jueves, 13 de junio de 2019

Las Flores de la Guerra - Por Juan Pablo Donoso

Tema sensible, aunque bastante novelesco.

Extraordinaria y prolija realización, especialmente en las escenas de guerra.

Demasiado larga. Pudo decir lo mismo de manera más compacta para lograr mayor dramatismo en los elementos humanitarios.

Personajes irregularmente diseñados, aunque los actores son talentosos.

Un aventurero estadounidense, embalsamador, se ve atrapado en los combates entre chinos y japoneses en Nanjing en 1937. Se refugia en un convento católico con muchachitas novicias que aspiran a monjas. También se filtra allí un grupo de prostitutas del pueblo. El vagabundo, presionado por las circunstancias, adoptará la responsabilidad paternal del párroco que escapó para proteger y salvar a las adolescentes de la barbarie de las tropas niponas cuando ingresan al templo. Serán la rameras quienes, en un acto sublime de inmolación, permitirán que se salven las muchachitas de ser mancilladas.

Una hermosa anécdota vista en su globalidad, pero… se hace pesada.

TEMA MUY SENSIBLE QUE DEBIÓ SER MÁS COMPACTO. LE FALTÓ “CONCRECIÓN DRAMÁTICA”.

Ficha técnica


Título Original: Jin ling shi san chai Historia, guerra, romance 
Cine-arte Patricia Ready China, Hong Kong - 2,29 hrs. 
Fotografía: Xiaoding Zhao 
Edición: Peicong Meng 
Música: Qi Gang Chen 
Diseño Prod.: Yohei Taneda 
Guion: Heng Liu, Geling Yan (novela)
Actores: Christian Bale – Ni Ni – Xingi Zhan
Director: Yimou Zhang

Ella es Cristina - Por Juan Pablo Donoso

Historia de los motivos por los cuales dos amigas desde la infancia - ahora treintonas - llegan a casarse y a convivir como pareja. Son Cristina y Susana.

Así comienza y así termina. El resto es la minuciosa acumulación de antecedentes que las llevaron a tomar esa resolución.

Primera película chilena que dirige Gonzalo Maza, guionista de las premiadas GLADYS y UNA MUJER FANTÁSTICA.

Lo mejor es la hermosa fotografía en blanco y negro de Benjamín Echazarreta y las actuaciones naturalistas de los actores. Se ven cómodos en sus diversas situaciones tan cotidianas.

Ignoramos el porqué del blanco y negro (hoy día es más caro que el color). La temática y el tratamiento nos recuerdan algunas obras de Jean-Luc Goddard de los años 60: MASCULINO/FEMENINO (1966) y algo de VIVIR SU VIDA (1962).

El argumento - dividido en 3 capítulos - se desarrolla con extrema lentitud y minimalismo. Ambas amigas tuvieron desilusiones amorosas previas con hombres inmaduros. Incluso pelean entre sí por nimiedades, para luego reconciliarse.

Sin tapujos hay una constante denuncia al subdesarrollo afectivo de los hombres. Los hay inseguros (Nestor Cantillana), histéricos y bipolares (Roberto Farías), descarados e irresponsables (Alejandro Goic) o simplemente “fomes” (Bernardo Quesney).

Los desengaños de ambas mujeres son muy habituales en el mundo de hoy. Nada muy especial ni dramático - ¡ni menos trágico! - sucede a ninguna de ellas. Sólo refleja un mundo actual de personas de clase media acomodada, comunes y corrientes, que intentan practicar sus hobbies o llenar sus soledades.

Asisten a fiestas, se emborrachan, participan en talleres neurótico/intelectuales, adoptan un perrito abandonado, culpan a los “karmas” cuando sucede un accidente callejero, ceden al sexo casual y practican natación en estado de gravidez.

Sin duda “ella es Cristina” (Mariana Derderián, panelista de matinales), y la otra es Susana (Paloma Salas, comediante stand-up), y como ellas hay millones de clase media, de bajo perfil, en casi todos los países del mundo urbano.

Para reiterar la petulancia del profesor de dramaturgia, resulta extemporáneo un espectáculo teatral Butoh dentro del relato general. ¿Sólo un capricho estético?

Nos amenazan con un patetismo social de fondo que nunca revienta. Se resuelve tranquilamente.

UN INTENTO DE “CINE-VERDAD” A LA CHILENA, PERO SIN EL AURA RUPTURISTA QUE TUVO LA “NOUVELLE VAGUE” EN SU MOMENTO.

Ficha técnica


Crónica cotidiana Storyborad Media Chile - 1,22 hrs. 
Fotografía: Benjamín Echazarreta 
Edición: Andrea Chignoli 
Música: Cristóbal Carvajal 
Diseño Prod.: Lamari Ascui 
Actores: Mariana Derderián, Paloma Salas, Roberto Farías 
Guionista y Director: Gonzalo Maza

Dobles vidas - Por Jackie O.

Una junta intelectual de Doubles Vies.

Alain un editor está casado con la actriz Selena, son una pareja que se reúne de vez en cuando con sus amigos, y en esta oportunidad y a pesar de no ser tan mayores, a Alain y otros le cuesta adaptarse y aceptar los nuevos tiempos de la era digital y tienen largas conversaciones de literatura en reuniones sociales que mantienen en grupo casi en toda la película, pero en diferentes espacios.

La película a pesar de hablar de situaciones reales y actuales es muy relajada, más para quienes les gusta el estilo intelectualoide con mucha verborrea y quieran descansar de los efectos especiales, superhéroes o violencia.

Los personajes se muestran vacíos sin demostrar tantos sus emociones, ni siquiera cuando son infieles, no demuestran nada. No tiene momentos graciosos que puedan hacer un pequeño quiebre a tantos diálogos lo que puede en algún momento parecer tedioso.

A pesar de que su guion es interesante por los temas tratados y unos actores geniales se muestran de una forma plana, por lo ya dicho antes: no muestran emociones en sus diálogos o actos.

La doble vida que mantienen todos nuestros protagonistas es lo que hacen escondidos sin que el resto del grupo se entere. Lo que no resulta tan interesante como lo presentan, pero son cosas que en la realidad si suceden.

Esta película nos habla y muestra hechos que están en boga hoy en día como la era digital, los blogs, las películas, libros digitales, las infidelidades, el narcisismo y más, son conversaciones de corte interesante para una parte del público.

LO BUENO: guion ágil y de temas contingentes.

LO MALO: nada de comedia y mucha verborrea.

Actualmente en cartelera.

Ficha técnica

Título original: Doubles vies
Año: 2018
Género: Drama. Comedia
Duración: 107 min.
Reparto: Juliette Binoche, Guillaume Canet, Olivia Ross, Christa Theret, Antoine Reinartz,Pascal Greggory, Violaine Gillibert, Vincent Macaigne, Nora Hamzawi.
País: Francia
Dirección: Olivier Assayas
Guion: Olivier Assayas
Fotografía: Yorick Le Saux

viernes, 7 de junio de 2019

Dobles Vidas - Por Juan Pablo Donoso

De preferencia para públicos selectos de Cine-artes. Predomina lo intelectual por sobre lo dramático.

El tema y el tratamiento será poco interesante para muchos espectadores chilenos.

Muestra el mundo parisino de los editores de novelas. Reúne a parejas francesas de clase media relacionadas con la literatura, el cine, el teatro y la política.

Viven los avatares de la competencia entre los libros impresos en papel versus el acceso a los mismos por vía electrónica digital. Expone la insatisfacción artística para algunas actrices de trabajar en películas y TV versus interpretar roles clásicos en el teatro.

Es experimentado por un grupo de personas amigas que se reúnen a conversar de tales asuntos mientras, simultáneamente, esconden amoríos extramatrimoniales entre ellos mismos.

En síntesis, inquietudes laborales, y pecadillos lujuriosos, de profesionales burgueses y acomodados.

Con el oficio habitual del director Olivier Assayas (Personal Shopper 2016 - El Otro Lado del Éxito 2014), seleccionó a un equipo de buenos actores para que durante 1,48 hrs. hablen, hablen y hablen de sus trabajos literarios alternándolos con furtivos encuentros sexuales destinados a tener corta vida.

Lo que más se discute, entre tragos y petites bouchés, es la cultura como “negocio”, y de cómo adaptarse a los cambios que trae la tecnología.

El guionista y los actores parecen disfrutar del tema más que los espectadores. Pareciera encaminarse a un clímax dramático que nunca llega. Tampoco incursiona más a fondo en cada personaje; se limita a esbozarlos y a contar sus historias paralelas, que tampoco desembocan en nada impactante.

Sólo al final hay una tibia reconciliación que, más que gozosa se siente forzada en contraste con todo el cúmulo de onanismo intelectual del relato previo.

Si escarbáramos alguna premisa hallaríamos una metáfora comparativa entre la infidelidad conyugal y cómo la literatura se utiliza para disfrazar la realidad.
Ojalá complazca a ciertos espectadores cansados de tantos filmes de súper héroes y efectos pirotécnicos.

TÍPICA PELÍCULA FRANCESA CONTEMPORÁNEA CON ESCASO CONFLICTO PERO ELEGANTE, PROLIJA, ERÓTICA E INTELECTUAL.

Ficha técnica



Títulos Originales: Doubles Vies o Non-fiction 
Tragicomedia, romance CDIFilms Francia - 1,48 hrs. 
Fotografía: Yorick Le Saux 
Edición: Simon Jacquet 
Diseño Prod.: François-Renaud Labarthe 
Actores: Guillaume Canet, Juliette Binoche, Vincent Macaigne 
Guionista y Director: Olivier Assayas

jueves, 6 de junio de 2019

El Último Traje - Por Juan Pablo Donoso

Grata, conmovedora, bien escrita, bien dirigida y actuada magistralmente.

Para quienes ya estén cansados de ver filmes sobre las víctimas del holocausto nazi, esta será una bella excepción.

Relato claro y directo, donde el protagonista nos invita a acompañarlo y compartir sus decisiones, esperanzas, recuerdos e imprevistos.

Abraham Burztein, un sastre judío argentino de 88 años, enfermo de una pierna, patriarca de una gran familia, se entera que venderán su casa en Buenos Aires para internarlo en un asilo geriátrico. Pero en su conciencia tiene una deuda que nunca cumplió.

Con un poco de dinero, decide escaparse de la tutela de sus parientes y volver a su Polonia natal a devolver un terno que le prestaron cuando joven.

El origen está en el número tatuado en un brazo de cuando huyó de un campo de exterminio nazi en 1946. Agónico, lo recogió en la calle otro joven amigo suyo, Piotrek, quien lo escondió en el subterráneo para alimentarlo, sanar sus heridas, y regalarle un terno para que pudiera viajar a Sudamérica.

Abraham le juró que algún día regresaría a devolverle aquel "último traje". Y después de 70 años de exilio en Argentina partió a cumplir su promesa.

Vivirá experiencias agridulces en Madrid, donde deberá reconocer su soberbia. El paso del tren por territorio alemán, y sus pasajeros, rebrotará en él los más siniestros recuerdos. En Varsovia, por fin, una compasiva enfermera polaca lo llevará en su auto al pequeño pueblito de su infancia.

¿Vivirá aún su amigo Piotrek en el viejo barrio de la niñez? ¿ Tuvo algún sentido la larga odisea que vivió en el viaje por tres países, para morir solitario en una Polonia actual donde ya nadie lo recuerda ni lo conoce?

Las ciudades recorridas fueron cuidadosamente seleccionadas. Así mismo cada uno de los personajes secundarios: argentinos, españoles, alemanes y polacos. Todos consecuentes con sus nacionalidades y cálidos en sus contactos con el viejo y enfermo Abraham.

Sin duda, este es uno de los roles más profundos y acabados de la exitosa carrera del actor argentino Ángel Miguel Solá. Con apenas 66 años - apoyado por el admirable maquillaje de Almudena Fonseca - transmite con absoluta verdad las emociones más sutiles de su personaje.

UN FILME ESPLÉNDIDO EN TODO SENTIDO. NOS RECONCILIA CON LA BONDAD NATURAL DE MUCHAS PERSONAS QUE SE CRUZAN EN NUESTRO CAMINO.

Ficha técnica


Drama Argentina, España, Alemania, Polonia - 1,30 hrs.
Fotografía: Juan Carlos Gómez 
Edición: Antonio Frutos 
Música: Federico Jusid 
Maquillaje: Almudena Fonseca 
Diseño Prod.: Federico García Cambero 
Actores: Miguel Ángel Solá, Ángela Molina, Martín Piroyansky, Julia Beerhold, Olga Boladz, Jan Mayzel 
Guionista y Director: Pablo Solarz

X-Men: Dark Phoenix - Por Juan Pablo Donoso

Sin duda Stan Lee habría aplaudido este reciente filme de sus X-Men de Marvel. Culminación de 20 años de la serie.

De las más logradas en su género. La dirigió Simon Kinberg, productor de toda la saga anterior de X-Men y también de Logan.

Quienes carezcan de mayores antecedentes sobre los X-Men, con este capítulo comprenderán mucho de los anteriores, y de las motivaciones de sus héroes.

Ahora, la familia de los mutantes - que hemos llegado a conocer y amar con el tiempo - deberá enfrentar al enemigo más devastador que han conocido hasta la fecha…, los alienígenas codiciosos de otra galaxia en extinción llamados los Dark Phoenix.

Nuestra heroína Jean Grey (Sophie Turner - Game of Thrones), al quedar huérfana muy pequeña, fue adoptada y acondicionada por el Prof. Charles Xavier (James McAvoy - Glass 2019) para compartir los superpoderes de los X Men y ser una privilegiada más entre ellos: telepatía, telekinésis y trasposición en el espacio. Atributos para proteger y salvar al mundo.

El conflicto se desata cuando son enviados a la estratósfera para rescatar a los tripulantes de una nave espacial fuera de control. Durante la maniobra, Jean Grey es golpeada por una fuerza cósmica que le transforma y desconfigura sus virtudes. Queda poseída mentalmente por los poderes maléficos de los Dark Phoenix.

Ahora nuestros mutantes deberán decidir si la sobrevivencia de una integrante de su equipo es más valiosa que toda la humanidad de nuestro planeta.

Antes de librar las batallas finales recurrirán a antiguos maestros, de gestas anteriores, buscando recursos extremos de salvación para rescatar la psiquis de Jean de la dominación de los perversos.

Guion muy bien elaborado en su género de Marvel. Tal vez el más intenso y emotivo de toda la serie.

15000 personas trabajaron en la realización que tomó 2 años de labor. Mucho personal originario de la India, Japón y Corea.

Nos reencontraremos con Raven/Mystique (Jennifer Lawrence - Juegos del Hambre 2012), Erik Lehnsherr / Magneto (Michael Fassbender - Alien: Covenant 2017), Jessica Chastain (La Noche Más Oscura 2012-Interestelar 2014) como la principal antagonista de Jean Grey.

En el combate culminante entre las dos féminas súper poderosas surgirá el diálogo decisivo y redentor: Chastain: “Te venceré porque tus emociones te debilitan”. Jean Grey: “Jamás, porque precisamente las emociones me han hecho más fuerte”.

Y aunque haya rumores de que este sería el último capítulo de la saga, en la última escena, en el cielo de París, parpadea la luz anaranjada de un objeto mágico que podría ser el anuncio de una nueva aventura posterior.

UNO DE LOS MEJORES Y MÁS EMOTIVOS CAPÍTULOS DE X-MEN DE MARVEL.

Ficha técnica


Acción, aventuras, ciencia ficción 
Fox EE.UU., Canadá, Australia - 1,53 hrs. 
Fotografía: Mauro Fiore 
Edición: Lee Smith 
Música: Hans Zimmer 
Diseño Prod.: Claude Paré 
Guion: John Byrne, Chris Claremont 
Actores: Sophie Turner, Jennifer Lawrence, James McAvoy 
Director: Simon Kinberg

Mi Mascota es un León - Por Juan Pablo Donoso

Habla sobre el amor a los animales salvajes, y de cómo protegerlos. Se centra en una familia que desea tener una Hostería Turística como Centro Cultural en que haya educación, convivencia y sensibilización con la vida silvestre.

Es aquí donde llega un cachorro albino de león que conquistará el corazón de Mía, la hija de esa familia, y con la cual crecerán juntos en bella hermandad, a pesar del constante temor de los padres.

Y el conflicto vendrá cuando un venal traficante de safaris intenta despojarlos de Charlie, el león blanco, para destinarlo a ser trofeo de caza por motivos comerciales.

Nos enteraremos de la milenaria leyenda sud-africana de que existe un territorio aborigen exclusivo donde, cada cierto número de años, esperan la llegada de un león albino para que viva y se reproduzca libremente en sus estepas protegidas.

Será la epopeya de Mía tratar de salvar a su mascota llevándola hasta ese territorio sagrado sin que los depredadores humanos logren liquidarla.

Hay que destacar las actuaciones de Daniah De Villiers, como Mía, a quien vemos actuar desde muy niñita hasta llegar a la adolescencia, y de la actriz francesa Mélanie Laurent, como Alice, la madre de Mía, cuyo carisma sirve de pivote para todo el proceso de aquella familia.

Un testimonio de la manipulación de animales salvajes en Sud-África. Existen, por un lado, las granjas para criar leones en cautiverio y luego venderlos a zoológicos del mundo, y por otro, safaris de ricachones que sólo van a cazarlos por deporte pagando gruesas sumas a quienes comercian con el exterminio.

Admirable convivencia y contacto físico cercano de la actriz Daniah De Villiers con el león albino Charlie.

Como en BOYHOOD, demoraron varios años en filmar la película para dejar que los actores y el felino blanco avanzaran en edad.

Aunque con algunas concesiones de cliché, entrega su mensaje con claridad y deja al público conmovido. Y eso ya es un gran mérito.

EMOCIONANTE, ECOLÓGICA Y EDUCATIVA. RECOMENDABLE PARA NIÑOS, PERO ACOMPAÑADOS DE SUS PADRES.

Ficha técnica


Título Original: Mia and the White Lion Aventura Familia 
BFDistribution Francia, Alemania, Sudáfrica - 1,38 hrs. 
Fotografía: Brendan Barnes 
Edición: Julien Rey 
Música: Armand Amar 
Supervisores de Prod.: Marie Krommes, Sophie Vermersch 
Guion: Prune de Maistre, William Davies 
Actores: Daniah De Villiers, Mélanie Laurent, Langley Kirkwood 
Director: Gilles de Maistre

Un Panda en Apuros - Por Juan Pablo Donoso

Dibujo animado gracioso, ameno y con simpáticos personajes.

Con este filme los rusos demuestran que pueden deleitar a chicos y grandes con una historia tierna y valores positivos.

Una cigüeña distraída le trae por error un panda bebé a un oso soltero y gruñón llamado Mik Mik. La ternura y los llantos del pequeño son tan perturbadores que, junto a otros animalitos, deciden llevarlo a un lejano bosque de la China donde habitan sus padres verdaderos.

Así, se forma un equipo compuesto por la cigüeña (que los dobladores llaman pelícano), por un lobo que se desmaya ante cualquier peligro, por un conejo fantasioso y un tigre sentimental. Juntos emprenden un aventurado y largo viaje hasta la China.

Viven arriesgadas y cómicas aventuras. Cada personaje tiene una personalidad claramente definida y distinta. Al igual que los animalitos secundarios que aparecen por el camino.

Nos trae recuerdos de Madagascar (2005) y La Edad del Hielo (2002) donde también había que emprender un largo y tortuoso viaje para realizar su sueño.

ENCANTADORA ANIMACIÓN RUSA, CON MUCHO HUMOR, SIMPATÍA Y CANCIONES POPULARES CONOCIDAS. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Título Original: Панда в беде Animación, aventuras, comedia 
Andes Films Rusia, EE.UU. - 1,30 hrs. 
Guion: Billy Frolik

Pesadilla al Amanecer - Por Juan Pablo Donoso

Un nuevo, y poco feliz, intento ruso por hacer una película de terror. Al igual que con LA NOVIA - 2017 de Svyatoslav Podgayevskiy (SIGNIS 25/5/17), en vez de aprovechar una sólida premisa se diluyen en efectismos pretenciosos.

La idea matriz era interesante. Someterse a una terapia psicológica para superar las pesadillas recurrentes. Se requería provocar el sueño - bajo control médico - y enfrentar el trauma personal desde el interior del mismo universo onírico.

El Laboratorio Somnológico escogido incluyó la modalidad de hacerlo en forma colectiva. Así, serían 4 los soñadores insertos en una pesadilla común. Y en conjunto, interactuando vivencias, resolverían sus obsesiones demoníacas. Pero todo se sale de control hasta la demencia y el crimen.

La gran falla de la película es que tanto los momentos de vigilia, como los de subconsciencia, están tratados con el mismo lenguaje surrealista de los sueños. Entonces, se hace imposible diferenciar los niveles de percepción. El relato entero queda como una enorme y confusa pesadilla.

Aunque siempre sabemos cuál es el trauma específico de cada soñador, es tal la sucesión de peripecias horripilantes que ni siquiera el director P. Sidorov, ni los guionistas, supieron cómo terminarlas.

Ni los golpes musicales, ni los “screamers” (sorpresas súbitas), ni las imágenes infernales logran emocionarnos.

Faltó una premisa central para darle coherencia verosímil al relato, y poder empatizar con el drama de sus personajes.

Al parecer, los nuevos realizadores eslavos deberían aprender de los grandes maestros rusos sobre cómo crear atmósferas mágicas y penetrar con poesía en las mentes atormentadas de sus criaturas.

¡Qué lejos están aún de Tarkovsky (Stalker), Eisenstein (Ivan el Terrible) y Pudovkin (Suvorov ), Dovzhenko (La Tierra), Kozintsev (Hamlet y Rey Lear) e Ivan Pyrev (El Idiota)!

MAJAMAMA RUSA DE TERROR ENREDADA EN SUS PROPIAS PESADILLAS

Ficha técnica


Título Original: Rassvet Terror 
Diamond Films Chile Rusia - 1,30 hrs. 
Música: Garry Judd 
Guión: Evgeny Kolyadintsev 
Actores: Alexandra Drozdova, Alexandr Molochnikov y Anna Slyu 
Director Pavel Sidorov

Ma - Por Juan Pablo Donoso

La anuncian como de terror y suspenso. Muy poco tiene de aquello. Más bien hablemos de intriga, imprudencia y venganza.

Lo mejor de la película es la actriz de color Octavia Spencer (La Forma del Agua 2017 - Talentos Ocultos 2016) talentosa y carismática como siempre.

Tétrica denuncia de cómo el “bullying” escolar deja traumas profundos en la psiquis de personas que, al crecer, parecen normales y generosas.

Es el caso de una mujer, en apariencia alegre y maternal, que facilita el sótano de su casa para que un grupo de jóvenes escolares realicen ahí sus fiestas con alcohol, sexo y marihuana.

Poco a poco, irán sospechando de las verdaderas intenciones de esta Sue Ann, que para ellos se apoda Ma (por “mamita”). Y durante el desarrollo del filme nosotros, los espectadores, iremos conociendo por medio de raccontos, la historia de esta anfitriona desde que era adolescente hasta ahora.

La historia se mira desde los ojos de Maggie (Diana Silvers - Glass), una de las nuevas alumnas del colegio que, junto a su madre (Juliette Lewis) vuelven a instalarse en este pueblito de la infancia.

La gradual aparición de detalles misteriosos mantiene nuestro interés por saber qué hay detrás de tanta gentileza. Los diversos personajes adultos del pueblo también van tejiendo la trama.

Hay remanencias de antiguos filmes paradigmáticos como Carrie (1976) y Misery (1990) que esta vez desmerecen dejando imperdonables cabos sueltos (el atropello de la casquivana Mercedes, por ejemplo). Pero nos mantiene intrigados esperando algún giro sorprendente.

Más, en los últimos 15 minutos el conflicto cae en las típicas resoluciones moralizantes, tal vez para dejar complacidas a las masas puritanas de EE.UU..

Si consideramos la crudeza de ciertas alusiones sexuales, esperábamos algo mucho más provocativo y cínico con lo que, sin duda, habría culminado un filme europeo.

CASO POLICIAL DE ABERRACIÓN PSICOLÓGICA CUYO PRINCIPAL MÉRITO DESCANSA EN LA ACTUACIÓN DE OCTAVIA SPENCER.

Ficha técnica


Intriga, desquicio, venganza 
Universal EE.UU. - 1,37 hrs. 
Fotografía: Christina Voros 
Edición: Lucy Donaldson, Jin Lee 
Música: Gregory Tripi 
Diseño Prod.: Marc Fisichella 
Guion: Scotty Landes 
Actores: Octavia Spencer, Diana Silvers, Juliette Lewis 
Director: Tate Taylor

El último traje - Por Jackie O.

“…No me lo contaron, lo  vi”.

La película que logró emocionarme hasta la médula. 

Argentina, ahí viven Abraham Bursztein junto a sus hijas, nietos y bisnietos. Con casi 90 años ya es una molestia para ellos y lo quieren mandar a un geriátrico, cortarle una pierna que la tiene en malas condiciones, y sin dejar de señalar que ya han vendido su casa y gran parte de sus enseres para repartírselos entre ellas.

Éste, un día decide viajar a Polonia para encontrarse con su mejor amigo, el cual lo salvó de la muerte cuando había escapado de un campo de concentración nazi.

Su género catalogado de Drama Histórico, habla del abandono, de los recuerdos, de los terribles acontecimientos de la segunda guerra mundial y por sobre todo de las promesas. Pero yo le agregaría al género sus toques de comedia, ya que hubo momentos en que este viejo terco y charlatán me sacó más de una risa. Lo que sirvió para dosificar el terrible tema del holocausto.

Que decir de su protagonista Miguel Angel Solá, se roba la cinta dejando en seguidísimo plano al resto del elenco, sin dejar de mencionar que cuenta con una gran caracterización.

Este señor como no está de acuerdo con la decisión de sus hijas, decide huir en medio de la noche portando una maleta y un traje a Polonia, a reencontrarse con ese amigo el cual no sabe de él por más de 70 años.

Por el camino le suceden diversas situaciones tragicómicas, pero siempre contando con “un ángel protector: Primero, cuando decide huir va a comprar un pasaje de avión y lo ayuda la nieta de un amigo. En el avión conoce a un chico que al ser los dos retenidos en un aeropuerto este viejo lo ayuda, y luego el muchacho le devuelve la mano. En Madrid conoce a la dueña de un Hotel, que es la única que desarrolla más su rol que el resto. Después viaja en Tren a Polonia y conoce a una Alemana siendo tenso el encuentro, pero él logró abrirse con ella contándole su historia, en ese momento se me hizo un nudo en la garganta. 

Y por último, este abuelo se va en tren sufriendo un accidente que lo lleva al Hospital, ahí conoce a una enfermera que lo ayuda a llegar a Lodz, su destino final. 
Todo siempre acompañado de una buena fotografía y música.

Faltaban cinco minutos para que terminara la película y lloré. Que rabia, porque no soy muy sentimental ni miedosa que digamos, lloro más cuando me río demasiado. Pero ahora, me secaba las lágrimas y era como una llave abierta que no paraba. 

Tal vez a ti no te pase, quiero saberlo.

QUÉ ME GUSTÓ: -Miguel Angel Solá estuvo genial. -Un maquillaje perfecto.    
-Fotografía hermosa. -Guion tal vez algo cursi pero muy conmovedor. -Música muy acorde.

QUÉ NO ME GUSTÓ: Miguel Angel debió haber trabajado más el acento Judío-Argentino.  Y los personajes secundarios, la mayoría no se desarrollaron bien.

Ficha técnica

Drama Argentina, España, Alemania, Polonia - 1,30 hrs. 
Fotografía: Juan Carlos Gómez 
Edición: Antonio Frutos 
Música: Federico Jusid 
Maquillaje: Almudena Fonseca 
Diseño Prod.: Federico García Cambero 
Actores: Miguel Ángel Solá, Ángela Molina, Martín Piroyansky, Julia Beerhold, Olga Boladz, Jan Mayzel 
Guionista y Director: Pablo Solarz

miércoles, 5 de junio de 2019

XMen: Dark Phoenix - Por Carlos Correa

En esta cinta dirigida por Simon Kinberg, los X-Men corren extremo peligro. La amenaza no es externa esta vez sino proviene de uno de los suyos. Durante una misión de rescate en el espacio, Jean Grey, Fénix -Sophie Turner- casi muere al absorber una poderosa fuente de energía. La radiación ha intensificado sus poderes pero también con ello su inestabilidad. Surge entonces una característica que la hace fácilmente vulnerable y al confundirse comienza a hacer daño a quienes ama. La familia de los X-Men se resiente y comienza un tenso camino para restablecer los equilibrios.

El guion elaborado por el mismo director se observa sin muchas sorpresas. Como algo propio de esta clase de películas, las escenas de lucha y aquellas donde los súper poderes se muestran en todo su potencial, funcionan muy bien. Sin embargo, y en contraposición, las secuencias de enlace y aquellas que quieren profundizar en la intimidad de los protagonistas caen, por momentos, en planicies de las que prácticamente no logran despegar.

De las películas de la saga, tal vez “Dark Phoenix” es una de las más flojas. El ritmo no logra imponerse, las secuencias se desconectan unas de otras y solo la agudeza de algunos de sus actores -James McAvoy (Charles Xavier, Profesor X), Jennifer Lawrence (Raven Darkholme, Mystique), Michael Fassbender (Erik Lensherr, Magneto) y la villana Jessica Chastain (Smith)- logra evitar que la cinta se derrumbe irremediablemente.

Para lo que estamos acostumbrados de las producciones de Marvel, esta cinta nos decepciona. No logra atraer ni menos mantener nuestra atención cautiva durante los extensos 116 minutos de duración. No son los efectos especiales ni los escenarios desplegados, se trata del tratamiento de su contenido y de la manera en que se desarrolla, pues se diluye en diversos intentos que se deshojan y que no llegan a buen término. Una lástima para quienes hemos seguido las historias de X-Men porque vemos cómo también se va cerrando este ciclo, pero esta vez sin virtuosismo ni emoción.

Ficha técnica

Título original: X-Men: Dark Phoenix
Año: 2019
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Fox Film Corporation / Bad Hat Harry Productions / Donners' Company
Género: Ciencia ficción. Acción | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics
Guion: Simon Kinberg
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Mauro Fiore
Reparto: Sophie Turner, Jessica Chastain, James McAvoy, Jennifer Lawrence, Michael Fassbender, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Alexandra Shipp, Kodi Smit-McPhee
Dirección: Simon Kinberg

martes, 4 de junio de 2019

Rocketman - Por Carlos Correa

Este biopic del cantante británico Elton John, con algunos trazos de musical, narra la historia del artista en primera persona desde el punto de inflexión que significa el tratamiento de rehabilitación de sus adicciones. Reginald Dwight, vive con su madre Sheila y su abuela Ivy. Su padre Stanley, ausente la mayor parte del tiempo, trabaja en la Royal Air Force. El pequeño Reggie -Matthew Illesley- demuestra gran facilidad para el piano y es capaz de imitar lo que suena en la radio sorprendiendo a su entorno, lo que le lleva a audicionar para tomar clases en la Royal Academy of Music. El talento de Reggie es tan grande que cuando llega su turno, la profesora está tocando una conocida pieza de Mozart, el Rondó “Alla Turca”, y él la imita justo hasta donde ella lo deja. Impresionante para un niño tan pequeño y sin formación musical.

La cinta dirigida por Dexter Fletcher -quien se hizo cargo de concluir “Bohemian Rapsody” luego del incidente que terminó con Bryan Singer fuera del proyecto- se basa en un guion de Lee Hall que muy pronto nos muestra a Reginald ya adolescente. Allí se producen los primeros cambios y la adopción del nombre artístico de Elton John. La interpretación del protagonista le corresponde ahora a un excelente Taron Egerton, quien no solo muestra una gran expresividad y convicción sino que también se hace cargo de cantar él mismo las canciones de la banda sonora.

Las carencias afectivas de su infancia, el escaso interés de su padre por él y su familia, la frialdad de su madre, junto con el descubrimiento y posterior aceptación de su homosexualidad, llevan a Elton a buscar una forma de escapar de sus temores, de hacerse visible, de decir “aquí estoy”. Desde que conoce a Bernie Taupin -Jamie Bell- con quien traba una profunda amistad y forma una excelente dupla creativa, la música que crea para aquellas letras comienza a destacar y a tener un particular estilo. Estas composiciones, que tienen una forma clásico y en ocasiones bastante moderada, poco y nada tienen que ver con la búsqueda de extravagancia que Elton explora en sus vestimentas y en su desempeño sobre el escenario. Hay una transformación total de su personalidad, que adquiere vida propia. Mientras más alto vuela esa búsqueda externa, disrruptiva, y que imprime una visualización altamente distintiva, la música parece internarse profundamente en el interior del artista, develando intensidad, pasión, fuerza e íntima conexión.

Fletcher conduce la película con pulso firme. Sabe llevar muy bien la emocionalidad transformada en música e imagen, permitiendo que los elementos confluyan de forma natural. Sin embargo, el director poco puede hacer con un guion que se presenta desde el comienzo bastante complaciente, una especie de retrato moderado y contenido sobre un cantante cuya excentricidad y excesos probablemente superan públicamente los éxitos musicales. La cinta también se introduce en las relaciones amorosas de Elton John. Primero Bernie, amor no correspondido por ser heterosexual y porque también lo quiere pero como a un hermano. Después con John Reid -Richard Madden-, un manager y director de música con quien se engancha emocionalmente pero que a poco andar se da cuenta que es usado y también abusado por él solo por intereses económicos. Posteriormente la ruptura de su matrimonio con Renate Blauel, que le impulsa a declararse abierta y públicamente homosexual, muestra a Elton John como una persona condenada al sufrimiento, sin salida y cuya única opción sería quitarse la vida, lo que también intenta, ya desesperado, sin tener éxito.

“Rocketman”, cuyo título corresponde a la canción homónima de 1972, es la historia de una super estrella. Un personaje lleno de un brío interno que busca desesperadamente su espacio en un mundo que parece no comprenderlo y menos acogerlo. Es la primera parte de la historia, aquella donde se toca fondo y parece que no se puede caer más. La salida de ese poso parece imposible, y llegamos hasta allí, hasta ese momento donde la oscuridad es máxima y la luz, imperceptiblemente, comienza lentamente a aparecer. Es un amanecer, una nueva oportunidad, una transformación y también una redención. Un encuentro con su niño interior, la reconciliación consigo mismo y con cada uno de quienes sintió rechazo o intereses falsos; el surgimiento de una fuerza interior trascendente y transformadora.

La película es auto complaciente, es verdad, pero se percibe honesta. Desde ese momento, desde ese punto de inflexión, señala la narración en sus textos finales, Elton John ha estado sobrio durante casi 30 años, sigue siendo amigo y colaborador de Bernie Taupin, y está casado desde 2014 con David Furnish, con quien tiene dos hijos. Una luz y una paz que devuelve la esperanza a la vida.

Ficha técnica 

Título original: Rocketman
Año: 2019
Duración: 121 minutos
País: Reino Unido
Productora: Marv Films / Rocket Pictures / Marv Studios / New Republic Pictures / Pixoloid Studios. Distribuida por Paramount Pictures
Género: Musical. Drama | Biográfico. Música
Guion: Lee Hall
Música: Elton John, Matthew Margeson
Fotografía: George Richmond
Reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard, Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Stephen Graham, Matthew Illesley, Ophelia Lovibond, Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaco, Ziad Abaza, Jamie Bacon, Kamil Lemieszewski, Israel Ruiz, Graham Fletcher-Cook
Dirección: Dexter Fletcher

lunes, 3 de junio de 2019

El cuento de las comadrejas - Por Carlos Correa

Juan José Campanella está de regreso con esta nueva película que es un remake de la cinta “Los muchachos de antes no usaban arsénico” estrenada en marzo de 1976, coincidiendo entonces con el golpe militar en Argentina. El director de “El secreto de sus ojos” imprime su estilo y da vida a un relato que contiene múltiples características y que fluye de comienzo a fin.

En una lujosa mansión antigua y llena de recuerdos, viven cuatro personas mayores. Una glamorosa ex estrella de cine, su marido, un ex-actor que está en silla de ruedas, y dos amigos: un ex-guionista y un ex-director. El equipo trabajaba junto en los años dorados del cine y los recuerdos son permanentes y también recurrentes. Parece que quisieran mantener la gloria conseguida en tiempos pretéritos y todo gira en torno a ese pasado que se vislumbra imponente, majestuoso e inolvidable. La aparente calma del lugar se interrumpe de pronto con la llegada inesperada de dos jóvenes que buscan ayuda y reconocen a Mara Ordaz -Graciela Borges- como la recordada y admirada diva. Ella se ve seducida por los halagos mientras Pedro -Luis Brandoni-, su esposo, mira toda esta escena muy extrañado. Norberto -Oscar Martínez- y Martín -Marcos Mundstock-, ex-director y ex-guionista respectivamente, dudan de inmediato sobre las verdaderas intenciones de esta joven pareja.

Los recién llegados, Francisco -Nicolas Francella- y Bárbara -Clara Lago- se deshacen en piropos hacia Mara. Le ofrecen una oportunidad irresistible para ella que es vender la casa y mudarse a un apartamento del centro para que así vuelva a ser la estrella de antaño, recordada y adulada por todos. El plan parece fluir, pero en el camino, el desarrollo del metraje va adquiriendo otros matices y el excelente guion nos lleva a situaciones y escenas que van provocando una creciente tensión que no cede hasta la última toma.

Campanella tiene un sello propio que es perfectamente reconocible, entre otros aspectos, por los diálogos que sostienen sus protagonistas. Ingeniosas como un juego de misterio y estratégicas como una partida de ajedrez, cada línea tiene un contrapunto que responde acertadamente a su correspondiente propuesta. Los actores, elegidos con acierto y precisión, aportan con personalidades muy bien definidas y con algunas salidas que primero obtienen sonrisas y que con el correr de los minutos provocan carcajadas.

La construcción del relato es de gran nivel. No parece faltar nada, los elementos se mueven al ritmo de la historia y poco a poco nos vamos enterando de la vida y lo que ha sucedido en la Mansión, esto es, el inevitable pasado y la incertidumbre del futuro. Campanella recoge perfectamente los sentimientos de cada uno de sus personajes. Las motivaciones de cada uno son diferentes y por ello están muy bien descritas. Es cierto, es una mirada al interior de la producción de cine, pero también a la profundidad de una vida recorrida, los éxitos, los fracasos, las frustraciones, los temores y los deseos personales más íntimos.

El estilo de esta comedia negra responde también a la firma de su director. Dura y profunda cuando amerita, sutil y graciosa cuando debe romper la tensión, la escritura va trazando un camino que seduce y que además se hace necesario transitar. Las actuaciones, sólidas, llenas de compromiso y de conexión, entregan al relato el soporte necesario para generar un abanico pleno de emociones. Por momentos estamos como en una obra de teatro, con mínimos elementos y solo con los actores y sus diálogos. En otros, los recuerdos toman el protagonismo, o nos enfrentamos a la realidad de lo acontecido, en un juego permanente donde quienes lo juegan deben ser muy claros en qué privilegiar y qué camino tomar pues de ello depende su destino.

Juan José Campanella vuelve al ruedo con esta esperada película que paradójicamente antes se titulaba “Regreso mortal”. Con una mano y una factura que se acerca sin superar su cinta ganadora del Oscar a película extranjera en año 2010, nos recuerda que el director tiene aún mucho que decir y que entregar.

Ficha técnica

Título original: El cuento de las comadrejas
Año: 2019
Duración: 129 minutos
País: Argentina
Guion: Juan José Campanella, Darren Kloomok (Historia original: Augusto Giustozzi, José A. Martínez Suárez)
Música: Emilio Kauderer
Fotografía: Félix Monti
Reparto: Graciela Borges, Oscar Martínez, Luis Brandoni, Clara Lago, Marcos Mundstock, Nicolás Francella
Productora: Coproducción Argentina-España; 100 Bares / Telefé / Tornasol Films / INCAA
Género: Comedia. Intriga. Drama | Remake. Comedia negra
Dirección: Juan José Campanella

domingo, 2 de junio de 2019

Godzilla 2: el rey de los monstruos - Por Jackie O.

"Los Titanes están entre nosotros".

Han pasado 5 años después de los últimos hechos ocurridos en Godzilla 2014, la empresa Monarch está estudiando la presencia de varios “titanes” que se encuentran distribuidos por todo el mundo. Esta corporación supuestamente protege a las criaturas cuando el gobierno de EEUU quiere aniquilarlas. Pero aparece un terrorista “ecológico” que comienza a liberar estas criaturas, siendo ayudado por una científica con la loca idea de restaurar el mundo al cual nosotros como seres humanos hemos destruido. Comenzando a despertar a estos titanes desatándose el caos.

Estosntitanes me han encantado de siempre y esperaba esta película. Pero que pasa… La historia que escribí al comienzo suena bien, pero no digamos que la ejecutaron de buena forma, pero sirve para justificar la pelea de Titanes que todos esperamos y que se verá en el transcurso de la película.
Tenemos a un gran elenco, algunos de ellos desperdiados en un rol y/o historia que no lo vale. A que me refiero, por ejemplo Sally Hawkins se perdió. De Vera Farmiga en su rol de científica algo loca, creo que cumplió con el hecho de odiarla al punto de que quería que se muriera o que la encerraran en un manicomio y perdieran la llave. Sus papeles desarrollados totalmente olvidables en sus carreras.

Además, no sé por qué razón las películas de este tipo deben tener a infantes o preadolentes, los menores de edad molestan, ya que si piensan hacer algo relevante como en este caso salvar el mundo, y además estar preocupados de los chicos es un problema: ósea los niños son un cacho. Y en este caso la famosísima Millie Bobby Brown no se que hacía ahí, y era totalmente reemplazable por otra actriz.
El único humano que me convenció fue Charles Dance, osea.. la primera vez que lo vi en una película fue en Underwold 1 (tal vez lo vi antes, pero no le presté atención) y se ganó mi corazón, el mejor antagonista de presencia. Acá igual.

El guion es algo flojo, tanto que los 130 minutos se me hicieron eternos, hasta me salió un par de bostezos en algunas partes de la película. La historia en sí no se desarrolla por más que quieran ni detalla bien para dónde van los humanos.
SÍ, puedo señalarles que los efectos especiales están muy bien desarrollados, hasta recordé escenas de esas viejas películas de titanes de los 50 y 60, misma tomas que se veían hermosas, una fotografía impecable para mi gusto. Con Godzilla, Mothra, Rodan o Ghidorah muy bien hechos, se veían majestuosos.
Los humanos solo fueron un relleno para disfrutar de las peleas y destrucciones de estos moustros, quienes son los reales protagonistas de esta película.

LO MALO : El guión, la resurrección de Millie ultra falsa, los humanos en general.
LO BUENO: Ver a los Titanes en acción, hermosa fotografía, efectos bien hechos.

Recomendada, sí por supuesto. Cumple con entretener. Incluso es mejor que la anterior (2014).
Y hay una escena post crédito, hecha de una forma no muy interesante.

Ficha técnica

Director: Michael Dougherty
Música compuesta por: Bear McCreary
Guion: Michael Dougherty, Zach Shields, Max Borenstein
Fotografía: Lawrence Sher
Montaje: Roger Barton
Protagonistas: Kyle Chandler, Vera Farmiga, Millie Bobby Brown, Bradley Whitford, Charles Dance. Sally Hawkins, Thomas Middleditch, O'Shea Jackson Jr., Ken Watanabe, Zhang Ziyi.
Durtación: 132 minutos