Obsesión secreta - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Jennifer -Brenda Song- no recuerda nada. Despierta con severas heridas en un hospital. Junto a ella está Russell -Mike Vogel-. Le dice que es su marido, pero ella no lo reconoce. Ha sufrido un accidente que casi le cuesta la vida y la secuela más dolorosa es la pérdida de memoria. Por supuesto, las cosas no son como parecen y las inconsistencias se van sucediendo con rapidez. ¿Nada nuevo bajo el sol, en una historia que tiene múltiples versiones? Algo de aquello hay en “Secret Obsession”.

El director Peter Sullivan toma un guion escrito conjuntamente con Kraig Wenman y da forma a un thriller predecible. ¿Es un defecto que sea así? No necesariamente. Podemos estar de acuerdo en que la cinta no contiene ninguna novedad. También podemos concordar que la trama no es original. Incluso podríamos coincidir en que lo obvio hace perder el interés. Sin embargo, un punto se sobrepone a lo señalado precedentemente; es entretenida.

En ocasiones no necesitamos de un producto elaborado con una racionalidad que nos deje pensativos ni algo que nos remueva emocionalmente. A veces, una cinta bien desarrollada, bien ejecutada y que sigue los parámetros básicos de su género, sin prometer falsas ilusiones pero entregando el piso que le pedimos, satisface las expectativas.

“Secret Obsession” cumple ese mínimo e incluso tal vez un poquito más. El rol del detective Frank Page -Dennis Haysbert-, agrega cercanía, nos invita a ir con él para descubrir el misterio pues en otro relámpago del guion podemos dudar de lo que vemos, de lo que adivinamos y de lo predecible que es el argumento. Cierto, quedan cosas abiertas, personajes que no se terminan de componer ni comprender y otros detalles a la deriva. Yo, al menos, lo excuso, tal vez por un nivel de exigencia menor y porque el resultado son 97 minutos de un suspenso conocido que mantiene la intriga hasta el final.

Ficha técnica 

Título original: Secret Obsession
Año: 2019
Duración: 97 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Hybrid. Distribuida por Netflix
Género: Thriller | Thriller psicológico
Guion: Peter Sullivan, Kraig Wenman
Música: James Dooley
Fotografía: Eitan Almagor
Reparto: Brenda Song, Mike Vogel, Dennis Haysbert, Paul Sloan, Ashley Scott, Daniel Booko, Blair Hickey, Scott Peat, Jim Hanna, Michael Patrick McGill, Alan Pietruszewski, Ciarra Carter, Eric Etebari, Joyce Greenleaf, Kati Salowsky, Jennifer Peo, Bella Stine, Elayn J. Taylor
Dirección: Peter Sullivan

Princesita - Por Jackie O.

“Cuando tu cuerpo no te pertenece… ni tu actos”.

Sectas. Cuántas veces hemos oído hablar de ellas. Cualquier persona con el don de la palabra pueden crearlas, algunXs se hacen llamar papá, pastores, profetas, mesías, o cualquier nombre que se escuche y se sienta como liderazgo sirve. O a veces solo su nombre, cuando ya los tienes dominados.

Esta película está tomada de un hecho verídico, de una secta, de como un sujeto atrapa a un grupo de jóvenes hablándoles de mundos mejores, sanar almas y aislándolos del resto.

En medio del bosque sureño, un sujeto cincuentón convive con su pareja francesa y muchos niños y jóvenes de diferentes edades.

Su voz es pausada, no grita, no amenaza, no golpea. Todos se ven felices.

El elenco principal es integrado por Sara Caballero (Tamara), Marcelo Alonso (Miguel) y María Gracia Omegna (Nadia). El resto de los actores son muy secundarios, poco relevantes y desarrollan sus roles de forma vaga.

Miguel nuestro “sectario” cautiva a su grupo, decide por ellos y los inicia sexualmente.

Aunque no hay nada explicito ya que nuestra protagonista y otros son menores de edad, además da señales que también este adulto podría mantener relaciones homosexuales dentro del grupo.

En esta trama, Miguel le da una prueba de confianza y de pureza a Tamara enviándola al colegio, y se conecte con el mundo exterior sin tentarse con la mundanidad.

Ahí Tamara conoce y le llama la atención un joven, le gusta, y comparte con otros niños de su edad.

Su profesora, Nadia, quien en poco tiempo siente que algo pasa con Tamara decide visitarla a su casa. Conoce a Miguel, quien se siente incómodo ante su visita.

Pero Tamara esta niña de 12 años está muy cautivada con Miguel, y más cuando él la eligió para concebir su hijo (y debe ser varón) a penas menstrué. Le habla de una forma delicada y ella está extasiada.

Hasta que llega su menstruación, y algo sucede con ella, algo que todo cambiará en su vida y la vida de los demás. Algo terrible. 

Las actuaciones de nuestros 3 actores principales están bien desarrolladas en términos generales. Los actores secundarios son casi invisibles, poco relevantes la mayoría.

La fotografía es hermosa y bien enfocada en los sectores versus desarrollo de roles.

El guion es interesante, incluso esa voz en off, donde se escuchas lo que piensa y como narra los momentos esta menor.

La trama, es interesante saber la existencia de situaciones aberrantes como estos abusos.

Lo malo, no se señala el origen de estos jóvenes y menores de edad, ¿de dónde salen? ¿Quiénes son?, que pasa con las autoridades que no supervisan lugares como estos? ya que no estaban escondidos (la profesora no tardó en llegar donde ellos).

Y habría sido interesante saber más sobre la personalidad de Miguel, más sobre sus actos.

Aun así, la película resulta interesante ya que habla del machismo, la posesión, la fragilidad, la inocencia y más.

También nos hace recordar que existen los manipuladores, que hay que estar pendientes de nuestros familiares o amigos que pueden caer ante la maldad de un ser que los use. 

Pueden verla en Ondamedia.cl

Ficha técnica

Año 2017. Chile
Directora: Marialy Rivas
Duración, 1 hora 18 minutos.
Guión: Marialy Rivas y Camila Gutiérrez
Productores: Juan de Dios Larraín y Pablo Larraín
Director de Fotografía: Sergio Armstrong
Directora de Arte: Polin Garbisu
Vestuario: Muriel Parra
Montaje: Felipe Gálvez, Delfina Castagnino, Andrea Chignoli
Música Original: Ignacio Pérez Marín y Domingo García-Huidobro
Diseño de sonido: Martín Grignaschi

Wild Rose - Por Carlos Correa

Disponible en Amazon Prime.

En esta bella película de sueños y esperanzas, Rose-Lynn Harlan -Jessie Buckley-, es una joven inquieta, con una voz privilegiada, gran talento, carisma y un anhelo: triunfar como cantante de música country. En su ciudad, Glasgow, las limitaciones que tiene son frustrantes. Acaba de pasar un año en la cárcel y sus dos hijos pequeños la necesitan más que nunca. Marion -Julie Walters-, su madre, le ha ayudado en este tiempo, sin embargo requiere que Rose-Lynn acepte su realidad, se responsabilice de sí misma y principalmente de sus hijos.

Tom Harper filma con emoción cada escena de esta película. Su protagonista, Jessie Buckley, posee un caudal comunicativo que entrega vigor al metraje. Su personalidad es un volcán y su esencia llena la pantalla, incluso en los momentos más íntimos de la película. Su deseo es algo superior. El sueño de emigrar, de ir por más y de surgir se contrapone a sus deberes de madre. No vive una situación fácil, hay en ello una contradicción vital.

La cinta explora el lado más íntimo de la protagonista. Configura una realidad difícil de evadir. Rose-Lynn trabaja limpiando una casa para poder ganar un sustento mientras su ideal permanece intacto. Tanto es así que la dueña percibe el gran deseo de la joven y le ofrece ayuda. Surge el conflicto central, la opción, el camino a escoger: privilegia sus sueños o se hace cargo de sus hijos y de su realidad.

“Wild Rose” habla de esperanza y anhelos. También habla de familia y responsabilidad. ¿Dónde está la línea? ¿Son compatibles o son opuestos absolutos? El relato avanza mientras nosotros nos involucramos con Rose-Lynn. Vemos el viaje a Londres, a la BBC, como “la gran oportunidad”. Observamos su trayecto y sus acciones con preocupación y cautela. Incluso censuramos gran parte, pero seguimos con ella, compartimos su camino, alentamos su sueño.

La voz de Jessie Buckley es encantadora y percibimos por ello lo trascendente que es cantar para la protagonista. En este viaje también vemos el camino de maduración -duro, a golpes, a veces brutal- que Rose se resiste a enfrentar. Pero en este tránsito obligado, el tiempo y las circunstancias hacen su trabajo, permiten detenerse a observar las raíces y lo esencial de la vida. Descubrirlo no es sencillo para ella y su aprendizaje es tan desgarrador como la emoción de su canto, un canto que surge desde lo más profundo de su alma y que le une intrínsecamente a su familia, a su ciudad y a su vida.

Ficha técnica

Título original: Wild Rose
Año: 2018
Duración: 101 minutos
País: Reino Unido
Productora: BFI Film Fund / Creative Scotland / Fable Pictures / Film4 Productions. Distribuida por Neon
Género: Drama | Música
Guion: Nicole Taylor
Música: Jack C. Arnold
Fotografía: George Steel
Reparto: Jessie Buckley, Julie Walters, Sophie Okonedo, Jamie Sives, Ashley Shelton, James Harkness, Gemma McElhinney, Tracy Wiles, J. Thomas Bailey, Daniel Campbell, James McElvar, Janey Godley, Vanya Eadie, Jeffrey Wilkerson, Aly Bain, Marianne McIvor, Neil MacColl, Phil Cunningham, Stuart Nisbet
Dirección: Tom Harper

El silencio de la ciudad blanca - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Vitoria, Álava (España), corre el año 2016. Dos cadáveres aparecen desnudos en la cripta de la Catedral Vieja. ¿Un ritual? ¿Algo ya conocido? Hace 20 años fue encarcelado un asesino serial que procedía de la misma forma y que aun está en la cárcel. ¿Es entonces un seguidor o el asesino es otro?

El caso lo toma el inspector Unai López de Ayala -Javier Rey- quien con la ayuda de Estíbaliz -Aura Garrido- investigan las pistas que los nuevos crímenes van entregando. La situación es de máxima tensión. Él encerró al culpable hace dos décadas, sin embargo la secuencia de asesinatos ahora continua. Aumenta la incertidumbre. El cuerpo policial a cargo de Alba Díaz de Salvatierra -Belén Rueda- parece tener el rumbo extraviado.

Daniel Calparsoro filma un guion de Roger Danès y Alfred Pérez Fargas sobre la novela homónima de Eva García Sáenz de Urturi. El relato va de más a menos pues un comienzo trepidante va lentamente cediendo con ciertas licencias las que no logran crear un piso sólido. Pero, si la historia es interesante y atrapa en un comienzo, ¿qué genera que decaiga con el correr de los minutos? Acá me permito un adelanto como excepción. La incertidumbre de quién es el asesino se despeja pronto y es reemplazada por conocer el momento en que será descubierto, por lo que esa nueva tensión se mantiene hasta el final. Lo que decae es cierto interés en el relato y debemos averiguar por qué.

Cuando tenemos una historia de este tipo podemos mantener la incógnita como punto de interés máximo. Sin embargo, si no lo hacemos, corremos el riesgo de mover el punto de tensión y no recuperarlo. Algo de esto pasa en “El silencio de la ciudad blanca” y se acentúa pues la opción del guion es privilegiar la trama del misterio. Los personajes no son su foco de atención por lo que no logramos definirlos bien y tampoco logramos hacerlos nuestros. La poca profundidad en su caracterización -más enfocada en su acción que en su razón de ser, en sus características, en su humanidad- no genera cercanía e inconscientemente pasamos por alto detalles que tal vez nos pueden ayudar a conectarnos más con la historia. Ni siquiera las menciones a las redes sociales aportan sustancia, siendo que son actuales, cercanas y generan opinión.

La novela en la que se basa la historia es una trilogía y esta es la primera entrega. Tal vez por ello aun queda material para continuar no usando aun todo lo disponible. El potencial es indudable y quizá debamos esperar la secuela para un repunte en la narración. Calparsoro es hábil con la cámara y la fotografía de Josu Inchaustegui es precisa para un filme de estas características por lo que queda esperar una continuación ya que esta primera parte nos deja con gusto a poco. Más que mal, en ocasiones ir de menos a más es una buena opción que permite gradualidad e interés. Ojalá esta sea una de esas oportunidades.

Ficha técnica

Título original: El silencio de la ciudad blanca
Año: 2019
Duración: 110 minutos
País: España
Productora: Atresmedia Cine / Rodar y Rodar
Género: Thriller. Intriga | Asesinos en serie
Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas (Novela: Eva García Sáenz de Urturi)
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Josu Inchaustegui
Reparto: Belén Rueda, Javier Rey, Aura Garrido, Manolo Solo, Àlex Brendemühl, Sergio Donado, Ramón Barea, Itziar Ituño, Pedro Casablanc, Rubén Ochandiano, Richard Sahagún, Ramón Agirre, Josean Bengoetxea, Itziar Aizpuru, Joseba Apaolaza
Dirección: Daniel Calparsoro

Diecisiete - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Héctor -Biel Montoro- lleva un tiempo internado en un centro de menores. Confinado por su timidez y su poca sociabilidad es permanente blanco de burlas. Sus fallidos intentos de escape no han logrado cambiar un escenario que es cada día más insoportable. Pero llega un perro -forma parte de un programa integral de terapia- que provoca en él un cambio radical. Pasa a ser su sentido, su razón de ser, sin embargo, “Oveja” es adoptado. Entonces Héctor intenta fugarse una vez más y esta vez para ir a buscarlo.

“Diecisiete”, del director Daniel Sánchez Arévalo, narra la historia íntima de un joven a quien la vida solo le ha dado golpes. Está en régimen de menores pues su vida no tiene más horizonte que subsistir y los atracos son tal vez la única manera. Ismael -Nacho Sánchez-, su hermano, vive en una autocaravana. Héctor recurre a él cuando logra escapar quien, sin demasiada empatía, acepta ayudarle.

Gracias a un guion original del mismo director, “Diecisiete” explora desde un ángulo diferente la relación de dos hermanos. Ambos son muy distintos, sin embargo el lazo que los une, borroso en un principio, es mucho más fuerte de lo que imaginamos. Héctor tiene una especial preocupación por la “abuela” postrada en cama y con crecientes problemas para respirar a pesar del oxígeno que se le suministra. La aventura de encontrar a “Oveja” obliga a sacarla de la institución donde se encuentra y llevarla junto a ellos en el recorrido.

La cinta tiene un tono sencillo y profundo a la vez. El vigor de Héctor y la calma de Ismael se complementan. Dan cuenta de caras opuestas de una misma moneda que avanzan chocando la mayor de las veces sin un norte claro. Héctor tiene una mente brillante, una memoria privilegiada. La jueza de menores lo conminó a considerar en el código penal todos los delitos cometidos y él se lo aprendió completo. Pero su poca sociabilidad y falta de comunicación no le permite avanzar. Ismael, por su parte, tiene problemas con su novia. ¿Le ha dejado o ha huido? Nada es claro, a pesar de los intentos de su hermano por aclarar el asunto.

“Diecisiete” invita a recorrer un camino con ironía y humor. Una historia en la que podemos entrar si nos dejamos seducir por la personalidad de los hermanos y empatizamos con ellos. La cinta es una apertura a explorar los conflictos internos de sus personajes, su relación y su entorno. Un viaje que revela orfandad, precariedad y falta de oportunidad. También destaca valores, profundiza la hermandad y deja abierta la puerta a una rehabilitación que no necesariamente sigue los caminos formales.

Ficha técnica

Título original: Diecisiete
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: España
Productora: Atípica Films. Distribuida por Netflix
Género: Drama. Comedia | Road Movie. Familia. Adolescencia. Perros/Lobos
Guion: Daniel Sánchez Arévalo
Música: Julio de la Rosa
Fotografía: Sergi Vilanova
Reparto: Biel Montoro, Nacho Sánchez, Lola Cordón, Iñigo Aranburu, Itsaso Arana, Kandido Uranga, Carolina Clemente, Jorge Cabrera, Chani Martín, Mamen Duch
Dirección: Daniel Sánchez Arévalo

Mi último día - Por Jackie O.

"Un animé que provoca".

"Mi último día" es un cortometraje para adultos creado por Barry Cook y Studio4 °C, basado en la antigua película “JESUS Film Project”, realizada en 1979.

La historia se desarrolla a través de los ojos de un criminal que recibe la misma sentencia de crucifixión que Jesús.

Comienza con un ladrón que mira a través de los barrotes de su celda cómo golpean a Jesús; y no entiende por qué si él no hizo nada. Piensa en los momentos que lo vio en la calle, sin cometer crímenes.

Lo mira, y también piensa en su propio crimen, y que él sí es culpable por ello.

Posteriormente, este ladrón junto a otro y a Jesús, los llevan al Gólgota para ser crucificados. 

Es un animé con imágenes realizadas de forma realista, donde se muestra en los ojos de los personajes el dolor y la pesadumbre, con unos primeros planos llamativos, como la sangre que brota de las heridas de Jesús o el de un clavo que golpea la carne, para resaltar la brutalidad de la crucifixión.

Los personajes tienen buen movimiento. 

La manufactura, el cómo está dibujado y la continuidad de la narrativa la quisiera cualquier estudio Hollywoodense.

Un agrado verla, porque en solo 9 minutos puede provocarte reflexión, tristeza, dolor y/o paz.
Un cortometraje de arrepentimiento y redención.

Lo encuentran en YouTube. 

Ficha técnica

Título original: My Last Day.
Año 2011 ‧ Cortometraje/Anime ‧
Duración: 9 minutos.
Dirigido por Barry Cook
Música: Tim Cocking
Producido por Barry Cook y Studio 4 ° C
Distribuido por El proyecto de la película Jesús
Cruzada Estudiantil para Cristo

Milagro en la Celda 7 - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Un caso atípico de amor paternal, desbordante de belleza y emoción.

Hubo un filme coreano homónimo en 2013, excelente y con el mismo argumento, pero esta versión turca lo superó.

Su director Mehmet Ada Öztekin (Club de Perdedores en el Camino - 2018), experto en teleseries otomanas, resalta la bondad oculta en los rincones más perversos del alma humana.

Lo que las producciones turcas omiten de procacidad, lo compensan con la hondura de los sentimientos.

En un pueblito rural, junto al mar, vive Memo, un alegre pastor con retardo mental, junto a su madre anciana y a su hijita Ova, de 6 años. Por un infortunado accidente fallece la pequeña hija del Coronel a cargo de las tropas militares en la región.

Culparán al pastor de haberla asesinado por tener sangre en su ropa al tratar de salvarla.

El Coronel, y sus subalternos, por medio de torturas, obligarán al inocente Memo a confesar su culpa. Será encarcelado en la celda N° 7, junto a peligrosos delincuentes, y condenado a morir en la horca.

Su ingenuidad y natural bonhomía convencerán a los presos de su inocencia e intentarán defenderlo. Mientras tanto, el pastor sólo añora volver junto a su hijita y a sus ovejas. Y para la niña resulta incomprensible el alejamiento de su padre.

El grueso de la trama será cómo evolucionan las relaciones de Memo con los demás presidiarios, y la angustia de su madre e hijita ante tan implacable injusticia.

El “milagro” del título se cumple en el proceso de transformación misericordiosa en la mente de aquellos reos, y en la amorosa testarudez de la pequeña Ova por recuperar la compañía de su padre.

En cada personaje secundario comprendemos su motivación. El actor Aras Bulut Iynemli, confirma su talento en la dificilísima interpretación de Memo, mientras a la pequeña Nisa Sofiya Aksongur, como Ova, le basta esbozar una sonrisa para llenar la pantalla de ternura y compasión.

UNA SENCILLA TRAGICOMEDIA TURCA EXIMIA EN FONDO Y FORMA. NOS CONQUISTA DE COMIENZO A FIN.

Ficha técnica

Título Original: Yedinci Kogustaki Mucize 

Turquía - 2,15 hrs. Fotografía: Torben Forsberg 

Edición: Rusen Daghan 

Música: Hasan Ozsut 

Diseño de Arte : Hakan Yarkin 

Guionistas: Özge Efendioglu, Kubilay Tat 

Actores: Aras Bulut Iynemli, Nisa Sofiya Aksongur, Deniz Baysal 

Director: Mehmet Ada Öztekin

El Evangelio según Mateo (1964) - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en YouTube

La película más hermosa, directa y poética jamás filmada sobre la vida de Jesucristo.

Entre las muchas joyas que el neorrealismo italiano aportó a la historia del cine, cuando Pasolini lo aplicó al Evangelio este género alcanzó la cumbre del arte.

Como todos los misterios espirituales - que llevan la paradoja en su ADN - resulta increíble que esta obra maestra fuera concebida, escrita y realizada por un fervoroso marxista, eróticamente crudo en sus otros filmes, y que muriera masacrado - a los 53 años - por otro homosexual similar a él.

Tal vez respondió a las palabras de Jesús: “He venido a salvar a mis ovejas perdidas”.

En nada se parece esta obra a las glamorosas superproducciones de otros países. Filmada con muy bajo presupuesto, sólo con actores aficionados, en blanco y negro; paisajes rocosos, desérticos, entre gente pobre, desdentada, habitando rústicas chozas de piedra y barro.

Cada escena, personaje e imagen, exuda pobreza y verdad. Son el terreno propicio para que las palabras de este Jesús, de aspecto tan modesto, vuelquen sobre el mundo su mensaje eterno del Nuevo Testamento: “de los pobres y humildes es el Reino de los Cielos”.

Desafía a los soberbios y poderosos trayendo a Dios directamente al pueblo sin necesidad de templos ni doctos intermediarios. Así se comprende la indignación de aquellos líderes amenazados por el vulgar hijo de un carpintero de Nazaret.

El Cristo de Enrique Irazoqui nos ayuda a comprender al personaje. Es sólo un hombre tosco. Pero hay algo inusitado en su mirada, una compasión amorosa, pura, sin dobleces.

Así de primitivos son también sus discípulos y los campesinos que se congregan a escucharlo. En vez de multitudes, casi siempre son sólo pequeños grupos de aldeanos de diversas edades.

En ningún momento Pasolini trata de vendernos algo, ni menos convertirnos. Se limita a ser un artista que comparte con nosotros lo que le dicta su corazón. Y lo hace con un lenguaje directo y con formas despojadas de cualquier adorno. En ello estriba la fuerza de su creación.

Sin embargo, para cumplir su propósito supo incluir a uno de los mejores fotógrafos de la época, Tonino Delli Colli (El Nombre de la Rosa 1986 - La Vida es Bella 1997), y una selección musical sincrética con trozos de J.S. Bach, Luis Bacalov, del jazzista Blind Willie Johnson y la Misa Luba.

Presenta una curiosa licencia en la figura de la Virgen María. Al comienzo será la desconcertada, pero sumisa adolescente (Margherita Caruso). Y al final, será su propia madre (Susana Pasolini) tal vez ya demasiado anciana para el rol.

Aprovechando la Semana Santa y nuestra cuarentena, recomendamos ver esta joya del cine a quienes la desconocen, y/o volver a deslumbrarse con ella si alguna vez la vieron.

UNA DE LAS MEJORES PELÍCULAS BIBLICAS DE TODOS LOS TIEMPOS. CATARSIS PURA.

Ficha técnica

Título Original: Il Vangelo secondo Matteo 

Biografía, historia, cristianismo Italia, Francia - 2,17 hrs. 

Fotografía: Tonino Delli Colli 

Edición: Nino Baragli 

Música: Luis Bacalov y Misa Luba 

Diseño Prod.: Luigi Scaccianoce 

Actores: Enrique Irazoqui, Margherita Caruso, Susanna Pasolini 

Guion y Dirección: Pier Paolo Pasolini

Hasta el último hombre - Por Jackie O.

“¿Qué es lo que quieres de mí?”

Brutal, conmovedora, sangrienta, esperanzadora, visceral y reflexiva.
Una de mis películas favoritas 2016.

Mel Gibson sabe cómo regalarnos momentos inolvidables, no escatima en viseras ni ratas cuando lo necesita. Sus películas son con todo, lloras, ríes o desvías tu vista. Pero nunca estamos indiferentes.

Sí, es de guerra, pero llena de esperanza, fortaleza y amor al prójimo.

Mel Gibson se lució dirigiendo esta película basada en un hecho verídico, donde nos muestra a un joven de buen corazón, que ama, vive y ayuda. Que su misión de vida es servir al prójimo sin importa quién es, ni en que circunstancia se encuentre.

La película se divide en dos: La primera mitad nos presenta a los personajes y la segunda nos vamos a vivir como soldados.

Las actuaciones son buenas más cuando vez a connotados actores quienes la interpretan, potenciada por una gran cantidad de recursos técnicos que van desde un extraordinario uso de la cámara lenta hasta la más envolvente y alucinante edición de sonido. El montaje está muy bien ejecutado.

En cuanto al guion, se muestra a veces cursi con eso de amor a primera vista y algo demasiado molesto o tal vez poco creíble ser tan objetor de conciencia (el protagonista es muy cristiano). Pero la historia en sí, en términos generales compensa esos detalles.

El vestuario y peluquería te transporta a la época, el maquillaje y los efectos muy reales.

No tener fe, tenerla y perderla o tenerla siempre, es parte del ser humano. Y nadie puede juzgarnos independiente al grupo que pertenezcamos. Simplemente hay que vivir de acuerdo a nuestras creencias, nuestras costumbres o lo que nuestra propia conciencia dictamine.

Lo ideal es haciendo el bien.

Si no quieres ayudar al prójimo, por lo menos intenta no dañar.

Una historia conmovedora, sensible y reflexiva. Llena de valores y que nos enseña a ser menos egoísta.

Porque tener una convicción no es un juego, es lo que eres.

Ficha técnica

Hacksaw Ridge. En Netflix.
Año: 2016 País: Estados Unidos
Director: Mel Gibson
Reparto: Andrew Garfield, es Desmond Doss, Sam Worthington, Hugo Weaving, Vince Vaughn, Rachel Grifith, Teresa Palmer, Luke Bracey, otros.

Tan distinto como yo - Por Jackie O.

“Cuando eres valioso para Dios, también lo eres para Satanás”.

Basada en un hecho verídico, y en la novela escrita por RON HALL cuando conoció a DENVER.

Tenemos a una familia perfecta, un matrimonio exitoso y adinerado con dos hijos adolescentes. Pero parece que Dios pone a prueba a todo el mundo, en especial aquellos que están muy bien. ¿O no?

Todo parecía estar bien hasta que Ron se ve en aprietos y debe confesarle a su esposa Deborah que le es infiel. Eso hace que la relación se complique, pero luego de unos días Deborah decide perdonarlo y él hace que su matrimonio sea como en un comienzo.

Pero no será como un comienzo, y Deborah se encarga de ello. Más cuando ella comienza a soñar con un hombre desconocido.

Luego Lleva a su marido a un lugar donde ella ha concurrido varias veces sin darle aviso. Un lugar que muchos pasan por alto, pero ella no. Ella es una mujer solidaria.

En dicho lugar conocen a Denver, un sujeto desquiciado a quien llaman suicida. Un hombre que cambiará sus vidas como ellos la de él.

Los 3 conocerán la alegría, bondad, la esperanza y la fe. Pero también perderán, en donde esa misma fe se ve amenazada.

Una historia simple, una historia que hemos visto una y cien veces y que acá presenta a un gran elenco. Tratada de una forma sensible, reflexiva y conmovedora.

Y dejando la religiosidad de lado, nos hace recordar que debemos detenernos un momento y pensar en el prójimo, en ser solidarios y enseñarle a las nuevas generaciones que debemos aprender a vivir en comunidad. Y sí, puede que existan momentos en que la encuentres lenta, pero vale verla.

Una historia de amistad y humanidad. Donde dos mundos chocan, pero nos da mensajes positivos para hacer de nuestro entorno mejor, y nuestro interior menos egoísta.

Ficha técnica

Título original: Same Kind of Different As Me
Género: Drama 

Duración: 119 min.
Año: 2017 

País: EE.UU.
Producción: Cale Boyter, Ron HallStephen, D. Johnston, Darren Moorman y Mary Parent.
Guion: Michael Carney y Alexander Foard
Reparto: Ron Hall interpretado por Greg Kinnear; Deborah Hall interpretado por Renée Zellweger; Denver Moore interpretado por Djimon Hounsou; Earl Hall es interpretado por Jon Voight; Regan Hall interpretado por Olivia Holt 

Director: Michael Carney

Modo Supervivencia - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Antoine -Guillaume Laurin- es un padre de familia preocupado de estar siempre alerta y preparado para las emergencias. Hay bastante de qué preocuparse; desastres naturales, calentamiento global, catástrofes, etc., y por ello, nunca está de más realizar una operación de evacuación familiar como la inquietante secuencia con la que se inicia esta película del director canadiense Patrice Laliberté.

“Jusqu'au déclin” posee una premisa clara. Observación, preparación y ante un desastre, ¡acción! Antoine no solo lo sabe sino que además lo pone en práctica. Un campamento de rigurosa preparación ofrecido por un conocido YouTuber local llamado Alain -Réal Bossé-, le seduce y decide inscribirse. Obviamente no está solo, tiene compañeros y compañeras que también buscan el preciado entrenamiento para enfrentar situaciones extremas.

El lugar está escondido en la montaña y la idea es que siga así. Son conducidos desde un lugar donde dejan sus autos tapados y donde también deben entregar sus celulares. No pueden ver el camino, solo pueden sentir su desplazamiento. Los días de entrenamiento son duros. No todos congenian, el carácter de cada uno provoca roces, sin embargo logran sortear algunas situaciones. Sin embargo, un incidente lo cambia todo y no hay vuelta atrás. Ahora más que nunca el lema de Alain se hace realidad; para vivir hay que sobrevivir.

Con pocos elementos y de la mano de una estupenda fotografía, el director nos conduce dentro de un relato que se enfoca en la forma en que actuamos en los momentos más críticos, aquellos en que nos jugamos la vida, en que una decisión es vital para continuar o caer.

La película transcurre con ritmo frenético. Su breve duración aporta pues no hay tiempo que perder cuando nos vemos ante una condición de vulnerabilidad y de emergencia. Nos sentimos así, por momentos somos los protagonistas, buscamos una explicación, una salida, o al menos la luz al final del túnel.

Patrice Laliberté usa muy bien la cámara para provocar las sensaciones que percibimos. Combina detalles con planos generales que entregan perspectiva y la vez generan tensión. El resultado es un thriller donde los valores son arrasados por el instinto, donde la solidaridad puede pasar a segundo plano porque cada segundo cuenta para sobrevivir o morir.

Ficha técnica

Título original: Jusqu'au déclin
Año: 2020
Duración: 83 minutos
País: Canadá
Productora: Couronne Nord. Distribuida por Netflix
Género: Thriller | Supervivencia. Naturaleza
Guion: Charles Dionne, Nicolas Krief, Patrice Laliberté
Música: Jason Sharp
Fotografía: Christophe Dalpé
Reparto: Guillaume Laurin, Marc Beaupré, Réal Bossé, Marilyn Castonguay, Guillaume Cyr, Isabelle Giroux, Marc-André Grondin, Marie-Evelyne Lessard, Juliette Maxyme Proulx
Dirección: Patrice Laliberté

La Lavandería - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Ellen Martin -Meryl Streep- queda viuda. Un accidente le arrebata a su marido en plenas vacaciones. Devastada por la pena, Ellen siente que lo ha perdido todo. Ni siquiera la posibilidad de una millonaria indemnización puede apagar su angustia. Sin embargo, no hay tal compensación porque el seguro de accidentes no responde. ¿Dónde está la responsabilidad? ¿A quién debe recurrir? En un enmarañado camino, Ellen descubre con pavor que todos los hilos conducen a un estudio de abogados de Ciudad de Panamá, “Mossack y Fonseca”, y decide emprender una búsqueda que desnudará absurdas mentiras y cuantiosos fraudes.

Basada en la investigación periodística del 2017 llamada "Panama Papers”, el director Steven Soderbergh elabora un relato de tono coloquial y con muchos elementos de comedia conducidos por la dupla de los abogados en cuestión. Gary Oldman y Antonio Banderas interpretan a Jürgen Mossack y a Ramón Fonseca, respectivamente, y ellos son los que llevan la historia a través de la narración de sus propias acciones.

La cinta resulta un poco dispersa. No solo vemos la historia de Ellen, también hay otras que muestran el turbio mundo de los negocios que crean estas “empresas de papel” en paraísos fiscales. No es fácil de entender la operación que la película nos muestra pero queda bastante claro que, si bien es un procedimiento legal que usa los resquicios de sistemas económicos que poseen regulaciones insuficientes, desde el punto de vista ético y moral, es una aberración. Y no solo porque permite enriquecimiento desproporcionado sino porque deja de cumplir con los mínimos estándares de protección y elude la responsabilidad cuando las cosas andan mal dejando a cientos de personas perjudicadas.

Soderbergh, siempre vivaz y desafiante, plantea un tema indignante. El abuso, el fraude y la astucia mal entendida generan nuestra molestia instantánea. Nos rebelamos ante eso y empatizamos con la protagonista que busca explicaciones y responsabilidades. No existen los datos concretos, hay falsas direcciones y los nombres están ocultos por una “pseudo” privacidad. Finalmente, nadie asume la responsabilidad y en la hora más triste son siempre perjudicados los mismos de siempre; los más débiles, los que están abajo, los que deben perder para que otros ganen.

“La Lavandería” acierta en la temática aunque queda un poco al debe en la forma. Las actuaciones de su trío central, Streep, Oldman y Banderas, seducen y dejan un gusto más que agradable. Otras tantas se pierden en el camino al igual que algunas historias que aportan solo pequeños detalles a una trama que por momentos se desgrana tanto que arriesga perder su norte. Por suerte, solo se extravía. Un golpe de timón la devuelve al centro de la historia, minutos antes que sea demasiado tarde.

Ficha técnica

Título original: The Laundromat
Año: 2019
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Grey Matter Productions / Anonymous Content / Netflix / Topic Studios. Distribuida por Netflix
Género: Intriga. Thriller. Comedia | Basado en hechos reales. Periodismo. Historias cruzadas
Guion: Scott Z. Burns (Libro: Jake Bernstein)
Fotografía: Steven Soderbergh
Reparto: Meryl Streep, Gary Oldman, Antonio Banderas, David Schwimmer, Alex Pettyfer, Will Forte, James Cromwell, Matthias Schoenaerts, Nonso Anozie, Melissa Rauch, Robert Patrick, Jeffrey Wright, Amy Pemberton, Chris Parnell
Dirección: Steven Soderbergh

Conversaciones con Dios - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en YouTube.

Testimonio verídico de un fecundo despertar espiritual.

El escritor Neale Donald Walsch, antes de hacerse multimillonario con la venta de sus 3 novelas, conoció el infierno de la pobreza y la desolación.

Luego de un accidente automovilístico que lo dejó semi inválido perdió el trabajo y la familia. Se transformó en un vagabundo que para alimentarse debía escarbar en los basureros.

Levantó su carpa en un campamento para mendigos tan miserables como él. En las cercanías habitaba una anciana esotérica, solitaria, llamada Sunny (Ingrid Boutling). Sus consejos de fe y esperanza lo estimularon para seguir sobreviviendo.

Halló un respiro cuando lo contrataron como animador dominical de una radioemisora pequeña. Creyó haber salido del foso. Cuando la radio quebró volvió a sumergirse en la angustia y la soledad.

Fue entonces cuando - desde lo más profundo de su depresión - sintió la voz de Dios que le hablaba. Le decía cosas tan claras que comenzó a escribirlas. Aceptando que fueran sólo alucinaciones le parecían dignas de anotarse. Sonaban a revelaciones de consuelo.

Con la colaboración de una amiga las ordenó y ofreció a varias editoriales. Por fin una aceptó. Y, gradualmente, esas reflexiones sobre cómo enfrentar el miedo y abrirse al amor, empezaron a iluminar a miles de lectores.

El más sorprendido era él quien se sentía apenas el torpe vocero de esas ideas, y palabras, que llegaban a su mente desde algún lugar desconocido del alma.

Las ediciones de sus libros siguen multiplicándose, traducidas a muchos idiomas, por todo el mundo.

El relato cinematográfico nos mantiene compartiendo las penurias de Neale quien, por medio de raccontos, recuerda los inesperados giros del destino, los milagrosos encuentros con personas cruciales, y de cómo algo superior a la razón humana le mostró el camino de salvación.

La película tiene el mérito de evitar cualquier afán predicante o proselitista. Sin apartarse de las contingencias cotidianas da testimonio de cómo nuestras facultades espirituales son más poderosas - e imprevistas - de lo que cualquiera pudiera esperar.

Un filme sobrio, de bajo presupuesto, y con actores cálidos encarnando personajes comunes y corrientes.

El actor Henry Czerny (Misión Imposible 1996 /Boda Sangrienta 2019), y de tantas series TV, encarna este rol con soltura dramática y naturalidad.

BIOGRAFÍA DE UN VAGABUNDO DERROTADO CUYAS REVELACIONES ESPIRITUALES HAN ILUMINADO A MILLONES DE LECTORES.

Ficha técnica

Aventura espiritual EE.UU. - 1,44,00 

Fotografía: João Fernandes 

Edición: Sherril Schlesinger 

Música: Emilio Kauderer 

Diseño Prod.: Renee Prince 

Guion: Eric DelaBarre 

Actores: Henry Czerny, Vilma Silva, Zillah Glory, Ingrid Boulting, Douglas Rowe 

Director: Stephen Simonhttps

La Cabaña - Por Carlos Correa

Difícil tarea la de hacer una película cristiana en los tiempos que corren. O se transforma delicadamente en un sermón o definitivamente aborda la temática sin la profundidad adecuada. En el caso de “La Cabaña” tenemos una base importante, un best seller del canadiense William Paul Young, publicado el 2007 y éxito de ventas señalado por la lista de “The New York Times” entre mediados de 2008 y comienzos de 2010. Y el desafío de adaptarla corre por cuenta del guionista John Fusco y del director Stuart Hazeldine.

Cuatro años atrás, la hija menor de Mackenzie Allen Phillips, Missy, desaparece durante unas vacaciones familiares. Todo indica que fue secuestrada y asesinada brutalmente en una cabaña abandonada en los bosques de Oregon. La tristeza no ha desaparecido y la rebeldía hacia la fe, tampoco. Mack -Sam Worthington- recibe una misteriosa carta firmada por Dios en la que le invita a ir de nuevo al lugar un fin de semana. No muy convencido, Mack llega al lugar una tarde de invierno, comienza a revivir su peor pesadilla, sin embargo lo que sucede allí provoca un cambio radical en su vida.

Si hablar de religión, creencia o fe es de suyo complejo, más lo es llevarlo a cabo en un formato artístico orientado a una audiencia masiva como es a través de una película. El esfuerzo bien vale la pena, aunque los resultados siempre serán evaluados de maneras diversas, dependiendo la óptica desde la que se le observe. “La cabaña” es honesta. No pretende más de lo que quiere y puede mostrar. Las preguntas son tan profundas que cualquier respuesta puede ser incompleta. El viaje personal de cada uno y la experiencia individual es muy difícil que coincida con una representación dramática. Distinto es el caso de un libro, donde cada uno puede construir su propio entorno, personificar de manera diferente y lograr aproximaciones más certeras a sus propias convicciones.

El director Stuart Hazeldine construye un relato correcto. Un comienzo inestable, con un thriller policial en ciernes que luego va evolucionando a un drama interno y contenido. El ritmo de la cinta es pausado, parece escapar de las preocupaciones cotidianas, como una vuelta al origen, al centro, a la paz interior. Mack no logra comprender qué sucede. Tampoco logra situarse en el lugar donde está. La profundidad del ser es el espacio más grande y a la vez más temido que una persona podría enfrentar y Mack está allí, en medio, pugnando por salidas, respuestas o al menos explicaciones.

“La cabaña” es abiertamente una película cristiana. Su centro es la Santísima Trinidad y su relato no excluye a ninguna religión que la reconozca. Este es un punto no menor cuando se trata de una temática que muchas veces aporta división más que comunión. ¿Cómo Dios puede permitir el mal? Aquello es muy difícil de comprender y el guión intenta entregarnos una aproximación diferente. Como un llamado a una profunda revisión interior, la fuerza de la rebeldía ante lo incomprensible, la facilidad de juzgar el bien o el mal pero en los otros más que en nosotros mismos, la culpa y todos los valores asociados, entregan al metraje contenido y propuesta para la reflexión personal.

Ficha técnica

Título original: The Shack
Año: 2016
Duración: 132 minutos
País: EE.UU
Género: Drama
Guión: John Fusco
Reparto: Sam Worthington, Radha Mitchell, Octavia Spencer, Graham Greene, Tim McGraw, Alice Braga, Aviv Alush
Director: Stuart Hazeldine

La Cabaña - Por Juan Pablo Donoso

Hermosa fábula familiar que entrega un mensaje de esperanza a quienes creen en la trascendencia del espíritu. Sobria, sensible y bien actuada.

Con habilidad los guionistas (Fusco (Alf),Landham y Cretton) y el director Hazeldine consiguen una historia grata y emotiva evitando caer en la predicación religiosa y, menos, en un relato cebollento.

Un buen padre de familia, Mack (Sam Worthington), sufre junto a su esposa (Radha Mitchell) la terrible experiencia del secuestro y asesinato de su pequeña hijita Missy (Amelie Eve).

Ese hombre cae en una profunda depresión. Nada puede consolarlo. Menos aún los recuerdos de su infancia cuando su padre alcohólico se ensañaba castigándolo brutalmente a él y a su madre.

Recibe una insólita invitación anónima a la montaña. En un arresto masoquista decide volver solo a la horrible cabaña donde sucedió el crimen. Subyace un impulso de venganza y autodestrucción. Y es entonces cuando el relato entra en una fase sobrenatural que ni él, ni nosotros, logramos comprender al comienzo.

En la soledad de los bosques montañosos aparece de pronto un hombre joven, judío, que lo invita a conocer a su familia que vive cerca de allí. ¿Sería el asesino?

Hay una pequeña familia compuesta por la Madre (Octavia Spencer, Talentos Ocultos), similar a una vecina que lo acogía cuando niño, y la hermana, una esbelta y silenciosa muchacha japonesa.

Mack acepta la invitación de permanecer con ellos en una hermosa cabañita. Gradualmente se entera que esta extraña familia, tan acogedora, son en realidad las tres divinidades del cristianismo: la Madre Negra es Dios Padre, el cordial muchacho judío es Jesús (Avraham Avivi Alush), y la discreta adolescente japonesa (Sumire Matsubara) es el Espíritu Santo, capaz de inspirar más con su presencia y su mirada que con sus palabras.

Experiencia parasicológica en la cual Mack será invitado a escuchar respuestas y a revivir momentos milagrosos del Evangelio. Esta amorosa convivencia le permitirá recuperar la esperanza, superar su depresión y mirar la vida y la muerte con los ojos del Amor y de la Eternidad.

La emoción surge de la sencillez con que los personajes responden a los desafíos de cada situación. 

La autenticidad del texto y la honestidad de los actores nos conmueven, especialmente si somos creyentes en la trascendencia del alma.

La disfrutarán quienes la vean sólo como un cuento familiar; y, tal vez, entregue un aliento de Fe, Esperanza y Amor a quienes escuchen las razones teológicas que entrega.

Hipótesis: Si Dios te enviase una carta ¿acudirías a su encuentro?

BELLO Y NOVEDOSO SINCRETISMO PARA ENCARNAR A LA TRINIDAD. SUGERENTE Y SABIA PARA CUALQUIER TIPO DE CREYENTE ESPIRITUAL.

Ficha técnica

Título Original : The Shack
BFDistribution
Drama familiar – espiritualidad
EE.UU. – Canadá - 132 minutos
Fotografía: Declan Quinn
Música: Aaron Sigman
Guionistas: John Fusco, Andrew Lanham, Daniel Cretton, William P. Young (novela)
Actores: Sam Worthington, Octavia Spencer, Tim McGraw, Radha Mitchell, Sumire Matsubara, Amelie Eve
Director: Stuart Hazeldine