástima. Buenas ideas que se van trillando, personajes que pierden naturalidad no contribuyen a mantener en alto el nivel. Sabemos que son productos comerciales sin embargo la exigencia es cada vez mayor. No dormirse en los laureles aunque se tenga éxito desde el punto de vista de taquilla parece fundamental para una cuarta parte que está a solo cinco minutos, que es la pequeña ventaja que Lucy y Gru le han dado a Dru al final de la película para ir tras él.

Ficha técnica

Título original: Despicable Me 3
2017 - 90 minutos
Producción: Chris Meledandri, Janet Healy
Guión: Ken Daurio, Cinco Paul
Música: Heitor Pereira, Pharrell Williams
Montaje: Gregory Perler

Dirección: Pierre Coffin, Kyle Balda, Eric Guillon (Co-Director)

Spider-Man: regreso a casa - Por Carlos Correa

En Marvel pueden estar tranquilos. Spider-Man volvió a casa este 2017. Luego de un periplo difícil de entender, sin duda comercial, el querido súper héroe ha vuelto a reiniciar una historia que ya conocemos, la de Peter Parker, un adolescente que tras la picadura de una araña mutada genéticamente, ha desarrollado poderes increíbles.

Peter -Tom Holland- es un tímido estudiante de secundaria en Queens, más cercano a los “nerds” que a los “populares”, víctima de bullying y de bondadoso corazón. Y aquí una novedad que ya había sido esbozada en la última “Avengers”: su mentor es nada menos que Tony Stark -Robert Downey Jr.-, el mismísimo Iron-Man, quien le ha reclutado por su gran potencial para ser parte del equipo de vengadores. Esta vez, el villano de turno es Vulture -un nuevo personaje alado de Michael Keaton- quien se ha apoderado de una tecnología extraterrestre con la que ha desarrollado todo un negocio de armas e ilícitos.

Extenderse en la descripción del relato es revelar una historia que, aunque se basa en la estructura que tienen todas las películas de Comics, en este caso solo se enriquece gracias a las vinculaciones con el universo de Marvel. Escrita en un tono naturalmente más juvenil, ahora Peter no está solo. Su gran amigo Ned Leeds -Jacob Batalon- le acompaña, le acoge, le anima y juntos hacen frente a los desafíos del colegio y también son compañeros en las aventuras de este aspirante a vengador.

La cinta entrega la entretención esperada. El relato, si bien no es tan ágil, resulta medianamente convincente para mantener los 133 minutos de duración. Lo que si extraña de sobre manera es la animación. Esta vez resulta poco reconocible, casi un paso atrás respecto de las anteriores producciones. Los efectos, la fotografía y la velocidad de las escenas más importantes se sienten forzadas. No fluyen, se trancan, pierden dinamismo y con ello frescura. En ese sentido, el contrapunto lo da la naturalidad y simpatía del protagonista, que logra una singular cercanía con el espectador, tanto así que podríamos llegar a pensar que Tom Holland siempre fue Peter Parker, algo extraño luego de tantas recreaciones anteriores.

En una clara intención de mostrar a un joven normal, este regreso a casa del hombre araña marca un nuevo despertar de la saga siempre y cuando crezca en intención, emoción y producción. Ya sabemos que solo el nombre no asegura el éxito, por lo tanto el desafío no es menor si se quiere mantener los niveles de audiencia a los que están acostumbrados. “Spider-Man: Homecoming”, en ese sentido, no es ni la mejor ni la más débil de las entregas a la fecha. Probablemente está situada en un plano intermedio donde con nuevas historias y nuevos personajes -ojo con Michael Keaton- seguramente seguirán interactuando en el futuro lo que nos asegura muchos años más de criminales malvados y superhéroes vengadores.

Ficha técnica

Título original: Spider-Man: Homecoming
Año: 2017
Duración: 133 minutos
País: Estados Unidos
Guión: John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Jon Watts, Christopher Ford, Chris McKenna, Erik Sommers (Historia: John Francis Daley, Jonathan Goldstein; Personajes: Steve Ditko, Stan Lee)
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Salvatore Totino
Productora: Marvel Studios / Marvel Enterprises / Columbia Pictures / Sony Pictures
Género: Fantástico. Comedia. Acción. Ciencia ficción | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Adolescencia
Actores: Tom Holland, Robert Downey Jr, Michael Keaton, Marisa Tomei, Zendaya, Jacob Batalon, Jon Favreau, Tony Revolori, Laura Harrier, Angourie Rice, Michael Barbieri, Logan Marshall-Green, Donald Glover, Tyne Daly, Kenneth Choi, Martin Starr, Hannibal Buress, Abraham Attah, Michael Mando, Bokeem Woodbine, Jona Xiao, Chris Evans, Gwyneth Paltrow

Director: Jon Watts

Perfectos desconocidos - Por Carlos Correa

Esta cinta del director italiano Paolo Genovese retrata la reunión de siete amigos (tres parejas y un soltero) que se juntan a cenar en la noche de un eclipse de luna. Eva -Kasia Smutniak- y Rocco -Marco Giallini- son los anfitriones -ella analista y él médico especialista en cirugías plásticas- de Bianca, Cosimo, Carlotta, Lele y Peppe. La cita transcurre como un reencuentro de quienes se conocen por varios años, todos sub 50, amigos que han compartido muchas situaciones de sus vidas. Sin embargo, Eva propone un juego. El juego de la verdad, que significa dejar en la mesa los teléfonos celulares y desde ese momento compartir cualquier mensaje o llamado de forma pública como muestra que nadie tiene nada que ocultar. Todos aceptan pero con marcados reparos, pues claro, en este minúsculo aparato podrían ocultarse los secretos más importantes y trascendentes de nuestra vida secuestrada por la tecnología y el entorno digital.

Más cercana al teatro que al cine, el relato no tiene una definición tan clara. El guión, que sin duda es lo fuerte de la historia, combina inteligentemente variadísimos e intensos diálogos. Salvo un formal comienzo y un final desconcertante, la acción transcurre íntegramente en torno a la cena, en la mesa, en el living o en la terraza observando el fenómeno lunar. Y aquello que en un comienzo llama poderosamente la atención -que es la secuencia dramatúrgica- va perdiendo densidad pues lo observamos a través de un lente que por más que intenta variar de ángulo, no logra cautivar con elementos visuales propios.

Vamos al tema de fondo. La caja de pandora que se abre -predeciblemente- con cada llamado y mensaje va complejizando las relaciones a puntos de tensión que parecen salirse de control. Estos amigos comienzan a visualizar que en realidad no se conocen. Las parejas, todas en crisis por diversas razones, descubren realidades difíciles de mantener unidas y la decepción es el sentimiento más generalizado. El soltero, evidentemente también descubierto en un secreto trascendente, es el contrapunto a los casados en un conflicto que le supera con creces.

No es menor la cantidad de producciones actuales que giran en torno al mundo digital en el que estamos actualmente inmersos. No solo nos llama a reflexionar sobre el tema, sobre nuestra capacidad de relacionarnos cara a cara, sino que con claro acento crítico, pone de manifiesto una central preocupación referida a las decisiones que tomamos cotidianamente. Es cierto que el mundo digital no es sino una extensión de nuestro mundo personal, sin embargo las posibilidades que entrega y la forma en que nos desenvolvemos en dicho entorno marcan indudablemente nuestro comportamiento. Si hay secretos en las relaciones personales también los habrá en las relaciones virtuales. Y las mezclas entre ambos mundos producen aun mayor incógnita.

Tal vez si lo más interesante de este trabajo es su estructura dramática basada en el cuestionamiento a lo que estamos viviendo, lo más decepcionante es el tratamiento cinematográfico a la temática que es bastante plano y pobre en cuanto a elementos visuales y artísticos. No obstante lo anterior, y al más fiel espíritu italiano, una vez más es la comedia la que permite pone en relieve temáticas que de otra forma se harían muchísimo más densas y difíciles de abordar, lo que en si mismo ya es un mérito de Pablo Genovese. Pero no basta con el mérito, esperamos que vaya más allá y lamentablemente ello no se produce, al menos esta vez.

Ficha técnica

Título Original: Perfetti Sconosciuti
Diamond Films Chile
Tragicomedia Italia – 97 minutos
Fotografía: Fabrizio Lucci
Edición: Consuelo Catucci
Música: Maurizio Filardo
Guionistas: Filippo Bologna, Paolo Costella
Actores: GGiuseppe Battiston, Anna Foglietta, Marco Giallini

Director: Paolo Genovese

Perfectos Desconocidos - Por Juan Pablo Donoso

¿Hasta dónde puede llegar el Juego de la Verdad? ¿Conviene jugarlo aún entre quienes se tienen extrema confianza y cariño? Eso pregunta esta tragicomedia. Nos habla de los secretos más íntimos de cada persona, y de cómo al violar ese territorio hasta los más bellos sentimientos pueden hacerse añicos para siempre.

Con un guión muy inteligente y bien estructurado, el director Paolo Genovese (Una Familia Perfecta, Inmaduros) y sus co-guionistas nos invitan a presenciar los posibles efectos de esta hipótesis. Si, hipótesis, porque los autores someten a sus personajes sólo a la “posibilidad” de que algo así ocurriera. 

Bajo el embrujo de una calurosa noche de verano, un grupo de antiguos amigos con sus esposas se reúnen a comer en el hogar de Rocco y Eva para disfrutar de una grata convivencia, y observar el eclipse de luna desde el balcón del departamento.

Será precisamente el Eclipse el factor mágico que diferenciará esta obra de tantas otras en que, a partir de un grato encuentro social, se derriban las máscaras secretas de cada uno hasta llegar a una cuasi-masacre de sado-masoquismo. (¿Quién le tiene Miedo al Lobo?, Agosto, Interiores, Es Sólo el Fin del Mundo, etc.).

Este seudo-personaje - el Eclipse de Luna - será quien salve a estos amigos de las brutales consecuencias que hubiera tenido aquel jueguito de la Verdad. Y gracias a un astuto recurso dramatúrgico el filme elude ser un melodrama casi de mal gusto para convertirse en una tragicomedia que, mientras nos hace reír, nos recomienda respetar las flaquezas e intimidades de cada persona y, muy en especial, de la salud matrimonial. “¿Por qué será que tantos matrimonios siguen unidos?”, se pregunta un personaje. 

 
El juego consistió en poner los celulares sobre la mesa mientras comían, con los parlantes abiertos. Cada llamada sería escuchada por todos los comensales, quienes, en una mezcla de humor y curiosidad se enterarían de los contactos, y eventuales recados. Lo que comienza con inocentes llamadas laborales, o familiares, se va transformando en una caja de Pandora de vínculos desconocidos para los cónyuges. 

La situación va provocando reacciones desconcertantes y amargas, hasta el punto de arruinar, además de la cena, la confianza de los esposos entre sí. Y también se revelan otros aspectos sorpresivos de sus inclinaciones sexuales.

Serán las secuencias finales las que rediman las trágicas consecuencias de la aventura. El filme nos simpatiza con cada uno de los bien delineados personajes, invitándonos a aceptar sus flaquezas y recordar que nadie tiene “tejado de vidrio”.

HÁBIL TRAGICOMEDIA ITALIANA QUE INVITA A LA PRUDENCIA Y A LA CARIDAD. QUE NADIE LANCE LA PRIMERA PIEDRA. 

Ficha técnica

 
Título Original: Perfetti Sconosciuti 

Diamond Films Chile 

Tragicomedia Italia – 97 minutos 

Fotografía: Fabrizio Lucci 

Edición: Consuelo Catucci 

Música: Maurizio Filardo 

Guionistas: fFilippo Bologna, Paolo Costella 

Actores: GGiuseppe Battiston, Anna Foglietta, Marco Giallini 

Director: Paolo Genovese

El Círculo - Por Carlos Correa

Basada en la novela del mismo nombre escrita el año 2013 por Dave Eggers, “El Círculo” narra la historia de la joven Mae Holland -Emma Watson- quien es contratada por la empresa líder de Internet, oportunidad que se le presenta como vital su desarrollo personal y profesional. Mae comienza haciendo lo que sabe, que es atención al cliente. Una amiga suya ya trabaja en la compañía. Ella le ha conseguido la entrevista y ocupa un alto cargo que la obliga a viajar por todo el mundo.

“The Circle” es una película que pudo ser. La historia es muy interesante y suponemos que el Best Seller debe ser entretenido y provocador a pesar que podemos imaginarnos que la estructura puede no ser novedosa ni innovadora. Sin embargo, la historia no basta. El argumento de la cinta se va derrumbando en la medida que avanzan los minutos. Lo que promete acción se queda inmóvil. La tensión no existe y el desarrollo de la principal temática queda abandonado a una suerte de estado de “desconexión”.

No obstante lo anterior, el gran mérito del relato es justamente poner en lenguaje juvenil y moderno uno de los temas más importantes que la era digital ha provocado en nuestra forma de relacionarnos. Lamentablemente, es justamente la forma de abordarlo lo que hace sucumbir la película y a pesar de intentar levantar el vuelo, tropieza y se cae.

La privacidad versus la transparencia es aquí lo trascendente. El Círculo, la empresa, sueña con diferentes formas de tecnología que permitan aumentar la observación de todas las personas y de todo lo que ocurre. La teoría es que si las personas nos sabemos observadas, actuaremos bien. Es decir, los secretos son mentiras y mientras esté todo cada vez más al descubierto, el control social será lo que regule nuestros actos. Peligrosa teoría, sin duda, pero que en ciertos ámbitos puede hasta ser razonable. El punto es que ni el director ni los actores logran dotar a la cinta de un ritmo y convicción adecuados. Las reflexiones se diluyen y se incluyen tantos temas (hasta el registro de todos los ciudadanos y su voto obligatorio por dar un ejemplo) que pierde efectividad, emoción y vitalidad.

Pudo ser una buena película. Podría haber profundizado en temas actuales para los que no tenemos respuestas ni menos recetas. Pudo ser una oportunidad para la dupla Watson - Hanks pero no resultó. Podría haber sido más provocadora (como lo fue “Nerve”) pero ni siquiera alcanzó a generar mayor reflexión. Pudo ser tantas cosas y lamentablemente no consiguió ninguna.

Insisto en un aspecto medular. La idea central está, nos preocupa, no sabemos qué hacer y probablemente estamos permanentemente buscando soluciones. Por ahora seguimos caminando por un mundo que todos los días nos depara algo nuevo, algo distinto, y que si no es así, nos aburre fácilmente. Parecemos estar inmersos en un reality permanente, provocado por nosotros mismos, a veces intencionalmente y a veces sin querer. ¿Cuán conscientes somos de lo que vivimos? ¿Hacia dónde vamos en este mundo digital? ¿Nos respetamos? ¿Nos dejamos pautear por el rating de los “social media”? Si al menos quedamos con las inquietudes, ya será un grano de arena aportado a la discusión de fondo.

Ficha técnica

Título original: The Circle

Año: 2017
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Género: Ciencia ficción. Thriller. Internet. Informática
Guión: James Ponsoldt, Dave Eggers (Novela: Dave Eggers)
Música: Danny Elfman
Fotografía: Matthew Libatique
Actores: Emma Watson, Tom Hanks, John Boyega, Karen Gillan, Bill Paxton, Patton Oswalt, Ellar Coltrane, Ellen Wong, Nate Corddry, Jimmy Wong, Poorna Jagannathan, Kelli Barksdale, Allyson Nicole Jones, Amir Talai, Regina Saldivar

Director: James Ponsoldt

El Círculo - Por Juan Pablo Donoso

“Los secretos son mentiras, por lo tanto, deben suprimirse”. De esta consigna moral se desprenden las consecuencias de este drama.

Una potente empresa multinacional de comunicaciones llamada El Círculo – especie de Google muy evolucionada – sostiene que la verdadera democracia consiste en visualizar a todas las personas del planeta y, por ello, conocer sus vidas privadas al máximo detalle. Así los individuos se verán obligados a ser honestos, transparentes, y cualquier accidente o delito será detectado, y evitado, con anticipación.

En ORWELL se trataba de la dictadura de un todopoderoso que tenía a la humanidad sometida y sin libertad. El Círculo, por el contrario, sublima la libertad de la democracia permitiendo que todos sepan lo que hacen los demás y así cada cual será responsable de sus actos ante la sociedad.

Una muchacha de provincia, Meg, experta en comunicaciones postula a esta magna empresa y tiene el honor de ser aceptada.

Una vez adentro, los compañeros la acogen por su talento y pasa a ser mimada del propietario de la institución (Tom Hanks) quien, mediante charlas demagógicas mantiene a sus funcionarios convencidos de que trabajan en un paraíso, en una utopía maravillosa gracias a la ubicuidad tecnológica.

Poco a poco Meg (Emma Watson) irá descubriendo los hilos ocultos que manejan esta hipócrita conquista social. Más aún, cuando algunos hechos de su propia vida familiar son expuestos al mundo, como las relaciones sexuales de sus padres. Y más tarde unos “entusiastas vecinos”, sin mala intención, provocarán la muerte accidental de un amigo de su infancia. Estas y otras pistas gatillarán en ella, junto a la decepción, un astuto plan para, con los mismos instrumentos cibernéticos, desenmascarar la perversión de los dueños del sistema. Pero la semilla de una tecnología capaz de controlar la intimidad de los individuos ya fue sembrada. Y por mucho que nuestra heroína intente aislarse remando su kayak solitario en la bahía de San Francisco, habrá drones volando sobre ella, cuidándola y vigilándola, para protegerla de algún eventual accidente…

La adaptación cinematográfica de la novela de Dave Eggers es ágil, bien producida (US$ 18.000.000), con actores de calidad, y logra provocar en el espectador una serie de reflexiones sobre el poder que las comunicaciones pueden ejercer sobre la libertad de las personas. Es posible que después de ver la cinta, muchos la recuerden cuando vuelvan a encender sus teléfonos celulares.

AMENA, BIEN REALIZADA, Y PREVISORA DE LOS PELIGROS SOCIALES QUE PUEDE ACARREAR LA TECNOLOGÍA COMUNICACIONAL.

Ficha técnica

Título Original: The Circle 

 Cine Color Films 

 Ciencia ficción, suspenso 

 Emiratos Arabes – EE.UU. – 110 minutos 

 Fotografía: Matthew Libatique Edición: Lisa Lassek, Franklin Peterson 

 Música: Danny Elfman 

 Guionistas: James Ponsoldt y Dave Eggers (novela) 

 Actores: Emma Watson, Tom Hanks , John Boyega 

 Director: James Ponsoldt

Viene de Noche - Por Juan Pablo Donoso

“A lo que más debemos temer es al Miedo Mismo”.

¿Qué o quién Viene de Noche? Ni los personajes ni menos nosotros lo sabremos jamás. Sólo presenciamos el ciego e irracional instinto de SOBREVIVENCIA. Lo demás es misterio y terror.

Este filme logra su objetivo si uno entra en el juego paranoico que propone. Genera “terror existencial”. Casi sin recurrir a “screamers” (golpes súbitos de sonido o imágenes monstruosas), crea una atmósfera demencial. Sorda. Donde todos se sienten amenazados por algo incomprensible. Sólo saben que es una peste virulenta, contra la cual se protegen con máscaras y guantes. Nadie entiende, en realidad, lo que está sucediendo. Gracias a la música, al ritmo pausado de montaje, a la iluminación que incluso de día luce fantasmagórica, y a las actuaciones refrenadas pero intensas, el joven director y guionista Trey Edward Schults (Krisha,2015) nos mantiene alertas, temiendo que en todo momento pueda suceder algo peor.

Una familia, padre, madre e hijo adolescente, viven aislados en una cabaña del bosque. Son los sobrevivientes de una epidemia que ha extinguido a casi toda la población de las ciudades. El abuelo recién ha fallecido y debió ser incinerado en el bosque cercano. De pronto, adentro de la cabaña aparece un extraño en busca de agua. Cuando se aseguran que es inofensivo, luego de torturarlo brutalmente, lo dejan traer a su esposa y a su pequeño hijito. Ahora conviven ambas familias con las gallinas que aportó el forastero. Pero una vez allí los dueños de casa comienzan también a sospechar de la nueva pareja. El hijo adolescente comienza a tener pesadillas sádico-eróticas. La amenaza de contaminación los va desquiciando a todos hasta culminar con una masacre de sangre y desquicio.

Evita ser un típico filme comercial de monstruos. Predomina lo atmosférico y la angustia visceral.

Sin duda Shults sabe contar historias más de miedo psicológico que de sobresaltos visuales. Utiliza, como guionista, incógnitas que ni los personajes ni el espectador saben cómo explicar y que tampoco él resuelve. Sin embargo, nos envuelve con el manejo del ritmo, con la desazón de los personajes y con el tratamiento alucinado de la luz para el cual utilizaron una técnica especial.

Deliberadamente los eventos carecen de motivaciones claras, y ello tal vez para demostrarnos que el peor de los miedos es el pavor al Miedo mismo.

LOGRADA REALIZACIÓN QUE NOS SUMERGE EN LAS PROFUNDIDADES SINIESTRAS DEL MIEDO IRRACIONAL.

Ficha técnica

Títuilo Original: It Comes at Night 

Diamond Films Terror, suspenso 

EE.UU. – 91 minutos 

Música: Brian McOmber 

Fotografía: Drew Daniels Edición: Mathew Hannam y Trey Edward Shults 

Actores: Joel Edgerton, Christopher Abbott, Carmen Ejogo, Riley Keough, Kelvin Harrison Jr.

Director y Guionista: Trey Edward Shults

Un Toque de Canela - Por Juan Pablo Donoso

Película concebida con la mente y realizada con el corazón.

Como toda gran obra de arte, es difícil traducir con palabras su efecto emocional.

Nos entrega situaciones tanto familiares como políticas, (la guerra entre turcos y griegos), y a la vez nos envuelve con un manto de humor, tristeza y sabiduría. (¿conformidad?)

Para disfrutarla, sólo hay que dejarse llevar por sus personajes, ambientes, ciudades, costumbres y circunstancias; y todas estas cosas nos impregnarán con su penetrante y poética realidad.

Comienza y termina planteando un vínculo semántico – y existencial - entre la Astronomía y Gastronomía.

Su director y guionista, el griego Tassos Boulmetis, puso mucho de autobiográfico en este relato.

A partir del sabor de las comidas, hay una luminosa conjunción entre el devenir histórico, la guerra, el despertar del amor y la astronomía, como factores vinculantes del milagro de crecer.

Un niño, Fanis, hijo de griegos radicados en Estambul, tiene un abuelo que es a la vez filósofo y cocinero. Le inculca que tanto la vida como los alimentos requieren de una pizca de sal… y de un mágico toque de ALIÑO. Y con esta temprana visión de mundo, Fanis iniciará su proceso de transformarse en hombre.

Vendrá el exilio de Turquía a Grecia dejando atrás lazos familiares y el primer amor infantil. Y Fanis construirá su futuro con la savia poética de su abuelo.

Volverá años más tarde a la tierra turca de su infancia, intentará retomar los lazos afectivos cercenados por la guerra, y comprenderá que, a pesar de haber madurado, aún le faltó agregar aquella pizca luminosa de condimento a su propia vida.

Estupendas actuaciones de niños, adultos y ancianos, deslumbrantes paisajes, música auténtica de las regiones, y un pulso de montaje que entra en sintonía con nuestros propios corazones.

En la pureza del relato, el sabor por los eternos valores de la existencia va tejiendo en nosotros, de manera subrepticia, un manto de ternura que, junto con hacernos reír a ratos, nos deja, al finalizar, con una extraña emoción: una mezcla agradecida de lágrimas y sonrisas.

BELLÍSIMA Y EMOCIONANTE EN SU POÉTICA SABIDURÍA.

Ficha técnica

Título Original: Politiki Kouzina 

Título en Inglés: A Touch of Spice 

Cine-Arte Galería Patricia Ready 

Drama costumbrista, romance 

Grecia - Turquía

108 minutos 

Música: Evanthia Reboutsika 

Fotografía: Takis Zervoulakos Edición: Yorgos Mavropsaridis 

Actores: Georges Corraface, Ieroklis Michaelidis, Renia Louizidou 

Director y Guionista: Tassos Boulmetis

Las Inocentes - Por Juan Pablo Donoso

Un caso verdadero, profundamente femenino, que contrapone dilemas de la fe, con la moral y la maternidad.

Durante la 2ª Guerra Mundial un grupo de soldados rusos irrumpió varias veces en un convento polaco y violó a casi todas las monjas.

Nueve meses después comenzaron los partos. 

La historia comienza cuando una de las internas sufre fuertes contracciones. Una novicia atraviesa los bosques nevados y llega a un hospital de campaña de la Cruz Roja francesa.

Ante la insistencia de la novicia, una de las principales arsenaleras va al convento y se ve obligada a practicar una cesárea a la parturienta. Poco a poco se sucederán los nacimientos y la enfermera, junto a su novio médico judío, trabajarán con ahinco para atender a tan catastrófica consecuencia.

En principio - aparte del horror de haber sido violadas con tal salvajismo - la etapa obstétrica pudo ser sólo un efecto de la brutalidad  de la guerra. Pero el antagonismo brota de la intransigencia de la Madre Superiora quien, a pesar de también estar contagiada de sífilis, se opone a la presencia de la enfermera y a difundir el escándalo que estos embarazos significarían para el convento y la congregación. Su intransigencia monástica contribuye a la estulticia de la situación. Otro tanto se percibe en la rigidez del Coronel francés a cargo del hospital ante la salida de su personal para atender a las monjas.

Gradualmente, la naturaleza atávica de aquellas mujeres se irá imponiendo sobre los prejuicios religiosos. A su vez, el idealismo comunista de la enfermera (Lou de Laage) sucumbirá bajo el instinto maternal de las ahora “madres” biológicas.

Muy bella fotografía, actuaciones contenidas que reflejan la profundidad de los sentimientos, exteriores invernales muy bien escogidos, y una atmósfera gélida dentro del convento que cae en lo aberrante sólo por la rigidez de aquella abadesa que le hace muy poco honor al apelativo de “Madre” Superiora (Agata Kulesza, quien también fue la dialoguista del filme).

El pulso lento  y reflexivo de esta co-producción marca el estilo habitual de los buenos filmes polacos. Por fortuna en esta ocasión el final es luminoso y redentor.

CONMOVEDOR  DRAMA  MATERNO-RELIGIOSO, MUY BIEN REALIZADO, Y VISCERALMENTE  FEMENINO.   

Ficha técnica

Les innocentes

2016

Francia y Polonia

119 minutos

Drama

Fotografía: Caroline Champetier

Música: Gregoire Hetzel

Guión: Alice Vial - Agata Kulesza (diálogos)

Actores: Lou de Laage – Agata Buzek – Agata Kulesza

Directora: Anne Fontaine

La mujer maravilla - Por Carlos Correa

Las películas de superhéroes son un género que parece no tener fin. En general son entretenidas, tienen grandes audiencias pero en general no son mayor novedad. Los efectos especiales brillan, las tramas suelen ser complejas y en general el guión decae, perdiendo interés en la medida que la cinta avanza hacia su desarrollo y conclusión. Sin embargo hay algo en esta nueva película que es diferente. Puede ser su tono “retro”, la centralidad femenina, la composición del ritmo del relato o bien todas las anteriores, lo que dota a esta película de una inusual novedad que hace recomendar verla en pantalla grande.

Diana -Gal Gadot- es una princesa de las Amazonas que ha sido entrenada para ser guerrera. Se nos relata su vida desde pequeña, donde su tía -Robin Wright, si, la mismísima, interpretando a la General Antiope- le enseña a escondidas a pesar de la resistencia de su hermana Hippolyta -Connie Nielsen-, madre de la pequeña. Viven en una idílica y protegida isla, habitada solo por mujeres, donde Diana crece y descubre sus poderes. Un piloto americano, el Mayor Steve Trevor -Chris Pine-, escapando de los enemigos, ingresa a este mundo protegido donde luego de hundir su avión en el mar, es rescatado por Diana. Son tiempos de la Primera Guerra Mundial, Steve es un espía y la confrontación está en un momento clave. Diana, al enterarse que el mundo está en conflicto, decide ir a enfrentar al Dios de la guerra para acabarla y restaurar la paz.

Lo interesante en términos argumentales se visualiza en varios aspectos. Diana es de otro mundo, por tanto su inocencia es algo que llama la atención de Steve, quien pacientemente acoge y responde las preguntas. La centralidad femenina es tal, que en este caso los papeles se invierten en relación a lo que estamos acostumbrados a ver. Es ella quien toma las decisiones, lleva la iniciativa y finalmente conduce la relación con Steve. Los super poderes son importantes, sin embargo es la sensibilidad y fortaleza femenina lo que finalmente hace que esta líder de las Amazonas, princesa de Themiscyra y semidiosa hija de Zeus, sea la mujer maravilla. La natural belleza de Gal Gadot entrega a la protagonista un encanto adicional, que seduce desde sus primeras apariciones en pantalla, adquiriendo fuerza y diversidad en la medida que el metraje avanza.

La firme y amable mano de la directora Patty Jenkins entrega al relato un ritmo particular. La cinta avanza sin contratiempos, el guión no decae y aunque muchos de los nudos son adivinables, la trama se va desarrollando en forma fluida. El buen manejo de los efectos especiales, las pausas y el espacio para cada uno de los personajes hacen aun más interesante el trabajo. Aunque tal vez los 141 minutos parecen bastante, la película no se hace pesada, al contrario, juega con el género y hay más sorpresas que moldes establecidos. Buena película y altamente recomendable.

Ficha técnica

Título original: Wonder Woman
Año: 2017
Duración: 141 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. Pictures / DC Entertainment
Género: Ciencia ficción, Acción, Superhéroes, cómic. DC Comics
Guión: Allan Heinberg
Música: Rupert Gregson-Williams
Fotografía: Matthew Jensen
Reparto: Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright, Connie Nielsen, David Thewlis, Elena Anaya, Lucy Davis, Danny Huston, Ewen Bremner, Samantha Jo, Saïd Taghmaoui, Lisa Loven Kongsli, Florence Kasumba, Mayling Ng, Tilly Powell, Doutzen Kroes
Directora: Patty Jenkins

La Momia - Por Juan Pablo Donoso

Desde la primera MOMIA en 1932 con Boris Karloff, y cuyo impacto mundial fue espléndido, vino una seguidilla de “momias” egipcias que atacan en venganza a quienes osaron despertarlas.

Las hubo mejores, en especial en la década de los 60 con algo de magia y misterio, y otras que merecen ser olvidadas. Su única justificación era el éxito comercial.

Esta nueva MOMIA (2017) se debate atronadoramente en su afán de atraer multitudes de espectadores y obtener ganancias de los US$ 125.000.000 que invirtieron filmándola.

Y para ello echaron tanta “carne a la ´parrilla”, para dar en el gusto a variados públicos, que el resultado fue una majamama de efectos especiales, fastuosas escenografías, monstruos variopintos imitados de otros filmes de terror, combates, persecuciones, accidentes aéreos, Guerra de Irak, princesas egipcias desnudas, frases chistosas intercaladas en cualquier parte y, para coronar el esfuerzo, la contratación de famosos actores de películas de acción, como Tom Cruise y Russell Crowe, y nuevas actrices que se abren camino hacia el estrellato, como la provocativa Sofía Boutella, que ya lució sus encantos sádico-eróticos en Kingsman, Servicio Secreto (2014), Star Trek, Más Allá (2016) y Atómica (2017). Sin duda una joven argelina que se encumbra en roles de villana tan perversa como voluptuosa.

Quienes buscan acción continuada, carente por completo de inteligencia argumental, seguramente saldrán contentos. Y los actores que fueron famosos por excelentes roles en anteriores filmes de acción – un ahora casi obeso Crowe y un Cruise de rostro más abultado – sin duda obtuvieron contundentes honorarios.

Es tal la acumulación de recursos espurios que Crowe hasta encarna al legendario Dr. Jekyll y Mr. Hyde, mientras los demás personajes lo aceptan sin extrañeza.

TREMENDA SUPERPRODUCCIÓN DE AVENTURAS EN QUE METIERON DE TODO AL SACO - MENOS LÓGICA - PARA ATRAER MASAS DE PÚBLICO JUVENIL. 

Ficha técnica     

Título Original: The Mummy 

Andes Films 

Terror, aventuras, fantasía 

EE.UU. – 110 minutos 

Música: Bryan Tyler 

Fotografía: Ben Seresin 

Guionistas: David Keopp, Christopher McQuarrie, Dylan Kuzman 

Actores: Tom Cruise, Russell Crowe, Sofia Boutella, Annabelle Wallis 

Director: Alex Kutzman